Y&T – Facemelter

E così giunge il canto del cigno anche per i nostri californiani. 13 anni dopo il precedente lenght, dopo due raccolte di demo, b-sides e rarità (Unhearted vol, 1 e 2), apparizioni a festival vari e progetti paralleli, il quartetto si mostra rinnovato per la metà, avendo perso per strada Burns e Haze nel corso degli anni. E dire che una delle caratteristiche del combo a guida Meniketti è stata sempre quella di cambiare il meno possibile i componenti della band ma, evidentemente, le strade intraprese dagli altri compari erano ineluttabili e probabilmente più convenienti (almeno per Burns che si unisce a Vasco Rossi). Tutte le tracce sono ancora ricolme del feeling che il buon Meniketti ha saputo instillare nella band, unito alla buona dose di tecnica e passione, ad iniziare dal preludio molto drammatizzato con la chitarra, che invita ad assistere allo spettacolo attivamente interpretato con la successiva On With The Show che con l’intreccio delle asce riesce a spingerci fino ad ascolti estremi, forse mai raggiunti sin qui dalla band, trascinata dal superbo cantato del leader. How Long, con il suo ritmo apparentemente rallentato, riesce comunque a coinvolgere sia con il cantato sia con la strumentazione, cui i due nuovi arrivati contribuiscono egregiamente: pare essere ritornati alle sonorità dei primi album, pur adattate al nuovo millennio, dove imperano suoni potenti uniti ad una comunque buona tecnica.

Una buona acustica dà la stura alla potenza di Shine On: il basso del compianto Kennemore ci riporta a tecniche di altrettanto validi colleghi della 4 corde, mentre Meniketti si erge ancora a capitano indomito della ciurma che qui si produce anche nei tanto bistratati cori, ma che in questa occasione corroborano eccome la traccia, già intensa del suo. La apparente semplicità di I Want Your Money viene presto smentita dalla invece lapalissiana energia del brano, snodantesi attraverso energiche prestazioni individuali e finale condivisione dell’obiettivo, quello di raggiungere presto e bene il refrain, qui scandito ad altissimo volume, da non abbassare specialmente al momento del riffone centrale. Ancora la slide a dettare i tempi di Wild Child che nel mettersi in moto non ci mette molto, pur partendo da una base abbastanza soft dal punto di vista esecutivo: il buon lavoro della sezione ritmica non passa in secondo piano durante i gorgheggi del singer, qui a ruggire come ai bei tempi di qualche decade precedente. I’m Coming Home offre il destro per apprezzare ancora la furia compositiva del combo, qui impegnato in una traccia durissima e purissima, in vero stile ottantiano: non manca una buona dose di autoindulgenza sulle note alte, sulle quali Meniketti si fa saggiamente aiutare dai background vocali molto intensi e costruttivi, che conducono dritti tra le fauci di un successivo intreccio di slide ed elettrica di sottofondo.

Melodica ed accattivante If You Want Me consente alla band di interpretare come si deve la ballad d’autore qui presente: catapultata come detto nel nuovo millennio la traccia sa tanto di “moderno”, nel senso di una sana reinterpretazione di brani che altrimenti risulterebbero fuori luogo in ambito strettamente hard’n’roll. Senza fronzoli e dritta al sodo, Hot Shot è un buon brano che nella sua durata abbastanza dilatata consente alla band di esibirsi in una prova di forza che in alcuni frangenti ricorda i migliori Foreigner di epoca Head Games, ovvero ispirati ed aggressivi come non mai; mentre il tutto continua con la potenza di Blind Patriot e la voce ancora graffiante del buon Meniketti, che qui conduce il brano da solo in una incandescente turbina di rullanti e crash sonori di rara potenza, tutta ben controllata ed addomesticata nell’ottica di un sound non più da consolidati rocker, ma addirittura da rockstar conclamate. Clima quasi da far west con Don’t Bring Me Down: le iniziali semiacustiche, infatti, fanno da apripista ad un brano potente, aggressivo e quasi da sfida all’ultimo sangue; l’ossessivo coro ripetuto fino allo spasimo rende il brano davvero gradevole, tanto da meravigliarci anche per i continui cambi di passo che la band riesce ad imprimere con assoluta facilità e tecnica superiore.

Gonna Go Blind colpisce ancora allo stomaco: la distorsione che gli overdubs danno alla chitarra, nella fase iniziale, assume ritmo da tregenda con i solismi dell’axeman, non restio ad assecondare le evoluzioni vocali di se stesso, in un raro caso di “non egoismo”, essendo il tutto in funzione di una sana e caracollante andatura similmetallica. Il gran lavoro di Kennemore al basso valorizza tutto l’intro di One Life, brano che non si discosta di un millimetro dall’incipit dato all’album: tecnica e potenza, sparpagliate in dosi massicce come raramente fatto in tutta la discografia della band, ancora una volta potente in ogni sfaccettatura della traccia. A chiudere, la malinconia di Losing My Mind: prevenendo in qualche modo gli avvenimenti futuri, i nostri gettano il cuore oltre l’ostacolo e ci regalano una ennesima prestazione di sostanza su di un brano non facile per la sua struttura, dai continui cambi di ritmo che il quartetto riesce tuttavia a padroneggiare con signorilità, lasciando in chi ascolta una vena di tristezza per quello che (al momento) non potrà più essere.

Y&T – Musically Incorrect

E così, dopo un quinquennio e come se nulla fosse, ecco i Nostri riapparire sugli schermi: in seguito a varie e personali collaborazioni dopo lo split del 1990, il quartetto si riforma a metà del ventesimo secolo portando in dote il suo personale bagaglio onestamente accumulato con i vari Alice Cooper (Burns), White Lion (De Grasso) e Peter Frampton (Meniketti). Il risultato è un accentuarsi della sua aggressività sonora, con una dozzina di brani davvero durissimi e senza fronzoli: partendo da Long Way Down, le chitarre sono fresse di metallo e la durata inusuale del brano consente di apprezzare i “muscoli” musicali nel frattempo maturati, unitamente ad una sontuosa prova del mai troppo compianto Kennemore, qui impegnato in una linea quasi fusion di rara abilità, mentre il sempiterno leader scalda tutte le forze lungo un finale infuocato ed in crescendo. Fly Away e la sua iniziale semi acustica snodano il brano su tempi molto dimezzati che la band si compiace offrire come una lenta prolusione al bersaglio grosso di un sound via via sempre più aggressivo, con le asce a tutto spiano e Meniketti potente ed inatteso con una estensione vocale raramente mostrata sinora: ancora asce a tutto spiano, sezione ritmica di lusso, che all’unisono diradano verso una calma finale, dimenticando lo squasso sonoro prodotto prima.

Ancora il drumming sostenuto di De Grasso ad aprire le danze di Quicksand dietro il quale non si trincera nemmeno il buon Meniketti e la sua voce al vetriolo, agile stavolta anche su tonalità leggermente rallentate come quelle della traccia; il ritmo molto intenso del brano non trova tempi morti, con Burns sempre in prima linea con la sua linea melodica che ben sostiene il tecnicamente impeccabile riff di metà brano. Sempre una distorsione, stavolta ad introdurre l’energia di Cold Day In Hell: voce abbassata di un tono per preparare il successivo inferno sonoro, laddove trionfano crash e rullanti a piene mani; non perde tuttavia un’oncia di potenza, la traccia, nemmeno nella fase in cui il singer si mantiene su livelli di puro animale da palcoscenico con la sua voce stentorea che il tempo pare invece aver rafforzato. I’ve Got My Own pare uscito dritto dalla fucina di qualche band durissima della scuderia del glorioso Mike Varney: hard’n’heavy pesantissimi in questo brano, speed nel cantato, aggressivo nelle chitarre e “metallarissimo” nella sezione ritmica, per il piacere dei puristi della prima ora, serviti anche da un riffone centrale potentissimo. Ecco servita una buonissima ballad dai toni comunque intensi: Nowhere Land ed il suo ritmo lento che tuttavia non si fa mancare la buona dose di svisate e di canto sempre intenso, stavolta del buon Kennemore. Il coro rafforza l’unità di valore della traccia, che non risente di una fase centrale che si incarta troppo su se stessa.

Pretty Prison rifà il verso agli Ac/Dc della prima ora: nel refrain, infatti, pare proprio ascoltare i canguri di Highway To Hell; i validi spunti che la band fornisce al brano, tuttavia, non sono privi di pregio ed originalità, rallentando ad esempio la fase centrale con un rincorrersi di sei e quattro corde (ancora validissimo Kennemore). Saggiamente distorta, la chitarra di Don’t Know What To Do intriga chi ascolta con una buona combinazione di hard’n’roll, magari elementare ed al contempo spaccatimpani: la predilezione per la voce del singer non ci fa indulgere alla facile celebrazione della traccia, che invece risulta davvero gradevole ed intrigante. 21st Century continua sulla falsariga di quanto sinora ascoltato, stavolta con una cavalcata molto progressiva nel suo incedere, grazie sempre e comunque all’italoamericano dietro al microfono: da solo si tira addosso il peso del brano, per nulla facile con i suoi continui cambi di ritmo, non semplici da seguire e quindi proprio per questo molto apprezzabili. Ancora un momento di puro hard rock con I’m Lost, che in 3 minuti dà la stura alla potenza di cui i Nostri sono ancora ampiamente forniti: Meniketti e Burns a dividersi la scena a sei corde, in un coacervo di ritmica di sottofondo e solismi alla velocità del suono, tanto da farci definire il gruppo come una “qualunque” thrash band del momento.

Ispiratissimo l’intro di Confusion: De Grasso a condurre le danze con articolati pattern di batteria, sui quali si esalta ancora Meniketti e la sua voce resa molto originale dalla produzione, che lascia molto spazio agli overdubs ed ai riverberi che comunque lasciano piacevolmente colpiti, giusto in tempo per l’altro lentone del disco: No Regrets e la chitarra acustica che accompagna il cantato trasognante del singer; il sottofondo di Burns si trova a suo agio nel tratteggiare la linea aggressiva del brano che si rivela alla fine con il comunque presentissimo solo della sei corde, a ricordarci ancora con chi si abbia a che fare.

Y&T – Ten

Anche i nostri eroi debbono offrirci il loro bel campionario di cambiamenti: dopo due lustri di relativa tranquillità della line-up, pagando dazio soltanto con il cambio del batterista, giunge il momento di rimescolare le carte in tavola circa la stabilità del combo. Con l’odierno lenght si saluta Alves, capitano di lungo corso della sei corde, reduce da buone esperienze con Berlin e Michael Bolton, a sostituirlo viene chiamato il buon Stef Burns. Ed occorre dire che nel cambio la band non ci rimette: pur riconoscendo al suo predecessore tutti i meriti acquisiti nel corso degli anni passati, il gruppo acquisisce linfa vitale con la nuova ascia, che risuona fresca ed attuale, dando alle tracce immediatezza e ritmo sostenuto a volontà. Con l’iniziale Hard Times ed il suo ritmo sincopato, il quintetto mostra già i muscoli di un sound intenso, con Meniketti che anche alla voce appare rinvigorito e sostenuto dall’ottima sezione ritmica, qui corroborata dal grande Steve “Machine Gun” Smith che con il suo tocco magico impreziosisce il brano, fatto di hard classico. Lucy ed il suo inizio roboante ci riportano agli esordi aggressivi della band, con la voce del singer a dettare i tempi e le pesanti rullate del graditissimo ospite alle pelli, mentre i beneamati cori incombono piacevolmente a supportare e corroborare il già intenso brano, potenziato nella fase centrale da un sontuoso riffone.

I tempi rallentati di Don’t Be Afraid Of The Dark non ingannino, solo nella fase iniziale ascoltiamo la band accorciare il sound, che si avvicina “pericolosamente” ad una ballad; soltanto per pochi momenti tuttavia assistiamo ad un apparente incartarsi della band su se stessa, il seguito della traccia si evolve progressivamente attraverso un corposo arpeggio delle asce, alla cui valida riuscita pensa eccome il neoentrato Burns, non a caso in seguito cooptato dal lungimirante e nostrano Vasco Rossi. Mid-tempo svergognato in Girl Crazy: Meniketti sempre sugli scudi, sapientemente assistito dai fidi compari anche su di un brano apparentemente leggero come questo: anche le sei corde sono “normali” rispetto alla norma, mentre Smith ci fa apprezzare evoluzioni dietro la batteria solo ai grandi concesse da entità superiori. L’acustica di City ben si accompagna ai “ruggiti” in sottofondo che il fido Burns dispensa: la vena quasi country che il leader infonde alla traccia nella fase iniziale viene ben presto superata dal solito e corposo abbrivio sonoro che la band ormai fornisce a memoria; mentre le note delle chitarre vengono “trattenute” da una sapiente vena distorsiva, il cantato procede verso una sicura meta aggressiva, a stento trattenuta dal valente arpeggio centrale che dà il via ad una coinvolgente fase finale a base di cori e chitarre a go-go.

Come In From The Rain si basa su di una interpretazione drammatizzata che il singer dona al brano: i tempi ancora quasi da simil-ballad non confliggono con l’esecuzione di spessore su cui si erge forte il ritornello, molto adatto ad una band di maggiori tendenze progressive; grande voce, quella di Meniketti, ad invitarci a venir fuori dalle piogge e ad entusiasmarci per la tempistica azzeccata anche nel super solo centrale. Red, Hot & Ready ci coinvolge ampiamente nella direzione intrapresa dalla band: un sano hard’n’roll adeguato ai tempi in cui il lenght esce. Agli inizi degli anni 90 non gradivano molto il tentativo delle band di un tempo di tornare ai vecchi albori con il cliché ormai superato dalle paillettes e dai lustrini del momento ma i Nostri se ne impippano altamente e, proseguendo attraverso la strada del sano ed amato genere, superano indenni anche questa prova. Lento e compassato il ritmo di She’s Gone scivola leggero come una classica hit della decade passata, grazie anche ai cori davvero suggestivi in questa sede: molto rullante usato in questo caso dal redivivo De Grasso, tornato a dare una mano di quando in quando per ricordare ai più il suo valido contributo, valido quanto quello dei solidi ed affiatati Meniketti/Burns nel solo centrale.

Il sound orientaleggiante di Let It Out consente al singer di tornare ai fasti consueti, ruggendo con la sua voce roca e ben modulata: il brano è sì di facile ascolto, ma non senza lasciare a chi ascolta un qualcosa di intrigante grazie ai cori; il mid-tempo imposto dal drumming di Smith lascia che la traccia si dipani con un qualcosa di magico ed aggressivo al tempo stesso, senza che l’economia del pezzo ne risenta, rafforzato anzi da un ennesimo e potente assolo di metà traccia. Tra i migliori brani di sempre Ten Lovers ci delizia sin dall’inizio con una apprezzabilissima vena acustica che consente a Meniketti di evolversi progressivamente nell’intensità dell’esecuzione; cambiando nettamente registro, il brano diviene via via più intenso ed aggressivo, pur sempre con la chitarra classica in sottofondo non perde un’oncia di potenza ed aggressione sonora, rafforzata ancor più dalle tastiere dell’ospite Jeff Paris. Goin’ Off The Deep End è certamente il brano più potente dell’album: aggressivo nel cantato, sostenuto nella struttura dal drumming forsennato ancora di De Grasso, non presta il fianco a cedimenti, divenendo caso mai ancora più potente ed intenso nella fase centrale che di conseguenza si esalta in un mega riff caro a tante band tutto muscoli e voltaggio a dismisura, in questo caso ben “abusato” anche dai Nostri.

Chiudiamo con l’ardito intreccio iniziale di Surrender, in cui le due chitarre si sfidano a colpi di solismi e ritmiche ben congegnate: a dirigere i fendenti con le bacchette è ancora Smith che con i suoi gloriosi trascorsi non addolcisce la traccia continuando, anzi a districarsi abilmente fra crash e grancassa. Da menzionare anche la sontuosa prova del mai troppo rimpianto Kennemore, che con il suo basso ricorda come debba essere suonato uno strumento con sole quattro corde. Ancora a giganteggiare i due chitarristi, che fanno a gara nel dimostrare la loro bravura nell’ambito di un album che, come vedremo, possiamo ben definire di rottura con tutto il passato. Intanto il quartetto si congeda alla grande con una performance che pare non voglia aver mai termine, forse per il presagio di ciò che sta per avvenire.

Y&T – Contagious

Doveva giungere anche per i Nostri una (salutare?) ventata di cambiamento: dopo il primo live ufficiale (Open Fire), si manifestano, magari in maniera soft, le solite divergenze musicali che portano all’abbandono di Haze. Alle pelli siede ora Jimmy De Grasso, che porta il suo stile diverso dal predecessore, molto più manierato e tendente ad una vena quasi funky in alcuni passaggi; il nuovo drummer va invece dritto al sodo usando molto i rullanti e le percussioni, donando al sound della band quel quid di ancora più aggressivo che già faceva capolino negli album precedenti. Il risultato è l’ascolto di un lenght che ricalca le caratteristiche principali del gruppo, con l’aggiunta di sonorità più intense nella gran parte dei brani, che iniziano proprio con la titletrack e due chitarrone potentissime su cui a gran voce il buon Meniketti domina la scena, grazie anche all’ottimo lavoro del nuovo arrivato che subito mette le carte in tavola con le sue bacchette infuocate a tenere ottimamente il ritmo di una brano che ha nel refrain il suo punto forte. L.A. Rocks è un’autocelebrazione della band, che magnifica i suoi natali con un brano sapientemente mixato tra un glam smaccato ed un hard’n’roll che non sfigura: alla faccia di chi all’epoca li vede bolliti, i nostri piazzano un’altra gemma di sanissimo hard a stelle e strisce, con il consueto riffone centrale.

Bello l’intro di Temptation, con la slide a fare da contraltare all’atmosfera tutta ballad che il singer inietta al brano, ma ad ispessire il tutto c’è sempre il duo di asce ben affilate che si diverte a creare spesso nuovi intrecci a sei corde. Un “vanhaleniano” arpeggio della chitarra introduce The Kid Goes Crazy: ed in puro van Halen-style, lo stesso Meniketti veste i panni del biondo (all’epoca) singer della nota band olandese, cavandosela più che degnamente in veste di intrattenitore dalle fattezze californiane, qui riportate passo passo con un assolo breve ma “classicissimo”. Probabilmente il miglior brano dell’album, Fight For Your Life è tecnicamente impeccabile con la sua semiacustica ad introdurre un tappetto sonoro di rara intensità che consente al leader di drammatizzare ancor più la traccia con svisate improvvise e ritmi tenuti volutamente aggressivi con il cantato raramente su questi livelli di energia. Armed And Dangerous ha dei tempi apparentemente rallentati, ma che ben presto si manifestano nella direzione opposta, pur nell’ottica di un brano stavolta molto rilassato, nel quale a farla da padrone sono i cori che da tempo non assurgevano a tanta importanza in una traccia.

Altrettanto interessante l’approccio di Rhythm Or Not che è ad appannaggio esclusivo della voce di Meniketti, sempre impeccabile nella doppia veste di ascia e vocalist: la traccia è molto schematica nel suo incedere, ma il gruppo riesce a dare esattamente il tempo ad ogni passaggio del brano, grazie anche alle bordate del nuovo batterista. Bodily Harm è una veloce cavalcata di puro hard che consente all’italoamericano di darsi ancora da fare (bene) sia al microfono sia alla sei corde, coadiuvato in questo da un refrain molto interessante ed ossessivo, con il fido Alves a tenere alti i ritmi dell’andatura che si libra alta con l’assolo centrale forte e chiaro. Pare non voler prendere subito quota Eyes Of A Stranger, soffermandosi la band su di un arpeggio delle chitarre che pare preludere ad una ennesima ballad: tuttavia, ben presto la traccia si incammina verso la sua direzione consueta, che è quella di far risaltare ancora la voce del leader, ben integerrima a disegnare immaginari archi di trionfo sotto i quali far passare tutto il sontuoso lavoro del gruppo, che si avvia alla conclusione delle fatiche con una superba esecuzione strumentale: i quasi 3 minuti di I’ll Cry For You ce lo fanno apprezzare ancora meglio nelle ardite soluzioni qui adottate con ritmica e semiacustica a fare da contraltare alle evoluzioni della traccia che chiude alla grande l’ennesimo lavoro di una band dalle 7 vite.

Thundermother – Thundermother

Le Thundermother spaccano. Cercare una forma più elegante per dirlo sarebbe come vestirsi in giacca e cravatta per un concerto thrash-core. Sì perché il loro sound è hard rock classico con un approccio dirty rock’n’roll stradaiolo. Sentiamo ancora nelle orecchie gli echi del loro EP d’esordio di cui avevamo parlato a questa pagina, sono trascorsi sei anni e si vede da tanti particolari: innanzitutto dalla line-up che è quasi completamente cambiata, sempre donne all’accatto ma di allora è rimasta sono Filippa Nässil, che è anche la principale autrice dei nuovi brani. I riff restano il cuore della loro ricetta, precisi ma sporchi, alla Ac/Dc, martellanti e corposi capaci di tenere alta l’attenzione sia in cuffia che in sede live; intelligentemente i brani non superano mai i 4 minuti (eccezion fatta per Follow You Heart) e questo facilita la digestione di questo rock graffiante visto che non vi sono deviazioni rispetto al tema portante di ogni singola traccia. Detto questo non bisogna pensare che i brani siano canonici e banali: provate ad ascoltare l’assolo di Survival Song.

Sembra quasi che il nostro consiglio di velocizzare un po’ i tempi sia stato ascoltato: Whatever conquista, già dai primi secondi è impossibile tenere fermo piede e collo, sembra quasi di sentire i WASP giovani e veloci; Rip Your Heart Out e Quitter sono altri momenti da calci nel fondoschiena. Ma la forma giusta viene messa in luce anche nei momenti più pacati: Fire In The Rain è un pezzo che se Mtv fosse rimasto sulla TV generalista non si sarebbe fatto sfuggire e anche Follow Your Heart seppur in misura minore. Dicevamo hard stradaiolo che viene a galla in diversi momenti come in Racing On Mainstreet o We Fight For Rock’N’Roll, brani che non nascondono le origini svedesi della band (riferimenti: Hardcore Superstar, Backyard Babies, Europe…) ma è assolutamente vincente anche l’altra faccia delle Thundermother, quella dell’hard rock possente di Hanging At My Door, di Original Sin e di Won’t Back Down che chiude un lavoro di gran spessore.

Un album che è praticamente un best of da cui non si può scartare nulla. Ascolto super consigliato!

The Guestz – Hopeless Case Of Perseverance

Che i The Guestz siano cresciuti a pane e Ac/Dc pare fin troppo ovvio. Scegliere la strada dell’hard rock classico, alle soglie del 2020, può sembrare invece una scelta semplicistica ma che non deve trarre in inganno. Un genere tutt’altro che morto e tutt’altro che facile. In molti, infatti, ci hanno provato negli ultimi anni, ma la band capitolina, almeno nel panorama italiano, sembra riuscirci meglio di altri. Devoti alla band di Angus & Co., i The Guestz hanno scelto una strada già percorsa da numerosi gruppi internazionali, Airbourne e The Cult per dirne un paio. Una highway che, seppur conosciuta, non ha ancora finito di regalare emozioni. Nulla di nuovo o di esagerato ma un disco che è un piacevole viaggio su sonorità classiche e, una volta tanto, facili da classificare. C’è tanto Ac/Dc, ma anche un pizzico di glam californiano, alla Guns N’ Roses, L.A. Guns, Faster Pussycat, con delle belle chitarrone ritmiche, cori e assoli tirati. Alla band australiana è dedicato Acid Easy, il cui testo è interamente composto da titoli di canzoni della band dei fratelli Young.

Un album ben realizzato, registrato e mixato da Danilo Silvestri, già produttori dei concittadini Giuda, che tiene viva la scena del classic rock italiana. Piacevoli da ascoltare live al posto di una delle tante anonime cover band. La copertina con un cane con in bocca una chitarra riassume il concetto espresso nel titolo, Hopeless Case Of Perseverance; i The Guestz, come tutti i rock kids, non molleranno tanto facilmente. E questo, in generale, è sempre e comunque un bene.

Enrico Sarzi – Drive Through

Difficile, ma al tempo stesso piacevole, recensire ed occuparsi di un album il cui mastermind abbia alle spalle un già solidissimo background artistico. Nel caso di specie, lungi da facili lusinghe o essere acquiescenti per partito preso, notiamo con piacere che l’autore del disco mette a frutto, in questa fatica, tutta l’esperienza accumulata nei diversi e pregiati progetti cui ha partecipato. Affinate le doti vocali principalmente con i Midnight Sun, il Nostro ha pensato bene di continuare nella sua progressione verso vette di eccellenza fornendo la sua collaborazione ad altri interessanti step quali ad esempio gli Shining Line o il progetto Moonstone; riunendo, come si diceva, la summa di tutto ciò, ecco che, anche coadiuvato nella fiducia dalla lungimirante Burning Minds, si giunge alla realizzazione di questo album solista. Racchiudendo infatti tutto l’humus raccolto in anni di dura e ripagante gavetta/carriera, Enrico Sarzi può permettersi di rilasciare un album che riesce a spaziare da un capo all’altro del pur vasto genere a noi caro: mietendo influenze diverse, le 11 tracce qui racchiuse ce lo donano davvero a 360 gradi e meritevole di essere analizzato nella sua interezza.

Partendo da Shameless, il Nostro dimostra, eccome, il fatto suo con una interpretazione davvero coinvolgente ed aggressiva che tuttavia non perde di vista il fondo melodico di cui comunque tutto il lenght è sottilmente venato grazie anche alla delicata linea tastieristica: l’apparente “ normalità” del brano viene spazzata via dall’esecuzione piacevolmente elettrica ed immediata, che lascia trasparire volutamente l’animo assolutamente diretto e passionevole del nostro eroe. Segue Afraid To Be Myself ed il solido lavoro delle percussioni che lascia intravvedere all’orecchio più esperto solide e suggestive atmosfere blueseggianti che portano la traccia verso sentieri apparentemente inesplorati e polverosi, quali quelli che Sarzi ha probabilmente nell’animo durante l’esecuzione di brani come questo. Con Nothing To Live For ci immergiamo in atmosfere che definire “intimiste” è riduttivo: la vena da compositore fa qui capolino grazie anche ad un sentire quasi “serale” che trasmette al brano quel quid di malinconia che tuttavia non sfigura nel contesto generale della traccia, che in alcuni passaggi paga un (gradito) pegno all’anima grunge tanto cara alla Seattle dei fulgidi anni 90. S.O.S. To God e le sue sfumature ancora una volta blues non fanno lesinare complimenti all’esecuzione del brano: molto rilassata l’interpretazione che non nuoce tuttavia all’economia della traccia che saggiamente si destreggia tra fasi apparentemente serene ed altre invece ben più intense, senza soluzione di continuità fra loro.

Bellissima l’articolata esecuzione di Strange Freedom, grazie anche all’inserimento mirato e saggio di una delicata linea pianistica dell’ospite Alberto Valli, oltre all’altrettanto interessantissimo e valido passaggio al sax dell’altro guest Stefano Avanzi, che rendono la traccia certamente la migliore del lotto. The Repentant può definirsi come la prova del fuoco per Sarzi: specialmente dietro al microfono, il medesimo si dimostra fornito anche sotto questo aspetto, concedendosi anche una buona dose di intrattenitore nell’interpretazione di un brano che risente anch’esso delle influenze di una certa città di nome Seattle, a fronte di un intro a tratti quasi “sabbathiana” nell’incedere cupo. L’intro di Inferno ci lascia presagire scenari infuocati ma è paradossalmente proprio l’aspettativa attorno al brano che invece fa capire che i toni debbano necessariamente calare in funzione dei brani successivi, altrimenti la verve aggressiva che sinora si è dipanata lungo l’album rischierebbe di perdersi per strada. Ecco allora che la successiva Let Me Go riprende la “retta via”: il sound resta aggressivo ed addirittura, con la sua fase finale in crescendo, acquista venature quasi “prog” che non sono tuttavia in contrasto con la vena decisa ed intensa che il Nostro continua ad immettere.

Giungiamo alla titletrack che ci restituisce Sarzi sotto vesti più “moderne”, intendendo con questo il piglio attualissimo che il singer dona al brano: grazie anche ad una buona produzione, la traccia può fregiarsi del titolo di brano molto elegante con l’ennesima e sottile linea pianistica che addolcisce il tutto. Sex Perfume si presenta come un felino della savana, morbido e sinuoso nell’incedere sonoro, il brano si “energizza” strada facendo tornando alle sonorità di inizio album, grazie al buon lavoro della sei corde che stavolta resta coerentemente elettrica sino alla fine. Un finale che giunge con la drammatica e drammatizzata ballad Cielo: cantata in lingua madre, la traccia non perde nulla in quanto ad intensità e coinvolgimento; con il piano in sottofondo davvero emozionante e grazie anche alla splendida e calda voce in controcanto di Luciana Buttazzo, il brano rende ancora una volta il singer in grande spolvero, consapevole delle sue capacità autoriali e cantautoriali (in questo caso) per accompagnare dolcemente la traccia alla fine un album davvero di spessore.

Y&T – In Rock We Trust

Ottimamente incamminata lungo la strada del successo, validamente supportata dalla casa discografica, fedele (per ora) al combo originario, la band californiana può ripagare solo continuando a sfornare album di successo sempre crescente: cosa sempre sorprendente il riuscire a mantenere standard di eccellenza compositiva in ambito hard’n’heavy. Ed è proprio quello che accade con la realizzazione di questo lenght, sin da subito definibile come tra i migliori di sempre della discografia del quartetto: un sound freschissimo ed attuale messo in scena da Meniketti e Co. sempre più ispirati ed in via di miglioramento progressivo ed inarrestabile, con 11 tracce che non scemano mai di intensità. Ad esempio l’intro semi acustico di Rock & Roll’s Gonna Save The World è tra le migliori cose riuscite al gruppo, con una sezione ritmica subito pronta ad indirizzare la traccia verso una “deriva” sonora di puro valore. Ispirato dagli incombenti cori, il leader maximo sforna da subito una solida prestazione vocale ed artistica, dandosi da fare a metà brano con un riffone che promette sfracelli per il futuro. Il tempo “mediato” di Life, Life, Life produce un’intro quasi blueseggiante, tanto per riscaldare il seguito che diviene subito infuocato, grazie anche ai timpani del buon Haze, che donano al brano quel quid di sbarazzino, apparentemente rallentato dal refrain, che invece mira al bersaglio grosso di un pesante assolo centrale.

Ispessimento delle sonorità con Masters And Slaves, volutamente condotto dal singer/axeman: eppure il tutto non guasta, anzi si dirige verso una direzione quasi hard’n’roll davvero intensa, con il fido Kennemore a penetrare a fondo nelle quattro corde del suo pregiato basso che sostiene, eccome, l’improvvisazione di metà brano, qui del tutto dedito alla parte aggressiva del gruppo. Gagliardo, l’intro di I’ll Keep On Believin’, con Meniketti che svolazza deciso sulla semiacustica ad accompagnarlo in una melodia tipica della band: grancassa a iosa sulle sonorità che si mixano tra delicatezza del cantato e decisione della struttura del brano, che giunge quindi all’immancabile assolo centrale a due asce ben congegnato. Scanzonato ed aggressivo, Break Out Tonight procede lesto verso il centro “del problema”: ispessitosi in fretta, il suono potente fa bella mostra di sé arrivando subito al ritornello, con i cori che paiono essere quelli di una chiesa gospel con i fiocchi: ancora sugli scudi il singer, qui al massimo dei suoi mezzi tecnici e vocali (beata gioventù…) . Imponente il basso di Kennemore su Lipstick And Leather, brano affatto scontato nell’esecuzione: la sezione ritmica diviene improvvisamente protagonista di una cavalcata “moderna” nell’interpretazione ed al tempo stessa attenta nel seguire i canoni “classici” del genere, qui seguito alla lettera nei canonici tre minuti tre, grazie anche alla solida prestazione delle chitarre e del fido lavoro di basso del compianto musicista.

Scanzonato e disimpegnato l’avvio di Don’t Stop Runnin’, con ancora il conduttore a menare le danze di un gradevole brano hard’n’roll, che si esalta sulla breve distanza del pezzo: 4 minuti da propinare ad un uditorio in primis a stelle e strisce cui piace il riffone immancabile che giunge dopo la preparazione vocale, ma anche il popolo del Vecchio Continente gradisce certamente la spensieratezza dei nostri in brani come questo. (Your Love Is) Drivin’ Me Crazy è forse il momento meno riuscito dell’album per la sua incompletezza: intendiamoci, la traccia è comunque validamente strutturata con un giro della sei corde davvero notevole; a mancare, probabilmente, stavolta è una solida interpretazione vocale, essendosi Meniketti nell’occasione leggermente rilassato, pur nell’ambito di una comunque sufficiente prestazione, specie alla sei corde che stavolta viene ben distorta. Durissimo Haze e la sua batteria ad introdurre She’s A Liar: desiderando ripercorrere le gesta dei suoi illustri omologhi dietro le pelli, il batterista ci fornisce all’ascolto il suo repertorio di timpani e crash che supportano validamente Meniketti, che è già andato “per i fatti suoi” intendendolo del tutto immerso in una stavolta ottima esecuzione chitarristica e fornendo con la sua voce l’assist ai cori saggiamente impostati su uno dei migliori momenti dell’album.

Troviamo anche il tempo per una ballatona: This Time e le sue atmosfere romantiche ben si addicono alla poliedrica voce del singer, che riesce a raggiungere in scioltezza buoni range vocali come si addice ad un momento smielato come questo; comunque la band non perde il giusto piglio di energia per piazzare bordate ben assestate che culminano nel pathos centrale dove la band concretizza tutta la preparazione sinora fatta. A chiudere, il mid-tempo di Go For The Throat, che ben presto si tramuta in una progressiva cavalcata autoreferenziale del singer, che consente tuttavia ai cori di ingigantire la già buona estensione vocale della traccia: le due chitarre non se le mandano a dire con la ritmica di Alves e la solista di Meniketti che si rovesciano addosso amplissime dosi di arpeggi, che congedano degnamente un album indiscutibile.