Bitterness – Genetic Surgery Department

Nel primo album d’esordio dei Bitterness c’è tanta carne sul fuoco quanto un barbecue in una festa del paese. Il power trio si presenta come una band di rock elettronico ma nelle undici tracce della loro opera affiorano una serie di strati che come una millefoglie regalano un sapore variegato. Metafore a parte, il breve intro ci aveva suggerito panorami cyborg e da sperimentazione pura ma già dalla successiva Sometimes I Loose Control ci troviamo catapultati in uno scenario di electro-metal e ci domandiamo quanto pesante sarà il mood dell’intero brano, 11 tracce che superano di poco i 30 minuti. A sorpresa arriva una Amber che sfiora lidi pop contaminati da un colore AOR e sembriamo finiti nel calderone del mainstream. Ormai persi ci lasciamo trascinare dallo stile dei Bitterness e non sappiamo bene dove ci porterà. Dimenticate il synth e i riflessi elettronici che la loro etichetta (e il relativo artwork) suggeriscono, gli strumenti elettrici prendono spesso il sopravvento: la chitarra ruggisce in chiave ritmica e solista, cercando di nascondere l’assenza di una seconda sei corde, il basso entra con dimestichezza e la batteria, mutevole, fa il suo dovere quasi sempre all’insegna del rock.

Outshined è il brano iniettato da una maggiore dose di elettronica ma non teme di presentare tempi dispari e influenze fuori dal seminato. La successiva traccia (di nuovo) ammorbidisce i toni e cambia rotta: Someone New sembra un parto alla David Bowie accompagnato da una chitarra a toni aperti e una mente divisa tra avanguardia e rock classico. Nella suite a fine brano c’è la summa dello stile dei Bitterness, tutti gli elementi prima citati che si uniscono concettualmente in un unico lungo brano, anche se noi musicalmente lo leggiamo come delle tracce distinte perché diverse sono le influenze in ciascuno di essi. Basta questa suite per comprendere lo spessore compositivo e tecnico di questo trio che sicuramente farà parlare di sé in futuro.

Oggi la scena rock elettronica è estremamente ancorata a soluzioni in stile Muse che strizzano l’occhio alle radio e alla musica mainstream. Per fortuna ci sono band di peso come i Bitterness che alzano l’asticella e rendono davvero onore a queste sonorità raramente valorizzate.

The Hunting Dogs – Out To Hunt

Gran bel disco! Anche se un EP non possiamo non apprezzare la verve compositiva del duo The Hunting Dogs, formazione composta da Marco Germini (suoni elettrici) e da Alba Nacinovich (alla splendida voce). Solo tre brani (il quarto è un remix) ma decisamente notevoli, un bel cocktail di electro-shocked pop (come il gruppo ama definirsi). Splendida Petrha, che meriterebbe mille e mille passaggi radiofonici, così orecchiabile e cantabile. From Where We Are è scura, misteriosa, magniloquente nel suo incedere elettronico e ragela con la multiarmonizzazione vocale. The Grapes Part. 2 è un tappeto di synth in corto circuito dove si stende sensuale la voce di Alba, voce una e trina in grado di duettare con se stessa e rendersi indipendente e selvaggia. Notevole anche il remix del primo brano Petrha. Bello, aspettiamo un disco completo.

Younger And Better – Take Care

Quattro tracce per un EP difficile da digerire. Elettronica in primis quella usata dal quartetto a nome Younger And Better ma c’è di più nei loro abissi. Cosa è difficile capirlo in soli tredici minuti di ascolto, però basta una traccia per comprendere che non è semplicemente una band che si diverte a girare le manopole: la psichedelia è un’altra fonte di passioni per questi giovani musicisti, che almeno in questo capitolo fa anche il pari con una certa vena dark la quale non condiziona la ritmica bensì l’atmosfera generale. Ascoltare l’EP Take Care ci fa pensare ad una formazione ancorata all’industrial che però viene spinta all’improvviso ai giorni nostri e pur di adeguare il suono vi inietta elementi nuovi senza però voler rinunciare alle proprie radici. Tutto questo almeno fino ad arrivare a Dinocore, un brano che ci dà l’impressione di essere meno impegnato, strizzando l’occhio alla scena indie e (finalmente) piazzando una chitarra maggiormente presente. L’ultima traccia invece parte annegando nell’elettronica per poi riprendere il timone attraverso una serie di sperimentazioni elettriche e un buon gusto dei quattro di sovraincidere parti solo all’apparenza slegate: il risultato è una traccia che si incastra benissimo in un qualsiasi album di post-rock moderno. Vedremo da queste tracce che direzione prenderà il futuro musicale della band.

Parados – Parados

Il progetto Parados nasce come duo acustico e con il tempo, attraverso continue evoluzioni, diventa un quartetto “postannizero” (come il gruppo ama definirsi). Nel loro primo lavoro il combo lombardo gioca con i suoni giungendo ad un ibrido elettro-acustico, in equilibrio tra il rock ed il post rock. Grazie al biglietto da visita rappresentato dalla vittoria al contest Sae, all’interno del Festival Mi Ami 2013, i ragazzi presentano otto tracce che devono moltissimo a ciò che i Radiohead crearono alla fine degli anni ’90. Non si esclude la voglia di un certo richiamo ai cantautori e al lavoro di questi, tanto che i testi sono tutti particolarmente ricercati, così come è evidente il richiamo ad un certo stile progressive, tanto che le chitarre annegate nei delay e nei riverberi sono lì a dimostrarlo. A dirla proprio tutta l’unico neo può essere rappresentato dalla voce, in molti punti incerta e tremolante, ma ci può stare, lasciamo il beneficio del dubbio.

Parlavamo dei Radiohead, ebbene in alcuni tratti l’occhio semichiuso di Thom York fa pesantemente capolino: vedi Sylvia Rivera, quasi un outtake di Amnesiac, ma in generale il collegamento valido tra entrambi i gruppi è solo la voglia si sperimentare e andare oltre. Belle le atmosfere di Venere, un po’ acustica un po’ elettronica, sempre con il genio di osare. Un bel lavoro, affascinante e notturno al punto giusto, sarebbe ingiusto liquidarlo con la sufficienza perciò non lo facciamo.

Syne – Croma

Innovazione e novità. Due termini strettamente legati. Al giorno d’oggi, innovare in ambito musicale è una pratica quasi impossibile. Le ultime rivoluzioni nel mondo musicale avvennero oramai trent’anni fa. E per rivoluzione si intende un modo nuovo di concepire un genere, mai sentito prima, che porta poi a fare scuola e ad essere capostipiti di un qualcosa. Ora come ora, il termine “innovazione” può essere applicato in maniera riduttiva a band che tracciano il loro stile da subito e differentemente dagli altri centinaia di gruppi o musicisti che ogni anno si affacciano sulle scene. Quindi, sarebbe più opportuno parlare di originalità e personalità. Ma si sa che, senza girarci intorno, tutti questi termini si compenetrano tra di loro. Comunque sia, del caso di cui sopra, fanno parte i Syne ed il loro nuovo lavoro, l’autoprodotto Croma. Un ottimo disco, incredibilmente infarcito da più generi e più influenze che la band riesce a metabolizzare e a rendere in un linguaggio musicale del tutto personale e magistrale. Venature progressive, jazz, rock si mischiano ad un linguaggio elettronico e molto moderno, anche se debitore del passato (ma solamente chi ha alle spalle una gran cultura musicale è in grado di accorgersene). Un’attualizzazione di varie sonorità che ha qualcosa di superbo e di nuovo, e qui ci riallacciamo al discorso fatto in apertura di recensione.

Affascinante Croma e riuscitissimo soprattutto in quei brani cantati in italiano che trasudano psichedelia da tutti i pori. Anzi, da tutti i solchi, visto che stiamo analizzando un CD! Al di là di questo, possiamo trovare solo una piccola pecca nel disco dei Nostri: i pezzi inglesi, che sono un po’ più lineari dei loro fratelli che li precedono, e si avvicinano di più al rock scatenato, andavano pompati un po’ di più come suoni a livello di produzione. Ma non è di certo questo che va ad inficiare quello che sicuramente è un grande album ed un gran lavoro. Ed anche una bellissima nonché gradita sorpresa.

Psychovox – Somnus

Idee chiare guidano il nuovo lavoro dei brianzoli Psychovox. Idee chiare perché dopo varie defezioni, dubbi, tentennamenti, il gruppo di quattro elementi decide di divenire trio, alternandosi continuamente tra sperimentazioni ed elettronica spinta. Lo strumento principe diviene ormai il sintetizzatore, manovrato con estrema abilità da tutti e tre i musicisti, in grado di fornire liquide allucinazioni sonore e concrete, perverse, paure ai brani presentati. Ma parliamo del gruppo, un po’ di storia non fa mai male. Il trio nasce nella primavera del 2004 e dopo EP, demo, provini e concorsi giungono finalmente al primo lavoro Paura del Vuoto che uscirà nel 2008. Dopo continui live il gruppo prenderà un lungo periodo di pausa, per ritornare solamente nel 2011 con il nuovo lavoro La Scelta. Dopo la defezione del chitarrista il gruppo, ormai trio, ritorna per proporre il nuovo lavoro che stiamo ascoltando. Sette tracce di alternative rock notevoli e pulsanti.

Da Dinosauri, guidata da un basso cattivo e melodico allo stesso momento, alla splendida Allucinazioni, caratterizzata da echi di CSI e CCCP (specie nella voce di Laura Spada). Tutto il disco è caratterizzato da suoni ricercati, carismatici, con climax sonori che si fondono insieme in un crescendo quasi Rossiniano (passateci il termine). Psichedelia e meditazioni new age camminano a braccetto, con un occhio alla buona prova vocale di Laura Spada anche se, in alcuni punti, la sua voce sembra alquanto staccata dal resto, ma è solo la nostra voglia di cercare il pelo nell’uovo perché parliamo di un lavoro riuscito e consigliato.

Miwook – In Sana Mente

Alcuni album rock dovrebbero avere un bollino attaccato sull’artwork, un bollino che segnala la presenza di musica elettronica, tipo il “Parental Advisory” che segnala la presenza di “contenuto esplicito”. In questo modo il rockettaro di turno che si appresta ad ascoltare l’album in questione è preparato in anticipo e non si scandalizza dopo i primi due minuti. Salviamo da questa intransigenza i Miwook che, a differenza dei vari colleghi in circolazione, non tradiscono le radici rock tanto che, con bollino o senza bollino, sono in grado di far aprire orecchie e mente al predestinato ascoltatore. Sia chiaro, è troppo presto per parlare di nuova rivelazione: In Sana Mente, il loro primo parto discografico, ha una durata di soli 14 minuti però ha un sound che spacca e lo fa in maniera totalmente innovativa. L’opener con i suoi testi in italiano convince davvero tanto, accende i riflettori su un sound moderno, per nulla banale. E’ come se Daft Punk, Radiohead e Subsonica si fossero scontrati e da un frammento di paraurti fossero nati i Miwook.

Poi ci sono due momenti strumentali, la titletrack e Doc. Frank che ci portano davvero nei meandri della sperimentazione elettronica ma senza puntare a roba indigesta; la batteria è ben presente e non ha niente a che vedere con la tipica drum machine realizzata dietro ad un PC. Infine arriva Baliena, quarta traccia ma seconda con testi in italiano che potrebbe far rizzare i capelli a Boosta e lanciare i Miwook verso la troposfera. Una band davvero valida che sa dosare l’elettronica senza dimenticare un approccio rock molto in your face. Bravi!

March Division – Post Meridian Soul

I March Division tornano alla carica con un nuovo album, seguito del precedente EP. La particolarità è che ha lo stesso titolo, Post Meridian Soul, anche se le tracce sono più che raddoppiate. Come spesso accade il contenuto del precedente EP è travasato in questa uscita che contiene qualche idea in più ma non modifica di una virgola la direzione stilistica della band e che già avevamo espresso nella nostra precedente recensione (disponibile a questa pagina). Non che i March Division abbiano uno stile sempre omogeneo, passando dalla musica electro-dance di Friday Will Come e Dig It a quella più ricercata di pezzi come Suburban Rust o, in parte, come Rust’n’dust. Si pesca comunque con relativa decisione nella new wave e nell’elettronica anni 80, in quelle ambientazioni da discoteca che nonostante gli strumenti elencati in line-up tutto fanno pensare tranne che un palco e un’esibizione con corde, sudore e amplificatori. Qualche spiraglio commestibile lo troviamo in Right On My Way che presenta un buon tiro, ma poca roba per un sound che cede il passo all’elettronica più che alla natura elettrica.

Quindi, nel complesso, seppur sia un lavoro più completo del precedente omonimo, non modifica la nostra idea della musica dei March Division. Un potenziale potrebbero averlo ma non negli ambienti frequentati da noi.

Fabrizio Frigo And The Freezers – Donsusai

Quattro “f”: Fabrizio, Frigo, Freezers, Firenze (la loro città d’origine). Line-up con il finto cognome “Frigo”, ma i Ramones non centrano proprio nulla. Scena alternativa, questo l’habitat dei ragazzi, con i testi un po’ scherzosi un po’ deliranti, schema che tanto piace alle giovani generazioni (Management Del Dolore Post-Operatorio, Vintage Violence…); musicalmente invece siamo nella zona più elettronica che il rock possa concepire, talmente elettronica che forse potrebbero essere fuori genere anche per un fan dei Bluvertigo (forse non per uno dei Subsonica) ma togliendo gli effetti e i suoni come fossero dei petali di una rosa resta un bocciolo fatto di pop. La musicalità dei dieci brani di questo esordio è fondamentalmente qualcosa di molto semplificato ed orecchiabile, scelte mirate e sapienti in modo da coinvolgere dal vivo anche chi non li ha mai ascoltati. La loro musica fa presa e pur piacendo già ad un primo ascolto sarebbe errato etichettarla come banale. Musica di superficie, che non fa star fermo il piede, ma se la dovessimo immaginare come il rock del futuro allora forse dovremo tornare con i piedi a terra.

Marty-Ares è il pezzo emblema dell’elettronica on stage: voce riverberata, tempi con beat ben scanditi e voglia di agitarsi…insomma il rock sembra del tutto inesistente. Ritmi come in Giulietta o in Crudo sono indie nel loro senso più intrinseco, con un synth che detta regole e charlestone+rullante che fanno il resto. Alla loro Generazione Di Fenomeni noi preferiamo la versione omonima dei Vallanzaska ma in fondo lo stile è diverso e anche la meta della loro musica. Noi la vediamo in lontananza anche se il percorso che noi preferiremmo è fatto sicuramente da molte più rocce.

Blooming Iris – Amondawa

E’ già trascorso qualche mese dall’uscita di Amondawa, il nuovo e primo lavoro della band Blooming Iris, formazione filo-americana che si presenta come un’alt-rock band ma che in realtà si muove molto lontana dagli scenari tipici del rock. Per scrivere canzoni capaci di restare nelle classifiche e sonorità compiacenti alle giovani generazioni è necessario mescolare e puntare sulle melodie: questo i Blooming Iris lo sanno bene e mettono al centro le linee vocali del singer, molto affini alle sonorità d’oltreoceano, e soprattutto tanta ma tanta elettronica. Il quintetto non sprofonda però in altri generi (chi ha pensato a dance, techno e roba del genere?!) perché si concentra su ritmi lenti, rallentati, che cercano di coinvolgere hypster e giovani apprendisti della modernità. Noi ad essere sinceri ci troviamo molto poco di originale e soprattutto riusciamo ad identificare pochi contenuti veri. Non a caso uno dei loro intenti citati nella loro biografia è quello di “far ballare”, obiettivo chiaramente lontano dagli ambienti rock.

Inutile girarci intorno, la band prende spunto dalle boy band americane inserendo synth e arrangiamenti vari alle tracce in modo da vestirle di musica raffinata. Ad un orecchio attendo però i brani suonano tutt’altro che sofisticati. Rock assente ed è un peccato perché anche con ritmi ricercati e strumenti tipici del rock (suonati da questo quintetto) potevano uscire fuori cose molto più intriganti. Sarà per la prossima.