Scorpions – Savage Amusement

In preda a smanie intercontinentali, la band tedesca prosegue nel suo strizzare l’occhio al mercato d’oltreoceano, anche a costo di sacrificare leggermente la sua vena artistica. Se con Love At First Sting il gruppo confermava la sua valenza tecnica ormai presente in ogni lavoro, con Savage Amusement esso spazia ancora una volta dal puro hard di base a retaggi psichedelici ancora presenti in esso, per poi giungere clamorosamente (in alcune tracce) a sonorità quasi dance. Chiudendo con questo album la storica collaborazione con la consolle di Peter Dierks, il gruppo riesce fortunatamente a non lasciarsi del tutto alle spalle la sua vena originaria che si manifesta con la traccia d’apertura, ben congegnata sui canoni classici che non prevedono contaminazioni di sovra incisioni o overdub in fase postproduttiva. Le asce sono ben tarate ed il cantato di Meine sgorga ancora una volta melodico ed incisivo al tempo stesso, con la sezione ritmica che alterna tempi sfalsati ad accelerazioni improvvise. La immancabile e puntuale ballad, oltre che doveroso singolo, giunge con Rhythm Of Love, brani in cui le atmosfere tornano ad essere incantate sia pur rese aggressive il giusto nella fase centrale del brano: il lavoro degli axeman si mantiene su livelli di eccellenza, grazie anche all’ottima prestazione vocale, che in alcuni passaggi torna a raggiungere i picchi del suo range tecnico. Un delicato riff di metà pezzo lascia con il fiato sospeso per la sua capacità di coinvolgere nei pur elementari accordi, invero ben piazzati.

Passion Rules The Game vede protagonista la voce quasi “sintetizzata” del singer: probabilmente aiutato da accorgimenti in studio, Meine sforna un’ugola davvero mefistofelica che nel suo immaginario ci conduce attraverso il refrain ed il ritornello davvero interessanti. I mid-tempo che la sezione ritmica adotta, donano al brano la magia che in alcuni passaggi risalta a pieni amplificatori: senza giri di parole, il brano va dritto al cuore ma anche alla mente. Con Media Overkill la band torna alle origini: sound tipicamente aggressivo e sfuriata chitarristica come Dio comanda, mentre ancora Meine produce ghirigori vocali da fuoriclasse, che vengono fuori con la naturalezza che solo i grandi posseggono. Basato su di un facile giro della sei corde, il brano riesce ad evolversi con decisione nella fase centrale, su cui si innestano anche dei poderosi assoli brevi ma incisivi il necessario. Ancora una strizzata all’oceano per Walking On The Edge che è calibrata per le stazioni FM all’epoca imperanti: con le sue melodie quasi AOR, la band riesce nell’intento di coniugare potenza e passione, energia e melodia condensati nei canonici quattro minuti. Non si può disconoscere la grandezza di una band che riesce a tirare fuori il massimo anche da episodi (relativamente) secondari come il brano in esame, solo da loro reso superiore.

Con We Let It Rock…, il punto più basso dell’album giunge puntuale: in questa occasione la band appare del tutto slegata, desiderosa solo di portare a termine il compitino, senza slanci particolari od entusiasmi interpretativi. Sempre ben prodotto tuttavia il brano risente dell’apatia che in questo frangente pare attanagliare il combo che fortunatamente ritrova in fretta la rotta con Every Minute Every Day. Il brano stavolta risale prontamente dal punto di vista tecnico e compositivo, senza tacere dell’interpretazione davvero valida e coinvolgente. Senza fronzoli, il quintetto nel rimettersi all’opera consegna alle chart dell’epoca l’ennesima potenziale hit, con tutti i canoni per raggiungere il successo. Sono gli ottimi cori a dare maggiore spessore al sound ed a potenziare l’estensione vocale del singer, qui ben coadiuvato dalla band a suo agio nell’esecuzione. Ancora una parentesi (in questo senso dovremo esprimerci anche in futuro) dura e pura con Love On The Run, in cui il combo torna a percorrere le assolate vie del sano hard anni 80’. Tutta la strumentazione è accelerata e rende alla perfezione lo stile della band. Cantato aggressivo, asce infuocate e sezione ritmica sparata al massimo sono il marchio di fabbrica: inconfondibile la timbrica del singer ed i duetti della premiata ditta Schenker/Jabs che chiude in bellezza con Believe In Love: ennesimo singolo tratto dall’album che guarda maggiormente alle chart che all’animo selvaggio del gruppo. Senza nulla togliere alla validità tecnica del brano, esso non raggiunge le vette che un inizio molto gradevole lascerebbe sperare, data la buona lena che il quintetto immette nella fase iniziale.

Un passaggio (quasi) a vuoto che tuttavia è lo specchio di quanto i gusti possano differire da un lato all’altro del globo, sia pur nel rispetto massimo per una delle band più influenti del genere.

Scorpions – Tokyo Tapes

Anche per gli eroi giunge il momento di immortalare le loro performances dal vivo, profittando della loro già consolidata fama nella terra del Sol Levante, i cinque nibelunghi rilasciano il succo di alcune serate al Sun Plaza Hall della capitale nipponica. Definire hit-parade il disco è quanto meno riduttivo. Vero è che le tracce siano equamente estratte da tutti i lavori sino ad allora realizzati, compresa un’inedita All Night Long,  pur tuttavia la perfezione sonora con cui essi vengono riprodotti consegna l’album alla leggenda ed a tutte le ideali charts dei migliori live acts di sempre. Ultimo lavoro con Roth all’ascia, esso si caratterizza per la straordinaria partecipazione dell’uditorio all’esibizione del quintetto. A piene mani trasuda, sin dalla prima traccia, l’energia e la potenza che i cinque concedono alla platea, ricorrendo probabilmente alle allora imperanti sovraincisioni, il gruppo dona ancor più impatto ai brani, che sono spugnanti di energia e coinvolgimento sin dai primi solchi. Come detto, tutta la discografia viene ricompresa nell’estrazione dei brani, che in questa sede appaiono ancora più maestosi e degni del massimo onore, ivi compresa una monumentale We’ll Burn The Sky, per l’occasione composta in memoria della leggenda Hendrix dall’ex compagna Monika Dannemann, allo stato casualmente legata ad Uli Roth.

Tutti i brani recano con sé una nota caratteristica, anche quelli apparentemente più soft quali ad esempio Hound Dog e Long Tall Sally, tratti direttamente dal repertorio presleysiano e tuttavia riadattati in chiave rock and roll con la giusta maestria. Svicolando tra le tracce del disco, dobbiamo ricomprendervi tra i must l’assolo possente di Rarebell in Top Of The Bill, dove il drummer dà fondo a tutto il repertorio del buon batterista. Le due asce sono del tutto in simbiosi ed ogni brano risente dell’interazione che i due axeman riescono a dare allo strumento, mai sopra le righe e sempre preciso nella battuta. Dal suo canto, l’ugola al vetriolo di Meine si eleva di una spanna a causa della timbrica profonda ed allo stesso tempo melodica che il singer riesce a donare ad ogni singolo brano, che in questa sede viene opportunamente mixato in fase di post produzione in studio dall’impagabile Dieter Dierks, potendo notarlo, ad esempio, anche in Koyo No Tsuki, in cui un inno tradizionale giapponese viene interpretato dal singer in totale comunione di intenti con un audience adorante. Ideale spartiacque della loro carriera, questo live si pone senza meno tra i primissimi di ogni tempo, e per la qualità dei brani, e per la loro esecuzione ed anche per la perfezione che il sound raggiunge in fase di proposta.

Grida, tuttavia, vendetta la ripubblicazione dell’album nel 2001 in versione singola per contenere tutta la scaletta, omettendovi purtroppo Polar Nights, fortunatamente recuperato come b-side di Taken By Force nell’edizione rimasterizzata. Le esigenze commerciali purtroppo predominanti a volte deturpano ciò che in assenza delle moderne tecnologie riveste ancora un profilo romantico, quale il vecchio e caro LP. I Nostri, tuttavia, non se ne danno per intesi: consegnando alla storia un capolavoro assoluto quale quello oggi in esame, sono pronti alla seconda fase della loro carriera, mettendo a frutto tutte le conoscenze, i mutamenti e le innovazioni che di lì a poco ad essi si presenteranno.

Scorpions – Virgin Killer

È un’esplosione anche oltreoceano ad investire il combo teutonico con la pubblicazione del nuovo album: anche per motivi extramusicali, il disco scatena polemiche infinite. Ad iniziare dalla cover originale dell’album giudicata oscena per la presenza di un’adolescente in tenuta adamitica, deve essere sostituita di corsa con una più convenzionale e rassicurante. Dal punto di vista artistico, l’album sfonda finalmente anche nel vecchio continente, oltre che nell’ormai amico Sol Levante, rivelandosi come un “best of”, pur come full-lenght. Grazie al taglio ormai quasi heavy che specie il lavoro di Roth dona al disco, questo scala tutte le chart internazionali grazie al suono ben più aggressivo rispetto ai precedenti lavoro, oltre che alla produzione impeccabile ad opera di Dieter Dierks. Anche i brani sono più diretti ed immediati, consentendo alla band di esplicitare in questa sessione tematiche molto serie ed aggressive quali la stessa title-track conferma. Pictured Life si rivela brano tosto, ostico nella comprensione a causa del lavoro superbo che Meine svolge nel cantato e nei mid-tempos che le due asce svolgono quale ideale supporto tecnico. La sezione ritmica si conferma di metronoma precisione e con le sue battute ad orologeria trae linfa vitale dagli assoli notevoli dei due axeman. In breve tempo, il brano diviene uno dei “must” in sede live, dove la sua linea sonora viene stravolta nella sua interpretazione, che raggiunge quasi picchi reggae (?!) dove fa bella mostra la voce slide del singer, a suo agio sui toni più bassi.

Con Catch Your Train le sonorità ritornano ad essere più aggressive, con Meine che dispensa tutto il campionario vocale con la massima naturalezza. anche il resto del gruppo adotta una timbrica più ruvida con gli strumenti accordati al massimo senza soluzione di continuità. Le distorsioni delle sei corde sono evidenti, mentre basso e drumming divengono quasi ossessivi nella ricerca della giusta direzione tecnica da adottare; uno dei brani più duri del disco, che qui appare orientarsi verso una direzione esclusivamente metallica, ma non fine a sé stessa. In Your Park vede la band al completo servizio del singer: raro esempio di connubio musicale, in cui ognuno dei componenti riesce a ritagliarsi il suo momento di celebrità, sempre nel contesto del brano che qui si dipana attraverso un complicato intreccio di assoli e svolazzi tecnici. Su Backstage Queen il gruppo sfoggia una lezione di umiltà, pur nel pieno dei suoi mezzi tecnici, non disdegna tuttavia di rendere il brano accessibile a tutti, senza eccedere negli assoli. La voce sgorga pulita e tecnicamente impeccabile, grazie alla maestria di Meine nel proporci scale alternate spazianti dai toni acuti a quelli sotto dosati con sapienza. Anche questo brano di qui a poco si consegna all’empireo delle hit da proporre dal vivo.

Giungiamo alla title-track: la perfezione che il combo raggiunge nell’esecuzione del brano è di rara intensità, grazie al taglio qui dato da Roth. Riff “maligni” donano al brano una connotazione molto dura, che consente al pezzo di dipanarsi in maniera molto lineare e senza sbavature: ancora una volta, la leadership delle asce e del singer viene confermata dalle acrobazie virtuose che qui possiamo ben udire. Del resto, tutti i brani del lato B (all’epoca vigente per gli LP) sono di pertinenza Roth, il quale si differenzia dai pezzi scritti con gli altri componenti del gruppo. Ben più aggressiva la linea sonora e la timbrica che conseguentemente viene affidata al singer, il quale non si tira indietro per offrire ancora una prestazione impeccabile. Hell Cat è un momento interlocutorio del disco, 3 minuti di esercizio di stile da parte della band, che non toglie e non mette all’economia totale dell’album, qui in una parentesi abbreviata di tecnica. Con Crying Days ci si rimette in moto: la padronanza che la band ha dei singoli brani si manifesta con virulenza in questa occasione grazie alla poderosa sezione ritmica che Buchholz/Lenners offrono a supporto del lavoro asfissiante della doppia ascia. Davvero la band ci mette del suo per offrire un brano che guarda al di là del momento contingente: senza fronzoli, il quintetto accetta di dosare bene all’interno del brano la cadenza delle battute. Anche Meine si rivela all’altezza del compito con le sue uscite vocali di sicuro impatto, stante la sua caratteristica inpostazione quasi nasale della sua voce.

Polar Nights ci dona davvero sensazioni glaciali: lungo tutto l’arco del brano possiamo intravedere le sfumature molto tecniche che in questo frangente la band intende dare al pezzo. Sembra durare ben oltre il consentito il lavoro delle chitarre, che sapientemente usano i distorsori a mò di contraltare alla voce stentorea del singer. Un singer che, dal canto suo, prende su sé il peso del brano per tramortirci con le sue acrobazie a volte quasi “slow” nella loro esecuzione. Sipario con Yellow Raven, che conduce la band idealmente al capolinea dell’avventura con un brano che conserva in sé il sapiente mix delle varie esperienze musicali della band. La melodia ispirata del singer con la ruvidezza di Schenker, nonché la tecnica di Roth e la solidità della sezione ritmica rendono il brano ideale canto del cigno per quest’album, che ad oltre 30 anni dalla sua pubblicazione, merita ancora e sempre un ascolto più attento del solito, tanto da augurare lunga vita alla band (che ringrazia e mette in pratica l’auspicio).

Scorpions – Fly To The Rainbow

Squadra che vince non si tocca: solitamente è così, ma non sempre la logica si sposa con la pratica. Nel caso dei nostri eroi, il quintetto teutonico rinunzia a cuor leggero, sia pure per motivi diversi da quelli strettamente tecnici, allo Schenker junior e all’intera sezione ritmica. Cooptando comunque un signor axeman come Uli Roth e l’accoppiata Rosenthal/Buchholz, la band rilascia a metà anni ‘70 un signor album che aggiunge subito un altro tassello di eccellenza. Messo alle spalle il periodo psichedelico, i brani del disco si incamminano spediti sui ruvidi sentieri hard in voga ad inizio seventies. Speedy’s Coming si fonda sulla perfetta linea vocale di Meine, che utilizzando saggiamente anche il falsetto consente al brano di snodarsi in forma quasi mid nella fase centrale, dove il lavoro della sezione ritmica diventa rovente con il rallentamento delle battute della grancassa. Unito al sapiente dosaggio delle asce, il pezzo diviene un cavallo di battaglia in sede live per tutta la decade successiva. Con They Need A Million il gruppo si consente una digressione quasi soft nell’approccio al brano: mettendo al servizio del singer la maestria tecnica del nuovo arrivato Roth, il maggiore degli Schenker si mette nella sua scia con una serie di arpeggi ravvicinati tra loro che consentono alla sezione ritmica di dosare con sapienza il suo lavoro. Una prestazione solida di Meine dona concretezza ed energia al pezzo, che su di una basilare linea melodica non ha tempi morti nemmeno nell’apparentemente morbida fase centrale. Drifting Sun non fa nemici: un brano davvero sostenuto che si articola con il classico archetipo “strofa-ritornello-assolo”, il tutto però articolato con una pregevole linea sonora. Le evoluzioni vocali dello stesso Roth sono al servizio anzitutto della coppia di asce che dal suo canto rilascia una sincronia di note ben congegnata, senza sovrapporsi in una ideale sfida di sei corde. La linfa vitale di Roth si fa sentire eccome, mentre la sezione ritmica si prende sulle spalle il tempo delle battute ritmiche delle percussioni e delle quattro corde, ben modulate nella fase centrale.

Ma è con la ballatona Fly People Fly che le sinora abbozzate doti vocali di Meine divengono stratosferiche, grazie ad un superbo lavoro della sei corde che consente al singer di mostrare appieno la sua clamorosa estensione vocale. Del tutto non fine a se stesso, il brano si innesta nell’economia dell’album quale spartiacque di quanto le prime tracce del disco lasciassero trapelare, ovvero la presenza di ulteriori e seminali tracce di rock spaziale tanto influente nel primo lavoro del gruppo. Primi embrioni di ballad strappalacrime in cui negli anni il combo si specializzerà sono invece visibili ampiamente nel brano in questione, che dà la stura al repertorio futuro, in cui si mostreranno epigoni e maestri da imitare. Il livello di eccellenza ormai raggiunto lo rinveniamo ancora in This Is My Song, dove ancora una volta apprezziamo la linfa vitale della sezione ritmica, qui sparata davvero al massimo, che consente il dipanarsi di una linea sonora d’impatto e resa al vetriolo dalla voce ruvida e graffiante di Meine, che si inerpica da par suo in un complicato ghirigoro vocale. La coppia di chitarre ancora una volta sfodera una prestazione monstre anche sulla base di un improvvisato mid-tempo che caratterizza tutto il brano. Far Away è “affare di famiglia”: composta dal transfuga Schenker junior, risente della sua bizzarria compositiva per quanto riguarda lo snodarsi del brano. Il refrain lento ed a tratti melanconico viene presto seguito dal potenziamento del lavoro delle sei corde, che lungo la durata del brano ne costituiscono il cardine attorno al quale ruota ancora una superba prova vocale del vocalist. Ed è proprio la lunghezza del brano a costituirne il segreto vincente: non potendo infatti esprimere il consueto clichè tecnico in 180 secondi, il combo dosa alla perfezione i momenti di stacco tra percussioni e cantato, prendendosi tutto il tempo per la costruzione dell’impalcatura tecnica completa, altrimenti non realizzabile in pochi minuti.

Chiudendo il lavoro con la title-track, la band poggia le basi su cui vivere di rendita per un bel po’ di tempo anche in sede live: altro cavallo di battaglia on stage, il brano può senza meno definirsi tra i migliori dell’intera discografia della band. Un cadenzato mix di arpeggi, intimismo e lirica si sovrappone ad un altrettanto valido concentrato di sano rock’n’roll ed allegoria strumentale tipicissima dei primi anni della decade di cui ci si occupa. I 10 minuti di durata del brano non lo appesantiscono assolutamente consentendone, anzi, la completa valorizzazione tecnica grazie alla sapiente prova di ogni singolo componente. Con ancora la collaborazione del minore dei germani Schenker, la tecnica più pura viene fuori a piene note, rendendo il brano il must di tutto il disco. Omerici i cambi di tempo e sontuose le alchimie vocali che si susseguono senza requie. Colpevolmente dimenticato negli anni, è questa l’occasione per rendere onore e giustizia a questo autentico gioiello, cui per fortuna ancora tanti debbono seguire.

Scorpions – Lonesome Crow

Benvenuti nel vero mondo hard (rock), dal centro della vecchia Europa, nel cuore del vecchio mondo, eccoci faccia a faccia con i componenti di una ideale triade hard/metal mitteleuropea, che all’epoca già comprendeva numi tutelari quali Deep Purple, Led Zeppelin e Black Sabbath. Provenienti dalla gloriosa Hannover, gli Scorpions rappresentano la risposta del continente alla su menzionata trimurti che obbligatoriamente divenne con essi un quadrumvirato. Con una solida base alle spalle e studi tecnici di prim’ordine, i fratelli Schenker (qui per l’unica volta insieme su di un intero album) arruolano il fenomenale Meine ai microfoni e due ottimi turnisti alla sezione ritmica per giungere al loro album di debutto, già seminale. E pur tuttavia, questo primo lavoro avrebbe fatto di tutto per non far catalogare la band tra le progenitrici dell’odierno hard rock o proto-metal. La genesi di Lonesome Crow, difatti, si orienta maggiormente verso l’allora imperante rock spaziale-psichedelico, pur mostrando già i prodromi di quella che sarebbe divenuta di lì a poco la loro maturazione tecnica ed artistica. Lo possiamo notare sin da I’m Going Mad, dove la pur già sopraffina tecnica viene inquinata da una serie di “coretti” che annacquano il contesto del brano, in cui la voce di Meine risalta comunque per la sua pulizia e la timbrica inconfondibile. It All Depends tenta di indirizzarsi verso una forma grezza di hard rock, grazie alla “premiata ditta” Schenker che in perfetta sintonia sonora sciorina una serie di arpeggi rimarchevoli e sui quali Dziony ed Heimberg colgono bene i tempi di inserimento. Tutto senza che il brano ne risenta nella sua economia totale, che anzi risulta briosa e ben cadenzata soprattutto nell’azzeccato passaggio centrale di sicuro impatto.

Salendo di tono con Leave Me, il quintetto cerca di stringere i tempi ed avviarsi subito lungo la strada che hanno ben in mente: un singer titanico, una sezione ritmica di precisione certosina ed una coppia di asce da far invidia ai migliori axeman dell’epoca, rendono il brano un autentico gioiellino. Tenendo conto della giovane età del combo e che Schenker junior non fosse ancora maggiorenne all’epoca, possiamo ben gridare al portento, per la completezza che egli riesce a raggiungere nei suoi solos già infuocati e traboccanti di tecnica allo stato brado, lungi dall’essere incanalata in standard prefigurati che non fossero quelli canonici quali “strofa-ritornello-solo” al momento dominanti. In Search Of The Piece Of Mind è il must dell’album: una girandola di cambi di tempo, di cantato e di giri di chitarra ci catapultano per davvero in un brano quasi onirico e visionario. Lo slide che il duo di asce imprime alla fase centrale è davvero in anticipo sui tempi, mentre Meine riesce a dosare con acume il tono vocale sino all’esplosione della strofa, che sgorga come una bomba ad orologeria al momento giusto. I germani chitarristi fanno a gara nell’esibirsi in una serie di interventi davvero azzeccati, che rendono il brano molto appetibile anche in sede live, dove tuttavia fu proposto per la prima volta solo 6 anni dopo durante la loro tournée nel Sol Levante (di cui resta memorabile traccia nel leggendario Tokyo Tapes del 1978), in una versione storica con Uli Roth.

Con Inheritance si continua sulla falsariga delle atmosfere psichedeliche e spaziali, sulle quali anche l’approccio compositivo della band risulta essere decisamente soft. Stante il taglio maggiormente tendente all’aspetto contenutistico, il sound viene messo in secondo piano dal punto di vista compositivo. Il buon lavoro della ditta Schenker viene messo al servizio dell’ovattata voce di Meine che non disdegna alcuni gorgheggi che sarebbero di qui a breve spariti dal suo repertorio. Action non incide come vorrebbe: in questo frangente la band appare quasi come slegata dal contesto del disco, a causa anche dello scarso arrangiamento in sede di legatura delle parti vocali. Siamo nel 1972 e tuttavia la band, almeno su questo brano, appare per un attimo ancora legata alla passata decade, dove anche le atmosfere potenzialmente roventi venivano “sedate” dai toni psichedelico-spaziali dei gruppi all’epoca in voga. La title-track chiude degnamente il loro primo lavoro: 13 minuti nei quali la band si sbizzarrisce in una lunga cavalcata inframmezzata da vari stili, che spaziano con facilità dal rock classico alle prime sfumature hard/heavy future a venire. La buona prestazione vocale di Meine si eleva di una spanna sul resto della band, che comunque svolge alla perfezione il suo compito.

Prodromico di brani successivi più concettuali, Lonesome Crow traccia le linee guida della band, che ha appena mosso i primi passi nell’empireo degli dei. Ci sono appena altri 40 anni di carriera che ci aspettano.