Beatles vs Rolling Stones

Una delle prerogative di chi scrive di musica è il creare rivalità tra una o più band. Quando un artista ha successo si deve (obbligatoriamente) trovare un suo antagonista, più o meno similare. Ma non è una caratteristica della musica rock: nel jazz è storia la rivalità tra Miles Davis e Winton Marsalis, nel pop e brit pop si ricorda la controversia tra Take That vs East 17, Oasis vs Blur, Duran Duran contro Spandau Ballet, Samantha Fox contro Sabrina Salerno. Nel folk Dylan contro Donovan e così via. Anche in Italia assistemmo a una cosa similare con lo scontro tra (aehm…) Massimo Ranieri vs Al Bano (eh beh..), Litfiba vs Diaframma e così via. Il tutto nasce nei favolosi ’60 con due fondamentali gruppi: Beatles e Rolling Stones. Sarà per l’immagine differente, o forse per le folle che li osannavano, la stampa decide di sana pianta, di creare una rivalità crescente e ossessiva tra i due gruppi. Ma è vera ‘sta cosa? Ma manco per niente!

Anzitutto il background degli artisti era completamente differente: gli Stones venivano dal blues, quello più oscuro, misterioso. Robert Johnson, Muddy Waters, erano le linee guida del primo, vero (e forse anche unico) leader, Brian Jones. Jagger, dal canto suo, era stato allievo di John Mayall, insieme ad altre giovani promesse come Jack Bruce o Eric Clapton. Insomma, le “pietre rotolanti”, già dal nome rivelavano la loro natura oscura e malvagia, così come è sempre stato inteso il blues (Rollin’ Stones è un brano di Muddy Waters), mentre invece i 4 scarafaggi venivano completamente da altri lidi. Lennon era infatuato dallo Skiffle, un genere che a Liverpool andava tantissimo, una sorta di fusione tra folk e rock, caratterizzato dal fatto che chiunque era in grado di suonarlo: bastava una chitarra ed il gioco era fatto! Tutto il resto degli strumenti poteva essere autocostruito. Lennon mise su un complessino con i suoi amici di infanzia, tutti senza alcuna esperienza musicale. Bastava un asse da lavare percossa con dei ditali da sarto, un contrabbasso costruito con un manico di scopa inserito in un bidone, un kazoo et voilà, il gioco era fatto.

Lo stesso McCartney era un fan di Elvis e Buddy Holly, quindi il rock‘n’roll era la loro strada. Lo stesso nome “Beatles” era una variazione dei “Crickets” (“i grilli”), il gruppo che accompagnava Buddy Holly. Insomma, Beatles e Rolling Stones viaggiano felici su due binari diversi. Entrambi, una volta che il successo li arride, possono vantare un enorme stuolo di fan ed entrambi hanno un buon manager che li segue e li consiglia. Una cosa va detta, i primi Beatles a differenza degli Stones componevano. Brani semplici, certo, ben lontani dai capolavori visionari del loro ultimo periodo ma componevano. Gli Stones non si sentivano pronti a questo passo e preferivano di gran lunga proporre cover di sconosciuti blues. Un aiuto a questa situazione di stallo venne proprio dai due rivali musicali Lennon–McCartney i quali, spinti dai rispettivi manager, si incontrarono con il gruppo “nemico” in un locale di Soho per proporre una loro composizione. Così, mentre i Rolling Stones provavano il loro abituale repertorio, John e Paul si misero tranquilli in un angolo e tirarono giù I Wanna Be Your Man. Brano non memorabile, questo è certo, però fu di grosso impatto per il duo Jagger–Richard i quali videro con quale semplicità era possibile scrivere un pezzo.

Nonostante la stampa ci andasse pesante con entrambi i complessi (all’epoca si chiamavano così) dando adito a rivalità, liti, colpi bassi ed altro i due gruppi in realtà andavano d’amore e d’accordo. Gli Stones invitarono Lennon e Yoko come ospiti nel loro spettacolo Rock‘n’Roll Circus (rimasto inedito per anni) e Keith Richard si esibì al basso in una inedita e fantastica formazione comprendente Lennon (chitarra e voce), Eric Clapton (chitarra solista), Mitch Michell (batteria) in una titanica versione di Yer Blues. Quale brano migliore per avvicinare i due mondi? Inoltre Lennon e McCartney parteciparono ai cori di We Love You, singolo di protesta dei Rolling Stones. Insomma, la rivalità era solo un modo per vendere più riviste musicali, ecco tutto. Poi considerando le cose il pubblico delle due band era decisamente il più distante. Quello dei Fab Four copriva dalle ragazzine agli adulti, mentre gli Stones attiravano un pubblico decisamente più “selvaggio”. Altra cosa era la dimensione live: i Beatles avevano due anime, una live, consistente in pochi pezzi (i concerti raramente arrivavano a 45 minuti) eseguiti anche decisamente maluccio, e una in studio dove i 4, aiutati anche dal loro deus ex machina George Martin, arrivavano a creare cose tipo Revolver o A Day in The Life, ineseguibili dal vivo, mentre i Rolling Stones erano una macchina da guerra, sia in studio che dal vivo. Laddove i Beatles rifiutavano i raduni gli Stones li adoravano fino alle estreme conseguenze (vedi alla voce Altmont), in più Jagger era un vero e proprio animale da palco e i loro concerti assumevano più la veste di celebrazioni pagane collettive che raduni musicali.

Ed inoltre gli stupefacenti andavano a braccetto con gli Stones. Anche i Beatles, a dire la verità, ma i 4 preferivano nascondere questi loro vizietti preferendo dare un’immagine pulita, familiare e cordiale. Se in pubblico Lennon si faceva fotografare in compagnia della moglie e del figlio, nel privato saltellava allegramente da un’orgia all’altra, e lo stesso facevano il “romantico” McCartney (che addirittura aveva una figlia non riconosciuta) e lo “schivo” Harrison. Solo Starr era un filino più morigerato, ma di certo non si tirava indietro rispetto a quello che succedeva. La loro caratteristica era che – a differenza del duo Jagger/Richard – non si facevano mai scoprire. Il famoso arresto dei due leader degli Stones, durante un orgia a base di droga e sesso con Marianne Faithful, avrebbe chiuso la carriera di chiunque, ma per le Pietre fu solo un toccasana che alimentò il loro mito di adoratori di Satana. Se i ’60 furono attraversati parallelamente dalle due band, i ’70 videro vincitori proprio i Rolling Stones.

Lo scioglimento dei 4, ed il relativo inizio delle carriere soliste, fu un toccasana per i “cattivi” rivali, ed è proprio nei ’70 che il quintetto inglese, orfano del loro vero leader, riuscirà a produrre i veri capolavori. Exile on Main Street, Gout Head’s Soup, Sticky Fingers, Let It Bleed (che nel titolo farà il verso all’ultimo lavoro dei Beatles), sono tutte opere indispensabili per chi ama il rock e sono ben lontani da ciò che la stampa voleva far credere. Ma quale rivalità, i Beatles non avrebbero mai potuto concepire una semplice ballad come Angie e gli stessi Stones non avrebbero mai potuto realizzare il viaggio verso l’infinito ed oltre di A Day In The Life. In conclusione, possiamo affermare che il giornalismo musicale non è mai cambiato negli ultimi 40 anni, vuoi anche per giochi sottobanco fatti dalle case discografiche, vuoi per la necessità di scrivere ad ogni costo ma appena sulla scena spunta un qualche artista degno di nota, zac! Ed ecco il rivale che non perde tempo ad accusare l’altro spalleggiata da un certo tipo di stampa che non vede l’ora di mettersi in luce. D’altra parte ricordiamo che Giusy Ferreri fu considerata la rivale italiana di Amy Winehouse…

RockGarage compie 4 anni oggi

Il 10 settembre è il compleanno di RockGarage e quest’anno sono 4 le candeline che spegnamo sulla nostra torta. In 4 anni abbiamo dato e ricevuto molto da questo progetto: abbiamo stretto importanti collaborazioni, abbiamo creato e partecipato a dei programmi radiofonici, abbiamo parlato in qualità di relatori ad importanti convegni, abbiamo creato una sezione di Redattori Speciali di cui siamo orgogliosi e maturato dei collaboratori (circa 20) instancabili e veri appassionati di rock e di metal, ma più di tutti abbiamo cercato di innalzare il livello dell’informazione musicale in Italia attraverso recensioni, articoli di appronfondimento e report di concerti a cui abbiamo assistito. Gli oltre 5.850 contenuti pubblicati nei nostri 1.460 giorni di vita dimostrano la nostra passione e la nostra costanza: per i nostri lettori abbiamo analizzato 3.150 album (recenti e del passato) pubblicandone altrettante recensioni sul nostro sito web e offrendo a tutti la possibilità di commentare tramite un meccanismo che non prevede alcuna registrazione al sito. RockGarage si è aperta al mondo dei social, perché è impossibile oggi comunicare ignorando queste piattaforme: Facebook, Twitter, Google+ e da poco anche Instagram dando spazio al grande lavoro dei nostri fotografi. Inoltre siamo approdati al mobile tramite un’app scaricabile gratuitamente sia per Android che per iPhone. Svolgiamo il nostro lavoro con grande obiettività e con la stessa obiettività sappiamo che internet ha stravolto il mondo dell’informazione e che esistono tantissime fonti, oltre RockGarage, con le quali essere aggiornati su questo fantastico mondo che è la musica. Noi non ci illudiamo di cambiare questo mondo ma speriamo che attraverso la nostra passione e le nostre competenze musicali riusciamo a migliorarlo in modo che tutti gli appassionati di rock ed heavy metal (che siano musicisti, redattori o lettori) possano trovarne giovamento. Auguri RockGarage!

Altamont: simpatia per il diavolo?

Nella mitologia del rock la dimensione live è sempre stata un punto di arrivo per ogni gruppo musicale. Il luogo ove ciò che si è inciso su disco, può prendere forma sino a diluirsi in note, suoni, visioni ed altro. Gli anni 60 furono gli anni dei grandi raduni, basti pensare a Woodstock in grado di chiamare da ogni parte d’America folle di giovani per una tre giorni di amore, musica e libertà. Però un grande raduno diventò il rovescio della medaglia di Woodstock. Altamont, 6 dicembre 1969. Protagonisti dell’evento furono i Rolling Stones, i quali in virtù delle continue critiche ricevute per il costo elevato dei biglietti dei loro concerti, di organizzare un “contro-concertone” in grado di portare sulla costa Ovest un numero considerevole di musicisti. Il cast contattato fu considerevole: Santana, Crosby, Stills, Nash & Young, The Flying Burrito Brothers e i Jefferson Airplane oltre naturalmente i Rolling Stones. Se il cast era una ghiottoneria per tutti gli appassionati di musica, il risultato finale fu pessimo. Gli Stones affidarono la gestione del servizio d’ordine agli Hell’s Angels in cambio di 500 dollari in alcolici, inoltre tanto il numero di poliziotti, che di medici e operatori del pronto soccorso fu ridotto al minimo possibile.

Non si sa se tale errore fu dovuto all’impreparazione del gruppo inglese come organizzatori di eventi, ma sin dalle prime date le cose andarono davvero male. Gli Hell’s Angels erano per la massima parte del tempo ubriachi o peggio, con nessuna preparazione a gestire un afflusso di pubblico, ed inoltre odiavano il pubblico hippie. Il concerto iniziò con la performance dei Santana, trionfatori appena pochi messi prima al concerto di Woodstock, ma subito dalle prime note si capisce che le cose non vanno come devono. Gli Hell’s Angels iniziano a gestire il loro incarico con estrema violenza, dando luogo a risse continue, pertanto la band dovette abbandonare il palco per evitare guai. Subito dopo toccò ai Jefferson Airplane ed anche lì le cose andarono molto male, poiché Marty Balin – durante il brano Volunteers – fu massacrato di botte in quanto aveva accusato apertamente alcuni bikers di aggredire il pubblico con stecche da biliardo. Inoltre alcuni Hell’s guardavano Grace Slick con troppa insistenza, ma la presenza del massiccio Jorma Kaukonen era sufficiente ad evitare altri guai.

Per i Flying Burrito le cose andarono stranamente bene, senza scontri, mentre per Crosby, Stills, Nash & Young il copione fu il solito: un unico brano e consequenziale abbandono del palco. In cartellone dovevano essere presenti anche i Grateful Dead ma gli stessi, avvisati da Michael Shreeve batterista dei Santana, del clima di violenza estrema, preferirono non essere presenti e bene fecero. Con l’arrivo degli Stones successe la tragedia. Già nel momento in cui Jagger arrivò sul posto con un elicottero si capì che le scelte fatte erano sbagliate: un fan lo aggredì con un pugno sul naso accusandolo di circuire la sua ragazza e la band si rese conto che il palco era troppo basso con la conseguenza che decine e decine di persone riuscirono a salire e interrompere continuamente le esibizioni. Insomma, altro che la Woodstock della costa Ovest, la situazione era ormai sfuggita di mano. L’unica soluzione era di chiudere quanto prima questa pratica e sperare che il pubblico si calmasse, stesso dicasi per gli Hell’s Angels. Purtroppo per Jagger e soci i bikers avevano ingurgitato litri e litri di sostanze alcoliche nonché di stupefacenti, quindi ormai era necessario un servizio d’ordine per gli stessi Hell’s. Ogni scusa era buona per aggredire giovani spettatori e – soprattutto – giovani spettatrici.

Un diciottenne di colore – Meredith Hunter – si trova tra il pubblico, vicino al palco assistendo alla performance delle “Pietre”, quando ad un tratto viene selvaggiamente percosso. Fin qui è la prassi ma i bikers vanno oltre, i fumi dell’alcool hanno preso il controllo, e Meredith viene accoltellato a morte. Gli Hell’s Angels diranno che il ragazzo di colore aveva estratto una pistola, forse per difendersi, ma questa non verrà ritrovata. Inoltre il fatto accadde vicino al palco quindi le riprese dell’evento mostreranno qualcosa, non la verità purtroppo, ma l’omicidio verrà praticamente ripreso in diretta. Jagger vede tutto, capisce che non si tratta di semplice percosse e stoppa immediatamente la band, urlando sconvolto di terrore. Per anni la stampa dirà che Altamont fu un sacrificio a Satana, poiché l’omicidio avvenne durante la performance di Simpathy For The Devil, alimentando la voce di un patto col Diavolo stretto da Jagger e Richard ed avente come prima vittima Brian Jones, ma in realtà le cose non andarono così, poiché l’omicidio avvenne durante Under My Thumb, interrotta e poi ripresa. Così si chiudevano i favolosi anni ’60.

Iniziavano i ’70 con il loro carico di violenza e morte. Gli Stones pubblicarono all’apertura del nuovo decennio lo storico Sticky Fingers, con chitarre che parevano cobra velenosi e veri e propri inviti all’inferno, per poi proseguire con l’altrettanto storico Let It Bleed contenente Gimme Shelter, una tempesta di morte e napalm. Frattanto il decennio porterà alla definitiva scomparsa del popolo Hippie, la psichedelia perderà uno dei suoi più importanti pifferai, Syd Barrett, l’Old Time Rock‘n’roll perderà il suo indiscusso re e il punk metterà la parola “Fanculo” alla vecchia musica progressive. Gli ’80 saranno anche i peggiori, sia con il saluto estremo a chi aveva esortato a immaginare un mondo senza guerra sia con il massiccio arrivo di sintetizzatori e drum machine. Altamont fu l’epilogo alla musica intesa come aggregazione di massa, si dovrà aspettare solo il 1985 con il Live Aid per avere una nuova Woodstock, questa volta realmente pacifica.

Pink Floyd: racconto del Live At Pompeii

Approfittando delle recente venuta di Adrian Maben a Napoli, regista del seminale film concerto Pink Floyd – Live At Pompeii, noi di RockGarage vogliamo approfondire con voi proprio questo live, storico sebbene realizzatosi “a porte chiuse” ed alla presenza di nessun ma, proprio per questo, divenne così affascinante e misterioso. Un po’ di storia, anzitutto. I Pink Floyd erano ormai nelle fredde mani del bassista Waters, figura magniloquente, sottilmente paranoico, ben diverso dal folle candore del precedente leader Syd Barrett ma – e qui diciamo pure fortunatamente – con la stessa mente orientata verso il genio. Certo, i brani psichedelici, al “profumo d’oriente” di Syd sono lontani (Waters non scriverà mai una See Emily Play), ma sono anche gli anni dei concept album. Il 45 giri che contiene due canzoni è ormai un supporto superato (e siamo nel 1972!), il 33 giri è più comodo per eseguire lunghe suite strumentali tanto care alla band inglese. Da poco è stato licenziato Atom Heart Mother, il cui brano omonimo occupava tutto il lato A del vinile, mentre il lato B conteneva Alan’s Psychedelic Breakfast, anch’essa molto lunga. Poi (oh diciamolo!) I Pink Floyd in studio di registrazione si divertivano. Una testimonianza a ciò è Meddle, disco successivo alla “mucca pensosa”, con una copertina stranissima ed anche questo con due lunghi brani che coprivano le due facciata: l’iniziale One Of These Days, con il suo basso martellante effettato tramite l’unità echo Binson ereditata da Barrett, e la sognante Echoes.

Insomma, il gruppo suona e pure alla grande. Waters, Gilmour, Wright e Mason sono una macchina da guerra musicale, nonostante la pesante ombra di Syd (che non li abbandonerà mai) ed i concerti si sprecano. Ed ecco che gli si presenta la proposta di suonare in un posto assolutamente irreale e spettrale, senza alcuno spettatore. Un’idea folle per un gruppo musicale che viveva a stretto contatto con il suo pubblico, ma da chi viene questa proposta? Il regista dell’opera è tale Adrian Maben, un regista scozzese che da qualche tempo ronza costantemente intorno i ragazzi. Ha delle idee, ma per un motivo o l’altro vengono tutte bocciate dal managment della band. Nel 1972 Adrian è in visita turistica in Italia, precisamente in Campania, a Pompei, allorquando nel rientrare frettolosamente nelle famose rovine archeologiche per recuperare il suo passaporto andato smarrito, rimase colpito dall’anfiteatro romano immerso nel crepuscolo serale. Ok, questa era l’idea giusta: i Pink Floyd dovevano suonare qui! Dopo numerosi contatti con la sovrintendenza locale, Maben ha il permesso per organizzare una settimana di riprese, nel mese di ottobre, nel sito archeologico campano che, per l’occasione, sarà chiusa al pubblico.

I Floyd sono affascinati dall’idea di suonare in luogo antico la loro musica, senza pubblico, potendosi concentrare su ogni singola nota. Ma i problemi non mancarono. Anzitutto i quattro decisero che la loro musica sarà eseguita interamente live, con l’arrivo di enormi camion pieni di strumentazione, e proprio questo sarà il loro principale problema: negli scavi archeologici non vi è energia elettrica a sufficienza e le attrezzature non funzionano. L’inconveniente verrà risolto in una maniera alquanto artigianale, ossia con un unico cavo elettrico che percorrerà l’intera cittadina per trasportare corrente elettrica dal palazzo del Comune sino all’interno dell’anfiteatro. Alla fine era il 1972 mica il 2015! Tale caos porterà tanto a ridurre i giorni a disposizione per le riprese (da sei si passerà a quattro), a ridurre il numero di brani da suonare (solo tre) e ad allertare l’intera cittadina campana i cui ragazzi faranno carte false per introdursi all’interno del area archeologica, chiusa al pubblico, per godersi lo spettacolo…e beati loro. Visto che il metraggio della pellicola era decisamente insufficiente, Maben integrò il tutto con una serie di riprese effettuate a Parigi che, montate ad arte, davano l’idea di una continuità con le scene italiane. Un occhio attento può notare l’assenza della barba del tastierista Richard Wright, ma qui stiamo davvero attenti al pelo. In ogni caso il metraggio è ancora insufficiente, quindi il regista andò a trovare i ragazzi negli studi di Abbey Road mentre erano intenti al missaggio del loro successivo lavoro, quel Dark Side Of The Moon che da lì a poco diventerà un elemento di partenza in ogni discografia che si rispetti. Nel segmento inglese si vedono i quattro intenti a “mimare” quanto già registrato, oltre ad alcune scene registrate alla mensa dello studio di registrazione.

La pellicola – come detto – presenta ben pochi brani registrati live, ma tutti di grande effetto. Echoes, che si apre con un lungo piano sequenza, con la camera che dall’alto dell’anfiteatro giunge sino ad inquadrare i primi piani di Gilmour, nell’occasione voce solista, e Wright, oltre a delle riprese dei quattro a spasso nella Solfatara di Pozzuoli, con riprese di archivio della sovrintendenza. A dirla tutta, il brano fa una certa impressione, soprattutto nel vedere un Gilmour a petto nudo e con i lunghi capelli mossi dal vento, insomma un David giovane e selvaggio distante anni luce rispetto al pingue e spellacchiato signore inglese che è oggi, lo stesso dicasi di Mason, alquanto differente dal bancario inglese che è oggi, ma sono passati quaranta anni, va bene così. Sulla classe di Wright non si discute così come non si discute della figura allampanata e paranoica di Waters con il suo Fender a tracolla. La sezione mediana di Echoes – come detto – è stata filmata a Parigi e montata ad arte. Altro brano è A Sarceful Of Secrets. Su un loop di batteria quasi tribale suonato da Mason, Gilmour strazia la sua Stratocaster con effetti di echo e di fuzz, mentre Wright percuote un pianoforte alla maniera di Cecil Taylor. Waters dirige lo spettacolo prima di afferrare una grossa mazza per percuotere un enorme gong, in un’immagine che diventerà il simbolo del film, prima di chiudere con la parte Celestial Voices, sempre ad opera della premiata ditta Gilmour – Wright.

Il trittico pompeiano si chiude con One Of These Days, di cui si può dire ben poco in quanto consiste in una ripresa statica su Nick Mason poiché le bobine andarono smarrite subito dopo la registrazione e Maben dovette arrangiarsi come poteva. Le riprese parigine sono ben poca cosa, come già detto. Da menzionare solo il simpatico duetto con il levriero Nobs, autore di Mademoiselle Nobs, mentre le riprese inglesi sono decisamente interessanti per vedere il gruppo al lavoro su On The Run, The Great Gig In The Sky e Eclipse. Il film alla sua uscita non ebbe quel successo sperato, causa proprio di quel Dark Side Of The Moon che finì per distogliere l’attenzione su quanto ormai uscito in precedenza e imponendosi come nuova partenza per la band e per i suoi fan. In ogni caso è un film che non può essere perso. Recuperatelo come vi pare (se lo trovate in bobina da 32 mm fate un fischio che lo acquistiamo noi) e vedetevelo, punto!

Rubrica “The Dreamcatchers” – Puntata 4

Siamo giunti all’ultima puntata della nostra rubrica. Innanzitutto ringraziamo RockGarage.it per averci lasciato questo spazio senza porci limiti ne paletti. Per noi è stata una bella esperienza e ci siamo potuti mettere in gioco in un campo diverso dal palco; è stato divertente ed istruttivo! Nelle scorse settimane vi abbiamo raccontato qual è il nostro approccio al palco e alla composizione di un brano ma oggi vorremmo fare un passo indietro. Per quanto la creatività e le idee generate da essa siano frutto di sentimenti ed emozioni personali del compositore, si viene sempre inevitabilmente influenzati dalla produzione passata degli altri artisti. Oggi quindi, entrando un po’ più nella quotidianità dei Dreamcatchers, vogliamo raccontarvi personalmente cosa ascoltiamo e come quello che ascoltiamo influenza la nostra musica.

Emanuele Luini (basso)
Il mio approccio con la musica ascoltata in realtà è stato piuttosto tardivo. Ho iniziato a suonare molto presto la chitarra classica ma per i primi anni la musica è rimasta semplicemente una piacevole parte della mia routine settimanale. Il cambiamento radicale è avvenuto verso la fine delle medie quando dopo aver visto il film Across The Universe al cinema mi sono appassionato ai Beatles. In quegli anni ho passato molto tempo a esplorare il mondo dei Beatles, ascoltandone le canzoni, leggendo le loro storie e le loro vite e devo ammettere che la loro musica e la loro esperienza mi hanno spianato la strada nel mondo vastissimo e meraviglioso della musica. Tuttora i Beatles rimangono la mia band preferita, la loro musica ha inciso molto profondamente su di me formandomi come musicista e come persona e non ho più trovato in nessun altro gruppo una così straripante creatività che sembra scaturire da un azione semplice e priva di sforzo. Sarebbe praticamente impossibile per me scegliere la mia canzone preferita dei Beatles, ma tra tutte direi che quelle che per me hanno più significato sono Lady Madonna e Here, There And Everywhere. Successivamente per ampliare le mie conoscenze ho sempre evitato un approccio troppo sistematico alla scoperta di nuovi brani, piuttosto mi sono fatto guidare dal mio gusto personale e dal caso. Non credo di aver mai scaricato tutta la discografia di un artista per ascoltarla pezzo dopo pezzo, ma piuttosto mi capita di sentire per caso un brano che mi piace, alla radio, in un film o tramite un’altra persona e a partire da quello approfondire la conoscenza di quell’ artista. In questo modo sono venuto a contatto con artisti come Ray Charles, Jimi Hendrix, Elvis Presley e Stevie Wonder, che ritengo tra i migliori della storia e più influenti per me. Negli ultimi due anni circa mi sono sempre più interessato al mondo del soul e dell’ R&B partendo dagli esponenti classici quali Marvin Gaye, Bill Withers, Al Green, Sam Cooke, Aretha Franklin e James Brown, fino ad arrivare ai più moderni Usher, D’Angelo e Alicia Keys. Sempre negli ultimi anni, grazie soprattutto a mia sorella, mi sono appassionato al pop contemporaneo che mi piace molto e influenza soprattutto l’apporto che do alla band in fase di arrangiamento. Oggi voglio consigliarvi un brano degli Hollies intitolato I’m Alive visibile cliccando qui.

Gabriele Laponte (voce)
La musica per me è sempre stata una sorta di sorgente da cui trarre ispirazione, forza o semplicemente relax. Dalla prima volta in cui ascoltai il blues mi resi conto che riusciva a scuotermi e donarmi una sorta di energia tramite l’espressione dell’anima dei grandi del passato, come John Lee Hooker, Muddy Waters, Howlin Wolf, BB King fino ad arrivare a Jimi Hendrix e alla potenza dei Led Zeppelin. Ho imparato molto ascoltando svariati generi e sono arrivato a questo punto proprio per questo, provo a prendere le influenze dai più grandi per poi renderle mie e creare qualcosa di nuovo. Per me è di fondamentale importanza la musica etnica dei popoli africani e la musica orientale, come anche la musica classica. Amo il folk ed i cantautori per l’importanza e la forza delle parole e dei messaggi espressi. Fra tutti, i personaggi più influenti per me sono Bob Dylan, Fabrizio De André ed Eddie Vedder, per la sua capacità di espressione vocale e grande creatività artistica. Esseri che non si soffermano a fare soltanto musica, ma che provano ad andare oltre e toccare poeticamente punti dolenti e tematiche importanti che riguardano ognuno di noi piantando dei semi e sperando che chi ne è capace, comprenda e apra gli occhi. Bob Marley con i Wailers, John Lennon da solista e con i Beatles e Jim Morrison con i Doors, oltre ad aver composto e creato capolavori artistici, l’hanno fatto come tanti altri profeti, specialmente in periodi di guerra sia fisica che mentale per emancipare le persone dalla propria schiavitù. Dovrei stare qui a scrivere per ore ed ore per poter esprimere il pensiero sulle mie influenze. Per la sperimentazione musicale e la profondità concettuale i Pink Floyd mi hanno segnato molto ma proprio come molti, molti altri artisti ai quali devo e dobbiamo qualcosa sotto molti aspetti. L’ arte è l’espressione dell’ anima ed ogni vero artista prova ad esprimere il suo pensiero e la sua creatività al meglio seguendo la propria strada. Il brano che voglio condividere è A Satisfied Mind dall’ album postumo Sketches For My Sweetheart The Drunk di Jeff Buckley visibile a questo link.

Alessandro Cannarozzi (chitarra)
Il mio primo serio avvicinamento all’ascolto di musica, avvenne all’età di circa dodici anni, quando un mio amico mi introdusse al vasto mondo dei Beatles. La musica divenne quindi non più solo un passatempo, ma un interesse. Nei tre anni successivi ho passato in rassegna la discografia del quartetto di Liverpool, la quale é stata davvero illuminante. In particolare sono stati e rimangono dei miei punti di riferimento gli album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band e l’intramontabile Abbey Road. In quel periodo mi sono poi approcciato al rock, ascoltando artisti che però ora non apprezzo più, ad esempio gli AC/DC. É stata molto rilevante invece, una seconda fase di ascolto, tra i quattordici e i sedici anni. In quel periodo sono stato folgorato dai dischi di Jimi Hendrix, i quali hanno stravolto il mio concetto di chitarra. Il suo modo di improvvisare mi influenza tutt’ora. Allo stesso tempo ho ascoltato i Led Zeppelin, Bob Marley, molti classici internazionali e parecchio blues, su cui ho imparato a improvvisare. Più recentemente, ho scoperto i Pink Floyd, i quali sono stati una vera rivelazione per me, sia a livello puramente musicale sia grazie allo spessore dei testi. Consiglio l’ascolto della loro discografia a partire dalla psichedelia dei primi anni, che spesso viene tralasciata. In ogni punto della loro carriera hanno fatto cose grandiose e spesso stupefacenti, con picchi come The Dark Side Of The Moon, un album che é obbligatorio ascoltare e che dopo più di quarant’anni suona ancora moderno. La ricerca di sonorità dei Pink Floyd mi influenza davvero tanto ed essi sono per me fonte d’ispirazione. Ne è un’esempio la composizione di The Power Is Never Enough, cominciata dopo l’ascolto di Shine On You Crazy Diamond e sviluppata ricercando quelle particolari sonorità. Infine, ultimamente mi sto avvicinando a due mondi più complessi, quelli del jazz e del progressive rock. Per quanto riguarda il jazz, il mio primo ascolto è stato l’album Kind Of Blue, di Miles Davis, che mi ha colpito fin da subito. Poi ho ascoltato Saxophone Colossus, di Sonny Rollins. Il mio orecchio si è poi spostato verso il piano jazz, che mi affascina particolarmente, grazie all’artista Bill Evans. In questo vasto genere tuttavia, sono ancora un neofita. Parliamo ora del progressive rock. Il mio primo ascolto sono stati gli Yes, i miei preferiti del genere, poi ho ascoltato Genesis, King Crimson e qualcosina degli Area, ma tutti sono ancora in fase di approfondimento. Gli Yes mi stanno influenzando davvero molto; la cosa che mi colpisce di questo gruppo é il loro costante spostamento degli accenti e come riescono ad incastrare perfettamente i vari strumenti, anche se essi suonano spesso sfasati. Nota di merito per il batterista Bill Bruford (il quale poi ha militato nei King Crimson), che ha una concezione del tempo stravolgente. I miei componimenti in fase di sviluppo, stanno sentendo molto l’influenza di questo gruppo, anche se ciò complica il lavoro non di poco. Chiaramente non ascolto solo questi artisti e tantomeno solo questi generi, tuttavia chi ho elencato é chi mi ha influenzato di più. Concludo consigliando due ascolti, il primo proprio degli Yes, tratto dal loro album Fragile, ed é Heart Of The Sunrise (prendetevi un po’ di tempo cliccando qui e ne sarete ripagati, il secondo é di Miles Davis, tratto da Kind Of Blue, ed é Blue In Grenn (da notare che la composizione é di Bill Evans, il pianista) cliccando qui.

Paolo Liotta (batteria)
Il primo CD che ascoltai con l’intenzione giusta fu uno dei Toto con Simon Philips alla batteria. Quell’ascolto mi spronó nel cominciare a studiare i batteristi più importanti dal punto di vista del loro sound, non che volessi imitare il loro suono, piuttosto cercare di capire come fare per costruirne uno proprio. Successivamente all’ascolto della discografia di Phil Collins, capii che il primo passo per ottenere un sound unico consisteva nel cercare, in quanto batterista, i giusti “pezzi” da suonare e con cui suonare come piatti, rullanti, bacchette… Cominciai a costruirmi un mio set-up. Essendo batterista mi sono trovato spesso nella situazione di dover suonare generi anche molto diversi fra loro ma ciò non vuol dire che io ami suonarli proprio tutti. Ad esempio dopo aver studiato per un anno swing jazz, capii che non era di certo il mio cavallo di battaglia. Mi rifugiai ad ascoltare il rock pop anni 60-70 e fu proprio questa in questa fase della mia “carriera di ascolto musicale” che scoprii un nuovo sound dal quale trarre ispirazione. Parlo dei Led Zeppelin, U2, Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd. Andando avanti a studiare musica crebbe anche la voglia di esplorare generi completamente diversi. Così ascoltando Stevie Wonder, Jamiroquai e Neel Roger scoprii quello che ora posso tranquillamente definire il genere che più preferisco studiare, il funk. Al funk susseguì un periodo di ascolto virato verso il blues, il soul, la fusion, tutti generi che amo suonare. Tutte queste influenze tendo sempre a mescolarle quando si tratta di arrangiare un pezzo originale. Chissà che magari esca qualcosa di completamente nuovo!

Giacomo Papaluca (chitarra)
I miei primi contatti con il mondo della musica li ho avuti attraverso i CD dei REM di mio padre, ma questo mondo non mi appassionò molto. Successivamente all’età di più o meno 10 anni mio fratello mi avvicinò alle sonorità molto più dure e pesanti del metal e dell’ hard rock come Metallica, Iron Maiden e Guns N’ Roses. In questi artisti mi ritrovai molto di più e così, attratto dai virtuosismi dei chitarristi, mi comprai una chitarra elettrica e iniziai a prendere lezioni. All’inizio volevo solo diventare bravo come i miei idoli dell’epoca e mi esercitavo giorno dopo giorno per diventare sempre più capace e veloce. Man mano che acquisivo queste abilità, però, mi accorgevo dell’immenso mondo della musica e di quanto i miei gusti stessero cambiando. Ben presto capii che non bastavano le capacità tecniche ed avvicinandomi ad artisti come Jimi Hendrix, Jimmy Page e David Gilmour compresi l’importanza dell’espressione del sentimento e della personalità dell’artista, le quali non si possono imparare con l’esercizio ma sono parte integrante di esso. In sostanza la mia musica deriva da un passato da metallaro, di cui mi resta la tecnica e l’abilità e da un’espressione artistica derivante dalle diverse sonorità che più mi colpiscono: dal blues grezzo di Hendrix, sicuramente ottimo esempio ne è l’album Are You Experienced? al rock progressivo quasi pop dei Pink Floyd, dei quali terrò sempre dentro di me gli immortali album The Dark Side Of The Moon ed Animals; dal vero e proprio progressive dei Genesis, a cui mi sono avvicinato da poco grazie a Selling England By The Pound, alle sonorità tendenti al funky ed al pop rock dei Red Hot Chili Peppers; da Bob Marley ai Led Zeppelin e Jimmy Page, dal quale traggo la maggiore fonte di ispirazione insieme a Hendrix.

Concludiamo ringraziando voi che avete letto i nostri articoli, sperando che possa essere stato interessante capire come lavorano i Dreamcatchers. Questa é la nostra pagina Facebook, dove potete trovare le date dei nostri concerti e tutti gli aggiornamenti. Vi ricordiamo che a settembre uscirà il nostro primo EP, continuate a seguirci e supportarci.

Rubrica “The Dreamcatchers” – Puntata 3

Eccoci alla terza puntata della rubrica targata RockGarage.it e dedicata a noi, rubrica in cui ci raccontiamo e vi avviciniamo al nostro mondo. Dopo aver parlato di noi nella prima puntata e avervi mostrato come avviene la composizione dei nostri brani nella seconda, vogliamo rendervi partecipi della preparazione di un concerto. Da spettatori, durante un live, si è emozionati e coinvolti e giustamente ci si dimentica della preparazione che sta dietro all’esibizione, ma essa è fondamentale per la riuscita della stessa. Il concerto è la messa in atto di tutto il lavoro singolare e collettivo della band, il momento cruciale in cui si crea la magia e lo scambio di energia tra gli artisti e lo spettatore. L’emozione e il pensiero sono le corde che vanno toccate, scosse, strappate e ricucite per suscitare i sentimenti più profondi dell’essere umano. Gli strumenti sono il mezzo tramite cui la musica e il messaggio che essa trasporta si diffondono, per poi essere percepiti con estrema soggettività. Per far sì che tutto questo avvenga in maniera naturale, è necessaria un’elevata preparazione, che riguarda non solo la stesura di una scaletta coerente e la prova dei brani, ma anche una preparazione a livello emotivo.

La scelta della scaletta è di notevole importanza e purtroppo, spesso viene ignorata da molti gruppi. Per prima cosa bisogna adattarsi a un contesto, evitando di azzardare troppo rischiando di infastidire chi ascolta. Dopodiché bisogna scegliere le canzoni e il loro ordine. Solitamente noi Dreamcatchers cerchiamo di intervallare al nostro materiale inedito alcune cover, in modo tale da coinvolgere maggiormente il pubblico, che essendo più entusiasta coglierà con più attenzione le note dei nostri brani. Per quanto riguarda l’ordine noi usiamo il seguente, il quale non fallisce mai: si parte forte, carichi, con una canzone non troppo lunga e che sia d’impatto, per suscitare la curiosità degli spettatori; intorno alla metà del live ci deve essere qualcosa di più tranquillo, l’ascoltatore deve poter rilassarsi e prepararsi al finale, il quale deve essere esplosivo, per concludere in bellezza. Per essere pronti a un concerto di più di un’ora, ci serviamo, generalmente, di due o tre prove da due ore, che ci consentono di arrivare carichi il giorno del concerto. Il lato emotivo, infine, è forse quello più importante.

Il palco è la nostra occasione per esprimere emozioni e messaggi ed è importante sfruttarlo al meglio. Prima dell’esibizione bisogna concentrarsi, svuotare la mente da ogni ansia e cercare di tramutarla in piacevole attesa. Una volta sul palco, tuttavia, è necessario liberare le energie accumulate per ottenere una migliore espressione e per poter trasmettere quella passione che accomuna i Dreamcatchers al pubblico. Coinvolgere ed emozionare più persone possibile è il nostro obbiettivo, per questo la nostra musica vuole essere non solo una forma d’arte, ma anche un mezzo per sensibilizzare su svariati temi e promuovere la cultura. La capacità dell’artista è quella di trasformare i suoi pensieri, le sue riflessioni e le sue emozioni in note, le quali poi vengono percepite dallo spettatore singolarmente. Più si è in armonia con il resto dei componenti e con l’ambiente esterno, più questo riesce ad accadere.

Concludiamo, ricordando che più noi ci sentiamo a proprio agio, comportandoci come noi stessi e senza fingere, più riusciamo ad essere trasportati dai nostri strumenti e dalle nostre canzoni. Il risultato è un gran concerto. Alla prossima!

Rubrica “The Dreamcatchers” – Puntata 2

Giovedì scorso vi abbiamo introdotto al nostro mondo raccontandovi chi siamo, ora è giunto il momento di capire più nel dettaglio cosa facciamo. Con l’articolo di oggi vogliamo trasportarvi attraverso il processo di composizione e arrangiamento di un brano cercando di farvi capire come nasce un pezzo dei Dreamcatchers. Innanzitutto bisogna specificare che il processo che porta alla realizzazione finale di un brano è di tipo collettivo, dietro qualsiasi pezzo c’è il lavoro di tutti, sia per quanto riguarda le singole parti suonate da ogni strumento, sia per quanto riguarda la struttura del pezzo e l’arrangiamento. Solitamente tutto parte da un’idea, una scintilla che può essere un particolare riff di chitarra, una melodia o anche un ritmo particolare. Se la scintilla si accende quando siamo riuniti in sala prove, ci facciamo travolgere dalla musica e il processo di composizione è spontaneo e quasi involontario. Se invece l’idea per la canzone parte da uno spunto individuale, una volta in sala la ascoltiamo insieme e da lì iniziamo a lavorarci. In entrambi i casi il processo è diviso in tre fasi: la prima in cui si approccia l’idea di base, la seconda in cui si definisce e si dà una struttura al pezzo e l’ultima in cui si cerca di migliorarlo con accorgimenti e abbellimenti.

La prima fase consiste nell’ascoltare tutti insieme l’idea iniziale, generalmente un riff o una serie di accordi alla chitarra, e nell’esporre le nostre prime impressioni sentendo il parere di ognuno. La seconda fase è il cuore del processo compositivo. In questa fase il pezzo prende forma sia dal punto di vista della struttura sia dal punto di vista del sound. Provando e riprovando in sala si definisce la struttura migliore possibile cercando di capire cosa va bene e cosa non va, ognuno inizia a elaborare una parte per il proprio strumento che integri il sound originale dando comunque un tocco personale. La terza fase avviene di solito singolarmente, ognuno cerca di abbellire la parte del proprio strumento per rendere più piacevole e interessante l’ascolto.

Bisogna però specificare che le fasi non avvengono in modo così cronologico e sistematico, spesso sono sovrapposte tra loro e sviluppate in un periodo lungo, durante svariate prove. La struttura di un pezzo è in continuo cambiamento finché si giunge a un equilibrio che soddisfa tutti. Per fare un esempio abbiamo iniziato a lavorare al nostro pezzo The Power Is Never Enough nello scorso ottobre e ancora oggi non possiamo definirlo del tutto completo. Questo è un esempio particolare essendo The Power Is Never Enough un pezzo particolarmente lungo, ma il nostro spirito di autocritica in generale ci spinge sempre a impegnarci e quindi a migliorarci costantemente. Questo è uno dei nostri punti di forza insieme all’ottimo rapporto tra di noi che ci consente di esprimere liberamente i pareri sulle canzoni e di lavorare serenamente anche nei momenti più difficili e faticosi.

Ad oggi noi The Dreamcatchers abbiamo composto sei brani: Euphoria, Numbers, The Land Where The Time Does Not Exist, Gentil Vertute, Swingin’ In Limbo e The Power Is Never Enough che saranno tutti presenti nel nostro primo EP in uscita a settembre e stiamo continuando a lavorare su altro materiale, con l’entusiasmo di sempre e con i miglioramenti acquisiti dalle ore passate insieme. Speriamo come sempre di avervi incuriosito sul nostro gruppo e sul nostro modo di lavorare insieme e vi aspettiamo giovedì prossimo per un altro approfondimento. A presto dai The Dreamcatchers!