Intervista ai Pain

Lo scorso 9 settembre è uscito Coming Home, nuovo album dei Pain, progetto musicale capitanato da Peter Tagtgren, poliedrico artista svedese noto anche per far parte di progetti di eguale importanza come Hypocrisy e Lindemann. Ed in occasione del promo day presso un hotel di Milano, abbiamo incontrato il nostro Peter, che ci ha raccontato la genesi del suo nuovo parto discografico. E non solo! Ecco il resoconto.

R.G.: Ciao Peter e benvenuto su RockGarage! Come stai?
P.T.: Ciao e grazie! Un po’ stanco dato che sono giorni intensi. Sono in periodo di promozione del disco, ma allo stesso tempo sto benissimo, avrò tempo per riposare!

R.G.: Ed a proposito del disco, direi che puoi tranquillamente parlarci di “Coming Home”, nuovo album del tuo progetto Pain.
P.T.: E’ sempre dura per me parlare di me stesso o comunque di un mio lavoro. Posso dirti che rispetto ad altri miei dischi, fatti con i vari progetti di cui faccio parte, questo è un album molto più dinamico. Ho voluto essere imprevedibile e seguire il percorso di realizzazione di questo disco come fosse una sfida. Chi mi segue e soprattutto chi segue i Pain, sa bene che sono un tipo poco prevedibile riguardo la musica, e quindi sono proprio curioso di sapere cosa ne penseranno i fan.

R.G.: Quindi rispetto ai tuoi precedenti lavori, mi par di capire che hai ovviamente cambiato l’approccio verso questo nuovo album, dico bene?
P.T.: Certamente, come già ti accennavo prima, ho cambiato totalmente l’approccio ed il processo creativo rispetto ai dischi che ho fatto in passato. Ho resettato completamente il cervello e pian piano nella mia testa ho iniziato ad elaborare tutte le idee che mi venivano, ragionando punto su punto, anche per pochi secondi. E’ tutto nato passo dopo passo, una volta che ero convinto di una cosa, mi dicevo “ok passiamo alla fase successiva”. Ovviamente è normale che nella mia testa ronzavano brani del passato, ma sono stato efficace, al primo avviso, nel resettare subito il tutto. Se un’idea o una qualsiasi cosa non mi convinceva, prendevo subito la direzione opposta e ci lavoravo immediatamente.

R.G.: C’è un motivo particolare riguardo la scelta di Black Light Satellite come primo singolo dell’album?
P.T.: Faccio una premessa: nel disco precedente, You Only Live Twice, scelsi Dirty Woman come singolo ed ebbi la netta sensazioni che il pubblico ne rimaste stupito, quasi spiazzato. Per questa volta non volevo “sconvolgere” nessuno e quindi ho scelto un brano che rappresentasse i Pain nella sua totalità.

R.G.: C’è, o ci sono, dei brani di “Coming Home” a cui ti senti particolarmente legato?
P.T.: Direi di no, perché scegliendone uno è come se sottovalutassi gli altri. I miei brani per me sono come dei figli, e se hai più di un figlio risulta impossibile dire se ne preferisci uno in particolare rispetto agli altri.

R.G.: Pur essendo un lavoro nuovo e, come mi hai detto, avendo resettato il passato, penso che allo stesso tempo sei stato in qualche maniera comunque influenzato dai tuoi precedenti lavori, o sbaglio?
P.T.: Certo, ma non solo i miei dischi, penso che per un musicista le influenze e le ispirazioni debbano comunque esserci. Da parte mia ci sono anche 25 anni d’esperienza alle spalle, che si ripercuotono nella fase di scrittura, nella fase di registrazione in studio. Diventa logico che tutto il bagaglio artistico accumulato nel corso degli anni diventi parte di sé stessi.

R.G.: Ci puoi dire qualcosa sul futuro degli altri tuoi progetti, ovvero Lindemann e Hypocrisy? Ci sono delle novità a riguardo?
P.T.: Per quanto riguarda gli Hypocrisy lavoreremo di sicuro su un nuovo disco, ma non so dirti ancora quando. Per quanto riguarda Lindemann perché no? Spero possa continuare anche questo percorso, ma al momento non posso promettere nulla.

R.G.: Tornando ai Pain, c’è la possibilità di vederti su qualche palco italiano?
P.T.: Certo, con il booking stiamo pianificando il tour in Europa. Purtroppo dall’Italia, come da altri Paesi, sono stati lenti nel farci sapere se erano interessati a noi, e di conseguenza ci siamo organizzati in altra maniera. Il tour, che era previsto di cinque settimane, verrà suddiviso in due parti e nella seconda parte verremo anche qui in Italia, presumo verso marzo 2017. Mi piace molto suonare qui da voi, perché siete matti e molto passionali!

R.G.: Peter, grazie per l’intervista, vuoi fare un salute ai lettori di RockGarage?
P.T.: Grazie a te! saluto i vostri lettori e spero che il nostro disco vi piaccia. E non vedo l’ora di vedervi nella seconda parte del nostro tour europeo, quindi a presto!

Intervista ai Cripple Bastards

Serata all’insegna del thrash in quel del Circolo Magnolia. Ad accompagnare i Game Over e soprattutto i Municipal Waste, abbiamo i Cripple Bastards, band piemontese che da quasi trent’anni tiene alta la bandiera delle scena grind-core nostrana. Dopo la loro esibizione, avvenuta tra le altre due band già citate, abbiamo avuto modo di chiacchierare con il cantante Giulio “The Bastard”, che, con molta disponibilità, ci ha fatto un resoconto della carriera dei Cripple Bastards, tra passato e futuro, dopo il live della serata.

R.G.: Ciao Giulio e benvenuto su RockGarage, allora com’è andata? Divertito?
C.B.: Ciao e grazie! Tantissimo, è stato davvero bello!

R.G.: Vi siete formati nel 1988, quali ricordi avete dei vostri esordi?
C.B.: Beh…sono passati tanti anni, quando ci ripenso subentra soprattutto il fattore nostalgia. Ripenso al fatto che la formazione era diversa, tenendo conto che siamo partiti in due. Era un periodo totalmente diverso per tantissimi aspetti, e quindi per niente paragonabile a quello attuale.

R.G.: Con quasi 30 anni di esperienza, penso che possiate perfettamente descrivere il movimento underground italiano: cosa ne pensate a riguardo e quali sono le differenze principali rispetto a quando avete iniziato?
C.B.: Guarda, se mi chiedi, ad esempio, se attualmente conosco una band nella quale rivedo noi stessi agli inizi, la risposta è no, almeno non qui in Italia. Quand’ero ragazzino ed andavo ai concerti, i gruppi che vedevo e che ascoltavo stavano creando un qualcosa, mentre quelli attuali, quelli diciamo che sono nati negli ultimi anni tendono troppo a diventare delle imitazioni; sembra che si rifanno ad un qualcosa che è stato aperto ma che è già chiuso da tempo. Ma sia chiaro non è così da tutte le parti. Quando mi capita di andare all’estero sia con la band che per piacere personale, in paesi come Giappone, Messico o Sud America, la situazione è totalmente diversa, noto che c’è l’hardcore come lo intendo io.

R.G.: Da anni avete accantonato l’inglese nei vostri testi, è una scelta definitiva?
C.B.: Sì, penso sia una scelta definitiva, perché abbiamo visto che come chiave funziona meglio ed è una forma di espressione molto più immediata.

R.G.: E questo non vi ha penalizzato per quanto riguarda il mercato o comunque il fatto di suonare spesso all’estero?
C.B.: Indubbiamente ci avrà penalizzato in qualche maniera. Ma noi suoniamo soprattutto per passione e per esprimere tutto ciò che abbiamo dentro. Il resto lo mettiamo in secondo piano, se c’è una parte di pubblico che non apprezza il fatto che cantiamo esclusivamente in italiano, sono cazzi loro.

R.G.: A livello organizzativo, che differenze avete notato tra suonare qui o all’estero?
C.B.: C’è ne sono tantissime, che poi tendono a variare da paese a paese. Per esempio in Francia o Germania le cose funzionano molto meglio, eccezion fatta per determinati eccessi come i grandi festival stile “supermercato” che tirano dentro qualsiasi gruppo di qualsiasi genere che, secondo me, tendono ad uccidere il concetto “live” da club, da piccolo locale. E’ bello invece osservare tante piccole realtà che partono dal basso e che piano piano riescono a costruire qualcosa. Mi fa cagare d’altro canto tutta la logica che gravita attorno alle agenzie, ai favoritismi, alla questione del pay-to-play. Ho notato da tempo che in una città come Milano avvengono delle dinamiche veramente tristi, applicate specialmente sul punk hardcore. Genere che a mio parere, in una città come Milano, non dovrebbe essere così legato a questa triste logica delle agenzie.

R.G.: La vostra forza ed anche la vostra coerenza, è sempre stata quella di ritenervi una band che, nel live, rende meglio e si trova più a suo agio nelle piccole location, dico bene?
C.B.: Io sono molto legato a quello che era il locale o club hardcore della fine degli anni 80. Adoriamo suonare avendo il pubblico ad un metro di distanza.

R.G.: Avete in progetto un nuovo disco?
C.B.: Sì, abbiamo registrato dei nuovi pezzi che però riguardano una piccola cosa sulla quale non voglio anticiparti nulla dato che sarà una sorpresa che comunque sveleremo a breve. L’album nuovo è in fase di realizzazione, diciamo che siamo giunti a metà lavoro. Puntiamo a pubblicarlo nel 2018, in occasione del nostro trentesimo anniversario.

R.G.: Giulio, so che sei un forte appassionato di horror e polizieschi. Sono passioni che hanno influenzato i tuoi testi?
C.B.: Hanno influenzato molto quando questi generi erano considerati una novità o comunque, tipo l’horror, non era commerciale quanto lo è attualmente. Tieni conto che io ho vissuto in pieno il periodo del collezionismo delle videocassetta, quindi parliamo da fine anni 80 a tutto il periodo degli anni 90. Ed è era bellissimo perché scoprivi dei film che oggi si circolano in DVD, ma in quel periodo erano delle totali rarità. Per me tutto questo ha avuto un grosso impatto ed essendo una cosa che respiravo tutto il giorno era logico che influenzasse i miei testi, soprattutto l’horror ed il sadismo che tanti registi italiani riversavano su pellicola. Questo ovviamente riguarda anche i film polizieschi o i libri di Giorgio Scerbanenco.

R.G.: Siete stati spesso additati come band dalle ideologie fortemente legate all’estrema destra. A prescindere dalle vostre idee, sono cose che vi hanno infastidito? O non ve ne frega assolutamente niente?
C.B.: Guarda, adesso sono arrivato al punto di voler starmene totalmente fuori ogni volta che salta fuori questa cosa. Anni fa, per questa cosa, si sviluppavano delle dinamiche talmente tristi, frustranti e soprattutto dettate da una forte ignoranza che la cosa si andava poi a perdersi nel classico “sentito dire”. Sono arrivato ad un punto che se c’è una nostra data e prima di questa saltano fuori queste cose, sono io il primo a dire “ok, la data non si fa”. Il tutto purtroppo è partito dall’interpretare in maniera sbagliata alcuni nostri testi. I Cripple Bastards non sono un gruppo politico, logico che ognuno di noi ha le proprie idee, però noi sul palco, con i nostri testi, non facciamo assolutamente politica. Spero che un giorno queste voci si perdano nel tempo, devo dire che almeno ultimamente sta andando così.

R.G.: Cosa ascolti in questo periodo?
C.B.: Guarda ascolto spesso molto hardcore anni 80, ma anche metal e grind sempre di quel periodo. Perché, come accennavo prima, lo ritengo un genere totalmente vero, si sentiva che stava nascendo. Poi ho una passione sfrenata per la scena hardcore messicana, con gruppi come i Muerte, o anche quella hardcore giapponese, infatti vado spesso lì per questo. Poi lavorando con FOAD Records ascolto tantissimi gruppi, come ad esempio i GRC, che vi consiglio assolutamente.

R.G.: Quali consigli daresti ad una giovane band che è agli inizi?
C.B.: Prima di tutto consiglierei loro di resettare tutto ciò che hanno attorno. E poi non imitare band più famose ed infine di stare il più lontano possibile da internet!

R.G.: Grazie dell’intervista Giulio, ed in bocca al lupo per il futuro!
C.B.: Grazie a voi di RockGarage!

Intervista ai Beartooth

Ormai il metal sta vivendo un periodo florido per quanto riguarda l’estremo più melodico rappresentato dalla scena metalcore, formata ormai da innumerevoli act, di cui la maggior parte americani. Tra i nomi più promettenti spiccano i Beartooth, nuovo progetto partorito dalla mente di Caleb Shomo, ex frontman dei Danger Danger! (band che nella sua breve storia ha riscosso un buon successo nel suo continente). Con questo nuovo progetto l’Artista sembra abbia trovato la giusta soddisfazione e così la band finalmente riesce a sbarcare nel nostro Paese per un’unica data durante la quale noi lo abbiamo incontrato per una piacevole chiacchierata che vi riportiamo qui di seguito.

R.G.: Buonasera Caleb e benvenuto in Italia! Come è iniziato questo vostro tour? Stasera si tratta della vostra prima data italiana, giusto?

C. S.: Abbiamo suonato diverse volte qui in Europa, ma in questo caso si tratta di un tour di dimensioni maggiori, è solo l’inizio del tour ma sono molto eccitato. Stasera è la nostra prima data italiana e sono sicuro che ci divertiremo!

R.G.: Il vostro secondo album “Aggressive” ha visto la luce nei primi giorni di questo mese: riusciresti ad introdurre questo nuovo disco ai nostri lettori?

C. S.: Credo che si tratti del prosieguo del disco precedente, ho provato a scrivere canzoni migliori, quindi di progredire. I brani sono più veloci, più intensi e “aggressivi” come il titolo ci suggerisce!

R.G.: È cambiato qualcosa dal disco precedente?

C. S.: Il nostro stampo è rimasto invariato ma credo che abbiamo aggiunto un po’ di melodia e più parti cantate ai brani, invece ci sono anche altre canzoni che sono più pesanti e intense. Quindi guardandolo nel complesso credo che si tratti di un disco come quello precedente ma semplicemente più amplificato.

R.G.: Ascoltando il tuo primo disco, analizzando i contenuti delle liriche dei brani, si nota quanto il periodo buio della tua vita abbia influenzato il processo di scrittura.

C. S.: Ho cercato di essere trasparente quanto più possibile attraverso i Beartooth, far in modo che questo progetto mettesse alla luce le mie emozioni e mi facesse sentire a mio agio, credo che si tratti di una cosa molto importante per me!

R.G.: Quindi effettivamente qualcosa è cambiato nella tua vita rispetto al passato?

C. S.: Sì, è cambiato perché ora sono più felice, la vita è bella e il nuovo album credo che racchiuda questa speranza.

R.G.: Un musicista una volta mi disse che la scena metalcore americana risulti piuttosto satura.

C. S.: Io non mi ritengo un fanatico della scena metalcore americana, ascolto qualcosa del genere ma non la seguo particolarmente. Credo che un artista dovrebbe suonare la musica che sente nel cuore, essere il più sincero possibile, mettere in musica ciò che sente dentro…

R.G.: Dicendo che non sei un grande fan della scena metalcore americana mi hai messo un po’ di curiosità a riguardo, quindi che generi musicali preferisci ascoltare?

C. S.: In realtà ascolto anche un po’ di metalcore americano ma in generale dipende molto dal momento, ascolto tanto rock’n’roll e hard rock, heavy metal, thrash metal, musica pop e indie. In pratica ascolto tutto ciò che riesce a rapire le mie orecchie.

R.G.: Lo stesso musicista di cui ti parlavo aggiunse che, essendoci questo grande calderone di band molto simili tra di loro nella scena metalcore americana, non è semplice riuscire a trovare la giusta formula per diversificarsi dalla massa e allo stesso tempo, quindi, ottenere successo. Su questa osservazione, dato che oggi siamo qui a chiacchierare qualche ora prima dalla vostra data da co-headliner con i We Came As Romans, credo che tu con i Beartooth sia riuscito a trovare questa formula… In cosa consisterebbe?

C. S.: Nel mio caso diciamo che non si è trattato di una formula: ho semplicemente cercato di scrivere le canzoni nel modo migliore che potessi fare e realizzare concerti al massimo delle nostre possibilità. Abbiamo provato molto e tanto duramente per raggiungere questo obiettivo, quindi non credo che esista un segreto, un qualcosa che fai e allora il successo è assicurato, il segreto credo sia semplicemente provare duramente e scrivere la musica migliore che tu possa fare.

R.G.: Quali sono i vostri programmi per il futuro?

C. S.: Al momento abbiamo in programma un bel lungo tour che ci attende: Australia, Giappone, Regno Unito. L’intento per il momento è quello di renderci occupati il più possibile e cercare di suonare in tutto il mondo.

R.G.: Per quanto riguarda la promozione del vostro ultimo disco “Aggressive”, avete in programma di rilasciare nuovi singoli da lì estratti?

C. S.: Abbiamo appena finito di registrare un nuovo video, non sono sicuro quando verrà rilasciato, abbiamo finito di registrarlo proprio l’altro giorno!

R.G.: Ritornando all’idea che l’America sia la patria del metalcore, credi che ci sia una differenza tra il pubblico americano e quello europeo?

C. S.: Per quanto mi riguarda non credo che ci sia una vera e propria differenza di pubblico tra i due continenti, bensì ogni show si diversifica dagli altri, dipende da quanto il pubblico venga coinvolto durante lo show, può anche darsi che si possa riscontrare lo stesso effetto da parte del pubblico di uno show americano con uno europeo e viceversa. Be’ forse se c’è una differenza questa potrebbe essere minima: per esempio nel Regno Unito il pubblico si diverte maggiormente a cantare durante gli show, mentre il pubblico del resto dell’Europa preferisce divertirsi nel moshpit.

R.G.: Può anche darsi perché non siano capaci di cantare o magari non parlano inglese!

C. S.: (ride, ndr) In ogni caso per noi è cool lo stesso!

R.G.: Quale credi che sia il brano migliore del vostro ultimo album e perché?

C. S.: Ora come ora la mia canzone preferita è Hatred, un brano che credo sia un po’ diverso dagli altri, ha molte parti cantate e ha una forte resa dal vivo, per questo motivo la preferisco.

R.G.: Per concludere questa chiacchierata mi piacerebbe sapere se riesci ad elencarmi 5 motivi per i quali una persona dovrebbe acquistare il vostro ultimo album.

C. S.: Se sei un amante della musica pesante, se ti piacciono le parti cantate, se ti piace andare ad un concerto e sudare tra la folla, scatenarti come un pazzo e avere la possibilità di passare dei bei momenti con noi Beartooth.

R.G.: Nel vostro album precedente era contenuto un brano dal titolo Keep Your American Dream, un brano di denuncia riguardo l’idea del tipico “sogno americano”. Ora però ti chiedo da cosa è rappresentato attualmente il tuo sogno americano.

C. S.: E’ rappresentato da suonare musica il più a lungo possibile e divertirmi a farlo. Io amo suonare musica e vorrei tenermi stretto quello che amo.

R.G.: Grazie mille per la chiacchierata Caleb.

C.S.: Grazie a voi!

Intervista a Dan Logoluso

Qualche giorno prima dell’uscita del suo primo disco, Back From A Journey, avvenuta in occasione del release-party che vi abbiamo raccontato a questo link, abbiamo incontrato Dan Logoluso, talentuoso chitarrista della provincia di Milano, che oltre a parlarci del suo album ci ha illustrato una sua visione su svariati fattori che accompagnano la realtà musicale, forte del fatto che parliamo di una persona che si occupa di musica a 360°. Ecco cosa ci ha raccontato.

R.G.: Ciao Dan e benvenuto su RockGarage! Parlaci un po’ di te e soprattutto del tuo disco d’esordio “Back From A Journey”.

D.L.: Ciao e grazie! Che dire, sono semplicemente un chitarrista tendenzialmente rock. Per chi mi conosce ho pubblicato un disco con i Timesword, dove ero fondatore e principale compositore. Negli anni seguenti però è nata dentro di me questa sorta di esigenza artistica, ovvero quella di cominciare a scrivere materiale dedicato totalmente alla chitarra, buttando giù delle linee melodiche e riprendendo un’ idea che era stata accantonata, per poi essere ripresa 3-4 anni fa. Da qui è nato poi un ciclo compositivo. Essendo rimasto fermo con i Timesword, ho cercato di render la mia carriera musicale, sia come chitarrista, ma anche come insegnante, molto più professionale. Così è nato Back From A Journey, che ho chiamato così proprio perché rappresenta una sorta di viaggio musicale, alla scoperta anche di nuovi generi, per poi comunque rientrare nel mio stile che rimane rock melodico. Il tutto si è sviluppato nell’arco di 14 mesi, dall’ottobre 2014, fino a dicembre 2015.

R.G.: Parlaci un po’ del tuo disco allora: cosa vuoi raccontare attraverso l’album e quali messaggi vuoi mandare a chi ti ascolta?

D.L.: Innanzitutto vorrei precisare che per il mio disco non mi ero prefissato dei generi particolari, il tutto è nato in maniera spontanea e molto naturale. L’album è composto da 10 brani, totalmente strumenti e come detto prima, dove la chitarra è la protagonista principale. L’ispirazione e le influenze ovviamente nascono da quelli che sono stati i miei studi ed i miei ascolti, come Steve Vai, Joe Satriani o Andy Timmons. Ma anche influenze più vicine al jazz. Ognuno dei dieci brani ha una sua anima e, volendo parlar di generi, si spazia dal pop rock al metal più tirato, passando per il blues. E stato anche un po’ come riprendere delle emozioni, delle sensazioni del passato, e riproporle come se, come dicevo prima, fossi ritornato da un viaggio.

R.G.: L’idea di realizzare un disco totalmente strumentale nacque sin da subito o hai anche valutato l’ipotesi di aggiungere delle parti vocali?

D.L.: No l’idea è stata sin dal principio di non inserire alcuna parte vocale. Con questo mio disco vorrei anche dimostrare che un brano può star benissimo in piedi anche senza parti vocali, sostituendo con delle linee melodiche di chitarra. Devo dire che mi fu detto, dai pochi che hanno avuto il privilegio di ascoltare il disco prima della sua uscita, che molti dei brani si prestano perfettamente per esser accompagnati da una parte vocale. Bene, io però ho voluto anche dar risalto alle parti vocali, ma senza parti vocali, facendo in modo che questa “assenza” non si sentisse. Ho voluto anche snellire parecchio un lavoro che, con le parti vocali, si sarebbe prolungato di molto.

R.G.: Nel disco, alla batteria, c’è uno special guest di rilievo come John Macaluso. Come è nata l’idea e come l’hai approcciato?

D.L.: A dire il vero cercavo qualcuno dal cognome che facesse rima con il mio! Scherzi a parte, la prima volta che lo ascoltai fu in un disco solista di James LaBrie (cantante dei Dream Theater ndr), e mi incuriosì molto. Ho continuato a seguirlo in tutti i suoi progetti musicali, scoprendo tra l’altro che viveva, e tuttora vive, qui in Italia. Ho sempre voluto collaborare con artisti internazionali, come mi capitò in passato con il bassista Bryan Beller, anche per mettermi un po’ in gioco, per avere una sorta di riscontro “internazionale”, capire come un professionista vede il mio lavoro. Ci siamo trovati benissimo, non solo dal punto di vista artistico, ma anche da quello umano. Lui è molto entusiasta del lavoro che abbiamo fatto assieme, del disco e continua a ripetermelo più volte e non escludo che in futuro ci possa essere la possibilità di collaborare nuovamente. Il tempo passato con lui, la collaborazione con John, mi dà tanta carica per ciò che saranno sia il tour che altri futuri progetti artistici.

R.G.: Con “Back From A Journey” credi di aver definitivamente trovato la tua dimensione artistica, ovvero quella di solista, oppure lasci comunque la porta aperte per eventuali progetti come può essere quello di una band?

D.L.: Tieni conto che spesso avviene che elementi di tantissime band si cimentano anche in progetti solisti, un po’ come se si sentisse l’esigenza di esprimere totalmente se stessi. Al momento voglio dedicarmi alla mia carriera solista. Con questo non escludo totalmente la possibilità di far parte o di formare una band, tenendo conto anche del fatto che mi ritengo uno al quale piace mettersi in gioco e cercare sempre nuovi stimoli.

R.G.: Disco solista, sei titolare, assieme a tuo fratello, di un negozio di strumenti musicali e sei un insegnante di chitarra. Ti ritieni una persona fortunata, considerato che sei riuscito a far di una passione un mestiere?

D.L.: Più che fortunato mi ritengo determinato. Lavoro in un ambiente dove ci vuole un po’ di coraggio, anni fa lasciai un lavoro con un stipendio fisso, ma che mi stava stretto, mettendomi in gioco creando un’attività in proprio. Diciamo che ho avuto la fortuna di possedere questo coraggio ecco.

R.G.: E da insegnante di chitarra che idea ti sei fatto delle nuove generazioni che si approcciano a questo strumento?

D.L.: Rispetto a quando ero io adolescente, i ragazzi di oggi arrivano molto più documentati. Prima per documentarti andavi al negozio di dischi o ascoltavi e ti informavi attraverso le radio, com’era una volta con RockFM o oggi con Linea Rock. I ragazzi che vengono da me sono totalmente indottrinati dalla rete, e dagli ascolti che sanno un po’ di “usa e getta”, per colpa magari di una pochezza artistica all’interno di questi brani. Tendenzialmente sono meno affascinati dalla musica vera, dalla creatività, di quanto lo ero io alla loro età.

R.G.: Certamente internet ha avuto il suo effetto, ed a proposito, tu come ti rapporti con i vari portali musicali come Spotify, Deezer…

D.L.: Back From A Journey sarà presente in soli tre digital store, ovvero iTunes, Amazon Music e Google Play. Ed anche Shazam per il riconoscimento. Fortunatamente abbiamo la possibilità di scegliere come distribuire la nostra musica e quindi ho preferito evitare portali dove la musica si ascolta in maniera “distratta”. Il mio disco è totalmente autoprodotto, e le spese, tra le varie cose, sono state parecchie, quindi, senza alcuna ipocrisia, non mi interessa minimamente che i miei brani siano in streaming.

R.G.: In passato ti eri occupato della direzione artistica di un locale della provincia di Milano. A proposito di questo, come la vedi la situazione attuale riguardo gli spazi e le possibilità di esibirsi dal vivo?

D.L.: Ovviamente sto organizzando il mio tour e non appena le date saranno ufficiali, le potrete leggere sui miei siti e social network. Dalla mia esperienza personale mi sono reso conto che i locali dove ti fanno suonare sono gli stessi con i quali hai instaurato un buon rapporto professionale, ed anche d’amicizia. Oramai ci sono meno spazi per suonare, ma molti più musicisti e si crea un’inevitabile guerra tra poveri. C’è una sorta di “delocalizzazione”, per dire, a Milano, dove la cosiddetta scena dovrebbe essere iperattiva, ci sono pochi spazi, mentre se ti sposti verso Bergamo o Brescia gli spazi aumentano e c’è molta più utenza. Insomma non è un bel periodo, soprattutto per artisti che fanno un genere come il mio.

R.G.: Hai già in mente o comunque stai già lavorando a pezzi nuovi?

D.L.: No al momento sono totalmente concentrato sull’organizzare il tour di promozione di Back From A Journey, dopodiché penso di prendermi una pausa. Nel frattempo sto anche pensando alla realizzazione di un videoclip. L’idea su quale brano sarà c’è già, ma preferisco aspettare ancora un po’ per comunicarlo ufficialmente.

R.G.: Grazie per l’intervista Dan, ed in bocca al lupo per tutto!

D.L.: Grazie a voi e a presto!

Intervista ai Wolfmother

Tra le più grandi rivelazioni del rock mondiale di questo nuovo millennio è impossibile dimenticarsi di menzionare gli australiani Wolfmother che dal loro esordio discografico hanno incendiato i palchi di tutto il mondo con il loro hard rock/stoner dal sound vintage ricco di passione ed energia. La band di Andrew Stockdale ha di recente pubblicato un nuovo album dal titolo Victorious che l’ha fatta ritornare sulle labbra del popolo rock. Questi ragazzi sono quindi tornati in Europa per il loro Gypsy Caravan Tour, il cui programma ha previsto una tappa anche in Italia. Noi di RockGarage abbiamo avuto l’onore di incontrare il particolare Andrew, mente della formazione australiana, nel backstage dell’Alcatraz di Milano a poche ore dalla loro entrata in scena per i fan italiani. La band tornerà in Italia il 24 agosto all’Arena Festa Reggio (presso Campovolo) di Reggio Emilia.

R.G.: Ciao Andrew benvenuto sulle pagine di RockGarage.it, come sta procedendo questo vostro tour europeo?

A.: Il tour sta procedendo molto bene, molti show sono sold-out, abbiamo venduto circa 45.000 biglietti in prevendita qui in Europa, quindi credo che stia andando alla grande!

R.G.: Sembrerebbe che con l’uscita della vostra ultima fatica studio “Victorious“ avete ritrovato un equilibrio come band, innanzitutto, potresti introdurre questo disco ai nostri lettori?

A.: Credo che si tratti di un concentrato di forte energia confezionato in un disco rock con un paio di brani acustici. Per me si tratta di forte energia, un concentrato di buoni brani trascinanti, forse…

R.G.: Come è stata presa la decisione di registrare questo album in compagnia di altri artisti e non della band che ti accompagna in tour?

A.: Io credo che sia una buona cosa collaborare con altri artisti, puoi trarre nuova ispirazione vedendo come lavorano altri artisti per poter avere sempre idee fresche. Avevo già lavorato con gli altri ragazzi della band per comporre i brani per il precedente New Crown, proprio come se fossimo un’unica testa per la scrittura del disco. Ora invece ero interessato a lavorare da solo per la stesura delle canzoni per poi prendere qualche musicista diverso con cui collaborare per la fase di registrazione.

R.G.: Credo che sia comunque una scelta strana dal momento che avresti a disposizione una band tua.

A.: Io credo che collaborare sia una cosa bella, vedi per esempio il lavoro di Slash che ha fatto negli ultimi anni. Puoi scrivere buone canzoni facendoti aiutare da altre persone con una mente diversa.

R.G.: Credi che sia cambiato qualcosa nel processo di scrittura dei brani per quest’ultimo disco rispetto a quelli precedenti dei Wolfmother?

A.: Sembrerà strano ma non è cambiato assolutamente niente. Pensa che il disco Cosmig Egg lo avevo già scritto da solo, prima della sua uscita discografica feci ascoltare alla mia ragazza le demo dei brani da me registrate. Ho fatto tutto da solo prima di riavere una vera e propria band, invece per quanto riguarda il disco d’esordio il buon 70 % è stato scritto e realizzato da me, ho collaborato poi con la band per sistemare qualcosina come le parti di batteria e migliorare qualche passaggio. Quindi in questo caso ho preferito tornare a lavorare come ho fatto in quel periodo. Vedi, per esempio Stevie Wonder oppure Prince componevano tutto da soli, quando componi da solo è come se ci mettessi l’anima in quello che scrivi, tutto potrebbe venire più energico ed era proprio l’effetto che volevo dare a questo nuovo album.

R.G.: Preferisci la vita del musicista in tour oppure la vita del musicista in studio di registrazione?

A.: Alle volte preferisco la vita da studio, prendendo però in considerazione il nostro ultimo Victorious devo ammettere che molti brani suonino meglio su disco, mentre altri come Gypsy Caravan o Simple Life credo che suonino meglio dal vivo, che acquistino maggior spessore in sede live. Quindi molte volte i brani risultano migliori on the road.

R.G.: Ma avete mai pensato di registrare un vostro live album?

A.: No, non credo che ci sia bisogno di registrare un vero e proprio live album, alle volte decidiamo di registrare interamente alcune tappe del tour e poi le carichiamo per intero su youtube affinché chiunque possa gustarsi le nostre performance live.

R.G.: Come è stato quindi ritrovarsi nuovamente a lavorare con la tua formazione stabile? E’ stato difficile ritrovare un equilibrio come band?

A.: E’ andata molto bene, ormai suono insieme a questa formazione da un po’ di anni e tra di noi non c’è solo un rapporto lavorativo, Vin Steele è con noi da un po’ di anni ormai e si diverte a suonare con noi tutte le sere. Abbiamo fatto un bel po’ di show negli ultimi tre mesi ed è stato un duro lavoro, abbiamo passato dei momenti duri per la ripresa delle attività live nel pieno dell’inverno ma ce la siamo cavata bene.

R.G.: Generalmente il progetto Wolfmother viene definito come una band di nuova generazione, vi siete formati nel nuovo millennio quindi siete una formazione giovane a tutti gli effetti. Credi che il tuo progetto sarebbe stato più fortunato se fosse nato qualche decennio prima e quindi affrontando il music business come veniva fatto al tempo oppure credi che fare musica oggi sia più semplice?

A.: Oggi si ha youtube, quindi hai la possibilità di girare dei video e caricarli su youtube. Credo quindi che sia migliore la situazione attuale! Oggi è sicuramente più facile ed economico registrare, più economico girare dei video, quindi tutto questo ti agevola per la promozione del tuo progetto connettendoti direttamente con il tuo pubblico, questo è ciò che la gente vuole! Il pubblico non è interessato al management, agenzie di booking, questi sono tutti aspetti che interessano a me per gestire al meglio il mio progetto, il pubblico vede altro, oggi tutte queste cose possono essere gestite anche direttamente da te stesso. Sono cose fantastiche che dipendono ovviamente dallo stesso artista, se ha voglia o meno di lavorare duro e quindi di gestirsi da solo tutto ciò che c’è alle spalle del suo progetto musicale. Per non parlare dei voli che oggi costano molto meno (risate, ndR), quindi è diventato più facile spostarsi. Anche solo quando noi abbiamo iniziato a suonare, le distanze erano molto più lunghe, non era semplice per noi dell’Australia riuscire a viaggiare, oggi invece è molto più comodo viaggiare qui in Europa e affittare delle case che ci possano servire come appoggio. Oggi avremmo la possibilità di viaggiare, affittare una casa sulla collina di Hollywood, suonare sul tetto della casa, fare un video, caricarlo su youtube e promuoverlo affinché tutti lo vedano!

R.G.: Ma restando sempre in argomento internet e nuove tecnologie, permettimi di chiederti una cosa riguardo al vostro disco precedente, “New Crown“, che è stato disponibile solo via internet. Come mai questa decisione di registrarlo con una produzione così… casereccia?

A.: O meglio dire grezza! Il motivo è che quando stavamo componendo il disco ho pensato di aver già fatto in precedenza il grande disco che era Cosmic Egg, curatissimo nella sua produzione. Mi chiedevo cosa avrebbero pensato i nostri fan se avessimo realizzato un disco in presa diretta dal nostro lavoro in studio, io personalmente adoro i lavori fatti così, poco curati in quanto produzione, ho solo bisogno di ascoltare buone canzoni. Ci sono invece altre persone che preferiscono i dischi molto curati nella loro produzione, quindi con questo nuovo album abbiamo deciso di poter avere entrambe queste cose: buona produzione e buone canzoni, così tutti sono felici!

R.G.: Quando ti capita di leggere qualche articolo sui magazine o sui web-magazine che riportano critiche sul fatto che i Wolfmother siano troppo simili a Led Zeppelin, Steppenwolf e altre band del genere la cosa ti rende nervoso oppure credi che sia un onore per la tua band essere paragonata alle band citate?

A.: Sono tutti dei grandissimi artisti, in fondo è come tutte le cose: puoi amarle o odiarle. Se esiste una reazione da parte di qualcuno vuol dire che non si è passati di certo inosservati, come accadeva con Alice Cooper che dicevano fosse troppo simile a Frank Zappa eppure era tutto frutto di una reazione, la musica dell’artista veniva ascoltata e faceva quindi aumentare la sua popolarità. Una cosa brutta sarebbe se la nostra musica non producesse alcuna reazione. Ma se c’è una cosa che proprio non riesco a capire è quando le persone sprecano tutte le loro energie per dedicarsi alle cose che a loro non piacciono, come se adorassero criticare tutto! Io credo che ci sia sempre un po’ di buono in ogni cosa, bisognerebbe semplicemente accettarlo!

R.G.: Ok grazie mille per la chiacchierata Andrew e in bocca al lupo per lo show.

A.: Grazie a voi!

Intervista a Pino Scotto

Pino Scotto non ha certo bisogno di chissà quali presentazioni. Artista che da almeno tre decadi calca i palchi italiani e non e che da qualche anno si è fatto portavoce di un dissenso generale verso svariati aspetti sociali, e soprattutto a tutela di quella che lui definisce “vera musica, quella fatta con il cuore e non per i soldi”. In occasione dell’uscita del suo nuovo disco, Live For A Dream, Pino ci ha concesso un’intervista in cui ci ha parlato ovviamente del nuovo album, ma anche di tanti altri argomenti interessanti.

R.G.: Ciao Pino, benvenuto su RockGarage. E’ da poco uscito il tuo nuovo disco “Live For A Dream”, parlacene un po’, raccontandoci come è nato.
P.S.: Ciao e grazie! L’idea m’è venuta dal fatto che volevo fare una sorta di consacrazione di me stesso. Tieni conto che, tra quelli con le band dove ho suonato e quelli da solista, è il mio diciottesimo disco, e l’idea era quella di riportare tanti dei miei vecchi brani in tour, ri-arrangiati, brani che percorrono in ordine cronologico la mia carriera in toto, quindi Pulsar, Vanadium, Sinergia, Fire Trails e quella da solista. Una cosa che mi è sempre piaciuta fare nella musica è quella di collaborare con tanti altri artisti; mi immaginavo, per ogni brano, con chi avrei voluto suonarlo. Ho pensato soprattutto agli amici, che sono tantissimi e quindi ho dovuto fare delle scelte, ma la cosa bella è stata che nessuno mi ha detto di no e soprattutto nessuno mi ha chiesto dei soldi, anche perché non c’è ne sono (ridendo)!! Chi ha collaborato l’ha fatto solo per amicizia, penso ad esempio ai Ritmo Tribale che per questo disco sono riuscito a farli riformare momentaneamente e chissà che non li convinco a riformarsi definitivamente. Oltre a loro ho chiamato band e nomi storici come la Strana Officina, Sadist, Fabio Lione, Roberto Tiranti, Stef Burns, Ambra Marie, Fabio Treves che con il suo blues, genere che rappresenta la mia anima, è spesso stato presente nei miei dischi, e tanti altri.

R.G.: Come mai questa scelta di realizzare un “live in studio”?
P.S.: La cosa principale è stata che in studio era tutto come se fosse una festa. Volevo fare una cosa diversa rispetto ai lavori passati e si è rivelata una scelta bellissima; si suonava assieme, si scherzava assieme, si mangiava assieme, ci si divertiva assieme! Nel disco, oltre al CD, c’è un DVD dove ci sono aneddoti e riprese delle registrazioni, ed in più, assieme al regista Daniele Farina, ci è venuta questa idea di fare un giro per Milano, a vedere i posti dove sono nate tante band, dove si suonava. Insomma tantissime cose interessanti da vedere. Il disco rappresenta almeno la metà della mia vita, l’ho voluto chiamare Live For A Dream perché la musica è sempre stato il mio sogno da quando avevo sedici anni, e sono scappato da un paesino in provincia di Napoli. Credimi, adesso come adesso, ho solo tanta voglia di portare questi brani in tour.

R.G.: Nel disco ci sono tanti artisti come ospiti, c’è qualche artista con il quale ti piacerebbe collaborare ma che ancora non c’è stata occasione?
P.S.: Jimi Hendrix (ridendo)!! C’è ne sono tantissimi guarda, però ti posso dire che un artista italiano con il quale farei volentieri qualcosa è Adriano Celentano, pensa che nel disco di cover che feci due anni fa, c’era la mia versione di Svalutation che a lui era piaciuta tantissimo! Un altro è Paolo Conte, che ritengo assolutamente un genio.

R.G.: Nel disco ci sono anche 2 inediti, tra cui uno scritto dopo la morte di Lemmy, immagino che la sua perdita ti abbia un po’ scosso.
P.S.: Sì, il brano The Eagle Scream è dedicato a Lemmy e l’ho scritto il giorno dopo che era morto. Ci conoscevamo da tantissimo tempo, sin da un tour dove facevamo da spalla ai Motorhead dove la prima data fu al PalaSport di Bologna. Avevo anche suonato con lui un anno prima che morisse, rimanendo anche in contatto, pensa che sono anche stato a casa sua a Los Angeles. Lui sapeva che stava per morire, anche perché le sue condizioni fisiche, giorno dopo giorno, diventavano sempre più gravi. Il brano glielo dovevo, posso dire che eravamo amici, anche perché parlavamo lo stesso linguaggio, ci intendevamo perfettamente. Abbiamo anche realizzato un videoclip della canzone, girato in una cava ad Asti, con 40 bikers, e sono certo che gli sarebbe piaciuto tantissimo perché è un video davvero tamarro. L’altro inedito si intitola Don’t Touch The Kids, dove, come si può capire dal titolo, parlo di pedofilia, argomento che tratto spesso anche quando sono in TV. I bambini non si toccano. Punto.

R.G.: Come sta procedendo il progetto Rainbow?
P.S.: Guarda, parlavo appunto dei bambini, e, tramite questo progetto, ho visto delle cose inimmaginabili, assurde, e il mondo non fa un cazzo! Abbiamo realizzato un piccolo ospedale a Kobane, e quando vado lì, oltre al dolore nel vedere certe scene, provo gioia quando questi bambini mi abbracciano e mi chiamano “papà”. E credimi, in confronto a queste cose qua, i soldi, il successo, non valgono assolutamente niente! Il progetto Rainbow sta andando avanti, grazie anche agli incassi dei miei concerti, in particolare quelli che ho fatto ultimamente a Manfredonia (FG) con i 99 Posse e Sud Sound System, ed a Rock On The Road di Desio con amici come Fabio Treves, Maurizio Solieri e tanti altri. Tengo a precisare che noi del progetto Rainbow agiamo in maniera totalmente trasparente. Nessuno di noi prende un euro, e tutte le donazioni, e le spese sono giustificate con tanto di ricevute fiscali. Non tollero chi si arricchisce tramite organizzazioni apparentemente benefiche. Aggiungo che sono dell’idea che molti dei genitori italiani dovrebbero portare i loro figli “in vacanza” in uno di questi posti, anziché farli rincoglionire con la Play-Station, un giro in quelle zone sarebbe una grandissima lezione di vita e soprattutto di umiltà.

R.G.: Il 2016 è iniziato con la perdita di tanti artisti rock tra Lemmy, Bowie etc etc, fermo restando che se ne sono andate delle icone della musica, come vedi, se lo vedi, il futuro del rock? Ad esempio, come immagini i grandi festival tra 15-20 anni, quando non ci saranno più gruppi come Iron Maiden, Kiss eccetera.
P.S.: Una cosa che dico da qualche anno è che, quando non ci saranno più i grandi artisti, quelli storici, ci saranno solo tribute band, infatti in alcune parti del mondo stanno già organizzando festival con sole tribute bands, assurdo! Non c’è ricambio, o almeno, io non lo vedo assolutamente.

R.G.: Dato che è una notizia fresca, non posso non chiederti cosa ne pensi sia della reunion dei Guns, e soprattutto di Axl Rose con gli AC/DC.
P.S.: Allora, parliamo degli AC/DC: il batterista ha delle rogne con la legge, il cantante ed un chitarrista hanno gravi problemi fisici, con tutto il rispetto ma…andarsene in pensione no? Riguardo Axl Rose, ho visto dei video sulla reunion che hanno fatto i Guns N’ Roses negli Stati Uniti; è stonato come una cornacchia, ha perso tutta la sua potenza da vocalist, e vuole cantare negli AC/DC? Non ce la fa neanche se li abbassa di sei toni! Sai chi avrei chiamato invece di Axl? Marc Storace, il cantante dei Krokus, che, come voce, ricorda tantissimo Bon Scott. Comunque sono dell’idea che, una volta eseguite queste 8-9 date in Europa, gli AC/DC si ritireranno.

R.G.: E’ vero che in passato ti è stato offerto di partecipare al Festival di Sanremo?
P.S.: Sì, era durante il progetto Sinergia. Vasco Rossi scrisse una canzone, che avrei dovuto cantare a Sanremo in coppia con una nota cantante, della quale non faccio il nome. Rifiutai, e con il senno di poi penso che sarei dovuto andarci, per far qualcosa di osceno e clamoroso in diretta sul palco di Sanremo!

R.G.: Oltre a questo, hai altri rimpianti come musicista?
P.S.: No come musicista no, ho sempre fatto quello che avrei voluto fare. Anche a costo di ricevere forti critiche, come quando, ad esempio, ho fatto delle collaborazioni con J-Ax o con i Club Dogo, cose che ho fatto con il cuore, come dal resto, tutte le cose che ho fatto in campo artistico. Nessun rimpianto, ho rifiutato ruoli da cantante per noti gruppi, collaborazioni, tante occasioni che economicamente mi avrebbero fatto comodo, ma ho deciso di rimanere coerente con me stesso e soprattutto con chi mi segue da anni.

R.G.: Progetti per l’estate? Stai lavorando per un nuovo disco di inediti?
P.S.: Avere dei brani nuovi è il minore dei problemi perché ne ho già pronti una dozzina, in futuro quindi ci sarà un nuovo disco totalmente di inediti. Poi ovviamente il progetto futuro è il tour di supporto a questo disco, le date le potete leggere nei miei canali ufficiali on line.

R.G.: Grazie dell’intervista Pino, ed in bocca al lupo per tutto!
P.S.: Grazie a voi! Ci vediamo a qualche mio concerto!

The Winery Dogs+Be The Wolf@Market Sound (MI)

Quella del 14 giugno 2016 era una data che circolava da tempo in rete e che era lì, rinchiusa in uno spazietto di cuore di tantissimi fan provenienti da radici musicali relativamente diverse tra loro. Infatti il Market Sound ha ospitato l’unica data italiana dei The Winery Dogs, supergruppo composto da Mike Portnoy (ex batterista nonché fondatore dei Dream Theater, che ha lasciato il posto a Mike Mangini), Billy Sheehan (storico e funambolico bassista dei Mr. Big ma noto anche per molte esperienze con David Lee Roth solista, Steve Vai, i Niacin e molti altri) e Richie Kotzen (anche lui Mr. Big ma anche Poison oltre che una prolifica attività solista). Un trio infatti alquanto bizzarro se visto dietro un unico moniker, accompagnato dalla realtà italiana che meglio di chiunque altro poteva supportarli: i Be The Wolf.

La serata non prometteva bene dal punto di vista meteorologico ma al nostro arrivo abbiamo trovato già un discreto pubblico ad assistere all’esibizione del power trio Be The Wolf, accasato da poco presso la nostra Scarlet Records. I ragazzi (che avevamo intervistato poco tempo fa di persona, a questa pagina il resoconto della chiacchierata) non solo si sono dimostrati in grande forma ma hanno messo in evidenza una buona presenza scenica, per lo più caratterizzata dal loro sound corposo e groovy. Ci hanno ricordato l’impulsività dei Wolfmother, se non per quella sei corde così impertinente pur se confinata nei meandri del rock, senza sbavature di altri generi di sorta. L’ultimo lavoro, Hot Streak, ha dimostrato una buona valenza dal vivo e i ragazzi sono risultati molto umili quando hanno dichiarato: “Sappiamo che siamo qui tutti per i The Winery Dogs, anche noi stessi…vorremo dire diversamente ma non è così!”. Quindi giù il cappello a questa band tutta italiana che grazie alla propria musica (e ad un videoclip che sta girando molto) sta ottenendo riscontro anche all’estero.

Ore 21:20 entrano in scena i The Winery Dogs, mentre il cielo di Milano diveniva sempre più nero. Tutti speravano che le nuvole avrebbero resistito prima di cedere fiotti d’acqua sul prato del Market Sound e probabilmente in questo ha contribuito anche il trio americano, che con il proprio ingresso, ha esercitato una carica adrenalinica immensa tra il pubblico. Chiaramente parliamo di una band di professionisti, gente che si sa muovere molto bene sul palco e che sa cosa il pubblico cerca, non a caso l’esibizione è stata concentrata sulla musica, con poche battute con il pubblico (Portnoy è stato l’unico a condividere qualche pensiero con le persone al di là del palco) e tanti pezzi uno dopo l’altro. Molto intensta Empire che ha preceduto un brano acustico e lento in cui Richie ha imbracciato una chitarra semi-acustica e dato dimostrazione della sua intensità vocale. Probabilmente i presenti attendevano le esibizioni soliste e i ragazzi non si sono risparmiati: Kotzen nei vari assoli all’interno dei brani, Mike Portnoy con un siparietto simpatico in cui colpiva qualsiasi cosa fosse collocata sul palco (per la parte più canonica invece non ha offerto nulla in più dei suoi vari assoli che ben conosciamo), infine Billy (classe ’53!…ricordiamolo) che, forte del suo 4 corde molto effettato e della sua tecnica per lo più incentrata sulla mano destra, ha dispensato in quantità incredibili note, una misura di gran lunga maggiore rispetto alla pioggia che ormai cadeva senza sosta dall’alto.

Dal punto di vista strettamente musicale i The Winery Dogs si collocano nei gradini alti delle rock band internazionali, senza sbavature di genere, piuttosto cercando di mettere a frutto la loro esperienza nella direzione di una musicalità un po’ per tutti, sia per chi si aspetta maestria sia per chi fagocita esclusivamente melodia. Lo show è durato circa 80 minuti, forse ci aspettavamo qualcosa in più, ma il meteo della serata di certo non ha aiutato, quasi annullando la pausa prima del bis. Bella esperienza, vedremo in futuro quanto lontano arriverà questo trio.

Live del 14 giugno 2016

Intervista a Jaselli

Tutto si può dire dei Jaselli (band di Jack Jaselli) tranne che la band non si sia fatta da sola. Grazie a lavoro duro, passione e idee ben chiare questo dinamico trio in pochissimo tempo è stato in grado di passare dai piccoli concerti per pochi intimi ai mega palchi come lo stadio di S.Siro o Mtv. Il loro è un suono che proviene dalla strada, polveroso ed intriso di rock, blues e soul, spontaneo ed estremamente genuino senza artifizi di sorta. Si dice che l’occasione fa l’uomo ladro e sfruttando questo detto abbiamo incontrato il nostro power trio in occasione dello showcase organizzato per presentare la loro ultima fatica discografica intitolata Monster Moon.

R.G.:Ciao ragazzi, raccontateci qualcosa sul nuovo disco.
J.: Ciao, non vediamo l’ora che esca innanzitutto, siamo felicissimi per questo nuovo progetto, pensiamo che sia stato fatto un enorme passo avanti per quanto riguarda il sound ora molto più da band rispetto a prima. Non vediamo l’ora di suonare i nostri nuovi pezzi dal vivo, abbiamo lavorato veramente sodo per questo disco scrivendo moltissimo materiale che poi è stato ridotto a undici tracce nella versione finale per poter mantenere una coerenza omogenea del tutto.

R.G.: Quanto è durata la gestazione dell’album ?
J.: Il processo creativo ha preso all’incirca dieci mesi, siamo stati in tour per circa due anni e ritrovare gli automatismi di scrittura dopo tutto questo tempo ha richiesto davvero un bello sforzo.

R.G.: Perché avete scelto come titolo “Monster Moon”?
J.: Sostanzialmente per una doppia ragione, una fisica e l’altra più concettuale. Durante il 2015 ci sono stati numerosi fenomeni astronomici che hanno interessato il nostro pianeta come ad esempio la Blood Moon a settembre e varie eclissi totali o parziali. Si dice poi, che la luna influenzi i nostri stati d’animo e le maree per non dimenticare poi una parte irrazionale, che ci intrigava molto, data da figure come i licantropi ed i lupi che abbiamo inserito in alcune tracce del disco.

R.G.: Come è stato lavorare con un producer del calibro di Ran Pink (The Wallflowers, Band Of Horses, Dave Grohl)?
J.: È stata un’esperienza davvero incredibile, potersi misurare con un produttore che ha un’esperienza ed una visione d’insieme simile non capita tutti i giorni. La differenza con i producer nostrani è abissale, Ran possiede una cultura musicale ed un passione davvero smisurata, qui a volte si vive molto di riflesso. Il processo è stato assolutamente naturale ed estremamente scorrevole, lontano da qualsiasi logica di mercato o di business.

R.G.: Al di là degli aspetti meramente tecnici, cosa vi ha trasmesso questa collaborazione?
J.: Lui è stato in grado di darci la consapevolezza di poterci affidare a qualcuno che sapeva esattamente che cosa volevamo da questo progetto, un timoniere sicuro capace di capire con precisione le nostre esigenze. A livello sonoro la sua mano è nettamente avvertibile senza mai risultare invadente o forzata.

R.G.: A nostro avviso il disco presenta un salto qualitativo e di ricerca sonora davvero notevole, voi ve ne siete resi conto?
J.: Sì, ce ne siamo resi conto mentre ci trovavamo in studio e anche quando a gennaio siamo andati a conoscere Ran per la prima volta portando dei nostri provini, in pochissimo tempo è stato in grado di darci una marcia in più. Una parte importante va data anche al luogo dove tutto è stato creato ovvero i Fonogenic Studios di Los Angeles, che possiedono un’energia propria davvero straordinaria ed una strumentazione rara e di qualità eccelsa.

R.G.: Se voi poteste uscire dal vostro corpo sotto forma di spirito e osservare la band dagli inizi che cosa vedreste ?
J.: Sicuramente vedremmo un’evoluzione molto particolare ed articolata che si è svolta però in modo assolutamente naturale; volevamo trovarci esattamente dove ci troviamo ora, senza rinnegare nulla di quello che è stato il nostro passato. Ambivamo ad una nostra identità unica ed originale capace di emozionare la gente che ci circonda.

R.G.: Cosa ci dite sul tour che state per intraprendere?
J.: Il tour sarà composto da una ventina di date con qualcosa anche all’estero, sarà più rock rispetto al passato e per la prima volta avremo insieme a noi Alfredo Aliffi che curerà i nostri suoni garantendoci una resa ancora maggiore.

R.G.: C’è un messaggio dietro a questo album ?
J.: Sì fondamentalmente noi siamo dei lottatori, nessuno ci ha mai regalato nulla a livello professionale, quindi tutto è possibile, con la costanza e con il massimo impegno si possono avverare anche i sogni più incredibili. Spesso poi bisogna seguire i propri istinti senza utilizzare troppo la ragione, proprio come dei lupi mannari che ululano ad una “monster moon”.

R.G.: Raccontateci un aneddoto divertente che vi è capitato durante la produzione del disco.
J.: Durante le registrazioni a Los Angeles nonostante i continui avvisi di Nik, siamo rimasti senza benzina proprio in mezzo ad una trafficatissima highway principale. Dopo lo spavento iniziale ce la siamo cavata grazie ad un signore anziano che ci ha letteralmente spinto con il suo possente pick up alla più vicina stazione di rifornimento tra l’ilarità e lo stupore generale per l’insolita situazione.

R.G.: Grazie mille ragazzi ed in bocca al lupo per il Tour!
J.: Grazie a voi di RockGarage e crepi il lupo!

Intervista a Soltanto (Matteo Terzi)

Incontriamo faccia a faccia Soltanto, nome d’arte del cantante Matteo Terzi. Un artista che è arrivato a registrare il suo nuovo disco, Skye, uscito l’8 aprile, grazie ad una storia ed un vissuto molto particolari. Sentiamo cosa ha detto ai nostri microfoni

RG: Ciao Matteo e benvenuto su RockGarage. Iniziamo l’intervista in maniera molto canonica, con una presentazione ai lettori e con la narrazione della tua particolare storia e vicenda artistica.

S: Innanzitutto saluto tutti i lettori. Io sono un musicista di strada e questa vita l’ho iniziata sei anni fa. Nel 2010, per via di alcuni fattori che si sono sovrapposti, dopo la mia laurea, ho deciso di licenziarmi dalla società di produzione cinematografica per cui lavoravo. Ho deciso così di partire per viaggiare attraverso l’Europa, portandomi dietro la mia chitarra e spostandomi in autostop. La scelta di portarsi dietro lo strumento derivava dal fatto che, fondamentalmente, essendo solo, oltre a mettermi a suonare per strada, avrei anche potuto conoscere persone grazie alla mia compagna. Ho scoperto poi grazie a questa esperienza che il mio posto nel mondo e quello che mi realizzava era fare il busker.

RG: Raccontaci come e perché hai scelto come nome d’arte Soltanto.

S: Quando ho iniziato ero molto preso ed ammiravo il film Into The Wild (pluripremiato film di Sean Penn del 2007, nda) e di conseguenza il libro da cui è derivata la pellicola (Nelle Terre Estreme di John Krakauer, che narra la storia di Cristopher McCandless, giovane che lasciò tutto e partì a piedi in un giro per gli Stati Uniti che finirà in Alaska, nda) . Decisi così, affascinato da quell’immaginario, di chiamarmi Matt Supertramp. Tornato a casa dopo il primo giro, mi accorsi però che la mia casa e la mia città mi mancavano e pensai che da quel momento sarei stato soltanto me stesso. E’ a quel punto che ho scelto come nome d’arte “Soltanto”, che sta a significare per me che cercare di essere soltanto se stessi non è una cosa da poco.

RG: Matteo parlaci un po’ del tuo nuovo disco Skye, della sua genesi e della sua lavorazione.

S: Dal primo disco che ho pubblicato, Le Chiavi Di Casa Mia (uscito nel 2013, nda) avevo deciso che il secondo disco sarebbe uscito solamente quando me la sarei sentita veramente, senza pormi un traguardo temporale. Volevo che la nuova produzione mi rappresentasse veramente, sia dal punto di vista personale che da quello del sound. Non mi sono messo nessuna fretta e non avevo nessuna fretta anche perché non volevo che il mio nuovo lavoro risultasse un prodotto con tempistiche da mercato discografico, dove sembra che ormai le produzioni siano una cosa usa e getta. Le canzoni del nuovo disco, oltretutto, hanno fatto molto fatica a trovare una forma definitiva ed una chiusura. Skye è il nome di un’isola scozzese, dove mi sono trovato per un bel po’ di tempo e che mi ha rapito con i suoi paesaggi, i suoi colori, i suoi silenzi. Le canzoni hanno preso la loro forma definitiva proprio lì.

RG: Moltissimi musicisti mollano o si sentono demotivati per tutta una serie di motivi mentre tu sei riuscito a realizzare il tuo sogno. Cosa ti senti di dire a queste persone o a chi sta per intraprendere una sua avventura musicale?

S: Tutto dipende dalle idee che uno si fa e che obiettivi ci si pone. Per me il sogno più grande che un musicista possa realizzare non è ottenere un successo planetario, ma in primis quello di realizzarsi e sentirsi realizzato. E questo, al di là della retorica, è una cosa molto difficile. E’ vero che la crisi del mercato discografico poi incide sulla vita a livello pratico di un musicista, ma di strade per fare arrivare la propria musica alle persone ce ne sono tante. Comunque, qualsiasi scelta si faccia, ogni strada battuta da un musicista costa sicuramente fatica, fatta di scelte e rinunce. Per chi invece vuole ottenere un grande successo, esistono i talent show. Se si va ad informarsi bene sulle carriere dei grandi nomi della storia della musica, si vedrà che i periodi iniziali sono all’insegna di fatica e sacrifici.

RG: Ci vuoi parlare delle tue maggiori influenze musicali ed artistiche in generale?

S: Dal punto di vista musicale le mie maggiori influenze provengono dall’Inghilterra. I Beatles in primis. Il mio primo grande amore fu Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (celeberrimo album dei Fab Four, uscito nel 1967, nda). Da lì in poi la mia corrente musicale preferita è sempre stato il pop rock inglese, di cui in questo momento gli artisti di punta sono i Coldplay. Esulando dalla musica, le maggiori influenze artistiche della mia vita sono Nanni Moretti e Woody Allen. Soprattutto grazie a quest’ultimo, sono risalito ai grandi registi del passato: per fare due nomi, Bergman e Truffaut. Prima di partire sognavo di fare cinema nella mia vita. C’è stato un periodo dove andavo al cinema due o tre volte al giorno, come fosse una droga, indipendentemente dal film che proiettavano.

RG: Se potessi realizzare un desiderio, a quale artista italiano ed estero sceglieresti di aprire una tournée?
S: Come artista estero, senza dubbio i Noel Gallagher’s High Flying Birds. Come artista italiano sceglierei assolutamente Niccolò Fabi.

RG: Grazie mille Matteo per il tempo che ci hai dedicato e per la tua disponibilità!
S Grazie a voi per lo spazio dedicatomi. Un saluto a tutti i lettori.