Deep Purple – Shades Of Deep Purple

La storia dei primi album dei Deep Purple offre uno sguardo affascinante nell’oscuro regno di rock sinfonico delle origini del gruppo. Questi dischi confermano quanto sia stato difficile e quanto abbiano dovuto sudare per raggiungere lo status di leggenda del rock. Le vicissitudini della band ed i numerosi cambi di line up hanno reso il nome Deep Purple sinonimo di un certo tipo di musica rock, un marchio di fabbrica che caratterizza un suono più che dei membri di un gruppo. Nel 1967, Ritchie Blackmore , Jhon Lord, Ian Paice, Nick Simper e Rod Evans formano la prima di molte versioni dei Deep Purple. Shades Of Deep Purple è il loro album di debutto, ed è stato registrato in soli due giorni. Questi ragazzi smaniano dalla voglia di varcare la soglia dello show business e fondamentalmente portato il loro live set in studio con loro. Anche se le circostanze affrettate di registrazione portano la band a registrare su disco numerose cover, invece di accontentarsi di una riproduzione superficiale di brani altrui, i Deep Purple aggiungono qualcosa di speciale per ognuno di essi. Il brano Hush, scritto da Joe South nel 1967, è considerato un punto fermo dell’r&b. La rivisitazione in chiave hard rock dei Deep Purple fu completamente ignorata in Gran Bretagna, mentre salì al numero quattro delle classifiche statunitensi. Il boom del brit rock in pieno svolgimento in quegli anni coinvolge, neanche a dirlo, la band di Hertford che include nella loro prima registrazione in studio il brano Prelude: Happiness / I’m So Glad. La canzone in realtà offre a Blackmore spazio per soddisfare le suoi notevoli capacità con la sei corde.

Forse più significativo, è anche il primo esempio documentato dei tentativi insistenti di Jhon Lord di fondere la musica classica con il rock, infatti la prima parte del brano Prelude: Happiness fa parte di Sheherazade del compositore Nikolaj Rimskij Korsakov. Le altre cover remake sono altrettanto curiose. Nel 1967 Jimi Hendrix aveva segnato con la sua versione di Hey Joe, il suo album di debutto Are You Experienced. Da allora un giovane Blackmore ha dipinto idealmente un enorme bersaglio nella sua mente sognando di raggiungere quel livello, cosa che gli riuscì presto e piuttosto bene dato l’enorme talento a disposizione. Da ragazzi ambiziosi quali erano i Purple non potevano che aspirare ed ispirarsi ai Beatles. Rifare i brani di Lennon e McCartney nel 1968 (e anche in epoca moderna) porta molto spesso a risultati tragicomici. Questo non è il caso dei Deep Purple con Help però. Rallentata al punto giusto da trasformare la canzone in un lamento blues. Dei quattro brani originali scritti in Shades Of Deep Purple Mandrake Root risulta il più convincente e duraturo. La band ha incluso questa traccia nei loro live per anni. Un classico in cui è possibile riconoscere uno dei primi esempi del poderoso dialogo tra il riffing di chitarra di Blackmore e le tastiere di Lord, che caratterizzerà il suono stesso della band. Secondo le note di copertina, il suono della la bomba che si spegne a metà traccia proviene direttamente dalla libreria degli effetti sonori della BBC.

Un album più di importanza storica che di reale valore compositivo, Shades Of Deep Purple però ascoltato con il senno di poi, lascia intravedere tutti gli elementi che porteranno ai capolavori futuri della band che fin dal principio oltre a mostrare grinta e passione ci regala un primo assaggio di talento musicale.

Vengeance – Piece Of Cake

I Vengeance, band olandese che esordì nel 1984, tornano sulle scene sfornando Piece Of Cake, album di solido hard rock. Il disco ammicca molto ad un sound stile Gotthard ed è molto ben suonato. Timo Somers alle chitarre non è mai banale negli arrangiamenti e nei solos e crea sempre atmosfere ricercate. Assieme a Barend Courbois forma un ottimo scheletro ritmico e sonoro nella band. Leon Goewie è in formissima anche se pecca in almeno tre pezzi su vocalità un po’ troppo pretenziose per il suo registro. In Back To Square One, pezzo di hard blues, in Sandman e in Piece Of Cake le linee vocali proposte dal cantante non sembrano proprio azzeccatissime. Le danze vengono aperte da World Arena ottimo pezzo hard rock che risulta perfetto per essere una opener nei prossimi live della band. I brani più energici dell’album, insieme a quello sopra citato, sono sicuramente Headquake, Train, Raintime che strizza l’occhio a sonorità più aggressive tendenti all’heavy metal. Tears From The Moon è una ballad atmosferica che a nostro parere é stata inserita nell’album troppo presto spezzando sensibilmente il ritmo che World Arena aveva dato al disco. Questo non va ad inficiare la qualità della canzone.

Goodbye Mother Sky, nonostante ricordi sensibilmente nel suo riff portante Kashmir dei Led Zeppelin, è da brividi ed è un ottimo pezzo che sicuramente potrebbe essere utilizzato come singolo per promuovere Piece Of Cake. Sorvoliamo sull’artwork del CD che, assieme alla copertina, ci sembrano davvero una scelta molto discutibile. I Vengeance hanno realizzato un’opera energica e suonata perfettamente che raggiunge la sufficienza piena. Si poteva però sicuramente puntare un pò più in alto.

Barbarossastraße – Barbarossastraße

Dalla Toscana arriva una nuova ventata di sporco e sadico hard rock che proprio non vuole abbandonare la nostra penisola. In questo caso sono i senesi Barbarossastraße a rendere omaggio a questo immortale genere. Nati inizialmente come cover band nel 2003 e con una buona esperienza di live alle spalle, hanno inciso solo quest’anno il loro primo lavoro omonimo. Quello che si rivela alle nostre orecchie è un classico e collaudato hard rock influenzato da varie band, Mötley Crüe in primis, con chitarre graffianti e una voce che calza a pennello per questo sound. Ci troviamo di fronte un gruppo musicalmente preparato e adatto per questo genere, ma, siamo alle solite: non offre niente di nuovo. Anche se una band tecnicamente è valida e magari live sa tenere bene il palco, scomparirà in poco tempo dalla memoria delle persone se non c’è quel pizzico di innovazione. Questi ragazzi hanno ben lavorato per confezionare i pezzi, alcuni passaggi sono ben pensati, ma, il tutto sa di vecchio. Non ce ne vogliano i rocker veterani. Poco rimane impresso, con riff già sentiti e linee vocali sorrette solo dall’apprezzabile voce. È simpatica la scelta di riadattare come cover Touch Me di Samantha Fox, che si sposa bene con l’attitudine della band.

Il nostro consiglio è quello di non mollare mai, di insistere su questo genere se si pensa che sia la giusta strada e se si mette passione nel farla, ma di sperimentare un po’ di più, di osare, di aggiungere qualche particolarità…le capacità non mancano.

Hex – Hex

Ancora una proposta proveniente dai paesi baltici: nel caso in esame, gli svedesi Hex dimostrano di aver congegnato un sapiente mix  tra i cliché di genere, ovvero un disturbato hard rock ed un visionario gothic. Proponendo sonorità alquanto appesantite, specialmente nell’approccio vocale, il quintetto di cui ci occupiamo avverte chi ascolta che il loro sound è anche abbastanza originale nella proposta. La traccia iniziale ad esempio si distingue per un corposo intro di drumming, cui fa seguito una voce molto lacerante che ben si accompagna alla distorsione delle chitarre. Convincente il divenire di Little Devil Ride, con un buon gioco di rullanti e su cui le asce tratteggiano una discreta base ritmico-solista: il brano scorre veloce senza pecche e le grida che di tanto in tanto il singer dispensa sono funzionali all’emissione delle note. Ave Satani ci consegna la band in una efferata interpretazione: con la presenza di un innestato growl, la traccia assume qualcosa di mefistofelico, senza che la sua economia ne risenta. L’appesantimento di ogni singola nota rende anzi il brano un vero inferno sonoro, che si innalza ancora di più con la ripetitività ossessiva del ritornello, rendendo il pezzo tra i migliori. Voodoo Girl è traccia quasi ultraterrena: l’esoterica interpretazione vocale ne rallenta ad arte il sound molto aggressivo in alcuni passaggi, che viene tuttavia dominato da una linea sonora molto intensa. Si continua ugualmente nel delizioso arpeggio iniziale di Hellbound, dominato inoltre da passaggi sapienti delle percussioni e dal taglio infernale del singer, in alcuni frangenti novello Lemmy al microfono (e non è lesa maestà).

Dopo il demoniaco lamento di Intermission, è la potenza di 7even, che si fa forte di intense ed insinuanti tastiere, a far da apripista ancora alla voce scartavetrata del vocalist, che non teme di avventurarsi nei meandri insani dello screaming puro, mantenendo tuttavia le tonalità quasi gotiche della fase centrale del brano. Dead Inside approccia l’ascoltatore nella misura giusta: sound terrifico sin dalle prime battute e voce ancora sopra le righe, quasi a voler accentuare la natura già di per sé malefica del sound  proposto, un sound acuito anzi da un giro tastieristico che davvero viene ben piazzato. Grub Girl proviene dritta dai meandri dell’Ade: ancora brevi intro di tasti ad accompagnarci in una discesa agli inferi,davvero vissuta in prima persona (si fa per dire) grazie al singer che funge da novello Caronte in cerca di oboli per il combo già dannato di suo. Chitarre rozzissime e sezione ritmica che quasi salta addosso alla coppia di asce, comunque infuocate il giusto per una prestazione davvero rilevante. Si continuano le danze con Sin Eater e sotto ancora con una allegra brigata che dispensa note malevole accompagnandosi a controversi giri di tastiere. La voce è ancora valida, alla fine del tragitto turistico in compagnia di questa compagnia di accoliti metallari o giù di lì.

Con Lady Death ci tuffiamo nel lato più cupo ed oscuro della band, ne risentono anche i suoni, che divengono infatti molto drammatizzati nell’esecuzione. Solo che in questo caso la violenza distruttiva non viene meno, consistendo anzi in una ennesima prestazione potente e tenebrosa il giusto. La fine si avvicina e con Spider Baby la band si incammina verso la conclusione con una traccia coinvolgente grazie al drumming ossessivo e disturbante nella sua precisione. Un bridge molto ben congegnato, un valzer di tastiere è servito al punto giusto ed il brano resta ben stampato in mente per la sua demoniaca interpretazione. Il male assoluto,  proprio nel finale, è servito con Haunted Hill: l’apparente calma iniziale, quasi scanzonata, viene presto spazzata dalle chitarre maltrattate senza ritegno per ottenere l’atmosfera ipnotizzante e malvagia che la band intende servire. Giungiamo alla fine tirando un sospiro di sollievo che l’inferno sonoro sia terminato senza incidenti, nel senso di essere rimasti piacevolmente colpiti dalla proposta dei nordici, coerenti nella loro apparente schizofrenia di offrire una panoramica di generi non in conflitto tra essi.

Stone Orange – The Dreamcatcher

Anche da molto lontano, a volte, possono giungere alle nostre orecchie proposte musicali molto valide, pur senza possedere chissà quale background o carriera prolifica alle spalle. Nel caso in esame, da un pianeta apparentemente distante anni luce rispetto ai circuiti che contano giunge un quartetto sloveno che si rifà in pieno ai gloriosi anni ‘80, quelli per intenderci in cui l’hard classico ha probabilmente vissuto il meglio di sé. Autori di un solido hard che affonda le radici, come detto, negli 80’s i quattro di Lubiana sfornano una serie di tracce davvero niente male, a cominciare da Broken Man, dove la voce del singer si mostra subito ispirata e la doppia chitarra consente al brano di indirizzarsi verso un solido refrain ed un altrettanto valido ritornello. I Am eleva subito il prodotto, con una linea melodica che resta ben impressa per la sua complessità, dove viene rimarcato il lavoro corposo della sezione ritmica e specialmente del drumming che giostra bene attraverso un’articolata alternanza di rullanti e timpani. Il solo è notevole per la sua distorsione, mentre i cori rendono più intense le liriche. In Pride And Pain la band decide di calare il primo asso nella manica: linea sonora potente ed intensa, singer oltremodo ispirato ed asce che drammatizzano il giusto con la loro linea semiacustica che ben presto si tramuta in una solenne svisata. Dritti allo scopo con il brano di punta che non sfigura come ideale singolo, grazie anche alla melodia ben presente attraverso i passaggi molto infuocati della traccia.

Rockin’& Rollin’ si snoda attraverso un complesso giro di chitarra su cui si innesta la voce al vetriolo del singer, qui alla prima prova vocale non in lingua madre. L’ascia principale disegna bene l’intensità della traccia, che qui di punto in bianco decide di ricordarci un quintetto svedese al suo apice proprio a metà anni ‘80. Possiamo gustare anche una inattesa ballad da parte della band con It Keeps On Raining: ed il risultato non è assolutamente disprezzabile, riuscendo il quartetto a miscelare bene la vena energica in loro innata con la vena più intimista che qui traspare a piene mani. Lo stesso solo di metà traccia rende ampiamente giustizia alle doti tecniche dei giovanotti, che riescono a creare ad arte l’atmosfera che un brano del genere deve trasmettere. Lovetron è caratterizzata fortemente dalla presenza massiccia e costante della doppia ascia, che qui si diverte a proporci le sue scale in tute le salse, dall’aggressività iniziale alla azzeccata ritmica di metà brano ed anche la distorsione saggiamente impostata che ci accompagna al termine della canzone. Con Scare Me abbiamo addirittura un velato tentativo di proposta prog nei primissimi passaggi: salvo poi scatenarsi la furia creativa della band, che dà la stura ad un ben congegnato rincorrersi delle asce, di cui una, è bene ricordarlo, è di pertinenza dello stesso singer, bravo nella doppia veste interpretativa.

Nobody Cares è l’ideale singolo della band: qui protagonista assoluto il singer, che con le sue acrobazie riesce a raggiungere diverse tonalità all’interno del brano, molto melodico ed al tempo stesso colmo di groove ben distribuito. Mantenendosi su toni leggermente più rilassati, il gruppo scandisce bene i tempi di reciproco intervento degli strumenti, per approdare ad un intenso solo molto aggressivo. Ancora momenti magici con Whites Of Their Eyes, dove la band è ormai in piena ispirazione, tanto da trasmetterci subito le note intense del brano, che si ricorda molto bene per le linee chitarristiche, unite ad una inattesa colonna portante dei synth, molto azzeccata. Le chitarre ormai viaggiano con il vento in poppa e disegnano ancora archi maestosi nella loro melodia, lesta a tramutarsi in decisa elettrificazione. Frozen Sky è un bell’esercizio chitarristico che ci trasporta in galassie lontane, pur con la brevità della traccia, mentre in sottofondo una voce allarmata ci mette in guardia dai guasti del progresso. A chiudere, The Age Of Stars, in cui i novelli cloni degli Europe son belli e serviti. Il singer decide che può cimentarsi con atmosfere tanto care al buon Joey Tempest dei bei tempi, mentre la band si mette al suo servizio, sfornando una traccia finale ancora notevole, che va verso la conclusione in un’allegra jam della band, capace di donare il tocco finale di una melanconica slide. A buon rendere, cari virgulti sloveni, se anche i futuri lavori saranno validi come questo.

Areph – Turn

Gli States atterrano a Napoli, in un volo diretto che oltrepassa in un batter di ciglio non solo l’oceano ma almeno 30 anni di musica. Gli Areph, appunto nati in provincia di Napoli, suonano tutto tranne che italiani. Solito amore per le sonorità estere al fine di avere un mercato molto più ampio? Assolutamente no, perchè qui non si tratta di una rincorsa verso un sound acquisito da altri, bensì di stile, uno stile che ci fa tornare alla mente i primi passi dell’hard rock (quanto suona Deep Purple l’opener Choice Is Mine?!…non solo nel titolo!) e della psichedelia. Ma si percepisce nella mente dei nostri un certo amore per la ricercatezza e per gli arrangiamenti: le tastiere e anche un pò di effetti si sentono, le chitarre hanno un ruolo ben preciso senza perdere d’occhio la musicalità propria dei brani. In tutto questo anche un brano semplice ed orecchiabile come New Direction può nascondere dei momenti assolutamente di grand classe che additano gli anni ’70 come la vera epoca da cui attingere. Diverso l’esercizio con It’s You che punta alla ballatona anni ’80 troppo inflazionata e anche di un livello inferiore rispetto alle reali potenzialità del quartetto.

Il brano Soul Wings chiude questi 15 minuti di nuove idee a nome Areph, ripartendo dalle influenze che avevano mosso Choice Is Mine, ovvero ritmo, sei corde e tastiera retrodatata. Così ci piacciono e così vogliamo sentirli in futuro!

Swell99 – Life

L’Italia è una nazione che non sforna solo tanti artisti devoti alla musica pop, c’è anche tanto rock e oggi tratteremo degli Swell99, act marchigiano giunto con il presente Life a pubblicare il secondo album della loro carriera. Rispetto a tante band che da anni donano passione alla musica, questi ragazzi hanno avuto la fortuna di ritrovare nel loro cammino alcune persone che hanno avuto modo di aiutarli, facendo passare la loro proposta attraverso vari canali pubblicitari: ci troviamo di fronte ad un nome non del tutto sconosciuto. Fatte queste premesse immergiamoci nell’ascolto del presente disco. La proposta musicale è un hard rock a stelle a strisce semplice e forse a volte un po’ troppo rivolto al mercato mainstream avendo i Foo Fighters come punto di riferimento con qualche influenza derivante dal grunge dei Pearl Jam. Le idee di questi ragazzi non presentano nulla di originale e il songwriting utilizzato è dei più semplici e, in alcuni casi riesce a far divertire, Screaming To The World, Boost o Real Friend rappresentano dei buoni esempi. In altre situazioni invece la prevedibilità rende sgradevole lo scorrere della musica di questi ragazzi. Purtroppo c’è da aggiungere che a volte la produzione non risulta aiutare la causa della band come accade per l’opener Urlo in cui le parti vocali risultano a volume troppo basso che vengono coperte dalla sezione strumentale a tal punto di non riuscire a comprendere alcuna parola dal testo del brano, seppur esso sia in italiano.

Nonostante la qualità dei brani sia un po’ altalenante, si giunge alla conclusione del nostro ascolto non soddisfatti a pieno e la situazione non cambia dopo aver dedicato più opportunità a questo lavoro.

Beggars On Highway – Hard, Loud And Alcoholic!

Diretto come un insulto, arriva dalla provincia di Parma l’EP Hard, Loud and Alcoholic! dei Beggars On Highway. Niente orpelli per questo sleaze che va diretto dove deve andare, e sembra proprio dirigersi verso feste chiassose e traboccanti di birra come il titolo suggerisce. Come prima sfida, i cinque parmigiani hanno scelto un’autoproduzione che punta alla qualità: infatti l’EP è stato masterizzato niente meno che dal famoso Mika Jussila nei Finnvox Studios di Helsinki (già produttore di Hanoi Rocks e Finntroll, solo per citarne alcuni) e si sente! Quello che abbiamo tra le mani è puro divertimento per gli appassionati dei buoni vecchi anni’80. Sì, perché i Nostri sanno mescolare l’hard rock di gruppi come AC/DC con il punk alla Sex Pistols (aggiungendo, a tratti, anche sonorità dei primi Mötley Crue), riuscendo a far salire la voglia di pogo fin dalle prime battute del disco. L’apripista Live Wild è un classico brano con il refrain in coro che vi si stampiglierà nelle orecchie in modo indelebile; un buon inizio promettente. Si continua con Soap Maker Woman ed il suo bell’assolo centrale che risolleva le sorti di un brano fino ad ora leggermente ridondante (cinque minuti sono forse troppi). Si passa poi alla titletrack, breve ed incisiva, dal suono decisamente punk rock (una piacevole sorpresa in un EP hard rock!) che presenta in maniera adeguata il combo emiliano ritagliandosi il posto d’onore in questo lavoro.

La successiva Leave Me Alone è altrettanto diretta, anche se meno brillante, e ritroviamo con piacere un bel solo dell’axeman Mattia Malvisi. Si chiude con Next Door Girl, che lascia un po’ l’amaro in bocca avendo molta meno energia rispetto agli altri brani ed apparendo più confusa strutturalmente se paragonata alle sorelle. Un bel gruppo giovane e adatto a numerosi contesti live (dove il genere rende al massimo!), con un EP masterizzato ottimamente e curato nell’artwork (realizzata da Dimitri Corradini, illustratore e bassista dei più noti Distruzione). Si può ulteriormente migliorare, soprattutto nella parte ritmica che tende a stancare, ma a tutt’oggi questi ragazzi meritano un plauso. Bravi!