The Unity – The Unity

Dopo Empire Of The Undead i Gamma Ray si sono fermati, almeno dal punto di vista discografico. Uscì un “best of”, il live Lust For Live e mentre tutti si aspettavano un ritorno in studio da parte dei tedeschi ecco la sorpresa: Kai Hansen pubblica con degli amici (non in line-up Gamma Ray) XXX – Three Decades In Metal e Michael Ehré (batteria) insieme a Henjo Richter (chitarra) danno invece alla luce un nuovo progetto chiamato The Unity e pubblicano così un album omonimo. Diciamo che a differenza del progetto di Hansen qui le sonorità non sono intransigentemente power: la matrice di base resta quella, così come le scelte produttive, ma l’approccio in generale sembra molto più orientato all’hard’n’heavy, con un po’ di fantasia ci sembra di ascoltare più un side-project dei Whitesnake, dei Dio o in parte degli Europe che non una costola del “raggio gamma”. Sarà stato il contributo degli altri musicisti in formazione (un sestetto ha sicuramente molte più idee da proporre) o forse la volontà di inserire anche molte melodie nel proprio suono, eppure questo The Unity si presta trasversalmente ad ascolti di fan molto diversi.

Brani come No More Lies, Close To Crazy o Killer Instinct affidano sicuramente un peso maggiore alle chitarre e sui muri di suono creati. in generale va detto che le tastiere non sono troppo ingombranti, ad eccezione di poche tracce, lasciando proprio alle due sei corde esprimere il meglio e rafforzare la parte elettrica. Anche un brano come Firesign, che sembra attingere ad inizio a lande sinfoniche, si lascia presto dietro le spalle i tasti bianchi e neri per piazzare una classica traccia power (qui i Gamma Ray si sentono) con tanto di refrain cantabile a squarciagola. In fatto di tastiere Always Just You propone qualcosa di nuovo che piacerà a chi mastica new wave, anche se nel complesso il brano non fa impazzire; ci piace molto The Wishing Well che fa leccare le dita ai fan dei Dio (è solo un caso che Ronnie James Dio abbia realizzato un brano Wishing Well nel suo periodo con i Black Sabbath), potente ed epica, ma anche la simpatica Reedemer, anch’essa molto epica, che ha un retrogusto alla Deep Purple.

Ma allora com’è stato scritto questo album? Con tanta maestria e saggezza compositiva: c’è una canzone con il titolo Rise And Fall, i cori in God Of Temptation fatti per i live, molti ritornelli scritti e suonati per restare impressi, voce molto pulita (un plauso va sicuramente all’italianissimo Giamba Manenti) e tutti i fattori che grandi professionisti sanno mettere al posto giusto per piacere e lasciarsi ascoltare. Cosa vuol dire? Che vi sono tutti i cliché del power e dell’hard’n’heavy quindi se vi aspettate una band che vi sorprenda prego rivolgervi altrove, ma se siete appassionati del genere e masticate riff hard e produzioni moderne allora The Unity è più che consigliato.

11 Louder – Monkey Business

“Ci scappa del rock!”citava un celebre film; e siamo dell’idea che anche agli 11 Louder è venuta in mente la stessa frase, quando iniziarono a lavorare su Monkey Business, loro disco di debutto, pubblicato alla fine del 2016 tramite l’etichetta Bad Wolf Records. Gli 11 Louder vengono da Dijon, Francia, e si sono formati nel 2010. In un’intervista recente, alla domanda riguardo il loro sound, molto influenzato da quello dei Motorhead, avevano risposto “Si! Ma non solo quello”. Ed è vero: nella dodici tracce che compongono Monkey Business è presente una forte influenza hard’n’heavy, a tratti speed, accompagnata da una voce molto ruvida, insomma caratteristiche che fanno tornare alla mente le gesta del compianto Lemmy e dei suoi soci. Gli 11 Louder però sono anche capaci di destreggiarsi verso altri lidi; forti delle loro attitudini blues, riescono a proporre dei più che positivi momenti di puro rock’n’roll (Crazy Teenagers), e rockabilly (Magic Fluid). Il tutto però mantenendo una forte connotazione hard rock, che a tratti va a sfociare, attraverso chitarre più aggressive, in sonorità più vicine al metal, come nei casi di Queen Of Spanking e Monkey Business, forse il brano dove è più evidente la loro devozione verso i Motorhead.

Monkey Business è un disco che manca un po’ di fluidità, a causa di alcuni passaggi e cambi di stile che tendono un po’ a disorientare un attento ascoltatore. Ci fosse un maggiore legame tra i singoli pezzi staremo a descrivere un disco di buona fattura, ma così non è. Al momento però, perché rimane innegabile che ai quattro francesi le doti e le qualità non mancano. Da rivedere.

Ruxt – Behind The Masquerade

Correte ad accaparrarvi una copia di questo disco! Di solito una frase del genere si trova alla fine di una recensione ma è tanto l’entusiasmo che mi ha suscitato questo album che non sono proprio riuscito ad evitarvi lo spoiler. E visto che siamo partiti dalla fine continuiamo in ordine inverso. La confezione del CD è completa di tutto il necessario, testi compresi, nonché decorata da un artwork assolutamente meritevole e coerentemente impegnativo. La presenza di un sito internet, se ci fosse, avrebbe completato un quadro positivo alla voce comunicazione, invece dobbiamo accontentarci di una pagina facebook come se questo fosse un progetto di ragazzini alle prima armi. Ma non è così perché i Nostri hanno alle spalle storie che parlano, tra gli altri, di Purplesnake, Mastercastle e Sadist. Insomma gente che ha da lunga pezza superato qualsivoglia problema di dentizione e infatti musicalmente si sente. Eccome! Dietro i rispettivi strumenti i Ruxt sono infatti maestri e non lesinano nelle dimostrazioni soliste mostrando di non lasciare nulla al caso. Non da meno è la produzione, perfettamente adeguata a veicolare composizioni che pur piacevolmente articolate, non perdono l’immediatezza pretesa dal genere.

Nella cartella stampa vengono indicati Dio, Gotthard e Whitesnake tra le influenze principali di questo lavoro e io quindi direi che non c’è niente da eccepire nemmeno sull’onestà intellettuale di questa band che infatti mantiene in pieno le sue promesse. Behind The Masquerade è dunque un disco da non prendere alla leggera e i quasi settanta minuti per quattordici tracce (di cui un Intro e una cover) dichiarano apertamente il profondo impegno e la copiosa ispirazione di un gruppo che, giustamente, punta molto in alto. Le qualità tecniche, nemmeno a dirlo, ci sono tutte ma soprattutto fa piacere notare come questi ragazzi siano riusciti ad amalgamare i suddetti riferimenti musicali in uno stile personale che unito ad un’abbondante dose di feeling fa di questo album una proposta di quelle da sentire e risentire con la certezza che migliorerà ad ogni ascolto. Incorniciamo con orgoglio quindi l’ennesima realtà nostrana di cui andare fieri. Bravi… davvero!

Lucid Dream – Otherworldly

Chi ama il gioco d’azzardo prova un certo gusto nel correre rischi ma sogna la scommessa sicura. Oggi ne abbiamo una: a guardare il nuovo album dei Lucid Dream, pur senza conoscere il loro passato, chiunque può prendere un bel centone e scommettere sulle riminiscenze ottantiane di questa formazione, con tanto di grafica e approccio progressive. Basta poco per avere questa intuizione e infatti l’ascolto dell’album ci conferma di aver vinto la scommessa e di fare un salto nel passato dopo aver premuto il tasto play. Restiamo un po’ spiazzati dai suggerimenti progressive che avevamo trovato alla vista un po’ in ogni dove e che invece all’ascolto mancano, ma non per questo lo stile della band risulta meno interessante. Otherworldly (titolo intraducibile in italiano) è un buon album, eseguito davvero bene in sala di incisione ma ha fondamentalmente due pecche. La prima riguarda l’originalità: è vero che si tratta pur sempre di un album autoprodotto ma se lo confrontiamo con le miriadi di album hard’n’heavy realizzati degli anni 80 in poi (anche di band più note) non troveremo ingredienti originali in queste nove tracce: riff affilati (anche se non laccati, ma di questo ne parleremo dopo), voce pulita e dalle tonalità alte, pattern compatti e canonici per una band di metal classico (che a volte ingloba anche gli insegnamenti della NWOBHM). Nient’altro. Quanti brani come questi abbiamo ascoltato?! Tantissimi. Anche gli altri contributi (violino, viola) sono marginali e non scardinano l’idea che ci siamo fatti del sound della band; probabilmente un tastierista in line-up può creare nuovi spazi sonori e rendere più unica la loro offerta.

Il secondo anello debole di Otherworldly è la produzione. L’originalità è importante ma tantissime formazioni oggi ci insegnano che non è indispensabile. Attualizzando una proposta di 30 anni fa ad oggi, usando le tecnologie e le produzioni digitali che disponiamo al momento, si possono creare dei capitoli importanti dell’heavy metal (chiedere ai Bad Bones, giusto per fare un nome). Purtroppo anche la produzione è scarna e la band sembra un ripescaggio di quegli anni più che una realtà emergente che vuole farsi conoscere nel 2016. È un peccato perché i ragazzi hanno stoffa e non lo diciamo solo per indorare la pillola, tecnica esecutiva e partiture graffianti ci sono (la parte strumentale di The Stonehunter o anche l’ultima traccia strumentale The Theater Of Silence sono solo due esempi che dimostra ciò) ma non basta. È necessario avere una formazione al completo, con contributi da parte di tutti, e una produzione all’altezza delle idee di fondo. Questo è anche il nostro augurio per il loro futuro.

Bad Bones – Demolition Derby

Mattoncino dopo mattoncino si costruiscono i grandi edifici. Così vale anche per il progetto Bad Bones, formazione in cui milita Steve Balocco (White Skull, Nico McBrain) e il fratello Lele, band che sta proseguendo nel suo cammino di crescita conquistando pian piano terreno nel mondo dell’heavy metal. Non a caso i tre precedenti full-lenght hanno visto accrescere il loro seguito (in particolare vi segnaliamo il precedente Snakes & Bones recensito da noi a questa pagina) e ora il quartetto arriva con il nuovo Demolition Derby che ufficializza l’accordo con la label internazionale Sliptrick Records. Ma per avere un edificio sicuro sono necessarie anche delle fondamenta solide e infatti i Bad Bones non cambiano il loro stile anzi vi ampliano la fruibilità: il valore del loro hard’n’heavy classico non viene per nulla scalfito, stile che richiama grandi del passato come Whitesnake e Gotthard, ma anche realtà più moderne come i Chickenfoot. Il tiro c’è ma non è l’elemento preponderante, l’ “asso di spade” di Demolition Derby sono sicuramente le composizioni a tutto tondo che talvolta riescono ad appagare anche i gusti degli appassionati dell’AOR. E qui potremo scomodare la lenta Rambling Heart che strizza l’occhio al Bon Jovi più maturo o anche l’intensa Red Sun in cui compare un duetto con Roberto Tiranti, interprete più che cantante di cui noi italiani dovremo essere fieri. Momenti affascinanti anche se il look stradaiolo dei Bad Bones è sicuramente più in tono con i passaggi più cattivi come nella graffiante Rusty Broken Song o nel riffing compatto di Shoot You Down (per il quale ci chiediamo come sarebbe suonato se vi fosse stata una seconda chitarra).

In tutto l’album, come nel passato della band, aleggia un profumo hair/glam, a volte più intenso altre volte collocandosi un passo dietro, profumo capace di rendere più digeribili i brani e meno metal nel senso stretto del termine. Una prova che ha tutte le carte in regola per duplicare i fan della band, niente di estremo né di innovativo….solo hard’n’heavy molto molto ben fatto!

Matteo Brigo – It Works!

Avevamo già avuto il piacere di conoscere musicalmente Matteo Brigo all’opera con i suoi Maieutica (a questo link la nostra recensione del loro ultimo R.E.S.) e non eravamo rimasti per nulla indifferenti rispetto all’uso che faceva della sei corde. Qui lo vediamo sotto un’altra veste, potremo dire solista ma il condizionale è d’obbligo, una figura che veste i panni del guitar hero anche se lo fa senza quell’autorevolezza che i grandi nomi si auto-etichettano per calarsi nel ruolo del professionista. Matteo dichiara di aver riassunto tutte le sue influenze legate agli anni ’80 e ’90 (quindi film, videogiochi e chi più ne ha più ne metta) in un album di musica strumentale, noi vediamo It Works! come un notevole album di hard rock ottantiano che farà grondare godimento per gli amanti di David Lee Roth, Mr. Big Van Halen et similia. Matteo inserisce dei passaggi scherzosi, dei cambi di tempo inattesi e lo fa sempre senza voler autocompiacersi: quello che percepiamo noi è un vero divertimento nell’espressione chitarristica, che se talvolta si inasprisce in tocchi shred o in tecnicismi particolari, in altri è comunque alla ricerca di una melodia che (paradossalmente per essere un album strumentale) resta impressa anche dopo l’ascolto.

Impossibile non fare un salto alla propria adolescenza con tracce come la titletrack, un teletrasporto che ci rimanda ai tempi d’oro dell’hard rock, ma anche l’opener Kaboom rappresenta benissimo l’esplosione che si apre dinanzi alle nostre orecchie. Abnormal e In The Lab tentano le ambientazioni più oscure, rallentando anche i bpm in alcuni passaggi, ma la vera forza di questo lavoro è l’energia e la carica hard rock sprigionata dai suoi tantissimi pori. Se volete una prova ascoltate Super Paradox Combo, esercizio di stile (troppo?!) a livelli di nomi di portata internazionale. Eppure, ad ascoltare bene questo It Works!, non c’è solo la chitarra: ovvio che i suoni e i solismi così come i riff sono in prima linea, ma spesso la sezione ritmica e ancora le tastiere si fanno spazio ed arricchiscono il tutto. Noi ci auguriamo che in un (eventuale) secondo album ci sia più commistione con gli altri strumenti e, perché no, magari anche con inserimenti di suoni meno canonici (sax, banjo…).

Se il tentativo era quello di avvicinare la chitarra, nel suo uso più estremo, a chi non è avvezzo a questi suoni, possiamo dire che in parte Matteo Brigo ci è riuscito. Sicuramente è un lavoro che apprezzeranno gli appassionati di quell’epoca e chi ascolta a profusione G3 ed esercizi vari di stile. A noi, l’intento ma anche il risultato finale, sono piaciuti molto.

Now Or Never – II

Ormai non stupisce più come dalla fucina del nord Europa si forgino a ritmo costante metalli solidi e al contempo melodici. Da una sorgente danese-svizzera nascono nel 2012 i Now Or Never che in quattro anni compongono due full length album, l’omonimo Now Or Never e l’ultimo II. Fondati dal chitarrista Ricky Marx (proveniente dai Pretty Maids) e dal batterista Ranzo, ai quali si uniscono in breve tempo il cantante Jo Amore (ex batterista dei Nightmare, che ha deciso di abbandonare le pelli per le corde vocali) e il bassista Kenn Jackson anche lui ex membro dei Pretty Maids. Fin dalle prime battute si intuisce come i Now Or Never siano riusciti a creare un solido connubio tra il lato melodic e quello heavy del metal. II è un album ricco di armonie vocali accattivanti, riff di chitarra e ritmi incisivi. Non si scorge la minima esitazione neanche quando il piede schiaccia l’acceleratore, I Shall Remain, per avvicinarsi (senza varcarli) nei territori del thrash. Il singer Amore dimostra di aver studiato a fondo i grandi classici del genere come Ronnie James Dio, riuscendo anche a sfoggiare una buona estensione vocale che mette al servizio dell’espressività e della band, che risponde colpo su colpo al suo cantante grazie all’ottima sezione ritmica che procede come un rullo compressore, dimostrando un buon affiatamento. Come punto finale è giusto segnalare l’ottima produzione che conferisce all’album un sound fresco e radio oriented.

Non ci troviamo certo di fronte ad un miracolo discografico, ma il sound hard & heavy che sono riusciti a creare i Now Or Never non è per nulla stantio e convince fin dal primo ascolto. Vale sicuramente la pena ascoltare II più di un paio di volte, anche per i meno fanatici del genere. In fondo la buona musica dovrebbe piacere a tutti.

Ivory – A Moment, A Place And A Reason

Ivory risulta un nome molto scelto da artisti attivi in campo musicale, molti sono i progetti che corrispondono a questo moniker ma oggi ci soffermeremo a parlare della formazione italiana giunta alla seconda fatica sulla lunga distanza, album che presenta un sound molto straniero ma davvero di buona fattura. Il bellissimo artwork di A Moment, A Place And A Reason ci aveva suggerito scenari progressive e invece questo quartetto si attesta su un hard rock con sfumature differenti: più Deep Purple oriented nell’opener e in momenti dispersi qua e là lungo l’ascolto, più hard & heavy in stile Whitesnake, in particolare nella Blues For Fools dove sembra riprendere l’amore di Coverdale per il blues. Ma il loro stile, pur risultando molto classico, non si infrange solo contro i colossi dell’heavy ottantiano bensì cela sfumature che aprono il loro tipico pubblico anche a palati diversi: in particolare il riffing secco e tirato produce sicuramente godimento per gli appassionati di power e in vari momenti (come in Who Am I?) si cela un velo di glam emozionante. In ogni modo niente sperimentazione, gli Ivory si tengono ben lontani da questo termine, non a caso la ricercatezza compositiva viene fuori più per sole trame chitarristiche (si ascolti A Drink At The Village) che non per composizioni che intendono descrivere i paesaggi in copertina.

Quindi un genere ben rodato eppure non c’è d’aspettarsi il solito monolite retrospettivo sempre uguale a se stesso: infatti mentre Feeling Alive ricorda i Savatage del periodo d’oro colmi di melodie potenti, con Inner Breath i pattern diventano più duri accostandosi a quanto fatto da formazioni NWOBHM come Judas Priest e Saxon. Abbastanza fedele alla versione reale la cover di Come Together, un po’ troppo diluita Through Gloria’s Eyes ad essere pignoli, mentre la restante parte dell’album va assaporata con gioia ad alto volume. Un plauso comunque va al nuovo singer Roberto Bruccoleri che non solo interpreta molto bene i brani ma risulta particolarmente dotato ricordandoci a tratti una serie infinita di artisti, dall’interpretazione di Mike Patton all’ugola di Sebastian Bach (almeno questa è l’impressione). Un buon lavoro per gli appassionati di questo genere che difficilmente tramonterà.

St. Prostitute – Glorified

Parlare della musica dei St. Prostitute è semplice e allo stesso piacevole. Così come il nome è davvero d’impatto (difficile dimenticarlo e l’artwork in questo ci viene in aiuto), il quintetto danese si cala nel pieno del rock graffiante e ruffiano che se da un lato abbraccia la scena hard’n’heavy ottantiana (Whitesnake e tutto ciò che seguì), dall’altro cela un’attitudine rock’n’roll (Turbonegro) priva di fraintendimenti condita da spallate glam/sleaze (dai Mötley Crüe agli Hardcore Superstar) che rendono ancora più ricca l’offerta. Un mix musicale di sicuro molto noto ma che nei St. Prostitute trova linfa vitale e stimoli particolari nel divenirne accaniti fan: infatti se l’opener Farewell & Goodbye ci aveva già suggerito metà del disco, fatta di riff tirati e ritmiche veloci e trascinanti, Red Car e City Lights ci fanno capire quanto il rock e l’hard’n’heavy possono in realtà puntare su bpm non così elevati ma risultare lo stesso di impatto. Certo, sarebbe superfluo immaginare questi danesi lontani dal rifferama di All Mine o dalla chitarra tagliente e da headbanging continuo di Dead By Rock’n’Roll, un brano quest’ultimo cupo ma pieno di sudore e dirty rock.

D’altra parte, come detto, c’è anche un altro lato della medaglia fatto di momenti più pacati: niente a che vedere con le ballad perché i Nostri non cedono alla tentazione del romanticismo, ma pezzi come Running With Scissors o Suicide Girl sono meno esplosivi di momenti come l’opener ma non meno belli. Energia e pathos all’interno della stessa ricetta quindi, valorizzata da una produzione di ottimo livello che lancia la band nell’olimpo del rock’n’roll moderno. Va detto che i St. Prostitute sono comunque già noti sulla scena internazionale, complice i riscontri del debut album Here Come The Prostitutes e del tour di supporto ai Pretty Maids di qualche anno fa (lo stesso tour da cui fu estratto It Comes Alive – Live In Switzerland recensito da noi a questa pagina). E noi non possiamo che parlare bene del loro meritato successo sperando che vengano a trovarci in Italia.

Dirty Fingers – 250 Dollars

I Dirty Fingers (da non confondere con l’anonima hardcore band belga) sono tutti italiani e giungono al loro esordio discografico con tutte le fatiche delle band emergenti. Pur ricalcando in qualche scatto fotografico l’ironia dei Nofx, i Dirty Fingers si posizionano già dal primo brano nella calda scena dell’hard rock sanguigno o meglio del southern rock che si lascia ammaliare dalle sei corde heavy. Non a caso 250 Dollars è un lavoro che secondo noi potrebbe piacere molto, per note e per grafica, ai Pantera che furono, lasciando da parte però le influenze estreme che portò Mr. Anselmo ma focalizzandosi più sulle influenze texane dei fratelli Abbott (con tanto di passione sconfinata per Eddie Van Halen da parte di Dimebag Darrell, che anche qui trova una sua natura). Così il sound Dirty Fingers risulta graffiante e ruffiano, qualcuno potrebbe azzardare qualche accostamento con la scena glam losangelina, soprattutto grazie ad alcuni riff, ma secondo noi i Dirty Fingers hanno più una matrice hard rock che brilla stelle e strisce, un sound molto americano e molto incentrato sulla sei corde; infatti prima delle composizioni c’è una certa ricerca del sound che raggiunge la vetta proprio con il moniker della band ispirato al modello di pick-up “dirty fingers”.

Bella Heroes’ Days che ricalca un certo groove, elemento tipico dei riff targati Dirty Fingers, decisa invece I Am che punta più sull’heavy metal abbandonando appunto l’aria southern delle prime tracce. I brani sono comunque differenti per trame anche se al loro interno avremo preferito una maggiore varietà; va detto che lo stile è ben definito e nell’hard rock/hard’n’heavy i brani sono brevi ed essenziali, l’attitudine delle band è costruita più sul “tiro” che non su composizioni stratificate. Un buon esordio che merita però un’evoluzione stilistica per valorizzare le capacità di questa band rispetto a quanto l’hard’n’heavy ha già sfornato negli ultimi decenni.