Le Sfide del Rock raccontate dal Prof. Garage: Van Halen vs Malmsteen

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Di quando in quando però le sue lezioni non si tengono per la strada, che sarebbe il loro posto deputato, e nemmeno vicino ad un furgone sgangherato, come sarebbe consuetudine. No, qualche volta è più istruttivo commentare degli incontri, o per meglio dire degli scontri, tra i grandi protagonisti della scena mondiale. E allora bando alle ciance, mettetevi comodi e preparatevi a tifare per i vostri beniamini. Queste sono le sfide del Rock che il Prof. Garage organizza in queste particolari occasioni.

La vita, si sa, ci propone sempre nuove sfide. Quando non è lei a farlo ci pensa il vostro Prof. ad inventarne qualcuna divertente. Chi mi ha seguito nelle scorse puntate di questa rubrica si starà chiedendo se sia di nuovo toccato a me sostituire il direttore del campus sportivo dell’Università ma fortunatamente non è questo il caso (comunque nei corridoi si dice che la tresca con l’affascinante assistente di Mitologia e Religioni Arcane sia sempre più bollente). Lasciamoci dunque alle spalle, ma solo per il momento, i Lampi di Gloria di cui avevamo parlato a questa pagina e abbandoniamo la nobile arte della precedente competizione per cimentarci in una gara più rozza, pericolosa e…illegale. Dal parcheggio di fronte alla mensa diamo il via ad un giro secco di quattro isolati su rombanti muscle-car da centinaia di cavalli che decreterà a suon di sportellate un solo vincitore. Una corsa di velocità mi sembrava la sfida giusta perché i nostri partecipanti possono viaggiare tranquillamente con il metronomo impostato a 200 e sono tra i più temerari, funambolici e ipertecnici chitarristi della storia del Rock! Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi negli abitacoli delle nostre macchine ho chiuso niente di meno che Yngwie Johan Malmsteen, al secolo Lars Johan Yngve Lannerbäck, e Eddie Van Halen, nato Edward Lodewijk Van Halen, in un confronto Svezia contro Olanda che si preannuncia leggendario.

I motori hanno iniziato a rombare sul finire degli anni sessanta quando un giovanissimo Eddie, trasferitosi in California a seguito della famiglia, decise di dedicarsi alla chitarra lasciando così definitivamente la sua batteria al fratello Alex, con il quale suonerà poi per tutta la carriera. Quasi contemporaneamente dall’altra parte del mondo un altro ragazzino anch’egli figlio di una famiglia di musicisti, impressionato da un’esibizione di Jimi Hendrix trasmessa in TV per la sua prematura scomparsa, abbracciava la chitarra facendosi però ispirare da nomi come Paganini e Bach. Vi svelo subito un’altra cosa che i nostri protagonisti hanno in comune: pur divisi da stili e percorsi artistici totalmente diversi, molti anni più tardi entrambi saranno eletti tra i dieci migliori chitarristi di tutti i tempi! Ma torniamo alle sfolgoranti carriere dei nostri piloti perché la procace gnoccolona d’ordinanza sta già per lasciar cadere il fazzoletto e, com’è noto, quello è il momento per mollare le frizioni!

I Van Halen, forti di una formazione stabile e di un progetto già ben definito lasciarono sull’asfalto la prima sgommata già nel 1978. L’omonimo album d’esordio fu a dir poco rivoluzionario e li proiettò direttamente nel mainstream con un hard rock quasi metal che li manterrà a cavallo dei due mondi per molti anni. Al giovane ed eccentrico Malmsteen ci volle un po’ più di tempo per ingranare la prima ed emergere ma non per farsi notare come virtuoso delle sei corde. Era il 1984 e con il debutto dei suoi Rising Force il nostro eroe poneva le basi, pur già accennate nelle collaborazioni precedenti, per il sotto-genere a cui ha dato i natali: il neoclassic metal. Carriere parallele e generi diversi terranno i nostri sfidanti, pur uniti da stima reciproca, separati sui palchi della storia del rock ma non nei cuori dei chitarristi, degli aspiranti axeman e degli amanti dei tecnicismi di tutto il mondo che dagli anni ottanta, ovvero da quando il modo di suonare rock è stato stravolto, li osannano come veri e propri eroi.

Stridono e fumano le gomme mentre siamo già alla prima curva quindi è giunto il momento di esaminare motori e carrozzerie dei bolidi in pista. Mentre Yngwie si è per lo più dedicato a raffinare costantemente la sua strumentazione partendo da una classica accoppiata Fender Stratocaster e Marshall valvolare con coni Celestion, Van Halen ha nel tempo adottato amplificatori e soprattutto chitarre di diverse marche, tra cui Kramer, Peavey e Charvel, partendo da una che si è assemblato da solo per approdare infine a quelle prodotte con un suo marchio proprietario, la EVH (dalle sue iniziali, per chi si fosse distratto troppo guardando la ragazza allo start). Mi perdoneranno quelli che non masticano troppo di chitarre ma con protagonisti di questo genere non si può evitare di entrare un po’ più nello specifico di queste due asce che, nemmeno a dirlo, non potrebbero essere più diverse: laddove infatti la chitarra di Yngwie adotta un look classico, sottolineato dalle forme e dal tipico colore bianco invecchiato, quella di Eddie propone linee più moderne votate al confort del musicista sfoggiando addirittura una paletta la cui forma è ideata e brevettata de Van Halen stesso.

Preferenze differenti anche per i legni naturalmente, nonché per i ponti: Malmsteen utilizza infatti un classico ponte Fender, modificato però con un blocco in ottone, per aggiungere sostegno al suono, a cui tra l’altro accoppia un capotasto dello stesso materiale. Van Halen ha scelto invece un ponte Floyd Rose appoggiato per permettere il movimento in un solo senso, ovvero un dispositivo che dovrebbe garantire maggiore precisione ed un’accordatura più stabile. A questo viene poi installato un congegno, di nuovo brevettato da Eddie, con cui si può variare istantaneamente l’accordatura della sesta corda da Mi a Re. Grandi differenze anche nella scelta dei pickup, ovvero dei “microfoni” atti a raccogliere il suono: Yngwie apparentemente utilizza una classica tripletta di single coil che in realtà però nascondono una doppia bobina per avere una “spinta” e una silenziosità simile a quella di tradizionali humbucker, ovvero pickup raddoppiati non solo nella potenza sonora ma anche nelle dimensioni. Di questo ultimo tipo sono quelli adottati da Van Halen che nel tempo ha trovato da solo una “ricetta” per costruirseli in modo da ottenere il suono desiderato.

Per entrambi naturalmente questi componenti sono stati evoluti nel tempo e ne esistono diverse versioni, anche prodotte da costruttori differenti, mantenendo però di volta in volta invariato molte delle caratteristiche originali. Senza entrare troppo nello specifico basti sapere che la combinazione scelta da Yngwie dovrebbe, almeno sulla carta, consentirgli una maggiore versatilità laddove invece la soluzione sposata da Van Halen predilige la pressione sonora necessaria al suo particolare stile… di cui ci occuperemo tra breve. Concludiamo questa lunga ma doverosa parentesi con l’ultima squisitezza: in casa Malmsteen la tastiera è di tipo “scalloped” ovvero scavata, una modifica utilizzata prima di lui anche da Ritchie Blackmore, l’unico chitarrista da cui Yngwie si sia lasciato in qualche modo influenzare. E’ al chitarrista dei Deep Purple infatti che si devono le prime seminali iniezioni di musica classica nelle partiture rock.

Una curiosità prima che le vetture si lancino sul prossimo rettilineo: sappiate che volendo potete comprarvi una versione “replica” dei fantastici strumenti di cui abbiamo parlato, nonché degli amplificatori e persino degli effetti dei nostri eroi ma non aspettatevi che suonino come li sentite sui loro CD perché lì la magia sta tutta nelle dita! C’è però una buona notizia: forse voi non ci crederete ma, come molti chitarristi della loro generazione, anche Eddie e Yngwie sono autodidatti! Proprio così: nessuno dei due ha mai preso una lezione di chitarra e, se è vero che a Malmsteen bastano tre settimane per comporre una suite per orchestra di quattrocento pagine, Van Halen a quanto pare non ha mai nemmeno imparato a leggere la musica su uno spartito. Purtroppo è altrettanto vero che Yngwie, proprio come Paganini, per via del suo mostruoso talento è stato addirittura accusato di aver fatto un patto con il diavolo…ma voi, se ve la sentite, potete comunque provare ad imitarlo! Una piccola chicca: tra le vie di Genova, la città di Paganini, non è impossibile trovare scritto sui muri “Malmsteen è il demonio” in caratteri dal perfetto stile gotico!

Secondo rettilineo, staccata da tirar su la cena del giorno prima, inserimento in controsterzo e siamo di nuovo a parlare di album. I Van Halen hanno costruito la propria fortuna sostanzialmente nei primi venti anni di carriera attraverso una decina di album straordinari che possono più o meno essere divisi in due periodi. L’era con David Lee Roth al microfono fu caratterizzata da composizioni un po’ “fuori di testa” ovvero più innovative e spontanee, scolpite con un hard’n’heavy tutto energia e divertimento al punto che ancora oggi nei negozi non è insolito trovare questi CD tanto nella sezione hard rock che in quella dedicata all’heavy metal. La successiva, con Sammy Hagar alla voce, vide invece protagonista un songwriting più maturo e ordinato, sonorità più “tastierose”, un generale e considerevole ammorbidimento e melodie assai più catchy che infatti portarono il gruppo ad ampliare la propria platea e quindi a nuove vette di successo. Seguì un lungo periodo di astinenza dallo studio di registrazione fino alla reunion con Roth che ad oggi è di nuovo il frontman ufficiale della band. Per dirla tutta in questo lungo lasso di tempo c’è stato un avvicendamento bizzarro tra i due frontman interrotto anche da una breve parentesi che ha visto l’ex-Extreme Gary Cherone appostarsi dietro al microfono. E’ stato solo un modo per rischiare un brutto testacoda e infatti niente di tutto ciò ha portato grandi risultati se non contiamo le infinite polemiche, i problemi contrattuali, i pasticci con i diritti, le conseguenti cause legali e le liti a mezzo stampa degne delle migliori telenovelas.

La carriera dei Rising Force è stata molto più costante con il solo Malmsteen a fare da centro di gravità di una formazione che ha visto ruotare sempre diverse collaborazioni, più o meno illustri, senza smarrire però mai la via della produttività come testimoniano oltre venti album sparpagliati con una certa regolarità in più di trent’anni. Sul genere si potrebbe scrivere un intero testo ma in estrema sintesi diciamo che riprende canoni e sonorità della musica classica fondendoli con il metal d’alta scuola in un connubio che nel tempo tanti hanno tentato di imitare senza però nemmeno riuscire ad avvicinarsi all’originale. Pensate che il fenomeno si estese tanto da meritarsi una definizione specifica e infatti ad un certo punto si iniziò addirittura a parlare di Bach’n’Roll proprio per identificare questo movimento. Contrariamente a quanto succede di solito gli album di Malmsteen, che solo saltuariamente escono con il monicker Rising Force secondo una logica non proprio cristallina, hanno subìto un progressivo incattivimento almeno fine alla fine degli anni novanta per poi assestarsi su quello che ancora oggi è il suo stile definitivo.

Le gomme stridono, il retrotreno delle vetture si mette di traverso e intanto io colgo l’occasione per sottolineare un’ulteriore differenza nell’approccio con la musica dei nostri axeman. Mentre Yngwie ha da sempre mostrato una fedeltà alle proprie idee e un’integrità artistica che spesso è sfociata, e sfocia tuttora, in aspre critiche, Van Halen si è dimostrato aperto alla metamorfosi e all’evoluzione tanto che, se non fosse per l’inconfondibile sound della sua chitarra, si stenterebbe ad attribuire allo stesso artista la paternità di due brani a caso presi dal periodo con Roth e da quello con Hagar. Non che in casa Malmsteen siano mancati gli esperimenti, è solo che suonare con una vera orchestra alle spalle non si può chiamare “cambiamento” quando si suona neoclassic metal…al più, per quanto mirabile e straordinaria sia questa impresa, potrebbe essere definito una variazione sul tema. Ma non fraintendetemi, ho già avuto modo di sottolineare su queste stesse pagine come il tanto vituperato immobilismo artistico, di cui vengono accusati molti grandi nomi del rock e soprattutto del metal, non sia necessariamente un male. Voglio dire che finché ci si può vantare di aver inventato un genere, apprezzato o meno che sia, si possono tranquillamente rimandare al mittente tutte le critiche in merito a come questo debba o meno essere sviluppato ed evoluto. Quando Malmsteen si sentirà di abbandonare l’amatissima scala minore armonica, il cui utilizzo estensivo ha contribuito alla sua fama e al suo stile, per qualcosa di diverso tutto il mondo se ne accorgerà. Fino ad allora il neoclassic metal sarà così e chi non è d’accordo può, come suggerito da Yngwie stesso non senza sottolineare quanto sarebbe un terribile sbaglio, evitare di comprare i suoi dischi.

Quarta, terza, seconda e una puntata appena di freno a mano per entrare in traiettoria, lanciarsi a ruote fumanti verso l’orizzonte e tentare di agguantare il prossimo sorpasso che… non si può fare con la sola potenza. Ci vuole anche tecnica e in quanto a questo i nostri virtuosi non sono secondi a nessuno e naturalmente ognuno ha le sue preferenze o, per meglio dire, ognuno ha portato a nuove vette di perfezione ed espressività una tecnica diversa. Qualora non abbiate mai sentito parlare di tapping sappiate che è un modo di suonare la chitarra “picchiettando e strappando” le corde con la punta delle dita, se fatto contemporaneamente con entrambe le mani su tutta la tastiera consente fraseggi estremamente veloci e complessi. In molti avevano già integrato brevi passaggi di questo tipo nei propri assoli ma nella storia del rock nessuno prima di Van Halen e della sua Eruption si era mai spinto a livelli di difficoltà e perfezione simili. Si tratta di un brano strumentale incentrato appunto sul tapping e presente sull’album d’esordio della band del 1978. In pratica è un unico, incredibile assolo che lasciò il mondo della chitarra rock nello scompiglio per molti anni. Più o meno fino a quando, a metà degli anni ottanta, un altro guitar hero non si affacciò sulla scena stravolgendone di nuovo i canoni e prendendo in contropiede un’intera generazione di axeman che, con rare eccezioni, prima di quel momento venivano chiamati “fenomeni” e che dopo si trovarono ad inseguire chiedendosi che cosa li avesse travolti.

Malmsteen si ispirò a Bach e Vivaldi per integrare le melodie classiche in partiture metal suonate a velocità stratosferiche consentite da una perizia nella plettrata alternata e nello sweep picking ancora oggi praticamente ineguagliata. Semplificando esageratamente il concetto si tratta di suonare serie di note prese in sequenza su corde adiacenti con un unico movimento del plettro… insomma una cosa per molti ma non per tutti. Quello che lascia esterrefatti comunque non è tanto la rapidità nell’esecuzione, che francamente ha comunque del miracoloso, ma l’estrema naturalezza con cui Yngwie lo esegue. Non è quindi solo quello che fa, ma anche e soprattutto come lo fa a lasciare senza parole. Ascoltarlo su disco potrebbe non bastare, bisogna andare sotto il palco ad un suo concerto per rendersene conto. Io l’ho fatto: la precisione e l’estrema pulizia derivante dalla perfezione esecutiva si sentono anche a orecchio ma mentre gli altri chitarristi che tentano di eseguire parti vagamente simili sembrano sul punto di un collasso coronarico, lui le suona andando avanti per interi minuti con una disinvoltura tale da farle quasi sembrare facili. Onestamente fa persino incazzare… provare per credere!

Il traguardo è già lì. I due bolidi spuntano appaiati sul rettilineo finale sportellandosi a velocità da stracciare le patenti. Se leggete questa rubrica è perché vi interessa la sostanza e non il futile pettogolezzo quindi lasciamo da parte tutte le critiche sui problemi di alcolismo, le polemiche con la stampa, le disquisizioni su condizioni di salute talvolta allarmanti, i commenti sui nomi dei figli Antonio (come Vivaldi) Malmsteen e Wolfgang (come Mozart) Van Halen e le immancabili chiacchiere su quanto uno sia presuntuoso, scontroso e arrogante o l’altro sia volubile e scostante. Limitiamoci ad osservare che la genialità e l’eccellenza hanno un prezzo e che anche la fama, o la sua insufficienza, presenta sempre un conto molto salato. Lo testimoniano tutti i problemi di line-up e management che entrambi hanno dovuto affrontare e che non sono certo stati semplificati da personalità accomodanti o inclini alla tolleranza. D’altronde per raggiungere certi livelli bisogna per forza diventare perfezionisti, pignoli e talvolta maniacali dunque non deve sorprendere che le opinioni sui nostri guitar hero siano per lo meno discordanti e non sempre lusinghiere. Se ci pensate non avrebbe potuto essere altrimenti. Stiamo parlando di chitarristi solisti ovvero della massima espressione dell’egocentrismo e dell’autoreferenziazione. Basta guardare il video di un loro live per rendersene conto. L’unica differenza è che con l’avanzare dell’età (e degli acciacchi) Eddie si è dato una calmata, non è che abbia forato una gomma, rimane incredibile per gli occhi e per le orecchie ma non è più spettacolare come una volta. Yngwie al contrario è rimasto lo show-man spaccone di sempre e, piaccia o no, è innegabile che le sue esibizioni siano una vera meraviglia, sensazionali ed esagerate sotto ogni punto di vista.

Bandiera a scacchi e vittoria da assegnare al photo finish! Purtroppo questa è una gara illegale su strada e, visto che la conturbante gnoccolona di cui sopra ha alzato i (vertiginosi) tacchi e mi ha mollato subito dopo la partenza, non ci sono che io a controllare l’arrivo e ad accogliere il rientro dei nostri piloti…temo che ne saranno oltremodo delusi! Niente rilevamenti elettronici insomma, quindi cerchiamo di assegnare questa vittoria valutando la corsa. Se considerassimo i soli album venduti probabilmente Van Halen vincerebbe a mani basse, come è ovvio avendo dedicato buona parte della propria carriera ad un genere più melodico, meno estremo e in generale più adatto a grandi numeri. D’altra parte Malmsteen ha composto di più, pubblicato più album, calcato più palchi, partecipato a più collaborazioni risultando insomma più attivo e soprattutto più costante. Non si può dimenticare poi che Yngwie ha di fatto sdoganato un nuovo genere e, anche se oggi è rimasto praticamente il solo a suonarlo, è innegabile che in passato molti abbiano seguito le sue orme e che tuttora la sua impronta unica si possa vedere impressa nello stile di molti chitarristi soprattutto in ambito metal.

Dal canto suo Eddie ha dato il via alla generazione di fenomeni che ha spopolato negli anni ottanta affermando il moderno modello di “shredder” (virtuoso solista delle sei corde tipicamente un po’ sborone, proprio come piace a noi fan) e portando nelle orecchie del grande pubblico nuovi livelli di ipertecnicismo. Insomma più ci addentriamo nelle imprese di questi due giganti delle sei corde più la proverbiale asticella si alza. Innovatori, talentuosi, visionari, viscerali, emozionanti, irraggiungibili… in una parola: unici. Forse per questa volta potremmo accontentarci di scegliere con il cuore, o se preferite con le orecchie, basandoci solo sulle nostre personali preferenze perché, pur con tutte le dovute differenze, forse la linea del traguardo l’hanno davvero raggiunta nello stesso momento. Follow the Professor!

Lampi di Gloria raccontati dal Prof. Garage: House Of The Rising Sun by The Animals

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nella sua materia non sfoglia libri e non traduce lingue antiche ma sul suo furgoncino sgangherato ascolta la musica e i cuori di chi ha il Rock nel sangue. Durante i suoi studi di tanto in tanto si imbatte in brani stupendi, divenuti giustamente celeberrimi, i cui autori però, per un motivo o per l’altro, non godono più di altrettanta fama o sono stati addirittura dimenticati. E’ per soddisfare i più curiosi e sopperire a questa ingiustizia che il Prof. Garage ci guida attraverso la Storia del Rock seguendo questi… Lampi di Gloria.

Rockofagi e Rockofili di ieri e di oggi, come nella scorso episodio disponibile a questa pagina anche in questa puntata ci occupiamo di un brano molto speciale passato alla storia addirittura più del gruppo che l’ha partorito. House Of The Rising Sun prende forma da una tradizionale ballata country americana tanto datata da non poter più essere attribuita all’autore originale il cui nome purtroppo si è perso nelle pagine del tempo. La prima versione registrata viene fatta risalire ad un periodo compreso tra le due grandi guerre ma successivamente nel corso degli anni molti gruppi ne hanno proposto una propria versione. Tra questi spicca per importanza Bob Dylan anche se furono i The Animals a darle l’immortalità che l’ha portata nelle orecchie di tutti noi. È a loro che l’hanno sdoganata nel mondo intero, non senza incorrere in qualche immancabile polemica, che viene quindi generalmente attribuita la paternità di questo pezzo di storia del rock. Ecco come andò.

Verso la metà degli anni sessanta nel Regno Unito prendeva forma la British Invasion, un movimento musicale che a più riprese porterà i gruppi inglesi come Beatles, Rolling Stones, Fab Four, The Kinks e altri ancora a conquistare le classifiche statunitensi e canadesi. Fu un fenomeno davvero notevole principalmente per due ragioni. La prima è che fino a quel momento l’onda delle influenze aveva viaggiato prevalentemente in senso opposto. La seconda è che, come detto, ce ne furono diverse edizioni, come a dimostrare la concretezza di una scena musicale costantemente fertile e non solo capace di una sporadica fiammata… ma questa è un’altra storia. Noi torniamo al 1964 quando i neonati The Animals, incoraggiati dai positivi riscontri raccolti sui palchi delle loro prime esibizioni come quintetto rhythm and blues, rilasciarono alle stampe il loro primo successo internazionale: House Of The Rising Sun. Come detto non si trattava di un brano originale ma l’arrangiamento ipnotico e le sonorità orecchiabili e penetranti, che oggi con ogni probabilità definiremmo “catchy”, ne decretarono comunque l’immediato successo stabilendo al contempo le fondamenta del futuro stile della band.

Il sound del gruppo ruotava infatti sull’organo compatto di Alan Price e rimarrà piuttosto “tastieroso” anche dopo che questi lasciò i compagni l’anno successivo. Val la pena di notare che questo particolare strumento, un Vox Continental all’epoca davvero innovativo per le ridotte dimensioni e per l’adozione di tasti neri e bianchi (invece che bianchi e neri), sebbene appena uscito sul mercato fece subito diversi proseliti. E’ lui infatti a donare con il suo tipico timbro acido molta della personalità che ha contribuito a rendere celebri tanti pezzi famosi tra cui vanno menzionati almeno Break On Throught e Light My Fire dei Doors e In-A-Gadda-Da-Vida degli Iron Butterfly, tutti usciti nel triennio successivo. Al tastierista dei The Animals, che nel video del nostro brano esibisce il suo Vox Continental dalla caratteristica ed inusuale finitura in pelle rossa, va invece riconosciuto il merito di aver fatto scuola essendo di fatto stato tra i primi ad adottarlo stabilmente.

Ecco dunque una delle chiavi del successo di House Of The Rising Sun: oggi non ce ne rendiamo più conto ovviamente ma allora, a metà degli anni sessanta, quel sound era davvero innovativo e arrivò perciò ad influenzare diversi nomi anche piuttosto blasonati. Un altro aspetto peculiare che distinse questo brano dalla folta concorrenza e contribuì alla sua fortuna è la profonda inquietudine sottesa per tutto il pezzo a tormentare l’ascoltatore. Se ci fate caso tutto è votato ad incrementare questo senso di malinconia: la voce cadenzata e incalzante di Eric Burdon, il particolare suono del già citato organo e persino lo strano video sono concepiti appositamente. D’altronde non poteva essere altrimenti visto che il testo parla di disagio sociale e prostituzione in una casa chiusa di New Orleans. Ai più scrupolosi interesserà sapere che di questo brano esistono due versioni: quella al femminile parla di una ragazza costretta a prostituirsi per vivere, quella al maschile, che è l’originale di cui ci stiamo occupando, di un ragazzo che, incapace di realizzarsi, spreca la sua vita nella House Of The Rising Sun… in ogni caso, a quanto pare, la storia tra quelle mura non finisce tanto bene per i protagonisti. Volendo cercare un lieto fine potremmo considerare che, stando a quanto sostengono i ben informati, quella casa è stata demolita ad inizio secolo…non è molto ma è già qualcosa.

Ad ogni modo il brano fu un successo che proiettò i The Animals al primo posto delle classifiche inglesi, statunitensi e canadesi. Disgraziatamente il gruppo non seppe gestire l’improvviso successo ed i conseguenti impegni ed iniziarono così ad avvicendarsi in formazione diversi componenti con il solo Eric Burdon rimasto a tenere le fila del progetto. Fino alla fine degli anni sessanta la band, pur senza raggiungere le vette toccate con l’esordio, comparve in posizioni importanti nelle classifiche di vendita entrando anche a più riprese nella top ten anglosassone. Successivamente il gruppo si sciolse salvo ricomparire a intermittenza per rilasciare vari altri lavori e compilation che interesseranno però solo i fan più sfegatati. A tutti gli altri resta da godere di questo brano che è un piccolo capolavoro, retaggio di quel rock seminale che ha portato tanti frutti nelle generazioni successive. Vien da chiedersi come sarebbe cambiato lo skyline della storia del rock senza la House Of The Rising Sun. Io credo che una fermata tra quelle mura abbia portato solo buoni frutti, voi invece potete dirmi la vostra opinione nei commenti qui sotto.

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Lampi di Gloria raccontati dal Prof. Garage: My Sharona by The Knack

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nella sua materia non sfoglia libri e non traduce lingue antiche ma sul suo furgoncino sgangherato ascolta la musica e i cuori di chi ha il rock nel sangue. Durante i suoi studi di tanto in tanto si imbatte in brani stupendi, divenuti giustamente celeberrimi, i cui autori però, per un motivo o per l’altro, non godono più di altrettanta fama o sono stati addirittura dimenticati. È per soddisfare i più curiosi e sopperire a questa ingiustizia che il Prof. Garage ci guida attraverso la Storia del Rock seguendo questi…Lampi di Gloria.

Io non sono un grande appassionato di cruciverba ma sulla Settimana Enigmistica c’è una sezione che mi ha sempre incuriosito. Si intitola “Forse non tutti sanne che…”. Ecco perchè questa nuova serie di articoli avrebbe potuto chiamarsi anche così. Dopo aver incontrato degli “Ospiti (molto) Speciali” a questa pagina nell’ultima puntata, ho pensato poteste gradire un tuffo nel passato. Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi avete sicuramente ascoltato mille volte My Sharona e magari in decine di salse diverse ma forse non tutti sapete chi l’ha composta, quando o perchè. Alla domanda “chi sa dirmi di chi è questo brano?” probabilmente si alzerebbero molte mani ma quante rimarrebbero alzate se vi dicessi che sono tantissimi i gruppi che ne hanno realizzato una cover? Tra gli altri i Nirvana, i Ramones e persino gli Hammerfall, che abbiamo elogiato per il loro epic/power metal in una delle nostre Sfide del Rock, ne hanno confezionato una loro versione. Ma quindi chi ne può reclamare davvero la paternità? Scopriamolo.

Nel 1979 a Los Angeles vedeva la luce Get The Knack primo album dei The Knack che all’epoca si rivelò uno dei migliori debutti di tutti i tempi. Fu stupefacente per varie ragioni. In primis perchè, contrariamente alle lunghissime e costosissime super produzioni di tanti colleghi, il disco venne registrato in sole due settimane e con un budget estremamente ridotto. In secondo luogo perchè inizialmente la band faticò non poco a trovare una casa discografica disposta ad accoglierli ma i Nostri non si diedero per vinti. Si rimboccarono le maniche e con una serie di show memorabili strapparono a viva forza il successo da una scena che inizialmente li aveva rifiutati. Insomma, tirarono fuori gli attributi mostrando un’energia e un’attitudine rock’n’roll che gli valse la possibilità di accogliere sul palco ospiti del calibro di Ray Manzarek (The Doors), Tom Petty nonchè niente di meno che sua maestà Bruce Springsteen! Dopo questo le proposte delle major fioccarono e il resto è storia. Il tentativo di rimodernare il sound dei Beatles, a cui venivano accostati soprattutto per l’adozione di un look simile, non apparve fuori luogo e la freschezza delle composizioni conquistò un largo pubblico tanto che molti anni più tardi Kurt Cobain, compianto leader dei Nirvana, menzionerà Get The Knack tra i suoi dischi preferiti di tutti i tempi. Nel 2002 ne venne infine pubblicata una edizione rimasterizzata con qualche traccia aggiuntiva. Scommetto che a questo punto vi starete chiedendo chi è Sharona…

Voi non ci crederete ma la Sharona protagonista del brano non è affatto un espediente espressivo, una metafora adottata per comunicare un messaggio. Niente affatto: esiste veramente, era stata la ragazza di Doug Fieger, cantante della band, e oggi è un’agente immobiliare di Los Angeles che va giustamente fiera di essere divenuta celebre in questo modo. Possiamo addirittura vederla perchè è davvero lei la ragazza che compare con una striminzita canottierina bianca, molto conturbante soprattutto per l’epoca, sulla copertina del vinile originale. Ma torniamo al nostro brano: val la pena di notare come Dave Grohl, leader dei Foo Fighters, abbia più volte dichiarato che My Sharona è la sua canzone preferita o come Michael Jackson, desiderando farne una sua versione, finì per dar vita al celeberrimo brano Beat It pubblicato sull’album Thriller del 1982. Tutto questo nonostante Fieger abbia confessato che per comporre e arrangiare My Sharona insieme all’amico Berton Averre, chitarrista della band, non ci vollero più di quindici minuti! Quando si dice “far fruttare il tempo”!

Dopo questo fragoroso debutto i The Knack tornarono in studio per altri due album che ebbero un successo soltanto discreto, poi le uscite discografiche si diradarono arrivando ad una cadenza quasi decennale. Nel frattempo Fieger e Averre hanno sciolto e riformato il gruppo un’infinità di volte, in un tira e molla degno di un calciatore e una velina, rilasciando alla stampa un totale di sei album di inediti e una raccolta di vecchie registrazioni risalenti agli albori della band. Non sono mai riusciti a bissare il successo degli esordi e, per dire la verità, non tutti questi lavori sono proprio memorabili ma se avete voglia di questo tipo di sonorità rispolverare i vecchi dischi dei The Knack potrebbe darvi ben più di qualche soddisfazione. Alla prossima e…Follow the Professor!

Special Guests del Rock raccontati dal Prof. Garage: Volbeat

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nel suo infinito peregrinare tra concerti e festival di tanto in tanto invita per una chiacchierata sul suo furgoncino sgangherato band di ogni tipo, grandi e piccole, famose ed emergenti, alcune davvero troppo valide per essere trascurate. Per ora questi gruppi possono soltanto aspirare allo status di Leggenda del Rock ma sono comunque “osservati speciali”, ospiti del Prof. Garage che, sempre attento alle nuove tendenze, all’originalità e all’innovazione vi parla di quelli che oggi sono special guest nella Storia del Rock.

Come certamente tutti sapete ad ogni concerto che si rispetti sono presenti uno o più “gruppi spalla” ovvero delle band relativamente giovani a cui viene data l’occasione di promuovere il proprio lavoro davanti ad un pubblico che da soli magari faticherebbero a raccogliere. Quando questi gruppi saranno cresciuti abbastanza offriranno la stessa possibilità ad altri… o almeno questa è la versione romantica della storia. Ispirandomi a questa idea ho voluto anch’io proporvi una selezione di nomi che si sono distinti nel tempo per inventiva, qualità, tecnica o…diciamocelo, pazzia. Dopo avervi parlato di alcune leggende del Rock e avervi presentato uno scontro davvero “epico” a questa pagina è il momento di affrontare una compagine particolarissima che in una carriera già di tutto rispetto si è senz’altro distinta per originalità meritandosi di aprire questo nostro ideale concerto. Non si tratta certo di pivelli, hanno già rastrellato un gran numero di premi, sono in circolazione da quasi quindici anni e all’attivo possono già contare sei album e diversi tour. Insomma sono ottimi candidati per diventare leggende del Rock ma non volevo aspettare oltre per parlarvi degli special guest di oggi: i danesi Volbeat.

Al momento attuale solo due dei tre membri della formazione originale sono ancora nel gruppo ma in compenso ora annoverano tra le loro fila un chitarrista in più, un certo Rob Caggiano che, per chi non lo sapesse, ha suonato per una decina d’anni negli Anthrax, parliamo di uno dei Big Four, mica pizza e fichi. Come dire: se è andato bene per Scott Ian e soci può andare bene ovunque…e infatti è così. Va alla grande, persino quando deve suonare rockabilly-metal! No, tranquilli, questo genere non esiste però nelle composizioni di Michael Poulsen, cantante, chitarrista, leader e fondatore dei Volbeat si sentono chiaramente gli ascolti con cui è cresciuto, ovvero, per sua stessa ammissione: Elvis Presley, Chuck Berry, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Fats Domino. Vien da sé che con influenze come queste il genere proposto dai Nostri sia un fresco crossover che ha da spartire poco o niente con qualsiasi altro brano possiate sentire su una normale web radio dedita al metallo. L’intenso e trascinante groove che caratterizza il metal dei Volbeat li ha infatti distinti tanto quanto il genere di cui sono protagonisti incontrastati valendo alla band diversi riconoscimenti in patria e all’estero. Poulsen stesso definisce la sua musica come un hard rock influenzato dai suoi ascolti adolescenziali che, oltre quelli già indicati, annoverano Dio, Black Sabbath, Rainbow, Deep Purple, Metallica, Iron Maiden e ovviamente la più famosa metal band danese dell’epoca, i Mercyful Fate di King Diamond. Non è solo una fortuita coincidenza che questi siano proprio gli stessi gruppi seguiti all’epoca dal moroso di sua sorella… pensate (anche) a questo la prossima volta che andate a trovare la vostra ragazza e c’è in circolazione il suo fratellino!

Torniamo ai Volbeat. Per ora sono sei le loro fatiche in studio. Il debutto del 2005 The Strength/The Sound/The Songs che pur con i suoi alti e bassi stupì pubblico e stampa, il più lineare Rock the Rebel/Metal the Devil del 2007 che confermò quanto di buono ci fosse nel precedente capitolo aggiustando però il tiro e non di poco, l’album della maturità Guitar Gangsters & Cadillac Blood del 2008 che da molti è considerato il loro miglior CD e lo stratosferico Beyond Hell/Above Heaven del 2010 che vanta anche qualche collaborazione illustre. Con la formazione attuale seguirono poi i più recenti Outlaw Gentlemen & Shady Ladies del 2013, che rimescola un po’ le carte in tavola virando verso sonorità più heavy in virtù dell’inserimento di una seconda chitarra, e Seal The Deal & Let’s Boogie del 2016 in cui si può apprezzare un ulteriore step di crescita e che, come il suo predecessore, ha avuto un notevole successo anche oltreoceano. Curiosità: in questo ultimo album il già citato Rob Caggiano si è occupato anche delle parti di basso in attesa che venisse reclutato un nuovo bassista.

Ora inizia il difficile perché ormai sapete tutto quanto c’è da sapere sui Nostri ma se leggete questa rubrica significa che volete di più, dunque cerchiamo di andare oltre. Musicalmente i Volbeat propongono un mix sorprendente di soluzioni antiquate e modernissime a partire dalla voce, che sembra la perfetta sintesi tra l’Elvis dei bei tempi d’oro e il Danzig più indemoniato, in un connubio strano ma di sicuro interesse. E’ questo più di tutto a contraddistinguere e a rendere riconoscibilissimo il sound della band ma è di grande effetto anche il comparto melodico che amalgama in questo strano cocktail riff di ferocissimo thrash con sofisticati, a volte persino delicati, fraseggi rockabilly, blues e country. Poulsen stesso poi raccomanda di non prendere i testi troppo sul serio ma non perché siano insensati o sciatti bensì perché il filo conduttore che attraversa e lega tutta l’opera della band è il Divertimento (sì, con la “D” maiuscola). Molto di ciò che il gruppo esprime è veicolato dall’ironia e tenuto insieme da un alone di positività che infatti stempera le atmosfere più pesanti e alleggerisce i messaggi più impegnati, che pure ci sono. L’ascolto giusto per ogni momento della giornata insomma, almeno fintanto che non si tenti di etichettarne il genere. Un po’ stoner e un po’ country, un po’ metal e un po’ rockabilly, un po’ punk e un po’ blues… insomma è meglio lasciare che sia la musica a parlare e a raccontarci le sue storie, libera da schemi e categorie di sorta. I Volbeat suonano quello che vogliono, quello che li diverte, qualcosa di nuovo e diverso che non ha perso la sua freschezza nemmeno dopo quindici anni.

Non ve ne ho parlato però solo per questo ma anche e soprattutto perché al giorno d’oggi questa band incarna come poche altre lo spirito del rock’n’roll. Amano i festival, i tour interminabili, il divertimento in mezzo al casino, naturalmente la vita sulla strada e, più di tutto, il loro pubblico tanto che sono rimasti tra i pochissimi a mantenere rigorosamente gratuito il meet and greet. Per chi non lo sapesse la possibilità di incontrare faccia a faccia la propria band del cuore spesso, e tristemente, costa…a meno che naturalmente non siate fans dei Volbeat! Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi vi lascio con un ultimo consiglio: visto che loro amano il nostro Paese e ci vengono ogni volta che possono, se potete andate a vederli dal vivo e non prestate orecchio a quanti li accusano di composizioni troppo semplici o soluzioni espressive eccessivamente ripetitive. Quello che conta è l’effetto finale…ed è davvero grandioso! Ecco perché i Volbeat sono ospiti molto speciali e al fianco dei più grandi sul nostro palco virtuale, ecco perché ho voluto parlarvene subito ed ecco perché li aspettiamo con impazienza tra le leggende del Rock! Follow the Professor

Le sfide del Rock raccontate dal Prof. Garage: Manowar vs Hammerfall

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Di tanto in tanto però le sue lezioni non si tengono per la strada, che sarebbe il loro posto deputato, e nemmeno vicino ad un furgone sgangherato, come sarebbe consuetudine. No, qualche volta è più istruttivo commentare degli incontri, o per meglio dire degli scontri, tra i grandi protagonisti della scena mondiale. E allora bando alle ciance, mettetevi comodi e preparatevi a tifare per i vostri beniamini. Queste sono le sfide che il Prof. Garage organizza in queste particolari occasioni…

Siccome il dirigente del campus sportivo nell’università è spesso “impegnato in attività extracurricolari” con la conturbante assistente di Mitologia e Religioni Arcane ogni tanto qualcuno deve sostituirlo. Questa volta è toccato a me. Non che mi dispiaccia. E’ l’occasione giusta per organizzare qualcosa di nuovo e per oggi ho scelto di proporvi un incontro di pugilato veramente speciale quindi iniziamo subito con la presentazione degli sfidanti. Purtroppo non sono molto bravo come anchorman per cui, rockofagi e rockofili, ho proprio bisogno del vostro aiuto: vi chiederei di leggere le prossime righe con la massima enfasi possibile. Nell’angolo alla mia destra: con il peso di 139 decibel, con cui sono rimasti nel guinness dei primati finché la voce non è stata derubricata per i rischi alla salute che comportava, i signori statunitensi del metallo. Sovrani senza macchia e senza paura sono incorruttibili, immarcescibili e hanno dato vita ad un genere che hanno poi promosso per tutta la loro carriera. Professano di essere i veri e unici difensori dell’heavy metal, sono campioni di fierezza e lo mostrano tanto nello spirito quanto nei corpi palestrati come non si era mai visto su un palco… Signore e Signori: i Manowar!

Nell’angolo alla mia sinistra: gli sfidanti, i pretendenti alla gloria immortale dell’epic metal. Vengono dalla Svezia, sono cavalieri forgiati nelle avversità di mille battaglie e hanno avuto la forza di emergere nonostante la crisi del metal degli anni novanta. Hanno dalla loro una carriera iniziata quindici anni dopo, una formazione con un chitarrista in più e la capacità di padroneggiare anche il power metal. Vorrebbero essere gli unici “detentori del verbo” e della “fede del metallo” e sono pronti a sudarsi questo titolo. Signore e Signori: gli Hammerfall! Questo scontro esplosivo inizia a distanza ma prima è doverosa una precisazione: l’epic metal ha alcune peculiarità tra cui spiccano per importanza le tematiche dei testi. Fantasy, mitologia, guerra, onore, cameratismo e gesta eroiche sono solo alcuni degli argomenti cari ai fautori del genere. Questo ha però nel tempo comportato delle difficoltà nel catalogare gruppi, per lo più europei, dediti ad un power metal incentrato su temi simili. Musicalmente l’epic metal è spesso più cadenzato, marziale e votato ad atmosfere esaltanti create con cori, parti narrate o introduzioni sinfoniche di grande effetto. Siccome però non mancano episodi più veloci e immediati, ma di non minore impatto, talvolta il confine diventa davvero sfumato… e non andrei oltre. Basti dire che non si potrebbe considerare un errore da “penna rossa” etichettare come epic metal una canzone di classico power cappa e spada, ne abbiamo incontrate diverse nella precedente puntata sui Blind Guardian (a questo link se volete approfondire).

Ad ogni modo, più che dal genere, le due band che si sfidano oggi sono accomunate dal credo nell’heavy metal come filosofia prima ancora che come musica. Il musicista suona per passione e non per un tornaconto economico, i metallari sono una grande famiglia unita nel rispetto e nel senso di appartenenza, i componenti della band sono come fratelli anche giù dal palco o fuori dallo studio di registrazione, il gruppo è devoto ai propri fan e a loro deve tutto quindi si impegna al massimo per la loro soddisfazione, eccetera. Qui ci sarebbe poi da aggiungere un’ampia parentesi sulla dedizione agli alcolici ma siccome a quanto pare il vero vizio di Oscar Dronjak, chitarrista degli Hammerfall, è la cioccolata vi devo rimandare ad un qualsiasi show dei Manowar per imparare come bere un’intera lattina di birra senza mai prendere fiato. Insomma ecco spiegato perché a contendersi il titolo di difensori del vero metallo sono proprio queste due band e non altre. Suona la campana…seguiamo l’incontro per scoprire chi vincerà.

Come accennato, all’inizio della nostra storia gli Hammerfall non esistevano ancora. Tutto iniziò durante il tour di Heaven And Hell dei Black Sabbath allorquando uno dei loro roadie, Joey DeMaio, conobbe il chitarrista del loro gruppo di spalla, Ross the Boss. Da lì a poco venne scelto come cantante un emergente ragazzo prodigio, Eric Adams. Era il 1980 e fu così che nacquero i Manowar. Dopo il primo seminale album quella che oggi è considerata la formazione classica fu completata con il compianto batterista Scott Columbus. Forti di un sound esplosivo, tecnico e molto particolare al gruppo venne subito riconosciuta la paternità del genere epic metal che già dal secondo disco, Into Glory Ride, veniva codificato come cadenzato, marziale, potente nonché corredato da arrangiamenti e soluzioni di grande impatto emotivo. Ovviamente diverse figure si aggiravano sulla stessa scena già dai tempi degli Uriah Heep e dei Rainbow che però suonavano rock. Al metal ci si avvicinò solo più tardi con Virgin Steele, Manilla Road, Cirith Ungol e pochi altri che contribuirono, chi più chi meno, alla formazione e alla diffusione del genere. Nessuno però ne fece uno stile di vita, una fede e non di meno nessuno, né prima né dopo, seppe far breccia nel cuore del pubblico quanto i Manowar.

L’estrema disponibilità, lo spirito di fratellanza, il rispetto per se stessi come specchio di quello da portare ai propri compagni conquistò ampi consensi nelle platee di tutto il mondo. Il pubblico si sentiva coccolato da questi quattro americani che infatti amavano i propri sostenitori ben al di là di ogni interesse economico e commerciale. Pensate che per aver dovuto annullare un tour nel Regno Unito i Nostri si sentirono in dovere di tributare un omaggio ai fan inglesi e decisero perciò di dedicare a loro un intero album che venne intitolato appunto Hail To England. Non basta? Sentite questa: quando il chitarrista chiamato a sostituire il co-fondatore Ross the Boss abbandonò a sua volta il campo, i Manowar pensarono bene di reclutare un loro fan conosciuto ad un motoraduno! Sembrò una mossa azzardata ma non deve essere andata poi tanto male visto che Karl Logan dopo venticinque anni è ancora lì!

Dopo la pubblicazione di quello che è ritenuto il loro capolavoro, Kings Of Metal del 1988, e degli estenuanti tre anni del relativo tour, la band subì i suddetti cambi di formazione senza però fermarsi mai del tutto. Intanto il settimo The Triumph Of Steel del 1992 e l’ottavo Louder Than Hell del 1996 incorniciavano virtualmente l’arrivo sulla piazza degli Hammerfall. Nati come spin-off di gruppi come Dark Tranquillity ed In Flames si raccolsero infine intorno ad un’idea dei due membri che li accompagneranno al successo: Joacim Cans al microfono e il già citato Oscar Dronjak alla chitarra. Fu così che, mentre i Manowar diradavano la frequenza delle loro uscite discografiche a causa degli impegnativi e lunghissimi tour in cui erano costantemente impegnati, i loro cugini svedesi sferravano il primo pugno al cuore dell’epic metal. Glory To The Brave del 1997 prese in contropiede i fan e la stampa specializzata con un’energia, una freschezza e un’ispirazione davvero rari. Per non dare respiro agli avversari gli Hammerfall si ripeterono subito nel triennio successivo con Legacy Of Kings prima e con Renegade poi, che non spostavano le coordinate musicali del debut ma ribadivano la volontà della band di diventare i nuovi difensori del metal in pieno periodo grunge.

Questo onore veniva rivendicato con uno stile molto diverso da quello dei Manowar a cui contrapponevano una classica formazione a due chitarre e un sound legato alla tradizione del power/speed metal europeo, sebbene ampiamente personalizzato. Seguì nel 2002 un duro botta e risposta veramente micidiale. Gli svedesi si presentarono sugli scaffali dei negozi con l’ottimo Crimson Thunder, da alcuni ritenuto troppo commerciale ma comunque migliore dei precedenti almeno per quanto riguarda la produzione, e contemporaneamente gli americani tornarono sulla piazza con Warriors Of The World che naturalmente non spostava di una virgola il sound della band pur risultando più articolato del predecessore soprattutto in fase compositiva. Da notare su questo album un vero gancio alla mascella. Era un brano dedicato al pubblico italiano: il Nessun Dorma di Puccini venne presentato in anteprima al concerto di Milano e, credetemi, fu un’emozione travolgente. Era la prima volta che un cantante eseguiva dal vivo il ritornello due volte di fila ma all’epoca nessuno se ne rese conto…ci limitammo ad assorbire l’intensità di un’esecuzione il cui ricordo mi dà la pelle d’oca ancora oggi.

I più veloci a riprendersi da questo scontro furono ancora una volta gli Hammerfall che già nel biennio 2005/2006 rilasciarono due album alzando di nuovo la proverbiale asticella. Decisi a zittire la critica e sbattere al tappeto i rivali con un montante definitivo in meno di due anni i Nostri diedero alla luce Chapter V: Unbent, Unbowed, Unbroken e Threshold che sono quindi idealmente due metà dello stesso disco. La risposta dei Manowar ad un simile affronto non si fece attendere e nel 2007 arrivò Gods Of War perfetta sintesi ed evoluzione finale del pensiero e della visione artistica della band. Epicità ai massimi livelli, l’immancabile celebrazione dei fan come fratelli del metallo e di se stessi come unici difensori del metal nonché ampie concessioni a parti orchestrate o narrate ad aumentare l’atmosfera si sposavano con il sound tipico e immutabile della band e con una teatralità tanto esasperata da arrivare addirittura a dividere l’audience. A questo punto ai più curiosi potrà interessare sapere che sono due le peculiarità che maggiormente caratterizzano lo stile dei Manowar e che non sono mai cambiate durante tutta la loro carriera. Una è la voce di Eric Adams che può vantare un’estensione naturale notevolissima nonché una tecnica tale da garantirgli grande disinvoltura nel passaggio tra rauco e pulito. L’altra è la particolare strumentazione adottata da DeMaio. Non solo infatti Joey suona spesso corde dalla scalatura minore, ovvero più sottili, rispetto ad un basso tradizionale ma queste, grazie ad un ponte modificato, sono anche più vicine tra loro. Il tutto, unito a dei pickup esagerati, cioè che in uscita producono un volume estremamente elevato, comporta la possibilità per il bassista di fare all’occorrenza le veci di una seconda chitarra nonché di raggiungere velocità elevatissime nelle partiture di basso. Questo strumento, che rientra nella categoria dei “piccolo bass”, e che si avvicina per accordatura ad una chitarra tradizionale, viene costruito appositamente per i Manowar seguendo le loro particolari specifiche.

Torniamo al nostro incontro-scontro con un’altra nota tecnica: con il successivo album del 2009, No Sacrifice, No Victory, anche gli Hammerfall cambiarono strategia. Si presero più tempo per assestare meglio un diretto improvviso e poi sferrarono un attacco sorprendente virando verso un heavy metal più classico e al contempo più cupo e duro, con sonorità moderne e accordature di chitarra in Re, ovvero più basse. Un nuovo chitarrista e un avvicendamento anche al basso diedero immediatezza a questo disco che risultò infatti migliore del precedente in un crescendo di intensità che avrebbe steso chiunque… o quasi. I Manowar questa volta accusarono il colpo, e infatti ci misero tre anni a rispondere, ma non andarono al tappeto. Nel 2012 infatti arrivò The Lord Pf Steel che riproponeva un album più vicino agli stilemi classici del gruppo abbandonando le sperimentazioni del capitolo precedente e mettendo di nuovo d’accordo i fan vecchi e nuovi pur risultando ancora una volta alquanto autoreferenziale, almeno alle orecchie dei più critici. L’ultimo tocco spettò di diritto agli Hammerfall che, approfittando della distrazione degli avversari, intenti a riregistrare i primi lavori, assestarono un paio di jab devastanti nel triennio 2011-2014. (r)Evolution e Built To Last non aggiungevano e non toglievano nulla a quanto detto fino a quel momento ma mostravano una concretezza e una integrità con cui i Nostri si dimostravano degni di portare a casa la vittoria. Tanta convinzione è sempre stata dimostrata con i fatti: è interessante notare per esempio che Oscar Dronjak abbia lasciato una cattedra di matematica per dedicarsi al metal mentre Joacim Cans abbia rinunciato ad una carriera come olimpionico nella nazionale svedese di nuoto pur di suonare negli Hammerfall. Formidabile anche l’ex-bassista Magnus Rosén che guadagnò la stima di colleghi e addetti ai lavori per aver portato a conclusione un concerto nonostante per tenersi in piedi dovesse rimanere appoggiato ad un amplificatore dopo essersi procurato la dislocazione di una rotula mentre suonava sul palco!

Nell’angolo dei Manowar si risponde ovviamente con non meno amore per i fan. Si sa che la compagine newyorkese ha sempre professato grande dedizione ai propri follower. Quello che forse non tutti sanno è che questa passione, per altro reciproca, non è solo espressa a parole: i Manowar pretendono di offrire sempre il massimo in termini di sound al proprio pubblico tanto che in Francia il tentativo di imporre alla band volumi più moderati si è risolto con l’annuncio, fatto ai duemila presenti direttamente da Joey DeMaio in persona, che il concerto sarebbe stato spostato in altro luogo. Pubblico in delirio per l’incorruttibilità dei Nostri, biglietti rimborsati, nuova data fissata subito e naturalmente ancora una volta fu tutto esaurito. Ancora: i defender per eccellenza arrivano a far esplodere anche una ventina di amplificatori ogni sound check pur di ottenere l’effetto desiderato in una maniacale ricerca della perfezione che è davvero sinonimo di rispetto per i propri fan. Se a questo punto vi state chiedendo quanti amplificatori ci vogliano per un tour dei Manowar, sappiate che me lo sono chiesto anch’io e la risposta è: centinaia! Per avere un’idea di quella che è stata la vita di questo gruppo per quasi quarant’anni ci si può rivolgere alle numerose testimonianze video raccolte nei vari capitoli dell’opera in DVD Hell On Earth altrimenti basti sapere che questi ragazzi hanno impersonato lo spirito dell’heavy metal facendone davvero uno stile di vita, hanno professato una fede e l’hanno messa in pratica come nessuno è mai più stato in grado di fare. Hanno sempre sostenuto di avere i fan migliori del mondo e che questi erano come fratelli… beh, è la verità.

A proposito di famiglia: voi forse non ci crederete ma sul tour bus della band, finché ce l’ha fatta, ha viaggiato anche un ospite speciale: la mamma di Joey DeMaio! Com’è naturale divenne subito una figura leggendaria del panorama metal e infatti, nonostante si commuovesse spesso per l’affetto che riceveva dai fan, credo che abbia firmato tanti autografi quanto il resto del gruppo! Beh, il bassista di origini italiane ha sempre affermato che per lui venire nel nostro Paese è sempre stato come tornare a casa quindi nessuna sorpresa: si sa, per noi italiani la mamma è sempre la mamma! Se sul fronte dello stile di vita i Manowar sono probabilmente irraggiungibili, sul piano della coerenza musicale gli Hammerfall non sono certo da meno. Entrambe le compagini hanno a più riprese dichiarato, dimostrandolo poi con i loro dischi, che l’unico vero genere degno di essere suonato è l’heavy metal, che cambiare significherebbe tradire la propria audience e che il metal non morirà mai… e chi siamo noi per contraddirli?!

A sostegno di queste affermazioni un ulteriore pareggio: sono state entrambe la prima metal band ad approdare alle rispettive case discografiche ai tempi degli esordi. Poi i Manowar hanno deciso di autoprodursi per non subire pressioni ed influenze mentre gli Hammarfall si sono accasati presso un’etichetta a loro misura. Più di tutto però ad accomunare questi due gruppi, e a farceli ritrovare oggi sullo stesso ring, sono i testi. Epici e gloriosi utilizzano spesso metafore a sfondo fantasy o richiami alla mitologia nordica per veicolare il loro contenuto. Lo sforzo necessario per applicare il messaggio alla vita di tutti i giorni è molto modesto, con buona pace di quanti sostengono che sia anacronistico affrontare tematiche simili in questo millennio. E’ altresì vero che entrambe queste band affondano le loro radici nel periodo d’oro del metal, quei gloriosi anni ‘80 che i Manowar hanno contribuito a rendere memorabili e di cui gli Hammerfall hanno dichiaratamente raccolto l’eredità per poi battersi affinché non andasse persa. Merito ad entrambe dunque, soprattutto alla luce delle tantissime e più o meno autentiche “operazioni nostalgia” che si possono ascoltare oggi giorno.

Dove effettivamente i Manowar perdono punti è sulle copertine, ma non poteva essere altrimenti. Il Manowarrior, così si chiama la loro mascotte, ha le sembianze di un prode guerriero, non dissimile da Conan il Barbaro, spesso è armato fino ai denti, circondato da teschi, bandiere, stendardi e non di rado è accompagnato da donne seminude o gigantesche motociclette. Insomma non esattamente un trionfo di eleganza e raffinatezza che per di più graficamente accusa ormai il peso degli anni. Va detto però che questo personaggio ricorda un po’ anche i membri del gruppo e sicuramente ne incarna lo spirito indomito quindi dopo tutto non stona poi così tanto sulle cover dei loro album. Di ben altra pasta sono gli artwork dedicati ad Hector, così si chiama il templare sui CD degli Hammerfall, che prendono vita dalla matita dell’ormai leggendario Andreas Marschall. Qui fantasia e classe si fondono per preparare la mente dell’ascoltatore al viaggio in cui la musica degli Hammerfall la spingerà. Una curiosità: Hector è mancato su una sola copertina nei venti anni di carriera dei Nostri e i fan sono impazziti per la preoccupazione intasando il forum e le email della band quindi mi sento di dire con ragionevole certezza che lo vedremo ancora per molto tempo e che non mancherà altri appuntamenti!

Ma insomma a chi va il titolo di “defender of the faith”? Già, perché siamo giunti alla fine del match e nessuno è finito al tappeto ma qualcuno comunque deve vincere ed essere incoronato campione. Un arbitro qui avrebbe di che impazzire ma sono fortunatamente i Manowar stessi a toglierlo d’impaccio. I quattro newyorkesi infatti hanno da poco annunciato un tour d’addio e un ultimo nuovo album in studio [atteso per il 2019] con cui chiuderanno una carriera gloriosa durante la quale hanno dapprima saputo sviluppare un’identità inconfondibile per poi trasformarla in un’esperienza da vivere a trecentosessanta gradi tanto da ritagliarsi un spazio dove pochi hanno osato avventurarsi se non per brevi sortite. Soprattutto chi li accusa di scarsa creatività non dovrebbe dimenticare che la paternità di un intero genere, piaccia o meno, gli è universalmente riconosciuta e non sono in tanti a poter vantare un simile risultato. Gli ultimi dischi non sono forse stati all’altezza dei primi ma questo vale per molte grandi band che diversamente dai Manowar hanno poi tentato cambi di genere o strampalati esperimenti espressivi pur di tornare sulla cresta dell’onda.

Ai Nostri tutto si può rinfacciare tranne l’essersi svenduti a mode o tendenze di mercato in una sorta di immobilismo che, caso raro, è un loro pregio, sebbene sia valso anche diverse aspre critiche. Resta innegabile che abbiano creato molto e influenzato almeno due generazioni di metallari quindi è a loro che va la vittoria del nostro incontro. Agli Hammerfall resta l’onore delle armi. Escono a testa alta da uno scontro impossibile dopo aver guadagnato punti a suon di ottimi brani ed essersi affermati come autorità sorta a difendere la fede nel metal quando più ce n’è stato bisogno. Nessuna accusa per lesa maestà a loro carico dunque: si sono guadagnati sul ring il diritto di diventare gli eredi della più grande epic metal band di tutti i tempi e glielo riconosciamo con piacere. Il re (forse) è morto… viva il re! Follow the Professor.

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Blind Guardian

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue lezioni…
Rockofagi e Rockofili di ieri e di oggi è tempo di lasciare la Svezia, che ci ha ospitato nelle scorse puntate (cliccate qui per approfodire), per raggiungere la meta della nostra prossima tappa. Se il mio furgoncino, che come forse sapete si chiama Scassone, non mi abbandonerà prima ci fermeremo nell’ovest della Germania e più precisamente a Krefeld. Ai più preparati sarà già venuta l’acquolina in bocca, per tutti gli altri è in arrivo una bella sorpresa. Già, perché oggi parliamo di Blind Guardian, una compagine mitica che ha saputo ritagliarsi un posto di primissimo piano nella scena metal con la sola forza delle idee. Nati e cresciuti più come gruppo di amici che come metal band, i Nostri hanno espresso una classe infinita durante tutto il corso di una carriera trentennale costellata da molti successi e nessun vero passo falso.

La nostra storia inizia verso la metà degli anni ottanta con i primi vagiti dei Lucifer’s Heritage e con il loro demo Battalions Of Fear. Nel 1988 questo costituirà la base per il primo disco dei Nostri che intanto, dopo qualche aggiustamento di line-up, avevano scelto il nome di Battery per poi approdare definitivamente a quello che conosciamo ancora oggi. Il monicker Blind Guardian evocava nel pubblico la giusta idea di quello che era la loro musica: un power/speed metal veloce, epico e a tratti scanzonato. L’album era molto diretto e senza fronzoli, caratterizzato da una produzione imperfetta pagava un pesante tributo al sound di altre band teutoniche, in primis agli Helloween in cui allora ancora militava l’amico Kai Hansen. Ciò non di meno questo primo lavoro gettò le basi per il successo mostrando già alcuni stilemi che ritroveremo in tutta la loro produzione. Con l’entusiasmo tipico di chi ha appena intrapreso un cammino glorioso i Nostri diedero alle stampe la loro seconda fatica già l’anno successivo. Lo intitolarono Follow The Blind e vi confesso che non è solo una coincidenza se lo slogan di chiusura dei miei articoli è “follow the Professor”. Ad ogni modo l’album risultò ancora più ispirato, con una produzione finalmente all’altezza e la stessa capacità di coinvolgere il pubblico. I testi rimasero incentrati sulle migliori opere fantasy che la letteratura avesse da offrire mentre le composizioni si fecero più complesse, tecniche ed emozionanti ma senza perdere molto della loro naturale immediatezza. Il tutto fu impreziosito dal contributo di Kai Hansen che proprio quell’anno fondò i suoi Gamma Ray… ma questa è una storia che magari vi racconterò un’altra volta. Quel che conta è che in quella dei Nostri il meglio debba ancora venire.

Con il 1990 arrivò anche il terzo album del guardiano cieco. Tre dischi in tre anni potrebbero far pensare ad un decrescente livello qualitativo…o ad una ispirazione inesauribile. Fortunatamente ci ritroviamo in questo secondo caso e infatti Tales From The Twilight World mostrò un ulteriore passo avanti nella maturazione musicale del gruppo. Cori più epici e una maggior propensione verso arrangiamenti sinfonici non intralciarono la freschezza di questo lavoro che inoltre poteva vantare una produzione ancora migliore chiudendo idealmente il primo ciclo creativo del gruppo. Da notare in questo CD l’imperdibile The Bard’s Song, ispirata al capolavoro immortale di J.R.R. Tolkien Il Signore degli Anelli, che diventerà un classico della band valendo ai Nostri anche il soprannome di “Bardi di Krefeld”. Tutto questo assicurò al gruppo un posto di primo piano tra le stelle emergenti del panorama metallico. I Blind Guardian corsero poi il rischio di subire una battuta d’arresto nella loro corsa al successo allorquando quello stesso anno la No Remorse Records, la casa discografica che li aveva seguiti nei loro primi passi, fallì lasciandoli in balia delle onde. Fortunatamente la band trovò un approdo sicuro presso la Virgin Records correndo però il pericolo di subire pressioni e influenze da una major di prima grandezza. Non andò così: i nuovi ospiti si dimostrarono eccellenti e il nuovo contratto al contempo aprì per la band nuovi mercati, tra cui il Giappone che da allora in poi diverrà per i Nostri terreno di conquista prediletto. Due anni più tardi arrivò Somewhere Far Beyond che inaugurava uno stile più vicino al symphonic metal con atmosfere più dilatate e suggestive e arrangiamenti più complessi. I fan della prima ora storsero il naso ma alla fine tutti dovettero riconoscere la trasformazione di un sound plasmato dal talento e dall’ispirazione. Barattare l’immediatezza degli esordi con le emozioni del nuovo corso parve un buon affare e infatti fu un successo in patria come all’estero e, visto che lo abbiamo citato prima, nel paese del sol levante questo CD addirittura raggiunse il primo posto nelle classifiche di vendita.

Mentre i Bardi di Krefeld si godevano il meritato successo arrivò il 1995 e con esso il tempo di pubblicare un nuovo album…che infatti non mancò perché i Blind Guardian non son tipi da dormire sugli allori. La nuova fatica si intitolava Imaginations From The Other Side e costituiva la massima evoluzione di quanto espresso dai Nostri nei quattro lavori precedenti. Il sound del guardiano cieco era arrivato ad un punto di svolta che prevedeva anche il massiccio utilizzo del sintetizzatore…che ovviamente fece irrigidire la frangia più conservatrice del loro seguito. Il resto del mercato in compenso approvò le nuove scelte decretando un successo enorme per questo disco e sparando i Nostri nelle orbite più alte delle sfere celesti. Le composizioni complesse e le soluzioni ricercate trovarono naturale prosecuzione nel successivo Nightfall In Middle-Earth del 1998 in cui gli arrangiamenti divennero straripanti e i pezzi ancora più articolati. Fu un’opera ambiziosa e difficile che, pur rimanendo univocamente riconducibile alla produzione del guardiano cieco, mirava ad obiettivi ancor più alti che in passato. Si tratta di un concept sul Silmarillion, un altro libro di J.R.R. Tolkien, da ascoltare tutto d’un fiato al punto che gli stessi Blind Guardian sottolinearono come i brani presi singolarmente perdessero senso. A dimostrazione di ciò venne estratto da questo disco un solo singolo, Mirror Mirror, senza peraltro che ne venissero inficiate le vendite, che anzi volarono. Con questo lavoro i Nostri sbarcarono finalmente anche negli Stati Uniti dove, grazie all’immediato successo, vennero anche ristampati tutti gli altri lavori. Ma come sempre non è tutto oro quello che luccica. Le suggestive soluzioni orchestrali lasciarono nello sconforto chi li aveva seguiti dagli esordi e il massiccio overdubbing non venne digerito dai puristi della tecnica, di cui il popolo dei metallari è sempre nutrito.

A questo punto è doveroso un breve approfondimento tecnico: non è che i Nostri avessero abbandonato il metal per arrangiamenti da “discotecari” ma il volersi spingere verso soluzioni sempre più sinfoniche li costrinse ad adottare suoni di strumenti riprodotti artificialmente per sovrainciderli poi su quelli suonati dalla band. Ecco di cosa parliamo quando citiamo l’uso del sintetizzatore, dell’elettronica o dell’overdubbing. E’ qui che casca il proverbiale asino. La tecnica dei musicisti è croce e delizia per ogni amante del metal che ne sa apprezzare la raffinatezza e le difficoltà. Siccome questo fornisce anche lo spunto per interminabili disquisizioni lubrificate da ettolitri di birra, potete facilmente capire perché un album in cui si sentono una ventina di strumenti di cui solo quattro effettivamente suonati dalla band costituisca un cruccio insolvibile nonché un peccato quasi capitale. Ecco perché potreste sentir parlare benissimo o malissimo del successivo A Night At The Opera del 2002. Chi seppe apprezzare gli arrangiamenti sofisticatissimi, la sterzata verso il progressive e la complessità di brani che in alcuni casi sfioravano il quarto d’ora gridò di gioia, mentre chi ormai stentò e riconoscerci un album metal pianse lacrime amare. Entrambe le fazioni dovettero però ammettere che l’impronta dei bardi di Krefeld era perfettamente riconoscibile e questo probabilmente salvò i Nostri dall’estinzione.

Il titolo omaggiava l’omonimo album dei Queen, il testo di una canzone era incentrato su un personaggio scelto dai fan tramite una votazione online, vi era inserita una bonus track registrata in cinque lingue a seconda del mercato di distribuzione ma questo non bastò certo a placare gli animi. A peggiorare la situazione nel 2005 arrivò un nuovo cambio di etichetta, lo storico batterista Thomen Stauch lasciò la band mentre Hansi Kürsch, cantante e fondatore del gruppo, aveva abbandonato il ruolo di bassista perché già dal precedente lavoro la complessità delle composizioni aveva superato la sua abilità di eseguirle, soprattutto dal vivo. Insomma troppe cose stavano cambiando e per il verso sbagliato ma a salvare la situazione arrivò l’anno successivo A Twist In The Myth che rinunciava ai voli pindarici del passato per fare parzialmente marcia indietro restituendoci composizioni un po’ più immediate ma egualmente tecniche, più cattive ma altrettanto melodiche, più convenzionali ma sempre Blind Guardian. Saltarono subito all’occhio, anzi all’orecchio, l’inesauribile ispirazione e il vivace estro di una band al continuo inseguimento di un’evoluzione stilistica inarrestabile.

Nel 2010 i Nostri riuscirono finalmente a far quadrare il cerchio accontentando tutti: At The Edge Of Time proponeva brani in linea con quanto sentito sul precedente lavoro ma insistendo maggiormente su soluzioni sinfoniche e operistiche. “Un passo indietro o al massimo di lato” direte voi, e invece no. Questa volta i bardi di Krefeld non caddero nel tranello del synth e dell’overdubbing ma abbandonarono la comodità e la precisione delle soluzioni digitali per collaborare con una vera orchestra! Avevano dichiarato più volte di volersi evolvere in quel senso e finalmente ci riuscirono avvalendosi per l’occasione dell’Orchestra Sinfonica di Praga. Altri prima di loro avevano tentato esperimenti simili ma al costo di stravolgere il sound originale della band. I Nostri invece, forti dei tanti elementi sinfonici presenti nel loro DNA, ottennero un risultato mirabile che riportava ai tempi di Imaginations From The Other Side ma con maggiore autenticità e fascino. Di nuovo un album eccelso insomma in cui melodie, cori, orchestrazioni, cattiveria ed epicità parlavano inequivocabilmente la lingua del guardiano cieco.

Siccome poi l’appetito vien mangiando i bardi annunciarono un nuovo album interamente orchestrale. Avrebbe potuto essere un delirio di onnipotenza e invece Beyond The Red Mirror, che raggiunse i negozi nel 2015, mostrò, se ancora ce ne fosse bisogno, di che pasta sono fatti i Blind Guardian. Tre cori, due orchestre e un totale di quasi duecento musicisti vennero messi insieme a chitarroni distorti e alla doppia cassa della batteria per registrare un nuovo concept. Per scoprire cosa ne è stato del ragazzo protagonista di Imaginations From The Other Side è sufficiente ascoltare questo CD che è anche la massima sintesi del pensiero e dell’arte dei Nostri. L’impegno richiesto per apprezzare a fondo quest’opera non è indifferente ma, piaccia o no, il guardiano cieco ormai si esprime così e forse non è un male quindi meglio abituarcisi perché questa storia non finisce qui.

Per ulteriori approfondimenti sui singoli album vi rimando alle puntuali recensioni scritte da un mio esimio collega tra queste stesse pagine. Ora invece mi soffermerei sul processo compositivo proprio dei Blind Guardian come lo ha descritto lo stesso Hansi Kürsch: di solito uno dei chitarristi si presenta in studio con un’idea, immancabilmente marchiata dalle sue influenze, questa viene poi sviluppata da Hansi stesso che, partendo da un’estrazione completamente diversa, la rielabora aggiungendo le melodie fino a portarla all’attenzione degli altri che completano il tutto apportando tocchi personali provenienti da ascolti ancora differenti. Questo si ripete per ogni parte di ogni canzone e alla fine il tutto viene rielaborato e ritoccato ulteriormente per poi essere assemblato. Se anche uno solo dei bardi oppone il suo voto il brano così faticosamente composto viene cestinato definitivamente, altrimenti si passa a studiare arrangiamenti e rifiniture in una minuziosa analisi dei singoli passaggi che si può svolgere addirittura nota per nota. Vien da sé che questo processo sia, non solo lunghissimo, ma anche particolarmente impegnativo e, io aggiungerei, potenzialmente estenuante. Non a caso l’intervallo di tempo intercorso tra la pubblicazione degli album dei Blind Guardian si è allungato nel tempo man mano che è cresciuta la complessità dei pezzi. Diamo dunque ai guardiani il giusto riconoscimento per aver intrapreso una strada difficilissima e a maggior ragione per essere riusciti a percorrerla sempre con originalità, carattere e personalità in un’evoluzione che è frutto di profondissimo impegno. In quest’ottica è comprensibile come, a fronte della maturazione e del cambiamento del sound di cui abbiamo già parlato, la band possa non ritrovarsi nei lavori più vecchi. Capita a tutti naturalmente ma a maggior ragione non dovreste stupirvi se ad un concerto dei Blind Guardian non vi capiti di ascoltare più alcuni brani classici che pure hanno contribuito a renderli così famosi.

Dopo aver tanto parlato dell’evoluzione nel sound dei Nostri è giunto il tempo di spendere due parole su ciò che invece può costituire un ideale filo conduttore attraverso tutta la produzione del guardiano cieco. Innanzi tutto vanno citati i cori di cui il gruppo è maestro. Epici, intensi ed emozionanti sono spesso il centro dei loro spettacoli live tanto che il pubblico, che ovviamente li sa tutti a memoria, spesso li esegue al posto della band. Ma c’è di più perché conoscere e cantare i cori porta i fan a fare la stessa cosa con i testi di intere canzoni con il risultato che…ogni tanto di Hansi Kursch si potrebbe anche fare a meno! Deve essere bello trovare tanta gente pronta a fare il tuo lavoro e senza nemmeno doverglielo chiedere! Scherzi a parte assistere ad un loro show e prendere parte a questi siparietti di migliaia di voci accompagnate dalla sola batteria è davvero toccante. Provare per credere…e succede regolarmente quindi non è difficile!

Un altro aspetto che i bardi non hanno mai trascurato sono le tematiche fantasy. Oltre al già citato Tolkien hanno fornito ispirazione Stephen King, il grande Moorcock, gli intramontabili Weiss e Hickman, e più di recente anche l’inconfondibile Jordan e l’immancabile Martin (sì, quello del telefilm Il Trono Di Spade). Nel tempo non sono mancati riferimenti né alla fantascienza di Frank Herbert o di Philip K. Dick né ai grandi classici come il ciclo bretone della White o il Paradiso Perduto di Milton. Insomma io lascio volentieri al vostro professore di Letteratura del Fantastico ogni ulteriore approfondimento in merito ma non si può negare che i bardi di Krefeld abbiano dato il loro meglio per mettervi sulla strada giusta nella scelta della vostra prossima lettura.

Un’ultima nota va infine dedicata alle copertine che hanno conquistato non meno fan dei CD che adornano. Per lo più disegnate dal talentuoso Andreas Marschall, un idolo nonché una vera garanzia per le metal band di mezzo mondo, gli artwork dedicati al guardiano cieco sono sempre stati evocativi e immaginifici ma anche epici e comunicativi, proprio come la loro musica. E come la loro musica sono cambiati nel tempo senza perdere però quel fascino ammaliante che fa pescare un album dei Blind Guardian in mezzo a mille anche a chi non ha mai sentito parlare di loro. Fateci caso la prossima volta che entrate in un negozio di dischi!

Adesso mi preme condividere una riflessione in merito alla quale mi piacerebbe sentire la vostra opinione. Come sempre potete scrivermi nei commenti qui sotto oppure su facebook. Dunque: abbiamo appena visto il particolare approccio dei bardi di Krefeld non solo alla composizione ma anche alla musica stessa. Non si può non notare come questo sia diametralmente opposto a quello di un’altra band di cui ci siamo già occupati: avrete già indovinato, mi riferisco ai Motorhead. Gli inglesi impiegavano dalle tre alle cinque settimane per la gestazione completa di un nuovo album, i tedeschi dai tre ai cinque anni. La compagine di Lemmy registrava tutto o quasi in presa diretta, quella di Hansi utilizza regolarmente centinaia di sovraincisioni. Nei Motorhead ognuno scriveva la propria parte mentre nei Blind Guardian tutti sono coinvolti nella stesura di ogni dettaglio. Ultimo ma non meno importante, Lemmy era mente, cuore e braccio della sua band mentre i bardi sono un’unica entità indivisibile tanto che hanno più volte affermato di non voler proseguire la loro avventura musicale se non insieme. Certo, se andiamo ad analizzarli, anche i dischi che sfornano sono agli antipodi ma stiamo comunque parlando di band estremamente longeve che si sono mosse con successo sullo stesso terreno e, per gran parte della loro carriera, anche nello stesso tempo.

Quindi come possono esistere due approcci così diversi? E soprattutto com’è possibile che entrambi funzionino tanto bene? Che producano risultati, per quanto diversi, egualmente mirabili? Potrebbe sembrare un confronto tra la spontaneità guidata dall’istinto e l’estro amalgamato alla conoscenza ma io non credo che nei Motorhead non si parlasse di arrangiamenti o non si scegliesse di accantonare soluzioni disfunzionali al successo di un disco. Ritengo anche che l’ispirazione del momento guidi i Blind Guardian in diverse occasioni del processo creativo proprio come succedeva nei Motorhead. Si potrebbe dire che ad accomunare tutte le band che stiamo trattando sia un talento immenso, ma questo è ovvio… altrimenti non le trovereste in questa rubrica. No, io penso che il segreto per la grandezza sia trovare il modo per sfruttare questo talento: chi ci riesce da solo, chi rende meglio in squadra, chi ha bisogno di rifletterci, chi preferisce mordere l’attimo… non ha importanza. Quello che conta è crederci, insistere e trovare la chiave per sbloccare le potenzialità del gruppo… e se ci si riesce un giorno qualche vecchio docente si prenderà la briga di scriverci sopra la sua prossima lezione. Follow the Professor!

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Dark Tranquillity

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue lezioni.

Dopo averla visitata parlando degli Europe anche per questo capitolo della storia del Rock resteremo in Svezia a conoscere un gruppo il cui nome è sinonimo di coraggio. I Dark Tranquillity sono infatti da sempre indomiti forieri di cambiamento, di sperimentazione, di innovazione e persino di rivoluzione. Ovviamente non sempre questo ha portato con sé i favori della critica e dei fan che però onestamente ne hanno sempre dovuto riconoscere il talento, la classe, l’integrità e l’ispirazione. Insomma i Nostri non sono tipi da andare sul sicuro e, come vedremo, non lo sono mai stati.

Facciamo un quadro della situazione: storica fucina di grandi talenti la scandinavia ha dato davvero tanto soprattutto nei generi più estremi. Patria del black metal e terreno fertile anche per il death, negli anni novanta queste terre si resero culla di un nuovo sotto genere. Per apprezzare quanto questo sia notevole va considerato il grande successo del grunge di quegli anni. In giro non si sentiva quasi niente altro e soprattutto il metal era ormai ridotto ad un sottile rigagnolo a cui si dissetavano solo i fan più irriducibili. C’è però un fondamentale distinguo. Mentre alcuni importanti movimenti culturali come il punk o appunto il grunge sono esplosi con violenza per poi estinguersi del tutto, il metal sembra avere la capacità di rimanere latente sotto la cenere pronto a rinascere senza perdere nulla del proprio vigore. Per tutti e tre vale anche l’aver trovato una continuità in nuovi generi come il post-punk o il post-grunge ma il metal di nuovo si distingue per la capacità di derivare la propria discendenza in miriadi di rivoli diversi senza che la matrice principale venga comunque mai abbandonata. Se talvolta questo complica la vita dei neofiti che tentino di orientarsi nell’ascolto, sappiate che invece costituisce la delizia dei metallari di lunga data che mai hanno perso o perderanno la fede.

In tale contesto il classico saluto da commilitoni “Up the Faith”, che spesso si sente ai concerti metal, guadagna decisamente senso. Per apprezzare la veridicità di quanto detto vale la pena di spendere due parole sui correlati fenomeni di costume e su quanto diversamente abbiano influenzato le mode. Se è vero per esempio che, soprattutto in determinati ambienti, ancora oggi non è difficile vedere la classica cresta punk è altrettanto innegabile che le camicie di flanella a scacchi, immancabile complemento per tutti gli emuli di Cobain e soci, siano praticamente sparite. Ancora una volta sono un caso a parte i capelloni con chiodo e anfibi che sembrano uniformemente diffusi senza scendere mai sotto certi numeri a dimostrazione di come sia la passione dell’audience stessa a donare tenacia al genere. Questa lunga introduzione ci serve per capire perché la nascita di un nuovo tipo di metallo in pieno periodo grunge sia effettivamente un evento eccezionale che non deve comunque farci gridare al miracolo.

Ma che caratteristiche ha questo nuovo genere? E’ presto detto: quello che allora venne chiamato “swedish death metal” arricchisce il canonico death con melodie marcate e spesso tristi o struggenti. Artefici di questi ricchi ricami sono le chitarre, anche acustiche, talvolta incrociate con tastiere o, successivamente, con strumenti più folcloristici. Anche il tradizionale cantato growl viene intervallato da parti pulite spesso interpretate da voci femminili in un connubio di grande impatto estetico ed emozionale. Vengono infine riprese alcune lezioni impartite dal black metal più d’atmosfera mentre i testi abbandonano completamente l’esoterismo e le varie correnti splatter per abbracciare temi onirici e decadenti. Bellezza, morte, rinascita e predestinazione trovano una reinterpretazione nella mitologia norrena per fornire ispirazione agli adepti di quello che oggi conosciamo come Gothenburg Sound. Ecco quindi che composizioni lunghe con strutture articolate e complesse costituirono il pane per questi precursori del genere. Raccoltisi orgogliosamente sotto l’etichetta di New Wave Of Swedish Death Metal (o NWOSDM per brevità), che faceva il verso alla New Wave Of British Heavy Metal (o NWOBHM) del decennio precedente e di cui parleremo molto presto, gruppi come In Flames, Amon Amarth, At The Gates, Children Of Bodom e ovviamente Dark Tranquillity diedero una scossa al ristagnante mercato del metallo.

Portarono una ventata di novità e una boccata d’ossigeno al momento giusto e, anche se ad oggi non sono più tanti i gruppi rimasti veramente fedeli alle sonorità di Gothenburg, negli scorsi vent’anni sono state molte le band a cimentarsi con più o meno successo in questo particolare, suggestivo e accattivante genere. Ad oggi la lista si è allungata con nomi come Soilwork, Mors Principium Est, Omnium Gatherum e Hypocrisy ma ha perso alcuni elementi importanti come Arch Enemy e soprattutto In Flames. Proprio questi ultimi sono co-protagonisti nelle prime tappe del cammino dei Nostri. Dovete immaginarvi una scena musicale costituita da pochi gruppi, peraltro geniali, che un po’ per sopravvivere e un po’ per genuino entusiasmo si influenzavano, spalleggiavano e aiutavano a vicenda in un vortice di crescita artistica e arricchimento complessivo che infatti li porterà a distinguersi prima e alla fama poi. Fu così per esempio che Anders Fridén, primo cantante dei Dark Tranquillity, finì per entrare proprio negli In Flames o che Mikael Stanne, stanco di lavorare in un asilo nido (!!!), scrisse per loro dei testi prima di lasciare la chitarra e stabilirsi definitivamente dietro il microfono dei Nostri.

Ecco come andò: sul finire degli anni ottanta a Gothenburg, importante centro marittimo nel sud della Svezia, c’era una discoteca chiamata Valvet dove i nomi più importanti del panorama death europeo potevano riunirsi, suonare, conoscersi, confrontarsi e… bere birra, perché stiamo parlando pur sempre di scandinavi. Il mercato non si era ancora sviluppato più di tanto in quella direzione quindi c’era spazio per la crescente curiosità suscitata da queste giovani band, tra l’altro musicalmente preparatissime. Quando qualche anno dopo il locale chiuse i battenti alcuni gruppi, i migliori, spiccarono il volo e il resto è storia. Fu così che nel triennio ‘93 – ‘95 i Dark Tranquillity rilasciarono alle stampe diversi EP e il primo album. Il debut a titolo Skydancer mostrava già la predilezione ad accostare melodia e brutalità. Una tendenza, poi confermata, che gettò le basi per il successo dei Nostri portando in dote una cospicua base di fan e l’interesse degli addetti ai lavori. A questo punto Stanne lasciò l’altra sua band, gli Hammerfall (qualcuno di voi magari li conosce), per dedicarsi definitivamente ai Dark Tranquillity. Con una line-up finalmente solida i Nostri sfornarono il loro capolavoro. Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi stiamo parlando di un album immancabile nella vostra collezione oltre che impossibile da disprezzare, che siate amanti dell’estremo oppure no. The Gallery, questo il titolo del disco, venne acclamato da critica e pubblico perché mostrava genialità, audacia, tecnica, cattiveria e ispirazione amalgamati in una miscela di eleganti melodie, raffinate composizioni, squisiti arrangiamenti e viscerale aggressività con testi che erano pura poesia. L’album lanciò i Nostri direttamente verso il successo internazionale e ovviamente sui palchi più importanti del mondo ma passò alla storia per la forte componente innovativa che lo animava. Era un death melodico che suonava radicalmente diverso da tutto quanto si fosse ascoltato fino ad allora e se ne potevano accorgere tutti. Improvvisamente il death metal poteva essere sdoganato anche presso chi fino a quel momento non aveva mai nemmeno osato avvicinarsi a sonorità così estreme. Fu il collegamento che serviva per far transitare nuove idee e ridare linfa ad un genere in sofferenza. Su quel ponte passarono in tanti, scandinavi e non, perché una volta aperta una nuova strada è impossibile frenarne il traffico.

Anche gli stessi Dark Tranquillity giustamente vi transitarono con l’album successivo che era, come è logico, molto atteso. The Mind’s I approdò sugli scaffali dei negozi nel 1997 e con la sua alternanza tra brani dalla rabbia ancora più feroce e composizioni interamente melodiche conquistò subito il pubblico pur convincendo un po’ meno la critica che forse si aspettava un livello di innovazione pari al suo predecessore. Verrebbe da dire che sarebbe stata un’impresa impossibile invece i Nostri sembravano non avere più limiti e nel 1999 rilasciarono il controverso Projector. La quarta fatica in studio dei Dark Tranquillity mostrava una forte connotazione sperimentale aderente a quello che nel nuovo millennio verrà chiamato modern metal…ma di cui ancora non si erano tracciate le connotazioni. Pur con linee vocali pulite, inserti campionati, ritmi più distesi e una cattiveria parzialmente edulcorata rispetto al passato questo album parlava di evoluzione e non di manovra commerciale. Nonostante questo spaccò la schiera dei fan. Chi vide un eccessivo allontanamento dalle origini gridò allo scandalo mentre chi ne seppe apprezzare lo spirito pioneristico ci intravide un miraggio addirittura troppo bello per essere vero.

Le vendite diedero comunque ragione ai Nostri che già l’anno successivo continuarono il discorso con l’altrettanto discusso Haven. Un nuovo processo compositivo basato sull’uniformità dell’intero disco più che sul perfezionamento dei singoli brani e l’aggiunta in formazione di un tastierista si fecero sentire: i pezzi divennero più immediati, le melodie più facili, l’elettronica ancora più spinta e le linee vocali più espressive così i Nostri si dimostrarono in grado, non solo di rimanere al passo con i tempi, ma addirittura di continuare a precorrerli attraverso una visione moderna e avanguardista. Anche le tematiche dei testi cambiarono definitivamente diventando da ora in poi più intimiste e in perpetua ricerca di una introspezione individuale, di una catarsi personale da raggiungere attraverso la musica. Questo approccio ovviamente non piacque ai fan della prima ora che a questo punto non riconoscevano più la band di Skydancer e soprattutto di The Gallery.

Di nuovo il mercato diede ragione ai Dark Tranquillity che però, forse anche ascoltando il proprio pubblico, reintegrarono nel successivo Damage Done del 2002 alcuni elementi già sentiti ad inizio carriera. Con questo disco i Nostri rimandarono al mittente ogni critica confezionando un lavoro completo, visionario ma con il loro inconfondibile, primordiale e riconoscibilissimo marchio di fabbrica. Intensità, innovazione e complessità vennero spinte sul metronomo a velocità che non si ascoltavano dai tempi di The Mind’s I, per il gaudio dei fan tanto di questo quanto dello scorso millennio. La scommessa fu vinta di nuovo e il lavoro si rivelò un successo cosicché i Nostri non trovarono motivo per ulteriori sterzate stilistiche e nel 2005 partorirono l’altrettanto ottimo Character. Cattiveria ed elettronica incorniciavano atmosfere malinconiche e decadenti in questo album il cui unico difetto fu quello di aver momentaneamente abbassato il livello di innovazione mostrato negli altri capitoli. Il successivo Fiction e il riavvicinamento a quanto già espresso nel pregevolissimo Haven concludono nel 2007 la fase più felice della band. Idealmente si chiuse allora anche il secondo periodo creativo del gruppo che dunque ha dapprima scolpito i canoni stilistici e il sound di un nuovo genere per poi evolverlo, aggiornarlo e rinnovarlo durante un intero decennio.

We Are the Void del 2010 e Construct del 2013 sono universalmente noti per essere il punto più basso della produzione dei Nostri. Non che siano da buttare ma è opinione comune che da un nome di questo calibro ci si debba aspettare di più perché stiamo parlando sempre di Dark Tranquillity e brani blandi, tempi troppo lenti e scarsa originalità non sono cose che un loro fan possa digerire. Dulcis in fundo, quando molti già li credevano irrimediabilmente avviati sul viale del tramonto, nel 2016 la band pubblicò lo straordinario Atoma mostrando al mondo il carattere e lo spessore di musicisti capaci di dire la propria fuori dal coro anche con una carriera ventennale sulle spalle. Il nuovo album era di nuovo progressivo, fresco e accattivante e riprendeva il percorso di trasformazione abbandonato da più di un lustro per regalarci altre emozioni. Il sound era un concentrato di tutto quanto espresso durante la carriera in un equilibrio perfetto tra cattiveria, melodia, tecnica e complessità. I Dark Tranquillity erano tornati e quasi due generazioni di fan potevano rallegrarsene.

Ora è doverosa una precisazione per tutti coloro che temono di invischiarsi con un gruppo di satanisti, drogati o criminali di chissà che sorta. Potete stare tranquilli: non c’è niente di più falso. La massima trasgressione dei Nostri è costituita dalla birra e ho per voi un simpatico aneddoto a confermare di che pasta sono fatti: come tutti gli anni nel giugno del 2000 con il mio fidato furgoncino, non a caso denominato “Scassone”, mi apprestavo a raggiungere il Gods of Metal che, per chi non lo sapesse, è stato per due decadi il più importante festival metal d’Italia e che per quell’edizione vantava come headliner della prima giornata addirittura i redivivi Iron Maiden. La presentazione di Brave New World e il ritorno di Bruce Dickinson fecero schizzare la curiosità di pubblico, stampa e addetti ai lavori alle stelle per cui lo stadio di Monza, che per l’occasione ospitava l’evento, era gremito all’inverosimile. In scaletta c’erano anche i Dark Tranquillity che, dopo il controverso Projector, tentavano di riconquistare i fan più intransigenti con il nuovo Haven. La band aveva dunque una certa pressione addosso ed era comprensibilmente emozionata di suonare davanti ad una platea tanto numerosa. Fino a quel momento certe cose le avevano viste solo in video e ora per la prima volta erano loro davanti alle telecamere, non ci erano abituati e infatti…con immenso candore lo dichiararono apertamente a tutti!

Lo show fu comunque grandioso e ricordo che il pubblico rispose bene tanto ai classici quanto ai pezzi più recenti. Nei giorni successivi venne fuori che tanta agitazione era dovuta anche alla presenza sul palco di Rob Halford. Il cantante dei Judas Priest era in Italia per eventi promozionali e aveva trovato il tempo di fare un salto da quelle parti. Un evento notevole considerato il personaggio… infatti gli stessi Dark Tranquillity lo definirono “una leggenda vivente”. Ovviamente è innegabile che avessero ragione ma quel che è davvero importante è come questi fatti alla fine non ci restituiscano solo un gruppo di ragazzi semplici e addirittura emotivi ma anche talmente sinceri da ammetterlo alla stampa! Avrebbero potuto tenerselo per sé e fare i fighi…invece no! Scommetto che ora non fanno più tanta paura quindi possiamo tornare seri…. e a parlare di musica.

Se mi avete seguito fin qui ormai avrete capito che sotto ogni aspetto stiamo trattando una band irrequieta le cui profonde metamorfosi coinvolgono genere, testi, stile e quant’altro nell’infinita ricerca della massima espressività. L’integrità dei Nostri non può e non deve quindi essere messa in discussione perché il passato non è mai stato rinnegato ma solo superato dai tempi e da nuove esigenze compositive. Si può approvare questo approccio o no, possono piacere o no ma resta il fatto che i Dark Tranquillity sono stati e sono tuttora una delle più solide realtà dell’intero panorama estremo proprio perché forti di un’identità che va al di là di ogni etichetta e che loro hanno saputo scolpire con continuità a colpi di puro talento. Eclettici, polimorfi e a tratti stravaganti i Nostri vanno ascoltati album dopo album con la mente aperta…provateci e non ve ne pentirete. Mi rendo conto comunque che il materiale sia tanto, che sia molto eterogeneo e per tanti versi anche piuttosto ostico. L’immediatezza non è certo una caratteristica dei Nostri che anzi vanno approfonditi, interpretati e poi capiti, quindi voglio darvi una mano.

Per chi non li conoscesse ho confezionato una speciale playlist. Una sorta di aiuto allo studio, l’equivalente musicale di un bigino se volete, per introdurvi al cangiante mondo dei Dark Tranquillity… ma non significa che possiate evitare di ascoltare il resto! Eccovela qua: Punish My Heaven, The Gallery, Lethe, Zodjiakyl Light, Insanity’s Crescendo, Undo Control, Haven, Not Built To Last, Monochromatic Stains, Damage Done, Lost to Apathy, The Mundane and The Magic, Terminus (Where Death is Most Alive), Icipher, Misery’s Crown, Atoma, Encircled. E buon ascolto. In apertura abbiamo accennato alle varie derive del metal: nel prossimo appuntamento ne affronteremo un’altra quindi vi aspetto in aula…non mancate! E ricordate che se siete curiosi di conoscere la storia di qualche gruppo o avete delle domande su quelli di cui ci siamo già occupati, potete sempre contattarmi su facebook! Follow the Professor!