Elton Novara – Più Spregiudicato

Dentro una curata confezione si cela il secondo EP dell’eclettico cantautore Elton Novara, cantante e (soprattutto) chitarrista milanese. Dopo la benedizione del primo lavoro da parte di Rocco Tanica e Cesareo, colonne degli Elio E Le Storie Tese, ecco sette nuove tracce fresche, dinamiche e simpatiche. Un lavoro articolato come un film, intervallo compreso. Novara è un valido musicista che può sfogare il suo estro chitarristico nei numerosi assoli presenti. Il disco si apre con (Quasi Mi Spiace Suicidarmi Proprio Adesso Che Cominciano) Le Belle Giornate che, a discapito del chilometrico titolo, dura più o meno un minuto. Una piccola canzone bonsai che funge da introduzione alla successiva Un Pesce di Nome Elton, brano caratterizzato da un taglio ironico e surreale. Lo possiamo affermare senza timore di essere smentiti Elton Novara è un talentuoso cantautore abile nell’unire una scrittura da vero autore ad arrangiamenti ricchi di soluzioni e per nulla scontate. Una volta tanto ascoltiamo un disco di un autore indie che non parla della solita trimurti precarioesodatofeltrinelli. Il primo singolo estratto è La Maturità Emotiva Di Un 13n, brano fintamente pop, fintamente da classifica ma in realtà pregno di un eclettismo musicale senza pari. Splendido l’arrangiamento di pianoforte e chitarra, simpatico il video dove Elton “reinterpreta” a modo suo lo storico video di Bitter Sweet Symphony dei Verve.

L’intervallo è il bel brano reggae/ska Denaro [(Maledetto) Den Harrow] che tratta dell’unico argomento in grado di appassionare tutti i nostri lettori: la cronica mancanza di soldi. Le Brutte Giornate mischia allegramente brit-pop con psichedelia e noise. Ne è testimone la chitarra costantemente in feedback nel finale che pare richiamare Lou Reed ed il suo ostico Metal Machine Music. Il lavoro si chiude con n31/L’Estate dell’Amore, altro brano psichedelico registrato al contrario, dove svetta un fulminante assolo. Per concludere, davvero un ottimo EP che fila via veloce lasciando però qualcosa di duraturo all’ascolto, sperando nell’arrivo di un immediato full leght.

OX – When Things Come Easy

Dietro le due lettere “o” e “x”, che si presentano graficamente come una “O” con una “x” al centro, si cela l’artista Osmael Fabre, fotografo, designer e musicista. Nel definirsi musicista bisogna ammettere che il significato è concepito proprio a 360°, infatti nel suo nuovo album When Things Come Easy, OX suona praticamente tutti gli strumenti, dalla chitarra alla batteria, dal basso alla chitarra, dal synth al microfono (anche se lo accompagnano in alcune tracce altri collaboratori). Detto questo è facile intuire il prodotto finale: un album molto influenzato dalla scena cantautorale americana, con chitarra e soprattutto voce in prima linea su tutto, tanto da far suonare i restanti elementi come “aggiuntivi” (non che gli altri strumenti propongano qualcosa di interessante). Un Bob Dylan a modo nostro, per dirlo in altri termini, con molti (tanti) arrangiamenti a cercare di tirar su il valore musicale dell’uscita; il paragone con Dylan non deve trarre in inganno, non si fa riferimento alla qualità del prodotto finale ma alla traccia seguita da OX, una traccia fatta di sei corde, semplicità ed emotività nelle linee vocali, tutti canoni che possono rientrare nel rock solo se c’è una grande personalità dietro, e questa noi la troviamo solo in parte.

Classica ballatona Chasing You che richiama qualcosa alla Springsteen che però presto inserisce delle parti più elettriche, le prime dopo cinque tracce di When Things come Easy. La vera ballad si chiama Losing You, con tanto di pianoforte, ma suona come altre cento ballad americane, niente di nuovo quindi. Meglio per alcuni momenti in cui si percepiscono alcuni tocchi che sfiorano la bossa nova (Colours, Falling At Your Feet), per il resto, a parte la voce caldissima di Osmael Fabre, nulla da segnalare. Noi viaggiamo con l’immaginazione e restiamo con il dubbio su cosa sarebbe in grado di realizzare OX con la sua voce se alle spalle avesse una band vera, fatta di strumenti elettrici (un sobrio esempio potrebbe essere Wherever You Are). Con un pò di buone idee e tanta energia si potrebbe fare davvero tanto.

Davide Solfrini – Muda

Ordine e caos, razionalità ed emozioni, dritto e storto, gioia e dolore, urla e silenzio. La vita, in fondo è fatta di estremi, certo ci sono le tantissime sfumature di grigio ma cosa colora veramente la nostra quotidianità? Di certo non il grigio. Davide Solfrini sceglie Muda come titolo del suo nuovo album, un termine legato all’industria delle autovetture e alla ricerca perenne di massimizzare l’efficienza aziendale e annullare gli sprechi. Un tema particolarmente sentito dal sottoscritto che lo ha studiato in prima persona e conosce bene questa filosofia che per alcuni (Giappone in primis) diviene più di una scelta aziendale. Provocatoria questa scelta visto che il cantautore Solfrini, profondamente inserito in uno scenario rock, sceglie di dedicare alle “muda” (letteralmente “spreco”) un capitolo discografico, un prodotto di un artista e non di una catena di montaggio, una creazione artistica e di per sé un qualcosa che non deve a tutti i costi “funzionare” bensì essere “sentita” e poi “ascoltata”. Ed è così che si presenta anche la sua musica: lacerante e per certi versi timida, con ritmi ben presenti ma che non prendono il sopravvento della scena. Buoni gli arrangiamenti, perchè Davide Solfrini non vuole essere il classico cantautore “chitarra e voce” ma vuole aggiungere elementi diversi pur con un’attenzione forte alla melodia.

Compaiono comunque momenti un pò troppo soft, come La Vita Degli Altri o Equilibrio, in cui i ritornelli gridano cantabilità; preferiamo le intromissioni e il sapore crudo di momenti come Domenica nei quali esce fuori un artista appunto diverso, ma soprattutto i primi brani di questo lavoro che suonano davvero caratterizzanti (e la stessa titletrack che si trascina certi influssi in stile C.S.I., soprattutto nella sua versione live, ultima traccia). Il sapore comunque amaro, tipico del trademark di Solfrini, viene fuori anche con altri passaggi, come ad esempio Cristallo, in cui si toccano i picchi di tristezza. In generale Muda è un lavoro per chi cerca nuove frontiere del cantautorato o per chi cerca un rock introverso ma non introspettivo, da ascoltare comunque con attenzione per captarne i momenti migliori e sperare che quelli meno interessanti cambino pelle nel futuro dell’artista.

Petralana – A Che Ora Arriva Il Dj

Tra le tantissime band in circolazione ci sono alcune che hanno davanti a sé una sfida: prendono una lunga rincorsa per fare un salto che ad occhio nudo sarebbe cosa ardua e lungo l’intera corsa si sentono quasi in grado di farcela e si ripetono costantemente che ce la faranno. Quasi giunti al punto in cui sono obbligati a saltare, frenano bruscamente e si ritirano dalla sfida. Una metafora un pò bislacca ma che a nostro parere rende l’idea della nuova sfida che attendeva i Petralana, band sorta ormai più di dieci anni fa come un duo dedito alla musica cantautorale e che con questo loro secondo lavoro promette un “nuovo piglio più rock-oriented”. In realtà proprio su questi binari i ragazzi si fermano e prediligono lo stile di sempre, nonostante nel frattempo siano passati ad essere un quartetto, con tutti i presupporti (strumenti compresi) per divenire una rock band. Eppure questo salto non avviene. L’opener contiene le melodie tipiche della scena cantautorale del passato, la successiva Pensiero Di Te tocca invece lidi ancora più semplici, più pop pur celando vari strumenti che si inseriscono in maniera studiata, ancora peggio Italia Mon Amour nella quale le linee vocali, recitate, assumono il ruolo di protagoniste assolute. Paradossalmente la titletrack contiene i momenti più legati al rock, nonostante un titolo che porta fuori traccia, ma purtroppo non include nulla che sia in grado di attirare la nostra attenzione.

La produzione è puramente live ovvero registrata in modo tale da far sentire tutte le varie sfumature di un concerto, vibrazioni di rullante comprese. Questo suona come l’ennesima possibilità per i Petralana per suonare davvero rock, concretizzata in parte con Numero 8 in cui i suoni si mischiano e finalmente esce fuori una sezione ritmica se non di vera personalità, almeno che si distingua. I brani comunque hanno anche un certo fascino se visti nell’accezione cantautorale, ma sono distanti miglia e miglia dal rock, campo nel quale i Nostri potrebbero far uscir fuori un pò di energia e di carattere. Sarà per il loro prossimo album?

Durden And The Catering – Il Nostro Quadro

Esistono alcuni cantautori che cercano di invadere territori diversi. Al primo ascolto del nuovo EP dei Durden And The Catering (band formata da David Boriani, in arte Durden) risuonano vari strumenti, dal piano alle percussioni, toccando tempi anche differenti per un cantautore standard. Purtroppo però il vero scenario percorso da Durden e dai suoi amici è il pop e le sue riminiscenze cantautorali, appunto, diventano sempre più vaghe. La durata dell’EP è limitata ma in sei tracce si propongono musicalità diverse; l’elemento che più di tutti può far discutere è indubbiamente la voce che ammicca troppo ai grandi ascolti, ai grandi palcoscenici, come fosse una recitazione forzata, un’espressione incanalata nei canoni del pop. È un peccato perchè in alcuni brani le musiche proposte rappresentano una buona base su cui lavorare. Carino ad esempio il mood di Ventuno Primavere che mette sicuramente allegria e solleva il mantello sulle potenzialità che potrebbe avere questo progetto se si concentrasse su qualcosa di più originale.

Altro esempio di buone prospettive è il piglio quasi swing di La Musica È Finita ma anche qui le parti vocali si sforzano di piacere più che di cantare. Per ora la proposta, dal nostro punto di vista, è da rivedere.

Zivago – Franco EP

Gli Zivago sono ritornati, dopo qualche anno di stop. Con la loro musica intendono dimostrare che effettivamente dietro le note c’è sempre un concetto artistico senza il quale nessuna composizione è possibile. Vero che il loro nuovo EP si basa su ritratti di persone diverse, quindi tendenzialmente racconti reali, ma il fattore che si rifà ad una vena artistica è la fusione tra il cantautorato e una parte della scena progressive del passato rintracciabile nelle liriche di Lorenzo Parisini, anche se il tutto è confezionato in una sorta di art-pop (ammesso che il pop possa essere percepito come artistico e ciò non è per nulla scontato), quasi come volesse risultare un prodotto per un’audience selezionata, ma pur sempre da semplice ascolto. In altri termini gli Zivago puntano ad una faciltà d’ascolto tale che riuscirebbe ad appassionare gli ascoltatori di indie pop/new wave fino a chi invece (un pò più sofisticato secondo noi) è più legato al cantautorato. Noi riusciamo a toccare le tante attenzioni compositive che sono concentrate in queste sei tracce ma non troviamo una sofisticatezza di base tale per cui Franco merita davvero uno spazio adeguato nella scena attuale. Fragilità ce lo conferma senze mezze misure, puntando ad una struttura e un giro di chitarra semplici ma penalizzate da linee vocali smielate e che perdono davvero l’occasione di creare qualcosa di originale.

Sul finire le cose peggiorano con Le Considerazioni, strumentalmente sconclusionata e leggermente battistiana nelle liriche, e Domeniche Di Maggio che non aggiunge nulla a quanto già detto se non degli effetti bizzari che cozzano con lo stile della band. Per noi traiettoria da rivedere.

Calvino – Occhi Pieni Occhi Vuoti

Dietro Calvino c’è Niccolò Lavelli, artista che nasce e viene presentato come cantautore ma che cerca di dare qualcosa in più alla scena come l’abbiamo conosciuta noi nei decenni passati. Certo l’incedere di L’amore In Aria, singolo di questo suo secondo lavoro dal titolo Occhi Pieni Occhi Vuoti, ricorda molto le ballate di De Andrè anche se Niccolò cerca di metterci un pò più di allegria (aspetto assente nelle composizioni prevalentemente ribelli di De Andrè). Il basso naviga inciso e la sua voce resta fedele al marchio impresso da quello stile, però con gli altri momenti di questo EP si toccano differenze varie: strascichi vocali alla Baustelle, influenze indie/shoegaze nell’opener Nella Città, una ballata pop con Il Clochard E La Senna. Questo lo stile che troviamo fortemente presente anche su I Fantasmi, ultima traccia: uno stile abbastanza freak e pacatamente indie a sufficienza per piacere alle sonorità molto in voga in questo periodo. Quindici minuti scarsi di proposta musicale che incuriosisce da un lato ma non fanno attendere nulla di particolarmente innnovativo se gli intenti sono questi.

Monsieur Voltaire – 33

Monsiuer Voltaire è il monicker dietro il quale si nasconde Marcello Rossi, musicista toscano di lungo corso e di grande esperienza. Dal metalcore degli esordi con i Nativist all’indie con i Greyscale, dall’new metal con i Najra fino al garage rock’n’roll dei Golden Shower. Insomma musica a 360 gradi. L’ultima avventura è con il progetto Monsieur Voltaire di cui 33 è l’esordio. Un album in cui si fondono echi grunge, punte psichedeliche, fino all’ambient e al country rock. Quanta roba! Si parte alla grande con The Run. Voce distorta, chitarre retrò, tanto riverbero e delay. Effetto vintage immediato insomma, però occhio al riffone portante della chitarra: nasconde un’anima punk/new wave. Insomma, ci ha ricordato qualcosa dei CSI, ma anche qualcosa dei primi Pink Floyd. Insomma, i CSI con Syd Barrett alla voce (e che non se ne parli più!). L’effetto vintage-moderno torna nella successiva Last Place, con forti rumori industrial in sottofondo. Con Ray Land le cose cambiano. È un brano quasi folk rock alla Nick Drake di Five Leaves Left (quanto ci manchi Nick!). Forte presenza della chitarra acustica arpeggiata e suonata in slide, bellissime atmosfere pastello appena rarefatte. È forse il brano migliore del disco grazie anche alla lunga coda ambient che introduce alla successiva The Shine, anch’essa brumosa e agrodolce, avvolta in uno spleen quasi britannico (come il compianto Drake) e delicatamente orchestrata da quell’effetto vento che non ti abbandona mai. Waiting To Be Kill è psichedelica oltre ogni modo, quasi sperimentale nella sua forma-canzone. Ricercati i suoni avveniristici.

Notevoli le percussioni tribali di Higher Than The Sun. Mentre Emily è puro brit pop, con echi di Beatles che spuntano qui e lì (ci ricorda molto Being For The Benefit Of Mister Kite dal capolavoro Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band). La conclusione è affidata a Purgatory, nuovamente voce e chitarra, nuovamente forte e sentito il richiamo a Nick Drake. In conclusione quindi un album che potrà piacere a pochi, volutamente ricercato e volutamente retrò. Ma questo è proprio il suo punto di forza. Per quanto ci riguarda è uno dei dischi migliori di questo 2013 e lo consigliamo a occhi chiusi. Ovviamente, visto che anche noi siamo retrò, non possiamo che consigliarvi (oltre l’acquisto di questo disco) anche l’acquisto di tutta la discografia di Nick Drake, ma questa è un’altra storia.

Federico Cimini – L’Importanza Di Chiamarsi Michele

Disco d’esordio del cantautore calabrese Federico Cimini, L’Importanza Di Chiamarsi Michele è un concept album, o meglio ancora una lunga storia, raccontata in canzoni in cui vengono narrate le gesta di un Michele, uomo qualunque del sud italiano. In realtà è possibile definire il disco come una sorta di Allucinazione Perversa in salsa cosentina. Non vogliamo dirvi di più, anche per non rovinarvi la sorpresa, quindi valutate tutti i brani come considerazioni, riflessioni in musica, tra il giovane musicista e Michele, uomo del meridione scappato dal suo paese. Impegno e disimpegno si fondono nei brani presenti con un occhio a Simone Cristicchi, Cisco e Rino Gaetano. I mali del paese, i social network, le missioni militari all’estero, l’omosessualità, il “contare qualcosa”, sono tutti argomenti sui quali Michele si interroga e Cimini, da cantastorie, trasforma in canzoni, che parlano di rabbia (Tutto Bene), di disperazione (l’ottima Questo è Il Mio Paese, primo singolo dell’album) ma anche di voglia di cambiare (La Rivoluzione in Pigiama). Tante le chitarre acustiche impegnate, ma non sono accantonate le stilettate elettriche dell’ottimo polistrumentista Valerio Fujian. Da non perdere il recitato conclusivo di Epilogo che, come in un’opera teatrale, dà la chiave di volta a tutto il lavoro, con il suo climax sempre maggiore.

Chiude Ti Amo Terrone, ballatona acustica degna del grande Rino Gaetano. Ottimo esordio, seppure in qualche punto ancora acerbo, che lascia intravedere che un nuovo giovane cantautore può imporsi. Un giovane cantautore orgogliosamente terrone.

Antonio Firmani – The 4th Row

Tutto italiano (nonostante i testi in inglese) questo giovane musicista dal nome Antonio Firmani che si rifà particolarmente alle decennali lezioni cantautorali americane per confezione il nuovo EP composto da tre leggere tracce. 13 minuti scarsi per provare il sapore Firmani che imprime una ricerca di note e arrangiamenti particolare, sicuramente al fine di impreziosire maggiormente il proprio sound. Se il dettaglio affiora ed è piacevole, la proposta musicale nel complesso risulta molto melodica e perde di quella caratterizzazione che una chitarra acustica e una voce rovente riescono a trasmettere. Questa è la sensazione dell’EP nel complesso: l’opener Last Two Years invade territori “dream” pur dimostrando qua e là qualche accenno di interesse, la piacevole The Givin’ Tree con i suoi violini e pianoforti che dirigono il resto dei suoni risulta molto orchestrale seppur con un songwriting complesso e completo, mentre sul finale giunge la title track che sposa un gusto languido e ottantiano (quasi new wave nelle linee vocali) che piace e che fa intravedere un futuro possibile sviluppo della concezione musicale di Firmani. Un assaggio che sarà più completo in un’opera futura maggiormente definita e che speriamo riesca (questo è il nostro aspriazione) a far attraccare a spiagge più rock la passione del Nostro.