Blastema – Tutto Finirà Bene

I Blastema si dicono appartenere alla scena del “rock indipendente” anche se noi li vediamo come qualcosa di più di una “band indipendente”. Al di là dei parametri per definirli tali (meglio non scendere in analisi puramente teoriche), nei quasi venti anni di musica il quintetto ha ottenuto molti riconoscimenti, calcato il palco del Festival di Sanremo e aperto più volte per gli Skunk Anansie. Questo basta per capire che siamo di fronte ad una band consolidata: anche se qualche avvicendamento in line-up è avvenuto e nonostante siano solo alla terza uscita discografica, la loro crescita è stata costante. Scendendo più nello specifico i Blastema di oggi, quelli di Tutto Finirà Bene, prendono spunto sul rock elettronico, schema che in giovani formazioni sta ottenendo un certo seguito (un nome per tutti: i Syne). Gli strumenti elettrici sono comunque presenti ma tastiere e synth spesso prendono il sopravvento e finiscono per rendere più ovattata anche la sezione ritmica, sfiorando il sapore anni 80 ma anche suonando molto moderni e forse anche fuori dal nostro immaginario rock. Inoltre un’altra caratteristica è la scelta di linee vocali molto orecchiabili, alla ricerca di refrain che siano digeribili da dare in pasto a radio e all’ascoltatore medio (senza offesa per nessuno).

Sotto questo strato si toccano elementi che esprimono una certa maturità stilistica: il bridge della titletrack, le accelerazioni di brani come Asteroide o ancora la ricercatezza di fondi che troviamo in Un Modo Semplice, tutti momenti più convincenti rispetto alla tendenza media dell’album che punta sulle melodie (si ascolti ad esempio Ora O Mai Più) oppure come detto sull’abuso di elettronica (in Tornerai possiamo già vedere storcere il naso a più di un rockettaro). E’ possibile che in futuro la band scelga di stare più dalla parte del rock o più da quella dell’elettronica. Noi, nel caso ciò avvenga, speriamo che scelgano per la prima soluzione.

I’m Not A Blonde (But I’d Love To Be Blondie) – Introducing I’m Not A Blonde

Il titolo di questo album è assolutamente centrato. Sì perché chi si fosse perso il progetto dal lungo nome I’m Not A Blonde (But I’d Love To Be Blondie) e i relativi 3 EP pubblicati negli scorsi anni, può oggi recuperare questa lacuna in un sol colpo, ovvero ascoltando/acquistando Introducing I’m Not A Blonde. In questa uscita autoprodotta il duo tutto italiano (e al femminile) racchiude le vecchie tracce e aggiunge alcune cover/remix. Lo stile? Le ragazze si muovono in un contesto molto elettronico senza però addentrarsi nel lato più sperimentativo, anzi l’obiettivo è propio quello di creare melodie digeribili e ritornelli che piacciano come l’opener The Contract, buona per tutte le stagioni, o Stop Tempo che sembra un esercizio alla ricerca di un certo groovy che piaccia. Ci sono esempi in cui l’elettronica viene spinta oltre modo (Tudis, Not Lost) e questo allontana il progetto dai nostri canonici ascolti (e gusti); un pezzo di confine tra il rock (melodico) e l’elettronica invece è If, brano che tramite il proprio video ha lanciato il duo, e che rappresenta un buon passo su cui a nostro perere le ragazze dovrebbero sviluppare il proprio percorso.

Bad Buke Good Gaze, richiama un certo post-punk/new wave misto a sonorità ottantiane, inserite all’interno di una struttura un po’ spoglia; un buon biglietto da visita per presentare questo progetto. Sul finire sono presenti, come detto, alcune cover/remix: da segnalare la versione di Summer On A Solitary Beach che tramite gli strumenti digitali assume un alone ancora più etereo. Se siete appassionati di musica elettronica, i brani delle I’m Not A Blonde (But I’d Love To Be Blondie) potrebbero restarvi attaccati addosso, altrimenti sarà per voi difficile già solo memorizzare il loro moniker.

ONO – Salsedine

Gli ONO espandono il loro precedente EP Santoni in un full-lenght completo, Salsedine, composto da 6 inediti e 5 riarrangiamenti. L’impostazione degli ONO parla di un progetto a cavallo tra rock’n’roll ed elettronica, il tutto “in nome di una performance punk e costruttiva“. Bene, ora dimenticate tutto e lasciate solo la componente elettronica mescolata ad un’impostazione post-rock. Altro particolare sono le liriche che invece aderiscono ad un speaking rappato, collocando in una posizione importante le linee vocali che purtroppo però non irrobustiscono la proposta ma la rendono più alternative, un po’ più da hipster. Il biglietto da visita infatti è fatto da Krauti A Merenda, un esperimento di testi rappati su un letto di esclusivo synth mentre poi con Perec si toccano paesaggi affini alla dance e usciamo completamente dal nostro campo di battaglia. Effetti, bit, stramberie molto poco elettriche, tutti fattori che ci tengono (con difficoltà) in balia in un mare in tempesta, fatto di suoni che risultano poco punk e poco rock’n’roll; si potrebbe additare una certa sperimentalità ma a ben ascoltare Salsedine in realtà non ci sembrano chiare quali siano le scelte coraggiose prese in questo lavoro. Certo, l’accostamento di testi rappati all’elettronica è qualcosa di originale ma nella forma complessiva, analizzando tutti gli strumenti (e gli effetti) alla mano, non si rivela nulla di realmente avveniristico.

Un certo animo punk (meglio: elettrico) si potrebbe riscontrare sul finire ma è davvero poco per creare aspettative irriverenti sul combo. Gli ONO di Salsedine ci sembrano più un progetto incentrato su strumenti elettronici, synth e ammenicoli vari rispetto invece alla forma di band con cui si presentano in line-up. Sofisticati (forse), ambigui, particolari, ma abbastanza fuori dagli ambiti del rock intransigente. Sta a voi la scelta.

Union Drama – Union Drama

Muoversi sulla pericolosa linea di confine tra il rock e la musica elettronica è un compito da equilibrista con anni di esperienza. Gli Union Drama sono l’ennesimo combo atletico che tenta ma a nostro parere non ci riesce del tutto. L’elemento positivo del loro omonimo studio album è rappresentato dalla produzione, dalla cura dei singoli componenti come degli strumenti; la voce viene riempita di effetti ma non fa strabuzzare gli occhi, i singoli elementi vengono fuori ognuno con una propria dignità. Purtroppo però il gioco di equilibrio non riesce perfettamente in quanto il quintetto, a nostro parere, spinge troppo l’acceleratore verso il fronte elettronico, facendo storcere il naso a più di un ascoltatore che poggiava le proprie speranze sul fronte rock. If I Were Richer e Sometimes We Need A Lie sono due esempi di quanto gli Union Drama potrebbero trovare una collocazione migliore all’interno di una discoteca anziché in una location rock e probabilmente dovrebbero farsi conoscere maggiormente verso quel pubblico. Violent Kiss spinge questo concetto ancora oltre uscendo completamente dall’ambito rock e nonostante i numerosi arrangiamenti mette in luce ben poco di elettrico e molto (anzi troppo) di elettronico.

In Expensive Fancy il quintetto sprigiona una bella carica di energia e in Europid sembra che la vena un po’ più volta alla sperimentazione prenda il sopravvento (fatta eccezione per il ritornello), ma l’abuso di synth e di drum machine stona alle nostre orecchie. Niente da aggiungere.

Bitterness – Genetic Surgery Department

Nel primo album d’esordio dei Bitterness c’è tanta carne sul fuoco quanto un barbecue in una festa del paese. Il power trio si presenta come una band di rock elettronico ma nelle undici tracce della loro opera affiorano una serie di strati che come una millefoglie regalano un sapore variegato. Metafore a parte, il breve intro ci aveva suggerito panorami cyborg e da sperimentazione pura ma già dalla successiva Sometimes I Loose Control ci troviamo catapultati in uno scenario di electro-metal e ci domandiamo quanto pesante sarà il mood dell’intero brano, 11 tracce che superano di poco i 30 minuti. A sorpresa arriva una Amber che sfiora lidi pop contaminati da un colore AOR e sembriamo finiti nel calderone del mainstream. Ormai persi ci lasciamo trascinare dallo stile dei Bitterness e non sappiamo bene dove ci porterà. Dimenticate il synth e i riflessi elettronici che la loro etichetta (e il relativo artwork) suggeriscono, gli strumenti elettrici prendono spesso il sopravvento: la chitarra ruggisce in chiave ritmica e solista, cercando di nascondere l’assenza di una seconda sei corde, il basso entra con dimestichezza e la batteria, mutevole, fa il suo dovere quasi sempre all’insegna del rock.

Outshined è il brano iniettato da una maggiore dose di elettronica ma non teme di presentare tempi dispari e influenze fuori dal seminato. La successiva traccia (di nuovo) ammorbidisce i toni e cambia rotta: Someone New sembra un parto alla David Bowie accompagnato da una chitarra a toni aperti e una mente divisa tra avanguardia e rock classico. Nella suite a fine brano c’è la summa dello stile dei Bitterness, tutti gli elementi prima citati che si uniscono concettualmente in un unico lungo brano, anche se noi musicalmente lo leggiamo come delle tracce distinte perché diverse sono le influenze in ciascuno di essi. Basta questa suite per comprendere lo spessore compositivo e tecnico di questo trio che sicuramente farà parlare di sé in futuro.

Oggi la scena rock elettronica è estremamente ancorata a soluzioni in stile Muse che strizzano l’occhio alle radio e alla musica mainstream. Per fortuna ci sono band di peso come i Bitterness che alzano l’asticella e rendono davvero onore a queste sonorità raramente valorizzate.

The Hunting Dogs – Out To Hunt

Gran bel disco! Anche se un EP non possiamo non apprezzare la verve compositiva del duo The Hunting Dogs, formazione composta da Marco Germini (suoni elettrici) e da Alba Nacinovich (alla splendida voce). Solo tre brani (il quarto è un remix) ma decisamente notevoli, un bel cocktail di electro-shocked pop (come il gruppo ama definirsi). Splendida Petrha, che meriterebbe mille e mille passaggi radiofonici, così orecchiabile e cantabile. From Where We Are è scura, misteriosa, magniloquente nel suo incedere elettronico e ragela con la multiarmonizzazione vocale. The Grapes Part. 2 è un tappeto di synth in corto circuito dove si stende sensuale la voce di Alba, voce una e trina in grado di duettare con se stessa e rendersi indipendente e selvaggia. Notevole anche il remix del primo brano Petrha. Bello, aspettiamo un disco completo.

Younger And Better – Take Care

Quattro tracce per un EP difficile da digerire. Elettronica in primis quella usata dal quartetto a nome Younger And Better ma c’è di più nei loro abissi. Cosa è difficile capirlo in soli tredici minuti di ascolto, però basta una traccia per comprendere che non è semplicemente una band che si diverte a girare le manopole: la psichedelia è un’altra fonte di passioni per questi giovani musicisti, che almeno in questo capitolo fa anche il pari con una certa vena dark la quale non condiziona la ritmica bensì l’atmosfera generale. Ascoltare l’EP Take Care ci fa pensare ad una formazione ancorata all’industrial che però viene spinta all’improvviso ai giorni nostri e pur di adeguare il suono vi inietta elementi nuovi senza però voler rinunciare alle proprie radici. Tutto questo almeno fino ad arrivare a Dinocore, un brano che ci dà l’impressione di essere meno impegnato, strizzando l’occhio alla scena indie e (finalmente) piazzando una chitarra maggiormente presente. L’ultima traccia invece parte annegando nell’elettronica per poi riprendere il timone attraverso una serie di sperimentazioni elettriche e un buon gusto dei quattro di sovraincidere parti solo all’apparenza slegate: il risultato è una traccia che si incastra benissimo in un qualsiasi album di post-rock moderno. Vedremo da queste tracce che direzione prenderà il futuro musicale della band.

Parados – Parados

Il progetto Parados nasce come duo acustico e con il tempo, attraverso continue evoluzioni, diventa un quartetto “postannizero” (come il gruppo ama definirsi). Nel loro primo lavoro il combo lombardo gioca con i suoni giungendo ad un ibrido elettro-acustico, in equilibrio tra il rock ed il post rock. Grazie al biglietto da visita rappresentato dalla vittoria al contest Sae, all’interno del Festival Mi Ami 2013, i ragazzi presentano otto tracce che devono moltissimo a ciò che i Radiohead crearono alla fine degli anni ’90. Non si esclude la voglia di un certo richiamo ai cantautori e al lavoro di questi, tanto che i testi sono tutti particolarmente ricercati, così come è evidente il richiamo ad un certo stile progressive, tanto che le chitarre annegate nei delay e nei riverberi sono lì a dimostrarlo. A dirla proprio tutta l’unico neo può essere rappresentato dalla voce, in molti punti incerta e tremolante, ma ci può stare, lasciamo il beneficio del dubbio.

Parlavamo dei Radiohead, ebbene in alcuni tratti l’occhio semichiuso di Thom York fa pesantemente capolino: vedi Sylvia Rivera, quasi un outtake di Amnesiac, ma in generale il collegamento valido tra entrambi i gruppi è solo la voglia si sperimentare e andare oltre. Belle le atmosfere di Venere, un po’ acustica un po’ elettronica, sempre con il genio di osare. Un bel lavoro, affascinante e notturno al punto giusto, sarebbe ingiusto liquidarlo con la sufficienza perciò non lo facciamo.

Syne – Croma

Innovazione e novità. Due termini strettamente legati. Al giorno d’oggi, innovare in ambito musicale è una pratica quasi impossibile. Le ultime rivoluzioni nel mondo musicale avvennero oramai trent’anni fa. E per rivoluzione si intende un modo nuovo di concepire un genere, mai sentito prima, che porta poi a fare scuola e ad essere capostipiti di un qualcosa. Ora come ora, il termine “innovazione” può essere applicato in maniera riduttiva a band che tracciano il loro stile da subito e differentemente dagli altri centinaia di gruppi o musicisti che ogni anno si affacciano sulle scene. Quindi, sarebbe più opportuno parlare di originalità e personalità. Ma si sa che, senza girarci intorno, tutti questi termini si compenetrano tra di loro. Comunque sia, del caso di cui sopra, fanno parte i Syne ed il loro nuovo lavoro, l’autoprodotto Croma. Un ottimo disco, incredibilmente infarcito da più generi e più influenze che la band riesce a metabolizzare e a rendere in un linguaggio musicale del tutto personale e magistrale. Venature progressive, jazz, rock si mischiano ad un linguaggio elettronico e molto moderno, anche se debitore del passato (ma solamente chi ha alle spalle una gran cultura musicale è in grado di accorgersene). Un’attualizzazione di varie sonorità che ha qualcosa di superbo e di nuovo, e qui ci riallacciamo al discorso fatto in apertura di recensione.

Affascinante Croma e riuscitissimo soprattutto in quei brani cantati in italiano che trasudano psichedelia da tutti i pori. Anzi, da tutti i solchi, visto che stiamo analizzando un CD! Al di là di questo, possiamo trovare solo una piccola pecca nel disco dei Nostri: i pezzi inglesi, che sono un po’ più lineari dei loro fratelli che li precedono, e si avvicinano di più al rock scatenato, andavano pompati un po’ di più come suoni a livello di produzione. Ma non è di certo questo che va ad inficiare quello che sicuramente è un grande album ed un gran lavoro. Ed anche una bellissima nonché gradita sorpresa.

Psychovox – Somnus

Idee chiare guidano il nuovo lavoro dei brianzoli Psychovox. Idee chiare perché dopo varie defezioni, dubbi, tentennamenti, il gruppo di quattro elementi decide di divenire trio, alternandosi continuamente tra sperimentazioni ed elettronica spinta. Lo strumento principe diviene ormai il sintetizzatore, manovrato con estrema abilità da tutti e tre i musicisti, in grado di fornire liquide allucinazioni sonore e concrete, perverse, paure ai brani presentati. Ma parliamo del gruppo, un po’ di storia non fa mai male. Il trio nasce nella primavera del 2004 e dopo EP, demo, provini e concorsi giungono finalmente al primo lavoro Paura del Vuoto che uscirà nel 2008. Dopo continui live il gruppo prenderà un lungo periodo di pausa, per ritornare solamente nel 2011 con il nuovo lavoro La Scelta. Dopo la defezione del chitarrista il gruppo, ormai trio, ritorna per proporre il nuovo lavoro che stiamo ascoltando. Sette tracce di alternative rock notevoli e pulsanti.

Da Dinosauri, guidata da un basso cattivo e melodico allo stesso momento, alla splendida Allucinazioni, caratterizzata da echi di CSI e CCCP (specie nella voce di Laura Spada). Tutto il disco è caratterizzato da suoni ricercati, carismatici, con climax sonori che si fondono insieme in un crescendo quasi Rossiniano (passateci il termine). Psichedelia e meditazioni new age camminano a braccetto, con un occhio alla buona prova vocale di Laura Spada anche se, in alcuni punti, la sua voce sembra alquanto staccata dal resto, ma è solo la nostra voglia di cercare il pelo nell’uovo perché parliamo di un lavoro riuscito e consigliato.