Petrolio – Di Cosa Si Nasce

Enrico Cerrato è musicista di lungo corso, coinvolto in svariati progetti che vanno dal metal all’industrial. Ora esordisce con il progetto Petrolio, one man band che fa tutto da sé (comprese registrazioni, mix e mastering) ed il suo album Di Cosa Si Nasce. Disco che si muove in ambienti industrial, elettronici e noise, molto vicini, anzi vicinissimi, a quell’ambient che tante produzioni vede sbocciare in ambito black metal. Anche se propriamente questa release non fa parte, e non poggia, sulle matrici ideologiche del black e non appartiene propriamente a quel filone per il motivo di cui prima, ci si infila comunque prepotentemente e potrebbe tranquillamente essere fruita anche dagli estimatori di quel genere. Perché il lavoro di Petrolio è oscuro, angosciante e molto destabilizzante. Si rimane ammantati da una senso di “pesantezza” ed inquietudine dopo l’ascolto de Di Cosa Si Nasce. Le atmosfere create sono lugubri, come se si viaggiasse in un buio pesto in pieno giorno, senza nessuna speranza né redenzione, cercando la luce diurna che non c’è, lasciandoci completamente impauriti e disorientati.

Presumibilmente, il tutto sarà dovuto anche al periodo storico che stiamo vivendo che non ci lascia nessun riferimento certo, dove tutto ciò che prima era fondante ora traballa in maniera paurosa. La musica, non solo di Petrolio, sta dipingendo molto bene queste sensazioni, carpendole e ributtandole fuori in maniera anche molto egregia, con lavori, di cui quest’album fa sicuramente parte, validi e destinati ad avere dei successori e delle continuazioni che potrebbero creare un originale unicum ed un movimento nuovo nella storia del rock in generale. Complimenti al musicista che, con le sue composizioni angoscianti, riesce ad attrarre l’ascoltatore senza che lo stesso possa staccarsi facilmente dall’ascolto de Di Cosa Si Nasce, disco completamente musicale che contiene solamente un breve testo recitato in VS : US

Un solo piccolo appunto: nel leaflet di stampa viene menzionato come genere anche shoegaze che a noi non risulta nemmeno in minima parte dopo l’ascolto.

Ferbegy? – Roundabout

Arrivo in ritardo questa settimana ma con un gran disco visto che un 8 non l’ho mai messo a nessuno. Forse è la prima volta per me su RockGarage. Forse è immeritato o forse sono stato tirchio come al solito. Di certo è che probabilmente questo Roundabout è forse l’ascolto più interessante che ho avuto modo di fare durante i mesi passati tra le righe di RockGarage. Da Bolzano arriva un progetto che si presenta con un nome che non so pronunciare e sinceramente mi sta bene così: sono i Ferbegy? con tanto di interrogativa. Sono 9 inediti e sono elettronici e sono popolari e sono acustici e c’è un battere di cassa assai invadente in alcuni momenti…un beat digitale che probabilmente sfora di dinamica ma in quella dose plastificata che non fa male e non disturba ma mette un piede oltre il limite delle acque sicure. Un “vedo non vedo”, un “fastidio non fastidio”. Mi sarei aspettato una cover più scura invece di questa pop-art solare…contro coerenza e finte aspettative quando il disco parla chiaramente di urbanizzazione notturna e di filantropia digitale sotto acidi e sotto poesia psichedeliche. Ve lo assicuro: un disco ricchissimo di richiami e di riferimenti, voluti e non voluti, dai lontani Bert di Dirty Style quando suona Athletic Mediation ai Duft Punk più famosi quando suonano The See You Alone. E poi la smisurata poesia caleidoscopica di Forest Ranger che finalmente in 7 minuti e mezzo dipinge un quadro mutevole di dinamiche e contenuti (direi che l’avventura di mini-suite è riuscita egregiamente…maledette contaminazioni british anni ’70) e nella prima parte ritrovo l’acustica scrittura, morbida e dolcissima di un Beck di Lonesome Tears per poi divenire epica e cattedratica pozione di futurismo.

Il singolo di lancio sa di caldo, afoso, cemento, infermo di periferia, sporcizia (e il video che troviamo in rete la dice lunghissima) torna la cassa invadente e torna il solito santo errore che mi fa andare in bestia: fate tanto gli esterofili, vi proiettate nel futuro del mondo e poi mi cascate sul pisello? Insomma, un disco che suona Berlino e Londra e probabilmente anche la Pittsburgh di Andy Wharol, un video che strozzato di contrasti, bianco e nero di fuliggine, facce quotidiane e un attore che ci sa guardar bene e poi??? E poi Giorgio Faletti tra i libri sullo schienale del divano? Maledizione…occhio! Non dite che l’avete fatto a posta…tutti quei libri tradiscono immediatamente l’italianità e l’amatorialità del video. E il tradimento vien fuori dalle macchine che corrono per strada, vien fuori dall’etichetta sulla macchina del macellaio…insomma, non siete italiani, non fate errori pop, non compilate un video nostrano. Come avete scelto per giorni l’ecomostro in cui girare dovevate curare questi dettagli infiniti. Ma andiamo oltre perché Roundabout è un disco che a gocce accoglie trame di folk acido come nella dolcissima Unter Den Linden, che un poco diventa rock di caverne corali come in Jewel e poi alla fine si traduce in questo bellissimo concentrato inglese di trasgressioni emotive, ricerca e vertigini randagie di sé come nelle foto di Thomas, come nella Londra di Antonioni degli anni ’60.

Solo che qui siamo in Italia e accarezziamo la seconda decade degli anni 2000. E se non ricordo male, nel 2000 doveva finire il mondo. Forse il mondo è finito. Se così fosse il cerchio si chiude perché questo Roundabout mi dà infinita sensazione di macerie e di ricostruzione robotica di un popolo sopravvissuto alla ricerca di origini antiche. Buon ascolto a tutti.

Krang – Comfort Zone

Questo duo ci ha affascinato. Non limitatevi all’etichetta, al genere con cui si presentano. Noi abbiamo fatto così, li abbiamo conosciuti on stage prima di raccogliere informazioni su di loro, in occasione del Pending Lips Festival. Una batteria che è lontana anni luce dalla drum machine realizzata con manopole e strumenti digitali accompagnata da una voce campionata e da un synth che sa di artificiale ma che riesce a disegnare interi scenari futuristici e allo stesso tempo profondamente vintage (’80): una ricetta fantastica che potrebbe attecchire sia in contesti da dancefloor che su di un vero e proprio palco proponendo musica dal vivo e “suonata”. A Marco Rip (già ne Il Mostro) si deve una grande capacità creativa e un’abilità nel sovrapporre melodie che insieme contestualizzino un brano nella sua essenza, ma noi vogliamo anche sottolineare l’incredibile lavoro di Fabio Zago, eccellente drummer, forse un po’ di sponda metal rispetto al progetto ma che, anche grazie a questa sua personalità impetuosa, riesce a dare quel sapore in più ad una ricetta già originale di suo.

L’opener suggerisce influenze a la Moby, con la titletrack si opta per una ritmica hard rock in melodie orecchiabili, 56K sfiora il funky con un synth che si colora di basso ma che ben presto assume corposità (come se il ritornello fosse cantato dai Faith No More e la ritmica del pezzo fosse scritta da Micheal Jackson), e sul finire arriva Ocoptus che si piace molto per il suo groove avvolgente. Una band da tenere sotto controllo, indipendentemente dal vostro genere musicale preferito.

Swomi – Painless

Come possedere un incedere rock con dei suoni elettronici. Qui si potrebbe chiudere la recensione del duo a nome Swomi che esce con un EP di 5 tracce per 14 minuti di musica. Si potrebbe ma non è così perché la loro musica è profondamente elettronica, ha nel tempo e in quale elemento ritmico delle suggestioni rock (Gun è un esempio evidente) ma purtroppo ciò è troppo poco. A livello puramente musicale i ragazzi escono troppo fuori dal seminato e i sapori sintetici vengono a galla: A_line ad esempio è un esercizio electro pop che andrebbe bene per il pubblico oltreoceano. A nostro parere c’è un potenziale per usare in maniera più decisa gli strumenti e non perdersi in echi digitalizzati (New Way), synth che si impongono come melodia e parti vocali americanizzate. Purtroppo l’idea che ci eravamo fatti ascoltando i primissimi minuti cambia ogni volta che proseguiamo nell’ascolto della tracklist: attendiamo il momento in cui un contributo di uno strumento classico possa venire fuori, ma purtroppo ciò non avviene e il duo perde mordente in lande electro-sperimentali, sicuramente buone a livello sonoro ma poco concrete e lungimiranti a livello musicale.

LoboLoto – Even The Stones Fall

Torna il progetto LoboLoto, aka Alice Lobo, che avevamo conosciuto con il suo precedente EP Lux Tua (recensito da noi a questa pagina). Torna ma stavolta con un full-lenght che ripercorre lo scenario musicale già creato un anno fa: siamo tra i confini tra la musica elettronica e quella ambient dove qualche strumento elettrico cerca, anche se a fatica, di apparire. Le linee vocali sono i veri elementi che costruiscono melodie e noi promuoviamo la voce di Alice che riuscirebbe addirittura ad esprimersi bene all’interno di una rock band (questa la nostra percezione, con un po’ di inventiva), meno invece la componente puramente musicale, un po’ troppo “sintetica” per i nostri gusti (si ascolti ad esempio Love Stink o Lux Tua, entrambi brani presenti anche nel precedente EP). In alcuni momenti si percepiscono influenze new wave (Please Me) o post-rock (Can You Save Me?) ma si tratta di pochi passaggi; le tastiere sono l’unico elemento che sembra “suonato” insieme, come detto, alla voce di Alice che ha musicalità da vendere. C’è anche un esercizio in italiano, ovvero la cover di Lucio Battisti, chiaramente in versione “moderna”. L’elettronica ha sicuramente più valenza rispetto all’EP ma si tratta comunque di una proposta non facile.

Sotto lo strato elettronico e i tempi dilatati si percepisce una grande voglia di esprimersi che però vediamo lontano dai nostri ascolti. Probabilmente in un quadro più elettrico che elettronico, il progetto potrebbe trovare degli usi e delle declinazioni più interessanti. Almeno secondo noi.

LeCeneri – Backup_ripristino

Se una band possiede un animo rock ed uno elettronico è destinata ad una lotta continua: spingere sugli strumenti digitali o far emergere un profilo più analogico, più tradizionale? Difficilissimo trovare il giusto compromesso e creare qualcosa di davvero innovativo, come hanno fatto in passato band italiane come Bluvertigo e Subsonica, è davvero una missione quasi impossibile. LeCeneri danno una buona interpretazione di questo conflitto capendo un elemento centrale e cioè che una band che si voglia presentare come una rock band deve usare l’elettronica al servizio dell’animo rock e non viceversa. Purtroppo questo concetto molto spesso sfugge nella maggior parte dei loro colleghi, mentre i LeCeneri lo capiscono e lo fanno proprio. L’opener del loro debut album chiarisce subito l’energia che il quartetto intende sprigionare, un’energia che parte sicuramente dal rock ma passa anche per il progressive (struttura e partiture) e per uno spirito alternative che rende più saporito il tutto. La stessa irruenza sonora la troviamo in Estensione, un brano che inizia con una carica potente e poi nella strofa ci ricorda Autofraintendimento dei già citati Bluvertigo, o anche in Dimmi Che Fare, altra traccia dall’ottimo tiro e con delle liriche in italiano che suonano davvero bene (non da tutti).

Ma non si viaggia a senso unico: Equilibrio Instabile sembra un esercizio pop rock fino alla parte finale del ritornello che capitalizza gli insegnamenti dei primi Muse, molto probabilmente uno degli ascolti che più ha influenzato la band, almeno nell’uso degli arrangiamenti (ascoltare anche la parte iniziale di Abbassi La Testa). Compaiono altri passaggi altrettanto semplificati come Solo La Notte in cui le parti strumentali ci fanno gioire, mentre i momenti cantati strizzano troppo l’occhio all’easy listening; addirittura in Sodoma l’intermezzo acquista un sapore progressive e spicca per intensità compositiva. La tracklist è come un insieme di matrioske: si apre ciascuna traccia e si scopre se al suo interno l’elemento rock prevale rispetto a quello elettronico o a quello pop rock oppure è il contrario. Nel complesso comunque inseriamo volentieri i LeCeneri tra le rock band interessanti che possono, con un’unica ricetta, procurare godimento sia per chi si aspetta soluzioni ricercate sia per chi ama le melodie e le parti cantabili.

U Bit – Tales For Digital Bodies

Immaginate di entrare in uno di quei locali rustici che dalla strada si mimetizzano rispetto al paesaggio di campagna in cui sono collocati e poi all’ingresso notare un altro mondo, fatto di faretti futuristici, palle stroboscopiche e bancone lungo con centinaia di liquori sulla parete. Sorriso amaro, stupore e varie emozioni ci assalgono, stesse sensazioni provate nell’ascolto del nuovo lavoro degli U Bit, una formazione che si presenta con tutti gli strumenti canonici al seguito ma che, fatte alcune dovute eccezioni, poteva essere tranquillamente popolata da due membri e ammennicoli elettronici vari al seguito. Un tuffo negli eighties, elettronica e ambientazioni lontane dai locali live si prendono tutto lo spazio fin dalle prime tracce. Con Cyclic iniziano sfumature electro rock con influenze indie pop che si dipanano, un synth che stride mentre la restante parte (che a nostro parere andava valorizzata ulteriormente) è fascinosa (basso, pattern intricati nel bridge). La restante parte dell’album viaggia sulle medesime coordinate.

Nell’ascolto globale emerge un potenziale dei vari strumenti, alcuni dei quali restano in sordina (batteria, chitarra), mentre solo altri escono fuori (basso, synth, voce) provocando qualche piacere ma anche un po’ di delusione per ciò che ci si aspetterebbe da un quintetto nel suo complesso. Tra influenze di sponda Sting, incursioni nei Portishied meno spinti, suoni affogati negli anni 80 e stile da Mtv dei giorni nostri…tutto che potrebbe piacere per alcuni ascolti d’oltreoceano ma che per RockGarage lascia poco di interessante.

Bruce Harper – Bruce Harper

C’è un filone del rock che crede fortemente nella contaminazione con la scena elettronica. Molte di queste formazioni provengono dalla scena post-rock e intendono la sperimentazione, i lunghi intermezzi, le parti strumentali come l’habitat naturale per una commistione con suoni elettro, con tanto di battute dance al seguito. In generale la fusione tra rock ed elettronica non è un elemento nuovo (pensiamo al passato dei Subsonica o anche al presente dei Muse) ma forse ciò che cambia è “l’asticella della tolleranza” per un consumatore di rock nel digerire suoni artificiali e digitali (anche se nel disco in questione le parti sono realizzate in analogico). Probabilmente l’asticella si sta alzando, data la forte ondata elettronica che invade gli strumenti più classici della musica (sample, synth, effetti…) e considerando l’esasperazione compositiva di band emergenti rispetto alle formazioni prima citate, ma ci sono soluzioni che oltrepassano decisamente i confini e i Bruce Harper lo fanno. La loro è una musica sicuramente “suonata”, ma che abbandona il concetto di suoni tradizionali e intende proiettarsi in trame futuristiche, celando psichedelia e qualsiasi concept “post” ad una conformazione musicale che non può non essere chiusa a doppia mandata nel contesto elettronico.

Salviamo le linee di basso di Arms e la batteria di Blind. Per il resto, gli effetti e i tappeti sonori di Sun (seconda parte), l’incedere stroboscopico di Landscape, l’ambientazione stupefacente di This Horizon sono tutti passaggi che ci confermano di quanto siano stati valicati i confini detti prima e quanto in realtà, seppur all’interno della musica sperimentale, ci troviamo poco di caratterizzante dal punto di vista artistico. Almeno secondo i nostri ascolti e il nostro punto di vista.

Mistonocivo – Superego

Un’avventura né breve né monotona quella dei Mistonocivo che giungono nel 2017 al quinto album, dopo 23 anni di carriera tra periodi più intensi ed altri di intervallo. Il nuovo Superego è composto da 10 tracce dalla durata totale di 42 minuti, aspetto non secondario visto che farebbe intendere (almeno sulla carta) una serie di brani confezionati per dar loro rivendibilità radiofonica o quanto meno che non lasciano spazio a sperimentazioni di sorta, ma in realtà ascoltandolo capiamo che il concetto di sperimentazione è insito nello stile della band. Non siamo nell’epoca in cui il rock elettronico fa strappare i capelli ai giovani (a meno di inserire super dosi di synth o drum machine con battute da rave party) e non è un caso che i Mistonocivo di oggi ci ricordano gli anni 90, i Bluvertigo, il desiderio di commistione che vi era a fine secolo, momenti in cui si sperimentava sul serio e non si conoscevano ancora i limiti invalicabili per una band rock nell’approdare all’elettronica (oggi invece quei limiti sono stati oltrepassati e oltraggiati varie volte). Ma la composizione è intensa, Wo strizza l’occhio ai Subsonica più intimi, Ozono raggiunge la new wave e coinvolge nell’ascolto, Ego ti catapulta in un’altra dimensione fatta da un basso sinteticamente ruvido ed arrangiamenti pregevoli, Vocobass pur non essendo un brano incisivo sottolinea l’appeal cupo del trio.

Altri momenti invece lasciano da parte questa intensità e puntano sul ritmo misto al cinismo (Arpa), sul pop sanremese (Agil Dream), sull’elettronica troppo abusata (Ultraterrestre), sulle ambientazioni cistercensi (Circofante) o anche su di un pianoforte fuori ambito per la vena rock della band (Anima). L’album ci ha lasciati un po’ spiazzati in quanto la ricercatezza che c’è di fondo non trova una formula concreta ma lascia qualche interrogativo dopo l’ascolto, una sorta di incompletezza del risultato finale che purtroppo non incentiva il riascolto. Aspetto da rivedere a parer nostro è lo stile del cantante Cristiano Cortelazzo, troppo debitore al pop italico, in cerca di una poetica sussurrata che vorrebbe valorizzare le atmosfere soffuse di molti momenti ma che finiscono per spersonalizzare la proposta globale (uno per tutti Ultraterrestre). Un plauso va alla copertina creata dall’artista Lamberto Teotino con un effetto davvero interessante da sviluppare secondo noi in ambiti video.

TheNemo – Dagli Snap Al Crack

TheNemo, ovvero Emanuele Emma, esce allo scoperto con un progetto tutto suo. Un EP di quattro brani che fotografa una posa elettronica in una veste indie con in secondo piano un paesaggio giovanile. Nell’ascolto dell’EP non troviamo però rimandi a delle forti melodie pop e questo è probabilmente l’aspetto che più di tutti ha evitato Emanuele di cadere in fallo: pur trattandosi di composizioni non di certo complesse, si percepisce una base di ricerca nel voler esprimere un qualcosa che tocca l’artista profondamente. L’esempio più eclatante è Mi Ricordo, una traccia legata proprio ad una serie di elementi che fanno parte del proprio passato e che non intende concentrarsi più di tanto su di un aspetto in particolare o su un insieme di note precise. C’è molta elettronica, questo sì, ma anche qui si parla di contributi che più che altro arricchiscono la ritmica e non cercano il jingle da spot o qualcosa da dare in pasto ai remix da ambientazioni disco (Grazie Lo Stesso ci smentisce in questo).

Arrangiamenti, palpitazioni, effetti, sapore sintetico musicale in un barattolo di genuinità ideativa: The Nemo sta cercando di dare forma alle proprie idee. Dagli Snap Al Crack è un buon esercizio, vedremo come si evolveranno le sue idee.