Vaio Aspis – Radica

Sotto la lente d’ingrandimento di RockGarage arrivano oggi i Vaio Aspis, band vicentina reduce dall’uscita di Radica, album che giunge sulle scene a quattro anni di distanza dal precedente Be The Other e che segna il passo con due novità significative rispetto al passato: line-up diversa e testi in italiano. Quello che abbiamo tra le mani è un prodotto molto grezzo seppur ben definito nella sua ottima confezione sonora: chitarre chirurgiche sovrapposte ad una sessione ritmica serrata, doppio vocalist, songwriting trasversale ed aggressivo. Ben fatto il booklet e l’intero packaging. Stilisticamente, il suono di questa band si materializza attraverso la fusione del più moderno nu metal ad elementi rock tipicamente estremi, quali grunge, heavy e crossover. Potremmo inoltre aggiungere (ma lo avranno già fatto in molti) che dall’ascolto di questo lavoro appaia lampante quanto il progetto artistico Vaio Aspis sembra (pro)seguire in paio – o ricalcare – quello dei torinesi Linea 77, primi (o forse più fortunati) ad imporsi sul mercato sotto questa veste artistica. Istruzioni per l’uso: Radica va metabolizzato in profondità, cercando casomai di scostarsi quanto più in là dalla semplice constatazione della struttura “linea sonora incazzata+testo interpretato+chorus melodico”.

Teniamo ben presente che stiamo parlando di una band di prospettiva, ancora acerba dal punto di vista dell’esperienza, ad oggi capace di mostrare un potenziale che necessita di altre metamorfosi musicali che li indirizzi verso la maturazione di una identità propria, magari più originale e meno assimilabile a stereotipi di cose già sentite. Gli stessi Linea 77 dopo i fasti di un decennio fa, probabilmente vittime e carnefici del loro stesso immutato sound, sembrano oggi aver perso molto di quello smalto che inizialmente aveva fomentato il loro fortissimo exploit d’avvio. Se questa speranza dovesse invece rimanere vana, l’episodio di Radica rimarrà solo il tentativo di passaggio di una delle millemila band che avevano qualcosa da dire alla loro generazione ma che nel mentre hanno desistito dall’impresa. Non deludeteci.

SKW – Signs

Formatasi a Milano nel lontano 1989 (la formazione attuale è stabile dal 1996) con il moniker Skywalker, successivamente cambiato in SKW, la loro esperienza è maturata prevalentemente sui palchi di tutta Italia e buona parte d’Europa, infatti Signs è il quinto disco prodotto da questa band che ha sempre abbinato alle loro opere tour infiniti.Questa volta la formazione meneghina prova a variare dalle proprie linee guida, inserendo nel loro classico sound fatto di alternative crossover, elementi metalcore.L’anima melodic tuttavia prevale su quella più prettamente aggressiva dando vita ad un prodotto ormai ben codificato nel mondo metal nostrano, ed anche se non particolarmente innovativo l’album scorre veloce senza grossi intoppi.La solida sezione ritmica tessuta da Mirko Voltan e sostenuta alle pelli da Giancarlo Piras, ben si interseca con il solido riffing di Simone Analclerio, che ci lascia orfani però di una qualche variazione daltema di base. La voce di Laratro si trova a proprio agio sia su trame più aggressive, grazia ad un taglio ruvido, sia durante refrain più melodici non superando mai i limiti tracciati, come nella ballad (se si può definire così) Never So Close.

La traccia più convicente è sicuramente l’opener Light, che sublima al meglio tutte le caratteristiche sopra citate e presentate alla grande grazie al climax che porta al refrain principale. Di assoluto livello stilistico sono poi A New D Sign e la cover dei Rush Red Sector A. Purtroppo il disco non mantiene la stessa carica e lo stesso tiro per tutta la sua durata, scivolando un po’ nell’anonimato con tracce meno vivaci e più confuse come When Tomorrow Becomes Today e Fail.Signsè quindi un album gradevole per la sua linearità, ma proprio quello che è il suo punto forte alla lunga diventa un elemento di debolezza, perché la band non riesce ad uscire dalla rotta impostata ed a ingranare quella marcia in più decisiva per rendere il disco più memorabile.

Doctor Krápula – Viva El Planeta!

Direttamente da Bogotà arrivano nel 2012 i Doctor Krápula con l’album Viva El Planeta!, un lavoro che scava nel loro classico stile (anche se “classico” suona come un eufemismo per loro). Non notissimi dalle nostre parti, i Doctor Krápula in quindici anni di carriera hanno creato un fenomeno social-musicale incentrato sulla cultura locale, non solo del proprio Paese ma di ciascun Paese della Terra, che accomuna persone molto distanti geograficamente ma che rispecchiano alcuni ideali politici abbastanza schierati. I generi trattati sono i più diversi: il rap sanguinario e molto latino di Doctor Krapula Presente, l’opener e anche singolo dell’album, diviene punk rock rivoluzionario in Antidoto e in Locomotora (quest’ultima dal sapore molto estivo), poi ska nella title track e in Buscado El Amor e infine reggae in Amarece. Quello che resta dopo aver spremuto Via El Planeta! è una manciata di brani brevi e veloci, allegri (anche se non sempre le tematiche sono positive), che assumono un’ottima forma live anche grazie a degli arrangiamenti caraibici che fanno muovere il bacino senza fine sotto le loro note. A noi ovviamente piacciono i passaggi più rock, come Atencion o En La Jugada, che danno filo da torcere a molte rock band con meno anni alle spalle. Però bisogna riconoscere a questa formazione la capacità di spaziare tra generi molto diversi.

Grande merito per la scelta di puntare sulla lingua propria, vera arma vincente del combo e che permette loro di esportare una filosofia, la storia di un Paese, più che semplice musica. Un album naturalista (per i temi) e multiforme (per le musiche), sapiente e allo stesso tempo sbarazzino in grado di portare facilmente tutta la carica dei Doctor Krápula sui palchi di mezzo mondo, cosa che il quintetto sta già facendo.

Away Minerva – My Only Radio

Sapore americano, alternative misto a crossover, linee vocali appunto alternative su una sezione ritmica che sa la sua: questi gli elementi base per presentare i giovani Away Minerva. L’opener del loro EP di debutto pesca direttamente dalla tradizione Incubus, band citata dalla stessa band come fonte di influenza: title-track dell’EP che innietta benissimo l’energia che la super band madre aveva elargito con l’album Make Yourself e grazie alla quale aveva avuto il successo planetario tanto sperato (anche se noi li amiamo ai tempi di S.C.I.E.N.C.E.). Un’ottima commistione di fattori, una sei corde che si prende i propri spazi ma che sarebbe davvero poca roba senza una batteria dall’incedere caparbio e dalla grande personalità e un basso che fa il resto, e lo fa anch’esso con grande maestria. Belli gli arrangiamenti di Schola, da citare anche le linee vocali, belle anche se si accostano un pò troppo allo stile di Brandon Boyd. Breath Of My Soul tocca scenari più psichedelici, anche se la componente rock è sempre ben inquadrata, con un refrain che si impone come presenza fissa nella memoria dell’ascoltatore; chiude l’EP Down Below che rallenta il gioco ma lo fa senza depennare il valore compositivo, anzi conferendo quel sapore di amaro ad un pezzo comunque emotivo.

Gli Away Minerva sono quindi una band promettente e che potrebbe avere un futuro importante a patto però di differenziarsi dai già citati Incubus (prima di tutto per le parti vocali) e cercare ricette ancora più originali. I presupposti comunque ci sono tutti.

WorldService Project – Fire In A Pet Shop

In alcune parti della penisola italiana si dice “carta conosciuta” quando ci si trova dinanzi ad un evento o ad un fenomeno già visto, già vissuto. Noi potremo dire lo stesso per i WorldService Project, quintetto che avevamo scoperto con l’album Relentless del 2010 (recensito da noi a questo link) ma anche con il Live From London in cui, a casa propria i ragazzi avevamo sfoggiato il loro talento. Il loro stile però non è per nulla banale, anzi la loro abilità sta proprio nello stupore prodotto al loro ascolto. Nel 2014 il combo non si stanca per nulla e punta ancora di più sull’effetto sopresa piazzando un album, Fire In A Pet Show, davvero strabiliante. Non serve andare al cuore del capitolo per comprendere i loro (non) confini: già solo con l’opener gli intermezzi jazz si frantumano contro un muro math imbastito di tanto in tanto da effetti pazzoidi (come quelli dei videoghiochi) senza far comprendere bene dove vogliono arrivare, ma mettendo sul piatto in maniera molto chiara la loro schizofrenia e le immense abilità tecniche. Strumenti a corde, ritmici e a fiato si mescolano in una overdose di tempi dispari e in un vero tripudio di assenza di schemi; tutto questo si verifica con brani che durano quattro minuti e oltre, quindi con una complessità compositiva indecifrabile. Il titolo dell’album e di molti brani in esso inclusi hanno un sapore di sperimentale e di impossibile classificazione, tipico di formazioni che viaggiano oltre i canoni del normale e che fanno dell’estro la loro arma di battaglia (ricordate i Primus?!). Non a caso il lavoro e l’artwork sono incentrati in un incendio scoppiato in un negozio di animali che rappresenta allo stesso tempo l’irrazionalità non-umana e l’imprevedibilità dell’accaduto, due elementi insiti anche nel loro sound.

Crossover mescolato al math, suoni inadatti per il rock e per questo molto piacevoli se inseriti in questa orgia di influenze; distorsioni e vibrazioni, compaiono anche quelle, nonostante in alcuni momenti gli strumenti a fiato assumino un ruolo sicuramente principale. Gli scenari sicuramente più cupi di Villain Of The Aeroplane fanno da contrasto a momenti sicuramente più sbarazzini come Dance Of The Clown che come suggerito dal titolo si ispira a certe ambientazioni da circo. Certo non mancano passaggi abbastanza ostici, come Change The F**King Record, ma in fondo lo stile della band non è assolutamente per tutti. Per i grandi innovatori, per chi cerca musica davvero particolare, per chi non ama la sperimentazione fine a se stessa e per chi è stufo della solita musica che si ascolta in giro: se rientrate in questi gruppi di esseri umani allora i WorldService Project fanno al caso vostro.

Ossi Duri – Senza Perdere La Tenerezza

Certo che per riproporre un certo rock legato al passato senza suonare come dei semplici cloni bisogna essere proprio degli ossi duri! Da qui partiamo per descrivere questa giovane ma collaudata band il cui moniker è proprio Ossi Duri, un quintetto che si dice profondamente ispirato da Frank Zappa (a proprosito del quale ha anche realizzato un album tributo) ma che in realtà, in questo nuovo album di inediti dal titolo Senza Perdere La Tenerezza, fa della grande varietà il punto di forza della propria proposta: lo ska di Senza I Tuoi Occhi e le sonorità latine creano un vero stacco rispetto all’hard rock di Soldi Facili, il rap sciolto in Ragazzo Poliziotto inframmezzato da una chitarra elettrica e qualche effetto lontano dal rock o ancora il progressive schizzato di La Capra. Il rischio che un segno di dispersione di stili così elevato possa essere percepito come una mancanza di bussola è alto ma un orecchio attento riconosce la grande qualità musicale della band. La verità è che i ragazzi riescono davvero ad esprimersi in forme differenti, a lasciare spazio ai vari strumenti, prendendo spunto dal progressive, dall’art rock e da molte radici divserse. Certo, non è tutto oro quello che luccica come ad esempio il forte imprinting ironico/sarcastico, altra caratteristica del loro sound: la spensierata Mozzarella Trafelata trova nell’azzeccatissima voce di Freak Antoni (registrata praticamente pochi mesi che ci lasciasse) un connubio ovvio anche se spinge la proposta un pò troppo fuori dal proprio contesto.

L’estro incontrollato di Zappa produce i propri risultati (Il Re Del Sol, C’era Una Volta Un Re), effetti che strizzano l’occhio anche a produzioni più recenti (Elio E Le Storie Tese) avendo sempre a mente tanta musica strumentale e momenti in cui i testi non giocano un ruolo principale. La particolarità della proposta è che in alcuni momenti si fa piacevole, in altri suona più estrema e un pò troppo forzata (Publi City e le sue incursioni nel jazz ad esempio o i testi di Unica e di La Suite Del Merlo Pennuto un pò demenziali), il che rende il tutto più univoco: gli Ossi Duri possono piacere o meno ma difficilmente vi lasceranno del tutto insensibili. Un prova fuori dagli schermi, per gli amanti del crossover ma che hanno sempre sete di rock. Un percorso assolutamente originale, da assumere però a piccole dosi.

Il Nido – I Piedi Della Follia

No vabbè…senza parole. Ti arriva in redazione un disco di una band che si chiama Il Nido e ti aspetti una serie di pezzi pesanti, pallosi, indipendenti, Feltrinelli, precari, eccheppalle. Però vieni smentito. E di brutto. Invece del solito derelitto pezzo indie italiano ti arriva come intro uno strumentale con atmosfere rinascimentali (?!) ti fa capire che forse hai avuto un’idea sbagliata. Idea che si rafforza con il primo brano cantato Lex Intro: un furioso hard rock con reminiscenze funk e reggae, cambi di tempo a mille, voce delirante, fiati…ma che stiamo in un disco di Frank Zappa?! Ok, il disco già ci piace lo ammettiamo ed è chiaro che la follia che viene menzionata nel titolo dell’album ci sta perfettamente. Metronotte? Uau! Ma manco i Primus facevano cose simili soprattutto per quell’assolo di tromba morriconiana da “Al cuore Ramon, al cuore, altrimenti non riuscirai a fermarmi”. Danza Cutturu è uno swing selvaggio che – ovviamente – si trasforma in altri mille stili prima di terminare in un delirante siparietto comico, siparietti che torneranno in vari punti del disco. Il Parenormale mischia horror music, hardcore e funk mentre Chimichanga mostra il lato più “cazzarone” degli abruzzesi che si divertono a suonare e ci divertono. Personalmente il brano mi ha ricordato le “minchiate” degli Skiantos e la mazurka finale lo conferma.

Tra un brano e l’altro sono presenti dei siparietti comici più o meno lunghi che vanno a confermare l’attitudine demenziale della band (delirante Radio Squaquerone). E si prosegue tra il funk estremo (L’Indegno Vito) ed il rock (Stimoli Avversivi) in un caledoscopio sonoro notevole e mutevole che non disdegna qualche annusata di metal. Simpatico, multifaccia e al contempo particolarmente intelligente, con un occhio tanto al maestro Zappa ma con l’altro (rigorosamente strabico alla Marty Felman) agli Elii e ai tanto vituperati Skiantos. Promossissimo.

Grand Carabs – Violenza Domestica

Violenza Domestica non è un album qualunque. Già il titolo non è per nulla banale: due parole che tanti anni fa avrebbero fatto gridare allo scandalo o al massimo avrebbe richiamato quei litigi familiari con tanto di piatti che volano e urla da disturbo al vicinato, mentre invece oggi trasmettono più crude e spietate realtà. Quest’idea viene trasmessa come con uno specchio nei testi dei Grand Carabs che giungono con questo album alla terza prova, a distanza di vari anni dal precedente capitolo discografico. Molto bello il sax che accompagna con un fare quasi zorniano l’opener Il Verme Della Tenia ma che poi lascia spazio ad un mood stoner (Queens Of The Stone Age) colorato da una sorta di parodia-verità che prende il titolo di Le Mamme Degli Inglesi. Quest’ultimo brano è un potentissimo esempio di traccia graffiante anche per chi non è dentro al rock pur restando molto interessante per scelte stilistiche e trovate compositive. Un’arma vincente per i Grand Carabs che ancorati al rock tentano di sperimentare su ogni matrice possibile: con Il Centro Commerciale si tentano luoghi più alternative rafforzati da un rock duro che ricorda in parte i primi Litfiba. La carica del quintetto è ben diretta verso un punto focale che è quello dell’irriverenza, non però fine a se stessa, bensì confezionata a dovere di modo che non risulti un semplice sfogo adolescenziale ma qualcosa di ben congegnato, un piano ben riuscito!

Di certo non mancano le vene rock dirette e intrecciate, come la sudicia Cattivi Maestri, ma gli elementi che i Grand Carabs mettono sul piatto sono tanti: incutono davvero paura gli strizzi di pianoforte di Nel Bene E Nel Male, brano caratterizzato da dei ritmi intricati, o lo spirito contestatore e cinico delle liriche e delle linee vocali (che per certi versi ci ricorda lo stesso contributo alla diffidenza e al dover aprire gli occhi sul serio delle idee targate Koza Noztra). La Terrasanta si discosta dall’altra mezz’ora dell’album, un pò per gli effetti ma soprattutto per la voce riverberata e per l’incedere più pacato; una prova che apre nuovi percorsi musicali per i Nostri anche se noi li preferiamo nei passaggi più sfacciati delle altre tracce, come avviene anche nell’ultima Il Mostro, che piacerebbe molto a Morgan. Un’ottima interpretazione dell’essere rock negli anni ’10, senza dover puntare per forza a forme “post” o a sonorità indie o peggio ancora a conformità da classifica. Una band da ascoltare e apprezzare.

Kamikaze Test Pilots – Kamikaze Test Pilots

Per fortuna c’è qualcuno che tenta di colmare l’enorme vuoto discografico che i System Of A Down hanno lasciato dall’ultimo parto gemellare Mesmerize/Hypnotize targato 2005. Da allora infatti la band armeno-americana ha iniziato una lunga soap sulle vicende interne (e i litigi tra chitarrista e cantante) alternate da annunciate reunion e progetti solisti, ma senza mai approdare ad un nuovo album di inediti. Questa mancanza è appunto compensata da alcune giovani formazioni che provano a dare nuova linfa al crossover/alternative metal ma poche di queste si avvicinano così tanto alla proposta dei SOAD come i Kamikaze Test Pilots, band nata in Zimbabwe seppur inglesizzata con il tempo. Gli ingredienti sono gli stessi: partiture folli, una scala di effetti molto ampia, stacchi improvvisi e sezione ritmica sfrontata come non mai. Anche i passaggi più poetico-rivoluzionari come Happy Slapper si avvicinano molto alla band di Serj Tankian & Co. ma va riconosciuto al quartetto una grande verve per nulla assimilabile a band alle prime armi. Con Fairy Tales si assapora qualche prelibatezza fatta di chitarre che colano cemento e una spruzzata di Rage Against The Machine che non fa mai male; anche gli assoli, sia quelli singoli che quelli doppi, sono molto pungenti e al tempo stesso rappresentano l’icona del metal moderno. Stessa matrice si percepisce in Chikken che pur ricalcando il solito tema del “bugiardo” nei testi (un pò inflazionato a dir la verità), si tuffa in un heavy/stoner molto interessante, un pò troppo allungato nella durata ma di sicuro impatto.

La vera sfida dei Kamikaze Test Pilots è appunto prendere le distanze dai loro maestri System Of A Down e ci riescono man mano che scorre l’album: Kumusha suona come una pura heavy metal song con tratteggi sonori dell’est Europa, Perseverance si accosta al blues/country sempre però prediligendo gli amplificatori a massimi livelli e godendo di alcuni inserti più melodici che fanno guadagnare un respiro più ampio all’offerta della band. È proprio in questi passaggi che si apprezza la consistenza delle idee dei Kamikaze Test Pilots e al tempo stesso l’irruenza delle singole tracce che vanno a comporre questo potente esordio discografico (dopo due EP e un live). La sorpresa giunge con Turnpike un brano che fa girare le lancette dell’orologio con il boost e fa approdare il quartetto al rock’n’roll bastardo per poi abbracciare il groove metal sul finale. Indubbiamente affilati anche gli altri passaggi (come Shoeshine), piacevole anche la ballad Betterway per nulla carente di grinta senza però spodestare i grandi lentoni registrati nella storia.

L’accordo è stilato: se i ragazzi saranno in grado di personalizzare ulteriormente la loro proposta musicale nel lungo periodo potrebbero anche superare in successo la band prima citata da cui attingono il sound. Vedremo quindi se il patto sarà rispettato.

Outopsya – Sum

Gli Outopsya sono un duo. E qui parte il solito film per questo nuovo, moderno, modo di concepire la formazione. Una batteria accompagnata solitamente da uno strumento a corde, un suono per nulla pieno ma di sicuro alternativo, una line-up essenziale e così potremo continuare come per la maggior parte dei power-duo in circolazione. Niente di tutto questo. In realtà gli Outopsya (crasi di Out Of Psychical Activity) nascono in tutt’altra forma (trio) e si evolvono in varie formazioni diverse (per un periodo diventano addirittura un quintetto) fino ad arrivare a questo equilibrio (ricercato o forzato?!) dove però tutto c’è tranne che pochi ingredienti musicali. Synth, vari strumenti a corda, effetti e soprattutto una grande mano da parte della tecnologia. Moderno? Principalmente fuori dagli schemi. Coraggioso, intimidatorio ma al tempo stesso spiazzante. Un sound trasversale, che attinge da tantissimi generi, dal metal all’elettronica, dal progressive al crossover. Sum possiede una personalità fortissima, nel quale i tempi dispari si fondono alle notevoli capacità chitarristiche ma non stiamo parlando di pura tecnica: c’è tanto lavoro dietro questa ora scarsa di ascolto, perchè la musica risulta stratificata e inniettata da diverse influenze su una matrice assolutamente digeribile che rende il tutto ancora più piacevole ai successivi ascolti.

Tracce molto lunghe, prevalentemente strumentali se non fosse per la voce di Ylenia Zenatti che caratterizza due brani e per quella di Luca Vianini che in Mus accenna parte dei testi in italiano. Trame fitte, fittissime, quasi ad incastro, come se nessun attimo di ogni singolo brano fosse lasciato al caso o peggio a “vena scoperta”, pronto a subire un inserimento di un qualche suono perchè in realtà il sound è già pieno all’orlo così. Nessun rischio però di trovare un’accozzaglia di suoni diversi: è qui che si svela la vera arma segreta della band, la capacità di creare qualcosa di pieno ma farlo apparire all’unisono e anticonvenzionale allo stesso tempo. La tecnica si acquisisce, questa invece è una dote che in pochi hanno e gli Outopsya possono dirsi portatori sani.