Gloom – Catharsis

Metto il CD nel lettore, a un primo ascolto il CD non convince per niente, va bene lo ascolto di nuovo domani…la notte porta consiglio, ma i Gloom portano sbadiglio. Il genere è un gothic metal che ricorda in alcune parti gruppi come Evanescence e Him, quindi brani dai toni oscuri, intro e break con pianoforte e testi tetri e introspettivi, manca però l’ispirazione nonostante la band sia tecnicamente preparata e il CD sia prodotto in modo discreto. Se non fosse per i bpm che variano leggermente da un brano all’altro, sembrerebbe di ascoltare sempre la stessa canzone, una noia mortale dovuta ad un’assenza di idee originali. Tra tutti i brani l’unico degno di nota è Lillyann ma non basta una sola canzone a reggere tutto un lavoro che non regala alcun tipo di emozione, dato non trascurabile per il genere che i Gloom sono andati a scegliersi.

Nexus – The Taint

Dopo un EP per scaldare i muscoli, gli italianissimi Nexus arrivano con un album completo che presenta il proprio sound e mette in scena la teatralità da cui i ragazzi traggono ispirazione. Nel loro caso il sound è fisiologicamente parte della proposta musicale, ma noi vogliamo cercare di discernere le due componenti. Perché da un lato i brani sono orecchiabili e ben costruiti, non banali anche se celano refrain dal facile piglio: questo dimostra che la band ha buone capacità compositive, concetto rafforzato dal fatto che non vi sono veri filler in questo album ma che risulta completo nelle sue nove tracce. D’altra parte ci sono i suoni scelti che sono giustamente al servizio del marchio dark gothic che la band vuole attribuirsi ma che sono un po’ vittima dei difetti di molti debut album. Per comprendere il concetto citiamo ad esempio il brano Crimson Wine che mostra davvero delle belle idee, dall’intro alla prima strofa, buoni stacchi e gli strumenti che combaciano davvero bene, ma in quanto a suoni si tratta di un brano che avrebbe potuto risultare ben più pregevole a parer nostro: una chitarra meno grezza e più affilata, delle tastiere meno innocue, una produzione più luccicante e la traccia avrebbe assunto tutt’altro aspetto. Stesso dicasi per il basso di Stillborn, un brano lento che avrebbe potuto dare lustro ad uno strumento che nella scena gothic dark ha sempre un posto rilevante.

Ciononostante, al di là del nostro orecchio allenato da tantissime nuove uscite, se ascoltiamo i brani nel loro complesso, notiamo diversi spunti positivi: le tastiere in Funeral Pyre, la vena elettronica in Scrying Mirror, i ritornelli capaci di restare impressi, idee quindi che ci piacciono. A cavallo tra i The Sisters Of Mercy più allegri, i Duran Duran meno pop, Danzig e un po’ di oscurità varia, il sapore emergente dei Nexus va promosso. Vanno però affilate le armi e migliorato il sound generale, elemento questo che fa innalzare le nostre aspettative circa il prossimo album. Staremo a vedere.

The Sade – Grave

La voce di Andrew Pozzy arriva direttamente dall’oltretomba in questa terza fatica dei The Sade. Nonostante la tecnica del power trio padovano richiami alla mente il death punk dei Turbonegro (Prayer) e le cavalcate velocissime e molto garage punk degli Hellacopters (Seek Seek Seek e Graveyard), Grave è un disco decisamente e possentemente sepolcrale che trasuda temi e sonorità tra il nosferatesco e il krugheriano in piena tradizione Anzaloniana, aka ispirazione Glenn Danzig (un Danzig in compagnia dei Misfits per le ritmiche e un Danzig in solitaria per i temi, insomma dieci tracce alla Danzig per tutte le stagioni). E infatti da Black Leather fino all’outro, escludendo le ritmiche di Coachman ballatona acustica molto molto succosa e il punk sempre cupo di Graveyard, l’ascolto è un po’ come una passeggiata notturna in mezzo alle lapidi e tra i fuochi fatui di un cimitero alla britannica. L’effetto funerale è accentuato dalla voce potentemente baritonale di Andrew (oltre che dalle campane a morto di Graveyard) tecnicamente controllata ed impeccabile e che impreziosisce l’album dando quel tocco gotico senza essere stucchevole o twilighttoso. Senza ombra di dubbio è la parte vocale che alza parecchio il livello e la valutazione di Grave. La voce piena e cavernosa di Andrew dà quel tocco di decadenza d’altri tempi, tipica di una mitteleuropa ottocentesca allo sbando, ad un album da non farsi mancare se si apprezza tutto ciò che è gotico e tetro ma anche molto rock duro.

Anche se non sì è grandi estimatori del genere, come lo è il sottoscritto del resto, c’è però da riconoscere che Grave è un album equilibrato e di ottima fattura, ideale dal vivo per sottoboschi underground stile Decadance. Unico neo che ahimè impedisce a nostro avviso al cerchio del pentacolo dei The Sade di chiudersi in maniera perfetta è Coachman, traccia con influenze quasi folk che stonano con il resto dell’album, che atterra su un piano decisamente darkettone, per palati gotici e gusti teutonici, dove peraltro lo stile dei The Sade va un casino e noi ci auguriamo abbia, come in madrepatria, un meritatissimo successo.

Type O Negative – World Coming Down

World Coming Down uscì nel lontano 1999, quando avevo solo 20 anni, un’età in cui mi potevo permettere di essere ancora spensierato, un’età bellissima perché si è forti e si pensa di poter conquistare il mondo, ma si è anche molto fragili e pieni di incertezze. World Coming Down non poteva piazzarsi in un momento migliore della mia vita. Conoscevo già i Type O Negative e aspettavo con ansia l’ uscita di questo album, immaginando qualcosa sulla falsa riga di October Rust e invece già dal primo brano (White Slavery) mi sono reso conto che questo lavoro conteneva qualcosa di diverso, dei concetti sulla vita e sulla morte che a quell’età ancora non capivo perché si parlava di tossicodipendenza, alcolismo, malattie legate alla dipendenza dalla nicotina e soprattutto la morte dei propri cari. Già, neanche a farlo a posta da lì a meno di un anno avrei perso improvvisamente mio nonno al quale ero molto legato e cominciai ad avere un attaccamento morboso a questo disco, soprattutto al singolo Everything Dies (brano splendido accompagnato da un video davvero commovente) nel quale mi rispecchiavo in quel momento.

Tra le varie canzoni erano presenti tracce contenenti suoni di ambiente, come Sinus (in pratica una sniffata di cocaina), Liver (suoni di bicchieri che vengono riempiti) e Lung (dove si sente prima tossire e poi morire a causa del fumo), che contribuivano a rendere l’album opprimente ma dannatamente reale. Tracce come Everyone I Love Is Dead (dalla forte influenza Black Sabbath) World Coming Down e Creepy Green Light, contengono il classico e originalissimo marchio di fabbrica della band, cupo giro di basso, voce baritonale di Peter Steele, super distorti riff di chitarra e tanta atmosfera data dalle tastiere. Una formula perfetta per un album heavy, emozionante e intenso, dove spiccano (oltre alle tracce già citate) Who Will Save The Sane? (dal sapore blues) e Day Tripper (medley dei Beatles contenente Day Tripper, If I Needed Someone e I Want You (She’s So Heavy)). Come tutti gli album dei Type O Negative anche questo è stato composto interamente da Peter Steele, in un periodo di forte dipendenza dalle sostanze stupefacenti (cocaina in particolare) e segnato dalla morte della madre, forse è proprio questo senso di tristezza che permane in ogni traccia che fa sentire così vicino il disco a chi lo sente.

Un album può alterare la nostra percezione della realtà? Un album ci permette di scoprire chi siamo veramente? Un album può addirittura cambiare la nostra vita? Forse World Coming Down è uno di questi.

Tenebrae – My Next Dawn

I Tenebrae, band attiva ormai da dodici anni, sono autori del terzo album uscito per Black Tears. Il disco, intitolato My Next Dawn, succede ai precedenti Memorie Nascoste e il Fuoco Segreto, album questi che hanno ottenuto ottimi riscontri. My Next Dawn, di fatto non tradisce le attese, la band si conferma anche con questo nuovo lavoro in un buono stato di forma, la prova dei Nostri è più che convincente. Per chi ha seguito la band fin dagli esordi non rimarrà di certo deluso, il sound è rimasto invariato, nonostante tutti i musicisti abbiano acquisito la giusta maturazione e questo emerge già dalle prime note di My Next Dawn. Black Drape, di fatto è la traccia numero uno; dopo un veloce intro (Dreamt Apocalypse) la musica dei Tenebrae si fa decisa, oscura, come la voce di Pablo, che si muove tra clean voice, a tratti new wave, e growl, che va a introdurre le parti prettamente heavy, dove a farla da padrone sono i riffs del bravo Marco Arizzi. La musica dei Tenebrae è molto versatile, non ci sono momenti di stanca, la band si muove attraverso più generi, con naturalezza, senza mai apparire in difficoltà e senza ostentare. Nei brani successivi, percepisco la volontà dei Nostri di rendere omaggio alle varie sfaccettature del rock. Se da una parte le voci cavernose, la batteria e i riffs robusti, ci rimandano al metal, anche a quello estremo, ci sono parti facilmente accostabili al Prog e al Doom.

La bellissima Careless suona come un’opera, più che una singola canzone, davvero convincente la prova di Pablo, musicale e teatrale. Con Grey i canoni si muovono ancora su target alti, non è assolutamente da meno The Fallen Ones, anzi tutt’altro, si tratta di una delle mie canzoni preferite, con chiari rimandi ai mai troppo citati Moonspell, band che ha sicuramente influenzato più generazioni. Con l’ascolto del nuovo full lenght sono giunto a metà disco la buona vena della band non si placa, no signori, i Tenebrae continuano a fare sul serio, non ci sono canzoni deboli o brani poco ragionati, la sensazione è quella di trovarmi di fronte ad un lavoro studiato al meglio e nei minimi dettagli, ogni musicista si è presentato in fase di registrazione, preparato al meglio e questa ne è la buona conseguenza. Prima The Greatest Failure e poi subito a ruota Behind vanno ad arricchire quello che già mi aveva impressionato positivamente prima. Un malinconico pianoforte, opera dell’eclettico Fulvio Parisi, m’introduce nelle sfumature post autunnali di Lilian, cadono le foglie, i primi fiocchi di una neve soffice leggera si adagiano al suolo, nella speranza di una nuova rinascita.

My Next Dawn eccomi arrivato alla title track, un energico chorus trascina la song in un’esplosione di emozioni dove la sezione ritmica (Massimiliano Zerega alla batteria e Fabrizio Garofalo al basso) gioca un ruolo da primattore. Soddisfatto, sono ormai giunto al termine del nuovo nato in casa Tenebrae, My Next Dawn, è un disco molto bello, ricco di pensieri, di sensazioni, fino all’ultima nota, quella di As The Waves, altro esame superato a pieni voti. Bravi ragazzi, avanti così, che l’ispirazione vi accompagni, sempre. In alto il nostro saluto!

Theatres Des Vampires – Candyland

Dal primo ascolto di Candyland, nuovo album dei Theatres Des Vampires, sono rimasto travolto dai tanti suoni che emergono, dove la tastiera gioca in assoluto un ruolo da protagonista, nonostante tutti gli strumenti non stanno di certo a vedere. La sezione ritmica, guidata da Gabriel Valerio alla batteria e Zimon Liyoi al basso, è sempre presente andando ad accompagnare i riff che Giorgio Ferrante alla sei corde disegna con ottima caratura tecnica. Candyland è un album molto bello, specie per chi ama la musica gothic, attraverso passaggi horror e la voce sofferta di Sonya Scarlet, davvero convincente la sua prova, tra urli straziati e chorus, in cui la melodia non viene meno. La partenza è letale, Morgana Effect apre le macabre danze, si tratta di un brano legato alla scena metal anni novanta; nonostante le chitarre siano di scuola heavy classic, il sound è robusto grazie anche a una produzione capace di rendere giustizia al meglio. Tutti i brani richiedono una produzione muscolosa, quello che ho apprezzato è che, nonostante i molti suoni con cui la band si districa all’interno della musica, la produzione artistica è comunque acustica, potrebbe sembrare paradossale, ma questo è quanto.

Con Resurrection Mary, che è la song numero due, ci troviamo di fronte alla versione dei Theatres Des Vampires più gotici, così con la seguente Delusional Denial che di fatto non si stacca da quanto detto pocanzi. Dopo essersi “riposati”, i Theatres Des Vampires, riprendono in mano e con decisione la situazione, Parasomnia, una canzone vigorosa, sicuramente una delle mie preferite dell’intero album. Giunto a metà disco, faccio conoscenza con quella che è la title track, Candyland, rappresenta l’immagine più seriosa e composta dei Theatres Des Vampires, anche su questa song, mi trovo a spendere ulteriori buone parole, e che l’horror sia con te! Your Ragdoll, si aggiunge a metà disco, andando a riprendere in mano il discorso melodia, con un chorus che entra velocemente nella testa dell’ascoltatore, destinato a non uscirne con troppa facilità. La riflessiva e misteriosa, Pierrot Lunaire, fa acquisire all’intero lavoro una sfaccettatura in più, quella dove i Theatres Des Vampire vestono i frammenti lirici, nei contenuti e nella musica, ma non è tutto, le sorprese non sono finite qui, ci pensa Photographic, il combo capitolino sconfina in ritmi serrati con un tappeto di tastiera tanto caro agli anni ottanta.

Mi sto avvicinando al termine di questo nuovo full lenght, in casa Theatres des Vampires, pienamente soddisfatto, Opium Shades è una canzone diretta, Sonya Scarlet passa dal profano al sacro, con grande facilità. La traccia numero dieci, vede la partecipazione di un ospite straordinario, Fernando Ribeiro dei portoghesi Moonspell, che inizia a sputare rabbia già dalle prime note, tra possenti riff e moderni synth, sostenuti da un chorus che apre in due la canzone. Giunto al termine di Candyland, quando ormai sono convinto di aver ascoltato tutto, la bellissima Autumn Leaves, mi fa ricredere, che dire, si chiude nel migliore dei modi, tra un pianoforte meditativo e la singer Sonya, che schiarisce la voce e per una volta veste i panni di Biancaneve e non quelli della regina cattiva. Un disco consigliatissimo a tutti. In alto il nostro saluto!

Fenix Tales – The Abyss Eye

E che ascolti questo disco e lo classifichi subito come symphonic gothic metal, punto. Sarà l’impasto di strumenti tradizionali con le loro controparti elettriche, la voce lirica drammatica e potente, le atmosfere malinconiche che immediatamente ti vengono in mente i grandi nomi del genere, primi in testa i Nightwish ma anche i Within Temptation, After Forever e tanti altri. Però, i fiorentini Fenix Tales riescono a distaccarsi dal genere, preferendo il termine “opera metal” ed ecco la sostanziale differenza: via quelle pacchiane aggressività o quegli arrangiamenti volutamente commerciali e dentro le strutture magniloquenti (Friendly Darkness ha arrangiamenti del concerto grosso di estrazione barocca) e melodrammatici (Confutatis Maledictis). Gli strumenti elettrici fungono semplicemente da collante, in grado di rendere omogeneo l’ascolto ad orecchie non abituate alle strutture cosiddette “classiche”. Ottima la prova vocale di Lucia, tecnicamente perfetta e allo stesso modo incredibilmente duttile (cosa non semplice, dato l’estremo rigore del canto lirico) che ben si staglia sulle atmosfere evocative create, o meglio cesellate, dal resto del gruppo.

Gli otto pezzi scorrono veloci e suggestivi, senza annoiare e a dirla tutta lasciando una certa curiosità, data la bellezza di alcune soluzioni (War). Insomma, un disco prezioso, non certo elitario che lascia sicuramente soddisfatti e pieni di emozioni. Promosso a pieni voti.

Rossometile – Alchemica

Il rosso metile è un indicatore chimico, per chi non lo sapesse, di colore rosso-violetto. Non è un caso che la copertina dell’ultimo album della band, Alchemica, presenta questi colori con la prevalenza però del nero che descrive, in buona parte, il sound di questo quartetto tutto italiano. La band ha subìto una forte evoluzione nelle ultime produzioni cambiando forma, abbandonando le vesti di metal band con influenze progressive e passando ad essere una realtà che del metal ne fa influenza e non matrice essenziale. In queste nuove 16 tracce è limpido che la presenza della singer Marialisa Pergolesi e le atmosfere gothic rock sono i protagonisti assoluti dell’animo dei Rossometile. I riff metal, appunto, entrano in punta di piedi e solo in alcuni istanti; piuttosto ricchi sono invece gli arrangiamenti (tastiere), misti a tempi dilatati, linee vocali pulitissime, tutto ciò ci colloca in scenari cupi ma assolutamente digeribili. L’eccezione che conferma la regola prende il nome di Pandora, brano molto tirato in cui il combo non riesce a trattenersi e si scatena in un rifferama allettante, a differenza della restante parte dell’album, sicuramente meno “cattiva” e più evocativa.

L’ora di musica procede in maniera molto ispirata, Alchemica sembra quasi un concept album in cui liriche e grafica si uniscono in messaggi particolari. Su tutti va sottolineata la prestazione di Marialisa, assoluta protagonista di melodie ed emozioni, che rende affascinante la proposta musicale per i fan di band come Nightwish e che in Nel Solstizio D’inverno varca la soglia del lirico ricordando Tarja Turunen. Viaggio Astrale è un altro esempio del grande potenziale di questa band che musicalmente fonde le sue due personalità piazzando però dei refrain che potrebbero penetrare anche tra i gusti di chi non è proprio legato al sound gotico, arricchito il tutto da una sei corde che esce fuori con agio. Infatti è proprio sul finale che le strutture divengono più dure, come nella titletrack vera e propria gothic metal anthem; apprezzatissimo è il cantato in italiano, scelta coraggiosa ma premiante per un genere come questo, tipico delle lande del nord Europa.

Pochi sanno, forse nemmeno loro, cosa ci si dovrà attendere dal futuro targato Rossometile, certo è che il loro presente è sicuramente radioso; noi apprezziamo molto il loro stile e la personalità incastrata in questo album, tutt’altro che semplice.

Soulspirya – Stay Human

La scena dei duo project si arricchisce di una nuova formazione, a dire il vero non di primissimo pelo e questo lo si percepisce anche dalla loro musica. Via irruenze, via spigoli non smussati, il sound dei Soulspirya, attivi da circa un anno con questo nome ma già con 11 nuove tracce raccolte in questo Stay Human, viene definito alternative ma in realtà a nostro parere è accostabile più alla scena gothic rock/new wave. Da un punto di vista puramente emotivo ci tornano alla mente formazioni come gli Ever Eve o i My Dying Bride, anche se i Soulspirya si allontanano dal metal a favore di costruzioni rock; con questi condividono tastiere, scenari lugubri e ritmi lenti (anche se i brani sono tutti costruiti intorno alla durata dei canonici 3 minuti). D’altra parte l’uso delle tastiere ci dice che la new wave non è poi così lontana, ma ascoltando con attenzione il sound nel complesso capiamo che non si tratta di una radice forte di Stay Human, così come l’ambient ravvisabile qui e lì (come in Sorry) che non prende mai il sopravvento. Non ci sono elementi che graffiano, che colpiscono, ma c’è una sensazione vicina alla procrastinazione, come se le tracce siano ricercate ma non sperimentali, cupe ma non infernali, fitte di effetti ma più vicine rock che alla pura elettronica. Un peccato a nostro parere perché con un po’ più di carattere si poteva creare un marchio forte, che lasciasse il segno, magari tuffandosi nell’industrial o inserendo una chitarra più decisa in vari brani. Poi pensiamo che le nostre aspettative durante l’ascolto non devono influenzare gli artisti.

Al di là di questa considerazione Stay Human non è un album banale, difficile estrarne tracce salienti perché il mood è costante; non è questione di rock bensì di sensazioni, di intenzione nel cercare luoghi in cui nascondersi, di vedere del suono nel buio pesto. Se vi piacciono questi ingredienti potreste saziarvi con i Soulspirya.