Fenix Tales – The Abyss Eye

E che ascolti questo disco e lo classifichi subito come symphonic gothic metal, punto. Sarà l’impasto di strumenti tradizionali con le loro controparti elettriche, la voce lirica drammatica e potente, le atmosfere malinconiche che immediatamente ti vengono in mente i grandi nomi del genere, primi in testa i Nightwish ma anche i Within Temptation, After Forever e tanti altri. Però, i fiorentini Fenix Tales riescono a distaccarsi dal genere, preferendo il termine “opera metal” ed ecco la sostanziale differenza: via quelle pacchiane aggressività o quegli arrangiamenti volutamente commerciali e dentro le strutture magniloquenti (Friendly Darkness ha arrangiamenti del concerto grosso di estrazione barocca) e melodrammatici (Confutatis Maledictis). Gli strumenti elettrici fungono semplicemente da collante, in grado di rendere omogeneo l’ascolto ad orecchie non abituate alle strutture cosiddette “classiche”. Ottima la prova vocale di Lucia, tecnicamente perfetta e allo stesso modo incredibilmente duttile (cosa non semplice, dato l’estremo rigore del canto lirico) che ben si staglia sulle atmosfere evocative create, o meglio cesellate, dal resto del gruppo.

Gli otto pezzi scorrono veloci e suggestivi, senza annoiare e a dirla tutta lasciando una certa curiosità, data la bellezza di alcune soluzioni (War). Insomma, un disco prezioso, non certo elitario che lascia sicuramente soddisfatti e pieni di emozioni. Promosso a pieni voti.

Rossometile – Alchemica

Il rosso metile è un indicatore chimico, per chi non lo sapesse, di colore rosso-violetto. Non è un caso che la copertina dell’ultimo album della band, Alchemica, presenta questi colori con la prevalenza però del nero che descrive, in buona parte, il sound di questo quartetto tutto italiano. La band ha subìto una forte evoluzione nelle ultime produzioni cambiando forma, abbandonando le vesti di metal band con influenze progressive e passando ad essere una realtà che del metal ne fa influenza e non matrice essenziale. In queste nuove 16 tracce è limpido che la presenza della singer Marialisa Pergolesi e le atmosfere gothic rock sono i protagonisti assoluti dell’animo dei Rossometile. I riff metal, appunto, entrano in punta di piedi e solo in alcuni istanti; piuttosto ricchi sono invece gli arrangiamenti (tastiere), misti a tempi dilatati, linee vocali pulitissime, tutto ciò ci colloca in scenari cupi ma assolutamente digeribili. L’eccezione che conferma la regola prende il nome di Pandora, brano molto tirato in cui il combo non riesce a trattenersi e si scatena in un rifferama allettante, a differenza della restante parte dell’album, sicuramente meno “cattiva” e più evocativa.

L’ora di musica procede in maniera molto ispirata, Alchemica sembra quasi un concept album in cui liriche e grafica si uniscono in messaggi particolari. Su tutti va sottolineata la prestazione di Marialisa, assoluta protagonista di melodie ed emozioni, che rende affascinante la proposta musicale per i fan di band come Nightwish e che in Nel Solstizio D’inverno varca la soglia del lirico ricordando Tarja Turunen. Viaggio Astrale è un altro esempio del grande potenziale di questa band che musicalmente fonde le sue due personalità piazzando però dei refrain che potrebbero penetrare anche tra i gusti di chi non è proprio legato al sound gotico, arricchito il tutto da una sei corde che esce fuori con agio. Infatti è proprio sul finale che le strutture divengono più dure, come nella titletrack vera e propria gothic metal anthem; apprezzatissimo è il cantato in italiano, scelta coraggiosa ma premiante per un genere come questo, tipico delle lande del nord Europa.

Pochi sanno, forse nemmeno loro, cosa ci si dovrà attendere dal futuro targato Rossometile, certo è che il loro presente è sicuramente radioso; noi apprezziamo molto il loro stile e la personalità incastrata in questo album, tutt’altro che semplice.

Soulspirya – Stay Human

La scena dei duo project si arricchisce di una nuova formazione, a dire il vero non di primissimo pelo e questo lo si percepisce anche dalla loro musica. Via irruenze, via spigoli non smussati, il sound dei Soulspirya, attivi da circa un anno con questo nome ma già con 11 nuove tracce raccolte in questo Stay Human, viene definito alternative ma in realtà a nostro parere è accostabile più alla scena gothic rock/new wave. Da un punto di vista puramente emotivo ci tornano alla mente formazioni come gli Ever Eve o i My Dying Bride, anche se i Soulspirya si allontanano dal metal a favore di costruzioni rock; con questi condividono tastiere, scenari lugubri e ritmi lenti (anche se i brani sono tutti costruiti intorno alla durata dei canonici 3 minuti). D’altra parte l’uso delle tastiere ci dice che la new wave non è poi così lontana, ma ascoltando con attenzione il sound nel complesso capiamo che non si tratta di una radice forte di Stay Human, così come l’ambient ravvisabile qui e lì (come in Sorry) che non prende mai il sopravvento. Non ci sono elementi che graffiano, che colpiscono, ma c’è una sensazione vicina alla procrastinazione, come se le tracce siano ricercate ma non sperimentali, cupe ma non infernali, fitte di effetti ma più vicine rock che alla pura elettronica. Un peccato a nostro parere perché con un po’ più di carattere si poteva creare un marchio forte, che lasciasse il segno, magari tuffandosi nell’industrial o inserendo una chitarra più decisa in vari brani. Poi pensiamo che le nostre aspettative durante l’ascolto non devono influenzare gli artisti.

Al di là di questa considerazione Stay Human non è un album banale, difficile estrarne tracce salienti perché il mood è costante; non è questione di rock bensì di sensazioni, di intenzione nel cercare luoghi in cui nascondersi, di vedere del suono nel buio pesto. Se vi piacciono questi ingredienti potreste saziarvi con i Soulspirya.

Aghast Afterglow – Imaging

A discapito della line-up stringata e della giovane età musicale, il nuovo album degli Aghast Afterglow ci colpisce e non di poco. Diciamolo subito: moniker, look e artwork (basta con gli inglesismi) da subito ci proiettano in un ambito sinfonico e fantasy (avevamo detto basta) ma qui non siamo davanti alla solita band di symphonic metal che scimmiotta Nightwish, Epica, Within Temptation et similia. Imaging è un album ricco e ben curato che ha il grandissimo pregio di non sbilanciare il proprio baricentro sulla (comunque ottima) voce di Lisa Lee ma di affidare grande attenzione alla musica, agli effetti e agli arrangiamenti. Questo fa di Imaging un album che offre tantissimo, da band del calibro internazionale, che talvolta lascia il fianco scoperto addirittura all’elettronica (Stolen Dreams) anche se il sapore metal si sente spesso (come nella bellissima You’re Killing Me From Inside o in There’s No Time). Può sembrare strano ma uno dei momenti che ci ha colpiti di più è l’intro, Fearless, un minuto e mezzo di metal sinfonico in stile “metal opera” che preannuncia i vari livelli di musica proposta, dal metal al rock, dalla sinfonia alla classica, tutti da scoprire.

Dicevamo che c’è tanto in questi quaranta minuti di ascolto: le melodie di Gaze My Sin impreziosiscono una ritmica impostata, melodia ripresa in uno degli apici dell’album, When Winter Will Come Back, una traccia stratificata che ad ogni taglio presenta uno strato di bellezza differente; Stream Of Awareness è un altro grande momento di melodia, forse l’uso delle parti vocali viene accentuato ma è proprio qui che Lisa Lee offre il meglio in un’ambientazione lenta e coinvolgente. Affascinante Angels Can’t Love che vede la partecipazione di Mark Basile dei DGM (e si sente) mentre sul finire compare Muto Inconscio, unico brano con testi in italiano ma resta legato alla scena sinfonica: quattro minuti pieni di arrangiamenti mai scontati che stupiscono l’orecchio attento pronto a trovare qualcosa di più oltre le liriche facilmente assimilabili. Stona invece la cover di Hot Stuff sul finale che poteva essere anche evitata. Comunque attenzione al progetto Aghast Afterglow che va tenuto sotto stretta osservazione!

Katatonia – Viva Emptiness

Successore dell’acclamatissimo (da pubblico e critica) Last Fair Deal Gone Down, Viva Emptiness rappresenta senza ombra di dubbio il penultimo scalino prima del raggiungimento dell’apice stilistico compositivo nella discografia degli svedesi Katatonia che sarà il successivo The Great Cold Distance. La formazione vede l’innesto in pianta stabile del drummer Daniel Liljekvist, mentre al basso firma i credits ancora Matias Norrman. Il sound di Renske e soci si evolverà ancora e le produzioni successive saranno ancora più raffinate dal punto di vista tecnico e della qualità del suono, ma il trademark è ora definito, con la solita alternanza tra parti doom semiacustiche e riff distorti ultragranitici. Le parti vocali seguono il canovaccio classico della band, garantendo la melodia portante dei brani. In alcuni casi, come in One Year From Now, viene distorta anche la voce introducendo effetti precedentemente mai usati. Ghost Of The Sun apre le danze, solito riff velenoso seguito da un imponente muro di chitarre intervallate da un atmosferico pre-chorus e da un violentissimo chorus quasi death metal. Sleeper non si discosta molto dallo stile dell’opening track, così come Criminals, ritmo più cadenzato, spazio ad un bel giro di basso ed al delay della chitarra di Fredrik Norrman. Killer song!

A Premonition ripropone lo stesso suono di synth che ha contraddistinto le prime fatiche dei Nostri (Dance Of December Souls /Jhva Eloihm Meth), ed il risultato è un gradevole gothic/doom con una stupenda linea vocale. Will I Arrive parte con una strofa pestata ed utilizzando il solito schema si apre su un ritornello semplicemente fantastico. Burn The Remembrance si sviluppa su binari invertiti, strofa soft e chorus su mid tempo piacevole e d’impatto, mentre Wealth suona molto metal per poi rilassarsi su un riff circolare molto suadente. Walking By A Wire si candida a miglior episodio del disco, perfetta sotto ogni punto di vista, Complicity non si discosta dalla media compositiva; molto “elettrica” e potente grazie anche all’ottimo lavoro dietro le pelli. Evidence è un altro ottimo pezzo, che diventerà un must dal vivo, grazie al ritornello molto melodico.

A chiudere Omerta, ballad acustica quasi in stile Metallica, a mio parere evitabile, così come Inside The City Of Glass, probabilmente ripescata dal cestone dei brani del decennio precedente, che non aggiunge nulla di interessante a quest’ottima release.

Neracruz – Neracruz

I Neracruz sono una band attiva dal lontano 1995, sono passati anni e molte vicissitudini, ma finalmente possiamo ascoltare l’omonimo debut album. La formazione italo/britannica è in grande forma, la loro musica è da considerarsi genericamente rock, anche se sfumature gothic, new wave, electro arricchiscono l’intero lavoro, dando quel tocco di originalità alla band, che non guasta di sicuro. La partenza del disco è affidata a Pure Love, capiamo da subito quello che i Neracruz vogliono trasmettere all’ascoltatore, il messaggio di un rock genuino, diretto, suonato senza troppi fronzoli da una parte ma altrettanto elegante dall’altra. Non ci sono cali di tensione, il disco scorre piacevolmente, lasciandoci buon gusto al nostro palato, tra le mie preferite il singolo The Dream e Blind Game, canzoni che nei 3:30 circa racchiudono il concetto Neracruz, rendendo omaggio alla new wave degli anni 80, al rock grezzo e stradaiolo, al gothic.

Chiudendo gli occhi, il primo accostamento che risvontro è quello ai The Cult, periodo Love, specie per le linee vocali, che rimandano al pellerossa Ian Astbury, ho sempre apprezzato questa grande band, ma non ci fermiamo qui nella musica dei Neracruz c’è molto altro, ad esempio l’elettronica dei Depeche Mode, la spontaneità di Billy Idol, il suono ribelle dei Litfiba, e poi c’è il gothic dei maestri Type O Negative, proviamo a frullare tutto questo, ne verrà fuori un cocktail di nome Neracruz. Ogni singolo componente svolge il proprio compito in maniera egregia, delle buone linee vocali, dei chorus mozzafiato abbiamo già parlato; ho apprezzato anche il connubio basso/batteria, ruvido, diretto, quanto efficace alla funzionalità dei brani, le chitarre emergono solo a tratti, anche se quando vengono alla luce riescono ad imporsi, tra le ricche sfumature di questo disco, dove una parte essenziale e molto presente è recitata dalla tastiera e synth.

Pollice in su per le liriche, interessanti e mai scontate, così come un giudizio positivo merita la scelta dei cantati, equamente divisi tra italiano e inglese, fattore che, nonostante le lingue siano per storia e geografia lontane, risulta dare omogeneità all’interno del brano, senza forzature ed ostentazione. Infine la produzione del disco, davvero più che buona, dei giorni nostri, dove la pulizia in un genere come questo è sinonimo di qualità. Siamo al “The End”, i rossi tendoni del teatro si chiudono, mentre la musica dei Neracruz risuona imponente nel nostro cervello sconvolto. In alto il nostro saluto!

Katatonia – Last Fair Deal Gone Down

Da molti considerato il vero masterpiece della discografia dei Katatonia, Last Fair Deal Gone Down, quinta fatica per gli ex doom/death masters di Stoccolma (seconda su Peaceville Records) risente ancora in minima parte, (Dispossession, Clean Today, The Future Of Speech, Passing Bird) del songwriting del passato, fino a Tonight’s Decision compreso. Un percorso perfetto, che vedrà l’apice compositivo con il seguente Viva Emptiness, che passa necessariamente da qui; e da qui non si ritornerà più indietro per Jonas Renske e Blackheim (Anders Nystrom), ora accompagnati da Mattias Norrman, fratello di Fred, al basso, e Daniel Liljekvist, al posto di Dan Swano, alle pelli. Chrome fa subito capire la cifra stilistica di questa evoluzione, batteria più secca sul riff portante, a costituire l’incipit della song, e fin qui poco di diverso dal passato. Delay meno abusati e finalmente un basso che dà più corpo per concludere con una produzione decisamente migliore delle parti vocali. Il vero passaggio di consegne è rappresentato da We Must Bury You, strofa acustica con qualche synth d’accompagnamento che apre ad un chorus letale per potenza ed oscurità.

Teargas, primo singolo estratto, ripercorre gli stessi passi proponendo un ritornello molto più melodico ed accattivante, I Transpire mischia ancora un pò le carte andando a pescare ritmiche care all’ambiguo Discouraged Ones, riscoprendole brillantemente nel chorus, Tonight’s Music, rilasciato in veste di singolo/EP qualche mese dopo è una cavalcata con lo schema classico strofa acustica quasi sussurrata e ritornello pestato, in cui si percepisce in modo netto quanto fosse importante inserire un basso di spessore; Sweet Nurse è probabilmente la ciliegina sulla torta di questo CD, con la voce di Renske a costruire sempre di più la linea melodica del brano, in cui si apprezza un utilizzo massiccio di delay e riverberi che saranno una costante nei lavori del decennio successivo. Rimasterizzato nel 2004, sono state aggiunte 3 tracce abbastanza anonime (Sulfur, March 4, Help Me Disappear) per probabili finalità commerciali.

Katatonia – Tonight’s Decision

Primo full-lenght su Peaceville Records per i Katatonia, Tonight’s Decision non convince completamente la critica, convinta che i doom/gothic masters svedesi abbiano voluto riaffidarsi a sonorità più estreme per riprendere i fan persi per strada, dopo aver abbandonato growl e pesanti distorsioni con il precedente Discouraged Ones. Nulla di più falso, e se consideriamo le produzioni successive, risulta evidente che forse è proprio quet’ultimo il vero episodio “incompreso” della discografia dei Katatonia, tentativo di distacco dal death metal “relented” degli albori, malinconico e poco distorto, ma grezzo ed ipnotico ed in ogni caso anch’esso un ottimo full-lenght. E’ altresì un’evoluzione continua quella dei ragazzi di Stoccolma, e Tonight’s Decision rappresenta il trampolino di lancio che vedrà, nei successivi Last Fair Deal Gone Down, Viva EmptinesseThe Great Cold Distance, l’apice stilistico-compositivo della band. Il wall of sound complessivo del disco è palesemente più aggressivo e metal, come giustamente la stessa critica fa notare, ed è stato ottenuto potenziando le chitarre e rendendo il drumming, affidato a Dan Swano, meno trascinato e lontano, oltre che lavorando in modo netto sulla voce.

For My Demons definisce il trademark presente e futuro del sound Katatonia, nel suo lisergico alternarsi tra strofa e chorus, come momenti distanti che si incastrano perfettamente grazie al cantato di Jonas Renske, unico nel suo genere. I Am Nothingprosegue nell’alternanza di distorsioni e suono pulito tra strofa, pre chorus e chorus, e fra melodia ed antimelodia, risultando forse il miglior brano del disco. In Death, A Song risente moltissimo dell’influenza di Dan Swano in studio, nel main riff della strofa e negli stacchi, ricordando Nightingale ed Edge of Sanity. Had To (Leave) ricalca gli slow tempo dei primi lavori ma lascia spazio ad atmosfere molto cupe grazie all’utilizzo di sintetizzatori nello stacco centrale. This Punishment regala una parentesi acustica/vocals, molto suggestiva ed onirica, Right Into The BlisseStrained riportano in auge la caratteristica predominante del gruppo, main riff protagonista su mid tempo e distorsioni a palla, con la linea vocale che cuce la sua trama angosciata e drammatica. No Good Can Come Of Thisnon si distacca un centimetro dallo schema preferito dei Katatonia, con la voce che intreccia il riff portante nel ritornello, come se si stessero inseguendo in un tunnel. A Darkness Coming è un altro ottimo episodio acustico, parecchio Opeth.

Chiudono Nightmares By The Sea, personalissima cover di Jeff Buckley, e Black Session. In conclusione, un disco fondamentale, per nulla interlocutorio, in cui i Katatonia pongono le basi dei successi discografici degli anni a venire, nonostante le future dipartite di Fred Norrman e di altri componenti che si sono succeduti nel corso degli anni.

Blackdahlia – Fragments

Amy Lee con i suoi Evanescence aveva dato uno scossone al dark metal internazionale. Il loro merito era quello di convertire la scena gothic metal e symphonic metal ad un pubblico più vasto aprendo le porte delle grandi classifiche senza svendersi del tutto. Se consideriamo le grandi band con voce femminile del genere (Nightwish, Epica, Within Temptation, After Forever…) hanno tutte come grande nemico (discografico) quello di non riuscire ad approdare al pubblico dei grandi numeri. Nonostante gli enormi successi, nessuno riesce a conquistare una radio commerciale né un’emittente come Mtv, seppur nell’ultimo decennio sia fin troppo affine ai successi da Top 10. Invece gli Evanescence (e solo in seguito i Lacuna Coil) sono riusciti a rendere appetibile questo suono e diffonderlo con risultati ciclopici.

Parliamo di loro perché gli emergenti Blackdahlia, scritturati dall’Areasonica Records, con il loro album Fragments si avvicinano molto alla proposta musicale di Amy Lee e soci. Voce femminile in assoluta prima linea accompagnata da un piano che regala quella veste di epicità e di oscurità tanto cara a questo sound; anche qui Samuela, come Amy, è l’autrice delle linee vocali e di piano, fatto questo che prova la comunanza ideativa dei due strumenti, pensati per fondersi all’unisono. Ma si tratta pur sempre di rock duro, infatti le due chitarre si appropriano del proprio ruolo e giocano in attacco grazie ad una scelta produttiva che non le fa passare inosservate. Il loro sound è volutamente poco pulito, in modo che possa piacere anche a chi è più avvezzo al metal, e questa è una scelta che può affascinare o far discutere alla luce della eccellente pulizia di voce e piano.

Fragments non è però un album di brani sempliciotti ma cela capacità ideative che si colgono in vari frangenti: ad esempio Wounds (e in parte Fly) è sì caratterizzata da un ritornello popolare seppur duro alla sei corde, ma non nasconde arrangiamenti e sprazzi di iniziative fuori dal concetto di rock anthem che ne rendono più particolare l’ascolto. Nel brano Lost In The Daylight si toccano con mano le similitudini rispetto agli Evanescence e la capacità di abbracciare gusti più da pubblico americano: una sorta di rock ballad che entra nella mente e si confà a situazioni di tristezza come di romanticità senza alcun problema di sorta.

Un lavoro che più che la pura personalità mette in luce delle doti di alto livello e lo fa con una semplicità (almeno percepita) che pochi sono in grado di tradurre in un album.

Aevum – Impressions – Il Palcoscenico Della Mente

Non è facile portare avanti o affrontare un progetto musicale come quello di cui ci accingiamo a parlare. Perché una band di sette elementi che debutta con un album molto particolare, un’opera metal dietro la quale alberga il concetto di teatralità (nel senso di teatro, non di glam rock) al giorno d’oggi può solo avere molto coraggio. Poi se in più l’album è di pregio e ben realizzato, ancora meglio. Ed ecco quindi che Impressions – Il Palcoscenico Della Mente dei torinesi Aevum va avvicinato con molta cautela. Perché di sicuro non è un prodotto alla portata di tutte le orecchie. Non si tratta di proporsi con spocchia ma con una release molto particolare che, quindi, non è di facile fruibilità. La musica proposta dai Nostri è qualcosa che mescola molti generi. La definizione di gothic metal è molto riduttiva anche se poi, per comodità di categorizzazione, l’album può essere così definito. Anche se dentro c’è di tutto e di più. Molto power, molto death, molti passaggi sinfonici e canzoni che ricordano da vicino i Nightwish del periodo Whishmaster. Il condimento poi viene completato da alcune contaminazioni elettroniche e blues. Se gli Aevum vogliono dare vita ad una rappresentazione e ad una storia teatrale decadente, pomposa e barocca, la conclusione è che ci siano riusciti molto bene.

La voce di Evelyn Moon, lirica e pulita e con qualche scream, bene si integra alle risposte maschili nella band Hydra e Richard. Il tutto sostenuto da orchestrazioni e arrangiamenti che si sposano alla perfezione con il continuo contrappunto di voce maschile e femminile ed i cambiamenti che anche la musica si porta dietro. Un continuo intrecciarsi di soluzioni mutevoli. Come dicono nella loro biografia la musica proposta “è un continuo tendere verso l’unione tra l’umano e il divino, fra gli opposti, l’essere maschile e quello femminile”. Di solito trattasi di altisonanti definizioni di presentazione. In questo caso no. E’ proprio la sensazione che Impressions – Il Palcoscenico Della Mente ci ha suscitato durante il suo ascolto.