Turkish Café – Cambio Palco

Poco da dire. L’ascolto di un disco è sempre altamente condizionato dalla genesi del suo fruirne. Frasi difficili, come a dire in parole spicciole: la bellezza e la comprensione di un’opera dipende da come la si approccia, quale ordine segui per l’ascolto, se ne vedi un video prima o ne leggi un testo poi…Ecco che torna l’importanza di un supporto fisico che impone (almeno blandamente ci prova) una consecutio tempore al da farsi. Inutile qui ricacciare vinili e audiocassette dove il tema diveniva imperante e ineluttabile. Ora siamo al play da click. Desolazione. Archiviamo tutto questo e passiamo oltre. Per il disco dei Turkish Café, purtroppo ho commesso il grave errore di pigiar play sul video del singolo L’amore Cade Addosso. Bellissimo. Ben fatto. Ottimo. Buonissima scrittura, bella voce, bei suoni…un design gustoso in tutte le sue parti che sposa a pieno quel lieve sentore circense di una musica che non cerca novità ma che fa incetta di semplicità. Neanche il video sprizza originalità da tutti i pori, anzi, tema visto e rivisto in più salse. Ma non importa e ci va bene così. Bel viaggio davvero. Poi son passato alla biografia del trio marchigiano nato tra le strade di Bruxelles e dall’incontro di Veronica (voce) e Julián. Poi l’aggiunta di Simone Pozzi e il trio al completo dà vita ad una stagione di live, un esordio discografico e questo secondo capitolo già vecchio di un anno dal titolo Cambio Palco. E forse, che sia un “cambio di scena” anche…perché dalle prime tracce del disco che subito confermano il sentore di strade, di viaggio, di quelli ornamenti circensi, il disco poi si tradisce e perde di spunto, di ispirazione, di semplicità ma soprattutto di contenuto.

Difficile esprimere un commento che sia meno banale di quello che ho in canna pronto a sparare…ma davvero l’ascolto mi porta fuori strada lasciandomi perdere in un nonsense melodico e di genere. Non un disco etnico come volevano anticipare i primi dettagli che ho avuto modo di raccogliere strada facendo. Non un disco elettronico anche se poi ad un tratto i synth la fanno da padrone. Non un disco acustico pur avendo sempre alla mente la bellissima traccia inserita in seconda posizione Il Tempo Che Ho Perduto che senza se e senza ma mi trascina di prepotenza tra le strada di una Turchia multietnica. Bellissima atmosfera che poi…che poi si perde inspiegabilmente e che con sé porta via il filo logico che speravo continuasse a lustrare il cammino di un bel progetto da carovana nomade a spasso per l’Europa e non solo, di sicuro a spasso tra carrozzoni e teatri di periferia, quasi a voler ricordare e ricordarsi com’era il circo di anni fa, prima dell’avvento del touch screen. Sempre brutto per il mio ascolto un italiano che canta in inglese. Insopportabile direi. Ma questi sono limiti miei e i Turkish Cafè così si giocano due brani della tracklist…ma questi, ripeto, sono problemi miei.

E dalla Turchia e i suoi tappeti, passando per il più ovvio pop italiano (che c’entra???), gettando l’occhio ad un’America che è sì molto lontana almeno a questo giro (che c’entra???), scopro una delicatissima nenia dedicata alla vita e qui si raggiunge addirittura l’Islanda dei Sigur Ros…che c’entrano??? Quindi a dirla tutta, non sono riuscito troppo a coglierne il senso. Viaggiare si…ma così è troppo…troppo difficile dargli un senso…almeno per me. Forse è il viaggio a zonzo. O forse manca una struttura artistica e una linea stilistica da seguire. O magari è solo l’estate che ancora deve smettere di carburare.

Vallone – Multiversi

Conosco Paolo Farina di fama e devo dire che il gioco dell’ascolto partiva male, pregno di un mio infantile quanto banale pregiudizio, approccio italico che spesso condanno a me stesso prima e agli altri poi. Il suo progetto Humana Prog – Fiori Frutti Farfalle è forse il capitolo della sua carriera che meno ho compreso. Ma ritengo siano problemi miei e tali devono restare. Poi ho premuto play sul primo brano dal titolo Le Montagne Sono Alte, ballata dall’inciso ficcante che si impone (forse) con eccessiva prepotenza. Attenzione: ritrovare le stesse identiche note e la stessa identica cellula melodica di Wake Up When September Ends dei Green Day come primissimo incontro sonoro direi che non mi ha affatto aiutato a venir fuori dal fango delle aspettative. Ma il saggio dice che si è tali quando ci si mette in discussione. E così, continuando a sperare che questa sia solo un’ovvia citazione, sfoglio il resto del disco e scopro che Multiversi di Vallone (nome in codice per questo nuovo inaspettato progetto di Paolo Farina) è un gran bel disco di musica d’autore italiana. La risalita dai “fanghi” è stata dura ma onore al merito ce l’abbiamo fatta. Come si dice: oltre il valico, la luce.

Paolo Farina sotto mentite spoglie ci riporta con assoluto incanto nell’Italia musicale degli anni ’70 / ’80 con una timbrica vocale che difficilmente non assoceremmo al Celentano nazionale, ma con un ventaglio di canzoni ben prodotte, ottimamente suonate e dai testi semplici ma mai banali. Il popolo adulto e il suo ascolto maturo di anni e di esperienze è il target principale di questo lavoro che non strizza mai l’occhio all’ovvio e al commerciale ma solo a quello che, di ovvio e commerciale, un tempo affollava le charts. E ritroviamo stilemi che hanno fatto epoca, da quel vintage di Rimmel alle fondamenta di Alan Sorrenti passando per il boom economico dei grandi magazzini. Ballate della tradizione folkloristica italiana quindi, quando la musica leggera raccontava prima ancora di emozionare. Ed è così che Paolo Farina (Vallone per gli amici di oggi) racconta prima ancora di emozionare, celebra Raf Vallone, giornalista e attivista politico e tanto altro, ne indossa il nome, e celebra quel modo “antico” di fare musica.

Torniamo alle cellule melodiche: spesso e volentieri ne troviamo una ed una soltanto che – attenzione: niente di assurdo ma solo mestiere – si ripete per tutto il brano senza annoiare ma inchiodando all’ascolto. Raramente ci sono incisi da ritornello facile, raramente anche i testi si delineano in questa forma strutturale. L’apice di tutto questo, il vertice in merito a gusto e mestiere – a mio umile parere – è il brano Camilla che devo riascoltare a ripetizione per capire cosa ci sia di tanto stregante dentro. Lele Battista e altre firme importanti alla produzione che lasciano evidenziare da subito un certo modo di produrre, maturità nei suoni e nelle esecuzioni, senza gridare al miracolo e senza inventarsi organze fuori stile in cerca di inutile originalità…e senza neanche far finta di riprodurre un vintage che non saremmo mai capaci di riportare in vita che che se ne dica nei corridoi dei benpensanti da bar del mestiere che adornano studietti improvvisati di tecnologie fintamente analogiche mai in uso…di sicuro mai in uso corretto.

Il passato di oggi nei tempi moderni, una scrittura fuori moda ma proprio per questo, probabilmente, fascinosa nel suo essere “nuova” per le nuove generazioni di ascoltatori. Dagli abissi alle stelle. Bel disco. Bravo Vallone. Bravo Paolo Farina.

La Linea Del Pane – Utopia Di Un’Autopsia

La decadenza moderna è ormai un rifugio per molti artisti contemporanei, la Musa dei tempi moderni. La Linea del Pane, band del milanese, decide però di fare un passo indietro per guardare tutto da una prospettiva differente. Basta stare fermi e crogiolarsi nella malinconia anestetizzante che fa da sfondo a tutti noi, soprattutto per alcuni artisti di stampo cantautorale. Sarebbe ora di auspicare una fine, sarebbe ora di fare un elogio alla fine che soppianti la fine delle idee. Tutto questo forse è ancora da considerarsi un’utopia, un’Utopia Di Un’Autopsia per l’appunto. Concept album che racconta di storie in cui il confine tra inizio e fine è talmente vicino da poterle considerare la medesima cosa. Certo viene da pensare che la band milanese basi tutto il suo concept sulla decadenza, argomento che vorrebbero rifuggire in realtà, ma essendo il loro primo full length album è forse anche giusto che sia questo il loro punto di partenza. Lo stile dei testi è quello del cantautorato italiano, nel bene e nel male. Le parole sono soppesate e posizionate al millimetro, tuttavia l’eccessivo allegorismo annacqua il messaggio di fondo, cadendo oltretutto in una sovrabbondante verbosità, compromettendo la gradevolezza delle armonie vocali.

Per fortuna La Linea del Pane riesce ad esprimersi con sonorità coinvolgenti e per certi versi più moderne dato il genere. Arpeggi morbidi si fondono con riff distorti, la bussola musicale traccia una strada che parte dal pop rock made in UK ed arriva al rock US ispirato da Neil Young. Urlo di Ismaele, Ambrosia e Solstizio d’Inverno le tracce più riuscite e coinvolgenti. Nel panorama cantautorale italiano, Utopia Di Un’Autopsia è una bella novità che potrebbe far presa non solo sul popolo del rock. Album gradevole che però corre su un filo radical chic (come accade spesso in questo genere), senza per fortuna spezzarlo, ma è anzi teso a dovere. La Linea del Pane dovrà dosare attentamente i suoi passi anche in futuro.

Bifolchi – Diario Di Un Vecchio Porco

Bukowski gioca a carte ubriaco con un pazzo divenuto pazzo per amore, tornato da una Germania lontanissima e ritrovando la dolce Carmela in un’Italia in cui la retorica e belle parole di etiche (fin troppo didascaliche) la fanno da padrone, giocherellando tra feste di piazza, carrozzoni e quel maledettissimo divano che ci tiene inchiodati davanti alla tv (parlando dei più vecchi) o davanti ai social network (parlando dei più giovani). Dalla toscana mi suona l’esordio dei Bifolchi dal titolo Diario Di Un Vecchio Porco, un disco che non ha peli sulla lingua, che non la manda a dire, che s’indigna e che fa denuncia ma – ben intenso – sempre dal suo divano come fa l’esperto conoscitore del mondo che conosce e che racconta a tutti noi la vita di queste maledette città e lo fa attraverso colori accesi e prepotenti, “circenserie” varie e quel folk irriverente e strafottente di chi sceglie personaggi e quotidiana crisi sociale per sbeffeggiare casa nostra…anche sua. Allora direi niente di nuovo sul fronte occidentale, un disco come tantissimi che oggi quasi va di moda, come troppi aggiungerei, oggi che abbiamo preso l’abitudine malsana e ormai di cattivo gusto (come tutte le cose perpetrate e ripetute troppo a lungo) di fare dell’ironia facile e ben piazzata sulle nostre stesse colpe. Arte e ben mestiere, quello italico, di parlare e giudicare e puntare dita e far denuncia…e poi…”poi fatela voi la rivoluzione” – parafrasando e citando versi dell’inciso de Divano Revolution, prima traccia del disco e di cui in rete abbiamo anche un gran bel videoclip che penso racchiuda in sé tutto o quasi l’entourage di ingredienti portanti di questa opera prima.

Ascoltandola, personalmente richiama alla memoria le mie prime produzione degli U’Papun (2011 – Fiori Innocenti), solo che questa volta abbiamo un taglio decisamente più morbido e popolare. Sono 9 le tracce di questo disco che siedono su un letto sonoro ben arrangiato e custodito con mestiere, frutto anche della firma di Antonio Castiello che, come da copione, realizza anche produzioni di generi abbastanza complici a questo, come Bobo Rondelli, Gatti Mezzi etc. Si gioca con la ritmica e con i suoi matti, si fa questo dalla prima all’ultima traccia in Diario Di Un Vecchio Porco. C’è del rock, del timidissimo rockabilly, c’è del reggae abilmente smascherato come nella seducente La Bella Del Paese fino a ripescare i colori a pastello dell’Irlanda e le cere statuarie di Rino Gaetano nella splendida Anche I Matti Impazziscono Per Amore. Benvenuti amici Bifolchi, rivoluzione o no, scendete in campo dove siamo tutti, lo stesso campo che tutti condanniamo e che nessuno ha voglia di rivoluzionare. Io per primo, s’intenda. Non sono migliore e peggiore di nessuno. Per fortuna esistono le critiche e i commenti a sciacquar le coscienze e per fortuna, di quando in quando, esistono dischi belli di giovane e fresca musica italiana, come questo, che sanno come dir qualcosa d’importante strappando qua e là divertimento e sorrisi senza mai abbandonare il gusto per il buon mestiere.

C’è ancora molto da fare…ma le premesse sono molto molto interessanti. Premo play di nuovo dal mio vecchio divano…meno male che abbiamo i telecomandi.

Nicolas J. Roncea – Eight

L’autoproduzione, il registrare un disco “in casa”, il diy, il low-fi sono state grandi conquiste, nell’ambito musical-discografico, degli ultimi anni ma, anch’esse non sono state prive di errori: per una gemma che nasceva in questo modo vi erano orrori in giro di tutti i tipi e di tutte le fogge. Youtube, tanto per dire un nome, è un esempio lampante. Chiunque può mettersi chitarra (o altro) alla mano e snocciolare il suo rosario di canzoni. Ancora di più con i vari social musicali. Perché questa premessa? Perché il disco che recensiamo del cantautore italo-belga Nicolas J. Roncea nasce proprio così. Autoproduzione, chitarra acustica, un ventaglio di canzoni, otto come dice il titolo, sparate al microfono. Nelle intenzioni dell’autore questo è il primo lavoro di una trilogia, con stili adottati di volta in volta differenti. In questo lavoro è la vena intimista ed acustica– come già detto – a prevalere ed i brani funzionano. Inutile negare che il faro musicale del nostro è Elliot Smith, a tratti sembra quasi imitarlo ed è probabile (vedi The Storm) che alcuni brani siano proprio tributi allo scomparso musicista americano.

Degli otto brani è presente una cover, The Animals Were Gone di Damien Rice, unico brano in cui il protagonista approda al pianoforte rispetto alla chitarra acustica. Teniamo d’occhio i prossimi capitoli di questo musicista, siamo sicuri che riserverà grandi sorprese. Intanto non possiamo che suggerirlo a chi cerca musica sofisticata, d’autore e lontana dai suggerimenti commerciali.

KPNB – Katsushiro Perso Nel Bosco

Da Milano a Genova passando per l’Appennino emiliano per fermarsi a casa di Giovanni Lindo Ferretti, ascoltando De Gregori e Da Andrè senza sosta e senza pregiudizi. Alla fine, prima di chiudere occhio e archiviare la giornata, passiamo a far cena con un vecchio anziano un tempo soldato della resistenza e rubiamogli quella sempre verde energia divenuta matura di attese e di contemplazione. Mescoliamo il tutto in un contenitore gigante, prezioso, ricco di dettagli e di ricami fatti a mano. Lasciamo decantare per giorni perché, se mangiato subito il disco d’esordio dei KPNB non restituisce a pieno il suo potenziale. Ecco il loro debutto, omonimo: Katsushiro Perso Nel Bosco. Da una Milano di reazione ostinata e contraria, dall’incontro tra Massimo Conte e cesare Biratoni, viene fuori un lavoro che salta a piè pari la staccionata del pop e si va a sedere comodamente in una nicchia di saccenti intenditori della parola e di quella musica che non fa ballare ne tanto meno deve divertire o riempire spazi di sottofondo per chi sta facendo altro. È musica da sentire, da vivere, da assimilare, astuzia dopo astuzia, intimo dettaglio dopo intimo dettaglio. Non è un lavoro che sulle prime mi ha fatto impazzire avendo una personale repulsione verso la voce narrante sui brani di musica leggera. Un qualche tipo di scimmiottante emulazione di quello che hanno cercato di replicare Lo Stato Sociale…tutti figli e figliocci mai registrati all’anagrafe di quel che un Lindo Ferretti e suoi CSI e contaminazioni limitrofe hanno fatto in anni in cui la musica era politica, era rivoluzione.

Un parlato non è canzone e si veste di maggiori responsabilità nei messaggi. E in questo disco non credo che le parole narrate reggano il peso dei significati che vogliono restituirci. Ma basta concedere armonia al tutto per scoprire la vera faccia dei KPNB che incantano con una semplicità espressiva incastonata in una forma canzone assai poco banale e per niente scontata. Bel viaggio in musica, calda, solitaria, intima e ricca di una calma apparente che diventa rabbia che diventa passione, che diventa testimonianza. Cantano e inneggiano ad una coscienza civica, ad un pluralismo di vedute, rimarcando i grandi errori e auspicando ad un’utopia di miglior futuro. Bellissimo e suggestivo il video che traina a sé il singolo, titletrack del disco e poi ancora, opera omnia di tutta la tracklist, è la suite di oltre 7 minuti dal titolo Il Paesaggio Di Un Lunedì Qualunque. Per raccontare un paesaggio ci vuole tempo, ci vuole calma d’ascolto e pazienza di cura e di dettaglio. Probabilmente si vorrebbe un’attenzione vocale maggiore e migliori soluzioni per chi ha il palato fine. Probabilmente una suite così lunga tradisce ancora molto un’ingenuità che, nel contesto di un esordio, forse si può anche perdonare.

In ultimo avrei scelto ben altri suoni e maggior mestiere nella produzione soprattutto dopo aver letto che questa è firmata da Giuliano Dottori, uno dei nomi che maggiormente stimo nella nuova scena della canzone d’autore italiana. Archiviato questo, premo di nuovo play e mi immergo in questo bel viaggio a spasso tra città distrutte dalla guerra ma in piena rinascita. La rinascita: ecco un bel leitmotiv di questo disco. “Ogni gesto di resistenza è un gesto d’amore”.

Paolo Tocco – Il Mio Modo Di Ballare

Paolo Tocco è personaggio poliedrico della scena musicale italiana. Fonico, produttore, discografico, speaker radiofonico, giornalista musicale. E’ anche cantautore e rilascia la sua opera seconda, questo Il Mio Modo Di Ballare che giunge dopo bene sette anni dal precedente Anime Sotto Il Cappello. Il nuovo disco del cantante di Chieti è un delicato e melodioso viaggio attraverso storie e parole che mettono a nudo la personalità di questo artista vero. Le musiche e le atmosfere create sono di una delicatezza estrema, non c’è mai esagerazione o scavallamento per mostrare a tutti la dimensione poetica che crea il suo mondo. Al di là di qualche pezzo che rimanda e suscita convivialità e gioia (Aveva Ventanni, Il Magico Mondo Di Un Vecchio Che Sapeva Ballare), il resto del disco è un lavoro intimista e molto poetico, dove spiccano sicuramente pezzi bellissimi e da pelle d’oca come l’opener D’oro E Di Pane o Nenè. Il Mio Modo Di Ballare è legato direttamente alla sua terra, o almeno questa è l’idea che in noi ha suscitato il suo ascolto. Aspetto molto positivo e da sottolineare inoltre, come già detto, è che Paolo non fa nulla di affettato e finto per dimostrare qualcosa a qualcuno.

Non dobbiamo dire altro perché troppe parole non possono sostituire comunque un ascolto. Un disco da assaporare lentamente e con attenzione, in totale relax per poterne apprezzare le variegate sfumature e farsi inondare dalle emozioni che evoca e suscita ad ogni nuovo ascolto che se ne fa.

Cesare Basile – Tu Prendi L’amore Che Vuoi E Non Chiederlo Più

Cesare Basile, cantautore siciliano, si ripropone con il suo nuovo album Tu Prendi L’amore Che Vuoi E Non Chiederlo Più. Questo disco è pieno di storie di emarginati e di esclusi, di chi ha deciso di non lasciarsi dominare dalla sicura, prevedibile e manipolabile legalità, dal lavoro, che a conti fatti rappresenta una gabbia dorata da cui difficilmente si riesce e si vuole scappare. Esistenze abusive e feroci che ben dipingono lo scenario siciliano, grazie alla scelta dell’autore di cantare queste storie in dialetto catanese, quasi a rimarcare l’idea di voler riappropriarsi della propria terra e delle proprie origini. L’album in sé è una storia a parte a sua volta. L’urgenza di libertà, resistenza e riappropriazione di Basile si ripercuote anche sulla S.I.A.E. Le canzoni di questo disco infatti, non sono sotto la tutela di nessuna società di collecting internazionale, ma dell’autore. In fondo, secondo Basile, chi è davvero sicuro di essere proprietario di una canzone?

La musica si muove in maniera altalenante, tra pezzi più incisivi, sussurri cantilenanti, arrangiamenti essenziali e altri più ricchi e raffinati. A tratti il blues si sposa con la Sicilia e il cantautorato italiano. Un album che gli appassionati del genere apprezzeranno a scatola chiusa. Per tutti gli altri, vale comunque la pena di prestarci un orecchio, fosse solo per le storie che vengono raccontate.

Michele Maraglino – Canzoni Contro La Comodità

Ok, carte in tavola: abbiamo un disco, il cui titolo è Canzoni Contro La Comodità, con brani come I Miei Coetanei, Canzone d’Amore Contro il Consumismo, Se non Saremo Forti Abbastanza. Avete capito? Insomma, aspettiamo di sentire il solito cantautore contro il sistema, portatore di una bandiera di diversità, che la società non ha piegato, che il comunicato stampa definisce “praticamente il solito menù di ogni cantautore disilluso da tutto e tutti che sfida il mondo con la sua chitarra e le sue poesie…“. È così anche per il lavoro di Maraglino? Ebbene no! Come detto il titolo del disco poteva solo far temere il peggio, anche per il comunicato stampa che ne descrive il concept come “storia di una generazione dopata dalla comodità e di chi…”, e invece no, il disco è pulito, ben suonato, senza quella retorica inutile e supponente della nuova leva cantautorale anni 2000. Anche la pericolosa (per il titolo) I Miei Coetanei è fortunatamente priva del “dito contro” da primo della classe o da intellettuale “de sinistra”.

I toni scelti sono freschi e naif e le pennellate di moog e rhodes gettate qui e lì aiutano l’ascolto. stupenda la placida La Vernice, il lento ballato in una stanza in fiamme de Se Non Saremo Forti Abbastanza (chi capisce la citazione vince un abbonamento di un anno a RockGarage…), la calda Vie Di Mezzo o la cupa La Rivincita. Bello, un disco di un cantautore diverso dalla massa.

Telestar – Così Vicini Così Lontani

In un certo senso bisogna dare un grande merito ai Baustelle: in un’era (quella di ormai dieci anni fa) in cui l’indipendenza stava dettando le regole a livello musicale e forse l’alternative stava procedendo nel suo calo di attenzione, i ragazzi di Montepulciano rispolveravano la scena cantautorale del passato per darla in pasto ai “giovani disattenti” che erano usi ascoltare indie. Mescolando musica acustica e strumenti elettrici, approccio giovanile e cantautori del passato sfornarono una ricetta che ebbe (e lo ha ancora) un ottimo seguito. Su quegli stessi passi si muovono i Telestar, i quali in passato hanno anche supportato dal vivo i Baustelle come molte altre realtà. Lo stile è lo stesso (ascoltare Lontano ce lo conferma inequivocabilmente), mescolato anche da un buon folk non impegnato per mettere insieme una manciata di tracce pronte per i grandi ascolti, per chi è attento alle classifiche e ai ritornelli cantabili sotto la doccia o magari quando non si è al settimo cielo. Così Vicini Così Lontani riprende quell’amarezza messa in musica, fatta di elementi poco rock e di sfighe (per fortuna nel loro caso poco attinenti con ambiti politici) o di emozioni tipiche di quella mentalità compositiva, seguendo la moda del lento perché in fondo la musica del Telestar è rilassante e non tiene impegnata la mente.

Lo stile è questo e le varie tracce lasciano il medesimo senso di successione di un sound che ormai è stato definito da altri. Da segnalare il buon contributo al basso elettrico di Francesco Baiera che riesce ad aggiungere valore e rendere alcuni passaggi più ricercati.