Y&T – Contagious

Doveva giungere anche per i Nostri una (salutare?) ventata di cambiamento: dopo il primo live ufficiale (Open Fire), si manifestano, magari in maniera soft, le solite divergenze musicali che portano all’abbandono di Haze. Alle pelli siede ora Jimmy De Grasso, che porta il suo stile diverso dal predecessore, molto più manierato e tendente ad una vena quasi funky in alcuni passaggi; il nuovo drummer va invece dritto al sodo usando molto i rullanti e le percussioni, donando al sound della band quel quid di ancora più aggressivo che già faceva capolino negli album precedenti. Il risultato è l’ascolto di un lenght che ricalca le caratteristiche principali del gruppo, con l’aggiunta di sonorità più intense nella gran parte dei brani, che iniziano proprio con la titletrack e due chitarrone potentissime su cui a gran voce il buon Meniketti domina la scena, grazie anche all’ottimo lavoro del nuovo arrivato che subito mette le carte in tavola con le sue bacchette infuocate a tenere ottimamente il ritmo di una brano che ha nel refrain il suo punto forte. L.A. Rocks è un’autocelebrazione della band, che magnifica i suoi natali con un brano sapientemente mixato tra un glam smaccato ed un hard’n’roll che non sfigura: alla faccia di chi all’epoca li vede bolliti, i nostri piazzano un’altra gemma di sanissimo hard a stelle e strisce, con il consueto riffone centrale.

Bello l’intro di Temptation, con la slide a fare da contraltare all’atmosfera tutta ballad che il singer inietta al brano, ma ad ispessire il tutto c’è sempre il duo di asce ben affilate che si diverte a creare spesso nuovi intrecci a sei corde. Un “vanhaleniano” arpeggio della chitarra introduce The Kid Goes Crazy: ed in puro van Halen-style, lo stesso Meniketti veste i panni del biondo (all’epoca) singer della nota band olandese, cavandosela più che degnamente in veste di intrattenitore dalle fattezze californiane, qui riportate passo passo con un assolo breve ma “classicissimo”. Probabilmente il miglior brano dell’album, Fight For Your Life è tecnicamente impeccabile con la sua semiacustica ad introdurre un tappetto sonoro di rara intensità che consente al leader di drammatizzare ancor più la traccia con svisate improvvise e ritmi tenuti volutamente aggressivi con il cantato raramente su questi livelli di energia. Armed And Dangerous ha dei tempi apparentemente rallentati, ma che ben presto si manifestano nella direzione opposta, pur nell’ottica di un brano stavolta molto rilassato, nel quale a farla da padrone sono i cori che da tempo non assurgevano a tanta importanza in una traccia.

Altrettanto interessante l’approccio di Rhythm Or Not che è ad appannaggio esclusivo della voce di Meniketti, sempre impeccabile nella doppia veste di ascia e vocalist: la traccia è molto schematica nel suo incedere, ma il gruppo riesce a dare esattamente il tempo ad ogni passaggio del brano, grazie anche alle bordate del nuovo batterista. Bodily Harm è una veloce cavalcata di puro hard che consente all’italoamericano di darsi ancora da fare (bene) sia al microfono sia alla sei corde, coadiuvato in questo da un refrain molto interessante ed ossessivo, con il fido Alves a tenere alti i ritmi dell’andatura che si libra alta con l’assolo centrale forte e chiaro. Pare non voler prendere subito quota Eyes Of A Stranger, soffermandosi la band su di un arpeggio delle chitarre che pare preludere ad una ennesima ballad: tuttavia, ben presto la traccia si incammina verso la sua direzione consueta, che è quella di far risaltare ancora la voce del leader, ben integerrima a disegnare immaginari archi di trionfo sotto i quali far passare tutto il sontuoso lavoro del gruppo, che si avvia alla conclusione delle fatiche con una superba esecuzione strumentale: i quasi 3 minuti di I’ll Cry For You ce lo fanno apprezzare ancora meglio nelle ardite soluzioni qui adottate con ritmica e semiacustica a fare da contraltare alle evoluzioni della traccia che chiude alla grande l’ennesimo lavoro di una band dalle 7 vite.

Thundermother – Thundermother

Le Thundermother spaccano. Cercare una forma più elegante per dirlo sarebbe come vestirsi in giacca e cravatta per un concerto thrash-core. Sì perché il loro sound è hard rock classico con un approccio dirty rock’n’roll stradaiolo. Sentiamo ancora nelle orecchie gli echi del loro EP d’esordio di cui avevamo parlato a questa pagina, sono trascorsi sei anni e si vede da tanti particolari: innanzitutto dalla line-up che è quasi completamente cambiata, sempre donne all’accatto ma di allora è rimasta sono Filippa Nässil, che è anche la principale autrice dei nuovi brani. I riff restano il cuore della loro ricetta, precisi ma sporchi, alla Ac/Dc, martellanti e corposi capaci di tenere alta l’attenzione sia in cuffia che in sede live; intelligentemente i brani non superano mai i 4 minuti (eccezion fatta per Follow You Heart) e questo facilita la digestione di questo rock graffiante visto che non vi sono deviazioni rispetto al tema portante di ogni singola traccia. Detto questo non bisogna pensare che i brani siano canonici e banali: provate ad ascoltare l’assolo di Survival Song.

Sembra quasi che il nostro consiglio di velocizzare un po’ i tempi sia stato ascoltato: Whatever conquista, già dai primi secondi è impossibile tenere fermo piede e collo, sembra quasi di sentire i WASP giovani e veloci; Rip Your Heart Out e Quitter sono altri momenti da calci nel fondoschiena. Ma la forma giusta viene messa in luce anche nei momenti più pacati: Fire In The Rain è un pezzo che se Mtv fosse rimasto sulla TV generalista non si sarebbe fatto sfuggire e anche Follow Your Heart seppur in misura minore. Dicevamo hard stradaiolo che viene a galla in diversi momenti come in Racing On Mainstreet o We Fight For Rock’N’Roll, brani che non nascondono le origini svedesi della band (riferimenti: Hardcore Superstar, Backyard Babies, Europe…) ma è assolutamente vincente anche l’altra faccia delle Thundermother, quella dell’hard rock possente di Hanging At My Door, di Original Sin e di Won’t Back Down che chiude un lavoro di gran spessore.

Un album che è praticamente un best of da cui non si può scartare nulla. Ascolto super consigliato!

The Guestz – Hopeless Case Of Perseverance

Che i The Guestz siano cresciuti a pane e Ac/Dc pare fin troppo ovvio. Scegliere la strada dell’hard rock classico, alle soglie del 2020, può sembrare invece una scelta semplicistica ma che non deve trarre in inganno. Un genere tutt’altro che morto e tutt’altro che facile. In molti, infatti, ci hanno provato negli ultimi anni, ma la band capitolina, almeno nel panorama italiano, sembra riuscirci meglio di altri. Devoti alla band di Angus & Co., i The Guestz hanno scelto una strada già percorsa da numerosi gruppi internazionali, Airbourne e The Cult per dirne un paio. Una highway che, seppur conosciuta, non ha ancora finito di regalare emozioni. Nulla di nuovo o di esagerato ma un disco che è un piacevole viaggio su sonorità classiche e, una volta tanto, facili da classificare. C’è tanto Ac/Dc, ma anche un pizzico di glam californiano, alla Guns N’ Roses, L.A. Guns, Faster Pussycat, con delle belle chitarrone ritmiche, cori e assoli tirati. Alla band australiana è dedicato Acid Easy, il cui testo è interamente composto da titoli di canzoni della band dei fratelli Young.

Un album ben realizzato, registrato e mixato da Danilo Silvestri, già produttori dei concittadini Giuda, che tiene viva la scena del classic rock italiana. Piacevoli da ascoltare live al posto di una delle tante anonime cover band. La copertina con un cane con in bocca una chitarra riassume il concetto espresso nel titolo, Hopeless Case Of Perseverance; i The Guestz, come tutti i rock kids, non molleranno tanto facilmente. E questo, in generale, è sempre e comunque un bene.

Enrico Sarzi – Drive Through

Difficile, ma al tempo stesso piacevole, recensire ed occuparsi di un album il cui mastermind abbia alle spalle un già solidissimo background artistico. Nel caso di specie, lungi da facili lusinghe o essere acquiescenti per partito preso, notiamo con piacere che l’autore del disco mette a frutto, in questa fatica, tutta l’esperienza accumulata nei diversi e pregiati progetti cui ha partecipato. Affinate le doti vocali principalmente con i Midnight Sun, il Nostro ha pensato bene di continuare nella sua progressione verso vette di eccellenza fornendo la sua collaborazione ad altri interessanti step quali ad esempio gli Shining Line o il progetto Moonstone; riunendo, come si diceva, la summa di tutto ciò, ecco che, anche coadiuvato nella fiducia dalla lungimirante Burning Minds, si giunge alla realizzazione di questo album solista. Racchiudendo infatti tutto l’humus raccolto in anni di dura e ripagante gavetta/carriera, Enrico Sarzi può permettersi di rilasciare un album che riesce a spaziare da un capo all’altro del pur vasto genere a noi caro: mietendo influenze diverse, le 11 tracce qui racchiuse ce lo donano davvero a 360 gradi e meritevole di essere analizzato nella sua interezza.

Partendo da Shameless, il Nostro dimostra, eccome, il fatto suo con una interpretazione davvero coinvolgente ed aggressiva che tuttavia non perde di vista il fondo melodico di cui comunque tutto il lenght è sottilmente venato grazie anche alla delicata linea tastieristica: l’apparente “ normalità” del brano viene spazzata via dall’esecuzione piacevolmente elettrica ed immediata, che lascia trasparire volutamente l’animo assolutamente diretto e passionevole del nostro eroe. Segue Afraid To Be Myself ed il solido lavoro delle percussioni che lascia intravvedere all’orecchio più esperto solide e suggestive atmosfere blueseggianti che portano la traccia verso sentieri apparentemente inesplorati e polverosi, quali quelli che Sarzi ha probabilmente nell’animo durante l’esecuzione di brani come questo. Con Nothing To Live For ci immergiamo in atmosfere che definire “intimiste” è riduttivo: la vena da compositore fa qui capolino grazie anche ad un sentire quasi “serale” che trasmette al brano quel quid di malinconia che tuttavia non sfigura nel contesto generale della traccia, che in alcuni passaggi paga un (gradito) pegno all’anima grunge tanto cara alla Seattle dei fulgidi anni 90. S.O.S. To God e le sue sfumature ancora una volta blues non fanno lesinare complimenti all’esecuzione del brano: molto rilassata l’interpretazione che non nuoce tuttavia all’economia della traccia che saggiamente si destreggia tra fasi apparentemente serene ed altre invece ben più intense, senza soluzione di continuità fra loro.

Bellissima l’articolata esecuzione di Strange Freedom, grazie anche all’inserimento mirato e saggio di una delicata linea pianistica dell’ospite Alberto Valli, oltre all’altrettanto interessantissimo e valido passaggio al sax dell’altro guest Stefano Avanzi, che rendono la traccia certamente la migliore del lotto. The Repentant può definirsi come la prova del fuoco per Sarzi: specialmente dietro al microfono, il medesimo si dimostra fornito anche sotto questo aspetto, concedendosi anche una buona dose di intrattenitore nell’interpretazione di un brano che risente anch’esso delle influenze di una certa città di nome Seattle, a fronte di un intro a tratti quasi “sabbathiana” nell’incedere cupo. L’intro di Inferno ci lascia presagire scenari infuocati ma è paradossalmente proprio l’aspettativa attorno al brano che invece fa capire che i toni debbano necessariamente calare in funzione dei brani successivi, altrimenti la verve aggressiva che sinora si è dipanata lungo l’album rischierebbe di perdersi per strada. Ecco allora che la successiva Let Me Go riprende la “retta via”: il sound resta aggressivo ed addirittura, con la sua fase finale in crescendo, acquista venature quasi “prog” che non sono tuttavia in contrasto con la vena decisa ed intensa che il Nostro continua ad immettere.

Giungiamo alla titletrack che ci restituisce Sarzi sotto vesti più “moderne”, intendendo con questo il piglio attualissimo che il singer dona al brano: grazie anche ad una buona produzione, la traccia può fregiarsi del titolo di brano molto elegante con l’ennesima e sottile linea pianistica che addolcisce il tutto. Sex Perfume si presenta come un felino della savana, morbido e sinuoso nell’incedere sonoro, il brano si “energizza” strada facendo tornando alle sonorità di inizio album, grazie al buon lavoro della sei corde che stavolta resta coerentemente elettrica sino alla fine. Un finale che giunge con la drammatica e drammatizzata ballad Cielo: cantata in lingua madre, la traccia non perde nulla in quanto ad intensità e coinvolgimento; con il piano in sottofondo davvero emozionante e grazie anche alla splendida e calda voce in controcanto di Luciana Buttazzo, il brano rende ancora una volta il singer in grande spolvero, consapevole delle sue capacità autoriali e cantautoriali (in questo caso) per accompagnare dolcemente la traccia alla fine un album davvero di spessore.

Y&T – In Rock We Trust

Ottimamente incamminata lungo la strada del successo, validamente supportata dalla casa discografica, fedele (per ora) al combo originario, la band californiana può ripagare solo continuando a sfornare album di successo sempre crescente: cosa sempre sorprendente il riuscire a mantenere standard di eccellenza compositiva in ambito hard’n’heavy. Ed è proprio quello che accade con la realizzazione di questo lenght, sin da subito definibile come tra i migliori di sempre della discografia del quartetto: un sound freschissimo ed attuale messo in scena da Meniketti e Co. sempre più ispirati ed in via di miglioramento progressivo ed inarrestabile, con 11 tracce che non scemano mai di intensità. Ad esempio l’intro semi acustico di Rock & Roll’s Gonna Save The World è tra le migliori cose riuscite al gruppo, con una sezione ritmica subito pronta ad indirizzare la traccia verso una “deriva” sonora di puro valore. Ispirato dagli incombenti cori, il leader maximo sforna da subito una solida prestazione vocale ed artistica, dandosi da fare a metà brano con un riffone che promette sfracelli per il futuro. Il tempo “mediato” di Life, Life, Life produce un’intro quasi blueseggiante, tanto per riscaldare il seguito che diviene subito infuocato, grazie anche ai timpani del buon Haze, che donano al brano quel quid di sbarazzino, apparentemente rallentato dal refrain, che invece mira al bersaglio grosso di un pesante assolo centrale.

Ispessimento delle sonorità con Masters And Slaves, volutamente condotto dal singer/axeman: eppure il tutto non guasta, anzi si dirige verso una direzione quasi hard’n’roll davvero intensa, con il fido Kennemore a penetrare a fondo nelle quattro corde del suo pregiato basso che sostiene, eccome, l’improvvisazione di metà brano, qui del tutto dedito alla parte aggressiva del gruppo. Gagliardo, l’intro di I’ll Keep On Believin’, con Meniketti che svolazza deciso sulla semiacustica ad accompagnarlo in una melodia tipica della band: grancassa a iosa sulle sonorità che si mixano tra delicatezza del cantato e decisione della struttura del brano, che giunge quindi all’immancabile assolo centrale a due asce ben congegnato. Scanzonato ed aggressivo, Break Out Tonight procede lesto verso il centro “del problema”: ispessitosi in fretta, il suono potente fa bella mostra di sé arrivando subito al ritornello, con i cori che paiono essere quelli di una chiesa gospel con i fiocchi: ancora sugli scudi il singer, qui al massimo dei suoi mezzi tecnici e vocali (beata gioventù…) . Imponente il basso di Kennemore su Lipstick And Leather, brano affatto scontato nell’esecuzione: la sezione ritmica diviene improvvisamente protagonista di una cavalcata “moderna” nell’interpretazione ed al tempo stessa attenta nel seguire i canoni “classici” del genere, qui seguito alla lettera nei canonici tre minuti tre, grazie anche alla solida prestazione delle chitarre e del fido lavoro di basso del compianto musicista.

Scanzonato e disimpegnato l’avvio di Don’t Stop Runnin’, con ancora il conduttore a menare le danze di un gradevole brano hard’n’roll, che si esalta sulla breve distanza del pezzo: 4 minuti da propinare ad un uditorio in primis a stelle e strisce cui piace il riffone immancabile che giunge dopo la preparazione vocale, ma anche il popolo del Vecchio Continente gradisce certamente la spensieratezza dei nostri in brani come questo. (Your Love Is) Drivin’ Me Crazy è forse il momento meno riuscito dell’album per la sua incompletezza: intendiamoci, la traccia è comunque validamente strutturata con un giro della sei corde davvero notevole; a mancare, probabilmente, stavolta è una solida interpretazione vocale, essendosi Meniketti nell’occasione leggermente rilassato, pur nell’ambito di una comunque sufficiente prestazione, specie alla sei corde che stavolta viene ben distorta. Durissimo Haze e la sua batteria ad introdurre She’s A Liar: desiderando ripercorrere le gesta dei suoi illustri omologhi dietro le pelli, il batterista ci fornisce all’ascolto il suo repertorio di timpani e crash che supportano validamente Meniketti, che è già andato “per i fatti suoi” intendendolo del tutto immerso in una stavolta ottima esecuzione chitarristica e fornendo con la sua voce l’assist ai cori saggiamente impostati su uno dei migliori momenti dell’album.

Troviamo anche il tempo per una ballatona: This Time e le sue atmosfere romantiche ben si addicono alla poliedrica voce del singer, che riesce a raggiungere in scioltezza buoni range vocali come si addice ad un momento smielato come questo; comunque la band non perde il giusto piglio di energia per piazzare bordate ben assestate che culminano nel pathos centrale dove la band concretizza tutta la preparazione sinora fatta. A chiudere, il mid-tempo di Go For The Throat, che ben presto si tramuta in una progressiva cavalcata autoreferenziale del singer, che consente tuttavia ai cori di ingigantire la già buona estensione vocale della traccia: le due chitarre non se le mandano a dire con la ritmica di Alves e la solista di Meniketti che si rovesciano addosso amplissime dosi di arpeggi, che congedano degnamente un album indiscutibile.

Princess – Princess

Chi fosse interessato ad un progressive ricercato e fastoso beh, allora, questo è proprio l’album che fa per lui (o lei)! Inoltre, come album di debutto c’è da dire che la qualità musicale con cui si presenta è ottima, e questo di certo è soprattutto merito di questi ragazzi romani, i Princess, che con le principesse non hanno proprio nulla a che fare. Princess, omonimo disco d’esordio, viaggia su binari che hanno molto a che fare con la teatralità di cui il rock si è sempre nutrito, e di certo questo è merito delle intuizioni di Freddie Wolf che viaggia e fa viaggiare a trecentosessanta gradi la fantasia di chi ascolta uno dei prodotti che meglio si son presentati ai nostri occhi, ehm orecchie. Eh sì, perché già dalla copertina gli animali raffigurati in un bel schizzo, sono il simbolo di un suono che ti aspetti davvero vada oltre il muro. Prendiamo ad esempio Theatrical Opera che si suppone possa richiamare momenti di teatralità alla Vincet Price: ebbene anche qui si è presto tratti in inganno perché il bel rock che sprizza dal pezzo, è toccato e modellato da sfumature progressive che gli rendono giustizia per come è stato concepito. Basta ciò a far capire a chi ci legge che qui siamo di fronte ad un primo entusiasmante lavoro di una band che ha già lasciato il segno. Freed Prisoner diventa già una sorta di narrazione come avviene anche in El Dia Antes Del Manana, Reborn e Losin’ Mr Faith che scivolano via come se si assistesse davvero ad una rock opera d’altri tempi.

Poi, come una nave che cambia rotta siamo catapultati in una serie di pezzi di stampo progressive, ma sempre venato da un bell’hard che spesso si muove alla velocità della luce tanto è ben pentagrammato fino a quando, poi, arriva il pezzo che dà il titolo a questa bella autoproduzione, vale a dire Princess, pur nella sua limitatezza esecutiva dimostra le buone capacità di questi ragazzi “romani de Roma” che come debutto lasciano davvero una buona impressione. Quello che risalta però ai nostri padiglioni auricolari è una composizione un po’ asettica ma comunque in grado di lasciare una bella impronta in un panorama musicale italiano sempre in crescendo. Ancora una cosa: questo album ha poi dalla sua la presenza di alcuni illustri ospiti come Fabio Pignatelli al basso, Massimo Morante alla chitarra, Maurizio Guarini alle keyboards, Agostino Marangolo alle percussioni e Tony Tartarini alla voce, che nel rappresentare la bella ossatura dei Goblin, danno lustro a Princess che non è un album assolutamente da tralasciare.

Bene, dal castello della Principessa per ora è tutto! E fate attenzione ai folletti e a tutti i Goblin che ci sono in giro. Buon ascolto!

Y&T – Earthshaker

Ecco completato il mutamento totale della rotta sinora seguita. Anzitutto il cambio del nome in quello storico induce la band ad imporsi anche un cambiamento di stile musicale. Smessi i sia pur buoni panni di onesti mestieranti del genere, approdati inoltre ad una grande label, i quattro moschettieri si incamminano verso la definitiva evoluzione: tecnica in primis attraverso una migliore esecuzione dei brani, oltre che interpretativa, destreggiandosi ottimamente nelle parti cantate e soprattutto chitarristiche. Come ampiamente si evince dalle note di Hungry For Rock, su cui Meniketti e soci si disimpegnano egregiamente, con la coppia di asce intensissima e coadiuvata alla grande dalla sezione ritmica, pregna di crash e grancassa; la slide che introduce Dirty Girl è molto interessante, preparando la strada a ritmi che ne faranno un hit da urlo in sede live, ottimo Meniketti con la sua già inconfondibile voce, unitamente ad una fase centrale ancora piena della semiacustica su cui, tuttavia, ben presto si scatena una notevole fase solista lunga e piacevole. Il drumming di Haze introduce la scia vertiginosa di Shake It Loose, brano abbastanza corto nella durata ma non privo di intensità: andando dritto al sodo, ovvero al solo centrale anch’esso breve ed accattivante, la band dimostra di saperci fare anche sulla corta distanza.

Squeeze vede una buona prova vocale di Kennemore, dal tono meno ruvido del leader ma egualmente positivo in un contesto stavolta molto accelerato della traccia, aggiratasi su di una rapida acrobazia a sei corde ottimamente eseguita dal duo Meniketti/Alves molto ben affiatato urlatore di rara intensità, il bassista quando messo alla prova. Rescue Me, qui nella sua prima versione, eccelle nella sua articolata costruzione: la rivedremo tra qualche anno in una esecuzione più moderna ed aggiornata, ma in questa sede il brano tocca picchi di pathos non indifferenti propri della spensieratezza del momento, che comunque non inficia assolutamente la quasi perfezione dell’interpretazione, solida nell’enfasi chitarristica che chiude acusticamente. Con Young And Tough la band si produce in un sano hard’n’roll che sarebbe tanto caro alla band dei canguri australiani Young, qui “affettuosamente” scimmiottati dall’immancabile Meniketti, tanto istrione nell’esecuzione da onorare appieno le origini italo-americane: non passano in secondo piano le consuete esibizioni delle chitarre, che paiono aver davvero raggiunto una buona simbiosi.

Hurricane tiene fede al titolo, spazzando via incertezze di sorta: duro e puro, il brano si delinea nei 3-minuti-3 di classica composizione hard, andando quasi subito al riffone centrale pesante e deciso, che fa immancabilmente ruotare la testa ed indurre al pogo sfrenato nell’allegra ingenuità della traccia. Anche Let Me Go non fa sconti: la band chiede letteralmente di essere lasciata libera di esprimersi secondo le sue coordinate, che sono ormai quelle di una band arrivata al terzo lenght consapevole di sé senza alcun dubbio, con potenzialità ancora inespresse, che qui tuttavia si notano eccome in una sfuriata incallita di (non) vecchi rocker. Knock You Out forse è il momento meno riuscito dell’album: una certa debolezza di fondo non consente al brano di essere apprezzato appieno, nonostante una saggia esecuzione del cantante/axeman: il riff è comunque solido, senza indecisioni, non allontanandosi da una ampia sufficienza. A chiudere, il miglior brano dell’album: ritroveremo anch’esso più avanti nella discografia della band sotto diverse spoglie, per ora accontentiamoci, si fa per dire, di un quartetto davvero sugli scudi che ci fa rivivere appieno le atmosfere dei gloriosi anni 80, quando una semi-ballad come questa assurgeva subito alla gloria, meritatamente, si intende.

E difatti l’album non poteva chiudere meglio con una traccia articolata a comprendere in toto tutti gli stilemi del nostro beneamato genere, di cui i Nostri possono ben vantarsi di esserne stati alfieri.

Paola Pellegrini Lexrock – Lady To Rock

Diciamoci la verità: siamo ancora preda di tanti luoghi comuni, sia pur in misura molto ridotta rispetto al passato; non riuscendo a superare convinzioni e preconcetti, a volte dobbiamo durare fatica per comprendere di avere sbagliato nelle nostre interpretazioni o certezze. Dovendo dirsi lo stesso in tutti i campi della nostra vita moderna, non può certo fare eccezione il nostro beneamato ambito artistico in generale, e musicale in particolare esordendo con affermazioni del tipo “una donna che suona rock? “, ci si pone già dalla parte del torto. Ritenendo, chi scrive, che non occorra farsi influenzare dalle opinioni altrui senza prima aver toccato con mano, in questo caso aver ascoltato, si potrebbe ricordare che il variegato mondo del rock in generale (e dell’hard in particolare) ha sfornato fior di interpreti al femminile: potremmo citare tra le altre Lee Aaron, Doro Pesch, Lorraine Lewis, Girlschool, tanto per introdurre la nostre eroina di oggi. Stimato professionista toscano, in questa sede Paola Pellegrini porta a dama il frutto di una già valida carriera musicale che negli anni scorsi ha visto susseguirsi una intensa attività dal vivo senza lesinare le energie, facendola assurgere tra le più belle realtà musicali di genere del nostro Paese.

Circondandosi, stavolta, di un parterre de roi davvero notevole, con la leggenda Franco Li Causi al basso e del valido drummer Simone Morettin, la nostra protagonista sforna 10 tracce che si dipanano una dietro l’altra senza soluzione di continuità all’insegna dell’energia, della potenza ed anche della melodia, che fa capolino di quando in quando. A cominciare da No Half Way, con un azzeccatissimo mix di chitarra distorta e voce stentorea che dona al brano quel giusto indirizzo che la sezione ritmica, già sugli scudi, contribuisce a rendere aggressivo e tuttavia sempre ben bilanciato: l’inatteso, ma non tanto, assolo centrale accelera ancor di più la già infuocata atmosfera, in cui il clangore della batteria si amalgama alla perfezione con gli altri compagni di viaggio. Ottimo l’intro di Lovely Man, in cui un appena accennato groove acustico spiana la strada alla delicata ed intensa voce della protagonista, che qui si mantiene saggiamente su di una linea sonora che consente gli improvvisi cambi di tempo ed i ripetuti stacchi di batteria, che fa molto uso di rullanti e grancassa, tanto per seguire il ritmo forsennato che la sei corde dona al brano, drammatizzato il giusto anche dai cambi vocali donati alla traccia.

Il cantato in lingua madre di Avuta Mai non fa perdere un’oncia di energia al brano che, anzi, assume quel quid in più che l’interpretazione fornita dalla nostra eroina accresce. Da notare una piacevolissima e ben congegnata fase centrale in cui basso e chitarra appena “slide” danno la stura alla cavalcata finale potente ed aggressiva. La bellezza di Cut The Chains proviene dalla ritmica: il qui presentissimo rock d’annata consente alla chitarrista di tenere bene il passo del cantato, con la sei corde al servizio della voce, che con una graffiante e sicura interpretazione rende il brano tra i migliori del lenght, grazie ancora all’eccellente prestazione di tutta la squadra che non perde una battuta. Senza scomodare mostri sacri del genere, l’intro di Endless Begin potrebbe riecheggiare benissimo melodie care ai Pretty Maids: l’infuocata sei corde iniziale fa infatti da apripista ad un ben congegnato inferno sonoro, su cui si erge ancora la voce del deus ex machina al femminile, che mantiene bene le sue tonalità per tutto il brano. Efferato, il taglio aggressivo dato a Wild Shot, che per tutta la durata mantiene intenso il feeling potente che la voce particolare di P.P. riesce a dare anche ad una traccia apparentemente “semplice” nella sua struttura, che comunque resta venata sempre del sound infuso dalla poliedrica sei corde, capace di passare in pochi secondi dallo slide al distorto grezzissimo e che lascia temporaneamente il posto all’interpretazione molto rilassata della seguente Making Love Forever, in cui il cantato si rivela adattissimo anche alla gloria di un passaggio televisivo alla Mtv dei tempi d’oro del genere, in cui brani molto meno meritevoli di questo hanno avuto il loro quarto d’ora di celebrità, che invece ben merita la traccia in questione, molto articolata e ben congegnata, su cui si eleva ancora la bella voce della Pellegrini.

What I Like è probabilmente il brano più articolato dell’album: i continui cambi di ritmo sono passaggi che un orecchio attento può ben apprezzare, di modo che le sfumature hard’n’roll della traccia siano piacevolmente valutate, ben eseguite e con ottimi arrangiamenti soprattutto nella fase centrale del brano, con un bridge che resta ben stampato in mente. Arriviamo al dittico finale che si apre con gli ottimi legati della chitarra in You Better Believe e la voce “per nulla italiana” della nostra protagonista, che qui ampiamente ricorda le movenze delle eroine menzionate all’inizio di questo nostro articolo; ma intanto la chitarra va che è un piacere, districandosi alla grande tra svisate di breve ma intenso hard che improvvisamente si congeda. A chiudere, la violenza di All My Love Has Gone, in cui la axeman decide di puntare ancor di più sul suo già valido cantato che consente alla traccia di ergersi tra le perle del disco, grazie all’interpretazione sentita che consente al terzetto di non disgiungersi nell’esecuzione con il drumming puntuale e metronomico ed alla quattro corde che sostiene alla grande il riffone che chiude con il botto un album che certo farà parlare di sé, non solo nel circuito nazionale.