Celeb Car Crash – ¡Mucha Lucha!

Li avevamo conosciuti con l’album Ambush! (recensito da noi a questa pagina) e con i progetti in cui i membri di questa formazione erano in passato impegnati, e ce li troviamo oggi cresciuti e con un moniker ben più pesante. Saranno state le varie date dal vivo, anche all’estero, il singolo di successo lanciato ormai un anno e mezzo fa, eppure le tre “c” dei Celeb Car Crash sono diventate ancora più maiuscole. Rilasciano quest’anno un EP interlocutorio, di passaggio visto che l’EP anticiperà a breve un full-lenght; un pò una scusa quindi per presentare il nuovo brano dal titolo Because I’m Sad, una traccia profondamente americana (potremo dire californiana) con quel groove potente che ha un retrogusto nu metal e una rotondità generale che sa di grandi palchi. Il brano è stato registrato a Londra presso i Red Bull Studios grazie ad un contest vinto dalla band, un’occasione quindi irripetibile e da immortalare. Next Summer a nostro parere è più interessante: contiene due chitarre così diverse ma che suonano davvero bene insieme e le linee vocali hanno grinta da vendere. Un brano che non nasconde un profilo di ampie vedute (ritornello) ma che è allo stesso tempo elaborato e speziato.

L’EP si chiude con ¡Adiòs Talossa! (tututu) che riprende i simboli del titolo generale e li racchiude in una veste prima acustica e poi di un rock esplosivo, anche se molto controllato, in pieno stile Olly Riva. A nostro parere infatti si sente che dietro questa produzione hanno lavorato persone differenti rispetto al precedente album: lo stile della band è cambiato ma è il lavoro ai suoni che presenta realmente i Celeb Car Crash in un’altra veste. Una band quindi per certi versi nuova che mette ancora più curiosità circa il prossimo album e che, a detta della stessa band, non tarderà ad arrivare.

Bliss Infection – Memory

Siamo nel 2005 e l’onda grunge che è passata in gran parte del pianeta agli inizi degli anni 90, grazie a band come Nirvana, Pearl Jam e Alice In Chains, ha certamente influenzato il rock e, anche se sono passati alcuni anni da quel “boom”, sono ancora tanti gli affezionati a questo stile musicale e non solo che ha come capitale simbolica la città di Seattle e di sicuro affezionati lo sono i Bliss Infection, quartetto proveniente da Gorizia formatosi circa alla metà degli anni 90. Dopo qualche cambio di formazione e dopo la realizzazione di alcuni brani i friulani riescono a partorire questo full-lenght, intitolato Memory, contenente tredici pezzi, come detto prima il loro genere si identifica sul grunge che era in voga una decina di anni fa, con qualche leggera strizzata d’occhio al classic rock ma anche al punk, seppur leggero, soprattutto nel brano Rabbit Face, l’unico del disco in versione live. Non mancano pezzi degni di nota come la rabbiosa Something…, o Wrong che comunque viaggia sulla stessa lunghezza d’onda, ma naturalmente non mancano brani più malinconici che richiamano fortemente il tipico sound made in Seattle e The Rain Of Purple Flowers ne è l’esempio lampante, e stessa cosa si può dire della melodica Time Goes By, brano che vira però verso la classica rock ballad. L’album si chiude con 1977, pezzo interamente strumentale dove i quattro dimostrano di avere anche una buona tecnica agli strumenti.

Ascoltando più volte questo disco dei Bliss Infection diventa veramente dura scegliere quale pezzo sia il migliore, è un disco ricco di fattori positivi come ad esempio il fatto che questo combo propone un genere che sembrava morto e sepolto, ma lo propone in maniera totalmente autonoma, senza bisogno di copiare dai mostri sacri del grunge, quindi di loro va indubbiamente apprezzata la volontà di crearsi una propria identità senza cercare di cadere nei tranelli tipo “i Pearl Jam italiani” o cose simili. Molto bella ma soprattutto adatta al genere la voce di Andrea, apprezzabile sia quando è graffiante ma anche quando si sposta sul melodico a seconda del pezzo. Dopo svariati ascolti di questo disco, difetti ne vediamo proprio pochi, a cercare l’ago nel pagliaio direi che la registrazione non è ottimale, e qualche rara volta tendono a ripetersi, ma comunque accade di rado.

Un bel disco. Soprattutto considerando che il grunge è un genere che da noi è stato poco proposto o meglio, poco considerato, e ben vengano queste giovani band che si dilettano a proporre uno stile che meritava una vita un po’ più lunga. Consigliamo l’ascolto con urgenza ai nostalgici del sound “made in Seattle”.

Incomodo – Un Po’ Di Silenzio

Incomodo è il nome di un combo che punta sulle sonorità “rock novantiane” per proporre le proprie idee. Lo fa in maniera sfrontata anche se non originalissima, con una produzione che volutamente sembra proprio farci rivivere tutto il grunge e l’alternative rock di allora. Voce dopata di effetti (eco forzato) e chitarre ruspanti con pochissima attenzione alla pulizia dei suoni, perché gli Incomodo vogliono puzzare di rock e lo fanno attingendo dal grunge e riproponendolo come era, con la medesima consapevolezza (o incoscienza che va bene uguale). Le influenze dei Verdena, da loro stessi citati, si sentono molto (Ora Non Mi Va è solo un esempio) ma anche qualcosa di casa Afterhours, nelle linee vocali e sparso un po’ qua e là, anche se con queste undici tracce i ragazzi cercano di spaziare, per quanto possono, con una fune legata forte però alle proprie radici. Nella titletrack ad esempio compaiono chitarre influenzate dal punk, veloci e grezze, un brano questo comunque variegato che nel corso dei suoi quattro minuti piazza anche un intermezzo diverso (swing?!), mentre in L’ignavo i ritmi si calmano, gli amplificatori perdono importanza e il tutto diventa più vicino ad una ballad.

Così gli Incomodo alternano momenti più calmi a sfuriate chitarristiche decise e in alcuni momenti si apprezza anche una certa convinzione ritmica, come in In Fede Infame in cui viene fuori anche un basso furioso (ma breve); a nostro parere le linee vocali però devono trovare un’altra identità per valorizzare il tutto (oltre a correggere qualche errore che si percepisce ad un ascolto attento) e alcune scelte produttive in una diversa direzione avrebbero valorizzato alcune tracce. La scena rock italiana di venti anni fa ha davvero creato una spaccatura nella musica così come noi la concepiamo, grazie ad alcune formazioni che hanno saputo dare dignità al rock anche dalle nostre parti. Gli Incomodo sono la dimostrazione che queste realtà producono ancora oggi le proprie influenze, noi però siamo del parere che accanto alle lezioni del passato sia necessario anche aggiungere qualcosa di più personale e/o di più innovativo.

Marvintripp – Helltown

17 tracce per 48 minuti totali di ascolto è un buon biglietto da visita ma non è sufficiente. Ad approfondire la storia dei Marvintripp, trio di origini sarde, si tocca con mano tanta voglia di cambiare, di emergere e di proporre la musica che in un dato istante loro sentono di esprimere. Così con Helltown i ragazzi approdano al grunge, di sponda Nirvana, e all’ascolto poco c’è di nuovo. Il sound non è del tutto innovativo anche se lo caratterizzano (per scelta o per necessità) da una produzione lo-fi. L’album risulta debitore a Nervemind per suoni e stile, riff molto grezzi e voce lacerante: insomma il copione grunge di inizio anni 90. Le strutture sono molto semplificate con ritornelli piazzati tra strofe e bridge lampanti; ci sono buoni esempi in cui il trio sembra voler alzare un po’ l’asticella (Ass Runnig, Do You Want A Lemon) anche se però l’opzione lo-fi, che potrebbe splendere in sede live, ascoltata in cuffia appesantisce troppo il sound e ne disperde la lucentezza. C’è però un elemento che ci piace di questa band e cioè che, nonostante sforni 17 brani, riesce a spaziare molto collocando il grunge su un’altalena che ora suona più melodica ora più estrema.

In Funny Girl la sei corde si indurisce e le linee vocali cambiano forma, spinte in apnea nel cyberspazio, ma oltre questa variazione c’è poco da segnalare; interessante Toad che sempre nel filone grunge prova una strada alternativa e più orecchiabile almeno per le linee vocali, al contrario di It che puzza di grind alcolico con il piede fisso sull’acceleratore. La ripetizione dei testi (elemento che Kurt spesso amava) è presente anche in vari momenti di questo lavoro, come Full Of Shit che sa vagamente di rock’n’roll e anche per questo ci piace (peccato per l’assolo poco in evidenza). La titletrack invece abbraccia il metal, un industrial alla Ministry ma con una cultura tutta emergente, e poi si continua tra riff fragorosi, effetti distorsivi e sound grezzo fino ad arrivare a Trust In Kim che dopo un basso mammut presenta l’esaltazione del lo-fi. Su queste basi il film continua fino alla diciassettesima traccia.

Da apprezzare l’energia che i ragazzi sprigionano nella loro musica ma noi suggeriamo di inserire una maggiore personalità nel sound e renderlo maggiormente speciale, magari avallato da una produzione degna di essere chiamata tale. La dimostrazione è data dai primi due minuti di Bad Days che mostrano una briciola di personalità e una proposta di certo più interessante.

Rudyscave – Rust

Basta sfumature, lasciamo stare influenze e rimandi, con i Rudyscave siamo nel pieno della scena rock: chitarra elettrica, voce ben carburata e sezione ritmica che sta dietro al tiro. Se a questo si aggiungono delle ottime partiture possiamo confermare che Rust è l’album giusto per ogni appassionato di rock. Addentriamoci però in questa uscita: seppur buono è il carisma di questo quartetto e ottima è la produzione che valorizza i singoli strumenti, riconosciamo a Rust una vicinanza alla scena grunge (in primis Pearl Jam e Soundgarden) alla quale somiglia per le parti melodiche (voce compresa) e per l’apporto delle chitarre. Ascoltare queste undici tracce (tutte di un fiato è d’obbligo) ci fa tuffare nel rock anni ’90 quello che ora è difficile ritrovare in band emergenti ma che ha ancora un certo fascino. La band gioca ad immedesimarsi in quelle sonorità e cerca di portare in auge un genere non cancellato ma dimenticato; le composizioni sono concise e ci piacciono, avremmo apprezzato una dose maggiore di personalità.

C’è ovviamente il momento per una ballad, Monkey, e qualche passaggio che rallenta il ritmo (High Level Room, molto grunge e Precipitate), ma il sound dei Rudyscave è tutt’altro, è elettrico e potente, veloce e semplice come una pillola da ingerire in un colpo solo. Inoltre noi troviamo che la loro energia sia davvero troppa per restare rinchiusa in un album, i Rudyscave vivono e devono vivere su di un palco, è da lì che la loro musica può arrivare meglio alle persone. Speriamo solo che in futuro inseriscano anche degli elementi più particolari nella loro ricetta. Come esordio però è più che buono!

Country Corpses – Protozoan In Love

Se l’artwork del secondo album targato Country Corpses è un trip di fumetti insaporiti da acidi e ambienti animali, il giovane terzetto di La Spezia pesca nella propria adolescenza e negli ascolti di quando probabilmente andava a scuola con i colori a pastello nello zaino: rock anni ’90, di quello violentato dal grunge ma anche saturato da un diverso uso della chitarra che al tempo sembrava “moderno”. In questo si attinge la voce dalla cugina scena metal (meglio ancora quella hardcore) senza che però questa giochi un ruolo centrale, lasciando appunto alla sei corde il compito di tirare le fila di uno spettacolo che trasborda ora nel rock più irriverente (Melvins, Smashing Pumpkins) ora nello sludge più lavico. Le otto tracce di Protozoan In Love durano venti minuti circa, poco ma un tempo sufficiente per farci immaginare un Billy Corgan con sembianze animali (uno di quelli in copertina, a scelta libera) nella sua fase più nera, indiavolata contro l’universo. Da questa rabbia, a tratti cupa, viene fuori tutta l’energia del combo che viene elargita in dosi massicce di watt, secondo il loro proprio marchio di fabbrica.

Probabilmente il brano che potrebbe essere più digerito da chi non è avvezzo a questi suoni è Worthless, pezzo che nella strofa e nel ritornello suona sinistramente cantabile, il potenziale singolo della band, con tanto di assolo che enfatizza l’aspetto tecnico dei due minuti e mezzo. Una band che dal vivo può potenzialmente offrire il meglio. Tra l’altro potete scaricare gratuitamente il loro album dalla pagina bandcamp.

Carneviva – EPisodi

Prendete l’alternative rock giovanile e cercate di vederlo in maniera più forte, più elettrica, più grunge. Questo è quello che le menti dei Carneviva hanno suggerito loro prima di creare il progetto nell’agosto del 2012 e che arriva oggi con il breve EP dal titolo EPisodi. Infatti il power trio saccheggia molto più echi di grunge italiano (primi Verdena) che non realtà alternative nel vero senso del termine e bastano le prime due tracce per confermarci il loro tiro. Ma questo non è né un bene né un male, è semplicemente l’identikit del loro sound, della matrice di una band emergente nata da poco e comunque alla ricerca di una personalità che la distingua. Questa ricerca si tocca con mano con Primo-Vero, un brano che supera i sei minuti e nel quale, all’interno di uno schema sempre coerente, si cattura la passione di questi ragazzi nel suonare; chitarra che inneggia una pioggia di proiettili in Un Secondo e linee vocali riverberate nel bridge con code che piacerebbero a Mr. Agnelli. L’EP si chiude con Origami, traccia in cui si provano trame più sofisticate, tempi stoppati e pathos oltre che elettricità.

I presupposti a base di rock sono buoni per questa band anche se un EP come questo è monco nell’esprimere totalmente le loro capacità. Noi li aspettiamo al varco di un “primo-vero” album e siamo pronti a puntare su una loro esplosione.

Mad Shepherd – Monarch

Dopo due EP gli italianissimi Mad Shepherd decidono di pubblicare un full-lenght, autoprodotto, e ben confezionato sia nella grafica che nel concept musicale. Dieci tracce, dirette e ben prodotte per un lavoro che conferma ulteriormente quanto una band con le idee chiare, seppur autoprodotta, possa fare breccia nell’affollata scena musicale odierna. Certo, il loro approccio è molto esterofilo considerando la biografia presentata solo in inglese, i testi in lingua straniera e soprattutto le radici che si rifanno direttamente alla Seattle degli anni novanta (tradotto: grunge). I riff infatti suonano decisi e rotondi e, insieme alla voce profonda, si attaccano come cozze ai palati raffinati dei fan di Soundgarden e compagnia; un approccio questo rintracciabile senza fatica in tracce come la titletrack che veste camice a quadrettoni quattro stagioni l’anno. In California invece, brano più pacato, si odono degli echi alla Incubus (ultimi album) mentre in altri momenti (come in Believe) si percepiscono apprezzamenti verso Eddie Vedder e la sua crew.

Se vogliamo questo è il punto di forza e di debolezza dell’intero lavoro: puntando ad una scena chiara e definitiva, il quartetto fa colpo sui numerosi ascoltatori del grunge autodefinendo i confini del proprio target e lasciando chi invece lo reputa ormai un genere legato al passato fuori da questa barricata. Monarch è comunque un più che buon prodotto discografico; i Mad Shepherd non hanno però terminato il loro percorso nella direzione di una personalità più forte, carta vincente che permetterebbe il salto di qualità e la nascita di un nome importante nel più ampio mondo del rock.

EnlovesKi – EnlovesKi

EnlovesKi è il moniker di una rock band romana che da poco ha pubblicato l’EP omonimo con il quale presentarsi al mondo. Sound bello potente e deciso, peccato che sia un po’ troppo derivativo. Non vogliamo dire che gli EnlovesKi siano un clone di qualche band in giro per il mondo, ma il loro sound prende spunto da troppe ricette già consolidate e l’EP si ascolta con la speranza che giunga qualcosa di irruento, di inaspettato, che blocchi il respiro. Purtroppo ciò non avviene, seppur l’EP si gusti con relativo piacere. Le chitarre ruvide tipiche del grunge (in prima fila sentiamo Soundgarden e Alice In Chains), parti inframmezzate lente assorbite dal metal (come il post-metal in Taxidermy), uno spirito quasi alternative ma sempre al servizio della sei corde e del suo impatto (soluzione questa che in alcuni momenti ci riporta al passato dei Deftones)…tutti quindi rimandi di spessore, che di certo fanno onore al quintetto nella scelta dei musicisti che li hanno ispirati, ma che illuminano varie strade ben note raccolte in un unico percorso sotto un diverso moniker.

Il primo singolo, The Split, è ovviamente affilato e conciso e presenta strofa e ritornello come si confà ad una band del genere; buono comunque l’esercizio, con un potenziale anche su un possibile mercato internazionale, ma senza un odore che resti davvero attaccato alla pelle per molto tempo. Thirty Days prende le distanze dalle chitarre ruggenti e sperimenta una nuova visione della band che mette in luce una certa ricercatezza sonora. Sul finire, però, ci teniamo a dire che non è cosa comune ascoltare un EP di una band emergente come Enloveski: il combo dimostra comunque idee precise e una produzione di livello invidiabile. Ciò si traduce in una speranza davvero concreta di ritrovarli tra qualche anno con un album molto più interessante, magari con una personalità più di spicco.

Shame – Entropia

C’è qualche giovane formazione che si dice ancora ispirata dal grunge e questo ci fa piacere visto che si tratta pur sempre di un genere che ha creato scompiglio in una generazione intera (se non due). Ciononostante gli Shame con il loro nuovo album autoprodotto dal titolo Entropia, non suonano affatto vecchi. I richiami al rock “rumoroso” degli anni 90 sono chiari, quello suonato e prodotto come se l’unico obiettivo fosse sfidare la resistenza fisica degli amplificatori, e in alcuni momenti forse le citazioni sono un po’ troppo rimarcate (l’inizio di Totally Soulless fa eco ai Nirvana e anche la voce di Andrea Paglione sembra creata di proposito per questo ruolo) ma sarebbe un errore considerare queste tracce solo come una sorta di celebrazione del grunge che fu. Riff rotondi sono accompagnati da ritmi veloci e i momenti più cauti sono piazzati con grande maestria (New Breeze nelle strofe ad esempio o Falling Through nella sua parte centrale) per dare la possibilità all’ascoltatore di prendere una boccata di ossigeno tra una raffica di note e l’altra. La line-up incentrata su un power trio si sente: non compaiono doppie chitarre, nemmeno aggiunte in fase di produzione, e il sound è sì grezzo ma compatto; questa la loro caratteristica principale e sulla quale probabilmente bisognerebbe lavorare per creare una personalità propria.

Bella Ricochet che nel suo incedere sotto il ritornello ci ricorda il vero grunge, alla Stone Temple Pilots, e prepara gli ingredienti per l’esplosione dal vivo così come altri passaggi che ricordano vari nomi ingrombanti di Seattle. Ma più che tracce per intero questo Entropia cela alcuni momenti degni di nota, come la parte centrale di Apocalypto che scatena un headbanging spontaneo, o l’incedere di Rolling più cattivo, alla Smashing Pumpkins per intenderci. Ce n’è di strada da percorrere ma l’obiettivo di divenire un nome interessante per la scena rock/grunge attuale è assolutamente alla portata di questi ragazzi.