Devil Drone – Erebo

Di certo non si può dire che i Devil Drone non picchiano duro. Già dalle prime note del loro album d’esordio, intitolato Erebo, emerge la voglia di far male. La musica del combo toscano, nonostante, la loro autodefinizione che li accosta al thrash metal, va oltre sfociando in un death metal dai ritmi serrati, tuttavia se band come Fear Factory, Devildriver, Machine Head, hanno rappresentato il post thrash, allora si necessita di rivedere qualcosa. Poco conta, di certo la cosa più importante è che i Devil Drone sono usciti con il loro album di debutto facendo tutto molto bene, senza lasciare nulla al caso. I brani sono curati in ogni dettaglio, mi sono già espresso sulla potenza, o meglio sull’aggressività, con cui la band si presenta al grande pubblico, ci sono davvero poche soste, è difficile prendere respiro. A circa metà album è Stampede che ci fa vivere emozioni legate all’hardcore, e anche qui mi sento di promuovere la band; il tentativo di allontanarsi dal thrash/death va premiato, anche perché nonostante la virata improvvisa, è tutto sempre omogeneo e ben amalgamato. I Devil Drone, vanno di fatto aggiunti alle band interessanti, che gravitano nel nostro Paese, grazie alla preparazione di ogni singolo musicista e in possesso di una voce, che merita un plauso, sia quando i toni sono growl e cavernosi che nelle parti appartenenti a scream medio/alti…bravo il nostro singer!

In poco più di mezz’ora, la band, grazie a canzoni dirette e contenute, riesce a farsi notare, non manca la personalità, la determinazione, elementi cui non si può prescindere, specie a chi ha deciso di sposare la causa metal. Non resta altro che vedere la band in sede live, certi che dal pit si alzerà un maledetto polverone. In alto il nostro saluto!

Diabolical – Umbra

Noi siamo da sempre contrari ai luoghi comuni e premiamo la scena emergente, quando merita il nostro supporto. Però c’è una verità che di tanto in tanto qualche uscita discografica ci spiattella in faccia senza remore: se si vogliono pescare idee originali e ancora spigolose della scena death metal, allora bisogna guardare ai paesi del nord Europa. Venti anni sono trascorsi dalla nascita dei Diabolical e possiamo dire che questo quartetto ha ancora voce in capitolo, nonostante si affacci quest’anno sul mercato discografico con un EP di sole quattro tracce e venti minuti di durata. Dimenticate il death metal old school, i ragazzi sanno bene che ci troviamo ormai negli anni ’10 e che il pubblico è attento ed esigente. Non a caso in Umbra ci scovano tantissimi ingredienti diversi, dai pattern death alla furia e al growling black metal, dalle ambientazioni oscure che sembrano richiamare alcuni scenari sinfonici (senza utilizzare strumenti estranei alla loro radice, sia chiaro) alle costruzioni che gli Opeth avevano modellato ai tempi di Blackwater Park. Ma non è solo violenza sonora, tanto che l’accostamento agli Opeth ce lo ricorda anche il brano Tremor, pieno di verve acustica e di intensità lontana dal mondo del metal.

Orrore, cattiveria, pulsazioni sfrenate il tutto compresso in quattro parole, come sono le tracce di questo lavoro, un EP molto interessante perché molto studiato a livello di songwriting. Decline è solo la ciliegina sulla torta di questo Umbra, tanto per non avere dubbi e sapere che i Diabolical sono tornati e che non mollano la loro preda per nulla al mondo. Attenzione, perché la prossima preda potrebbe essere uno di voi.

Blood Ages – Godless Sandborn

Ho sempre temuto le introduzioni troppo rassicuranti, dietro si cela l’apocalisse. Non lasciatevi ingannare, questo è un consiglio, l’apparente quiete è fuorviante, così come nel caso del nuovo album dei Blood Ages. In effetti, la partenza è mite, ma subito dopo la nostra testa subisce un assalto frontale, sotto la mitraglia di riffs terzinati e una doppia cassa che non conosce limiti. Mighty Music, non si è lasciata sfuggire questa formazione transalpina che ha nei Behemoth, Gojira, Nile, illustri fonti d’ispirazione ai quali i francesi si rifanno, a tratti. Di certo non si grida al miracolo, difficile nel 2016, ma è pur vero che potrebbe bastare suonare bene e cercare qualche suono alternativo a far risultare il prodotto interessante. Così nel caso dei Blood Ages la tecnica non manca, anzi la band ha tutte le carte in regola; sull’innovazione che dire non è semplice, specie in un genere come il death più brutale e il deathcore, dove molto sembra già essere stato detto. Ho apprezzato il crescendo con cui la band di Toulouse ha distribuito le forze. La partenza è granitica, legnosa, tempi cupi, massicci fanno eco a temi mitologici, anche se il riff a una mano, con braccio disteso lungo la chitarra, dura poco, qualche minuto e la band inizia a fare sul serio, a questa netta sterzata ci dovremo abituare a tutta la durata dell’album.

I Blood Ages non conoscono sosta, grazie a un lavoro incredibile della sezione ritmica, Pierre Borali al basso e Yohan Frit alla batteria, così come il compito svolto dai due chitarristi, Pat Berbié e Augustin Raupp; sulla voce di Nicolas Gandolphe che dire, il genere richiede questo e il singer risponde con vocalizzi massicci e momenti che a tratti sfociano nell’animalità dell’essere umano, una prestazione molto buona. Tra i picchi più alti del disco l’introduzione con cui i cugini di Francia ci addentrano in The Ritual: Soil Of The Crawling Chaos, atmosfere orientali, si sale sulla vetta più alta del Tibet, ma poi si precipita nella terra di fuoco, l’inferno in musica ci aspetta, non riusciamo a liberarci, rapiti dal suono malvagio dei Blood Ages. Godless Sandborn, questo il titolo del nuovo album, un disco da avere e qui mi rivolgo a chi ama il death metal più violento, a chi ha bisogno di questi repentini sali/scendi…quando la cultura incontra la musica. In alto il nostro saluto!

Winterhorde – Maestro

Sono nientemeno che israeliani questi Winterhorde, combo dalla pluriennale esperienza giunta quest’anno alla terza prova sulla lunga distanza. Per molti gruppi questo è un traguardo importante e spesso si dice sia il vero banco di prova su cui giudicare la bontà di una band perché tanto ci vorrebbe affinché si possa arrivare a definire la propria personalità e a maturare la giusta esperienza senza aver ancora avuto il tempo di perdere la necessaria freschezza. Che siate d’accordo o meno con questa teoria sappiate che è sicuramente valida per questo Maestro in cui i Nostri si discostano dal sound, pur convincente, proposto nei precedenti lavori contaminandolo con infinite sonorità diverse che spaziano dal doom al progressive all’epic. Sappiamo che questo non è necessariamente un bene e che spesso costituisce un rischio che non paga perché le possibilità di diventare inutilmente complicati o insopportabilmente stucchevoli aumenta esponenzialmente con il passare dei minuti. Nonostante questo disco sia anche piuttosto lungo comunque i Winterhorde riescono molto più spesso a stupire che non ad annoiare dando prova di grande talento in fase compositiva e maturità nella realizzazione degli arrangiamenti.

Di base la proposta di questi israeliani è costituita da un death metal solido e aggressivo in cui sono state però innestate parti sinfoniche dalle sonorità classicheggianti oltre a svariate altre apparizioni che spaziano dal rock melodico, come in Chronic Death al jazz di Cold. Atmosfere in continua evoluzione sottolineate anche dai diversi stili dietro il microfono che possono essere ricondotti ai Nevermore e ai System Of A Down come anche ad altre influenze, opportunamente amalgamate, del death, del thrash e dell’heavy più classico. Come detto tanta varietà avrebbe potuto rappresentare un arma a doppio taglio potenzialmente letale per l’album che invece ne esce rafforzato mentre godiamo dell’originalità di questa proposta. Costantemente sostenuta da una sezione ritmica a tratti persino troppo furiosa, l’ora abbondante di questo lavoro scorre, se non rapida, comunque molto piacevolmente mentre i chitarristi non si risparmiano un secondo né in fase solista né di accompagnamento intessendo brutalità e delicatezza con la stessa classe. Non è da meno il contributo degli altri strumenti, tastiere su tutti, tra cui vanno menzionati anche sax, violini, synth e persino theremin.

Tutto questo ci fornisce l’ennesima prova di quanto l’ispirazione sia ai massimi livelli in questo lavoro che ovviamente paga con la scarsa immediatezza lo scotto di brani così lunghi e dalla struttura tanto complessa. Ma l’ascolto è uno “sforzo” che si è disposti a fare volentieri e che ripaga con l’incrollabile certezza di dover aggiungere questa band tra quelle da seguire anche per il futuro. E in assoluta trans agonistica i Nostri non sbagliano nulla nemmeno alla voce produzione, sempre appropriata, o comunicazione, sostenuta da un buon sito e dal corredo ricco e ben realizzato del CD. In definitiva questo Maestro è davvero una sorpresa, che si amerà o si odierà, ma che è anche indiscutibile degno del suo nome.

Misteyes – Creeping Time

Dopo un lungo percorso e, nelle parole stesse della band, una “profonda evoluzione” del loro sound, arrivano quest’anno al debutto discografico i Misteyes, padri di una proposta dalle molte sfaccettature tanto da renderla difficilmente inquadrabile. Loro stessi la definiscono “light and dark metal”, che noi tradurremmo con symphonic death melodico con cantato femminile pulito e voce growl maschile. La loro definizione ha dalla sua, oltre ad un’apprezzabile capacità di sintesi, anche l’abilità di mettere in evidenza un aspetto molto intrigante del sound di questi ragazzi ovvero la dicotomia tra la cattiveria viscerale del death/black a voce maschile e l’ariosa melodia del metal sinfonico a voce femminile. Questi due aspetti, in persistente tensione, si duellano la ribalta per tutta la durata del disco fornendo un elemento di discontinuità rispetto a quanto fatto sentire da altri gruppi e meritando un plauso soprattutto per essere stati integrati quasi perfettamente fra loro. Solo molto sporadicamente l’accostamento risulta forzoso e dunque va tributato un riconoscimento anche al merito dei musicisti che sanno variare continuamente, e anche di molto, l’espressività del proprio stile intessendo, con la medesima disinvoltura, feroce brutalità e atmosfere quasi oniriche.

La bontà di questo lavoro si potrebbe misurare anche in base alle collaborazioni eccellenti che vi hanno contribuito, su tutti da segnalare Björn “Speed” Strid dei Soilwork e Nicole Ansperger degli Eluveitie, ma sarebbe riduttivo perché la bravura di questi musicisti non può essere messa in discussione tanto che davvero non ci fanno mancare nulla. Complice anche il nutrito numero di elementi, possiamo godere davvero a 360° di ogni aspetto esecutivo: dagli assoli iperveloci alle ritmiche incrociate, dai duetti tra vece maschile growl/scream e femminile pulita/lirica alle cavalcate inarrestabili della sezione ritmica, i Nostri danno sfoggio di un’abilità individuale invidiabile. Ma se questo senza dubbio piace è soprattutto il risultato dell’insieme a stupire. Molto ben strutturati questi dodici pezzi non annoiano mai pur non essendo di così facile assimilazione. Intendiamoci: non siamo sicuramente davanti ad uno di quei lavori confusionari per cui bisogna lambiccarsi il cervello ma questo Creeping Time è comunque un album che non ha nell’immediatezza la sua caratteristica di spicco ed è precisamente così che i Misteyes l’hanno voluto.

Il songwriting è sempre piacevolmente complesso e articolato, come dimostra la lunghezza media dei brani piuttosto estesa, e la produzione assolutamente ineccepibile, aspetto quest’ultimo che risulta indispensabile per rendere distinguibili le tante tracce usate in ciascun brano. Il sound, che forse avrebbe potuto essere un po’ più personale, è solido e ben costruito e di certo non sfigura nel complesso di questa realizzazione. Nota meno positiva invece per l’immagine un po’ banalotta che i musicisti danno di se stessi, almeno per come viene presentata nel corredo del CD. Se almeno avessero un sito internet magari… A proposito di confezione del disco invece, di nuovo ottimi voti sia per l’artwork che per la qualità e la quantità di informazioni fornite, testi compresi. Buonissimo debutto dunque e soprattutto apprezzabilissima nuova realtà nostrana che, con qualche piccolo affinamento e un po’ più d’esperienza, può davvero ambire all’eccellenza.

Dominance – XX: The Rising Vengeance

I Dominance vengono da Rolo in provincia di Reggio Emilia quindi tutti coloro che, con facile stereotipo, associano questa zona solo a motori e piadina da oggi sapranno che invece è anche terra di ottimo death metal. Questa band in particolare calca le scene già dal 1995 ma, complice forse una line-up non sempre stabile, non sono ancora riusciti a raccogliere il successo che meriterebbero. A proposito di formazione questo terzo album vede l’uscita dello storico cantante Mauro Bolognesi, sostituito dal bravo Massimiliano Marri, e l’ingresso di Luca Alzapiedi e Gabriel Cavazzini alle chitarre. Rispetto al precedente album rimane dunque invariata la sola sezione ritmica, ed è un bene perché il collaudatissimo duo Rossi-Tognoni (che è anche il fondatore della band) fornisce solidissime fondamenta di ruvido cemento armato necessarie per tenere in piedi le evoluzioni dei due axemen che, evitando di spendersi inutilmente sul piano individuale, ci regalano una prestazione maiuscola soprattutto quando incrociano le loro linee. Stilisticamente questo combo emiliano si posiziona tra il tecnicismo dei Death, la brutalità dei Pantera e le sventagliate di melodia dei Dark Tranquillity ma sarebbe riduttivo racchiudere in questo triangolo una personalità che ha anche molto di originale.

Quando infatti la band si lascia alle spalle gli episodi più brutali come This is War, Twisted o Dear Next Victim, che per validi che siano non restituiscono il giusto merito ai Nostri, emergono le qualità migliori. A partire dalla ormai immancabile intro XX per passare dalla suggestiva Into The Fog, dalla sorprendente Just A Reflection o dalla magnifica Rise Again i brani in cui possiamo veramente godere appieno della classe di questi musicisti sono dunque quelli in cui il gruppo si abbandona al death più melodico. Pregevoli anche i pezzi più strutturati come Journey To A New Life, Breathless o Time To Play in cui stop, cambi di tempo e di atmosfera fanno perdere ogni orientamento all’ascoltatore. Nota di merito per il nuovo cantante che affronta la sua prima sfida dietro il microfono con perizia e il giusto estro interpretativo che gli evita di diventare stucchevole e ripetitivo anche se, a dirla tutta, una maggiore varietà stilistica forse non avrebbe guastato. La produzione made in Italy poi è assolutamente all’altezza e il sound sempre compatto le deve molto soprattutto in termini di resa e coerenza complessiva. Un ottimo lavoro che coinvolge positivamente anche mixaggio ed equalizzazioni grazie alle quali è possibile apprezzare a pieno fino all’ultima nota. Davvero pregevoli infine tanto l’artwork quanto la scelta di includere i testi nel libretto a corredo del CD.

Tutto bene quindi perché a voler cercare il pelo nell’uovo si potrebbe additare solo la lunghezza eccessiva di alcune tracce laddove stranamente però altre sembrano archiviate troppo velocemente. Poco male comunque perché il livello generale del disco è molto alto e se, come credo, questa anomalia in fase compositiva è dovuta alla recente rivoluzione in line-up e alla inevitabile scarsa complicità tra i musicisti, ce lo dirà solo il prossimo album. Tanto più che, ve lo dico io, bisognerà attenderlo con pazienza perché non so se dal suolo nostrano il death possa raccogliere niente di meglio.

Children Of Bodom – I Worship Chaos

Ci voleva un cambiamento. Quando si hanno sulle spalle più di vent’anni di carriera uno scossone è quello che serve per tornare sul binario giusto. E’ questo che deve essere successo ai Children Of Bodom con il nuovo I Worship Chaos. Le dimissioni dello storico chitarrista Roope Latvala devono aver innescato la miccia che ha fatto esplodere di nuovo la creatività sulle rive del lago Bodom. Ai più nostalgici e intransigenti questo album magari non piacerà del tutto ma è indubbio che sia un immenso passo avanti, non tanto rispetto al diretto predecessore Halo Of Blood che era già sulla via del recupero, quanto rispetto ai lavori ancora precedenti. Alexi Laiho rispolvera la sua classe non solo in fase esecutiva ma anche e soprattutto in quella compositiva sia dietro il microfono che alla chitarra, incaricandosi tra l’altro sia delle parti ritmiche che di quelle soliste. Ne deriva un album compatto, solido come un blocco di granito ma non asfissiante, banale o monotono.

La opener I Hurt è già una sassata nei denti. Direttissima e ferocissima convince soprattutto per il riffing estremo, ovviamente, ma non smodatamente cattivo se pur aggressivissimo. E’ uno dei singoli estratti da questo album e anche uno dei pezzi meglio riusciti. Più articolata e con una maggior presenza di tastiere la successiva My Bodom (I Am The Only One) che segna un altro punto per la premiata ditta Laiho & Co. soprattutto grazie alla varietà messa in campo in poco più di quattro minuti. Più lungo e assolutamente avvincente il secondo singolo estratto da questo lavoro: Morrigan ci regala attimi di pieno stile Children Of Bodom in cui atmosfere malvagie e melodia si fondono alla voce graffiante e alle scorribande soliste dei Nostri per un risultato che non può lasciare indifferenti. Soprattutto incisività nella breve Horns che condensa in poco più di tre minuti assoli fulminanti, cambi di ritmo e violenza in un brano che forse si sarebbe giovato di una maggiore rielaborazione. Niente da eccepire invece per Prayer For The Afflicted, quasi cinque minuti di mid-tempo terrificante, tutto sostanza e niente fronzoli per una traccia che punta tutto sull’impatto delle linee melodiche sapientemente confezionate. La title track I Worship Chaos riporta il metronomo ai livelli a cui i bimbi di Bodom ci hanno abituato. Questa traccia è agghiacciante e arricchita da assoli al fulmicotone, tastieroni e cori che vi faranno per forza cedere all’headbanging e al pogo. Siete avvertiti.

Intro di batteria e chitarroni taglienti per Hold Your Tongue che con il suo ritmo scandito e la sua struttura tormentata non vi lascerà il tempo di respirare. Bello anche il crescendo d’intensità così progressivo da non essere quasi percepibile almeno fino alla fine. Per descrivere Suicide Bomber basta una parola: furiosa. Si tratta di un brano tutto immediatezza che non lascia respiro ma in cui, di nuovo, la cattiveria non sembra fine a se stessa ma, anzi, risulta dosata con grande maestria. La lunga All For Nothing torna a proporci tempi più lenti e atmosfere da film horror inframmezzate solo dalle spettacolari incursioni melodiche dei solisti. Conclude l’album Widdershins in cui sono soprattutto le partiture soliste a fare la differenza dando spessore e concretezza. Brano articolato e dal songwriting a dir poco eccentrico fornisce decisamente una degna conclusione per questo nono (!!!) album in studio della band finlandese.

In definitiva questo è un lavoro decisamente valido in cui i Children Of Bodom si evolvono senza snaturarsi e anzi ritrovando alcune di quelle caratteristiche che ai loro albori li avevano resi celebri come risposta alla NWOSDM. La produzione è assolutamente miracolosa se si considera che per la prima volta i Nostri non si sono appoggiati ad uno studio di registrazione commerciale bensì ad un magazzino convertito allo scopo. La tecnica di questi musicisti invece non è mai stata in discussione e non lo è nemmeno in questo capitolo che annovera anche dei netti miglioramenti dietro il microfono dove l’approccio un po’ troppo piatto e monolitico ha lasciato il posto ad una miglior interpretazione nonché ad una maggior forza espressiva. Ok, da oggi I Worship Chaos…e voi???

Children of Bodom – Something Wild

“Per fare una frittata bisogna rompere le uova”… così dice il proverbio. Ecco allora che cinque ragazzi finlandesi ne prendono una finemente decorata da partiture classiche. Ne aggiungono una completamente nera e ricoperta di borchie. Poi altre due talmente marce da essere ricoperte di muffa e puzzare di zolfo. Con magistrale perizia tecnica i Nostri le sbattono insieme per confezionare questa (per l’epoca) strana pietanza: un death melodico che, è vero, aveva già fatto capolino sulla scena con l’avvento della NWOSDM ma che ancora era in cerca di coordinate e stilemi che lo definissero univocamente. Più di tutti c’era bisogno di interpreti abbastanza coraggiosi e ispirati da lanciarsi nell’impresa. Ed è proprio in questo che Alexi Laiho e compagni si distinguono maggiormente: la forza di spingersi là dove pochi erano andati e ancor meno erano riusciti a tornare senza rompersi le ossa. D’altronde cosa ci si poteva aspettare da una band che ha scelto per nome una strage degli anni ’60 in cui vennero assassinati tre ragazzi?!

E’ così che brani come Deadnight Warrior e Lake Bodom colpiscono al cuore, deliziano le orecchie e rimangono nella mente dell’ascoltatore. Classici subito. Immediati come solo un brano death sa essere ma contemporaneamente melodici come uno spartito di musica classica nonché malvagi come il miglior black metal. Questo è chiaramente un album “estremo” ma a dirla così non si renderebbe giustizia al lavoro di cesello che decora i raffinati e velocissimi assoli di chitarra o ai ricami sui tappeti di tastiere che ricoprono (fin troppo) tutte e sette le tracce di questo debut. Anche dietro al microfono si è cercato una via di mezzo tra il classico “rauco/gutturale” tipico del death e l’acidità propria del black con il risultato di unire il meglio di due mondi evitando che ne derivasse un pasticcio insensato. Bravi. In grande spolvero anche la composizione, materia in cui questi finlandesi si distinguono con strutture sempre articolate e mai banali o ripetitive. Anzi, bisogna sottolineare come i brani si differenzino ampiamente l’uno dall’altro anche dove si sarebbe potuto correre il rischio di cadere in circoli viziosi e doppioni. Buon esempio ne è la lunga Red Light In My Eyes un brano complesso, addirittura diviso in due parti tanto da costituire due tracce di questo CD.

Insomma un ottimo album che accontenterà un’ampia schiera di ascoltatori: i più esigenti non sentiranno nostalgia di virtuosismi e cambi di tempo, ai più “incazzati” non mancherà la furia alla batteria o dietro al microfono, i più raffinati faranno il pieno della straripante, a tratti geniale, melodia e i cuori più tormentati vi troveranno malvagità e cattiveria più che in abbondanza. Il tutto è veicolato attraverso una produzione praticamente perfetta che consente di godere ed apprezzare ogni singola nota. In definitiva questo è un disco che presta il fianco davvero a poche critiche ma che brilla decisamente per il livello di innovazione che porta in un genere in sofferenza. Persino l’artwork risulta ispirato tanto che negli anni a venire darà continuità a tutta la produzione dei Children Of Bodom. Volendo proprio guastare la festa si potrebbe dire che la proposta musicale potrebbe essere ulteriormente raffinata e infatti aspettiamo la band alla riconferma con il prossimo lavoro in studio ma nel frattempo possiamo tranquillamente perdonare qualsiasi ingenuità visto l’alto livello di adrenalina innescato da contenuti di indubitabile valore da qualunque angolazione li si guardi. Un ottimo esordio e se il proverbiale “buon giorno si vede dal mattino”…

Aleph – Thanatos

Gli Aleph sono tornati con un album che definire distruttivo è dire poco. Il 2016 si apre nel migliore dei modi per loro grazie a Thanatos che aveva fatto attendere a lungo i fan ma che regala grandissime soddisfazioni. Dall’alto della loro quasi ventennale carriera non si può di certo dire che gli Aleph siano prolifici in quanto a studio album, ma sappiamo che spesso la qualità non va d’accordo con la quantità. Poche pubblicazioni per tanta musica tanto che possiamo ascrivere questi oltre 70 minuti in una pagina importante del death metal. Presentare però queste 14 tracce come appartenenti ad un genere preconfigurato è un grave errore perché c’è davvero tanto nella mente di questo quintetto e già al primo ascolto vengono fuori tutti gli ingredienti: il riffing varia spesso da una matrice death ad una più thrash, le ambientazioni spaziano da orrorifici e lugubri passaggi a sfuriate al fulmicotone, le tastiere si stendono come drappi nel conferire quel sapore infernale misto al freddo gelido del nord Europa, la durata delle tracce è quasi sempre molto consistente eppure non ci si stanca mai grazie ai continui cambi di direzione. Ciò che però più ci colpisce di questo lavoro è l’immensa cattiveria sprigionata e il senso di terrore che questi brani lasciano nella mente dell’ascoltatore; non si parla quindi di sola musica ma di un insieme di emozioni elargite da un songwriting molto ricercato e da un sound compatto.

A Game Of Chess è uno degli esempi più lenti e ricercati di questo album che però non resiste nel restar legato e si apre ad esplosioni metal già prima di metà corsa, al contrario l’opener The Snakesong ci fionda come un proiettile nell’animo più estremo del combo; incredibile quanto importante sia il condimento delle tastiere, nonostante il sound degli Aleph si regga fondamentalmente sulla sei corde. In vari momenti sembra di rivedere gli anni 80 riprender luce (per modo di dire), quel rifferama fatto di due chitarre ma compatto come un macigno che ti fa muovere il collo, la sezione ritmica possente che crea una struttura invalicabile e affascinate per la sua bellezza: la titletrack ci regala queste emozioni. The Old Master lascia un sapore oscuro attaccato alla pelle mentre in molti brani il riffing truculento continua a lasciare corpi inermi sul campo.

Un lavoro di grande spessore quindi, trasversale per possibile apprezzamento tra i metaller ma pur sempre all’interno di un modo di concepire l’heavy relativamente estremo: gli Aleph tramite questo Thanatos confermano di essere una realtà di cui andare fieri a livello internazionale.