Tubax – Governo Laser

I Tubax tornano più carichi che mai e dopo il precedente Il Mondo Stava Finendo (recensito da noi a questa pagina) arrivano ad inizio 2015 con questo Governo Laser e un concept grafico imperniato sul TV con schermo a tubo catodico, illustrazione usata a vari scopi dalla band e ripresa anche nel primo videoclip del brano Chicagoan diretto da Marco Ferri e uscito proprio in esclusiva per noi di RockGarage. La carica dei Tubax è rimasta invariata: le varie esperienze live all’estero, tra cui il Match&Fuse e il loro tour negli States, hanno solo contribuito a dare nuova verve. La loro è sempre una proposta strumentale anche se stavolta con Governo Laser sembra più completa e meno essenziale rispetto al passato. Sempre grande attenzione al groove e ad un basso che naviga nel funk e nel crossover, suoni non certo semplici per il mercato italiano tanto che questa band sembra tutt’altro che tricolore (eppure il quartetto viene da Bologna). Grande attenzione quindi alla sezione ritmica tanto da rendere i Tubax una delle band più amabili da parte dei bassisti, anche se notiamo una maggiore digeribilità dei brani rispetto al precedente Il Mondo Stava Finendo; hanno semplificato la loro proposta? Assolutamente no, sono maturati e a noi piacciono ancora di più!

La parte centrale di Zenigata strizza l’occhio al prog mentre con Mr. Napster synth e sampler prendono il sopravvento pur senza snaturarne il sound. Tempi stoppati, slap impostatissimo (mai veloce ma ha headbanging puro), sound profondo che ti entra dentro, energia allo stato puro che difficilmente tiene fermi di fronte ad una loro esibizione. Con Chicagoan (parte I e parte II) si aprono invece nuovi lidi di sviluppo sonoro per la band, sarà per caso questo il nuovo percorso evolutivo imboccato per il futuro? Noi non possiamo saperlo ma per ora possiamo dire che finalmente c’è qualcuno in grado di tenere testa a nomi italiani come Zu e Mombu. Grandissimi Tubax, Governo Laser promosso a pieni voti.

Stream City – HOAX

Nel dannato girone dantesco dei musicisti avvezzi all’eccessiva ossessione per l’estetica, troviamo spesso giovani band che cercano di accaparrarsi consensi (e magari anche un contratto discografico con una major) scopiazzando qua e là parti pentagrammate rubate a figure mitologiche del rock, gente che di questo genere ha scritto i fondamenti con opere divenute vere e proprie pietre miliari tramandate ai posteri. Ogni tanto però, capita di ascoltare qualcosa di originale, qualcosa di veramente unico nel suo genere, tanto orecchiabile quanto intricato, tanto godibile quanto imperscrutabile. HOAX dei danesi Stream City, rispecchia appieno quanto abbiamo premesso, mostrando tutto il talento di una band che si presenta sulle scene con questo secondo lavoro assolutamente originale, un disco semplice e spocchioso nello stesso tempo, che mescola il rock ed il metal moderno ad elementi provenienti da generi e sottogeneri assolutamente avulsi ai primi, su tutti il folk e la celtica.

Nell’ascolto ci si può imbattere ad armonie di violini che aprono a segmenti ruvidi di chitarra elettrica, oppure a momenti musicali in cui da atmosfere da colonna sonora di imprese di pirati e briganti si passa in maniera repentina a vorticosi passaggi in prog metal, che riportano l’ascoltatore aggrappato alla bollente transenna di un loro concerto. Tutti questi complicatissimi passaggi tecnici, in commistione ad una grande varietà di diversi elementi musicali, sono supportati da melodie vocali assolutamente mainstream, e quindi vincenti, un mondo assolutamente vicino a quello di band statunitensi come Panic! At The Disco o Fallout Boy, i quali, al diffuso filone alternative, hanno saputo dare sfumature punk e pop ancora più moderne, arricchite, come già detto in precedenza, da elementi sonori e strumentali tra i più disparati. Nel caso di specie degli Stream City, il richiamo è quindi esplicitamente voluto al mondo folk, il tutto probabilmente per deduttiva vicinanza alle loro radici nord europee.

Una buona produzione, un package avvincente e una varietà di brani davvero originali, sono tutti i punti di forza di HOAX, anche perché in questo album di talloni d’Achille, a dirla tutta, è davvero difficile trovarne.

Sula Ventrebianco – Furente

L’avevamo conosciuti con Via La Faccia (album recensito da noi a questa pagina) i Sula Ventrebianco, combo campano che con la medesima line-up sforna Furente, dodici tracce per circa cinquanta minuti di rock profondo e trasversale. La loro natura non è cambiata, il loro rock/crossover continua a colpirci dritti in faccia, abbandonando qualsiasi laconica ambizione di semplicità e sorprendendoci (letteralmente) per la struttura delle tracce e per i vari contributi dei singoli strumenti. Non si tratta di riff o di strofe azzeccate, qui è il valore nel complesso che esce fuori: dalle doppie voci agli arrangiamenti, dalle melodie alle energiche chitarre elettriche, tutto in una compattezza produttiva ed esecutiva di ottimo livello. Dal rock dei Muse (primo periodo) al nu metal passando per la vera concezione del crossover: i Sula Ventrebianco ne hanno per tutti e in questo album mettono in campo anche una certa variabilità tra le diverse composizioni. Lingua Gonfia è un brano contrario alla normale natura della band, pieno di pathos, che si concentra molto più sulle emozioni represse che non sulle raffiche sprigionate dal quartetto in altri momenti. E’ proprio da questa traccia che inizia una vena più intimista di Furente, dove la voce si impossessa del ruolo di protagonista, prendendosi una pausa con il brano Glory Hole in cui, prima una sei corde e poi un basso filtrante, il rock esce fuori fin dal suo odore, pregno di una sezione ritmica che colpisce come un colpo dietro la nuca.

Rispetto ai primi brani pieni di calorie, anche Grano prende le distanze, capitalizza (in primis nell’assolo) certo rock strumentale e imbastisce un letto di psichedelia viva sotto le strofe. Noi li preferiamo quando accelerano e alzano il volume: brani come Allo Specchio o Notre Dame sono innovativi e diretti allo stesso tempo, sul finire dell’album invece sembra che i Nostri abbiamo (ri)mutato pelle. Packaging importante quello di Furente visto che include un seme del Joshua Tree (sì, quello già reso famoso anni fa dagli U2) e invita chiunque a seminarlo: si tratta di una pianta che si prende gioco del tempo vivendo per secoli. L’intento è quello di sensibilizzare le persone contro l’attuale mentalità del “tutto e subito” e l’importanza della lungimiranza, nella vita, in tutto. Un po’ meno ricco il booklet interno ma comunque completo dei testi. I Sula Ventrebianco rappresentano la vera band di rock moderno, al passo con i tempi e capace di portare la scena avanti, concretamente.

VOLUMIcriminali – Frammenti D’Istanti

I VOLUMIcriminali sono una band che può facilmente far inciampare l’ascoltatore. Dai primi istanti del loro nuovo EP Frammenti D’Istanti, che ben rappresentano la loro carica energetica, si presentano come dei Rage Against The Machine all’italiana, con un crossover imposto con l’accetta e uno spirito core trascendente. In realtà ad ascoltarli bene si toccano con mano le influenze nu metal maturate dal combo ligure che li rendono, a parer nostro, più attinenti a chi ama questo genere. Eppure creativamente i VOLUMIcriminali risultano interessanti: la cover dei CSI Forma E Sostanza stravolge la versione originale inserendo una chiave elettrica e una nu metal tanto da farla sembrare qualcosa di nuovo, una forma che non avrebbe mai potuto assumere un brano simile. La terza traccia risulta quella più completa, con dei testi irriverenti ma vestiti molto bene sotto il profilo musicale: stacchi, doppie voci, chitarra più variegata…tutti gli elementi danno l’impressione di un’attenzione compositiva maggiore. Diverso è quello che dice: non un semplice brano rivoluzionario ma qualcosa di più. Al contrario Distante è un brano più digeribile, il ritornello infatti resta ben impresso ma va esclusa la parte centrale che spezza la corsa con soluzioni più ricercate.

Il nu core è un genere di nicchia, forse troppo, in cui le band di solito fanno fatica a differenziarsi ma seguono degli stereotipi un po’ troppo canonici. I VOLUMIcriminali sono una buona eccezione visto che da una manciata di brani esce fuori la carica emozionale che sprigionano e la voglia di non uniformarsi (ascoltate la batteria quasi jazz in Abradere per avere un altro esempio) che dovrebbe essere il principio cardine della scena.

Vaio Aspis – Radica

Sotto la lente d’ingrandimento di RockGarage arrivano oggi i Vaio Aspis, band vicentina reduce dall’uscita di Radica, album che giunge sulle scene a quattro anni di distanza dal precedente Be The Other e che segna il passo con due novità significative rispetto al passato: line-up diversa e testi in italiano. Quello che abbiamo tra le mani è un prodotto molto grezzo seppur ben definito nella sua ottima confezione sonora: chitarre chirurgiche sovrapposte ad una sessione ritmica serrata, doppio vocalist, songwriting trasversale ed aggressivo. Ben fatto il booklet e l’intero packaging. Stilisticamente, il suono di questa band si materializza attraverso la fusione del più moderno nu metal ad elementi rock tipicamente estremi, quali grunge, heavy e crossover. Potremmo inoltre aggiungere (ma lo avranno già fatto in molti) che dall’ascolto di questo lavoro appaia lampante quanto il progetto artistico Vaio Aspis sembra (pro)seguire in paio – o ricalcare – quello dei torinesi Linea 77, primi (o forse più fortunati) ad imporsi sul mercato sotto questa veste artistica. Istruzioni per l’uso: Radica va metabolizzato in profondità, cercando casomai di scostarsi quanto più in là dalla semplice constatazione della struttura “linea sonora incazzata+testo interpretato+chorus melodico”.

Teniamo ben presente che stiamo parlando di una band di prospettiva, ancora acerba dal punto di vista dell’esperienza, ad oggi capace di mostrare un potenziale che necessita di altre metamorfosi musicali che li indirizzi verso la maturazione di una identità propria, magari più originale e meno assimilabile a stereotipi di cose già sentite. Gli stessi Linea 77 dopo i fasti di un decennio fa, probabilmente vittime e carnefici del loro stesso immutato sound, sembrano oggi aver perso molto di quello smalto che inizialmente aveva fomentato il loro fortissimo exploit d’avvio. Se questa speranza dovesse invece rimanere vana, l’episodio di Radica rimarrà solo il tentativo di passaggio di una delle millemila band che avevano qualcosa da dire alla loro generazione ma che nel mentre hanno desistito dall’impresa. Non deludeteci.

SKW – Signs

Formatasi a Milano nel lontano 1989 (la formazione attuale è stabile dal 1996) con il moniker Skywalker, successivamente cambiato in SKW, la loro esperienza è maturata prevalentemente sui palchi di tutta Italia e buona parte d’Europa, infatti Signs è il quinto disco prodotto da questa band che ha sempre abbinato alle loro opere tour infiniti.Questa volta la formazione meneghina prova a variare dalle proprie linee guida, inserendo nel loro classico sound fatto di alternative crossover, elementi metalcore.L’anima melodic tuttavia prevale su quella più prettamente aggressiva dando vita ad un prodotto ormai ben codificato nel mondo metal nostrano, ed anche se non particolarmente innovativo l’album scorre veloce senza grossi intoppi.La solida sezione ritmica tessuta da Mirko Voltan e sostenuta alle pelli da Giancarlo Piras, ben si interseca con il solido riffing di Simone Analclerio, che ci lascia orfani però di una qualche variazione daltema di base. La voce di Laratro si trova a proprio agio sia su trame più aggressive, grazia ad un taglio ruvido, sia durante refrain più melodici non superando mai i limiti tracciati, come nella ballad (se si può definire così) Never So Close.

La traccia più convicente è sicuramente l’opener Light, che sublima al meglio tutte le caratteristiche sopra citate e presentate alla grande grazie al climax che porta al refrain principale. Di assoluto livello stilistico sono poi A New D Sign e la cover dei Rush Red Sector A. Purtroppo il disco non mantiene la stessa carica e lo stesso tiro per tutta la sua durata, scivolando un po’ nell’anonimato con tracce meno vivaci e più confuse come When Tomorrow Becomes Today e Fail.Signsè quindi un album gradevole per la sua linearità, ma proprio quello che è il suo punto forte alla lunga diventa un elemento di debolezza, perché la band non riesce ad uscire dalla rotta impostata ed a ingranare quella marcia in più decisiva per rendere il disco più memorabile.

Doctor Krápula – Viva El Planeta!

Direttamente da Bogotà arrivano nel 2012 i Doctor Krápula con l’album Viva El Planeta!, un lavoro che scava nel loro classico stile (anche se “classico” suona come un eufemismo per loro). Non notissimi dalle nostre parti, i Doctor Krápula in quindici anni di carriera hanno creato un fenomeno social-musicale incentrato sulla cultura locale, non solo del proprio Paese ma di ciascun Paese della Terra, che accomuna persone molto distanti geograficamente ma che rispecchiano alcuni ideali politici abbastanza schierati. I generi trattati sono i più diversi: il rap sanguinario e molto latino di Doctor Krapula Presente, l’opener e anche singolo dell’album, diviene punk rock rivoluzionario in Antidoto e in Locomotora (quest’ultima dal sapore molto estivo), poi ska nella title track e in Buscado El Amor e infine reggae in Amarece. Quello che resta dopo aver spremuto Via El Planeta! è una manciata di brani brevi e veloci, allegri (anche se non sempre le tematiche sono positive), che assumono un’ottima forma live anche grazie a degli arrangiamenti caraibici che fanno muovere il bacino senza fine sotto le loro note. A noi ovviamente piacciono i passaggi più rock, come Atencion o En La Jugada, che danno filo da torcere a molte rock band con meno anni alle spalle. Però bisogna riconoscere a questa formazione la capacità di spaziare tra generi molto diversi.

Grande merito per la scelta di puntare sulla lingua propria, vera arma vincente del combo e che permette loro di esportare una filosofia, la storia di un Paese, più che semplice musica. Un album naturalista (per i temi) e multiforme (per le musiche), sapiente e allo stesso tempo sbarazzino in grado di portare facilmente tutta la carica dei Doctor Krápula sui palchi di mezzo mondo, cosa che il quintetto sta già facendo.

Away Minerva – My Only Radio

Sapore americano, alternative misto a crossover, linee vocali appunto alternative su una sezione ritmica che sa la sua: questi gli elementi base per presentare i giovani Away Minerva. L’opener del loro EP di debutto pesca direttamente dalla tradizione Incubus, band citata dalla stessa band come fonte di influenza: title-track dell’EP che innietta benissimo l’energia che la super band madre aveva elargito con l’album Make Yourself e grazie alla quale aveva avuto il successo planetario tanto sperato (anche se noi li amiamo ai tempi di S.C.I.E.N.C.E.). Un’ottima commistione di fattori, una sei corde che si prende i propri spazi ma che sarebbe davvero poca roba senza una batteria dall’incedere caparbio e dalla grande personalità e un basso che fa il resto, e lo fa anch’esso con grande maestria. Belli gli arrangiamenti di Schola, da citare anche le linee vocali, belle anche se si accostano un pò troppo allo stile di Brandon Boyd. Breath Of My Soul tocca scenari più psichedelici, anche se la componente rock è sempre ben inquadrata, con un refrain che si impone come presenza fissa nella memoria dell’ascoltatore; chiude l’EP Down Below che rallenta il gioco ma lo fa senza depennare il valore compositivo, anzi conferendo quel sapore di amaro ad un pezzo comunque emotivo.

Gli Away Minerva sono quindi una band promettente e che potrebbe avere un futuro importante a patto però di differenziarsi dai già citati Incubus (prima di tutto per le parti vocali) e cercare ricette ancora più originali. I presupposti comunque ci sono tutti.

WorldService Project – Fire In A Pet Shop

In alcune parti della penisola italiana si dice “carta conosciuta” quando ci si trova dinanzi ad un evento o ad un fenomeno già visto, già vissuto. Noi potremo dire lo stesso per i WorldService Project, quintetto che avevamo scoperto con l’album Relentless del 2010 (recensito da noi a questo link) ma anche con il Live From London in cui, a casa propria i ragazzi avevamo sfoggiato il loro talento. Il loro stile però non è per nulla banale, anzi la loro abilità sta proprio nello stupore prodotto al loro ascolto. Nel 2014 il combo non si stanca per nulla e punta ancora di più sull’effetto sopresa piazzando un album, Fire In A Pet Show, davvero strabiliante. Non serve andare al cuore del capitolo per comprendere i loro (non) confini: già solo con l’opener gli intermezzi jazz si frantumano contro un muro math imbastito di tanto in tanto da effetti pazzoidi (come quelli dei videoghiochi) senza far comprendere bene dove vogliono arrivare, ma mettendo sul piatto in maniera molto chiara la loro schizofrenia e le immense abilità tecniche. Strumenti a corde, ritmici e a fiato si mescolano in una overdose di tempi dispari e in un vero tripudio di assenza di schemi; tutto questo si verifica con brani che durano quattro minuti e oltre, quindi con una complessità compositiva indecifrabile. Il titolo dell’album e di molti brani in esso inclusi hanno un sapore di sperimentale e di impossibile classificazione, tipico di formazioni che viaggiano oltre i canoni del normale e che fanno dell’estro la loro arma di battaglia (ricordate i Primus?!). Non a caso il lavoro e l’artwork sono incentrati in un incendio scoppiato in un negozio di animali che rappresenta allo stesso tempo l’irrazionalità non-umana e l’imprevedibilità dell’accaduto, due elementi insiti anche nel loro sound.

Crossover mescolato al math, suoni inadatti per il rock e per questo molto piacevoli se inseriti in questa orgia di influenze; distorsioni e vibrazioni, compaiono anche quelle, nonostante in alcuni momenti gli strumenti a fiato assumino un ruolo sicuramente principale. Gli scenari sicuramente più cupi di Villain Of The Aeroplane fanno da contrasto a momenti sicuramente più sbarazzini come Dance Of The Clown che come suggerito dal titolo si ispira a certe ambientazioni da circo. Certo non mancano passaggi abbastanza ostici, come Change The F**King Record, ma in fondo lo stile della band non è assolutamente per tutti. Per i grandi innovatori, per chi cerca musica davvero particolare, per chi non ama la sperimentazione fine a se stessa e per chi è stufo della solita musica che si ascolta in giro: se rientrate in questi gruppi di esseri umani allora i WorldService Project fanno al caso vostro.

Ossi Duri – Senza Perdere La Tenerezza

Certo che per riproporre un certo rock legato al passato senza suonare come dei semplici cloni bisogna essere proprio degli ossi duri! Da qui partiamo per descrivere questa giovane ma collaudata band il cui moniker è proprio Ossi Duri, un quintetto che si dice profondamente ispirato da Frank Zappa (a proprosito del quale ha anche realizzato un album tributo) ma che in realtà, in questo nuovo album di inediti dal titolo Senza Perdere La Tenerezza, fa della grande varietà il punto di forza della propria proposta: lo ska di Senza I Tuoi Occhi e le sonorità latine creano un vero stacco rispetto all’hard rock di Soldi Facili, il rap sciolto in Ragazzo Poliziotto inframmezzato da una chitarra elettrica e qualche effetto lontano dal rock o ancora il progressive schizzato di La Capra. Il rischio che un segno di dispersione di stili così elevato possa essere percepito come una mancanza di bussola è alto ma un orecchio attento riconosce la grande qualità musicale della band. La verità è che i ragazzi riescono davvero ad esprimersi in forme differenti, a lasciare spazio ai vari strumenti, prendendo spunto dal progressive, dall’art rock e da molte radici divserse. Certo, non è tutto oro quello che luccica come ad esempio il forte imprinting ironico/sarcastico, altra caratteristica del loro sound: la spensierata Mozzarella Trafelata trova nell’azzeccatissima voce di Freak Antoni (registrata praticamente pochi mesi che ci lasciasse) un connubio ovvio anche se spinge la proposta un pò troppo fuori dal proprio contesto.

L’estro incontrollato di Zappa produce i propri risultati (Il Re Del Sol, C’era Una Volta Un Re), effetti che strizzano l’occhio anche a produzioni più recenti (Elio E Le Storie Tese) avendo sempre a mente tanta musica strumentale e momenti in cui i testi non giocano un ruolo principale. La particolarità della proposta è che in alcuni momenti si fa piacevole, in altri suona più estrema e un pò troppo forzata (Publi City e le sue incursioni nel jazz ad esempio o i testi di Unica e di La Suite Del Merlo Pennuto un pò demenziali), il che rende il tutto più univoco: gli Ossi Duri possono piacere o meno ma difficilmente vi lasceranno del tutto insensibili. Un prova fuori dagli schermi, per gli amanti del crossover ma che hanno sempre sete di rock. Un percorso assolutamente originale, da assumere però a piccole dosi.