Vick Frida – Thisastro

Le commistioni tra inglese e italiano nei nomi scelti dalle band emergenti sono cosa nota, potremo dire un’ultima tendenza. Dopo aver scoperto qualche anno fa i Thegiornalisti e il fenomeno The Niro, ci troviamo davanti Thisastro: la differenza è che stavolta, questo strano inglesismo onomatopeicamente presentato nella nostra lingua, è il titolo di un album e in particolare quello dei Vick Frida. Il quintetto non è una band creata da poco ma, seppur al secondo album, ha una storia musicale che va dietro fino all’inizio del nuovo millennio e che tocca radici significativamente diverse dall’attuale album. Partiti da riminiscenze dance e passati per influenze elettroniche, i Vick Frida giungono a Thisastro proponendo un rock tenue, che tocca scenari pop e che, come appunto stabilisce il primo comandamento del pop, presenta una voce in primo piano assoluto su tutto. L’opener Anche I Filosofi, infatti, ci lascia quasi solo il timbro del singer, timbro che a nostro parere risulta più idoneo per una carriera da radio conduttore che da vero e proprio cantante. Gli altri momenti presentano delle melodie soffuse, con una componente elettronica dosata in maniera (troppo) sapiente in modo da rendere morbida e digeribile la proposta musicale.

Vieni Qua e Figlio Del Mio Tempo sono i momenti di minor valore dell’album, brani che cercano di tagliarsi una vena poetica e artistica, senza però aggiungere nulla di interessante per la musica italiana. Il repertorio dance del passato riemerge su Veloci E Lenti, prendendo distanze dal suono rock che ci saremmo aspettati; parzialmente meglio con Precipitato Insoluto e La Stravaganza in cui l’elettronica è al servizio di una certa ricerca sonora (primi Bluvertigo docet). I Vick Frida puntano al grande pubblico in maniera anche troppo evidente. Noi glielo auguriamo ma dal punto di vista puramente artistico ci troviamo davvero poco da segnalare.

Moongoose – Irrational Mechanics

È risaputo che il rock e l’elettronica in passato non abbiamo avuto un rapporto di amore cieco. È risaputo anche che negli ultimi anni, soprattutto a partire dal nuovo millennio, le due scene si siano toccate più volte, grazie anche alla forte intenzione di mescolare i generi che la musica moderna pone come imprescindibile presupporto per dare alla luce qualcosa di originale. Al centro tra queste due scene si pongono molte formazioni che cercano di prendere il meglio dai due mondi, ora peccando in sperimentazioni eccessive, ora restando molto fedeli al rock e facendo sì che l’elettronica si restringa al ruolo di semplice effetto. I Moongoose non cadono in queste tentazioni e riescono a restare in equilibrio tra basso e batteria espressi con una certa purezza mentre voce ed elementi aggiunti suonano più lisergici, ambient in alcuni momenti (Paradox), docili, depotenziando il significato rock che queste tracce potrebbero contenere. Innational Mechanics soffre di questo: i brani non mordono ma restano in sordina, l’incedere è sempre lento, a tratti psichedelico (Fomenta), le linee vocali comunque suadenti di Dea Mango giungono prima di ogni cosa. C’è un altro elemento che esce con forza da questo album ed è il basso suonato dall’ideatore di questo progetto che anche per questo si esprime con maggiore virulenza e fa sognare ambiti groovy in alcuni momenti che diano carattere alle composizioni. Non è sempre così ma questo fattore ci piace.

Sperimentale ma non intricato, Innational Mechanics è da provare sotto effetto di birra ad alta gradazione, da ascoltare congiuntamente ad uno stato di stordimento supremo in modo da ovattare i vostri neuroni e portarvi in un’altra, pacata, dimensione. Lì riuscirete a far combaciare la ritmica con la melodia e trovare la “meccanica irrazionale” del nirvana.

Breton – War Room Stories

Successore dell’LP d’esordio Other People’s Problems (2012), War Room Stories è il secondo disco dei londinesi Breton (dal nome del surrealista francese André Breton). L’album, uscito il 3 febbraio 2014 via Cut Tooth/Believe Recordings, è stato concepito durante il lungo tour europeo e registrato negli studi della Funkhaus di Berlino, con la partecipazione della Macedonian Radio Symphonic Orchestra che appare in cinque tracce. Got Well Soon ed Envy sono i singoli che hanno anticipato la pubblicazione dell’album. Roman Rappak, Adam Ainger, Ian Patterson, Daniel McIlvenny e Ryan McClarnon, produttori di film oltre che musicisti, realizzano nei BretonLABS (una banca di Kennington convertita in un centro creativo purtroppo oggi demolita) remix e video musicali per gruppi come Local Natives, Tricky, Maps & Atlases, Esben and the Witch, Temper Trap, Penguin Prison, Tom Vek, 80′s Matchbox B Line Disaster e Flats. Pregno di moderne sonorità underground teutoniche, War Room Stories è un album eclettico, fresco e vario negli stili e negli arrangiamenti. Si passa da brani più radio-friendly come Envy a tracce “trip hop-balancing” come la successiva S4. Decisamente sinfonica la terza traccia, Legs & Arms, che unisce elementi orchestrali ad incalzanti beat elettronici e sonorità new wave. L’oscura Got Well Soon racchiude in sé tutta l’aria che si respira oggi a Berlino, tanto da poterlo definire un brano “Kalkbrenniano”.

Con Closed Category si cambia ancora con un “turning back” verso lidi brit-rock. Si riscende in pista con National Grid, un “trip hop rockettaro” con sonorità new wave, che rappresenta al meglio il sapiente e magico melting pot di generi operato dalla band. 302 Watchtowers è una traccia dalle atmosfere rarefatte e composta da melodie oniriche che trascinano l’ascoltatore in un vortice senza fine. Entrambi i brani richiamano molto gli ultimi due lavori dei conterranei oxfordiani Foals, Total Life Forever e Holy Fire. La chiusura del riuscitissimo lotto è affidata a Brothers, brano dal sapore funkettaro, e a Fifteen Minutes, una semi-ballad che si chiude con un’esplosione di ritmica e synth. War Room Stories è un ascolto che non può mancare, un album che vi può accompagnare durante funamboliche serate estive.

Robert Fripp & Brian Eno – No Pussyfooting

Esercizio n.1: provate a chiedere ad un vostro amico come potrebbe essere per lui un disco di un chitarrista e di un tastierista. Il 90% delle risposte verterà sullo stesso piano: arpeggi, tappeti sonori, pianoforti dilatati, brani romantici, assoli di chitarra e cose così. Ok, è tutto sbagliato. Soprattutto se il disco in questione porta la firma di Robert Fripp & Brian Eno, due musicisti ben distanti dall’idea classica di “chitarrista” e di “tastierista”. Il primo deus ex-machina dei King Crimson, autore del disco più importante di sempre della storia del rock (vi dobbiamo dire qual è?), mentre il secondo era appena fuoriuscito dai Roxy Music e desideroso di intraprendere una sua carriera solista. Il disco consta di due sole tracce, principalmente per chitarra sola sebbene nei credits del disco si faccia riferimento all’utilizzo di fantomatici sintetizzatori. Ma allora perché questo album è considerato così importante? Semplice, per la tecnica utilizzata per la registrazione. I brani furono registrati con un’ invenzione di Eno, il cosiddetto Frippertronic. Di fatto tale device era formato da due registratori Revox a bobine collegati tra loro con un unico anello di nastro a qualche decina di centimetri (fino a qualche metro) di distanza: il primo registratore incideva il suono prodotto dalla chitarra sul nastro, che invece di avvolgersi sulla seconda bobina (del primo registratore), viaggia fino alla seconda bobina del secondo registratore impiegando alcuni secondi (ritardo), lì viene letto ed inviato nuovamente al primo registratore, dove viene leggermente attenuato, mixato con il suono della chitarra e reinciso, in una specie di loop sonoro in cui i suoni continuano a sovrapporsi e fondersi tra loro via via che il musicista suona.

Capito di cosa parliamo? Vabbè, per i musicisti che ci leggono sappiate che Eno aveva inventato la loop station. I due brani furono registrati a distanza di un anno l’uno dall’altro. The Heavenly Music Corporation rappresentò la vera novità per Fripp. Come accadrà più tardi per Bowie anche in questo caso Eno fu la cosiddetta manna dal cielo: non esisteva più solo la chitarra, l’amplificatore e il pedale distorsione bensì tutto un nuovo mondo sonoro. Suoni impalpabili che si sovrapponevano continuamente, suoni dilatati, suoni trasformati. La chitarra elettrica non è più quella rock “di Elvis” o dei “Beatles” ma è un nuovo strumento al pari dei nuovi, fantastici synth che si stanno imponendo in tutto il mondo musicale. Fripp concepisce a questo punto anche un nuovo modo di esibirsi. Non più il musicista sul palco con il suo strumento e il faro puntato su di lui, ma l’esibizione può essere “di ambiente”. Il chitarrista si esibirà solo con la sua chitarra e con i due registratori (da ora Frippetronics) nei luoghi più strani: supermercati, ristoranti, fregandosene altamente del pubblico e della sua reazione realizzando dunque quella musica di ambiente tanto profetizzata ed amata da Eno. Il contributo a questo disco di Eno, dunque, è molto vario: costruzione fisica dei device, registrazione e direzione di orchestra. Brian si metterà materialmente al primo Revox per accedere/spegnere casualmente il registratore aggiungendo strati di loop a quanto già suonato.

L’etichetta discografica ebbe seri dubbi se pubblicare o meno il lavoro. Troppo strano, troppo complesso se non addirittura pretenzioso. Alla fine i due musicisti ebbero la meglio e bene fecero anche perché l’album di fatto è considerato un apripista della musica elettronica da lì a venire. Il duo ritornerà a incidere insieme nel 1975 con il più fruibile Evening Star e nel 2004 con The Equatorial Star, album che vedrà l’addio dei vecchi analogici Frippertronics sostituiti con i più moderni e digitali SoundScapes. Pietra miliare senza “se” e senza “ma”.

The Divinos – The Divino Code

Italiani nell’anima e stranieri nel loro biglietto da visita, i The Divinos seguono il copione mafia-spaghetti-western che da solo possiede un notevole fascino. Perchè “fa figo”, perchè è contro il politically correct, perchè i film e i telefilm ci hanno costruito un impero, ma soprattutto perchè si tratta di un trademark tutto italiano per il quale siamo famosi (purtroppo) in tutto il mondo. Un prodotto che ha un forte impatto estetico e un pubblico potenziale immenso, capace di potersi collocare al di sopra di altre band già solo per l’impatto scenico che vive di un avviamento dal valore ingente (visto che si parla di “money”). Cinismo, ricatti, potere e rispetto, queste le parole d’ordine dei The Divinos che in questo lavoro racchiudono tutti gli stilemi dell’organizzazione criminale e restano fedeli alle abitudini dei personaggi originali facendo comparire anche qualche avvenente signorina che non può mancare al fianco di gangster di questa portata. All’interno di questo piatto ci saremo aspettati un rock devastante e cattivo, capace di convincerci a pagare il pizzo fin dalla prima strofa e invece troviamo un mix di generi contaminati dall’elettronica che sta alla base del loro film e melodie effettate (o artefatte?!) con un incedere calmo che cerca di creare pathos. Loro definiscono il loro genere “Crime Retro/steampunk Drama spaghetti/western/Rock” e già questa etichetta fa capire di quale minestrone si sta parlando.

Momenti parlati (Il Padrino?!), testi in slang criminal-dialettale, e liriche ispirate a scene criminali sono gli elementi principe del loro sound ma noi ci chiediamo: come mai questi ragazzi, provenienti da Roma, non hanno scelto la lingua italiana per esprimersi? E come mai la loro biografia è proposta solo in inglese e addirittura in spagnolo, ma non in italiano? Probabilmente perché il loro obiettivo è esportare un prodotto italiano e trovare seguito in altri Paesi/continenti, non di certo essere apprezzati in quei luoghi dove questa cultura è sorta. Considerando che anche musicalmente i ragazzi non esprimono nulla di innovativo né di originale, allora sorgono spontanee altre domande che però evitiamo di elencare per non dilungarci oltre. Piuttosto torniamo ad ascoltare i nostri Koza Noztra, molto più spontanei.

Roberta Pagani – Libera Te

La forma necessita di sostanza e la sostanza non può essere presentata senza forma. Al di là della prima impressione non è possibile valutare la carriera artistica di Roberta Pagani senza guardare il suo curriculum, probabilmente unico compromesso tra forma e contenuto. Sì perchè a diplomi, cattedre e premi sono alternati impegni live e progetti musicali concreti, ma se osservato tutto ad un più alto livello siamo ancora allo stadio della forma. Libera Te è la sostanza, il nuovo album di Roberta che si avvale di Alessio Pierro per mettere in musica le proprie idee. È qui che si crea la vera spaccatura: da un lato c’è la voce di Roberta (sostanza), acuta e dolce quando serve ma soprattutto energica, senza paura di esprimersi come difficilmente si sente in vocalist emergenti; dall’altro c’è la mente di un produttore che lavora con la musica elettronica (forma). Qual è il nesso tra la voce suadente della Pagani e lo sfogo elettro-dub (molto debitore agli anni 80) che la accompagna? A nostro parere tutto il potenziale di Roberta viene svalutato, pensiamo solo a quanto possa esprimere in una rock band o in una formazione con sfumature gothic/dark una voce come la sua. Probabilmente non temerebbe rivali, anche in confronto a tutte le band con voce femminile tanto amate nel nord Europa e invece resta rinchiusa in una gabbia elettronica che in alcuni momenti strizza anche l’occhio al pop (Gocce D’inconscio).

Qua e là si percepiscono gli strascichi della sua esperienza parallela dedicata alla riproposizione dei brani di Franco Battiato ma siamo lontani da qualcosa che davvero possa rompere gli schemi come lui fece ai suoi tempi. Un peccato perchè l’odore che emana questo Libera Te fa presagire un piatto da chef stellato, ma assaggiandolo si capisce facilmente che gli ingredienti sono sbagliati e la prestigiosa pietanza principale è stata così vanificata.

Soul.Scream – Distanze

Per parlare dei Soul.Scream non basta analizzare il loro EP. Ci troviamo di fronte ad una band differente, una band che ha deciso di trasmettere tramite la propria musica l’amore provato verso Dio o quanto meno la luce che la protagonista di questa storia racchiusa in sole 3 tracce ha trovato. Il personaggio è Greta e viene raccontato con la storia della vita di una persona qualsiasi che sente di vivere una vita normale ma non felice fino all’ “incontro”. Al di là delle opinioni soggettive sul tema bisogna ammettere l’originalità e il coraggio di puntare a questo tema che viene sempre più snobbato da chi realizza musica, quasi come fosse un tabù, un qualcosa di cui una band emergente non può parlare altrimenti rischia di essere accontonata, perché “il mercato non vuole questo”. Passiamo alla musica, qui gli elogi sono molto meno. Il genere proposto è un rock, solo nella struttura, molto influenzato alla musica elettronica con delle linee vocali molto orecchiabili. Tutti elementi quindi che non ci conquistano né su carta né in cuffia. Poca chitarra, batteria super ovattata (ricordate le band anni 80?!), voce in prima linea e tanti tanti effetti; una ricetta che lascia secondo noi molti spazi di miglioramento, anche alla luce di quanto l’idea trasposta in musica possa giungere nel mondo del rock e potenzialmente far germogliare quel seme che oggi è ricoperto da odio e male.

Non dubitiamo che i Soul.Scream abbiano una propria audience di fedelissimi ma pensiamo che band con idee così chiare e anticonformiste per il mondo del rock abbiano il compito davvero di diffondere il proprio verbo e farlo con il linguaggio giusto. Per questo la ricetta a nostro parere è da rivedere.

March Division – Post Meridian Soul

Il rock ha una serie di anime praticamente infinite. Il rock moderno ancora di più. Questo non solo quando si parla di sperimentazione ma anche quando il rock attinge al passato per presentare qualcosa di attualizzato e leggermente personale. I March Division arrivano al loro secondo EP che tira un pò troppo la corda all’elettronica e spinge il sound verso quei terreni che i “veri rockettari” non vorrebbero mai giungere. Se l’opener di questo EP ci suggerisce delle dritte in stile Depeche Mode, dove comunque la batteria (quella suonata da un essere umano) ha ancora un certo peso, già con la successiva Dig It si sfora nella dance scandalizzando letteralmente chi si aspettava dai March Division degli inediti più legati al rock. Il cantato è rigorosamente stucchevolmente laccato, pronto per essere lanciato su una pista piena di luci…e le nostre orecchie per questo urlano di dolore. Con la terza traccia le cose non cambiano e si solca il confine tra il rock e il sound della band, ormai fuori traccia e ideato molto più per le discoteche che non per i palchi dove suonare musica dal vivo. Purtroppo anche ascoltando la lenta Old Mand Knocking nessun spiraglio si percepisce, con Friday Will Come si torna un pò alle nostre sonorità con una dose elettrica (e non elettronica) che dà più corpo ai quattro minuti di corsa (anche se il titolo ci fa pensare a tutt’altro).

Una corsa che però finisce su uno strapiombo dal nome Sell-By Date, ultimo esercizio dance del quartetto che li conferma come nuova (?!) realtà della musica house/dance (?!) prodotta sempre più da tool tecnologici e non da strumenti veri e propri.

Palkoscenico – Rockmatik

Addentriamoci all’interno della scena underground italiana, precisamente in territorio campano, zona che spesso ha dato vita ad ottimi artisti di diverso genere; per questa occasione ci occupiamo dei Palkoscenico, quattro ragazzi napoletani che nel 1999 hanno dato vita a questa loro realtà. Di gavetta ne hanno fatta tanta (e continuano a farne) tra concorsi, pubblicazioni, concerti, anche assieme a gruppi più noti, fino ad arrivare al 2013, anno di pubblicazione di Rockmatik, nuovo full-lenght di questa band. I Palkoscenico propongo un bel sound che non è altro che una discreta miscela tra reggae ed elettronica, condita da una sferzata dub richiamante a tratti i le realtà napoletane di metà anni ‘90 quali primi 99 Posse o Almamegretta. L’inizio del disco è piacevole per merito di Almeno Una Volta, brano dalle tinte dub con un refrain più che orecchiabile, seguita dalle atmosfere più reggae di Seguimi. La loro versatilità la si percepisce anche nell’alternanza dei testi sia in italiano che in inglese, e quest’ultima nota di merito va certo a Sometimes, con il suo efficace piglio reggae. Le loro radici e l’amor di patria risalta in ‘O Suono De Culture, brano un po’ più pop rispetto agli altri presenti nella tracklist, dove i Palkoscenico sfornano un più che apprezzabile binomio tra dialetto ed inglese.

E mentre ci si avvicina verso la fine dell’album, non si può non apprezzare Se Tu Credi, nella quale, sempre tramite un sound devoto al dub, i Nostri ci regalano un momento di melodia e leggerezza. Leggerezza: è proprio questo che in fin dei conti differenzia i Palkoscenico dalle band originarie di Napoli citate prima, molto più concentrate su argomenti di protesta. Rockmatik è un discreto disco, adatto a chi è già da tempo amante o comunque abituato a certi tipi di sonorità, non verrà certo menzionato come disco imprescindibile, ma resta lo stesso una netta conferma che la scena underground italiana respira ancora, peccato però che non venga ricambiata con meritevole visibilità.

Drama Emperor – Paternoster In Betrieb

Un intreccio sapiente di stati d’animo nichilisti, cinici e passionali allo stesso tempo: paure, dubbi e smarrimenti esistenziali vengono alla luce filtrati da drum machine, synth e claustrofobici climi elettronici. Così si presenta il primo lavoro del trio marchigiano Drama Emperor, che fonde senza paura il kraut rock, i Depeche Mode non disprezzando qualcosa di trip-hop. I brani qui presenti si focalizzano su atmosfere decadenti e insieme futuribili, anche se è ben tracciata la via crepuscolare e dark ben lontana dalle tentazioni del techno pop più commerciale, previlegiando composizioni elettroniche dure e pure. Other Side è ottusa, chiusa. Solo un synth fa capolino quasi come una guida che porta l’ascoltatore al sicuro tra i cortocircuiti elettrici. Teknicolor è Depeche Mode vs. Bluvertigo. Tra Exciter e Zero. Tra l’alfa e l’omega. La ballabile e meccanica Aber è gonfia di orgoglio mitteleuropeo e richiama l’uomo macchina kraftwerkiano: geniale alchimia di circuiti elettronici e pulsazioni cardiache. L’orecchiabilità cibernetica di questo repertorio raggiunge l’acme nella fascinosa signorina retrò Phrase Loop, nella nervosa Dead Of Technology per chiudere con l’agghiacciante quanto misteriosa Second Floor.

Paternoster In Betrieb coniuga alla perfezione rumori industriali, pop di classe e dance neo-futuristica. Che dalle Marche siano comparsi gli apostoli di un nuovo esistenzialismo sonoro?