Tubax – Superspazio

Tornano i Tubax, nostra vecchia conoscenza di cui avevamo parlato ai tempi di Governo Laser a questa pagina e avevamo dato spazio in esclusiva ad un loro videoclip. Quest’anno escono con Superspazio, un titolo che aderisce alla perfezione con il loro stile sperimentale, con il loro genere difficile (quasi impossibile) da catalogare. Ma le differenze rispetto al passato ci sono. Governo Laser era pieno di groove, basso in tensione, ritmica che ti colpisce dietro al collo come un album dei Primus; Superspazio è invece un esercizio più avanguardistico, alcuni titoli delle canzoni contengono sigle (B68 e Y67), i pattern sono meno quadrati e più psichedelici, addirittura nell’opener Furiax compaiono delle linee vocali cibernetiche, elemento per certi versi inimmaginabile nei due precedenti lavori. Ma i ragazzi non hanno perso la loro natura, infatti alcune ritmiche incalzanti compaiono in Night Walker I ma già nella seconda metà del brano le costruzioni diventano più lisergiche, introspettive…un approccio decisamente nuovo per i Tubax di qualche anno fa.

Night Walker II mette in scena soluzioni progressive senza soluzione di continuità ma è con il capitolo III di questa piccola saga che si toccano vette futuristiche da film di Kubrick, saga che per struttura si ripete in Bon Voyage, ripartita in due capitoli. La vera sfida per la band è replicare queste composizioni intricate e complesse dal vivo, lavoro che invece con Governo Laser era meno impossibile. Un plauso all’artwork, davvero di impatto e realizzato con grande maestria, rende assolutamente l’idea dell’era spaziotemporale con cui bisogna confrontarsi una volta premuto il tasto play.

Quindi Superspazio è un album sicuramente diverso. Folle, decisamente più folle e futuristico della musica che i Tubax ci hanno regalato in passato. È davvero un piacere notare quanto i musicisti siano maturati e abbiano voluto far evolvere una proposta che (forse) rischiava di arenarsi sempre sulle stesse geometrie. A noi piaceva molto lo stile più diretto e dirompente dei loro precedenti due album, ma è questione di gusti. Per capire bene però la complessa architettura musicale di questa band suggeriamo di partire dal loro primo album Il Mondo Stava Finendo. Allora potrete dire di esservi fatti un’idea completa sul sound Tubax.

Autore: Tubax	Titolo Album: Superspazio
Anno: 2019	Casa Discografica: 4inaroom Records
Genere musicale: Crossover, Sperimentale, Progressive	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/TubaxSound/
Membri band: Giacomo Schirru – basso Davide Stampini – synth, chitarra, sampler, voce Alberto Fogli – batteria	Tracklist: 1. Furiax 2. B68 3. Night Walker I 4. Night Walker II 5. Night Walker III 6. Klang 7. Bon Voyage I 8. Bon Voyage II 9. Y67 10. Anni Luce

Bye Bye Japan – In The Cave

I Bye Bye Japan realizzano un album che è una fusione di radici differenti ma che nel complesso suona uniforme. Questo è l’estremo riassunto, in una sola stringata frase, di questa mezz’oretta abbondante di musica realizzata da questo combo tutto italiano, se proprio dovessimo tentare di descrivere la loro proposta musicale nell’era dei social. Ma ammettiamo che una frase così succinta non rende giustizia ad un album sicuramente orecchiabile ma pieno di sfumature. Le linee vocali di Kimberly Mangano sono molto vicine al pop americano e a quell’impronta tipica della musica da club, gli strumenti musicali cercano di amalgamarsi a questa espressione personale ma si aprono a visioni particolari: The Bump ad esempio lancia una bella chitarra distorta, salvo poi riprendere l’ambientazione da club citata prima, nell’opener ci è sembrato di assaggiare un desiderio di crossover, quasi a rivedere alcune ombre targate Faith No More del passato. Candle Cose è il brano da segnalare a parer nostro, quello che regala fascino: intensità vocale, linee molto più ispirate, fanno da contraltare ad una forte presenza strumentale soprattutto nel chorus che ha il compito di far esplodere il brano rispetto alle pacate strofe, richiamandoci qualche soluzione targata J. Buckley anche se siamo su altri campionati. Con R-Shine arriva un sapore new wave che spiazza un po’, eppure la ritmica e il ritornello sono in grado di creare proseliti.

Interessante il fatto che il contributo compositivo maggiore sia stato dato da Max Amoroso, bassista della band, fatto che è evidente all’ascolto non tanto perché il basso si colloca in prima linea nel sound (eccezion fatta per la buona Time To Do Everything) bensì perché le diverse tracce regalano questa sensazione molto incentrata sull’ambientazione (soft) e sulla ritmica (lenta e siderale) che ci fa immaginare al lavoro un bassista o comunque un musicista non alla costante ricerca di comporre melodie. Questo è uno degli elementi caratterizzanti la musica dei Bye Bye Japan che a nostro parere non gioca molto a favore, noi avremo preferito qualche traccia con maggiore mordente, di quelle che ti resta attaccata all’orecchio per giorni e che, magari con trame ricercate e con una vena elettrica forte, avrebbe potuto rappresentare in toto il sound che la band intende lasciare ai posteri.

Autore: Bye Bye Japan	Titolo Album: In The Cave
Anno: 2019	Casa Discografica: Dcave Records
Genere musicale: Crossover	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ByeByeJapan/
Membri band: Kimberly Mangano – voce Max Amoroso – basso Fabrizio Mascali – chitarra Andrea Tascone – batteria	Tracklist: 1. Elephant People 2. Drifting 3. The Bump 4. Brazzaville 5. In The Cave 6. Candle Code 7. Helltown Bridge 8. R-Shine 9. Polly Jean Becker 10. Time To Do Everything

Los Talker / Ibridoma – Los Talker

I Los Talker sono un duo che si autoproduce questo omonimo EP di rap metal. Problema principale di questo genere è trovare lo spazio per variare tra una composizione e l’altra che, come è evidente da storici nomi del passato, rischia sempre di essere ripetitivo e troppo uguale a se stesso. In Los Talker e nei cinque pezzi che lo compongono, fortunatamente, questa pecca, se così la si può definire, viene evitata completamente. E già questo è motivo di plauso per questi ragazzi che fanno dell’ecletticità compositiva il loro fulcro principale. I testi sono di protesta sociale, nella giusta scia di chi questo genere lo inventò, e sono intelligenti e per nulla scontati. Anche qui non si cade nel banale di ragazzini che, all’esordio, sfanculano tutto e tutti senza un minimo di pensiero approfondito e ragionato. Aggiungiamo che poi il sound è aggressivo ed arriva come una bella mazzata. A questo punto gli elementi per dire che questo lavoro è positivo in ogni suo aspetto ci sono tutti. Calinegro Thrash vede un bel ritornello in growl ed è la canzone che spicca di più tra le cinque proposte, mentre Alla Deriva gioca con il funky e la disco anni ’70.

Il duo è supportato sia in studio che in sede live dagli Ibridoma, band metal italiana. Mattia Foresi, che è anche grafico, cura tutto l’artwork del lavoro. Aspettiamo un debut sulla lunga durata che speriamo mantenga invariate le caratteristiche fin qui ascoltate ed arricchisca ancora di più il sound dei Los Talker. Cadere nell’ovvietà e nella ripetitività è cosa (involontariamente, il più delle volte) molto facile. Ma siamo sicuri che loro non lo faranno.

Autore: Los Talker / Ibridoma	Titolo Album: Los Talker
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Crossover, Rap Metal	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: http://www.ibridoma.com
Membri band: Mattia Foresi – voce Marco Vitali – chitarra, basso, voce Ruglud – batteria, cori Francesca Bonvini – voce in Alla Deriva	Tracklist: 1. Los Talker (Feat Marco Vitali, Ibridoma) 2. La Piaga Del Decennio (Feat Marco Vitali, Ibridoma) 3. Lande (Feat Marco Vitali) 4. Alla Deriva (Feat Marco Vitali, Francesca Bonvini) 5. Calinegro Thrash (Feat Marco Vitali)

Moruga – Diablo Live Session

Avevamo già incontrato i Moruga parlando del loro ottimo esordio discografico Gallardo (a questo album) e ci avevano stupito per intensità e originalità. Ma non è bastato ai bergamaschi sfornare un disco di altissimo livello in studio, capace di entrare nello stereo come una granata. Ora quella granata la vogliono portare in giro su più palchi possibili ed è per questo che a distanza di soli 5 mesi estraggono 4 brani dall’album e li registrano in una live session agli Indiebox Music Hall di Brescia. Il risultato è Diablo Live Session, un ottimo EP che non fa che confermare l’ottima impressione che avevamo avuto ascoltando Gallardo. Ottimi i suoni, ottima l’esecuzione, e viene fuori inevitabile anche un po’ più di anima nei brani suonati dal vivo. Tra i pezzi che vanno a comporre l’EP segnaliamo il fortunato singolo promozionale Hey! e Sounds Of The Fall, che avevamo individuato come il brano più convincente del disco.

Buona quindi la prova dei Moruga anche in queste “session”, che però forse avrebbero potuto essere impreziosite da un brano inedito non contenuto già nel disco (uscito relativamente poco tempo fa), che avrebbe sicuramente ingolosito chi come noi è un fervente sostenitore della band.

Autore: Moruga	Titolo Album: Diablo Live Session
Anno: 2019	Casa Discografica: IndieBox
Genere musicale: Crossover, Funk, Alternative Rock	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: https://www.facebook.com/MorugaSauce/
Membri band: Michele Levati Giacomo Fadini Danilo Levati Christian Paganelli	Tracklist: 1. Hey! 2. Burning Man 3. Sound Of The Fall 4. 4 Minutes Of Hate

Upanishad – Crossroad

Sono molto lontani i tempi degli esordi di questo progetto, nei primi anni del 2000 quando i giovanissimi Upanishad proponevano punk rock. Oggi il progetto è maturato e il nuovo lavoro dal titolo Crossroad lo dimostra subito, fin dalla prima tracce. Look At You, ma anche molti brani inseriti in questo album, sono lunghi e variegati, la band non si è risparmiata, anzi potremo dire che si è messa molto in gioco alla ricerca di uno stile particolare che potrebbe essere esemplificativamente inserito nel crossover ma che in realtà pesca da tantissimi mondi diversi. Di base troviamo una forte radice alternative rock e grunge, stili osannati negli anni 90 e che sicuramente i ragazzi avranno ascoltato fino allo sfinimento nell’epoca della loro giovinezza; quale power trio (e quindi con una sola chitarra), gli Upanishad saggiamente lasciano molto spazio al basso che traccia linee incisive (The River è solo uno dei tanti) e che riesce a creare un interessante connubio con la sei corde, ma il loro punto forte non è nella singolarità infatti le varie incursioni ritmiche di This Room o di Parasite sono una ciliegina saporitissima e caratterizzante dello spessore di questo combo.

La chitarra ha una personalità molto bene definita, decisamente rock e nonostante giochi talvolta con gli effetti (come in This Room ad esempio) sa presentarsi con irruenza (l’impatto di Feelings è a dir poco impulsivo), promossa a pieno titolo. La cosa affascinante è che ogni singolo brano si evolve in una direzione inaspettata rispetto ai suoi primi secondi, portandoti alla scoperta di qualcosa di inaspettato; allo stesso tempo non li definiremo però una band sperimentale in senso stretto perché, grazie alla vena rock e alla sezione ritmica decisamente incisiva, i brani entrano dentro fin dal primo ascolto. Connected è un’altra sferzata rock che non riesce a fare pace con il metal, pur avendo una sei corde molto ruvida e a modo suo distorta, sopratutto nella parte centrale: un brano che ha delle buone aperture e che fagocita una certa psichedelia (potenziata ancora di più in Clouds) che lo rende ancora più affascinante. E poi arriva l’ammaliante Parasite che spiazza tutti, con quel basso che fa da colonna portante e quel rullante aperto che alletta, aprendosi ad influenze latine che ci hanno riportato alla memoria i The Mars Volta.

Con la seconda parte dell’album gli Upanishad mettono in scena una forma più stratificata, introspettiva, danno più spazio ad effetti e scoprono il fianco ad un’evoluzione stilistica non da tutti che, in combo con la prima parte, rende Crossroad un assoluto capolavoro.

Autore: Upanishad	Titolo Album: Crossroad
Anno: 2019	Casa Discografica: Red Cat Records
Genere musicale: Crossover	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/upanishadproject
Membri band: Vanni Raul Bagaladi – voce, chitarra Mirko Bazzocchi – basso, voce Lapo Zini – batteria	Tracklist: 1. Look At You 2. This Room 3. Feelings 4. Side Effects 5. Spikes Trap 6. Connected 7. Crossroad 8. Parasite 9. Clouds 10. The River 11. No Way Out

Moruga – Gallardo

Si può riuscire nel 2019 a mescolare nello stesso calderone il groove del funk, l’appeal del rock e la potenza del metal senza sembrare una grottesca imitazione dei lucenti (almeno per quanto riguarda la miscela dei generi in questione) anni’90? La risposta la danno i bergamaschi Moruga ed è più simile ad un cazzotto ben assestato in pieno volto che ad un sussurro. Il loro Gallardo è un’autentica scarica di basso funky, chitarre maltrattate e batteria furiosa, un sovrapporsi di cavalcate violente e di incastri ritmici molto convincenti. L’orecchiabile opener Hey! è ilperfetto singolo che strizza l’occhio anche ad ascoltatori più avvezzi a suoni commerciali, ma nonostante ciò mantiene una carica notevole. A noi ricorda a tratti gli Hoobastank più energici ed incazzati (quelli di This Is Gonna Hurt / Crawling In The Dark, per intenderci), soprattutto nell’uso degli effetti di chitarra e nella voce. Notevole è la produzione del disco, con suoni pompati al punto giusto e che rendono giustizia all’energico sound dei Moruga. Soprattutto la sezione ritmica macina note e pattern in modo granitico, forse unico appunto da fare al suono riguarda la batteria che pare a tratti davvero troppo muscolosa, forse complice l’uso esagerato di trigger che rendono alcuni passaggi un po’ innaturali (umilissimo parere da ascoltatore).

Burning Man, Foreword e Motorchina sono la spina dorsale di questo disco, divisi tra ritornelli orecchiabili di stampo rock ed intermezzi funkeggianti davvero convincenti e mai troppo invasivi. Assolutamente da sottolineare Sound Of The Fall, un brano di stampo più rock capace di restare in testa già al primo ascolto con il suo ritmo incalzante e il suo basso sporco. Notevolmente più influenzate dal sound afroamericano risultano invece la sperimentale Roboduck e l’energica scarica di breve durata I Don’t Give a Funk, realizzata insieme a Hasma dei What A Funk. Ci piace davvero questo disco, suonato ottimamente, pieno di idee e di contaminazioni, ma ordinate con cura, dosate e “sputate” in faccia a chi ascolta al momento giusto.

Non sono molte le formazioni della nostra penisola in grado di padroneggiare il crossover con la maestria dei Moruga, mantenendo potenza, groove ed orecchiabilità tutte nella stessa misura e il loro suono meriterebbe forse orizzonti più ampi del nostro Belpaese. Noi nel nostro piccolo non possiamo far altro che augurarglielo di cuore.

Autore: Moruga	Titolo Album: Gallardo
Anno: 2018	Casa Discografica:IndieBox Music, Artist First
Genere musicale: Crossover, Funk, Alternative Rock	Voto: 8
Tipo: Vinile	Sito web: https://www.facebook.com/MorugaSauce/
Membri band: Michele Levati Giacomo Fadini Danilo Levati Christian Paganelli	Tracklist: 1. Hey! 2. Sound Of The Fall 3. Burning Man 4. Foreword 5. I Don’t Give A Funk (feat Hasma) 6. Roboduck 7. 4 Minutes Of Hate 8. Sweet Sound Stereo 9. Intro 10. Motorchina

Acajou – Under The Skin

Tanti anni sono passati dagli esordi dei Acajou e come è giusto attendersi da una band che ha attraversato due secoli così diversi (e cambi di line-up), gli Acajou di oggi si sono evoluti stilisticamente, alcuni riff si sono ammorbiditi e il suono si è riempito, di strumenti e di attenzioni. Così Under The Skin, il nuovo album, presenta diverse sfumature, dal pop rock, al funky fino all’art rock; già mettere a confronto le chitarre spigolose ed effettate in La Ferrari rispetto all’approccio quasi space rock della title track fa capire che siamo dinanzi ad un range musicale molto ampio. Gli Acajou sono una rock band matura, valorizzata in questo album da una buona produzione (qualche strumento migliorabile) e da un desiderio di arricchire i brani con arrangiamenti (ora synth, ora voci, ora suoni che svettano rispetto agli altri) pur di non passare inosservati. Il lato che ci piace di più di questa band è quello che si spinge un po’ oltre le classiche melodie, nel brano In The Wave il funky sembra ci si voglia sconfinare nel crossover e l’ambientazione creata è davvero coinvolgente, intensità ripresa poi in Dim Noise; anche We’ve Never Met spicca con quel sapore di spalla The Police ma contestualizzato in un electro rock più italiano per stile.

C’è da dire che questo “arricchimento” non sortisce sempre risultati positivi: gli effetti nascondono alcuni lati del singer che non ci convincono, in primis l’espressività musicale che resta un passo indietro rispetto invece a quella degli strumenti: basti ascoltare la prima parte di Old Home Boy per comprendere che qualcosa potrebbe essere rivisto; anche in Sometimes si ha la stessa sensazione, seppur qui in maniera meno rimarcata, un brano che cela una parte strumentale e un bridge davvero affascinanti che ci hanno riportato al gusto musicale dei Bluvertigo. Spesso lungo l’ascolto ci si chiede fin dove può arrivare la band e la risposta arriva con Jeez (In The Mood For Love), un brano molto ispirato in cui vengono fuori la sinergia compositiva della band e la bravura di questo combo che dovrebbe puntare su queste coordinate. Under The Skin è un’insalata davvero gustosa di suoni e di riff, ci piacciono i sapori ed i colori così diversi ma che si amalgamano in un piatto unico che si può incastrare nella scena rock. Forse una preparazione (interpretazione vocale e produzione) di un livello superiore avrebbero migliorato ancora di più il prodotto finale.

Autore: Acajou	Titolo Album: Under The Skin
Anno: 2019	Casa Discografica: (R)esisto
Genere musicale: Rock, Funky, Crossover	Voto: 6,75
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/theacajou
Membri band: Filippo Ferraretto – basso Nicola Tomas Moro – chitarra Simone Ruffato – batteria Marco Tamburini – voce, synth	Tracklist: 1. La Ferrari 2. We’ve Never Met 3. Old Home Boy 4. Under The Skin 5. In The Waves 6. Sometimes 7. Jeez (In The Mood For Love) 8. Dim Noise

Funnets – Wanji

Quella che abbiamo appena finito di ascoltare è la produzione di una band nostrana che dimostra appieno come più generi possano convivere tra loro. L’esempio potrebbe essere quello dei Red Hot Chili Peppers, dai quali sembra che i Funnets abbiano preso ispirazione condendola con tante loro idee, ma la band nostrana ha qualcosa che la contraddistingue vale a dire quella di saper fare davvero dell’ottimo crossover segno questo dell’impegno serio che questi ragazzi hanno con la musica. E veniamo a questo loro album Wanji che dimostra di possedere uno stato di avanzamento esperenziale unico per quanto è in grado di esprimere, sia sotto il profilo musicale che sotto quello compositivo. Wanji parla di esperienze personali e di storie proprie tanto da proiettare questo lavoro in una concettualità tipicamente rock. Ma non di solo rock la band intende vivere ed infatti, qui ci si trova di fronte anche ad una musicalità che partendo dal rock passa attraverso il funk, l’alternative ed un condimento di sperimentalismo progressive che non stanca, anzi…. E la bravura di questi ragazzi sta proprio nel saper amalgamare generi diversi condendoli di testi che completano la loro visione e concezione di un rock sempre al passo coi tempi, mai demodè.

E non mancano poi quelle introduzioni di stampo etno che già troviamo in apertura, ben miscelate ad una voce da Red Hot che in Shamans Song hanno un carisma tutto proprio come l’essenzialità ritmica sulla quale si mantiene tutto il pezzo. F.O.W. è invece il brano che esplode in un rock di vecchio stampo ma pieno di tutto quel groove che solo un genere come il crossover riesce a dare. E mi pare proprio di capire che Wanji sia un lavoro da ascoltare con molta attenzione capace com’è di passare da incalzanti e bombardanti ritmi ad atmosfere che richiamano alla mente un certo grunge alla Chris Cornell, e non credo di dire un’eresia perché la voce di Matt è un vero concerto per le nostre orecchie per la timbrica che è capace di esprimere. Lo si capisce benissimo da Doubtful Waves che è semplicemente un brano da sogno che fa sognare per la “dolcezza rock” che esprime. Wanji è un vero e proprio concept perché racconta di viaggi interiori, ma è anche un album che ha precisi riferimenti a mondi lontani ed ogni canzone è una vera e propria ricerca di questo mondo dove l’energia passa attraverso il coinvolgimento di una musica espressa nel migliore dei modi. Sarà che i Funnets mirano ad equilibri ormai desueti, ma la ricerca continua anche attraverso le sonorità che questi bravi strumentisti sanno esprimere.

Un disco che va ascoltato con predisposizione all’amore per i generi che raccoglie al suo interno. Già l’avvio del disco la dice lunga su dove si arriverà, ma soprattutto sul come si arriverà alla fine del disco; Shamans Song è infatti un crogiolo di sensazioni dove il tribalismo racconta di etnie che viaggiano verso i mondi di un modernismo rappresentato qui da un grande rock che fa da apripista per quel F.O.W. che a discapito di scale pentagrammate è più vicino ad un hardcore da sballo. Ma siamo convinti che oltre ai R.H.C.P. le influenze che gravitano sulla pelle di questi bravi musicisti sono le più svariate e lo dimostra il successivo Doubtful Song che sembra un pezzo ispirato da un Eddie Wedder in piena forma, una ballata che abbiamo riascoltato più e più volte e che possiede un suo ipnotismo unico grazie al sound misurato ed alla splendida voce che spadroneggia inseguita dalle battute strumentali. Con Shiny Monkey invece assistiamo ad un racconto del tutto personale, una sorta di commedia pinkfloydiana per come è composta, solo che qui mancano in particolare gli strumenti perché completamente sostituiti da una composizione dove la recitazione è l’essenza del messaggio che si vuol far arrivare a chi ascolta. Il tutto poi fatto in lingua inglese, probabilmente perché è di certo quella che si presta di più a certe sonorità. Ma è il rumore di fondo che colpisce perché oltre ad essere costante è anche l’avvio del successivo Green Pink, un pezzo legato molto al rock anni novanta, rock che qui contiene una bella sequenza di chitarra capace di esplodere in un solismo ed una compattezza musicale che ha pieni riferimenti al miglior grunge.

E se Capital Affair affonda le sue radici nel funk R.H.C.P. non manca qui l’influenza hardcore della band che dimostra di avere sì riferimenti ma mai imitazioni di genere. Shamarro è invece rock ben giocato su pedaliere e su manici di chitarra che esprimono illimitati orizzonti che solo un gruppo come i Funnets è in grado di raggiungere. Chiudono il disco Byzantine che ingloba cambi improvvisi ed alcuni passaggi che richiamano nell’insieme una serie di generi che vanno dal funky, al rock progressivo, al jazz rock, e Ornitophobia che spacca con un sound dove sono miscelati alla perfezione tutti quei generi di cui i Funnets hanno padronanza assoluta. Per come è fatto Wanj merita un posto d’onore nel panorama delle produzioni tricolori e non solo per la sua concettualità, ma anche e soprattutto per la grande musica di cui è intriso. A noi è piaciuto considerevolmente e non abbiamo paura a nasconderlo.

Autore: Funnets	Titolo Album: Wanji
Anno: 2018	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Funk, Crossover, Alternative Rock	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/funnetsofficial/
Membri band: Matt – voce, sax Pamp – basso Leski – chitarra Joe – batteria	Brani: Shamans Song (Intro) F.O.W. Doubtful Waves Shiny Monkey Green Pig Capital Affair Shamarro Byzantine Ornitophobia

Savana Funk – Bring In The New

Cambio di nome e terzo album per i Savana Funk, in precedenza noti come Aldo Betto w/Blake Franchetto & Youssef Ait Bouazza. Il progetto scorre veloce con il ritmo di un album all’anno e giunge a questo 2018 con Bring In The New, un lavoro che vede le linee vocali assumere una posizione importante, non solo se confrontati con i precedenti lavori completamente strumentali ma anche per il loro utilizzo melodico e fascinoso (si ascolti le prime due tracce). Lo stile musicale dei Savana Funk varia a seconda delle tracce e dei musicisti che vi contribuiscono: funk, crossover, reggae, blues su tutti. A noi piacciono i momenti più spinti, quelli in cui la strumentalità prende il sopravvento e la sezione ritmica si trascina dietro tutto il resto: un esempio perfetto è Old School Joint che dice la sua in quanto a tecnica (chitarra in primis) pur senza inventare nulla di innovativo, più che altro ci conquista per il suo groove che ti avvolge; altro esempio è la lunga Zahra che ricorda nella prima parte qualcosa di Santana, nel suo uso della sei corde e nelle ambientazioni musicali fresche, pur cambiando diverse anime nel suo corso.

Bring In The New è un album interessante che avrebbe potuto offrire ancora di più a nostro parere se affianco a ritmi e generi diversi si fossero sovrapposti anche strumenti molto diversi tra loro, più di quanto già offre. Una sperimentazione nella sperimentazione.

Autore: Savana Funk	Titolo Album: Bring In The New
Anno: 2018	Casa Discografica: Brutture Moderne
Genere musicale: Funk, Crossover	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/savanafunkmusic
Membri band: Aldo Betto – chitarra, voce Blake C. S. Franchetto – basso, voce Youssef Ait Bouazza – batteria, percussioni, voce Special guest: Nicola Peruch – Hammond, Rhodes, moog, synth Chris Costa – voce, Hammond Danilo Mineo – percussioni Antonio Gramentieri – chitarra	Tracklist: Bring In The New The Walls Of The Shy Old School Joint Hip Latin Zahra Radio, You Break My Nose ‘till Dawn Zahra (Reprise)

Chickn – Wowsers!

Vengono dalla Grecia e dopo anni di prove e collaudi vari giungono al primo vero full-lenght dal titolo Wowsers! con una copertina che rende bene l’idea del melting pot di influenze inserite nel loro sound. C’è del rock e del brit, la tradizione anni 70, ci sono i Blue Öyster Cult, ci sono i Beatles, c’è un certo alone di psichedelia (effetti alla sei corde) ma usato solo per rendere più evanescente alcuni refrain perché i brani nicchiano ad un rock orecchiabile. Eppure c’è una personalità del combo ben delineata: ascoltate I Cry Diamonds e sentire scorrere nelle vene il loro groove con tanto di intermezzo strumentale di floidiano sapore; uno dei brani più carichi del lotto. Poi c’è il mosaico Chickn Tribe, nome usato anche per la loro pagina Facebook, opera nella quale ogni strumento si trova il proprio spazio muovendosi in maniera del tutto autonoma e mantenendo quell’animo hard psych che la band non nasconde di possedere.

Variabilità, discontinuità: Egg Of Love cambia completamente rotta e ricorda un certo sound dei Fab Four colorato di sapore country e folk, ma la vera psichedelia che riprende le radici dei Pink Floyd arriva con China Must Win, brano che sul finire presenta un crescendo esplosivo in classico stile da “effetto da sostante stupefacenti”. Un album introspettivo e lisergico, disegnato per chi ama il sound degli anni 70 ma con una dinamicità che i Chickn riescono ad inserire nella propria ricetta. Davvero interessante.

Autore: Chickn	Titolo Album: Wowsers!
Anno: 2018	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Rock, Hard Psych, Crossover	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/chickntribe/
Membri band: Angelos Krallis – voce, synth, chitarra Pantelis Karasevdas – batteria, percussioni Mark Brown – basso Chrs Bkrs – tastiere	Tracklist: Invocation Am I Cher? Too Many Parables I Cry Diamonds Chickn Tribe Egg Of Love China Must Win Elevational Love Of Frank Zappa Cloud Over Athens