The Mars Volta – De-Loused In The Comatorium

Probabilmente la band che incarna meglio il senso dell’evoluzione musicale. I The Mars Volta nascono dalle ceneri degli At The Drive In, gruppo con il quale le loro idee rock punk erano riuscite ad aver giusta manifestazione. Cedric Bixler (voce) e Omar Rodriguez (chitarra) sono riusciti a vedere un altro spiraglio nella loro mente contorta e così hanno deciso di formare un gruppo etichettabile solo con il proprio nome. La loro proposta infatti spazia dal rock al fusion, dal jazz alla psichedelia, toccando terre prog con la stessa faciltà con cui si spazzia per il groove. Abbandonati proprio due mesi prima dell’uscita di questo primo full-lenght dal loro esperto di suoni Jeremy Ward (morto per overdorse), in nostri eroi non manifestano alcuna paura a trattare temi delicati nei propri testi, come quello del coma dello stesso Ward, argomento che gira intorno all’intero concept.

L’album si presenta da subito in modo molto psichedelico e vuol rappresentare, nelle poche note di Son Et Lumiere, tutta la sperimentazione di cui sono capaci i The Mars Volta. Ma è solo un sipario quello che si sta aprendo, lasciando la scena al colore di una luce piena di sfondi differenti che prendono forma già con Inertiatic ESP. Le chitarre si accavallano e si danno spazio a vicenda, mentre un basso groove scalza il tempo e s’impone nella scena stoppando se stesso e portando i tamburi ad un sapore unico. Cedric fa sfoggio della potenza delle sue corde vocali attraverso delle linee pulitissime e prive di stridolii; la carica sale ed i tempi dicono sempre la loro, Roulette Dares (The Haunt Of) conquista con la sua durezza mai meglio mescolata ad una malinconia amara e dolce allo stesso tempo ed un riff che si imprime e non molla più. Imprevedibili, improvvisi, inaspettati, impercettibili ma significativi, sperimentali ed essenziali, ingegnosi e moderni, il sound dei The Mars Volta non perde mai coraggio di pizzicare qualcosa dal passato e sbatterlo a 300 km/h contro il tempo per raggiungere epoche ancora inimmaginabili.

Tira Me A Las Arañas rappresenta la calma prima dell’ inannunciato terremoto di suoni scaraventato ed incorporato in Drunkship Of Lanterns: sezione ritmica compressa come un file zip da 1000 documenti, energia pura allo stato brado che trapela da ogni singolo bending, assoli che non fungono da faro protagonista bensì da cornice per l’esplosione della scena. Le radici rock sono cresciute, straripate dalla terra acerba delle loro prime uscite con la precedente band, e si intrecciano in mille altre, mai creando confusione bensì rendendo uno spettacolo di suoni e di atmosfere stupendi da assaporare. A metà album la nostra sete sembra quasi averci abbandonato come bisogno primario, ma loro sono pronti a regalarci una doppietta meravigliosa: Eriatarka e Cicatriz ESP. Erano anni che non si ascoltavano dei pezzi del genere, una compattezza unica ed una band che convince anche e soprattutto l’ascoltatore più attento, mentre lo colpisce direttamente al cuore, direttamente nell’animo. Note indescrivibili fanno la coda in uno scenario folle ed a tratti romanticissimo. Riff essenziali che contengono in una manciata di minuti anni ed anni di musica. Non appena Jon Theodore accenna ad un bridge lento, il voltaggio del gruppo è pronto a scaricare montagne di emozioni, come nel basso di Cicatriz accoppiato ad un charlestone che suona da far paura, mentre Cedric con la sua semplicità regala sogni ed il lavoro di Ward scorre nelle vene di ogni singolo attimo dell’opera. La sperimentazione inonda fino a quando la scena non diventa cupa ed afona, come la stanza di una clinica dove i rumori annullano la loro assolutezza, e si giace insapore apprezzando degli oggetti volanti frutto della nostra pazzia. Ma anche qui il coma sta per terminare con una scaraventata di potenza a pieno regime che infiamma tutto ciò che può essere apprezzato ed immaginato (dopo decine di ascolti) ed i passaggi si fanno intensi e mistici ed il protagonista perde la strada della salvezza.

This Apparatus Must Be Unearthed “sciala” nel rock elettronico con una libertà ammirevole (le basi rock del gruppo sono forti come delle dighe), mentre Televators rappresenta la ballad che serve per farci innamorare, dolce e quasi tribale ma sempre amara come i nostri ci hanno insegnato. Take The Veil Cerpin Taxt risana le ferite dell’ascoltore abbattendosi come un fustigatore a corpo morto e creando l’eco del dolore della band, questa volta più positivo anche nei suoni. La psichedelica non si stanca, un album da vivere. Special guest del lavoro: Flea e Frusciante dei Red Hot Chili Peppers, dopo aver dichiarato che i The Mars Volta sono il miglior gruppo di supporto che la propria band ha mai avuto.

Spread – C’è Tutto Il Tempo Per Dormire Sotto Terra

Splatter, pulp. Questo è l’inizio di C’è Tutto Il Tempo Per Dormire Sotto Terra con la cover di Finchè La Barca Va di Orietta Berti: un ritmo cadenzato ed uno humor alla Rage Against The Machine che ben presto si tramuta in uno sfogo alla System Of A Down. È un incubo? Stiamo sognando? È una domanda plausibile ma stavolta non basta il classico pizzicotto per capire se siamo tra le braccia di Morfeo o se ormai abbiamo inghiottito la pillola rossa e nessuno ci potrà riportare più indietro. Forse lo slogan “Merry Christmas and Happy New FEAR” è azzeccato per capire le intenzioni della band ma ecco che entra l’ennesimo passaggio che ci spiazza: la strumentale Charlie fatta di rumori ed arrangiamenti che sembrano uscire dalla chitarra di Omar Rodríguez-López (The Mars Volta) e da un film di Dario Argento.

Teatrale più che cinematografico, sperimentale più che alternativo, anticonvenzionale più che strano, pazzo più che coraggioso, saggio più che tecnico: in altri termini artistico più che semplicemente musicale. Dimenticate gli amanti dell’estremo, degli eccezzi, quelli per cui la velocità è il primo ingrediente da mettere in musica. Qui tutto è a rilento (doom?!), come se prendesse il giusto peso e desse la possibilità a tutti di riflettere, di “sentire” la musica. Una colonna sonora dark, un film horror che tiene sempre l’ascoltatore sul filo del rasoio perchè è la sua attenzione che esige. No perditempo.

È con Urina che la band tocca il suo apice: sembra di assistere ad una convulsione calcolata dei Dillinger Escape Plan, emotiva e pacatamente fuori controllo. Senza nulla togliere alla parentesi orchestrale di Castello Di Poppi. L’incubo continua. Gli effetti sono solo un contorno perchè è la trama quella che conta, tanto che ogni traccia potrebbe descrivere una scena di un film diverso e ben alimenta l’immaginario, tanto che forse un contenuto video sminuirebbe il valore del singolo brano mentre i testi in italiano ne rafforzano la propria caratterizzazione.

Ah dimenticavo. Loro si chiamano Spread. Teneteli d’occhio.

Andrea Ra – Nessun Riferimento

Il coraggio e la capacità di osare sono degli ingredienti che noi di RockGarage apprezziamo a dismisura, elementi incontestabilmente (onni)presenti in questo lavoro del bassista Andrea Ra. Già il fatto di avere tra le mani e trovare nei negozi di dischi un lavoro di un bassista, ruolo in genere assoldato nelle seconde linee di una band, risulta molto poco scontato e davvero rallegrante per chi scrive qui negli ulteriori scomodi panni di ex collega di Andrea.

In genere fattori come i testi in italiano e la generica categorizzazione come lavoro rock fanno subito intravedere, almeno per le uscite del nostro Paese, pochi spiragli di originalità ed invece dobbiamo amettere che Andrea Ra riesce sempre a tenere alta l’attenzione dell’ascoltatore non solo da un punto di vista musicale, che sguazza agiatamente nel crossover più raffinato e meno aggressivo, ma anche secondo un aspetto squisitamente ideativo. Nessun Riferimento infatti è un psycoconcept che si incastra intorno al tema del nubifragio, un viaggio onirico che continua dal precedente Scacco Matto e nel quale il senso di perdizione del protagonista (un punto di non ritorno) si specchia con le patologie che la società mostra di avere. Brani non banali in termini compositivi ma pur sempre adatti anche ad un ascolto semplice (Mi Avveleno Di Te), pur talvolta arricchiti da interventi preziosi come lo slap esuberante di C’è La Luna Piena (Stasera), il cantato fuori stile della title track (a Morgan piacerebbe molto questo pezzo), la pazzia di Mr.Vanni che si rifà senza mezze misure ai Primus e stecchisce con il suo saltare dal crossover allo swing senza alcuna difficoltà.

Sentite un vuoto perchè i Bluvertigo ormai sono scomparsi e non sapete più da chi attingere originalità e nuova ispirazione? Siete nel posto giusto. Questo lavoro va seguito track-by-track come un vero e proprio viaggio perchè, come fosse un romanzo di Ken Follett, non fornisce indizi su come procederà ed ogni ulteriore passo risulta un mistero ricoperto sempre da quella vena dark-wave che ci aiuta a restare sulle spine.

Un artista che va oltre il concetto musicale, un artista a cui la dimensione live potrebbe stare stretta visto che andrebbe apprezzato nella sua interezza creativa. Noi nel futuro di questo artista vediamo ancora più coraggio, perchè le possibilità ci sono tutte e poco conta se si fa strada il rischio che il pubblico si stringa ad una cerchia ristretta di fan, l’importante è riuscire a proporre qualcosa ancor più fuori dai canoni, ancor più unico. Se possibile.

Slidea – Phonoshock

Quello che i più ignorano è che esiste una linea sottilissima tra tutto ciò che può esere catalogato come Rock e tutto quello che va sotto il capello di Heavy Metal, una linea talmente tanto sottile da far paura perfino ad un equilibrista. Eppure, nel caso degli Slidea, giovane band di Collecchio, questa linea diventa immaginaria: l’approccio molto duro dell’opener La Notte Di Valpurga confonde abilmente le radici rock dei musicisti, percepibili nelle strutture dei brani e non solo. Variabilità. Gli Slidea non si adagiano su un sound preconfezionato e sfoggiano un alternativismo da sperimentazione, lungi dall’essere di difficile esecuzione ma completamente concentrato nell’emotività di ogni singola sezione. Una fusione tra Bluvertigo e Subsonica?! Una creatura dalla strana forma ma dal sound molto compatto che inaridisce le proposte musicali di centinaia di band coetanee. Un basso in risalto a maestria, per arricchire la resa live, una chitarra mai invasiva ed una parte melodica che crea un entusiasmo orgiastico in simbiosi con la batteria: una ricetta non replicabile e mentre ce ne convinciamo il crossover prende il sopravvento e la band canta “Omologazione, che brutta situazione”.

Bella la scelta del cantato in italiano, rappresenta l’ennesimo pugno nello stomaco e al contempo l’ulteriore elemento che conferma l’unicità di una band in una paese che tavolta non riesce a far decollare il rock emergente, una sorpresa in uno scenario spesso monco di innovatività. Difficile dare evidenza di un brano o di un passaggio, dietro il mondo Slidea si alternano le parti di piano di In Un Vecchio Cieco alla potenza e l’headbanging del minuto successivo, così come la maggior parte dei brani. Uno show che non ha trama ma solo protagonisti.

Con più band di questo calibro il nostro paese sarebbe sicuramente più ricco, artisticamente parlando.

Figli del Papa – Pelo

Ci sono alcuni generi, alcune sonorità che sono di confine, da spartiacque tra mondi molto diversi, a volte in conflitto tra loro. Chi ricorda gli Aerosmith duettare con i Run DMC sa cosa intendiamo: un rischio, una scelta coraggiosa, incomprensibile per alcuni perchè mischia target di pubblico e percorsi musicali molto diversi, all’avanguardia per altri. I Figli del Papa per alcuni versi ricalcano queste gesta presentandosi come una band rapcore ma nascondendo molto di più sotto la propria pelle: un crossover molto elettrico, con tanto di band a cinque membri mai relegata a figura secondaria, ma anzi protagonista nella costruzione del suono. Certo non è il primo sperimento di commistione tra rock e rap (lo stesso J-Ax ci provò anni fa seppellendo gli Articolo 31 e formando una propria band con tanto di strumenti reali al seguito) e per alcuni versi i Figli del Papa sembrano strizzare troppo l’occhio ai Limp Bizkit di Fred Durst, però è da riconoscere il coraggio del progetto.

I modenesi prendono le distanze dalle basi “scratchate”, tutto disco e dj, e cercano di lanciare le influenze hip hop verso lidi mai immaginati: bassi profondi, ritmi in 4/4 e chitarra assolutamente in prima linea, tutti ingredienti in chiaro stile rock. Ed i testi rappati alla Rage Against The Machine colorano ancora di più la proposta musicale di questi cinque giovani artisti, che sapientemente bilanciano creatività ed estro con idee chiare e ritmi cadenzati. Un pò i Fabri Fibra del Rock, rendono chiaro il proprio copione fin dalla seconda traccia e riescono anche a proporre una ballad, Nebbia, che sembra uscita da una band mainstream di buon livello, inspiegabile come nessuna etichetta si sia interessata alla loro proposta musicale. Non è banale balzare dai ritmi lenti dell’intro di Supervivo a F.D.P., uno sforzo che nasconde complessità compositive e tanta varietà, fonte limpida dei giovani artisti. Ascoltare il brano Pelo per credere…rap? Crossover? Post-rock? Sovraincisione di idee, piattaforma di registrazioni che esalta la voce mentre cita il mondo dell’heavy metal ed il riffing secco in sottosfondo tradisce il tutto. Una sperimentazione davvero piacevole, così come la mezza traccia nascosta, da ascoltare!

Una band per persone prive di pregiudizi musicali.