oZZo – #pastislost

Dopo l’esperienza con gli Audrey e dopo un periodo che lo ha visto vivere un rapporto particolare con la musica, Ivano “ozzoHc” Tomba decide di tornare sulle scene e di farlo con un progetto proprio. Per “proprio” intendiamo un progetto che parte dalla sua mente, non come un’avventura solista (questo ci ha raccontato in un’intervista che presto sarà on line sulle nostre pagine) in quanto dietro ci sono strumenti e musicisti che vanno oltre il solo sforzo compositivo di Ivano; dietro ci sono appunto gli oZZo. Non è un caso che in occasione del release party al Rock’n’Roll di Rho (MI) gli oZZo si siano esibiti come una band a tutti gli effetti, con un sound live che ha fatto molta presa sul pubblico. Nel loro EP appare un’ambivalenza tra vena rock/metal e dose elettronica, due anime che però non entrano in guerra tra loro ma cercano di appagare i gusti di un pubblico che è sicuramente diverso dall’altro, rendendo molto labili i confini tra i due stili musicali. Nelle nostre corde entra benissimo Change, una metal ballad che spinge sulla sei corde con una struttura nu metal da classifica, mentre I Let You Get In e Choices sono i momenti in cui gli effetti prendono il sopravvento e che potrebbero collocarsi bene in un dj set. Un compromesso tra le due visioni sembra che arrivi con Nothing But You in cui i diversi arrangiamenti la fanno da padrone.

Ottimo il contributo di Alessio Corrado alla voce con delle linee vocali ispirate ma che soprattutto aderiscono molto bene allo stile proposto e che insieme rendono un sound a parer nostro molto statunitense ma comunque appetibile anche nel vecchio continente. Il tema portante dell’EP è il tempo, soprattutto inteso come insieme di ricordi ed eventi passati che si vuole in qualche modo cancellare o dimenticare, eppure l’EP trasmette musicalmente una certa positività, e questo senza puntare eccessivamente sulla ritmica bensì tanto sulla melodia. Una buona prova, un bel ritorno.

Priscilla Bei – Facciamo Finta Che Sia Andato Tutto Bene

Ho sempre amato avventurarmi nei boschi. Ma se dovessi farlo per davvero allora vorrei ci fosse notte fonda, nebbia da tagliare a fette grosse e poi, signori miei, ci voglio i lupi che ululano soltanto da lontano. Ma se ad un certo punto di questo film arrivasse il cielo sereno di stelle e una bella veduta sulla città, direi che qualcosa non ha funzionato nella sceneggiatura. Insomma: didattica sì ma soprattutto coerenza. E in questo esordio che mi viene fatto girare nello stereo ci sono meravigliosi scorci di psichedelia ed evanescenze spazio-tempo ma qualche fastidiosissima incoerenza che non riesco a fare a meno di sottolineare. Priscilla Bei, esordio in rosa finalmente. Ce ne sono rari, ci avete mai fatto caso? Insomma, tra uomo e donna, il numero è sicuramente minore da un lato piuttosto che dall’altro. Ma questo c’entra poco anzi niente. Torniamo al bellissimo lavoro dal titolo Facciamo Finta Che Sia Andato Tutto Bene. Esatto: “bellissimo”. Mi riporta a Debut di Björk (inevitabile non pensarci) ma io citerei anche quell’aria berlinese di una certa e precisa ispirazione di Erika Badhu o quel dub saccente di Sua quando ci canta One Is A Crowd. Ma insomma diciamo che l’artista islandese è la prima della lista. E questo disco prodotto con molta passione e libero da pregiudizi di ghiaccio e di aria aperta ne ha da vendere anche se spesso cerca l’urbanizzazione, il cemento, la chiusura di periferia come per esempio in Faccio A Meno in cui tutto traballa, si sospende, resta appeso…perde un tubo dell’acqua, luce di neon e poi da un muro ceduto lo sguardo d’improvviso si può gettare nella valle oltre la staccionata. Bellissimo il video del singolo Keplero, da vedere subito gente. Sulle prime e anche sulle seconde ha davvero poco da invidiare alle grandi produzioni e senza troppo pensarci bene mi viene da pensare ad Aroused di Tom Vek (precipitatevi subito).

Quindi elettronica, quindi a suo modo libero spazio alla visione e anche un’intelligente occhiolino strizzato alle melodie. Quindi una formula vincente anche con testi per niente banali ma che forse hanno ancora da scegliere la composizione migliore. Ed il neo di cui tanto parlavo all’inizio con quella boiata del bosco? Beh la bella Priscilla Bei ha una bellissima voce che però così prodotta suona incoerente al progetto che sento. La voce della Priscilla Bei è sottile, dolcissima, incantata. Siamo tra le trame di un dolce mondo alla Amelie o rimando subito al bellissimo nuovo disco di Rita Zingariello o ancora – calcando un poco di più la mano sul concetto del fantastico – citerei Amalia Grè e chi ne ha più ne metta. Siamo nel campo delle voci “standard” che però qualcosa di standard non fanno. Tutt’altro. Cercano il carattere e l’unicità e spesso, come in questo caso, lo fanno riuscendoci perché questo è un disco davvero ricco di carattere. Quindi? Beh quindi mi sarei aspettato una produzione che avesse immortalato la voce in un contesto molto ma molto più coerente di quanto invece ha fatto. Il risultato che ho davanti è un disco di psichedelia elettronica, nei suoni, negli arrangiamenti, nella scrittura, con una voce pop da ballata radiofonica in rosa dai colori pastello. Scusa: hai messo del caciocavallo sulle cozze? Torniamo a citare Björk e ascoltiamo questa voce. Infatti anche la Bei quando si rilassa nella scrittura e ci propone brani come La Perfezione in cui il contesto torna pop d’autore, tutto l’equilibrio viene ripristinato. Così come nella chiusura Autostrade dove ci viene riproposta una registrazione casalinga di lei piano e voce a cui si aggiunge una percussione e dell’altro proveniente dallo spazio…ma tutto è coerente. Tutto. Prendete il brano Deserto in cui la voce della Bei si ingrassa di riverberi…prendete Cose Serie in cui la voce è distorta. Ma per il resto, eccezion fatta per isolati momenti, il caciocavallo resta sulle cozze e sinceramente non riesco a mandarlo giù.

Solo questo mi viene da dire. Potrei dirvi che ormai sentire un piano reale mezzo stonato ripreso in ambiente nella verità di una stanza è una soluzione scontata quasi come far sentire la puntina sul vinile prima di iniziare a spararci del rock in endovena, ma ho già abusato fin troppo della mia parte di professore “so tutto io”. Punto a capo. Bell’esordio Priscilla Bei.

James And The Butcher – Plastic Fantastic

Molti vedono il cuore del sound dei James And The Butcher nelle loro pulsazioni elettroniche, un electro rock fatto di una produzione di livello che cerca di accontentare sia chi è cresciuto a suon di rock (potremo dire alternative rock) sia chi apprezza maggiormente i suoni sintetici. In realtà a parer nostro il loro cuore pulsa nel momento in cui cercano di dare molto più respiro alle tracce. Come nell’opener con le sue orchestrazioni e un passaggio acustico di un’intensità tale che ricorda i Pink Floyd misti a Morricone o anche in Queen Of The Galaxy che ha un buon refrain e, seppur con testi di ispirazione rap, mostra un suono elettrico ben in vista ed un’ottima attenzione al connubio dei vari strumenti (piacevoli le linee di basso in prima linea). Anche la parte finale di Core è interessante, un brano che inizia con tendenze alla Bluvertigo ma poi finisce con gioielli dal taglio jazzy. Eppure per presentare al meglio la band suggeriamo di ascoltare Miracolous Cancer che è un pezzo dalla buona vena calorica con l’esplosione in stile Muse lungo il ritornello e delle strofe centrate nell’electro rock.

Per una tartaruga che arriva al mare ce ne sono tante che muoiono prima. Ad esempio brani come Say My Name o Antibiotics li troviamo fuori traccia, canzoni che prestano un po’ troppo il fianco alle classifiche statunitensi e alla loro passione per pad, dub e suoni elettronici; Loola-Bye è una ballad a tratti brit rock che non aggiunge nulla, anche la melodica 2nd Plan sembra essere un buona buona colonna sonora da tenere in sottofondo ma resta poco incisa nella nostra mente. Nel complesso il titolo Plastic Fantastic rende l’idea più per la prima parola che non per la seconda, soprattutto per chi ha sete di una vena rock che qui tarda ad arrivare. Eppure la band ha idee e le mette in gioco tutte, non a caso l’album suona come un lavoro dalle tante sfaccettature che può dividere fan e critica.

Gambardellas – Survive

Una delle cose più belle del lavorare dietro RockGarage è che scopriamo delle band alla prima uscita e ne seguiamo gli sviluppi, il suono che matura, le idee che vengono affilate album dopo album e ne vediamo crescere musica e seguito. È capitato per varie band (non tantissime a dire il vero, molte purtroppo gettano la spugna o cambiano moniker) e i Gambardellas sono tra questi. Ai tempi di Sloppy Sounds, primo full-lenght recensito a questa pagina, ci erano piaciuti ma non ci avevano fatto innamorare, con l’EP Ashes di cui avevamo parlato qui avevamo capito che non puntare su di loro sarebbe stato da sciocchi e anche per questo eravamo in trepidante attesa del successore di quell’EP, album che ha tardato ad arrivare sul mercato. Tutta questa attesa è stata premiata da un album molto curato e che suona come un insieme di brani da sdoganare su tutti i continenti: Survive schiaccia il piede sull’approccio esterofilo della band, non solo per i testi in inglese ma anche per quella forte componente elettronica che predomina pur senza isolare il ruolo della chitarra che emerge quando necessario (nei riffi portanti di Chemical ad esempio ma anche in vari assoli).

Il groove è sicuramente il poker d’assi del power trio: ascoltare Leave Me Be senza essere travolti da quella sua trama profondamente ritmica ma dal sapore elettronico è impossibile, anche in Everything Sucks si segue questa tendenza, con meno bpm e una maggiore dose melodica (si vedano i cori nel ritornello). È una costante battaglia tra elettronica e groove: la titletrack Survive è un cazzotto in pieno volto, prima del gancio per far cadere l’avversario al tappeto. Poi c’è un altro profilo dei Gambardellas, un profilo che cita gli anni 80 e che inghiotte synth e luci colorate (Seven) ma che si sposa benissimo con lo spaccato elettronico che da sempre contraddistingue la band. E se avete dubbi su quanto i ragazzi siano cresciuti, musicalmente parlando, provate ad ascoltare Come Away, un brano che difficilmente proporranno dal vivo per non intaccare la dieta ipercalorica dei loro show, ma che sa di ballad statunitense e a cui più di una label a stelle e strisce potrebbe essere interessata; altro momento succulento per qualcuno oltre oceano è Citizens Of The New World, una traccia dalla forte impostazione grunge in cui noi troviamo piccoli elementi desert.

Davvero buona la produzione, al di là dei suoni molto curati, va segnalata la scelta di una voce riverberata e un passo indietro rispetto alla parte strumentale che esce fuori come una belva, sicuramente la loro arma letale in sede live. Album consigliatissimo, la conferma che sono usciti fuori i muscoli ai ragazzi e che ora possono competere su ring internazionali.

Rumor – Ti Ho Visto Ad Alta Voce

I Rumor tornano sulle scene e lo fanno cambiando pelle. Forti di una eco impattante, dopo le loro tantissime date live (anche all’estero) e il primo premio al Pending Lips Festival (a cui, lo ricordiamo, concorrevano circa 300-400 band del nostro Paese ad ogni edizione), decidono di dare un successore al loro precedente album e pubblicano Ti Ho Visto Ad Alta Voce. Cambiano pelle perché se il loro approccio indie in passato strizzava favorevolmente l’occhio al rock grazie a delle linee di basso profonde e soprattutto alla batteria di Evita davvero incisiva, adesso il progetto sbarca in terre nuove cedendo alle lusinghe dell’elettronica. Non gridino allo scandalo i fan della prima ora, la voce di Marco mantiene la stessa ispirazione che ha contraddistinto da sempre il progetto ma l’assenza di una batteria vera a vantaggio di una campionata presenta un sound molto più affine all’elettro rock angloamericano e meno al rock “indipendente”. Alcuni brani mantengono un forte impulso di intimità ma l’elemento ritmico allontana quella che era la sensazione a cui i Rumor ci avevano abituati, una sensazione fatta di rock giovanile ma allo stesso tempo di musica da palco, un insieme fatto di linee vocali che dominavano sotto ad una sezione ritmica compatta e che “suonava” nel vero senso della parola. Ora i suoni sintetici della batteria fanno perdere quel mordente che ritrovavamo in loro a vantaggio di sonorità più ammiccanti, forse più da classifica ma lontane dai nostri ascolti, dalle nuove frontiere dal rock a cui ci avevano abituati.

I brani centrali della tracklist ci sembrano quelli più ispirati, Canzone Per E., Paura e Amare ci trasmettono delle emozioni, pacati e diversi ma in cui ogni spazio, ogni pausa è collocata al punto giusto; a differenza di Uomo (Parte 1,2,3) ad esempio che sembra meno ricercata e di più facile impatto. Se siete disposti ad accettare questo cambio di rotta Ti Ho Visto Ad Alta Voce vi piacerà perché gli altri elementi a marchio Rumor ci sono quasi tutti, noi avremo marcato di più sull’animo rock e anche su una maggiore presenza della sei corde di Elia. Resta comunque un album moderno, fortemente indie e una continuazione del progetto Rumor.

Awolnation – Here Come The Runts

Gli Awolnation, ovvero il progetto di Aaron Bruno, li avevamo lasciati ai tempi di Run di cui avevamo parlato a questa pagina e che non ci aveva convinti per nulla. L’album era troppo contaminato da elettronica e hip hop per essere considerato un rock album, ne avevamo scritto dicendo che il suo “scenario migliore è nei negozi di abbigliamento”. Eppure qualcosa si muove, il successo planetario che questo artista ha riscosso avrebbe potuto suggerire la ripetizione di una ricetta ormai collaudata e super giovanile ed invece arrivano alcune novità: parliamo della matrice ritmica ma anche della sei corde folle nell’opener Here Come The Runts, ancora del singolo Passion che ci saremo aspettati molto più orecchiabile e il blues acustico di Seven Sticks Of Dynamite o il rock ruvido di Tall, Tall Tale, momenti che ci piacciono e che risultano anche ben prodotti. Parliamo sempre al singolare riferendoci ad Aaron Bruno, perché in realtà dai tempi del precedente Run la formazione è cambiata completamente lasciando solo Aaron a dirigere la nave Awolnation, ufficialmente il suo progetto solista. Probabilmente anche questo ha contribuito a questo piccolo ma sensibile cambiamento di rotta rispetto al passato.

In generale, a parte queste evidenze, non c’è da spaventarsi né da urlare al miracolo visto che la musica degli Awolnation non è stata stravolta nella sua natura: le voci hip hop in Sound Witness System il mood da spot pubblicitario di Handyman, il pop internazionale di Jealous Buffoon sono nel classico stile mainstream di Aaron e ci confermano che il progetto ha dritto in mente le classifiche e i grandi numeri.

March Division – Absence

Non li “incontravamo” dai tempi di Post Meridian Soul (recensito da noi a questa pagina) ed eccoli qui i milanesi che presentano il nuovo EP dal titolo Absence. Suoni e accenti vocali fortemente anglo-americani, gran parte del loro stile non è cambiato rispetto al passato. Musica elettronica fortemente influenzata dalla dance, soprattutto a livello ritmico che pesca a man bassa dagli anni 80, mentre per quanto riguarda le linee vocali si potrebbe spaziare tra il synth pop e la new wave. L’opener ci propone però degli arrangiamenti nuovi (synth ed effetti in primis), che non trovavamo nell’essenzialità danzereccia del loro passato, tappeti di synth in Down By The Sea riappacificano i ritmi e puntano ad un’atmosfera più offuscata. Con Acid Blood e Hate Can’t Divide Us i livelli qualitativi si abbassano e la proprosta della band sembra uscire dai nostri canonici ascolti (e gusti). Sul finire due brani radiofonici, dal taglio maturo e che promettono grandi ascolti ma meno sperimentali delle precedenti tracce.

Incalzante Pale Noon, futuristica nelle aggiunte dei vari strumenti che si sovrappongono l’un l’altro, spirito rave nelle martellanti percussioni; forse è qui che si tocca qualcosa di nuovo nello stile della band, ovvero l’intenzione di voler aggiungere suoni e contributi, come se fosse una sperimentazione continua, aggiunte ad una trama di base che va in loop e che si vuole arricchire sempre più. Talvolta le strutture ci ricordano qualcosa di rock ma serve di più per rispondere ai nostri istinti rock’n’roll.

Margo Sanda – Delay

“Aia”. Primo e piccolo grido di dolore appena ci avviciniamo a questo nuovo progetto ideato e realizzato da Margo Sanda. Un musicista, un EP, vari anche se pochi strumenti. Questi strumenti vengono mescolati insieme e ce n’è per tutti, chitarra, computer, percussioni, synth…che detto così potrebbe sembrare affascinante, ma noi che siamo realisti sappiamo che è davvero complesso e coraggioso creare qualcosa di davvero figo far andare d’accordo strumenti così diversi con una sola mente a generare il tutto. “I brani nascono da improvvisazioni solitarie“, così viene presentato l’EP. Altro elemento che potrebbe suggerire un elemento di forza (artistica) del (mini) album ma a pensarci 5-secondi-5 sentiamo il secondo “aia”. Strumenti differenti, sperimentazione, improvvisazione. Bando ai pensieri, cercando di ingannare i preconcetti dati dall’esperienza, pigiamo il tasto play. Purtroppo le nostre idee prendono forma e nonostante volessimo convincerci del contrario ricercando qualcosa che possa destare l’attenzione della critica, quasi come i ricercatori d’oro di un tempo, non ci riusciamo.

Alcuni brani danno il senso di band (Light Hat) ma poco che resti davvero impresso. Gli effetti sovrastano le strutture (Delay Of sconfina nell’elettronica pura) non accontentando né chi cresce a pane e chitarra elettrica né chi familiarizza con i suoni sintetici.

TechNoir – New Ecosystem Musically Improved

New Ecosystem Musically Improved (abbreviato Nemi) non è solo il titolo del primo lavoro del progetto italo-greco-nigeriano TechNoir, ma un traguardo finale dopo una serie di mini EP rilasciati durante il 2016. Traguardo finale dicevamo, ma non solo musicale: il progetto è un lavoro complesso e multimediale accompagnato dalla pubblicazione di vari video in più parti, tesi alla realizzazione di una trama comune e un video “definitivo”. Insomma un lavoro a puntate, quasi mensile, in luogo di una più tradizionale pubblicazione, e questo ci piace molto, perché tende a stuzzicare la curiosità dell’ascoltatore in vista di un ipotetico prodotto finale. Il disco che abbiamo in redazione è proprio il prodotto finale tanto auspicato. Dodici brani di elettronica spinta, Bristol sound, soul, funk, fino a reminescenze acid jazz. Spicca la potente voce di Jennifer Villa che ben si amalgama con le trame elettroniche elaborate ai synth da Alexandros. Eleganza e carattere, questo è in sintesi tutto il disco: potenti gli influssi soul di Techtube, così come la robusta e funk Tiny Dots. Qualche spuntinatura hip hop (o anche trip hop) in In The Middle Of Nowhere, insomma nulla è lasciato al caso, ma tutto è ricercato e perfetto.

A dirla tutta non è affatto un disco da rockettari, anzi questi ultimi potrebbero esserne addirittura schifati! Ma non è neanche un lavoro “modaiolo”, sebbene quando si parli di musica elettronica possa far venire in mente serate cool, dj all’opera, cocktail improbabili in bicchieri con cannucce nere e fashion blogger qui e lì. Qui parliamo di un altro tipo di elettronica, quella del futuro, quella che faceva ben sperare nella fine dei ’90 ma che poi non ha portato a nulla. Per i 35enni di oggi: ve lo ricordate il videogioco Wipeout 2097 per la prima, mitica Playstation? Con quella colonna sonora martellante, piena di brani di Prodigy, Chimical Brothers e geni simili? Quello doveva essere il suono del futuro, per noi imberbi ragazzini nei ’90, invece non si è concretizzato in nulla. Bene, i TechNoir ci tirano un’altra volata. Speriamo che questa sia la volta buona!

Perfect Cluster – Flow

Tra le varie espressioni del rock elettronico in Italia vi sono anche i Perfect Cluster, una realtà che a nostro parere non nasconde i suoi rimandi a scene che sono oltre i confini nazionali. Il loro Flow è sicuramente un insieme di tracce imbevute nell’elettronica, synth, suoni anestetizzati ed effetti che la fanno da padrone, ma le strutture, le idee di base rientrano in una visione rock. Le radici sono appunto quelle seppur modificate da settimane e settimane di ascolto di Depeche Mode, Nine Inch Nails (ascoltare Speed prego) e protagonisti delle consolle che hanno contribuito a modificare il percorso del trio e farlo arrivare a questi 11 brani. Questo già restringe molto il campo di ascolto della band, chi si aspetta suoni elettrici sarà deluso da questa uscita, ma a nostro parere (e non in tutti i suoi momenti) Flow resta pur sempre una nuova visione di intendere il rock, forse futuristica o forse semplicemente diversa da formazioni che vogliono a tutti i costi ripescare lezioni degli anni 70 e 80 e riproporle oggi come se nulla fosse cambiato.

Ad un ascolto critico si potrebbe ravvedere qualcosa di più sotto la cute dei Perfect Cluster: la lunga Slide Out ad esempio ha una personalità che si sposa perfettamente con colonne sonore di film fantascientifici, percezione che giunge anche ascoltando la parte centrale di Mind Control, un brano quest’ultimo che in generale esce dal seminato e, complice la sperimentazione o l’eccessiva enfasi sul lato elettronico, tradisce le strutture rock a cui si alludeva prima. Un album lungo e di non facile digestione, sia per chi è abituato ai suoni ruvidi di una sei corde sia per chi gira manopole come fossero strumenti. Ma ha un sotto strato indice di una buona vena compositiva che va premiato.