Louis DeCicco – Watermouth

Il lavoro di Louis DeCicco è un lavoro ancestrale, un album elettrico in chiave acustica che intende non ricercare altro nella propria forma espressiva. Non perché la chitarra vada messa al centro della scena, bensì perché le sei corde da sole riescono, nel suo modo di intendere la musica, a costruire melodie che creano le ambientazioni giuste. Un album composto da un chitarrista per chi ama proprio le ambientazioni, costruendo cornici musicali, melodie in alcuni frangenti (come in Bologna E Noi), ma più di tutto espressioni e sperimentazioni. Un lavoro avantgarde che però segue filoni diversi: in alcuni momenti vi sono suoni ed effetti inseriti a dovere, come in Illumina, colonna sonora delle giornate natalizie e delle sfumature corali, effetti di psichedelia in The Arounder (Reprise), riminiscenze medio orientali in San Giovanni Decollato o fiati in I Belong.

Qualche momento insiste forse troppo a lungo sulle medesime trame (Nimrud), di certo Watermouth non è un album per tutti, né per chi si aspetta solismi o espressioni molto tecniche alla chitarra. Un album prima di tutto sentito e poi espresso.

Angelo Sava – Miasmi

Ci sono diversi modi per avvicinarsi al nuovo lavoro autoprodotto di Angelo Sava. Secondo il parere di chi scrive ascoltarlo concependolo come un album rock è il modo più sbagliato: riff spesso anonimi, linee vocali che stentano a prendere in mano la scena, in bilico tra secondo piano e timido tentativo di caratterizzazione, echi ed altri effetti dal sapore shoegaze ma che celano un’impronta quasi noise (o grunge) che lascia poco ad altre intuizioni. Testi che non hanno un significato preciso, cantato che in generale non lascia per nulla il segno…insomma come album rock Miasmi lascia molto a desiderare. Ci si potrebbe però avvicinare anche con un altro approccio, quello della poetica accompagnata da una chitarra; dimenticate però la vena cantautorale perché qui la dose elettrica prende il sopravvento, probabilmente è lei la vera protagonista, insieme alla ricerca di ambientazioni precise, anche se a livello compositivo non crea nulla di davvero distintivo.

Puntare ad essere alternativi è sicuramente una strada in cui un musicista avrebbe molto da dire, soprattutto nel nostro Paese, ma creare una linea continua di distorsioni che non danno vita ad alcuna figura e aggiungere liriche senza significato evidente sperando nel fascino dell’artista decadente, non è di sicuro il percorso per dar vita a qualcosa di valore, secondo la nostra opinione. Probabilmente si farebbe di meglio con una band alle spalle. Altrimenti, nel caso in cui la vediate in maniera diversa, vi troverete di sicuro ad un suo live a cantare “sto spurgando nettare“.

Klaus Schulze – Another Green Mile

Klaus Schulze…uhm, Klaus Schulze. Parlare del musicista tedesco significa fare un immediato salto nei ’70, quando a Berlino si aprivano le porte del cosmo. Tangerine Dream, Kraftwerk, Neu, Ash Ra Temples i nomi più blasonati della corrente musicale chiamata krautrock, con lunghe cavalcate cosmiche. Schulze è uno dei padri del genere: fondatore dei Ash Ra Temples, per un breve periodo è membro dei Tangerine Dream, con il quale incide (in qualità di batterista) il primo album Electronic Meditation. Siamo ancora lontani dal genere space/kraut, quanto più ancorati al genere psichedelia/free jazz, ma la strada è ormai aperta: ormai lanciato alla carriera solista il musicista teutonico inizia ad esplorare quanti più generi possibili, non disprezzando le incursioni nella musica sinfonica, come Timewind del 1977, o nelle colonne sonore, come Body Love. In ogni caso ridurre la carriera ultraquarantennale di Klaus Schulze in poche righe è praticamente impossibile, ogni album è una storia a sé. Another Green Mile non è un disco nuovo, anzi.

Pubblicato nel 2002 all’interno del raro cofanetto di cinque CD Contemporary Works II, viene oggi reintrodotto sul mercato comprensivo della title track Voice ‘n’ Harmony (pubblicato anch’essa nel boxset Contemporary Works I) e tutto ciò è solo un bene. Sei lunghi brani. Musica elettronica, avantgarde anche techno, tutto è mescolato, cotto e servito al più attento ascoltatore. Qui e lì si ascoltano interventi di oboe, scampoli di voce, qualche chitarra effettata ma il tutto va ascoltato come un unicum, dall’inizio alla fine, seduti in poltrona ben attenti a quello che il tedesco ci vuole fare ascoltare. Bello? Brutto? Ma allora non riuscite a capire? Klaus Schulze gode di quel diritto in base al quale qualsiasi cosa faccia diventa opera d’arte, punto e basta. Quindi, poltrona, orecchie ben aperte, casa vuota e via di godimento!

JunkFood + Enrico Gabrielli – Italian Masters

Sinceramente, affrontare e “ricostruire” colonne sonore di maestri del passato è un’operazione ardua e difficile. Per approcciarsi a mostri quale Morricone/Trovajoli/Umiliani (in rigoroso ordine alfabetico, parliamo di tre geni, eh!) è stato necessario che si unissero le forze di Enrico Gabrielli, già in forza ai Calibro 35, esperti del genere e dei Junkfood. Il lavoro, edito in CD e in edizione limitata in vinile rosso, consiste in nove brani estratti dall’enorme canzoniere dei tre compositori sopracitati. Tre i film a testa: si parte da Ennio Morricone, sul quale si è detto tutto e il contrario di tutto (e che vuoi dire?). Silenzio Nel Caos, Per Un Pugno Di Dollari, Eat It, questi sono i brani scelti per rappresentare il Maestro Ennio. Silenzio Nel Caos viene dritta da L’Uccello Dalle Piume Di Cristallo, opera cinematografica d’esordio di Dario Argento, Per Un Pugno di Dollari…vabbè, lo sanno anche i sassi! Entrambi i brani sono praticamente irriconoscibili, sopratutto il tema western, sembra filtrata attraverso le orecchie di Mike Patton e dei suoi folli Fantòmas, quelli di The Director’s Cut, per essere precisi. Eat It è tratta da Mangiala!, film purtroppo semisconosciuto (non esiste neanche la riedizione in DVD), di satira del 1969. Tra gli appassionati del cinema di genere è noto per rappresentare l’esordio sul grande schermo di Paolo Villaggio.

Segue l’omaggio al grande Piero Umiliani, e si parte alla grande con Gassman Blues da I Soliti Ignoti. Dalla versione originale, caratterizzato dalla tromba di Chet Baker, si passa ad un brano quasi stoner rock, particolarmente affascinante, si! The Body è tratto dal film Il Corpo, con la splendida Zeudi Araya. Di grande effetto, anche se le atmosfere lounge bossa della versione originale vengono accantonate in favore di altre tonalità decisamente diverse. Conflitti (da Problemi d’Oggi), ha una storia a sé: il Maestro pubblicò tale colonna sonora sotto il nome M. Zalla. Effettivamente più che parlare di una colonna sonora si parlò, all’epoca, di vera e propria musica concreta, così complessa che ebbe scarso successo e fu ben presto il Santo Graal delle colonne sonore. Ovviamente i JunkFood riconoscono tale valore e ci danno giù un brano capolavoro, con complesse geometrie musicali (fortunatamente è assente la drum machine del brano originale che dava solo sui nervi!).

Da Umiliani si passa a Trovajoli con Masquerade, tratta da Il Commissario Pepe, con un enorme Ugo Tognazzi. Le atmosfere della provincia della Bassa Padana vengono accantonate e decontestualizzate in un pot pourri di bassi wha, chitarre psichedeliche e batterie quasi jungle. L’Arcidiavolo è una simpatica commedia di Ettore Scola con un Vittorio Gassman particolarmente attivo e la sua figura è ben rappresentata da un basso elettrico pieno di delay. La conclusione è affidata a C’eravamo Tanto Amati, capolavoro di Ettore Scola con un trio di attori da antologia del cinema: Manfredi, Gassman, Satta Flores, per tacere della splendida Sandrelli, donna contesa dai tre. Chiunque abbia visto il film ricorderà con una punta di nostalgia lo splendido tema, anche qui affrontato in maniera più “cruda”, rispetto alle dolcezze della sua controparte cinematografica, ma va detto che il gruppo decide di calare il cosiddetto asso: Edda Dall’Orso è presente alle voci. Per quelli che abitano nelle caverne o vedono solo Il Grande Fratello, ricordiamo che la Signora Dall’Orso è la voce delle colonne sonora dei ’70. Esatto, vogliamo dire un brano a casaccio? Giù La Testa vi va bene? Lo Sean Sean e i relativi vocalizzi…sono i suoi! Quindi giù il cappello e mostrate rispetto al gruppo che ha saputo affrontare nove difficilissimi brani e uscendone vincitore. Promosso.

Merzbow/ Haino / Pandi – An Untroublesome Defencelessness

Quando tre folli si incontrano, decidono di fare musica, registrano un disco, c’è da stare attenti. Masami Akita, folle genio delle manipolazioni noise elettroniche, Keiji Haino, folle chitarrista (attivo sin dai ’70) attratto da psichedelia e drone music e Balazs Pandi, folle batterista ungherese attratto dal jazz nella sua struttura più free. Insomma, tutto è follia in questo platter, ma una follia pericolosa: quando si ascolta/recensisce un album free/noise/drone/diosololosa si corre sempre il rischio di farsi prendere la mano dal “Wow, ho visto la luce, questo disco è un capolavoro” e poi alla fine è una porcheria immane senza capo né coda, spesso rinnegato dal suo stesso autore (vedi alla voce Zero Tolerance For Silence di Pat Metheny). Qui abbiamo sette happening (riduttivo dire brani), in realtà due movimenti: il primo composto da tre parti, il secondo da quattro, per un totale di sette brani. Sette vortici sonori paragonabili ad un viaggio improvviso in un buco nero, con tutto quello che ne consegue. Nessuno spazio alla melodia, una chitarra maltrattata piange su una batteria tribale martellante, con sottofondo di rumori bianchi. Questo è.

Non è un disco da ascoltare comodamente in poltrona, bisogna lasciarsi totalmente prendere dal genere e abbandonarsi al rumore. Ovviamente un neofita del genere dopo pochi secondi butta il disco dalla finestra, ma dateci un attento ascolto.

Gravitysays_i – Quantum Unknown

I Gravitysays_i sono un progetto sperimentale, o meglio avanguardistico. Pur essendosi evoluti dal loro esordio, The Roughest Sea uscito quasi dieci anni fa, la formazione greca sembra concedere sempre molta attenzione all’eleganza musicale. Quantum Unknown è uno di quegli album che è impossibile ascoltare a pezzi e che va buttato giù tutto d’un colpo ma senza fretta, ottima colonna sonora per un viaggio perché anch’esso trattasi di viaggio. 6 tracce per 40 minuti di ascolto che mescolano la raffinatezza dei Marillion (secondo periodo) e quel loro stile molto inglese, con sonorità ottantiane che sposano la scena elettronica, il tutto carburato da un eclettismo di bowiana memoria e sezioni di fiati che entrano in punta di piedi ma fanno scalpore. Con la, lunga, seconda traccia ci sembra di intravedere i Depeche Mode in alcuni passaggi, mentre è attraverso Dowser che la vena elettronica si fa spazio, sempre però accompagnata da una buona dose ritmica e una chitarra con una ottima personalità; stesso copione nel brano che chiude l’album.

An Ivory Tower rimarca fin dai primi secondi le radici fortemente legate al progressive inglese, anche se la parte strumentale al centro del pezzo ce lo conferma con maggiore intensità: non si tratta di trame ritmiche dispari ma di teatralità e interpretazione, suoni sovraincisi, arrangiamenti, sonorità vintage e tanta attenzione compositiva; un brano intenso che, mescolato all’attenzione acustica di Every Man, ci fa immaginare gli Opeth scevri dalla vena metal, stesso spessore emotivo, stessa ampiezza espressiva secondo il profilo squisitamente acustico. Una prova molto interessante, sicuramente adatta a chi ama la sperimentazione e l’elettronica ma realizzate da una band rock (o post-rock) che seduce per il suo stile e per approccio artistico.

Nekhen – Entering The Gate Of The Western Horizon

Entering The Gate Of The Western Horizon è il primo album creato dalla one man band Nekhen, un progetto che si presenta fin dall’artwork come un tutt’uno tra sperimentazione ed oscurità. Nonostante concettualmente sia fortemente ispirato alla cultura egiziana, a livello di sonorità i richiami sono all’avantgarde d’oltreoceano, scenario in cui sono più le singole ispirazioni a generi differenti che realizzano un’opera completa che non un unico punto di riferimento. Così nelle dodici tracce (che a detta dell’artista sono state composte come un unico brano, quindi una forma di concept) ci troviamo divagazioni spazio temporali di sponda Arcturus, riff sludge che abbracciano le leggi tracciate da tantissime band di New Orleans, ambientazioni post-metal che potrebbero avvicinarsi ai momenti più lisergici partoriti dai Tool e tanti altri sovrastrati che potrete percepire ai successivi ascolti. Quello che è chiaro è che non viene a galla una struttura comune di brani, saltano tutti i caratteri di strofe o ritornelli; compaiono sì dei pattern ma sono eccessivamente diluiti per poterli definire il centro di ogni singolo brano, piuttosto suoni, effetti e contorno creano quell’habitat in cui Nekhen si muove e vive.

Riff metal si fanno spesso spazio con forza ad irrobustire il profilo compositivo e alla lunga sembra questo uno dei caratteri che maggiormente resta dopo l’ascolto dell’album, riff cervellotici quasi a sfiorare i Meshuggah più introspettivi. In generale si tratta di un lavoro che sembra molto più lungo della durata effettiva e con la stessa proporzione oscuro. Chi ama la musica sperimentale può trovare in questo nuovo progetto varie grandezze interpretative ed esplorative, ma di sicuro è un prodotto per pochi.

DAAM – Technicolor Kabuki EP

Il mondo della musica incontra quello dell’arte. E’ così che nasce il progetto DAAM, un trio composto da persone che definire “semplici musicisti” sarebbe alquanto restrittivo. Come ogni vicinanza al mondo dell’arte i DAAM mettono su disco un’espressione musicale difficile da contestualizzare e che esce fuori dai classici canoni con cui i generi cercano di semplificare la musica. Il loro Technicolor Kabuki EP viene presentato come un lavoro avant-garde e questo ce lo conferma l’opener che punta proprio a quegli scenari, anche se già con la successiva Middle Age Moon l’elettronica si avvicina, affiancata da linee vocali molto anni 80. Da qui si parte per il percorso musicale dei DAAM e vengono a galla le doti di producer dei componenti. Artwork e particolari vari richiamano la cultura orientale sulla quale sicuramente i pattern e le influenze restano fedeli, fin dalla prima traccia, pur trattandosi di un EP sperimentalmente variegato.

Dimenticate quindi lo strumento elettrico in quanto tale, qui siamo nel mondo delle manopole e degli effetti che si muove sul confine tra la musica avanguardistica e quella elettronica. L’augurio, almeno per i nostri gusti musicali, è che il trio in futuro sia in grado di aggiungere altri elementi a questo quadro in modo da avvicinarlo ad ambientazioni elettriche.

Nina Madù E Le Reliquie Commestibili – Octopussa

Il progetto di Nina Madù va di pari passo rispetto alla sua personalità, è qualcosa che si muove oltre le dinamiche squisitamente musicali e che, a nostro modo di vedere le cose, va anche oltre il concetto di rock band (nel senso più ampio che potete immaginare). Non a caso si passa da pezzi scritti e realizzati con sax, flauto e synth che svelano la band in tutta la propria compattezza a brani di pura elettronica che stridono alle nostre orecchie e si nascondono dietro un tendone electro-industrial che in realtà aggiunge davvero poco. Quindi scartiamo Collutazione Con La Hostess, Coppia Etero e anche Dadi Di Peluche e andiamo dritti al sodo. Nina Madù E Le Reliquie Commestibili non hanno paura di stupire e mettono in musica quello che farebbero su un palcoscenico di un teatro; la recitazione (nono solo alla voce ma anche nell’approccio quasi jam degli strumenti) mescolata a dei testi che apprezzano l’ humor e il nonsense, sono i fattori base dell’offerta, diciamo il corpo del gruppo che poi si veste in maniera differente a seconda delle tracce. La Mummia stupisce perché passa da ambientazioni horror-psichedeliche a un groove surf allegro come non mai; Chef Crudista, viene presentato come un valzer-balera, in realtà è uno sketch bello e buono da apprezzare come fosse un brano degli Elio E Le Storie Tese (periodo Eat The Phikis) insieme al brano Sushi che dopo un’intro sembra presentare un monologo ironico di Rocco Tanica.

L’opener Social Network è il brano che ci piace di più e che viene proposto a fine tracklist in una versione assolutamente particolare. Octopussa è comunque una prova sperimentale e trasversale sui generi(s), ready to use per chi si sente di voler scoprire mondi musicali diversi ma soprattutto interpretazioni particolari.

NichelOdeon – InSonar – Ukiyoe

Siamo sinceri, quando in redazione giunge un nuovo lavoro di Claudio Milano scatta sempre un allarme: recensire, o meglio ascoltare, le ultime composizioni dell’artista leccese riserva sempre un duro compito, tanto è complessa, ardita e misteriosa la sua ricerca sonora. Però d’altra parte ogni suo lavoro è sempre affascinante, quindi ci buttiamo a capofitto nell’ascolto. Milano recupera il vecchio monicker dei NichelOdeon, con cui ha composto capitoli fondamentali della storia musicale, e InSonar ultimo giocattolo musicale con il quale realizzare le sue visioni, e realizza Ukiyoe, colonna sonora del cortometraggio Quickworks & Deadworks di Francesco Paolo Paladino (presente in dvd all’interno del disco). Una colonna sonora dunque dove le due anime di Milano (NichelOdeon e InSonar appunto) si fondono insieme, mescolando e straniando la paternità dei brani, fondendo in un unico flusso musicale tutto ciò che è paradigma dell’arte del nostro Claudio, creando appunto un lavoro straniante, ben diverso dai precedenti lavori (da noi già recensiti qui e qui). A ben vedere parliamo di un concept album dove il mare è l’assoluto protagonista.

Milano riprende un po’ i fili del discorso lasciati da Robert Wyatt nel suo Rock Bottom, con il mare inteso come fonte battesimale e di rinascita, con Mondi Fluttuanti intesi quali flussi di coscienza riportati nei binari della conoscenza. Le sperimentazioni qui proposte viaggiano su binari già percorsi in precedenza. La modern classical spadroneggia, con la presenza di una voce tesa tra melodia e ardita voglia di osare (Veleno), il canterbury di Fi(j)uru d’acqua (ed ecco Wyatt), l’avant prog di Marinaio, il dialetto sposato al cantautorato come nella miglior tradizione del teatro-canzone (Ohi Ma).Il turbinante tour-de-force di Ma(r)le, con intense e vibranti presenze armonico- vocale, chiude un album di grande bellezza e difficoltà, dimostrandosi un capolavoro alla stregua di alcuni duri album dei ’70, ignorati forse alla loro uscita ma rivalutati successivamente. Avanguardia pura, una gemma musicale in un arido deserto di piattume fatto di reality, finto-alternative, folk e spazzatura varia.

Non vorremo dare neanche un voto perché ci sembra quasi un’offesa classificare in qualche modo un disco come questo che di rado lo si ascolta – e sopratutto – lo si capisce. Una parola va spesa sulla cover e sulla cura con il quale il digipack è stato realizzato; decidiamo alla fine di metterlo il voto e a culo tutto il resto! (cit.).