Swanz The Lonely Cat – Covers On My Bed, Stones In My Pillow

E ad un certo punto arriva il momento dell’introspezione, dell’autopsicanalisi e del confronto con i propri padri, mentori e spiriti guida. E con Covers On My Band, Stones In My Pillow questo momento arriva anche per Luca Andriolo, aka Swanz, frontman dei Dead Cat In A Bag. Lo dice tra le righe il titolo, ed esce in maniera abbastanza esplicita tutto l’album, Covers On My Band, Stones In My Pillow è un disco molto intimo e introspettivo; sonorità e vocalizzi con cui vengono reinterpretati i dieci pezzi dell’album lo trasmettono sin dal primo ascolto. Siamo di fronte ad un album con un approccio e una sintassi che richiama moltissimo Nick Cave, prova eclatante è Love Me Tender in slow motion in apertura. Un album di cover è una prova difficile, dove molto spesso ci si buttano brani triti e ritriti e si cerca di ridare luce, ulteriori chiavi di lettura nuovo splendore a opere d’arte consumate dagli ascolti cadendo a volte nel banale. Per dare un esempio concreto di come però Covers On My Band, Stones In My Pillow sia un buon disco andiamo diretti alla traccia cinque, ad analizzare il classico dei classiconi in temi di cover, che a furia di reinterpretazioni a volte viene il dubbio se la canzone sia effettivamente di Dylan e se effettivamente abbia ancora un significato oppure se le sabbie del tempo e dell’usura delle sei corde che l’hanno passata nei tempi l’abbiano nullificata e svuotata. Da Jimi Hendrix in poi anche la casalinga di Voghera ha fatto una cover di All Along The Watchtower ma, mentre spesso capita che la cover sia una pennellata di rossetto su una scrofa, la All Along The Watchtower di Swanz è riuscita ad essere innovativa e rivelatrice di un blues fresco ed innovativo.

Dopo questa ulteriore prova (riuscita) di stile nella reinterpretazione il resto dell’album scorre liscio, molto lo-fi a metà tra Nick Cave e Beck (nel senso delle atmosfere ricercate e nell’intellettualità si intende), e questo piace assai, un po’ come tutto il tenore “indieautorale” (cantautorale nei modi, indie nella lettura) di Covers On My Band, Stones In My Pillow, album caldo e appropriato se si è alla ricerca di ascolti universali ma mai banali.

Bleeker – Erase You

I canadesi Bleeker dei fratelli Perkins nascono da una mutazione in seno ai Bleeker Ridge dopo la separazione dai fratelli Dustin e Dan Steinke, insomma tutta una storia di faide familiari nel basso Ontario. Quando mi dicono Canada mi viene subito alla mente Neil Young, poi penso però anche ai Nickelback e Bryan Adams e mi assale lo sconforto. Erase You si apre in maniera forte e decisa con Highway, brano che strizza l’occhio al quel alt-rock-swing che ha fatto la fortuna di band come i Black Keys o i Jet, si cerca insomma più di far ballare che far scapocciare. Il pezzo ha un gran suono, potente e rotondo, quasi vicino ai QOTSA e si lascia ascoltare con un certo piacere, anche perché il capace Taylor Perkins riesce a trovare delle buone soluzioni e la giusta energia su questa tipologia di brani ed in effetti anche la seconda traccia, Free, offre buone vibrazioni in questo senso con delle discrete variazioni in salsa grunge. Segue Getting Out sempre sullo stesso tema ma questa volta il brano presenta sfumature più sixties tra rock’n’roll e garage rock, la quarta traccia Erase You è per il sottoscritto la migliore del disco. Il brano si sviluppa su di un riff in 3/4 dove mi balzano subito alla mente gli echi dei Soundgarden più oscuri, quelli di Louder Than Love per intenderci, con una parte vocale di tutto rispetto anche se un po’ troppo copia dell’originale.

Il problema del disco è che dopo quattro brani fondamentalmente rispettabili ci viene appunto lo sconforto: I’m Not Laughing Now è un brano che ha davvero poco di alt-rock, vorrebbe probabilmente orientarsi verso un pubblico più ampio e più abituato alle sonorità del pop rock melenso e la cosa non ci pare nemmeno troppo riuscita. Si passa poi alla sesta traccia dove si torna a far ballare ma con meno efficacia, per poi arrivare a Radio Radio, vero cavolo a merenda del disco. Pare che i Blink 182 abbiano voluto burlarsi dei ragazzotti canadesi ed abbiano di nascosto inserito una traccia nell’album; con Where’s Your Money si torna ancora su atmosfere rock’n’roll pagando dazio ai Jet, poi purtroppo eccoli di nuovo ad inseguire il pop rock più becero ed apparentemente furbo (ricordiamoci sempre che non basta attivare un distorsore per essere rock). Emergency e Close My Eye’s sono brani a cavallo tra Bryan Adams ed il Bon Jovi più patinato e commerciale. Si chiude infine con Every Time You Call sulla falsariga dei pezzi che la precedono ma con più ritmo ed una parte vocale molto ispirata a Brian Molko.

In definitiva nonostante il sound pieno e potente ed una voce capace e di qualità, la band ed il disco peccano di personalità volendo forse rimanere ancorati ad un sound che si muove tra l’alternative rock ed il post-grunge per poi miscelarlo con quel rock melodico e commerciale da stadio. La cosa a mio modesto parere funziona poco e fa perdere di credibilità la band, perché così facendo si rischia di non essere né carne né pesce.

I Fiori Di Mandy – Radici

Arrivano dalla Sardegna e sono un power trio che si è già dato molto da fare in sede live. Escono con un EP breve ma molto molto intenso. Ad ascoltare Radici, tre tracce, si trovano strati e strati di rock. Ritorniamo ai tempi degli esordi degli Afterhours, quando parlare di alternative rock italiano inquadrava già certe sonorità, ma anche i tempi in cui si era orfani del grunge e di quel sound che volente o nolente continuò a fare eco almeno per un decennio. Da lì parte questo trio ma per fortuna parte e imbocca subito il proprio cammino, un percorso privo di ogni sorta di emulazione e nel quale i tre si mettono in gioco e presentano le loro idee. Già con l’opener, quasi 5 minuti di rock lento e viscerale, si toccano ambientazioni differenti e i I Fiori Di Mandy dimostrano di voler scrivere prima che suonare, sentire prima che pensare. Iniziano a modo loro, con arpeggi lenti, per poi lasciare spazio ad ampie sferzate (Afrodite) o a incursioni fuori genere (Jourande) e stupire l’ascoltatore. Buone le linee vocali che rimarcano uno stile proprio e un desiderio di interpretare i brani prima che cantarli, ottima la ricercatezza compositiva.

L’EP si chiude con una titletrack che ci ricorda, nella prima parte, un Jeff Buckley sopra le righe e ci preannuncia che il primo full-lenght della band sarà qualcosa di molto interessante. Lo prevediamo e lo speriamo.

Starset – Vessels

La teatralità è una caratteristica spesso sottovalutata nel rock. Il riferimento non è per il make-up o per le scenografie sul palco, che invece abbondano, ma piuttosto per gli arrangiamenti in sede compositiva. Puntano quindi tutto su questo aspetto gli americani Starset che intorno alla passione per l’astronomia del loro leader fondano un’operazione basata sull’esplorazione spaziale, tanto che i Nostri si presentano sul palco indossando tute da astronauti, sulla fantascienza, come dimostrato dai pregevoli video prodotti finora, nonché sull’esistenza della vita extraterrestre; infatti il sito della band è molto ben realizzato e si propone come messaggio per gli alieni. Musicalmente il rock alternativo di Vessels può quindi essere apprezzato per la ricchezza e la complessità delle soluzioni e delle tante sovraincisioni che tendono pertanto a rapire l’ascoltatore e a portarlo con la mente in territori remoti. Purtroppo questo, sorprendentemente, non comporta un uguale livello di originalità tanto che su tutto aleggia una vaga sensazione di “già sentito”. In parte l’effetto è dovuto alle melodie molto orecchiabili e facili da mandare a memoria e in parte al panorama inflazionato e ricco di proposte a cui la compagine statunitense ha scelto di affacciarsi. Il sound è in definitiva molto moderno e coadiuvato da una produzione chiara, equilibrata e in generale ben più che all’altezza della situazione, piacerà di sicuro ai più giovani e agli amanti di sonorità elettroniche, digitali e sintetiche.

In primissimo piano, talvolta anche troppo, c’è comunque la voce del frontman che non stupisce per personalità ma si fa invece notare per la disinvoltura con cui passa da parti pulite, anche piuttosto alte, a cantati scream vagamente mutuati dal metal estremo. Apprezzabile, pur senza sbalordire, l’espressione tecnica del resto della band che sull’argomento non calca mai la mano più di tanto. Quello che invece manca è una dimostrazione di versatilità tale da mettere in luce la facoltà del gruppo di movimentare una tracklist che risulta un po’ piatta e rischia di far scivolare in sottofondo i quasi settanta minuti di questo platter. I molti richiami al nu metal non bastano infatti a sprigionare la grinta di queste quattordici tracce che quindi non prestano il fianco a critiche particolari ma nemmeno riescono a farsi ricordare per aver lasciato il segno. Indubbiamente questo lavoro costituisce comunque un segnale di ottima salute da una band che era molto attesa dopo il positivo esordio sul mercato. Certamente sentiremo ancora parlare di loro e con una maturazione appena più personale sarà un piacere ancora più grande.

I Sileni – Rubbish

Sperimentazione e viaggio onirico. In tre parole la sintesi estrema di Rubbish, nuovo album de’ I Sileni. Anche se le fonti e le muse sono molto chiare e marcate (Pink Floyd e Nick Cave su tutti) i viaggi sonici di Hush e le divagazioni chitarristiche di Rubbish ricordano moltissimo la parte più psichedelica e post-nucleare dei Porcupine Tree in Radioactive Toy. La voce de’ I Sileni arriva dall’oltretomba di un paesaggio surreale, tipo quello delle ambientazioni stile 1984 e Brave New World stile copertine di Animals dei Pink Floyd (ndr in questo caso ci riferiamo ai romanzi apocalittici di Orwell e Huxley, tanto cari alla psichedelia anni ’70 e non all’album del putto che fuma dei Van Halen o all’album dell’Eddie fantoccio di paglia degli Iron). La parte più psichedelica e visionaria esce più possente che mai nel continuo e quasi ironico refrain di Happy Birthday che, celebrando buon compleanno a qualsiasi cosa, ci ricorda lo stile allucinogeno di quella immensa divinità del gotha del rock di David Gilmour. Certo il paragone è azzardato, e I Sileni si rifanno –almeno stando a quanto suggeriscono le nostre orecchie – allo stile Gilmour, tuttavia è impossibile solo imitare o minimamente avvicinarsi all’immensità e allo stile di chi ha sperimentato più di ogni altro essere musicante e si è spinto oltre il confine delle sonorità conosciute, portando la musica su nuovi e diversi piani di percezione.

È da ammettere però che anche I Sileni ce la mettono tutta per portare chi ascolta verso un ulteriore piano della percezione e, con pezzi con sonorità a cavallo tra il Nick Cave più cavernoso e i Porcupine Tree più allucinogeni come The Hardest Walk e This Is Life ci riescono, a modo loro, senza ombra di dubbio. Le onde del mare in Further sciacquano via e chiudono 11 tracce molto intense e, come già detto svariate volte, abbondantemente allucinate e allucinogene. Al contratto di quanto potrebbe suggerire il titolo, Rubbish è tutt’altro che monnezza, anzi, considerata la quantità di monnezza che invade l’etere, I Sileni ci regalano 41 minuti e 6 secondi di eccellenti vibrazioni, forse senza mai avere uno stacco netto di ritmiche, ma senza dubbio di pregevole fattura. Se il gusto musicale protende verso la psichedelia, Rubbish è sicuramente quel genere di monnezza che merita di essere infilata nelle orecchie.

Metropol Parasol – Farabola

I Metropol Parasol escono allo scoperto con un album che è a metà strada tra un full-lenght e un EP. 7 brani sì ma 25 minuti di musica, complice principale i tempi veloci e le ritmiche spinte che aiutano a far scorrere i brani e far volare Farabola nel nostro lettore. Velocità non vuol dire sempre carte vincenti, infatti se alcuni momenti ci conquistano altri ci sembrano meno riusciti. Quel Pezzo è il primo pezzo che ci fa sgranare gli occhi, un po’ Verdena degli esordi ma più pulito, un po’ punk rock moderno e ben vestito, 4 minuti scarsi che istigano il tasto repeat sul nostro lettore. Piglio simile anche se più semplificato (ritornello) arriva in Onde, altro brano fugace e ancora più vicino alla scena punk rock. Ma in questo trio c’è anche un animo indie emergente che non esita a farsi spazio in alcuni momenti (Inverno) e che probabilmente potrebbe essere una delle caratteristiche future del combo su cui poggiare il proprio cammino artistico.

Passiamo al lato meno interessante: le sperimentazioni elettroniche di Garrincha provocano pura labirintite in chi aveva conosciuto i Metropol Parasol nel contesto rock dei primi brani e l’electro pop innocuo di Millenovecentonovantasei (Ondina) lascia davvero molto poco. Non si tratta però di “rock sì” e “rock no” perché ad esempio l’opener stessa, ruvida e graffiante, crea un effetto di stanca e di insistenza dovuto ad una composizione poco variegata e che poggia tutto sulla distorsione e poco su altri fattori. Una band che sta sperimentando nella sua conformità musicale. Sta giocando con la musica e ricercando il proprio stile. Da riascoltare una volta che le idee saranno più chiare.

Gunash – Great Expectations

Terzo lavoro per la band italiana Gunash, autrice di un album valido e professionale sotto tutti i punti di vista e che vanta la collaborazione di Rami Jaffee in qualità di musicista e di produttore artistico. Buono l’inizio con Need To Bleed, brano hard rock privo di fronzoli che fa la sua porca figura come biglietto da visita di tutto il disco, riff principale di chiara scuola alternative rock, ritornello orecchiabile e finale in crescendo. Segue Sicktown che richiama alla memoria certe sonorità degli The Almighty (chi se li ricorda?), dove i Gunash cantano “Share the sickness with us” descrivendo la società corrotta e malata dei nostri giorni, bello l’intermezzo acustico a metà del brano. Mirror è un buon brano (sorretto principalmente dalla prova vocale di Ivano), mentre da segnalare sicuramente Great Expectations, brano che miscela rock e grunge in una strumentale ispirata e originale, ottimo qui anche il lavoro di Rami alle tastiere, che conferisce il tocco di atmosfera in più. Stone Garden è un brano potente che non sfigurerebbe in un qualsiasi album dei Foo Fighters, ottimi i soli di chitarra messi in conclusione che lo rendono uno dei momenti migliori del disco, assieme alla successiva Mean dal sapore aliceinchainseniano (che neologismo ragazzi…) dai tempi dispari e testi sofferti:“A stain, a shame you’re the one to blame crawl, creep implore their forgiveness again”.

Atmosfere orientaleggianti fanno capolino nella seconda strumentale Gunash Blues, mentre Death Comes e Stray Dogs, sono due buoni brani ma forse leggermente meno ispirati dei loro predecessori, il contrario di The Killing Silence, degna conclusione di questo ottimo CD nel quale è presente una traccia video con il making di Great Expecations ed esibizioni live con Rami Jaffee. In conclusione un lavoro onesto e preciso, che farà sicuramente parlare di sé anche all’estero, bravi Gunash!

Foo Fighters – Concrete And Gold

A tre anni da Sonic Highways, i Foo Fighters tornano in studio per realizzare il loro nono album, Concrete And Gold, 11 tracce scritte da Grohl nel periodo di riposo forzato dopo l’incidente sul palco che due anni fa lo costrinse a terminare il tour seduto su un trono. L’album è intriso di collaborazioni e novità, a cominciare dall’entrata ufficiale nella band del tastierista Rami Jaffee, allargando a sei i membri della line-up, anche se di fatto già con loro dal 2005. La chicca è la presenza di Paul McCartney alle pelli nel brano Sunday Rain, dove Grohl cede anche il microfono al batterista Hawkins, lasciando presagire uno scambio tra i due anche durante i futuri live. La presenza di Sir Paul ha di certo influenzato il sound di Happy Ever After (Zero Hours), dalle chiare tinte beatlesiane, che richiama brani come Across The Universe e Blackbird. All’interno del disco sono presenti anche Alison Mosshart dei Kills e Justin Timberlake ma, la loro presenza passa assolutamente inosservata e quasi impercettibile: a voi il compito di scovarli senza leggere dal booklet. L’album è stato preceduto dai singoli Run e The Sky Is A Neighborhood, supportati da due videoclip entrambi diretti da Grohl, dove il secondo ha visto la partecipazione delle figlie di Grohl, Violet e Harper. The Sky Is A Neighborhood è forse il miglior brano del disco, caratterizzato da una buona melodia che cresce e si apre ottimamente.

L’album è sicuramente piacevole, con suoni potenti e ben curati ma, a parte alcuni buoni episodi, si conferma l’ennesimo lavoro commerciale che purtroppo i Foo Fighters ci hanno abituato da anni: un susseguirsi di canzoni orecchiabili quanto scontate, preferendo rifugiarsi nel proprio e sicuro cortile che funziona bene per la massa. Apprezzabile, però, la voglia di sperimentare in occasione del brano conclusivo, Concrete And Gold, dall’atmosfera psichedelica e pinkfloydiana. Rispetto al precedente Sonic Highways, che di interessante aveva forse solo i documentari realizzati per l’occasione, le cose vanno sicuramente meglio per i Foo Fighters ma l’energia, la sorpresa, l’impatto e la rabbia che riuscirono a creare con il lavoro d’esordio non è stata più replicata, anche se The Colour And The Shape e il più recente Wasting Light sono lavori di tutto rispetto. I Foo Fighters, ormai band planetaria da continui sold-out, sono giunti in un limbo, dove vengono amati ed odiati in egual misura.

Ozora – Perpendicolari

Arrivano gli Ozora, moniker che sembra essere una via di mezzo tra le parole “ozono” e “aurora” ma che, qualunque sia il vero significato, presenta una band davvero valida. Un lavoro compatto e dall’ottimo sound che mostra due facce molto ben chiare: la prima è caratterizzata da un rock in parte alternativo ma comunque che sa essere forzuto e ricercato allo stesso tempo; l’altra che invece abbraccia soluzioni prog metal, soprattutto per quanto attiene intermezzi e bridge strumentali. A questa ricetta, che è già affascinante così su carta, si aggiunge un altro elemento che non è una ciliegia sulla torta bensì la base che rende il dolce davvero eccellente: ci riferiamo alle liriche in italiano che per una volta cercano di trattenere nel nostro Paese le redini di quello che può essere un “album lezione” per tante rock band italiane agli esordi. A questo scenario fanno eccezione alcuni momenti come il brano A Terra che sprofonda piacevolmente nel metal muscoloso e diretto, un vero sfogo del quartetto che accontenta così chi cercava più calorie dalle prime due tracce dell’album. Di assoluto valore anche La Coda che segue questo imprinting duro e deciso ma sempre con uno spirito ben congegnato.

Diverso ma sempre positivo il discorso per La Tua Piccola Tragedia, un brano con delle buone aperture melodiche ma va segnalata anche l’interessante rivisitazione di Volta La Carta, originariamente composta da De André che conserva l’animo folk pur inserendolo in un contesto heavy, potremo osare dicendo NWOBHM. Di Perpendicolari non si può buttare via proprio nulla, ogni direzione intrapresa dagli Ozora è pregiata e ci spinge con piacere a tenerli sotto controllo. Certo noi preferiamo i momenti in cui tutti gli ingredienti della band sono mescolati in un centrifugato davvero saporito: la mente va diretta a Il Profeta una traccia che a nostro parere ha tutto ma proprio tutto delle idee della band e che mette sul tavolo innanzitutto una creatività ammirevole. Ma in generale si tratta di un ottimo lavoro.

Il Proposito – Iphutha

Sembra che ultimamente una volta giunte al terzo album le band di casa nostra sentano l’esigenza di cimentarsi in concept impegnati ed introspettivi. Ho appena recensito quello di una band genovese e ora quello de Il Proposito sembra la risposta emiliana al combo ligure. Ovviamente non è così anche perché le similitudini finiscono qui. Questo Iphutha, che a quanto pare si traduce con “errore”, si incentra infatti sugli sbagli commessi per lo più nei rapporti di coppia. Un tema ampio come il mare che i Nostri affrontano con la consueta spontaneità e, almeno apparentemente, senza troppa pesantezza. Per quanto non leggere né spensierate le atmosfere del disco risultano quindi più movimentate che intimiste e, coerentemente con il genere d’elezione, il messaggio è trasmesso in maniera il più possibile diretta. Il punk/grunge cavalcato dal gruppo non consente poi troppi esercizi di tecnica o vezzi stilistici ma è comunque confezionato in modo armonico ed equilibrato tanto da non far sentire all’ascoltatore la mancanza di ulteriori virtuosismi. Anche il sound ricalca l’intenzione di massima immediatezza con pochi fronzoli e nulla che posso complicare troppo la fruizione dell’opera. Ne consegue una produzione altrettanto snella e molto asciutta che potrebbe essere criticata in altri ambiti ma che qui risulta così adeguata da aggiungere persino qualcosa al, già positivo, quadro generale.

Sopra la media il giudizio per la composizione dei brani che, vivacizzati da un inquietudine rara per il genere, si discostano dalla massa calamitando l’attenzione e scacciando il pericolo che le tracce scivolino in sottofondo sentite ma non ascoltate. Dietro il microfono invece, magari al posto di qualche effetto, si sarebbe potuta preferire una maggiore varietà che aggiungesse carattere soprattutto in alcuni frangenti più animati. E’ comunque un dettaglio che una innegabile intensità e una giustamente piuttosto insistita espressività consigliano di perdonare. Ultima, ma certamente da menzionare, la bella confezione che, pur priva dei testi, si fa notare e ricordare per la buona realizzazione grafica, anch’essa sincera e minimalista e perciò perfetto manifesto del gruppo e dell’album. In definitiva è con vero piacere che si può constatare lo stato di forma del panorama musicale nostrano, ricco di musicisti preparati e talentuosi che riescono ad esprimere le proprie idee e la propria musica. Su queste basi riuscire a sviluppare una personalità forte, e univocamente riconoscibile non è un passo poi così lungo. Manca poco…