Intervista ai Wolfmother

Tra le più grandi rivelazioni del rock mondiale di questo nuovo millennio è impossibile dimenticarsi di menzionare gli australiani Wolfmother che dal loro esordio discografico hanno incendiato i palchi di tutto il mondo con il loro hard rock/stoner dal sound vintage ricco di passione ed energia. La band di Andrew Stockdale ha di recente pubblicato un nuovo album dal titolo Victorious che l’ha fatta ritornare sulle labbra del popolo rock. Questi ragazzi sono quindi tornati in Europa per il loro Gypsy Caravan Tour, il cui programma ha previsto una tappa anche in Italia. Noi di RockGarage abbiamo avuto l’onore di incontrare il particolare Andrew, mente della formazione australiana, nel backstage dell’Alcatraz di Milano a poche ore dalla loro entrata in scena per i fan italiani. La band tornerà in Italia il 24 agosto all’Arena Festa Reggio (presso Campovolo) di Reggio Emilia.

R.G.: Ciao Andrew benvenuto sulle pagine di RockGarage.it, come sta procedendo questo vostro tour europeo?

A.: Il tour sta procedendo molto bene, molti show sono sold-out, abbiamo venduto circa 45.000 biglietti in prevendita qui in Europa, quindi credo che stia andando alla grande!

R.G.: Sembrerebbe che con l’uscita della vostra ultima fatica studio “Victorious“ avete ritrovato un equilibrio come band, innanzitutto, potresti introdurre questo disco ai nostri lettori?

A.: Credo che si tratti di un concentrato di forte energia confezionato in un disco rock con un paio di brani acustici. Per me si tratta di forte energia, un concentrato di buoni brani trascinanti, forse…

R.G.: Come è stata presa la decisione di registrare questo album in compagnia di altri artisti e non della band che ti accompagna in tour?

A.: Io credo che sia una buona cosa collaborare con altri artisti, puoi trarre nuova ispirazione vedendo come lavorano altri artisti per poter avere sempre idee fresche. Avevo già lavorato con gli altri ragazzi della band per comporre i brani per il precedente New Crown, proprio come se fossimo un’unica testa per la scrittura del disco. Ora invece ero interessato a lavorare da solo per la stesura delle canzoni per poi prendere qualche musicista diverso con cui collaborare per la fase di registrazione.

R.G.: Credo che sia comunque una scelta strana dal momento che avresti a disposizione una band tua.

A.: Io credo che collaborare sia una cosa bella, vedi per esempio il lavoro di Slash che ha fatto negli ultimi anni. Puoi scrivere buone canzoni facendoti aiutare da altre persone con una mente diversa.

R.G.: Credi che sia cambiato qualcosa nel processo di scrittura dei brani per quest’ultimo disco rispetto a quelli precedenti dei Wolfmother?

A.: Sembrerà strano ma non è cambiato assolutamente niente. Pensa che il disco Cosmig Egg lo avevo già scritto da solo, prima della sua uscita discografica feci ascoltare alla mia ragazza le demo dei brani da me registrate. Ho fatto tutto da solo prima di riavere una vera e propria band, invece per quanto riguarda il disco d’esordio il buon 70 % è stato scritto e realizzato da me, ho collaborato poi con la band per sistemare qualcosina come le parti di batteria e migliorare qualche passaggio. Quindi in questo caso ho preferito tornare a lavorare come ho fatto in quel periodo. Vedi, per esempio Stevie Wonder oppure Prince componevano tutto da soli, quando componi da solo è come se ci mettessi l’anima in quello che scrivi, tutto potrebbe venire più energico ed era proprio l’effetto che volevo dare a questo nuovo album.

R.G.: Preferisci la vita del musicista in tour oppure la vita del musicista in studio di registrazione?

A.: Alle volte preferisco la vita da studio, prendendo però in considerazione il nostro ultimo Victorious devo ammettere che molti brani suonino meglio su disco, mentre altri come Gypsy Caravan o Simple Life credo che suonino meglio dal vivo, che acquistino maggior spessore in sede live. Quindi molte volte i brani risultano migliori on the road.

R.G.: Ma avete mai pensato di registrare un vostro live album?

A.: No, non credo che ci sia bisogno di registrare un vero e proprio live album, alle volte decidiamo di registrare interamente alcune tappe del tour e poi le carichiamo per intero su youtube affinché chiunque possa gustarsi le nostre performance live.

R.G.: Come è stato quindi ritrovarsi nuovamente a lavorare con la tua formazione stabile? E’ stato difficile ritrovare un equilibrio come band?

A.: E’ andata molto bene, ormai suono insieme a questa formazione da un po’ di anni e tra di noi non c’è solo un rapporto lavorativo, Vin Steele è con noi da un po’ di anni ormai e si diverte a suonare con noi tutte le sere. Abbiamo fatto un bel po’ di show negli ultimi tre mesi ed è stato un duro lavoro, abbiamo passato dei momenti duri per la ripresa delle attività live nel pieno dell’inverno ma ce la siamo cavata bene.

R.G.: Generalmente il progetto Wolfmother viene definito come una band di nuova generazione, vi siete formati nel nuovo millennio quindi siete una formazione giovane a tutti gli effetti. Credi che il tuo progetto sarebbe stato più fortunato se fosse nato qualche decennio prima e quindi affrontando il music business come veniva fatto al tempo oppure credi che fare musica oggi sia più semplice?

A.: Oggi si ha youtube, quindi hai la possibilità di girare dei video e caricarli su youtube. Credo quindi che sia migliore la situazione attuale! Oggi è sicuramente più facile ed economico registrare, più economico girare dei video, quindi tutto questo ti agevola per la promozione del tuo progetto connettendoti direttamente con il tuo pubblico, questo è ciò che la gente vuole! Il pubblico non è interessato al management, agenzie di booking, questi sono tutti aspetti che interessano a me per gestire al meglio il mio progetto, il pubblico vede altro, oggi tutte queste cose possono essere gestite anche direttamente da te stesso. Sono cose fantastiche che dipendono ovviamente dallo stesso artista, se ha voglia o meno di lavorare duro e quindi di gestirsi da solo tutto ciò che c’è alle spalle del suo progetto musicale. Per non parlare dei voli che oggi costano molto meno (risate, ndR), quindi è diventato più facile spostarsi. Anche solo quando noi abbiamo iniziato a suonare, le distanze erano molto più lunghe, non era semplice per noi dell’Australia riuscire a viaggiare, oggi invece è molto più comodo viaggiare qui in Europa e affittare delle case che ci possano servire come appoggio. Oggi avremmo la possibilità di viaggiare, affittare una casa sulla collina di Hollywood, suonare sul tetto della casa, fare un video, caricarlo su youtube e promuoverlo affinché tutti lo vedano!

R.G.: Ma restando sempre in argomento internet e nuove tecnologie, permettimi di chiederti una cosa riguardo al vostro disco precedente, “New Crown“, che è stato disponibile solo via internet. Come mai questa decisione di registrarlo con una produzione così… casereccia?

A.: O meglio dire grezza! Il motivo è che quando stavamo componendo il disco ho pensato di aver già fatto in precedenza il grande disco che era Cosmic Egg, curatissimo nella sua produzione. Mi chiedevo cosa avrebbero pensato i nostri fan se avessimo realizzato un disco in presa diretta dal nostro lavoro in studio, io personalmente adoro i lavori fatti così, poco curati in quanto produzione, ho solo bisogno di ascoltare buone canzoni. Ci sono invece altre persone che preferiscono i dischi molto curati nella loro produzione, quindi con questo nuovo album abbiamo deciso di poter avere entrambe queste cose: buona produzione e buone canzoni, così tutti sono felici!

R.G.: Quando ti capita di leggere qualche articolo sui magazine o sui web-magazine che riportano critiche sul fatto che i Wolfmother siano troppo simili a Led Zeppelin, Steppenwolf e altre band del genere la cosa ti rende nervoso oppure credi che sia un onore per la tua band essere paragonata alle band citate?

A.: Sono tutti dei grandissimi artisti, in fondo è come tutte le cose: puoi amarle o odiarle. Se esiste una reazione da parte di qualcuno vuol dire che non si è passati di certo inosservati, come accadeva con Alice Cooper che dicevano fosse troppo simile a Frank Zappa eppure era tutto frutto di una reazione, la musica dell’artista veniva ascoltata e faceva quindi aumentare la sua popolarità. Una cosa brutta sarebbe se la nostra musica non producesse alcuna reazione. Ma se c’è una cosa che proprio non riesco a capire è quando le persone sprecano tutte le loro energie per dedicarsi alle cose che a loro non piacciono, come se adorassero criticare tutto! Io credo che ci sia sempre un po’ di buono in ogni cosa, bisognerebbe semplicemente accettarlo!

R.G.: Ok grazie mille per la chiacchierata Andrew e in bocca al lupo per lo show.

A.: Grazie a voi!

Intervista a Pino Scotto

Pino Scotto non ha certo bisogno di chissà quali presentazioni. Artista che da almeno tre decadi calca i palchi italiani e non e che da qualche anno si è fatto portavoce di un dissenso generale verso svariati aspetti sociali, e soprattutto a tutela di quella che lui definisce “vera musica, quella fatta con il cuore e non per i soldi”. In occasione dell’uscita del suo nuovo disco, Live For A Dream, Pino ci ha concesso un’intervista in cui ci ha parlato ovviamente del nuovo album, ma anche di tanti altri argomenti interessanti.

R.G.: Ciao Pino, benvenuto su RockGarage. E’ da poco uscito il tuo nuovo disco “Live For A Dream”, parlacene un po’, raccontandoci come è nato.
P.S.: Ciao e grazie! L’idea m’è venuta dal fatto che volevo fare una sorta di consacrazione di me stesso. Tieni conto che, tra quelli con le band dove ho suonato e quelli da solista, è il mio diciottesimo disco, e l’idea era quella di riportare tanti dei miei vecchi brani in tour, ri-arrangiati, brani che percorrono in ordine cronologico la mia carriera in toto, quindi Pulsar, Vanadium, Sinergia, Fire Trails e quella da solista. Una cosa che mi è sempre piaciuta fare nella musica è quella di collaborare con tanti altri artisti; mi immaginavo, per ogni brano, con chi avrei voluto suonarlo. Ho pensato soprattutto agli amici, che sono tantissimi e quindi ho dovuto fare delle scelte, ma la cosa bella è stata che nessuno mi ha detto di no e soprattutto nessuno mi ha chiesto dei soldi, anche perché non c’è ne sono (ridendo)!! Chi ha collaborato l’ha fatto solo per amicizia, penso ad esempio ai Ritmo Tribale che per questo disco sono riuscito a farli riformare momentaneamente e chissà che non li convinco a riformarsi definitivamente. Oltre a loro ho chiamato band e nomi storici come la Strana Officina, Sadist, Fabio Lione, Roberto Tiranti, Stef Burns, Ambra Marie, Fabio Treves che con il suo blues, genere che rappresenta la mia anima, è spesso stato presente nei miei dischi, e tanti altri.

R.G.: Come mai questa scelta di realizzare un “live in studio”?
P.S.: La cosa principale è stata che in studio era tutto come se fosse una festa. Volevo fare una cosa diversa rispetto ai lavori passati e si è rivelata una scelta bellissima; si suonava assieme, si scherzava assieme, si mangiava assieme, ci si divertiva assieme! Nel disco, oltre al CD, c’è un DVD dove ci sono aneddoti e riprese delle registrazioni, ed in più, assieme al regista Daniele Farina, ci è venuta questa idea di fare un giro per Milano, a vedere i posti dove sono nate tante band, dove si suonava. Insomma tantissime cose interessanti da vedere. Il disco rappresenta almeno la metà della mia vita, l’ho voluto chiamare Live For A Dream perché la musica è sempre stato il mio sogno da quando avevo sedici anni, e sono scappato da un paesino in provincia di Napoli. Credimi, adesso come adesso, ho solo tanta voglia di portare questi brani in tour.

R.G.: Nel disco ci sono tanti artisti come ospiti, c’è qualche artista con il quale ti piacerebbe collaborare ma che ancora non c’è stata occasione?
P.S.: Jimi Hendrix (ridendo)!! C’è ne sono tantissimi guarda, però ti posso dire che un artista italiano con il quale farei volentieri qualcosa è Adriano Celentano, pensa che nel disco di cover che feci due anni fa, c’era la mia versione di Svalutation che a lui era piaciuta tantissimo! Un altro è Paolo Conte, che ritengo assolutamente un genio.

R.G.: Nel disco ci sono anche 2 inediti, tra cui uno scritto dopo la morte di Lemmy, immagino che la sua perdita ti abbia un po’ scosso.
P.S.: Sì, il brano The Eagle Scream è dedicato a Lemmy e l’ho scritto il giorno dopo che era morto. Ci conoscevamo da tantissimo tempo, sin da un tour dove facevamo da spalla ai Motorhead dove la prima data fu al PalaSport di Bologna. Avevo anche suonato con lui un anno prima che morisse, rimanendo anche in contatto, pensa che sono anche stato a casa sua a Los Angeles. Lui sapeva che stava per morire, anche perché le sue condizioni fisiche, giorno dopo giorno, diventavano sempre più gravi. Il brano glielo dovevo, posso dire che eravamo amici, anche perché parlavamo lo stesso linguaggio, ci intendevamo perfettamente. Abbiamo anche realizzato un videoclip della canzone, girato in una cava ad Asti, con 40 bikers, e sono certo che gli sarebbe piaciuto tantissimo perché è un video davvero tamarro. L’altro inedito si intitola Don’t Touch The Kids, dove, come si può capire dal titolo, parlo di pedofilia, argomento che tratto spesso anche quando sono in TV. I bambini non si toccano. Punto.

R.G.: Come sta procedendo il progetto Rainbow?
P.S.: Guarda, parlavo appunto dei bambini, e, tramite questo progetto, ho visto delle cose inimmaginabili, assurde, e il mondo non fa un cazzo! Abbiamo realizzato un piccolo ospedale a Kobane, e quando vado lì, oltre al dolore nel vedere certe scene, provo gioia quando questi bambini mi abbracciano e mi chiamano “papà”. E credimi, in confronto a queste cose qua, i soldi, il successo, non valgono assolutamente niente! Il progetto Rainbow sta andando avanti, grazie anche agli incassi dei miei concerti, in particolare quelli che ho fatto ultimamente a Manfredonia (FG) con i 99 Posse e Sud Sound System, ed a Rock On The Road di Desio con amici come Fabio Treves, Maurizio Solieri e tanti altri. Tengo a precisare che noi del progetto Rainbow agiamo in maniera totalmente trasparente. Nessuno di noi prende un euro, e tutte le donazioni, e le spese sono giustificate con tanto di ricevute fiscali. Non tollero chi si arricchisce tramite organizzazioni apparentemente benefiche. Aggiungo che sono dell’idea che molti dei genitori italiani dovrebbero portare i loro figli “in vacanza” in uno di questi posti, anziché farli rincoglionire con la Play-Station, un giro in quelle zone sarebbe una grandissima lezione di vita e soprattutto di umiltà.

R.G.: Il 2016 è iniziato con la perdita di tanti artisti rock tra Lemmy, Bowie etc etc, fermo restando che se ne sono andate delle icone della musica, come vedi, se lo vedi, il futuro del rock? Ad esempio, come immagini i grandi festival tra 15-20 anni, quando non ci saranno più gruppi come Iron Maiden, Kiss eccetera.
P.S.: Una cosa che dico da qualche anno è che, quando non ci saranno più i grandi artisti, quelli storici, ci saranno solo tribute band, infatti in alcune parti del mondo stanno già organizzando festival con sole tribute bands, assurdo! Non c’è ricambio, o almeno, io non lo vedo assolutamente.

R.G.: Dato che è una notizia fresca, non posso non chiederti cosa ne pensi sia della reunion dei Guns, e soprattutto di Axl Rose con gli AC/DC.
P.S.: Allora, parliamo degli AC/DC: il batterista ha delle rogne con la legge, il cantante ed un chitarrista hanno gravi problemi fisici, con tutto il rispetto ma…andarsene in pensione no? Riguardo Axl Rose, ho visto dei video sulla reunion che hanno fatto i Guns N’ Roses negli Stati Uniti; è stonato come una cornacchia, ha perso tutta la sua potenza da vocalist, e vuole cantare negli AC/DC? Non ce la fa neanche se li abbassa di sei toni! Sai chi avrei chiamato invece di Axl? Marc Storace, il cantante dei Krokus, che, come voce, ricorda tantissimo Bon Scott. Comunque sono dell’idea che, una volta eseguite queste 8-9 date in Europa, gli AC/DC si ritireranno.

R.G.: E’ vero che in passato ti è stato offerto di partecipare al Festival di Sanremo?
P.S.: Sì, era durante il progetto Sinergia. Vasco Rossi scrisse una canzone, che avrei dovuto cantare a Sanremo in coppia con una nota cantante, della quale non faccio il nome. Rifiutai, e con il senno di poi penso che sarei dovuto andarci, per far qualcosa di osceno e clamoroso in diretta sul palco di Sanremo!

R.G.: Oltre a questo, hai altri rimpianti come musicista?
P.S.: No come musicista no, ho sempre fatto quello che avrei voluto fare. Anche a costo di ricevere forti critiche, come quando, ad esempio, ho fatto delle collaborazioni con J-Ax o con i Club Dogo, cose che ho fatto con il cuore, come dal resto, tutte le cose che ho fatto in campo artistico. Nessun rimpianto, ho rifiutato ruoli da cantante per noti gruppi, collaborazioni, tante occasioni che economicamente mi avrebbero fatto comodo, ma ho deciso di rimanere coerente con me stesso e soprattutto con chi mi segue da anni.

R.G.: Progetti per l’estate? Stai lavorando per un nuovo disco di inediti?
P.S.: Avere dei brani nuovi è il minore dei problemi perché ne ho già pronti una dozzina, in futuro quindi ci sarà un nuovo disco totalmente di inediti. Poi ovviamente il progetto futuro è il tour di supporto a questo disco, le date le potete leggere nei miei canali ufficiali on line.

R.G.: Grazie dell’intervista Pino, ed in bocca al lupo per tutto!
P.S.: Grazie a voi! Ci vediamo a qualche mio concerto!

The Winery Dogs+Be The Wolf@Market Sound (MI)

Quella del 14 giugno 2016 era una data che circolava da tempo in rete e che era lì, rinchiusa in uno spazietto di cuore di tantissimi fan provenienti da radici musicali relativamente diverse tra loro. Infatti il Market Sound ha ospitato l’unica data italiana dei The Winery Dogs, supergruppo composto da Mike Portnoy (ex batterista nonché fondatore dei Dream Theater, che ha lasciato il posto a Mike Mangini), Billy Sheehan (storico e funambolico bassista dei Mr. Big ma noto anche per molte esperienze con David Lee Roth solista, Steve Vai, i Niacin e molti altri) e Richie Kotzen (anche lui Mr. Big ma anche Poison oltre che una prolifica attività solista). Un trio infatti alquanto bizzarro se visto dietro un unico moniker, accompagnato dalla realtà italiana che meglio di chiunque altro poteva supportarli: i Be The Wolf.

La serata non prometteva bene dal punto di vista meteorologico ma al nostro arrivo abbiamo trovato già un discreto pubblico ad assistere all’esibizione del power trio Be The Wolf, accasato da poco presso la nostra Scarlet Records. I ragazzi (che avevamo intervistato poco tempo fa di persona, a questa pagina il resoconto della chiacchierata) non solo si sono dimostrati in grande forma ma hanno messo in evidenza una buona presenza scenica, per lo più caratterizzata dal loro sound corposo e groovy. Ci hanno ricordato l’impulsività dei Wolfmother, se non per quella sei corde così impertinente pur se confinata nei meandri del rock, senza sbavature di altri generi di sorta. L’ultimo lavoro, Hot Streak, ha dimostrato una buona valenza dal vivo e i ragazzi sono risultati molto umili quando hanno dichiarato: “Sappiamo che siamo qui tutti per i The Winery Dogs, anche noi stessi…vorremo dire diversamente ma non è così!”. Quindi giù il cappello a questa band tutta italiana che grazie alla propria musica (e ad un videoclip che sta girando molto) sta ottenendo riscontro anche all’estero.

Ore 21:20 entrano in scena i The Winery Dogs, mentre il cielo di Milano diveniva sempre più nero. Tutti speravano che le nuvole avrebbero resistito prima di cedere fiotti d’acqua sul prato del Market Sound e probabilmente in questo ha contribuito anche il trio americano, che con il proprio ingresso, ha esercitato una carica adrenalinica immensa tra il pubblico. Chiaramente parliamo di una band di professionisti, gente che si sa muovere molto bene sul palco e che sa cosa il pubblico cerca, non a caso l’esibizione è stata concentrata sulla musica, con poche battute con il pubblico (Portnoy è stato l’unico a condividere qualche pensiero con le persone al di là del palco) e tanti pezzi uno dopo l’altro. Molto intensta Empire che ha preceduto un brano acustico e lento in cui Richie ha imbracciato una chitarra semi-acustica e dato dimostrazione della sua intensità vocale. Probabilmente i presenti attendevano le esibizioni soliste e i ragazzi non si sono risparmiati: Kotzen nei vari assoli all’interno dei brani, Mike Portnoy con un siparietto simpatico in cui colpiva qualsiasi cosa fosse collocata sul palco (per la parte più canonica invece non ha offerto nulla in più dei suoi vari assoli che ben conosciamo), infine Billy (classe ’53!…ricordiamolo) che, forte del suo 4 corde molto effettato e della sua tecnica per lo più incentrata sulla mano destra, ha dispensato in quantità incredibili note, una misura di gran lunga maggiore rispetto alla pioggia che ormai cadeva senza sosta dall’alto.

Dal punto di vista strettamente musicale i The Winery Dogs si collocano nei gradini alti delle rock band internazionali, senza sbavature di genere, piuttosto cercando di mettere a frutto la loro esperienza nella direzione di una musicalità un po’ per tutti, sia per chi si aspetta maestria sia per chi fagocita esclusivamente melodia. Lo show è durato circa 80 minuti, forse ci aspettavamo qualcosa in più, ma il meteo della serata di certo non ha aiutato, quasi annullando la pausa prima del bis. Bella esperienza, vedremo in futuro quanto lontano arriverà questo trio.

Live del 14 giugno 2016

Intervista a Jaselli

Tutto si può dire dei Jaselli (band di Jack Jaselli) tranne che la band non si sia fatta da sola. Grazie a lavoro duro, passione e idee ben chiare questo dinamico trio in pochissimo tempo è stato in grado di passare dai piccoli concerti per pochi intimi ai mega palchi come lo stadio di S.Siro o Mtv. Il loro è un suono che proviene dalla strada, polveroso ed intriso di rock, blues e soul, spontaneo ed estremamente genuino senza artifizi di sorta. Si dice che l’occasione fa l’uomo ladro e sfruttando questo detto abbiamo incontrato il nostro power trio in occasione dello showcase organizzato per presentare la loro ultima fatica discografica intitolata Monster Moon.

R.G.:Ciao ragazzi, raccontateci qualcosa sul nuovo disco.
J.: Ciao, non vediamo l’ora che esca innanzitutto, siamo felicissimi per questo nuovo progetto, pensiamo che sia stato fatto un enorme passo avanti per quanto riguarda il sound ora molto più da band rispetto a prima. Non vediamo l’ora di suonare i nostri nuovi pezzi dal vivo, abbiamo lavorato veramente sodo per questo disco scrivendo moltissimo materiale che poi è stato ridotto a undici tracce nella versione finale per poter mantenere una coerenza omogenea del tutto.

R.G.: Quanto è durata la gestazione dell’album ?
J.: Il processo creativo ha preso all’incirca dieci mesi, siamo stati in tour per circa due anni e ritrovare gli automatismi di scrittura dopo tutto questo tempo ha richiesto davvero un bello sforzo.

R.G.: Perché avete scelto come titolo “Monster Moon”?
J.: Sostanzialmente per una doppia ragione, una fisica e l’altra più concettuale. Durante il 2015 ci sono stati numerosi fenomeni astronomici che hanno interessato il nostro pianeta come ad esempio la Blood Moon a settembre e varie eclissi totali o parziali. Si dice poi, che la luna influenzi i nostri stati d’animo e le maree per non dimenticare poi una parte irrazionale, che ci intrigava molto, data da figure come i licantropi ed i lupi che abbiamo inserito in alcune tracce del disco.

R.G.: Come è stato lavorare con un producer del calibro di Ran Pink (The Wallflowers, Band Of Horses, Dave Grohl)?
J.: È stata un’esperienza davvero incredibile, potersi misurare con un produttore che ha un’esperienza ed una visione d’insieme simile non capita tutti i giorni. La differenza con i producer nostrani è abissale, Ran possiede una cultura musicale ed un passione davvero smisurata, qui a volte si vive molto di riflesso. Il processo è stato assolutamente naturale ed estremamente scorrevole, lontano da qualsiasi logica di mercato o di business.

R.G.: Al di là degli aspetti meramente tecnici, cosa vi ha trasmesso questa collaborazione?
J.: Lui è stato in grado di darci la consapevolezza di poterci affidare a qualcuno che sapeva esattamente che cosa volevamo da questo progetto, un timoniere sicuro capace di capire con precisione le nostre esigenze. A livello sonoro la sua mano è nettamente avvertibile senza mai risultare invadente o forzata.

R.G.: A nostro avviso il disco presenta un salto qualitativo e di ricerca sonora davvero notevole, voi ve ne siete resi conto?
J.: Sì, ce ne siamo resi conto mentre ci trovavamo in studio e anche quando a gennaio siamo andati a conoscere Ran per la prima volta portando dei nostri provini, in pochissimo tempo è stato in grado di darci una marcia in più. Una parte importante va data anche al luogo dove tutto è stato creato ovvero i Fonogenic Studios di Los Angeles, che possiedono un’energia propria davvero straordinaria ed una strumentazione rara e di qualità eccelsa.

R.G.: Se voi poteste uscire dal vostro corpo sotto forma di spirito e osservare la band dagli inizi che cosa vedreste ?
J.: Sicuramente vedremmo un’evoluzione molto particolare ed articolata che si è svolta però in modo assolutamente naturale; volevamo trovarci esattamente dove ci troviamo ora, senza rinnegare nulla di quello che è stato il nostro passato. Ambivamo ad una nostra identità unica ed originale capace di emozionare la gente che ci circonda.

R.G.: Cosa ci dite sul tour che state per intraprendere?
J.: Il tour sarà composto da una ventina di date con qualcosa anche all’estero, sarà più rock rispetto al passato e per la prima volta avremo insieme a noi Alfredo Aliffi che curerà i nostri suoni garantendoci una resa ancora maggiore.

R.G.: C’è un messaggio dietro a questo album ?
J.: Sì fondamentalmente noi siamo dei lottatori, nessuno ci ha mai regalato nulla a livello professionale, quindi tutto è possibile, con la costanza e con il massimo impegno si possono avverare anche i sogni più incredibili. Spesso poi bisogna seguire i propri istinti senza utilizzare troppo la ragione, proprio come dei lupi mannari che ululano ad una “monster moon”.

R.G.: Raccontateci un aneddoto divertente che vi è capitato durante la produzione del disco.
J.: Durante le registrazioni a Los Angeles nonostante i continui avvisi di Nik, siamo rimasti senza benzina proprio in mezzo ad una trafficatissima highway principale. Dopo lo spavento iniziale ce la siamo cavata grazie ad un signore anziano che ci ha letteralmente spinto con il suo possente pick up alla più vicina stazione di rifornimento tra l’ilarità e lo stupore generale per l’insolita situazione.

R.G.: Grazie mille ragazzi ed in bocca al lupo per il Tour!
J.: Grazie a voi di RockGarage e crepi il lupo!

Intervista a Soltanto (Matteo Terzi)

Incontriamo faccia a faccia Soltanto, nome d’arte del cantante Matteo Terzi. Un artista che è arrivato a registrare il suo nuovo disco, Skye, uscito l’8 aprile, grazie ad una storia ed un vissuto molto particolari. Sentiamo cosa ha detto ai nostri microfoni

RG: Ciao Matteo e benvenuto su RockGarage. Iniziamo l’intervista in maniera molto canonica, con una presentazione ai lettori e con la narrazione della tua particolare storia e vicenda artistica.

S: Innanzitutto saluto tutti i lettori. Io sono un musicista di strada e questa vita l’ho iniziata sei anni fa. Nel 2010, per via di alcuni fattori che si sono sovrapposti, dopo la mia laurea, ho deciso di licenziarmi dalla società di produzione cinematografica per cui lavoravo. Ho deciso così di partire per viaggiare attraverso l’Europa, portandomi dietro la mia chitarra e spostandomi in autostop. La scelta di portarsi dietro lo strumento derivava dal fatto che, fondamentalmente, essendo solo, oltre a mettermi a suonare per strada, avrei anche potuto conoscere persone grazie alla mia compagna. Ho scoperto poi grazie a questa esperienza che il mio posto nel mondo e quello che mi realizzava era fare il busker.

RG: Raccontaci come e perché hai scelto come nome d’arte Soltanto.

S: Quando ho iniziato ero molto preso ed ammiravo il film Into The Wild (pluripremiato film di Sean Penn del 2007, nda) e di conseguenza il libro da cui è derivata la pellicola (Nelle Terre Estreme di John Krakauer, che narra la storia di Cristopher McCandless, giovane che lasciò tutto e partì a piedi in un giro per gli Stati Uniti che finirà in Alaska, nda) . Decisi così, affascinato da quell’immaginario, di chiamarmi Matt Supertramp. Tornato a casa dopo il primo giro, mi accorsi però che la mia casa e la mia città mi mancavano e pensai che da quel momento sarei stato soltanto me stesso. E’ a quel punto che ho scelto come nome d’arte “Soltanto”, che sta a significare per me che cercare di essere soltanto se stessi non è una cosa da poco.

RG: Matteo parlaci un po’ del tuo nuovo disco Skye, della sua genesi e della sua lavorazione.

S: Dal primo disco che ho pubblicato, Le Chiavi Di Casa Mia (uscito nel 2013, nda) avevo deciso che il secondo disco sarebbe uscito solamente quando me la sarei sentita veramente, senza pormi un traguardo temporale. Volevo che la nuova produzione mi rappresentasse veramente, sia dal punto di vista personale che da quello del sound. Non mi sono messo nessuna fretta e non avevo nessuna fretta anche perché non volevo che il mio nuovo lavoro risultasse un prodotto con tempistiche da mercato discografico, dove sembra che ormai le produzioni siano una cosa usa e getta. Le canzoni del nuovo disco, oltretutto, hanno fatto molto fatica a trovare una forma definitiva ed una chiusura. Skye è il nome di un’isola scozzese, dove mi sono trovato per un bel po’ di tempo e che mi ha rapito con i suoi paesaggi, i suoi colori, i suoi silenzi. Le canzoni hanno preso la loro forma definitiva proprio lì.

RG: Moltissimi musicisti mollano o si sentono demotivati per tutta una serie di motivi mentre tu sei riuscito a realizzare il tuo sogno. Cosa ti senti di dire a queste persone o a chi sta per intraprendere una sua avventura musicale?

S: Tutto dipende dalle idee che uno si fa e che obiettivi ci si pone. Per me il sogno più grande che un musicista possa realizzare non è ottenere un successo planetario, ma in primis quello di realizzarsi e sentirsi realizzato. E questo, al di là della retorica, è una cosa molto difficile. E’ vero che la crisi del mercato discografico poi incide sulla vita a livello pratico di un musicista, ma di strade per fare arrivare la propria musica alle persone ce ne sono tante. Comunque, qualsiasi scelta si faccia, ogni strada battuta da un musicista costa sicuramente fatica, fatta di scelte e rinunce. Per chi invece vuole ottenere un grande successo, esistono i talent show. Se si va ad informarsi bene sulle carriere dei grandi nomi della storia della musica, si vedrà che i periodi iniziali sono all’insegna di fatica e sacrifici.

RG: Ci vuoi parlare delle tue maggiori influenze musicali ed artistiche in generale?

S: Dal punto di vista musicale le mie maggiori influenze provengono dall’Inghilterra. I Beatles in primis. Il mio primo grande amore fu Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (celeberrimo album dei Fab Four, uscito nel 1967, nda). Da lì in poi la mia corrente musicale preferita è sempre stato il pop rock inglese, di cui in questo momento gli artisti di punta sono i Coldplay. Esulando dalla musica, le maggiori influenze artistiche della mia vita sono Nanni Moretti e Woody Allen. Soprattutto grazie a quest’ultimo, sono risalito ai grandi registi del passato: per fare due nomi, Bergman e Truffaut. Prima di partire sognavo di fare cinema nella mia vita. C’è stato un periodo dove andavo al cinema due o tre volte al giorno, come fosse una droga, indipendentemente dal film che proiettavano.

RG: Se potessi realizzare un desiderio, a quale artista italiano ed estero sceglieresti di aprire una tournée?
S: Come artista estero, senza dubbio i Noel Gallagher’s High Flying Birds. Come artista italiano sceglierei assolutamente Niccolò Fabi.

RG: Grazie mille Matteo per il tempo che ci hai dedicato e per la tua disponibilità!
S Grazie a voi per lo spazio dedicatomi. Un saluto a tutti i lettori.

Intervista ai Giorgieness

Poche ore prima del loro show acustico presso la Santeria Paladini di Milano, abbiamo incontrato Giorgie D’Eraclea, voce dei Giorgieness. Nel corso di quest’intervista, Giorgie ci ha raccontato un po’ di lei, dei suoi inizi, del percorso con i Giorgieness, percorso che li ha portati ad essere una band tra le più interessanti del panorama underground italiano. Passato e presente, svelandoci anche alcuni aneddoti molto interessanti. Eccovi il resoconto della nostra chiacchierata.

R.G.: Ciao Giorgie e benvenuta su RockGarage! Raccontaci un po’ dei tuoi inizi e di come nascono i Giorgieness.
G.: I Giorgieness nascono circa nel 2011. Ma prima ero da sola, in Valtellina suonando in alcune band hard rock, punk, metal. Ad un certo punto la cosa iniziò a starmi un po’ stretta e quindi ho iniziato a scrivere le mie canzoni, passando dall’inglese all’italiano, pur essendo totalmente fuori dal mondo indie italiano, cioè, non ascoltavo proprio nulla di questo! Ho iniziato quindi ad esibirmi prima in Valtellina, per poi passare per la Brianza fino a Milano. Poi ho conosciuto Gerry Valentini, un organizzatore di eventi del valtellinese, che mi ha proposto di fare un EP, e da lì nacque il nostro EP Noianess. Nel frattempo ho conosciuto Andrea De Poi, prima batterista ed ora bassista della band, ed abbiamo iniziato a suonare, è stato tutto molto veloce, e quando ci ripenso mi sembra come se fosse successo ieri. Invece sono passati quattro anni, quattro anni dove abbiamo dovuto fare diversi sacrifici sotto diversi punti di vista. L’anno scorso poi ho conosciuto Davide, il nostro produttore, con il quale abbiamo deciso una sorta di strategia, che si è poi rivelata efficace dato che abbiamo fatto tutto secondo una tabella di marcia, partendo dai singoli, fino ad arrivare al disco La Giusta Distanza. Poi si è aggiunto Luca alla batteria, ed eccoci qui!

R.G.: La prima volta che vi vidi fu al Pending Lips 2013 dove facevamo parte della giuria, come sei/siete cambiati in questi tre anni?
G.: Tieni conto che in quel periodo eravamo solo io ed Andrea, che eravamo poco più che ventenni. Come ti dicevo prima si sono aggiunti Davide e Luca, che sono più grandi di noi, e quindi hanno con loro molta più esperienza. Da loro abbiamo imparato molto, grazie al loro vasto bagaglio artistico. Quindi è naturale che dal 2013 abbiamo fatto molti passi avanti, senza mai voler arrivare, perché quando sei musicista hai sempre la curiosità di provare altre cose, sperimentare.

R.G.: Se dovessi scegliere una tua canzone per presentarti e farvi conoscere, quale sceglieresti?
G.: Uhm..forse K2, ma anche Non Ballerò e Come Se Non Ci Fosse Un Domani, quindi i nostri tre singoli. Ma penso che K2 sia proprio quella più rappresentativa

R.G.: I tuoi brani sono totalmente autobiografici?
G.: I miei testi sono tutti autobiografici, parlano di me, delle mie esperienze di vita. Essendo una persona molto istintiva nella vita, i testi nascono da dentro, in maniera ovviamente totalmente istintiva.

R.G.: E che sensazione provi sapendo che un vostro videoclip, Come Se Non Ci Fosse Un Domani, è attualmente in rotazione su Rock TV?
G.: Ma sai che io non ho la televisione? Però ho ricevuto tantissimi messaggi, è stato proprio bello. Forse ho realizzato la cosa quando mi ha scritta una mia compagna di classe delle superiori, che non vedevo da una vita, dicendomi di avermi vista in TV. E’ stato bello!

R.G.: E’ vero che ti è stato proposto di partecipare ad un noto talent televisivo?
G.: E’ verissimo, sono stata contattata sia da “The Voice” che da “X-Factor” ma, gentilmente, ho declinato l’invito. Il motivo è semplice: non è la mia dimensione e non mi piace quel tipo di meccanismo. Io penso che se sei una cantautrice, quei contesti non fanno per te, possono farne parte se sei una persona alla quale piace semplicemente cantare, ma non sono io. Prima parlavi del Pending Lips: pensa che per me era addirittura strano partecipare a quei, comunque pochi, contest musicali dove siamo stati!

R.G.: Avete condiviso il palco con artisti più noti come Tre Allegri Ragazzi Morti, The Kooks..che esperienza è stata?
G.: Bellissime esperienze, ricordo con tantissimo piacere soprattutto quella con i Tre Allegri Ragazzi Morti, perché non eravamo abituati ad esibirci davanti a 500-600 persone. Poi loro sono davvero delle persone splendide, anche perché hanno una particolare attenzione verso le band emergenti. Ci hanno aiutato molto, e ancora oggi ogni tanto mi scrivono per informarsi su di noi, sui nostri progetti eccetera. Ma c’è ne sono tante di band con le quali ci siamo trovati benissimo, un’altra sono i Pan Del Diavolo, con i quali abbiamo instaurato col tempo un bel rapporto d’amicizia. Resto dell’idea generale che tra le band dovrebbe esserci sempre solidarietà, noi abbiamo avuto la fortuna di esserci trovati spesso bene assieme ai gruppi con i quali abbiamo suonato.

R.G.: Poco fa dicevi che all’inizio scrivevi in inglese, come mai questa scelta di scrivere in italiano?
G.: Si da ragazzina scrivevo in inglese, quando avevo 14-15 anni con la mia prima band dove facevamo cover punk tipo dei The Distillers, Rancid o Social Distortion, ed a proposito di questo, la mia passione per Mike Ness (voce storica dei Social Distortion ndr) ha fatto in modo che la parole “ness”, come hai visto, facesse parte della mia vita! Tornando alla lingue, da ragazzina ho sempre pensato che se non scrivevi in inglese eri una sfigata, ma fortunatamente crescendo ho capito che non è così! Ho capito che se ho qualcosa da dire, da raccontare, dovevo farlo nella mia di lingua.

R.G.: Cosa ascolti attualmente?
G.: In questo momento sto ascoltando un sacco Cosmo, soprattutto il disco nuovo che è una bomba. Poi Lykke Li…vado molto a periodi, ho avuto il momento con I Ministri, poi con L’Orso. Ogni tanto vado sull’elettronica con Bjork o James Blake, ed anche delle cose pop; essendo una grande fan degli anni 90 ogni tanto torno su Britney Spears, Eminem o Beyonce.

R.G.: Pensi che ci sia maschilismo nell’ambito musicale?
G.: Assolutamente si! (ridendo) Guarda, alcune volte mi sento dire frasi come “vuoi che te la attacco io la chitarra? Vuoi che te lo collego io l’ampli?” oppure “mi raccomando canta forte perché io ho problemi quando faccio le voci alle donne”. Oppure è capitata qualche proposta un po’ così per una data, ma anche vari commenti sui social, ad esempio, su Levante che, secondo alcuni, ha successo perché sta con Tizio o Caio, e non perché è un’artista con tanto talento. Purtroppo è una cosa che ancora oggi esiste.

R.G.: Giorgie, grazie dell’intervista e in bocca al lupo per stasera!
G.: Grazie a voi!

Intervista agli Hacktivist

Se si dovesse parlare di innovazione in ambito musicale estremo sicuramente finiremmo a parlare di djent, movimento a metà tra progressive e metal estremo dal gusto moderno che in quest’ultimo periodo sta prendendo sempre più piede negli ascolti abituali dei metalheads mondiali. Tra i nomi più curiosi di questo movimento spicca quello degli inglesi Hacktivist. Band nata quasi per gioco tra amici, mescolando il sound del rap dall’odore di strada urbana con quello del metal complicato dei Meshuggah, sembra che il gioco tra questi amici sia andato bene e immediatamente la formazione si è ritrovata ad essere tempestata dall’interesse della scena che li ha portati a girare un po’ per l’Europa (e non solo) suonando la loro musica. Nonostante abbiano già fatto un po’ di strada, questi giovani dovevano ancora registrare il loro primo disco, infatti il loro debutto Outside The Box ha visto la luce solo quest’anno e, in occasione della data milanese del loro tour di promozione al disco noi abbiamo incontrato i due rapper della band, Ben Marvin e Jermaine “J” Hurley, per una piacevole chiacchierata.

R.G.: Ciao ragazzi, benvenuti sulle pagine di Rockgarage.it! Come sta procedendo questo vostro primo tour europeo in grande stile?
B. M.: Abbiamo già avuto modo di suonare in giro per l’Europa in passato ma è vero che questa volta si tratta del nostro tour più grande.
J. H.: Sta andando alla grande! Ogni sera ci stiamo ritrovando a suonare davanti a belle platee di ragazzi!

R.G.: Qualche settimana fa avete rilasciato il vostro tanto atteso album di debutto “Outside The Box“, cosa rappresenta per voi questo disco?
B. M.: Abbiamo trascorso un paio di anni per realizzarlo e alla fine il risultato è stato di ritrovarci in mano esattamente il disco che avremmo voluto fare. Il suo titolo Outside The Box credo che rifletta un po’ il nostro sound, d’altronde il disco contiene il brano Outside The Box che riflette a pieno il nostro stile e riusciva a descrivere l’album nel suo insieme. È stato fantastico il riscontro ottenuto dal pubblico immediatamente dopo la sua uscita, spero la mia band abbia intrapreso la strada giusta!
J. H.: Dopo un’accurata ricerca abbiamo trovato finalmente un sound popolare e ogni brano credo che sia duro e dinamico al punto giusto.
B. M.: Credo che con il nostro EP eravamo ancora in fase di sperimentazione alla ricerca di un sound personale, quindi il risultato di questo sperimentare è rappresentato bene dall’heavy sound ricco di idee contenuto nel nostro debutto, un mix ben calibrato tra materiale duro, più morbido e melodico mescolato ad elettronica. Si tratta di un sound molto più vario rispetto a quello presentato con l’EP.
J. H.: Questa volta abbiamo intrapreso nuove direzioni anche per quanto riguarda le linee vocali e i testi delle canzoni!

R.G.: Prima avete affermato che il brano Outside The Box rappresenta in pieno il contenuto dell’album dal punto di vista musicale e delle sue tematiche, eppure ascoltando il disco, sembra che sia proprio questo il brano che maggiormente si discosta dal resto, brano che risente maggiormente la vostra influenza come band proveniente dal metal più classico.
B. M.: Sì, hai ragione, il brano non riflette musicalmente il reale contenuto del disco ma più che altro per quanto riguarda il contenuto del suo testo, in cui abbiamo parlato di come abbiamo dato vita a questo nuovo progetto, ciò che abbiamo fatto nei tre anni in cui ci siamo dedicati alla stesura di questo album, insomma una vera e propria storia del disco dal suo principio alla sua conclusione. Abbiamo scritto il testo di questo brano basandoci semplicemente sui ricordi di ciò che ci è capitato negli ultimi anni, quindi ci è sembrato fosse la scelta giusta come titolo del disco.

R.G.: Sappiamo già che il vostro progetto è nato quasi per gioco tra di voi, ma come è andata realmente? Come è nata l’idea di mescolare sound così diversi come l’elettronica, il nu metal, il djent, al rap?
J. H.: A me è capitato di conoscere Tim (principale compositore, chitarrista e voce clean della band, ndr) attraverso un giro di amicizie, conoscevo la sua band, gli Heart Of A Coward, che seguivo spesso dal vivo, così un giorno quando ero nello studio di registrazione con Tim lui mi ha chiesto se volessi provare.
B. M.: Io ero il cantante degli Heart Of A Coward, una metal band, così Tim fece ascoltare un pezzo delle nuove composizioni a J e così abbiamo provato ad inserire lo style grime sul brano che Tim aveva composto; la base del brano Hacktivist, fu un semplice esperimento fatto per puro divertimento, il grime era ciò che accomunava i nostri gusti musicali e avevamo voglia di realizzare una band dal sound fresco. Una volta messo online il brano ci siamo ritrovati un sacco di interesse da parte del pubblico, così abbiamo deciso di mettere in piedi una vera e propria band e suonare in giro anche la formazione era composta solo da noi due alla voce e Tim alla chitarra, così abbiamo reclutato un bassista, un batterista e abbiamo iniziato a fare date live dopo aver registrato quattro o cinque canzoni.

R.G.: “Outside The Box“ contiene una nuova versione di Elevate, come mai avete deciso di riproporre solo questo brano?
B. M.: Io credo che tra i nostri vecchi brani, Elevate fosse quello che più si avvicinava al sound del disco, abbiamo deciso di farlo per far conoscere i nostri primi brani anche a coloro che si avvicineranno per la prima volta alla nostra musica con questo disco. Credevamo fosse un peccato non inserire questo brano nell’album perché rappresenta uno dei brani più forti tra quelli da noi scritti e che ha anche riscontrato maggiore successo on line, quindi abbiamo pensato che se non l’avessimo inserito, molte persone non avrebbero avuto mai occasione di ascoltata anche perché normalmente il pubblico si avvicina ad una band attraverso un disco, non con un EP. Poi credo che la nuova versione suoni nettamente migliore, abbiamo lavorato molto su questo brano nel corso degli anni, attraverso i vari live abbiamo imparato a conoscere la strada giusta per donargli dei toni più passionali nel modo di cantarlo.

R.G.: Cosa avete già programmato per il vostro futuro?
B. M.: Per il momento abbiamo in programma di proseguire con il tour di promozione al disco e portare il nostro sound dal vivo in nazioni che ancora non abbiamo avuto modo di vedere, poi andremo in Australia, parteciperemo a qualche festival estivo, alcuni sono già stati annunciati tra cui due in UK e qualcuno in Europa, mentre per altri siamo ancora in fase di trattative. Inoltre stiamo già lavorando al nostro secondo album, al momento siamo ancora nella fase in cui si raccolgono le idee, abbiamo solo qualche clip registrato durante il tour, ma almeno posso già dire che abbiamo iniziato a lavorarci.

R.G.: Per quanto riguarda invece i singoli estratti dal vostro disco al momento ne avete rilasciato solo due, Buszy e Taken, a questi ne seguiranno degli altri?
B. M.: Abbiamo in programma di realizzare dei video per la maggior parte dei brani presenti sul disco e proveremo a far di tutto per farlo! L’intento nostro sarà di realizzare proprio quanti più video sarà possibile rilasciare perché noi siamo una band che punta molto sull’aspetto visivo per quanto riguarda le canzoni. La maggior parte del nostro pubblico si è avvicinato alla nostra musica grazie ai video su youtube, quindi credo che rilasciare solo uno o due video per un disco non avrebbe alcun senso per noi! È risaputo ormai che non tutti acquistano i dischi oggi e youtube resta il principale canale da cui la gente ascolta musica, quindi una volta presente su questo canale, la nostra musica può avere la giusta visibilità per poter essere raggiunta da tutti.

R.G.: Quindi deduco che la visibilità di una band sul web sia una cosa fondamentale per voi oggi giorno?
B. M.: Sì credo che il novanta per cento dei risultati che abbiamo ottenuto è stato grazie ad internet, un tempo la notorietà si acquistava grazie al contratto con un’etichetta musicale oppure facendo concerti, qualcuno che ti promuoveva. Oggi invece hai la possibilità di fare questo tutto da solo: scrivi una canzone la posti online e tutto vien da sé, quindi credo che ciò accada per il cento per cento di queste fasi, soprattutto per quanto riguarda il filone djent.

R.G.: Ok grazie mille ragazzi per la chiacchierata!
H: Grazie a voi!

Intervista ai Derozer

Dopo una pausa durata qualche anno, tornano i Derozer, nome altisonante del panorama punk rock nostrano. Tornano sulle scene con un breve tour di sei date che ha come tappa di partenza il Live Club di Trezzo Sull’Adda (MI). Poche ore prima dello show, Seby, leader e voce della band, assieme agli altri membri, ci ha accolto nel backstage del locale per una piacevole chiacchierata in cui la band ha raccontato aspetti passati e presenti e svelato i piani futuri. Ecco l’intervista ai Derozer.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Carichi per stasera?
D.: Ciao e grazie! Si assolutamente carichi!

R.G.: Vi siete presi una pausa, lontani dai palchi, raccontateci un po’ cosa avete fatto in quest’ultimo periodo.
D.: Sì, ci eravamo già fermati una prima volta, dopo un’attività intensissima. E questo ci aveva un po’ fatto perdere contatti con la realtà e quindi avevamo bisogno di un piccolo break, per raccogliere le idee. Quella pausa durò quattro anni, dopodiché abbiamo ripreso la nostra attività live, per poi fermarci nuovamente un po’ per gli stessi motivi. Ne abbiamo parlato tra noi, più concretamente, da persone molto più mature, ed abbiamo deciso ora di ritornare in maniera definitiva, o almeno fino a quando ce n’è avremo! Perché tornare? Perché amiamo tantissimo suonare, amiamo il punk rock, amiamo viaggiare, suonare in tanti posti diversi, amiamo tutto questo ed è questa la nostra dimensione. In passato tutto questo ci fu tolto, per diversi motivi, anche per colpe nostre, ci mancherebbe. Ma ora siamo più maturi ed abbiamo ritrovato la giusta serenità per prendere decisioni più concrete riguardo i Derozer.

R.G.: Ho letto che ufficialmente i Derozer saranno in 3 senza bassista, confermate?
D.: Esattamente. Non ci sarà nessun ingresso ufficiale come bassista nella formazione dei Derozer. Per le registrazioni non ci sarà alcun problema dato che sia io che Spazza possiamo eseguire le parti di basso. Insomma un ritorno un po’ alle origini, visto che noi siamo nati come trio. Non andremo dunque a sostituire la figura di Mendez (storico ex-bassista della band ndr) e per i live troveremo sempre chi vorrà farci compagnia, come Paletta dei Punkreas per la data di stasera, mentre per il resto del tour al basso ci sarà Zamu dei Duracel.

R.G.: Quindi escludi ogni possibilità riguardo un eventuale ritorno di Mendez nella band?
D.: No. Con Mendez ci siamo incontrati lo scorso ottobre e molto cordialmente lui ci ha manifestato la volontà di non continuare con i Derozer. Ne abbiamo preso atto, con dolore, ma lui è fermo sulle sue posizioni. D’altro canto non vediamo il motivo per doverci fermare anche noi.

R.G.: Dalle tue parole di poco fa si presume quindi che ci sarà anche un nuovo disco, dico bene?
D.: Assolutamente sì! Alla fine di questo tour di sei date torneremo a lavorare su un nuovo album. A proposito del tour, vorrei raccontare un po’ come è nata l’idea: l’intenzione di questo tour era ed è quella di tastare un po’ il terreno e capire se c’è ancora interesse nei nostri confronti. Tramite Debora e Maurizio della IndieBox abbiamo cercato di capire un po’ gli umori e fortunatamente siamo stati travolti dall’entusiasmo che ancora c’è verso i Derozer, davvero oltre ogni più rosea immaginazione. Quindi queste sei date le consideriamo come “pilota”, proponendo i nostri pezzi storici, senza inediti, dopodiché ci metteremo seriamente a lavorare sul disco nuovo, che vorremmo pubblicare per l’inizio dell’anno prossimo, a cui ovviamente seguirà un altro tour. Il disco uscirà tramite IndieBox, con la quale abbiamo un ottimo rapporto;:onesto, sincero e senza giri di parole, come è giusto che sia.

R.G.: Riesci a definire con un singolo aggettivo ogni vostro disco? Ti dico i vostri album e tu associ un aggettivo o un ricordo che ti viene in mentre, iniziamo con “Bar”.
D.: Casino della Madonna!

R.G.: “Alla Nostra Età“?
D.: Fantastico..la nostra giovinezza!

R.G.: “Mondo Perfetto“?
D.: La Germania e la professionalità nel registrarlo lì in due giorni, quando prevedevamo almeno due settimane di lavoro!

R.G.: “Chiusi Dentro“?
D.: La maturità. E’ il disco che più mi piace, ed anche questo registrato in Germania, ma stavolta in due settimane.

R.G.: “Live In Studio“?
D.: Registrato in mezz’ora durante un lunghissimo tour tra Germania, Est Europa, Canada. Un tour lungo ed intenso in cui però abbiamo avuto modo di registrare questo disco, a cui poi è seguito Di Nuovo In Marcia, e la raccolta Fedeli Alla Tribù, in cui c’è un inedito (Zombie).

R.G.: C’è un brano particolare a cui sei affezionato, quello che magari scrivendo, creandolo, hai detto “ma che figata ho fatto”?
D.: Domanda molto difficile! Le canzoni le ho scritte tutte io, sia testi che musiche e sono tutte importanti, alla fine sono come dei figli. Sono tante, pensandoci posso dirti quelle che ancora oggi mi danno più emozioni, e tra queste c’è Cielo Nero, ma anche Straniero o Chiusi Dentro. Ma anche Tg che, nonostante l’ho scritta quasi vent’anni fa, può tranquillamente risultare ancora attuale. Aggiungo una cosa, posso dirti di potermi vantare di non aver speculato su tragici eventi capitati negli scorsi anni, credo che siamo tra le pochissime band che nel 2001 non hanno scritto un brano riguardo gli eventi di New York, o su Carlo Giuliani e gli eventi di Genova durante il G8 nello stesso anno. Piuttosto ne scrivo anni dopo, con l’intento di mantener vivo il ricordo.

R.G.: Da band nata più di vent’anni fa, cosa trovi di diverso da quei momenti, rispetto al giorno d’oggi.
D.: Se parliamo di concerti, adesso come adesso, è molto difficile trovare spazi dove suonare. Non che quando iniziammo noi era molto più facile! Ricordo che noi, ogni sabato sera partivamo con le nostre musicassette, chiamate demo-tapes, e si andava locale per locale, facendo tutta la provincia di Vicenza, di Verona, fino a Milano. I nostri sabati sera erano questi: promuovere i Derozer. E ricordo anche quando ci ridevano in faccia nel momento in cui dicevamo che come genere facevamo punk rock! Oggi con i social è totalmente diverso, è un concetto di promozione che non si può paragonare a quanto accadeva vent’anni fa. Secondo me, promuoversi di persona è ancora il metodo migliore, oggi con internet è tutto più veloce, e migliaia di band vogliono tutto e subito. Ai tempi della Derotten Records la cosa che consigliavo alle giovani band era quella di credere prima di tutto in loro stessi, investire sul disco anche a costo di sacrifici e qualche rinuncia come le vacanze o l’auto nuova. Perché sono dell’idea che non posso credere in una band se la band stessa fatica a credere in sé stessa.

R.G.: Facciamo un gioco: dimmi una tua super band, mettendo un elemento per ogni strumento, restando nel panorama punk rock italiano.
D.: Domanda difficilissima! Vediamo..il nostro Spasio alla batteria, Paletta (Punkreas) al basso, alla voce direi Dani (Yokoano ed ex-Pornoriviste) ed alla chitarra Bob Marini (Persiana Jones).

R.G.: Grazie di tutto ragazzi, in bocca al lupo per stasera e soprattutto ben ritrovati!
D.: Grazie a te per l’intervista e grazie per gli auguri e per il supporto!

Conferenza stampa con Brian May e Kerry Ellis

Brian May e Kerry Ellis, in occasione della data milanese, si sono concessi ai microfoni dei giornalisti italiani. Una lunga chiacchierata di quasi un’ora dove entrambi sono risultati affabili e cortesi nel rispondere a tutte le domande. Sentiamo cosa hanno detto i due gentilissimi artisti.

R.G.: Ciao Brian, partiamo con il botto. Qual è il futuro del rock’n’roll?

B.M.: Insomma, partiamo con una domanda facile! (risate, nda). Intanto vorrei dire che mi spiace molto non parlare italiano, a parte due parole: “ciao e volete cantare con me” (altre risate). Dicevamo… il futuro del rock… il rock è vivo e sopravviverà sempre, è da quando sono un adolescente che dicono che il rock è morto, ed erano gli anni ’60. Ci saranno sempre giovani musicisti con la loro passione e dedizione a tenerlo vivo. E ci sono grandissimi giovani rocker. Ed è anche attualmente essere dei “vecchi” del rock, come me. Il rock è una sorta di valvola di sfogo e la passione per la musica unita a questo aspetto non moriranno mai. Il rock è una delle maniere più immediate per esprimersi. Io e Kerry siamo un chitarrista ed una cantante e possiamo realizzare qualsiasi cosa.

R.G.: Sei un musicista ed un pezzo della storia del rock, oltre che un grandissimo chitarrista. Eppure sei una persona sempre molto umile e disponibile, che non ha atteggiamenti da star sopra il piedistallo. Kerry come ti sei trovata e ti trovi con Bryan?

K.E.: Non posso che condividere le tue parole. Bryan oltre ad essere un grandissimo musicista è anche una persona fantastica e forse è proprio per questo che la gente continua ad amarlo. Perché continua ad amare quello che fa, la sua musica e le persone che lo ascoltano.

R.G.: Come ti senti ad essere un guitar hero sul palco con i Queen e poi immergerti negli spettacoli con Kerry? Come gestisci queste due diverse esperienze?

B.M.: Beh è facile: mica lo faccio nello stesso momento! (risate, nda). A parte le battute, io amo fare musica. Quando faccio gli spettacoli con i Queen, so che posso fare determinate cose e c’è un ruolo che ormai mantengo da anni. Con Kerry, invece, posso spaziare molto di più e lasciarmi andare. La differenza basilare è che con questo progetto posso esplorare canzoni del passato che non conoscevo, cosa che con i Queen, per ovvie ragioni, non posso e non potrò mai fare. Per me il rock non è solo una chitarra, ma anche reinterpretare e dare un senso proprio a determinate canzoni, attribuirgli il giusto fluido personale. Questa è la fortuna del lavoro che sviluppo con Kerry. Per un chitarrista lavorare con un cantante che ti ispiri è basilare. Sono stato molto fortunato: avere lavorato con Freddie Mercury non capita tutti i giorni. Con i Queen invece la gente vuole e giustamente pretende i Queen. E da quello non si scappa. Nel lavoro con Kerry devo dire che ho notato che siamo in grado di catturare la giusta essenza delle canzoni. Anche da una canzone pop, possiamo trarre la sua vena più pesante ed heavy.

K.E.: La nostra ispirazione copre diversi generi dal teatro, agli Everly Brothers, a Barbra Streisand, ai Beatles. La cosa che mi piace di più è questa libertà di spaziare.

R.G.: Brian parliamo un attimo dei Queen. Volevamo chiederti due cose: innanzitutto la setlist dello show che si svolgerà a Piazzola sul Brenta (lo show si svolgerà il 25 giugno 2016, nda) comprenderà canzoni rare o diverse dagli ultimi show? E soprattutto, realizzerete o avete in previsione un album di inediti in studio con Adam Lambert?

B.M.: Sarà una delle nostre prime date del nuovo tour e quindi la setlist non è ancora stata discussa né decisa. Il nostro approccio, mio e di Roger (Taylor, leggendario batterista dei Queen, nda) , è quello che possiamo fare tutto quello che vogliamo dalla nostra discografia, senza porci limiti. Con Adam Lambert a nome Queen non registreremo mai nulla di inedito in studio. Adam è impegnato e soddisfatto già della sua carriera solista. Ci sentiamo di fare una serie di date live perché siamo convinti di ciò che facciamo e ci divertiamo. Ma siamo già abbastanza famosi, direi, per limitarci a quello (risate, nda).

R.G.: Chi sono Brian gli artisti che più ti hanno ispirato nella tua carriera e come il tuo essere un astrofisico influenza la tua sensibilità musicale?

B.M.: Sicuramente il mio primo eroe è stato Buddy Holly. Poi è subentrato il signor Jimi Hendrix. Professionalmente posso dire che ci sono grandi chitarristi come Jeff Beck, Eric Clapton. Comunque vedere anche giovani chitarristi attuali è sempre una grande lezione. La mia professione di astronomo non influenza direttamente la mia musica, ma è in qualche modo collegata al fatto che il cosmo ti mostra in realtà quanto tu sia piccolo rispetto all’universo. E musicisti ed astronomi sono in qualche modo collegati perché sono persone spirituali che danno grande importanza a questo aspetto.

R.G.: Come vi siete connessi artisticamente ad Adam Lambert? I Queen suonavano già quando lui non era ancora nato. Inoltre, il vostro background britannico è molto diverso da quello americano di Adam.

B.M.: In realtà la collaborazione non è stata cercata volutamente ma è capitata per caso. Io e Roger avevamo deciso di smettere con il progetto Queen ma ci hanno invitati a suonare ad American Idol (talent show statunitense, nda) ed abbiamo suonato con lui in finale. Anche se non ha vinto, per una strana pressione di lobby antigay, siamo rimasti affascinati da lui, come il pubblico d’altronde. Così abbiamo deciso di chiedergli se volesse fare parte del progetto. In realtà Adam ha trovato una perfetta sintonia con noi dal punto di vista artistico perché è molto dotato, e quindi non ci sono stati particolari problemi. Inoltre, è una persona umanamente valida e quando stai in tour per tanto tempo è un aspetto importante andare d’accordo con i tuoi compagni.

R.G.: Brian, è da poco scomparso David Bowie. Ci puoi raccontare la tua esperienza con lui e la collaborazione per Under Pressure? (contenuta nell’album dei Queen “Hot Space”, del 1982, nda)

B.M.: La persona giusta a cui chiedere sarebbe Roger perché poi è diventato suo amico stretto. Quello che posso dire è che David era davvero una persona molto intensa ed un grande artista e mi baso sulle volte in cui veniva in studio a Montreal a farci visita. Da queste visite è poi nata Under Pressure. E’ stata un’esperienza inusuale e intensa. David era un artista ed un creatore davvero geniale ed era soprattutto un leader carismatico che riusciva a trascinarti completamente dentro le sue opere e le sue idee.

R.G.: Kerry puoi raccontarci il tuo impegno per la causa animalista legata alla fondazione di “Born Free”?

K.E.: Siamo sia io che Brian ambasciatori di organizzazioni animaliste. Principalmente supportiamo e lavoriamo con Virginia McKenna, fondatrice appunto dell’associazione Born Free. Sostanzialmente pensiamo e crediamo che gli animali abbiano gli stessi diritti che abbiamo noi. Per cui noi diamo voce, anche durante i nostri tour, ovunque siamo, ai diritti degli animali, soprattutto in quei luoghi dove i maltrattamenti e i soprusi sono più frequenti. Per questo due anni fa abbiamo registrato la canzone Born Free (canzone del 1966, vincitrice di un premio Oscar, tratta dal film Born Free e che tratta il tema di una coppia che cresce una leonessa, scritta da John Barry e Don Black e cantata in originale da Matt monro, nda).

R.G.: Cosa pensate dello stato attuale della musica e della scena inglese?

K.E.: La musica inglese è in un ottimo stato anche se non ci sono star di punta sulla scena mondiale. Comunque sai i grossi artisti che sbancano a livello internazionale sono rari, soprattutto al giorno d’oggi. Ma ciò non vuol dire che la scena di una nazione versi in una deriva negativa. Per farti un esempio calzante, parliamo dei Queen. I tempi ormai sono cambiati e quello che si è verificato in passato per loro al giorno d’oggi è improbabile. Oramai le persone e i fan usufruiscono dei media, dei social e di internet e così anche l’industria. Ci sono talmente tante produzioni che tutto passa in fretta e sembra che nessuno si accorga di cosa è successo sei mesi fa. Quindi, sta solo cambiando il modo di fruire la musica e capire come la scena si sviluppa ed è animata. Sembra ferma ma in realtà non lo è. E’ la percezione che ne abbiamo.

B.M.: Concordo interamente con Kerry. Ormai il fatto di costruirsi una grossa carriera, come successe a noi, è diventato molto più difficile rispetto agli anni passati. Poi, il grosso difetto, è che le persone, e non parlo solo dei fan ma anche di addetti ai lavori, si aspettano che i musicisti facciano musica senza essere pagati o pagati adeguatamente. Il problema diventa che oggi, rispetto al passato, se non si guadagnano soldi facendo musica, devi abbandonare per cercarti un lavoro o una fonte di sostentamento. Questo vuol dire tagliare le gambe a molti talenti.

R.G.: Kerry hai dei progetti per la tua carriera solista? E farai ancora qualcosa con Bryan?

K.E.: Sì. Il mio nuovo disco solista è a buon punto e penso proprio che uscirà questa estate. Potrei certamente collaborare con Bryan ancora visto che lo facciamo da svariati anni, ma bisogna far collimare i nostri impegni. Lui ha i Queen, io ho il teatro oltre al mio disco. L’ultimo spettacolo che ho fatto è stato Cats nella parte di Grizabella (personaggio del musical di Sir Andrew Lloyd Webber che canta la canzone più famosa del musical, Memory, nda) ed è stato molto impegnativo. Sono sicura che continuerò a fare musica, dischi, concerti e teatro. Ho davvero tante cose che bollono in pentola.

R.G.: Come è iniziata la vostra collaborazione e come vi ha fatto crescere come artisti?

K.E.: Ho conosciuto Brian quindici anni fa, dopo uno show e mi ha invitato all’audizione di We Will Rock You (musical dedicato ai Queen, nda) dove ho ottenuto la parte. E’ partito tutto da lì, con Bryan che mi ha chiesto di registrare un album ed iniziare il progetto. Ci è voluto molto tempo, sempre per gli impegni fitti di entrambi. Devo dire che l’alchimia funzionava e che l’esperienza mi ha dato modo di crescere artisticamente fuori dai miei canoni classici, che sono sempre stati il teatro ed il musical.

R.G.: Avete visitato la Cappella degli Scrovegni a Padova (capolavoro artistico di Giotto, nda). Quali sono state le vostre sensazioni?

B.M.: Stupefacente. Bellissima. Anche quando mi hanno narrato la storia della sua costruzione. Sono rimasto affascinato dalla storia di quest’uomo che fece costruire questo luogo di spiritualità per espiare i peccati commessi dal padre. Ne approfitto per parlare dell’Italia in generale: una Paese meraviglioso dal punto di vista dell’arte, con un grande rispetto per il suo passato storico. Noi inglesi abbiamo inscatolato il passato e la storia per metterli in uno sgabuzzino. Magari avessimo noi la vostra cultura e la vostra arte, così affascinanti.

R.G.: Brian qual è la tua canzone preferita ad oggi ?

B.M.: Attualmente la mia canzone preferita è If I Loved You tratta dal musical Carousel (1945, nda). Una canzone che ti porta in un’altra dimensione immediatamente, appena la ascolti.