Grand Carabs – Violenza Domestica

Violenza Domestica non è un album qualunque. Già il titolo non è per nulla banale: due parole che tanti anni fa avrebbero fatto gridare allo scandalo o al massimo avrebbe richiamato quei litigi familiari con tanto di piatti che volano e urla da disturbo al vicinato, mentre invece oggi trasmettono più crude e spietate realtà. Quest’idea viene trasmessa come con uno specchio nei testi dei Grand Carabs che giungono con questo album alla terza prova, a distanza di vari anni dal precedente capitolo discografico. Molto bello il sax che accompagna con un fare quasi zorniano l’opener Il Verme Della Tenia ma che poi lascia spazio ad un mood stoner (Queens Of The Stone Age) colorato da una sorta di parodia-verità che prende il titolo di Le Mamme Degli Inglesi. Quest’ultimo brano è un potentissimo esempio di traccia graffiante anche per chi non è dentro al rock pur restando molto interessante per scelte stilistiche e trovate compositive. Un’arma vincente per i Grand Carabs che ancorati al rock tentano di sperimentare su ogni matrice possibile: con Il Centro Commerciale si tentano luoghi più alternative rafforzati da un rock duro che ricorda in parte i primi Litfiba. La carica del quintetto è ben diretta verso un punto focale che è quello dell’irriverenza, non però fine a se stessa, bensì confezionata a dovere di modo che non risulti un semplice sfogo adolescenziale ma qualcosa di ben congegnato, un piano ben riuscito!

Di certo non mancano le vene rock dirette e intrecciate, come la sudicia Cattivi Maestri, ma gli elementi che i Grand Carabs mettono sul piatto sono tanti: incutono davvero paura gli strizzi di pianoforte di Nel Bene E Nel Male, brano caratterizzato da dei ritmi intricati, o lo spirito contestatore e cinico delle liriche e delle linee vocali (che per certi versi ci ricorda lo stesso contributo alla diffidenza e al dover aprire gli occhi sul serio delle idee targate Koza Noztra). La Terrasanta si discosta dall’altra mezz’ora dell’album, un pò per gli effetti ma soprattutto per la voce riverberata e per l’incedere più pacato; una prova che apre nuovi percorsi musicali per i Nostri anche se noi li preferiamo nei passaggi più sfacciati delle altre tracce, come avviene anche nell’ultima Il Mostro, che piacerebbe molto a Morgan. Un’ottima interpretazione dell’essere rock negli anni ’10, senza dover puntare per forza a forme “post” o a sonorità indie o peggio ancora a conformità da classifica. Una band da ascoltare e apprezzare.

Kamikaze Test Pilots – Kamikaze Test Pilots

Per fortuna c’è qualcuno che tenta di colmare l’enorme vuoto discografico che i System Of A Down hanno lasciato dall’ultimo parto gemellare Mesmerize/Hypnotize targato 2005. Da allora infatti la band armeno-americana ha iniziato una lunga soap sulle vicende interne (e i litigi tra chitarrista e cantante) alternate da annunciate reunion e progetti solisti, ma senza mai approdare ad un nuovo album di inediti. Questa mancanza è appunto compensata da alcune giovani formazioni che provano a dare nuova linfa al crossover/alternative metal ma poche di queste si avvicinano così tanto alla proposta dei SOAD come i Kamikaze Test Pilots, band nata in Zimbabwe seppur inglesizzata con il tempo. Gli ingredienti sono gli stessi: partiture folli, una scala di effetti molto ampia, stacchi improvvisi e sezione ritmica sfrontata come non mai. Anche i passaggi più poetico-rivoluzionari come Happy Slapper si avvicinano molto alla band di Serj Tankian & Co. ma va riconosciuto al quartetto una grande verve per nulla assimilabile a band alle prime armi. Con Fairy Tales si assapora qualche prelibatezza fatta di chitarre che colano cemento e una spruzzata di Rage Against The Machine che non fa mai male; anche gli assoli, sia quelli singoli che quelli doppi, sono molto pungenti e al tempo stesso rappresentano l’icona del metal moderno. Stessa matrice si percepisce in Chikken che pur ricalcando il solito tema del “bugiardo” nei testi (un pò inflazionato a dir la verità), si tuffa in un heavy/stoner molto interessante, un pò troppo allungato nella durata ma di sicuro impatto.

La vera sfida dei Kamikaze Test Pilots è appunto prendere le distanze dai loro maestri System Of A Down e ci riescono man mano che scorre l’album: Kumusha suona come una pura heavy metal song con tratteggi sonori dell’est Europa, Perseverance si accosta al blues/country sempre però prediligendo gli amplificatori a massimi livelli e godendo di alcuni inserti più melodici che fanno guadagnare un respiro più ampio all’offerta della band. È proprio in questi passaggi che si apprezza la consistenza delle idee dei Kamikaze Test Pilots e al tempo stesso l’irruenza delle singole tracce che vanno a comporre questo potente esordio discografico (dopo due EP e un live). La sorpresa giunge con Turnpike un brano che fa girare le lancette dell’orologio con il boost e fa approdare il quartetto al rock’n’roll bastardo per poi abbracciare il groove metal sul finale. Indubbiamente affilati anche gli altri passaggi (come Shoeshine), piacevole anche la ballad Betterway per nulla carente di grinta senza però spodestare i grandi lentoni registrati nella storia.

L’accordo è stilato: se i ragazzi saranno in grado di personalizzare ulteriormente la loro proposta musicale nel lungo periodo potrebbero anche superare in successo la band prima citata da cui attingono il sound. Vedremo quindi se il patto sarà rispettato.

Outopsya – Sum

Gli Outopsya sono un duo. E qui parte il solito film per questo nuovo, moderno, modo di concepire la formazione. Una batteria accompagnata solitamente da uno strumento a corde, un suono per nulla pieno ma di sicuro alternativo, una line-up essenziale e così potremo continuare come per la maggior parte dei power-duo in circolazione. Niente di tutto questo. In realtà gli Outopsya (crasi di Out Of Psychical Activity) nascono in tutt’altra forma (trio) e si evolvono in varie formazioni diverse (per un periodo diventano addirittura un quintetto) fino ad arrivare a questo equilibrio (ricercato o forzato?!) dove però tutto c’è tranne che pochi ingredienti musicali. Synth, vari strumenti a corda, effetti e soprattutto una grande mano da parte della tecnologia. Moderno? Principalmente fuori dagli schemi. Coraggioso, intimidatorio ma al tempo stesso spiazzante. Un sound trasversale, che attinge da tantissimi generi, dal metal all’elettronica, dal progressive al crossover. Sum possiede una personalità fortissima, nel quale i tempi dispari si fondono alle notevoli capacità chitarristiche ma non stiamo parlando di pura tecnica: c’è tanto lavoro dietro questa ora scarsa di ascolto, perchè la musica risulta stratificata e inniettata da diverse influenze su una matrice assolutamente digeribile che rende il tutto ancora più piacevole ai successivi ascolti.

Tracce molto lunghe, prevalentemente strumentali se non fosse per la voce di Ylenia Zenatti che caratterizza due brani e per quella di Luca Vianini che in Mus accenna parte dei testi in italiano. Trame fitte, fittissime, quasi ad incastro, come se nessun attimo di ogni singolo brano fosse lasciato al caso o peggio a “vena scoperta”, pronto a subire un inserimento di un qualche suono perchè in realtà il sound è già pieno all’orlo così. Nessun rischio però di trovare un’accozzaglia di suoni diversi: è qui che si svela la vera arma segreta della band, la capacità di creare qualcosa di pieno ma farlo apparire all’unisono e anticonvenzionale allo stesso tempo. La tecnica si acquisisce, questa invece è una dote che in pochi hanno e gli Outopsya possono dirsi portatori sani.

Slobber Pup – Black Aces

Se si volesse avere una non vaga idea del concept musicale che sta dietro i Slobber Pup basterebbe osservare i curricula dei musicisti in line-up. Jamie Saft e Trevor Dunn (rispettivamente organo/tastiere e basso) sono nomi già molto noti a quel pazzo di John Zorn (leggi i progetti Electric Masada e The Dreamers); metteteli insieme ad un chitarrista free jazz e ad un batterista hardcore e avete creato qualcosa di davvero diabolico. Un connubio di arte, di quella incomprensibile per molti e suadente per pochi, e di creatività, due facce della stessa medaglia che però ha un prezzo molto alto: quello di rimanere in sordina rispetto a generi di più ampio respiro. Ma questo sembra non interessare agli Slobber Pup, l’importante è creare, dare spazio alle proprie idee con una potente dose di improvvisazione, forma espressiva questa che i Nostri sentono propria e si percepisce subito. I brani superano tutti i dieci minuti (ad eccezione di Balalt, un’orgia di effetti), addirittura l’opener Accuser supera i 27 minuti in un mix di suoni o meglio in un abbandono alla creazione più fervida, come se gli strumenti fossero lasciati lì a prendere possesso della scena senza alcun tipo di controllo. L’organo e le tastiere si sentono ma ciò che esce fuori sono gli ovvi sperimentalismi della sei corde che cerca di inniettare le proprie radici musicali in un sound molto più duro, con il quale condivide solo l’intransigenza dello spartito. Crossover, sprazzi di progressive e di fusion, tutti al servizio di in una sperimentazione forsennata che sembra non aver fine.

Le ambientazioni quasi psych della title track e i suoi controtempi si sposano con i tempi più stoppati di Suffrage e il suo mood settantiano, in un matrimonio che sa non dell’originale ma del trasgressivo. Un’accoppiamento che non ha tanti pari e che nella vita comunque viene visto come una vera e propria scommessa. Ma il gusto sta proprio in questo, nel provare a raggiungere territori inesplorati tramite una musica anticonvenzionale, suoni, effetti e strutture musicali super partes (e probabilmente anche non replicabili) ma che sanno di moderno e di concettualmente inconcepibile. Atmosfera o caos, la linea sottile del gioco oscilla ora di qua ora di là, raggiungendo qualcosa di molto ostico in alcuni momenti (come la stessa Balalt o come l’incontrollata e indigesta Taint Of Satan) o di piacevole accompagnamento come in Suffrage (anche un pò floydiana per certi aspetti). Per menti davvero aperte.

Il Mostro – Il Mostro.

Uno dei temi più in voga del momento è la violenza sulle donne. È all’ordine del giorno almeno una notizia che riguardi un crimine commesso su una donna, da cui è stato coniato il termine del tutto inesistenze in passato “femminicidio”. Fa scalpore, fa notizia molto più rispetto a prima quanto una donna possa subire maltrattamenti, soprusi e cattiverie e i mass media sapendo ciò ne parlano sempre più come se fossimo una società che odia le donne. Opinioni a parte, è su questo delicato tema e su tantissime sfaccettature che esso sembra avere che si muove l’album di debutto della band Il Mostro che prende il suo nome. Il tema è di certo complesso e la proposta musicale della band risulta davvero all’altezza: una prima traccia, title track dell’album, suddivisa in otto parti distinte che escono al di fuori dei classici schemi del rock. Le musiche si aggrovigliano passando dal rock stiloso di Andante Arrabbiato al crossover di Prestissimo e all’alternativismo ricercato di Allegro Con Brio (che strizza l’occhio ai The Mars Volta). Stupendo l’antagonismo tra una chitarra pulita e un basso grezzo, quasi a risultare due caratteri opposti che si confrontano con energia per produrre un’idea superiore; ma non sono solo le componenti elettriche a farla da padrone, la sezione ritmica risulta essere assolutamente all’altezza ma ciò che ci sembra essere più calzante di tutti e la voce di Marco Turconi, a volte essenziale a volte riverberata, che conferisce quel piccolo elemento di eleganza che rende il quadro completo. Con Vivace gli umori mutano ulteriormente e spiazzano un pò l’ascoltatore, anche se mettono in mostra l’apertura mentale del quartetto che con la successiva Largo Solenne acquieta gli animi divenendo viscerale, trascinante. Tutto questo prima di Allegro Vivace che presenta inframmezzi punk.

Altro che “mostro”, qui tutto quello che questo termine potrebbe indurci a pensare svanisce già dopo pochi minuti di ascolto e considerando la durata di 25 minuti della sola prima traccia, in tutto possiamo rintracciarvi materiale per almeno tre album interi. Le sorprese non sono per niente finite perchè The Phantom Of Jealousy mette in mostra un prezioso reggae/ska come solo i The Police sapevano fare (ricordate Roxanne?!) che è in grado di abbandonare dopo poco le proprie colonne portanti per poggiarsi su un rock dalle tinte heavy. Da queste ceneri nasce There She Blows! (Ahab’s Dream), il brano più introspettivo dell’intero album, a tratti musical a tratti ambient che poi sfocia nell’ultima traccia That’s Enough, l’epitaffio del sogno (o dell’incubo) che è partito schiacciando il tasto play.

È cosa comune negli ultimi anni trovare band che cercano di mescolare differenti generi musicali cercando di creare quel giusto mix in grado di dare reale valore alla propria proposta musicale. I Il Mostro invece puntano sulla diversità dei brani forgiando una sorta di cortometraggi unici e differenti allo stesso tempo, facendo della trasversalità la propria arma per uscire dall’autoproduzione. A loro vanno i nostri complimenti.

Soundstrike – Manifesto

L’Italia si sa è il Paese della creatività e dell’ingegno per antonomasia, l’adagio vige anche e sopratutto in campo musicale, mai come nell’ultimo periodo si affacciano sul mercato nuove proposte da parte di giovani gruppi in cerca di gloria. Tra questi non possiamo non annoverare i Soundstrike, band nata nel 2003 originaria di Terni capace di farsi notare positivamente con il primo progetto intitolato Macchiavelli’s Art. Oggi questi quattro baldi giovani si ripresentano con un nuovo full lenght, album intitolato Manifesto. La band si caratterizza per un alternative metal compatto e pressante che non disdegna contaminazioni crossover proposte attraverso sintetizzatori e campionature elettroniche. La storia inizia dopo alcuni fisiologici cambi di line up, il gruppo quindi si assesta e decide di entrare negli Skylab Studios di Terni per dar vita alla loro nuova creatura. Se il primo album solitamente deve far emergere il gruppo, il secondo prodotto dev’essere quello della riconferma, queste sono le leggi non scritte che regolano il difficile mondo della discografia; nel nostro caso possiamo dire che l’obiettivo è stato raggiunto solamente in parte. L’idea di fondo pare ben congegnata con tracce sufficientemente strutturate e diversificate, riff pesanti il giusto e batterie incalzanti denotano una notevole capacità tecnica. Ciò che lascia perplessi durante l’ascolto è sicuramente il comparto vocale certamente non all’altezza di quello strumentale, la timbrica appare ancora immatura e priva di quella “ruvidezza” necessaria per interpretare questo genere musicale al meglio, stesso discorso per i testi in lingua inglese interpretati con una pronuncia approssimativa che a volte rischia di offuscare il buon lavoro di arrangiamento.

Musicalmente sono presenti alcune idee interessanti, l’aggiunta di parti elettroniche in alcuni pezzi denota una positiva voglia di sperimentare e di elevarsi dalla massa, buone idee quindi, amplificate anche dal sapiente lavoro svolto dal produttore Giorgio Speranza e dal mastering di Göran Finnberg (In Flames,The Haunted, Opeth). Nonostante ci si trovi di fronte ad una autoproduzione con un budget modesto, il progetto appare abbastanza ben concepito in alcune tracce, come in Manifesto che presta il nome all’album e che a tratti ricorda alcuni lavori del geniale Rob Zombie. Menzione negativa va invece alla canzone Pronged Tongue dove le lacune vocali sono troppo accentuate per permettere alla canzone di raggiungere la sufficienza. In definitiva possiamo dire di trovarci al cospetto di un buon gruppo, che presenta idee che sulla carta appaiono interessanti e strutturate, la sensazione forte è che manchi ancora molta esperienza, quella che si acquisisce sul campo di battaglia formato da innumerevoli date live “on the road” in grado di far spuntare quella malizia e quella scaltrezza capaci di portare il livello complessivo qualitativo su di un’altro piano operativo.

Non ci resta che attendere e vedere se il fato vorrà premiare questi ragazzi o farli cadere nell’oblio come molti prima di loro, ai posteri l’ardua sentenza.

ZeroReset – Closed In A Box

I genovesi ZeroReset ci propongono un concetto di crossover perso nel tempo dei primi anni ’90, ma con gli occhi ben puntati al futuro. Nel loro primo lavoro in studio mettono in campo tutta l’esperienza accumulata negli anni suonando live nei locali, che ha permesso loro di amalgamare alla perfezione le variegate influenze musicali di tutti i componenti della band. Closed In A Box è una scatola metaforica che racchiude sfumature crossover, alternative, industrial, electro e persino jazz. Tutte le componenti sono dosate con maestria grazie all’ottima tecnica degli strumentisti che compongono il gruppo. Tutte le canzoni si poggiano sulle solide fondamenta ritmiche del crossover, vero asse portante anche nel taglio dei testi e delle tematiche di protesta che gli ZeroReset ci propongono: l’intricato e poco trasparente mondo dello show business è descritto in Cheapstars; in Escape parla la morte, Asteroids affronta i misfatti commessi dall’uomo nei confronti del pianeta; la tematica della possessività travestita d’amore nelle relazioni di coppia è presentata efficacemente in The Only One; non poteva certo mancare l’ossessiva idea del tempo, Five Times, caratterizzata dalla moderna idea pervasiva della sua mancanza e dello spreco che ne facciamo. Il prodotto finale è un sound diretto ed efficace sostenuto dai riff semplici delle chitarre in sottofondo su cui il singer Sardei si poggia in maniera convincente. A rifinire ogni brano, poi, ci pensano le tastiere di Alessandro Sartini, che ci regalano un tocco di freschezza e leggerezza (la traccia Madrid, Spain offre molto bene l’idea) rendendo ancor più godibile nella sua complessità l’album. Da notare anche l’ottima produzione del disco che valorizza le idee del gruppo senza soffocarne gli elementi.

Closed In A Box non è certo un lavoro rivoluzionario, anzi, ammicca molto a un sound tipico di alcuni decenni fa. Gli ZeroReset però, non hanno paura di essere considerati fuori moda, pensano solo a seguire le loro passioni e intuizioni, espresse nei dodici brani dell’album, che proprio per questo non annoia o non presenta passi a vuoto. Un album che merita più di un ascolto, per poter apprezzare ogni singola sfumatura che questa band genovese ha voluto esprimere. Gli ZeroReset hanno cominciato a fare sul serio, continuando così siamo sicuri che proseguiranno a lungo il loro percorso richiamando a sé un numero sempre maggiore di fan.

Haru No Kaze – Quiete E Tempeste

La scena alternative italiana e non solo è un animale dai lunghi e numerosi tentacoli che giungono a porte diverse varcate le quali si trovano facilmente mondi musicali altrettanto differenti. Alcuni hanno estremizzato il concetto di alternative facendolo implodere in trovate pseudo acustiche, altri invece l’hanno imbevuto di sonorità heavy per acquisire quella durezza che prima gli mancava. Gli Haru No Kaze sono più vicini a questi ultimi prendendo molto spunto dall’heavy pur non essendo (paradossalmente) metal. Le linee vocali mantengono un certo appeal alternative mentre le parti musicali dei tre strumenti che vivono dietro questa autoproduzione si tengono un pò più a distanza. Qual è il loro valore aggiunto? La caratterizzazione del sound che sta dietro ogni singolo strumento: la sei corde ruvida e volutamente tenuta in una produzione quasi grezza, il basso strascicante mai in secondo piano ma adotatto come elemento degno di dir la sua, aspetti che danno vita ad un sound assolutamente coinvolgente.

Oblio dà torto a questa nostra interpretazione: se la voce sembra divenire quasi poetica, la chitarra acquisisce lustro e lucidità guadagnando la scena e inglobando nel suo pentagramma gli oltre quattro minuti del brano. Probabilmente uno dei brani più espressivi del lotto. Non È La Voglia Che Mi Manca torna al loro stile: semplice nel suo riff ma assolutamente ipnotizzante, un’arma a doppio taglio che ci mette spalle al muro, soprattutto quando entrano delle linee vocali che ci ricordano un certo grindcore (?!) e gli stacchi che sul finire rendono ancora più groove il pezzo. È quel grezzume che sa di punk (e i Turbonegro ci balzano nella mente…), quella poca (o molta, secondo i punti di vista) attenzione al suono perfetto che rende il tutto ancora più asfittico, che ci piace degli Haru No Kaze, una band che non si tira indietro e sfoga la propria rabbia in una forma diversa. Senza Lotta sembra infatti non uscire dalle loro menti ma in fondo è solo una nuova metamorfosi del trio che sicuramente su un album di più lunga durata avrebbe molto da dire.

Jack Folla – Jack Folla EP

Non bisogna mai dimenticare che la musica (e il rock in particolare) è nata per dare voce alle persone, alle proprie sofferenze, alle situazioni di disagio, alla verità, a tutto ciò che in alcuni Paesi non si può dire. Non a caso i Jack Folla prendono in prestito il nome dal dj all’anagrafe Diego Cugia, condannato a morte negli USA e che solo altrove è riuscito a dire veramente (e liberamente) la sua. Per urlare le proprie idee contro un sistema che non lo permette, la strada del rock è sicuramente quella giusta. E allora perchè non puntare su un crossover un pò alla Rage Against The Machine, con i suoi riff decisi e pseudo anarchici che fanno da collante con una voce rappata? Inizia Lo Show è la risposta di questa visione, una vera e propria filosofica che definirla musicale sarebbe restrittivo. Certo il loro esordio non è solo questo: con Caimani le influenze hip hop guadagnano spazio, però la sei corde riesce sempre al momento giusto ad intervenire ed impossessarsi del plotone, dando l’ordine giusto e definendo la direzione dei proiettili. Quindici minuti per questo EP che però definisce in maniera chiara le intenzioni dei Jack Folla: fondere due mondi molto diversi tra loro ma non tramite un’azione di unione fredda e razionale del rock con il rap (chi ha pensato a J.Ax?) bensì tramite una vera e propria joint venture creata all’insegna del crossover, mettendoci quel qualcosa in più che valorizza le singole radici.

Certo noi preferiamo i Jack Folla incazzati o che elogiano delle storie che hanno bisogno di voce (Uno Come Tanti ha davvero da insegnare in questo) però anche una Sospeso In Aria, che sa di Linkin Park con una maggiore dose rock, ci colpisce. Ben fatta pur nella sua semplicità. Tutto sta nel capire come matureranno questi ragazzi e se il loro crossover si indurirà o meno.

Sula Ventrebianco – Via La Faccia

Spesso il punto di partenza per analizzare un ascolto, uno stile, un brano, è quello di partire dal luogo in cui tutto ciò è stato generato. Partire dalle origini perchè è da lì che una band trae ispirazione incanalando le tradizioni, gli insegnamenti dei propri precedessori o semplicemente assorbendone la scena musicale locale. Il classico esempio sono i cantautori, l’evidente eccezione che conferma la regola sono i Sula Ventrebianco. La formazione campana infatti si allontana con decisione non solo dall’interpretazione del rock locale ma anche dall’approccio categorista che nel nostro paese le realtà musicali sono use abbracciare. Al di là delle mille influenze che ognuno cerca di vantare presentandole come segno di apertura mentale, di solito il sound delle band nostrane cerca di sposare un genere specifico del passato o attualizzarlo richiamandone i canoni essenziali. Qui, con i Sula Ventrebianco, i silos creati dai puristi sonori sono frantumati: potremo parlare di crossover nel senso puro del termine, come melting pot di scelte sonore che per molti versi nascondono un’innovatività fiorente. Le parti vocali irrefrenabili (rap?!) di La Peste sono solo l’ennesima divagazione ad un’ottima interpretazione vocale di Sasio Carannante, così come i riff che diventano quasi stoner in Uomini Feroci D’amore Del Nero essendo passate per un indie di copertura e non ancora divenute alternative-western in Erosa.

Niente che renda spaesato l’ascoltatore, anzi un qualcosa che può aprirgli nuovi spiragli, come la sperimentale Largo Al Re che mette insieme così tante ambientazioni da risultare l’insieme di vari brani diversi; stesso film per la title track dal fascino davvero molto particolare. Ciascuna traccia ha una sua vita propria che a sua volta cerca di elogiare concentrandosi su se stessa, come espressione artistica di contenuti più che di coerenza: non importa che la delicatezza di 32 Denti si infranga contro la cattiveria di Ragazza Muta e che insieme sembrino due pianeti di due universi differenti, ciò che conta è la singola visione musicale che appaga sensi diversi in funzione della sua propria evoluzione. Una visione musicale che a noi piace.