Rumor – Ti Ho Visto Ad Alta Voce

I Rumor tornano sulle scene e lo fanno cambiando pelle. Forti di una eco impattante, dopo le loro tantissime date live (anche all’estero) e il primo premio al Pending Lips Festival (a cui, lo ricordiamo, concorrevano circa 300-400 band del nostro Paese ad ogni edizione), decidono di dare un successore al loro precedente album e pubblicano Ti Ho Visto Ad Alta Voce. Cambiano pelle perché se il loro approccio indie in passato strizzava favorevolmente l’occhio al rock grazie a delle linee di basso profonde e soprattutto alla batteria di Evita davvero incisiva, adesso il progetto sbarca in terre nuove cedendo alle lusinghe dell’elettronica. Non gridino allo scandalo i fan della prima ora, la voce di Marco mantiene la stessa ispirazione che ha contraddistinto da sempre il progetto ma l’assenza di una batteria vera a vantaggio di una campionata presenta un sound molto più affine all’elettro rock angloamericano e meno al rock “indipendente”. Alcuni brani mantengono un forte impulso di intimità ma l’elemento ritmico allontana quella che era la sensazione a cui i Rumor ci avevano abituati, una sensazione fatta di rock giovanile ma allo stesso tempo di musica da palco, un insieme fatto di linee vocali che dominavano sotto ad una sezione ritmica compatta e che “suonava” nel vero senso della parola. Ora i suoni sintetici della batteria fanno perdere quel mordente che ritrovavamo in loro a vantaggio di sonorità più ammiccanti, forse più da classifica ma lontane dai nostri ascolti, dalle nuove frontiere dal rock a cui ci avevano abituati.

I brani centrali della tracklist ci sembrano quelli più ispirati, Canzone Per E., Paura e Amare ci trasmettono delle emozioni, pacati e diversi ma in cui ogni spazio, ogni pausa è collocata al punto giusto; a differenza di Uomo (Parte 1,2,3) ad esempio che sembra meno ricercata e di più facile impatto. Se siete disposti ad accettare questo cambio di rotta Ti Ho Visto Ad Alta Voce vi piacerà perché gli altri elementi a marchio Rumor ci sono quasi tutti, noi avremo marcato di più sull’animo rock e anche su una maggiore presenza della sei corde di Elia. Resta comunque un album moderno, fortemente indie e una continuazione del progetto Rumor.

Awolnation – Here Come The Runts

Gli Awolnation, ovvero il progetto di Aaron Bruno, li avevamo lasciati ai tempi di Run di cui avevamo parlato a questa pagina e che non ci aveva convinti per nulla. L’album era troppo contaminato da elettronica e hip hop per essere considerato un rock album, ne avevamo scritto dicendo che il suo “scenario migliore è nei negozi di abbigliamento”. Eppure qualcosa si muove, il successo planetario che questo artista ha riscosso avrebbe potuto suggerire la ripetizione di una ricetta ormai collaudata e super giovanile ed invece arrivano alcune novità: parliamo della matrice ritmica ma anche della sei corde folle nell’opener Here Come The Runts, ancora del singolo Passion che ci saremo aspettati molto più orecchiabile e il blues acustico di Seven Sticks Of Dynamite o il rock ruvido di Tall, Tall Tale, momenti che ci piacciono e che risultano anche ben prodotti. Parliamo sempre al singolare riferendoci ad Aaron Bruno, perché in realtà dai tempi del precedente Run la formazione è cambiata completamente lasciando solo Aaron a dirigere la nave Awolnation, ufficialmente il suo progetto solista. Probabilmente anche questo ha contribuito a questo piccolo ma sensibile cambiamento di rotta rispetto al passato.

In generale, a parte queste evidenze, non c’è da spaventarsi né da urlare al miracolo visto che la musica degli Awolnation non è stata stravolta nella sua natura: le voci hip hop in Sound Witness System il mood da spot pubblicitario di Handyman, il pop internazionale di Jealous Buffoon sono nel classico stile mainstream di Aaron e ci confermano che il progetto ha dritto in mente le classifiche e i grandi numeri.

March Division – Absence

Non li “incontravamo” dai tempi di Post Meridian Soul (recensito da noi a questa pagina) ed eccoli qui i milanesi che presentano il nuovo EP dal titolo Absence. Suoni e accenti vocali fortemente anglo-americani, gran parte del loro stile non è cambiato rispetto al passato. Musica elettronica fortemente influenzata dalla dance, soprattutto a livello ritmico che pesca a man bassa dagli anni 80, mentre per quanto riguarda le linee vocali si potrebbe spaziare tra il synth pop e la new wave. L’opener ci propone però degli arrangiamenti nuovi (synth ed effetti in primis), che non trovavamo nell’essenzialità danzereccia del loro passato, tappeti di synth in Down By The Sea riappacificano i ritmi e puntano ad un’atmosfera più offuscata. Con Acid Blood e Hate Can’t Divide Us i livelli qualitativi si abbassano e la proprosta della band sembra uscire dai nostri canonici ascolti (e gusti). Sul finire due brani radiofonici, dal taglio maturo e che promettono grandi ascolti ma meno sperimentali delle precedenti tracce.

Incalzante Pale Noon, futuristica nelle aggiunte dei vari strumenti che si sovrappongono l’un l’altro, spirito rave nelle martellanti percussioni; forse è qui che si tocca qualcosa di nuovo nello stile della band, ovvero l’intenzione di voler aggiungere suoni e contributi, come se fosse una sperimentazione continua, aggiunte ad una trama di base che va in loop e che si vuole arricchire sempre più. Talvolta le strutture ci ricordano qualcosa di rock ma serve di più per rispondere ai nostri istinti rock’n’roll.

Margo Sanda – Delay

“Aia”. Primo e piccolo grido di dolore appena ci avviciniamo a questo nuovo progetto ideato e realizzato da Margo Sanda. Un musicista, un EP, vari anche se pochi strumenti. Questi strumenti vengono mescolati insieme e ce n’è per tutti, chitarra, computer, percussioni, synth…che detto così potrebbe sembrare affascinante, ma noi che siamo realisti sappiamo che è davvero complesso e coraggioso creare qualcosa di davvero figo far andare d’accordo strumenti così diversi con una sola mente a generare il tutto. “I brani nascono da improvvisazioni solitarie“, così viene presentato l’EP. Altro elemento che potrebbe suggerire un elemento di forza (artistica) del (mini) album ma a pensarci 5-secondi-5 sentiamo il secondo “aia”. Strumenti differenti, sperimentazione, improvvisazione. Bando ai pensieri, cercando di ingannare i preconcetti dati dall’esperienza, pigiamo il tasto play. Purtroppo le nostre idee prendono forma e nonostante volessimo convincerci del contrario ricercando qualcosa che possa destare l’attenzione della critica, quasi come i ricercatori d’oro di un tempo, non ci riusciamo.

Alcuni brani danno il senso di band (Light Hat) ma poco che resti davvero impresso. Gli effetti sovrastano le strutture (Delay Of sconfina nell’elettronica pura) non accontentando né chi cresce a pane e chitarra elettrica né chi familiarizza con i suoni sintetici.

TechNoir – New Ecosystem Musically Improved

New Ecosystem Musically Improved (abbreviato Nemi) non è solo il titolo del primo lavoro del progetto italo-greco-nigeriano TechNoir, ma un traguardo finale dopo una serie di mini EP rilasciati durante il 2016. Traguardo finale dicevamo, ma non solo musicale: il progetto è un lavoro complesso e multimediale accompagnato dalla pubblicazione di vari video in più parti, tesi alla realizzazione di una trama comune e un video “definitivo”. Insomma un lavoro a puntate, quasi mensile, in luogo di una più tradizionale pubblicazione, e questo ci piace molto, perché tende a stuzzicare la curiosità dell’ascoltatore in vista di un ipotetico prodotto finale. Il disco che abbiamo in redazione è proprio il prodotto finale tanto auspicato. Dodici brani di elettronica spinta, Bristol sound, soul, funk, fino a reminescenze acid jazz. Spicca la potente voce di Jennifer Villa che ben si amalgama con le trame elettroniche elaborate ai synth da Alexandros. Eleganza e carattere, questo è in sintesi tutto il disco: potenti gli influssi soul di Techtube, così come la robusta e funk Tiny Dots. Qualche spuntinatura hip hop (o anche trip hop) in In The Middle Of Nowhere, insomma nulla è lasciato al caso, ma tutto è ricercato e perfetto.

A dirla tutta non è affatto un disco da rockettari, anzi questi ultimi potrebbero esserne addirittura schifati! Ma non è neanche un lavoro “modaiolo”, sebbene quando si parli di musica elettronica possa far venire in mente serate cool, dj all’opera, cocktail improbabili in bicchieri con cannucce nere e fashion blogger qui e lì. Qui parliamo di un altro tipo di elettronica, quella del futuro, quella che faceva ben sperare nella fine dei ’90 ma che poi non ha portato a nulla. Per i 35enni di oggi: ve lo ricordate il videogioco Wipeout 2097 per la prima, mitica Playstation? Con quella colonna sonora martellante, piena di brani di Prodigy, Chimical Brothers e geni simili? Quello doveva essere il suono del futuro, per noi imberbi ragazzini nei ’90, invece non si è concretizzato in nulla. Bene, i TechNoir ci tirano un’altra volata. Speriamo che questa sia la volta buona!

Perfect Cluster – Flow

Tra le varie espressioni del rock elettronico in Italia vi sono anche i Perfect Cluster, una realtà che a nostro parere non nasconde i suoi rimandi a scene che sono oltre i confini nazionali. Il loro Flow è sicuramente un insieme di tracce imbevute nell’elettronica, synth, suoni anestetizzati ed effetti che la fanno da padrone, ma le strutture, le idee di base rientrano in una visione rock. Le radici sono appunto quelle seppur modificate da settimane e settimane di ascolto di Depeche Mode, Nine Inch Nails (ascoltare Speed prego) e protagonisti delle consolle che hanno contribuito a modificare il percorso del trio e farlo arrivare a questi 11 brani. Questo già restringe molto il campo di ascolto della band, chi si aspetta suoni elettrici sarà deluso da questa uscita, ma a nostro parere (e non in tutti i suoi momenti) Flow resta pur sempre una nuova visione di intendere il rock, forse futuristica o forse semplicemente diversa da formazioni che vogliono a tutti i costi ripescare lezioni degli anni 70 e 80 e riproporle oggi come se nulla fosse cambiato.

Ad un ascolto critico si potrebbe ravvedere qualcosa di più sotto la cute dei Perfect Cluster: la lunga Slide Out ad esempio ha una personalità che si sposa perfettamente con colonne sonore di film fantascientifici, percezione che giunge anche ascoltando la parte centrale di Mind Control, un brano quest’ultimo che in generale esce dal seminato e, complice la sperimentazione o l’eccessiva enfasi sul lato elettronico, tradisce le strutture rock a cui si alludeva prima. Un album lungo e di non facile digestione, sia per chi è abituato ai suoni ruvidi di una sei corde sia per chi gira manopole come fossero strumenti. Ma ha un sotto strato indice di una buona vena compositiva che va premiato.

Spaccamonti/Beauchamp – Torturatori

Musica di ricerca. Dura, complicata, difficile. Questo è il campo di lavoro di Paul Beauchamp e Paolo Spaccamonti, alfieri della avanguardia torinese. Il duo condivide da tempo palchi, esperienze, session e finalmente hanno avuto la possibilità di incontrarsi in sala di registrazione e mettere giù qualche idea, ognuno al proprio strumento. Spaccamonti alle chitarre e Beauchamp all’ harmonium, ai synth e alla sega musicale. Il risultato di tali session sono due lunghi brani di circa quindici minuti l’uno, White Side e Black Side, corrispondenti alle due facciate di un disco a 33 giri. Il primo lato, il “White”, è un lungo percorso a loop guidato dalla chitarra acustica di Spaccamonti con interventi gustosi dei synth e della sega di Beauchamp, oltre che della chitarra elettrica di un altro ospite, Gianmaria Aprile. Il suono è nervoso, liquido. Ricorda a più ascolti qualcosa del Robert Fripp più disturbato, un No Pussyfooting sotto acido, con i Revox distrutti. La parte finale cambia completamente registro e si conclude con un arpeggio folk blues che porta il brano alla sua seconda facciata, quella Black Side, scura e marziale nel suo incedere, dove i veri protagonisti sono i sintetizzatori “no future” di Beauchamp, che richiamano il dark e la new wave anni ’80. Richiamo cercato anche dalle chitarre di Spaccamonti, il quale per non sfigurare usa la chitarra baritona, proprio come faceva (e fa ancora adesso) sua maestà Robert Smith. La seconda parte è un complesso lavoro a strati. Tutto è suonato e risuonato, loop continui che trasforma in drones la musica ascoltata.

Un lavoro coraggioso questo Torturatori (il duo venne così apostrofato da un avventore di un locale dove i musicisti erano soliti esibirsi), coraggioso ed interessante. Personalmente crediamo che ascoltato da vivo possa avere addirittura una marcia in più, anche se già su disco fa la sua porca figura. Un viaggio verso l’infinito ed oltre.

Full Metal Breakfast – Taxi To The Galaxy

Progetto particolare quello dei pugliesi Full Metal Breakfast visto che dal nome tutto farebbe pensare tranne che ad una band di musica elettronica. A ben vedere però non è solo elettronico lo spirito che c’è dietro a questo album, anche perché saremmo stati i meno titolati a parlarne. Il trio si propone con undici brani ognuno con un’anima differente e questo a nostro parere non giova alla presentazione della band visto che non inquadra per nulla il messaggio musicale che il gruppo intende diffondere. Brani con cadenze dance (Dr. Nakamats, Wolfman, Pitcairn Island), tracce rock (Too Old For Indie, Paris, Crazy Dogs), passaggi acustici a sprazzi o timidi arpeggi elettrici (Wolfman, High Sea) il risultato finale sembra un’insalata di cose diverse che probabilmente non accontenta i consumatori di musica, soprattutto se si considera che sono davvero poche le realtà che riescono a far andare d’accordo elettronica e rock.

Anche soffermandoci sulle singole tracce troviamo davvero poco di caratterizzante: Paris e Crazy Dogs sono i classici brani da indie rock britannico, già ormai sentiti da più di due lustri e che non aggiungono davvero nulla; la titletrack potrebbe piacere ma anch’essa attinge a mani basse dal passato a nome Daft Punk e risulta superata. Se poi li ascoltiamo insieme a momenti come Good Morning North Korea non capiamo davvero in quale direzione il trio intenda andare. Speriamo che in futuro i Full Metal Breakfast trovino la retta via.

Adam Carpet – Hardcore Problem Solver

Ritorno in casa Prismopaco Records (The Remixes – 2014) per gli Adam Carpet che dopo un anno da Parabolas (recensito da noi a questa pagina) danno alla luce un EP breve di quattro tracce. Continua il loro percorso evolutivo che già con la precedente uscita aveva marcato gli spiragli eighties: anche in Hardcore Problem Solver suoni, synth ed effetti rimandano a quegli anni con una forte, anzi fortissima spinta verso l’elettronica. La band si muove (e si allontana) sempre più dagli strumenti elettrici e imposta il proprio habitat proprio nell’elettronica; in lontananza si delimitano le strutture di tracce quasi rock ma nelle composizioni siamo distanti da quegli scenari, sarebbe sbagliato negarlo. Un peccato a nostro parere perché il loro post-rock iniziale (a tratti new wave) ci aveva conquistati mentre con il passare degli anni, nonostante il gusto sempre presente in fase di scrittura, gli Adam Carpet hanno via via ceduto il passo a suoni ed effetti più sintetici; in particolare l’ultima song qui inserita Rock Is Dead, Mambo Is Not non è solo uno statement della band ma un vero e proprio lascito testamentario che decreterà (questo lo vedremo in occasione delle prossime puntate) il definitivo abbandono del progetto al rock o un (abbastanza difficile) ritorno alle origini. Noi lo speriamo.

Petrolio – Di Cosa Si Nasce

Enrico Cerrato è musicista di lungo corso, coinvolto in svariati progetti che vanno dal metal all’industrial. Ora esordisce con il progetto Petrolio, one man band che fa tutto da sé (comprese registrazioni, mix e mastering) ed il suo album Di Cosa Si Nasce. Disco che si muove in ambienti industrial, elettronici e noise, molto vicini, anzi vicinissimi, a quell’ambient che tante produzioni vede sbocciare in ambito black metal. Anche se propriamente questa release non fa parte, e non poggia, sulle matrici ideologiche del black e non appartiene propriamente a quel filone per il motivo di cui prima, ci si infila comunque prepotentemente e potrebbe tranquillamente essere fruita anche dagli estimatori di quel genere. Perché il lavoro di Petrolio è oscuro, angosciante e molto destabilizzante. Si rimane ammantati da una senso di “pesantezza” ed inquietudine dopo l’ascolto de Di Cosa Si Nasce. Le atmosfere create sono lugubri, come se si viaggiasse in un buio pesto in pieno giorno, senza nessuna speranza né redenzione, cercando la luce diurna che non c’è, lasciandoci completamente impauriti e disorientati.

Presumibilmente, il tutto sarà dovuto anche al periodo storico che stiamo vivendo che non ci lascia nessun riferimento certo, dove tutto ciò che prima era fondante ora traballa in maniera paurosa. La musica, non solo di Petrolio, sta dipingendo molto bene queste sensazioni, carpendole e ributtandole fuori in maniera anche molto egregia, con lavori, di cui quest’album fa sicuramente parte, validi e destinati ad avere dei successori e delle continuazioni che potrebbero creare un originale unicum ed un movimento nuovo nella storia del rock in generale. Complimenti al musicista che, con le sue composizioni angoscianti, riesce ad attrarre l’ascoltatore senza che lo stesso possa staccarsi facilmente dall’ascolto de Di Cosa Si Nasce, disco completamente musicale che contiene solamente un breve testo recitato in VS : US

Un solo piccolo appunto: nel leaflet di stampa viene menzionato come genere anche shoegaze che a noi non risulta nemmeno in minima parte dopo l’ascolto.