Nicolas J. Roncea – Eight

L’autoproduzione, il registrare un disco “in casa”, il diy, il low-fi sono state grandi conquiste, nell’ambito musical-discografico, degli ultimi anni ma, anch’esse non sono state prive di errori: per una gemma che nasceva in questo modo vi erano orrori in giro di tutti i tipi e di tutte le fogge. Youtube, tanto per dire un nome, è un esempio lampante. Chiunque può mettersi chitarra (o altro) alla mano e snocciolare il suo rosario di canzoni. Ancora di più con i vari social musicali. Perché questa premessa? Perché il disco che recensiamo del cantautore italo-belga Nicolas J. Roncea nasce proprio così. Autoproduzione, chitarra acustica, un ventaglio di canzoni, otto come dice il titolo, sparate al microfono. Nelle intenzioni dell’autore questo è il primo lavoro di una trilogia, con stili adottati di volta in volta differenti. In questo lavoro è la vena intimista ed acustica– come già detto – a prevalere ed i brani funzionano. Inutile negare che il faro musicale del nostro è Elliot Smith, a tratti sembra quasi imitarlo ed è probabile (vedi The Storm) che alcuni brani siano proprio tributi allo scomparso musicista americano.

Degli otto brani è presente una cover, The Animals Were Gone di Damien Rice, unico brano in cui il protagonista approda al pianoforte rispetto alla chitarra acustica. Teniamo d’occhio i prossimi capitoli di questo musicista, siamo sicuri che riserverà grandi sorprese. Intanto non possiamo che suggerirlo a chi cerca musica sofisticata, d’autore e lontana dai suggerimenti commerciali.

KPNB – Katsushiro Perso Nel Bosco

Da Milano a Genova passando per l’Appennino emiliano per fermarsi a casa di Giovanni Lindo Ferretti, ascoltando De Gregori e Da Andrè senza sosta e senza pregiudizi. Alla fine, prima di chiudere occhio e archiviare la giornata, passiamo a far cena con un vecchio anziano un tempo soldato della resistenza e rubiamogli quella sempre verde energia divenuta matura di attese e di contemplazione. Mescoliamo il tutto in un contenitore gigante, prezioso, ricco di dettagli e di ricami fatti a mano. Lasciamo decantare per giorni perché, se mangiato subito il disco d’esordio dei KPNB non restituisce a pieno il suo potenziale. Ecco il loro debutto, omonimo: Katsushiro Perso Nel Bosco. Da una Milano di reazione ostinata e contraria, dall’incontro tra Massimo Conte e cesare Biratoni, viene fuori un lavoro che salta a piè pari la staccionata del pop e si va a sedere comodamente in una nicchia di saccenti intenditori della parola e di quella musica che non fa ballare ne tanto meno deve divertire o riempire spazi di sottofondo per chi sta facendo altro. È musica da sentire, da vivere, da assimilare, astuzia dopo astuzia, intimo dettaglio dopo intimo dettaglio. Non è un lavoro che sulle prime mi ha fatto impazzire avendo una personale repulsione verso la voce narrante sui brani di musica leggera. Un qualche tipo di scimmiottante emulazione di quello che hanno cercato di replicare Lo Stato Sociale…tutti figli e figliocci mai registrati all’anagrafe di quel che un Lindo Ferretti e suoi CSI e contaminazioni limitrofe hanno fatto in anni in cui la musica era politica, era rivoluzione.

Un parlato non è canzone e si veste di maggiori responsabilità nei messaggi. E in questo disco non credo che le parole narrate reggano il peso dei significati che vogliono restituirci. Ma basta concedere armonia al tutto per scoprire la vera faccia dei KPNB che incantano con una semplicità espressiva incastonata in una forma canzone assai poco banale e per niente scontata. Bel viaggio in musica, calda, solitaria, intima e ricca di una calma apparente che diventa rabbia che diventa passione, che diventa testimonianza. Cantano e inneggiano ad una coscienza civica, ad un pluralismo di vedute, rimarcando i grandi errori e auspicando ad un’utopia di miglior futuro. Bellissimo e suggestivo il video che traina a sé il singolo, titletrack del disco e poi ancora, opera omnia di tutta la tracklist, è la suite di oltre 7 minuti dal titolo Il Paesaggio Di Un Lunedì Qualunque. Per raccontare un paesaggio ci vuole tempo, ci vuole calma d’ascolto e pazienza di cura e di dettaglio. Probabilmente si vorrebbe un’attenzione vocale maggiore e migliori soluzioni per chi ha il palato fine. Probabilmente una suite così lunga tradisce ancora molto un’ingenuità che, nel contesto di un esordio, forse si può anche perdonare.

In ultimo avrei scelto ben altri suoni e maggior mestiere nella produzione soprattutto dopo aver letto che questa è firmata da Giuliano Dottori, uno dei nomi che maggiormente stimo nella nuova scena della canzone d’autore italiana. Archiviato questo, premo di nuovo play e mi immergo in questo bel viaggio a spasso tra città distrutte dalla guerra ma in piena rinascita. La rinascita: ecco un bel leitmotiv di questo disco. “Ogni gesto di resistenza è un gesto d’amore”.

Paolo Tocco – Il Mio Modo Di Ballare

Paolo Tocco è personaggio poliedrico della scena musicale italiana. Fonico, produttore, discografico, speaker radiofonico, giornalista musicale. E’ anche cantautore e rilascia la sua opera seconda, questo Il Mio Modo Di Ballare che giunge dopo bene sette anni dal precedente Anime Sotto Il Cappello. Il nuovo disco del cantante di Chieti è un delicato e melodioso viaggio attraverso storie e parole che mettono a nudo la personalità di questo artista vero. Le musiche e le atmosfere create sono di una delicatezza estrema, non c’è mai esagerazione o scavallamento per mostrare a tutti la dimensione poetica che crea il suo mondo. Al di là di qualche pezzo che rimanda e suscita convivialità e gioia (Aveva Ventanni, Il Magico Mondo Di Un Vecchio Che Sapeva Ballare), il resto del disco è un lavoro intimista e molto poetico, dove spiccano sicuramente pezzi bellissimi e da pelle d’oca come l’opener D’oro E Di Pane o Nenè. Il Mio Modo Di Ballare è legato direttamente alla sua terra, o almeno questa è l’idea che in noi ha suscitato il suo ascolto. Aspetto molto positivo e da sottolineare inoltre, come già detto, è che Paolo non fa nulla di affettato e finto per dimostrare qualcosa a qualcuno.

Non dobbiamo dire altro perché troppe parole non possono sostituire comunque un ascolto. Un disco da assaporare lentamente e con attenzione, in totale relax per poterne apprezzare le variegate sfumature e farsi inondare dalle emozioni che evoca e suscita ad ogni nuovo ascolto che se ne fa.

Cesare Basile – Tu Prendi L’amore Che Vuoi E Non Chiederlo Più

Cesare Basile, cantautore siciliano, si ripropone con il suo nuovo album Tu Prendi L’amore Che Vuoi E Non Chiederlo Più. Questo disco è pieno di storie di emarginati e di esclusi, di chi ha deciso di non lasciarsi dominare dalla sicura, prevedibile e manipolabile legalità, dal lavoro, che a conti fatti rappresenta una gabbia dorata da cui difficilmente si riesce e si vuole scappare. Esistenze abusive e feroci che ben dipingono lo scenario siciliano, grazie alla scelta dell’autore di cantare queste storie in dialetto catanese, quasi a rimarcare l’idea di voler riappropriarsi della propria terra e delle proprie origini. L’album in sé è una storia a parte a sua volta. L’urgenza di libertà, resistenza e riappropriazione di Basile si ripercuote anche sulla S.I.A.E. Le canzoni di questo disco infatti, non sono sotto la tutela di nessuna società di collecting internazionale, ma dell’autore. In fondo, secondo Basile, chi è davvero sicuro di essere proprietario di una canzone?

La musica si muove in maniera altalenante, tra pezzi più incisivi, sussurri cantilenanti, arrangiamenti essenziali e altri più ricchi e raffinati. A tratti il blues si sposa con la Sicilia e il cantautorato italiano. Un album che gli appassionati del genere apprezzeranno a scatola chiusa. Per tutti gli altri, vale comunque la pena di prestarci un orecchio, fosse solo per le storie che vengono raccontate.

Michele Maraglino – Canzoni Contro La Comodità

Ok, carte in tavola: abbiamo un disco, il cui titolo è Canzoni Contro La Comodità, con brani come I Miei Coetanei, Canzone d’Amore Contro il Consumismo, Se non Saremo Forti Abbastanza. Avete capito? Insomma, aspettiamo di sentire il solito cantautore contro il sistema, portatore di una bandiera di diversità, che la società non ha piegato, che il comunicato stampa definisce “praticamente il solito menù di ogni cantautore disilluso da tutto e tutti che sfida il mondo con la sua chitarra e le sue poesie…“. È così anche per il lavoro di Maraglino? Ebbene no! Come detto il titolo del disco poteva solo far temere il peggio, anche per il comunicato stampa che ne descrive il concept come “storia di una generazione dopata dalla comodità e di chi…”, e invece no, il disco è pulito, ben suonato, senza quella retorica inutile e supponente della nuova leva cantautorale anni 2000. Anche la pericolosa (per il titolo) I Miei Coetanei è fortunatamente priva del “dito contro” da primo della classe o da intellettuale “de sinistra”.

I toni scelti sono freschi e naif e le pennellate di moog e rhodes gettate qui e lì aiutano l’ascolto. stupenda la placida La Vernice, il lento ballato in una stanza in fiamme de Se Non Saremo Forti Abbastanza (chi capisce la citazione vince un abbonamento di un anno a RockGarage…), la calda Vie Di Mezzo o la cupa La Rivincita. Bello, un disco di un cantautore diverso dalla massa.

Telestar – Così Vicini Così Lontani

In un certo senso bisogna dare un grande merito ai Baustelle: in un’era (quella di ormai dieci anni fa) in cui l’indipendenza stava dettando le regole a livello musicale e forse l’alternative stava procedendo nel suo calo di attenzione, i ragazzi di Montepulciano rispolveravano la scena cantautorale del passato per darla in pasto ai “giovani disattenti” che erano usi ascoltare indie. Mescolando musica acustica e strumenti elettrici, approccio giovanile e cantautori del passato sfornarono una ricetta che ebbe (e lo ha ancora) un ottimo seguito. Su quegli stessi passi si muovono i Telestar, i quali in passato hanno anche supportato dal vivo i Baustelle come molte altre realtà. Lo stile è lo stesso (ascoltare Lontano ce lo conferma inequivocabilmente), mescolato anche da un buon folk non impegnato per mettere insieme una manciata di tracce pronte per i grandi ascolti, per chi è attento alle classifiche e ai ritornelli cantabili sotto la doccia o magari quando non si è al settimo cielo. Così Vicini Così Lontani riprende quell’amarezza messa in musica, fatta di elementi poco rock e di sfighe (per fortuna nel loro caso poco attinenti con ambiti politici) o di emozioni tipiche di quella mentalità compositiva, seguendo la moda del lento perché in fondo la musica del Telestar è rilassante e non tiene impegnata la mente.

Lo stile è questo e le varie tracce lasciano il medesimo senso di successione di un sound che ormai è stato definito da altri. Da segnalare il buon contributo al basso elettrico di Francesco Baiera che riesce ad aggiungere valore e rendere alcuni passaggi più ricercati.

Cumbo – Cumbo

Di solito quando si parla di cantautori ci si trova dinanzi giovani leve che cercano di ripercorrere i passi, divenute ormai impronte incancellabili, dei grandi cantautori del passato. Complice una chitarra acustica ma ancora di più un senso di agitazione e un disagio interiore, vengono così riproposte strutture simili a quelle che ascoltiamo da decenni dove la voce gioca un ruolo principale, rime si svendono alla buona e la melodia l’elemento che resta più impresso, oltre i testi. Per Cumbo questo discorso non vale, o meglio vale solo il concetto di melodia incastrata nella sua personale formula. Infatti Stefano Cumbo è un cantautore anomalo: inserisce nella sua musica più di un elemento elettrico e riesce a creare delle ambientazioni davvero particolari (I Furbi ne è un ottimo esempio); inoltre nel suo omonimo album vi sono molti strumenti particolari (violino, sax e synth) che lo allontanano dalle sue radici cantautorali e degli anni ormai passati in cui proponeva cover di Bob Dylan e Leonard Cohen (del quale inserisce una citazione all’interno del suo album). Sarà perché Cumbo non è più un ragazzino e non a caso parla anche di amore senza ricorrere al dolore (Quello Che So) o anche di un amore ritrovato e non solo di amori persi.

Cumbo è un viaggio in varie sonorità e classificarlo come cantautore è di certo molto restrittivo. Chiaro che le linee vocali giocano un ruolo principale ma ogni traccia di questo lavoro ci introduce in ambienti emotivi differenti: La Ruota ad esempio è soffusa, ha anche una chitarra elegante e dei sax che entrano in maniera prepotente ma non maleducata, o le linee di basso di Visioni che lasciano poi spazio ad una sezione di fiati che impreziosisce il tutto. E poi le citazioni, perché a Cumbo piacciono davvero le citazioni. Noi lo troviamo perfetto per un contesto teatrale, dove l’acustica ha l’attenzione che merita e il live si tramuta in uno spettacolo a 360°. Finalmente un po’ di aria fresca nella sua scena di appartenenza che però, a nostro parere, va riclassificata.

Morning Tea – Nobody Gets A Reprieve

Quando ci si trova innanzi un disco acustico si resta sempre un attimo interdetti: la regola del disco acustico risiede in una parola, “eleganza”, quindi o è così o si ascolta il classico discaccio folk bellaciaosemodiversiprecario con tre accordi messi in croce che si ripetono all’infinito. Un brano musicale, spoglio delle vibrazioni elettriche e presentato nudo e crudo, ha sempre un’altra natura rispetto alla controparte “rock” (passateci il termine), infatti MTV lo capì e fece i miliardi con la serie Unplugged. Ma stiamo divagando. Il nuovo lavoro di Mattia Frenna, nato sotto il moniker Morning Tea si presenta proprio così: brani decostruiti, spogli, ben suonati (ottima la tecnica fingepicking del nostro amico), ben registrati, eleganti nella forma e nel gusto. Il Nostro si presenta solo sul palco con la sua chitarra e i suoi versi, con la discreta presenza di Tomas Tai per alcuni interventi pianistici, ma alla fine il lavoro è solo il suo. Come il Nick Drake di Pink Moon (sebbene Frenna utilizzi arrangiamenti più ricchi) il disco ha una natura notturna. Last Night è lì, tra le pieghe più nascoste della notte, quando la città dorme e tu rimani sveglio con i tuoi pensieri e le tue paure, The Free World è un pianoforte ammaliante che si staglia nel buio, insomma ci siamo capiti, è inutile descrivere tutti i brani.

Un lavoro elegante e soprattutto INTERESSANTE (lo mettiamo in maiuscolo perché ultimamente…), tra il folk ed il rock, senza la pesante ombra di Drake (croce e delizia di ogni cantautore acustico) dietro le spalle. Davvero bello, acquistatelo ed ascoltatelo ad occhi chiusi…rimarrete affascinati dal mondo dei Morning Tea.

I Picari – Radiosi Saluti Da Fukushima

A sentire I Picari si crede a stento che si tratta di una band proveniente dal centro Italia. Sarà per il loro moniker, per i loro suoni molto mediterranei, per la fisarmonica che addolcisce la loro forma di band, ma se avessimo dovuto indovinare la loro città natale non avremmo mai detto Perugia. Giusto per avere un esempio, la parte iniziale del brano Buoni Propositi (Per L’anno Nuovo) sembra il classico motivetto che Elio farebbe suonare sul palco del 1° maggio, con i tanto amati/odiati suoi suoni “balcanici”; in realtà il brano in questione contiene delle parti strumentali molto introspettive che inspessiscono l’ispirazione del gruppo e i loro intenti, in una traccia che comunque parla di amore. Questo è molto significativo perché nel corso dell’ascolto di Radiosi Saluti Da Fukushima, album che già dal titolo sembra ispirarsi ad uno spirito ironico, si toccano vari lati della band, da Marlene, che sembra essere uscita dalla penna di Francesco Baccini (soprattutto per i testi), alla divertente, blue (quasi blue-grass), title-track.

Il quadro non è esattamente quello del rock, data anche la diversità degli strumenti adottati: musica cantautorale, uno sprizzo di folk a cui attinge la sei corde, ma anche dell’altro in circa mezz’ora di ascolto in cui si passa da momenti di puro divertimento a frangenti più seriosi, senza prendere (e perdere) posizioni. Ma allora cosa sono davvero questi I Picari? Molte cose e varie forme, noi sentiamo le radici cantautorali molto forti che però, riviste spesso in versione “musica da sala”, perdendo mordente. Ciò non vuole svilire la proposta musicale de I Picari ma solo testimoniare una certa lontananza con la nostra concezione musicale.

Luca Laurini – Il Look Degli Animali Domestici Vaganti

“Ciò che rende l’uomo che vaga per la città simile agli animali che scorrazzano nella fattoria è il look, essenzialmente. Per tutto il resto, l’uomo deve fare ancora molta strada”. Freschezza, ironia e ritmi mediterranei sono le parole chiave di questo debutto del cantautore Luca Laurini. Dieci brani per sorridere, ballare e rimanere spensierati, Luca Laurini centra appieno l’obiettivo, riuscendo a mettere a fuoco un’atmosfera scanzonata e contagiosa. Ritmiche irrefrenabili, un mood positivo, ma aperto alla riflessione, sono le caratteristiche de Il Look Degli Animali Domestici Vaganti, album ben riuscito e degno di nota. Incipit convincente con Poeta, brano dal retrogusto decisamente latino, e con il singolo Menomale, coinvolgente e molto radiofonico. Il resto dei brani è un viaggio coerente che passa dalla protesta sociale all’introspezione. Le tematiche dei testi vengono sempre affrontate con apparente leggerezza e ironia per far sì che l’ascolto sia fluido e risulti sempre leggero e mai noioso.

Un giusto mix di impegno sociale e vita quotidiana, una ventata di allegria sulle tribolazioni è ciò che rappresenta al meglio Il Look Degli Animali Domestici Vaganti.