Mind Enemies – Revenge

Torna il progetto Mind Enemies, progetto capitanato da Giuseppe Caruso, polistrumentista dedito all’heavy metal. Lo avevamo già incontrato in occasione dell’EP The Darkest Way (recensito da noi a questa pagina), quattro tracce di anticipazione di come Caruso intende il metal. Ora il progetto arriva ad un full lenght di nove tracce, un album in cui lo stile della band prende forma a differenza dell’EP in cui venivano presentati diversi profili della visione heavy. Prima di tutto va segnalato che l’uscita è un’autoproduzione in tutti i sensi, non solo per una mancanza di label ma anche per un approccio in termini di produzione sonora che ricorda molto uscite underground di anni fa: il sound non è molto curato, la chitarra che dovrerbbe mostrare muscoli luccicanti in realtà sembra acerba e grezza; il missaggio è buono ma i suoni scelti potevano sicuramente valorizzare meglio l’heavy tracciato della band. Anche perché alcuni spunti sono interessanti, come il rifferama di Wild Existence (che ricorda in alcuni punti il thrash in stile Megadeth) o la lunga My World con cambi di ambientazione e assoli aguzzi, ma sarebbero dovuti apparire con abiti ben più consoni alle loro potenzialità.

Revenge non rappresenta nulla di innovativo nel panorama metal nazionale. Le radici sono quelle del metal classico seppur di sponda thrash, spesso con riff stoppati e comunque con strutture delle canzoni facilmente digeribili. Segnaliamo gli stacchi di Dream Time che richiamano lande NWONHM così come Angel Of Consciousness (più di stampo Judas Priest quest’ultima), buona anche The (Rock) Rite per alcuni estri alla sei corde che escono fuori dal seminato. Per il resto l’album è ancorato su di un heavy metal classico e già detto, manca in alcuni punti di carica ma in generale di capacità di coinvolgere per un stile che probabilmente vaga nella mente degli autori ma che non viene espresso realmente. Un peccato perché con armi diverse questa band potrebbe davvero volare in alto.

Toothgrinder – Phantom Amour

Esplosi con l’interessante e pungente Nocturnal Masquerade (recensito da noi a questa pagina), i Toothgrinder tornano dopo pochissimo tempo con un cambio di stile. Due soli album sono bastati alla band del New Jersey per apportare delle modifiche profonde al proprio songwriting e puntare su delle idee più rotonde. Se infatti con il precedente, e primo vero album della band, avevamo dovuto scomodare gente come Mastodon e Meshuggah, in questo Phantom Amour la sterzata verso la ricerca melodica è forte e quei nomi ci sembrano lontani anni luce. Siamo sempre nel panorama dell’heavy metal ma i Toothgrinder lasciano più spesso a casa il growling a vantaggio di melodie canore cantate nel vero senso della parola; non si tratta però di sola voce l’elemento nuovo per la band infatti le aperture che varie trame propongono cozzano con il riffing muscoloso del precedente lavoro, quasi sempre ispirato ad un metal diagonale e distruttivo. Abbandonate anche le influenze prog, questo Phantom Amour punta molto più sulla facilità dei brani di essere ricordati e di arrivare con pochi ascolti.

Innanzitutto la band si apre ad alcune incursioni nell’elettronica, come nell’opener o in Vagabond, segno forse di voler acquisire una personalità più modernà, accompagnate da un groove fortemente voluto, ma le novità non finiscono qui: Adenium sembra intravedere spiragli emo, Jubilee è un brano acustico da dare in pasto alle radio (che ricorda vagamente i Kings Of Convenience in alcune partiture) e se queste due tracce potrebbero sembrare esperimenti nella nuova ricetta del quintetto, basti ascoltare Paris o Facing East From A Western Shore per capire quanto la band sia cambiata. Difficile parlare di maturazione, preferiamo interpretare il cammino della band come un percorso evolutivo che li sta portando a visitare territori nuovi. Noi siamo assolutamente a favore di forme di sperimentazione anche se trovavamo più interessante la ricetta di Nocturnal Masquerade. Siamo quindi già curiosi di ascoltare il prossimo album.

Jag Panzer – The Deviant Chord

I veterani Jag Panzer anche con questo The Deviant Chord dimostrano di averne ancora, nonostante molti anni di militanza, fedeli alla linea del metallo. Lo smalto non è andato perso anzi con questo decimo studio album la formazione statunitense ci stupisce davvero, attraverso un classic metal contaminato da power ed epic, questo grazie a una sezione ritmica martellante e metriche di voce fiere e piene di orgoglio. Riuscire a continuare su questi canoni non è cosa da poco, certe band di ragazzini viziati dovrebbero fare tesoro di questi personaggi inossidabili che di certo non si fermano alla dedizione, ci troviamo di fronte a musicisti navigati che con lo strumento in mano sanno davvero cosa fare. Il metallo scorre nelle vene dei Nostri, cavalcate epiche ci trascinano dalle prime note di questo The Deviant Chord che ha nell’opener track Born Of The Flame e in Far Beyond All Fear un’accoppiata letale, prima di lasciare spazio alle prime note tristi e cariche di emozioni della title track, che da circa metà brano si trasforma nell’inno della band, con un Harry Conklin a comandare la terribile armata, una prestazione da urlo la sua. Ero davvero curioso di capire in che stato si trovava la band, le mie sensazioni sono state confermate. I Jag Panzer sono vivi, capaci di scrivere canzoni che hanno qualcosa da dire, senza tradire i propri fan.

Blacklist è una bellissima song carica di pathos e adrenalina, mentre le note delicate di Foggy Dew per un attimo travestono la band in età medioevale, ma la battaglia è alle porte a colpi di doppia cassa e solos di chitarra dove Joey Tafolla ha ancora molto da raccontarci. La produzione del disco è buona, acustica e nitida a tratti forse anacronistica, ma non voglio bocciare l’intenzione, la scelta è decisamente voluta. Divine Intervention viaggia su mid tempo heavy, prima che arrivi l’autunno sulle note di Long Arrived Kiss, che questa volta non inganna l’ascoltatore transitando su atmosfere rassicuranti. La sosta è breve, lo stop è bruciato, i Jag Panzer sono nuovamente alla ricerca di forti emozioni, così esplode la carica di Salacious Behaviour, un’altra bellissima song di chiara matrice metal. Le stesse cose si possono dire per la seguente Fire Of Our Spirit, dai tratti americani.

Il nuovo capitolo Jag Panzer si chiude con Dare che ci accompagna al “the end” con la consapevolezza che l’heavy metal è sempre vivo, il cuore di metallo batte ancora, grazie soprattutto a questi veterani che non vogliono cedere lo scettro. In alto il nostro saluto!

Wicked Machine – Chapter II

Andate dai Wicked Machine a chiedergli se conoscono gli Iron Maiden, facile che vi rispondano di sì portandosi una copia di Powerslave al petto in segno di profonda ammirazione! L’influenza della band di Steve Harris sulla formazione lombarda è davvero tanta, a partire dai riff di chitarra per finire sullo stile di canto di Alberto Ragozza, senza dimenticare l’artwork a tema egizio che fa inevitabilmente tornare alla memoria il masterpiece dei Maiden appena citato. Si inizia con Working Class Hero, buon brano heavy metal dai toni orientaleggianti che sicuramente guadagnerà punti in sede live anche grazie a un solo di chitarra coinvolgente, seguito a ruota da Revolution che viaggia sempre sello stesso binario stilistico del suo predecessore ma che vanta un chorus più ruffiano e di immediata presa sull’ascoltatore. Chapper And Thunders e Funny Bunny sono altri due buoni brani melodici con un occhio di riguardo in più sul fronte della tecnica, mentre Backdoor Man convince meno forse a causa di una certa ripetitività che aleggia nella parte iniziale, salvata da un’accelerazione finale che comunque non porta a casa il risultato sperato.

Buona la cover in chiave heavy di Wild Boys dove finalmente le parti vocali convincono a pieno, effetto dovuto ai toni meno alti e a linee melodiche meno maideniane, segno che quando ci si distacca dal genere si guadagna in originalità. Da questo punto del CD in poi qualcosa cambia, infatti sembra di ascoltare un altro album più originale, più tecnico e più coinvolgente, grazie alle ottime Third Eye e All Night Long ma ancora meglio con la conclusiva The Flight Of Horus una suite di 14 minuti suddivisa in 3 atti davvero riuscita ed epica. Di sicuro i Wicked Machine sono ottimi musicisti e ottimi compositori e questo Chapter II ne è la dimostrazione, dovrebbero a nostro avviso sfruttare a pieno la loro vena epica perché quando si muovono su questi territori sono in grado di regalare non poche emozioni, come nel caso di Dark Hell, bellissima traccia posta in chiusura a chiudere degnamente il disco.

Madness Smile – Madness Smile

Li abbiamo scoperti al Meta Rock Contest e abbiamo potuto assistere alla loro esibizione. Il quartetto Madness Smile è agli esordi, e molti elementi del loro primo EP confermano questo: la produzione che non è degna del riffing proposto dai due axeman, il fatto che il titolo di una traccia e dell’EP siano uguali al nome della band, la breve durata totale…tutti aspetti che ci segnalano che la band è davvero all’inizio del proprio cammino. Però, e in questo caso c’è un però da scrivere in grande, lo stile è chiaro e muscoloso e, messe da parte le (giustamente) poche risorse a disposizione e il suono tutto da migliorare, lo stile è assolutamente da promuovere, elemento prioritario su cui gli MS dovranno giocare le proprie carte vincenti. Stile vocale che strizza l’occhio a certo sleaze (Guns N’Roses in primis), coppia di chitarre che colpisce in maniera grezza seppur precisa, un trademark che potrebbe portare a qualcosa di più pesante in futuro o al contrario ad un riffing più affilato e laccato…tutto da scoprire. La sezione ritmica risulta compatta, con il drumming che sembra quasi live, e che riesce a tenere dritta la nave nonostante i vari cambi di direzione.

Ascoltare un brano come Soul Appeal ci gasa all’inverosimile, tre minuti che con una produzione con la “p” maiuscola potrebbero appagare gli istinti metal di migliaia e migliaia di metaller (ultimo minuto da standing ovation). Buono anche l’esperimento Friend, un brano che propone arpeggi come fossero aperture interessanti e dal gusto non comune. Da qui e dal resto dell’EP ci viene una considerazione, ovvero che vi è un aspetto tutt’altro che emergente nei Madness smile: la struttura delle singole tracce, brani che sembrano essere stati scritti da una formazione che ha davvero dimestichezza con la composizione. Questo ci suggerisce caldamente di attendere (e anche con un po’ di ansia) il primo, vero full-lenght della band, sperando in suoni alla loro altezza.

Alpha Tiger – Alpha Tiger

La Steamhammer è un’arma di guerra che funziona con precisione negli anni: ogni singola pallottola è sparata con accuratezza ed è prodotta sugli stessi schemi progettuali della sua precedente. La Steamhammer è un’etichetta metal, di metal classico; non ama le sperimentazioni né troppo le nuove frontiere del metal. Se suonassi in una band di metal potente ed affilato e sognassi di essere scritturato da una label importante non avrei dubbi su chi contattare: i tedeschi della Steamhammer. E così dopo i Night Demon, i Vardis, gli Holy Moses, gli Hirax, i Betzefer (solo per citare le band più emergenti scritturate dalla label), arriva un nuovo nome, gli Alpha Tiger che dopo l’esordio autoprodotto Man Of Machine danno alla luce l’omonimo lavoro in questione. Chiariamo subito che il sound ci piace, è molto curato, cattivo e azzeccato per chi mastica heavy del passato e con una produzione attuale: l’hammond dell’opener che richiama gli anni 70 (nel loro caso sponda Deep Purple), i riff di scuola NWOBHM ma anche il piglio rock con tanto di refrain da grande richiesta (Singularity) che solo le band già mature hanno.

Tutte premesse di gran rispetto ed infatti gli Alpha Tiger realizzano un album bello ma che non ci fa gridare al miracolo. Sì ok, pezzi come To Wear A Crown o If The Sun Refused To Shine ti trascinano, con la ritmica accelerata e i buoni arrangiamenti, pezzi completi che con dei video cool potrebbero sbancare, ma brani come Welcome To Devil’s Town o My Dear Old Friend non aggiungono nulla alla scena e risultano un po’ dei compitini fatti per emulare le grandi band e le rock song da stadio; in più poi arriva qualche momento già sentito: provate a confrontare Aurora con Snuff dei Slipknot e troverete più di un punto in comune, soprattutto nelle linee vocali. Quindi ok ragazzi, di certo sarete molto invidiati dai vostri colleghi senza contratto, ma gettate il cuore oltre l’ostacolo e cercate di contribuire ad accrescere l’heavy metal attuale. Le carte ci sono, basta giocarle nel migliore dei modi.

Rage – Seasons Of The Black

Qualcuno potrebbe dire che “così non vale”. Ci sono gruppi che ci mettono anni per partorire un nuovo album. Tra controversie discografiche, scrittura dei pezzi in carenza di ispirazione, cambi di formazione, problemi di distribuzione, eccetera. Tanti lavori nemmeno vedono mai la luce sugli scaffali dei negozi. Ai Rage invece bastano quattordici mesi per scrivere, registrare, produrre e distribuire un CD di materiale completamente inedito. Certo, va ricordato che l’attuale line-up è ancora da considerarsi “fresca” perché in forza solo dal precedente The Devil Strikes Again ma ciò non vuol dire che l’eroico Peter Wagner non abbia comunque sulle spalle qualcosa come ventitre album in trentuno anni di carriera…una media comunque ragguardevole! Tutto questo va sottolineato per inquadrare correttamente l’ultima fatica della compagine teutonica all’interno di una discografia ampissima e a tratti alquanto variegata. Dopo l’uscita di scena del fenomenale Victor Smolski è stata evidente la svolta verso sonorità più comprensibili e composizioni più immediate. Una maggior fruibilità inizialmente aveva riportato indietro le lancette dell’orologio di una buona decina d’anni ma ora, visto che l’eterna giovinezza purtroppo non esiste per nessuno, è arrivato il momento di pagarne il prezzo.

Per farla breve rispetto ai precedenti lavori Seasons Of The Black è leggermente in calo, soprattutto dal punto di vista dell’ispirazione. Niente di drammatico, resta comunque un album pregevolissimo, squisitamente prodotto, lodevole sotto qualsivoglia aspetto tecnico e che per di più suona inconfondibilmente Rage. Il problema è che quella scintilla di genialità, che qui e là illuminava gli altri lavori costringendo a ripassarli continuamente nello stereo o nel silenzio delle nostre menti, in questo platter si rende meno evidente lasciando l’ascoltatore certamente soddisfatto ma non entusiasta “come al solito”. Ed è proprio qui che casca il proverbiale asino: i fan di lunga data di Wagner e soci sono così abituati all’altissima qualità dei prodotti targati Rage da snobbare qualsiasi CD che sia meno che eccelso. In questa categoria rientra anche l’ultima fatica dei Nostri: un disco onesto a cui non manca nulla ma che sulla copertina ha stampato un logo che sembra scolpito nella pietra e pesa come se lo fosse davvero. Se non ci fosse ci sarebbe di che leccarsi le dita.

Insomma per i veri cultori della band l’acquisto è consigliato più che altro per completezza di collezione ma per gli altri, pur rimanendo obiettivamente un ottimo album di heavy metal che molti gruppi meno blasonati potrebbero solo invidiare, ci sono scelte migliori anche e soprattutto senza uscire dalla discografia dei Rage. Di fatto non si può parlare di “passo falso” e se questo è il peggio che il gruppo di Wagner sa sfornare possiamo dormire davvero sonni tranquilli ma è innegabile che la speranza sia di poter riascoltare, magari già l’anno prossimo, un nuovo album targato Peavey e compagni, sui livelli di eccellenza a cui siamo abituati.

Rage – The Devil Strikes Again

Prima di iniziare per onestà intellettuale è doverosa una premessa: chi scrive ha inserito questo CD nella Top Ten delle uscite discografiche 2016 nonché di fatto ritiene Black In Mind e soprattutto End Of All Days i migliori lavori dei Rage. E’ appunto a questi ultimi due lavori che questo The Devil Strikes Again si rifà sia in termini di genere che di sound, in un ritorno al passato che ha tutto il sapore di un’intenzione per il futuro. Non che si potesse recriminare nulla al corso sinfonico e progressive del gruppo, anzi, la qualità è sempre stata altissima e le contaminazioni, per quanto profonde, parlavano di grande ispirazione e talento compositivo sconfinato, ma un ritorno a sonorità più dirette non può che essere visto di buon occhio da chiunque apprezzi l’inesauribile Peavey. Il motivo di una sterzata così brusca da sforbiciare dal sound della band con qualunque richiamo alle più recenti sperimentazioni orchestrali è presto detto: Mr. Wagner, come altre volte in passato, ha deciso di cambiare compagni di avventura e di riprendere in mano il timone della sua band proponendo quello che è il suo modo di suonare metal. Non a caso il primo singolo che ha anticipato l’uscita di questo disco si intitola My Way.

Via dunque Victor Smolski, il virtuoso compositore dall’estro eclettico e geniale che aveva traghettato i Rage nella loro avventura con le orchestre di mezzo mondo, sostituito da un chitarrista meno ingombrante in fase creativa ma comunque abile abbastanza sul piano tecnico da poter reggere il titolo di axeman in un gruppo dalla carriera trentennale. In uscita anche il precedente batterista, sostituito da una vecchia conoscenza della band, perché Peavey, a cui tra l’altro va riconosciuto il merito di saper scegliere i musicisti, non è tipo da adottare mezze misure e se si deve cambiare lo si deve fare del tutto… qualcosa a cui è ormai abituato tanto che queste stesse righe sono già state scritte molte volte. Ma Lui è i Rage e questo album, caso mai ce ne fosse ancora bisogno, lo afferma con gran forza. Confermata invece la ricetta di brani serratissimi e dall’intensità quasi travolgente ma ricchi di melodia soprattutto nelle linee vocali e negli assoli di chitarra. Cattiveria, aggressività e una certa ruvidità appaiano con ritornelli orecchiabili tutti da cantare per lasciare l’ascoltatore non solo con le ossa rotte ma anche senza voce. Ineccepibile la produzione che centra l’obiettivo di dare chiarezza agli oltre quarantacinque minuti di questo CD rendendo apprezzabili i passaggi più raffinati tanto quanto le più feroci mitragliate del tritasassi teutonico.

Coinvolgente, questo è l’aggettivo che viene spontaneo usare se si potesse usarne solo uno per definire The Devil Strikes Again. Certe band invecchiano, altre maturano e cambiano, altre semplicemente si sciolgono, altre si sputtanano vendendosi al music business e altre ancora si dimostrano immarcescibili, irriducibili e invariabili come il più solido e resistente dei metalli. Così sono i Rage: invulnerabili alle mode e al tempo, sperimentano solo quando sentono il richiamo di nuovi stimoli per poi dimostrare che in verità nulla è cambiato. Ed è così che li vogliamo.

Rage – 21

Dopo alcuni album più controversi, in cui la premiata ditta Wagner/Smolski ha avuto modo di sfogare ulteriormente gli istinti più sinfonici e progressive, i Rage tornano sugli scaffali dei negozi con un CD più diretto nonché più vicino alle origini della band. Si torna ad un heavy/power con ampie concessioni al thrash che sarà la delizia di tutti i fan che hanno apprezzato il gruppo, diciamo, fino al riuscitissimo End Of All Days. Naturalmente da allora i brani più immediati e cattivi non sono mai mancati, si ascolti l’intero album Soundcheaser per credere, ma con 21 la compagine tedesca fonde le proprie radici con i tecnicismi e la propensione melodica del virtuoso compositore Victor Smolski in maniera più organica e uniforme. Qui le redini compositive della band sono quindi equamente spartite tra il poliedrico axeman e l’inesauribile Wagner con il risultato di un genere fortemente variegato con cui i Rage tornano al passato sfoderando tutta la furia di cui sono capaci, quindi molta, arricchita però con soluzioni armoniche talvolta addirittura sorprendenti. Ne derivano undici tracce lunghe ed articolate ma che scorrono veloci impegnando il giusto e trasportando l’ascoltatore lontano dai propri pensieri. Un effetto catartico ed energizzante che è soprattutto dimostrazione di grande ispirazione in fase compositiva e di un affiatamento in studio di registrazione praticamente perfetto. A proposito: dalla produzione non si potrebbe pretendere di più e infatti il lavoro, svolto dal solito Smolski e per l’occasione anche dagli stessi nomi che curano tra gli altri Blind Guardian e Gamma Ray, risulta praticamente perfetto donando a tutto il disco un equilibrio squisito.

Del versante tecnico è addirittura inutile parlare anche se vale la pena notare una prestazione più efficace dietro le pelli, per lo meno rispetto ai due album precedenti, segno che anche il membro più recente dei Rage ha raggiunto la giusta amalgama. Insomma per accontentare anche i palati più esigenti a questo CD non manca davvero nulla, nemmeno un artwork evocativo e affascinante che, non a caso, è curato dallo stesso artista che realizza le copertine per Blind Guardian e Rhapsody Of Fire. Concludendo chi è alla ricerca di un album di metal intenso, cattivo e coinvolgente troverà in 21 pane per i propri denti con il vantaggio di poter godere anche di soluzioni compositive di grande estro nonché arrangiamenti ricchi e fuori dagli schemi in un caleidoscopio di atmosfere cangianti che non faranno però mai venir meno il ritmo, l’immediatezza o il gradimento dell’ascolto. Impossibile non rimanere soddisfatti.

Rage – Speak Of The Dead

Con questo album i Rage arrivano al non trascurabile traguardo dei vent’anni di carriera. Lo raggiungono con una doppia anima che ben si riflette nella struttura di questa proposta. All’inizio trova posto una lunga suite orchestrale suonata con l’Orchestra Sinfonica di Minsk, per chi non lo sapesse città natale del virtuoso Victor Smolski, mentre la seconda metà del disco è costituita da sette brani di power metal assai più tradizionale ma non privi di elementi innovativi, per lo meno per Wagner e soci. Se da una parte dunque tornano alla memoria lavori come Lingua Mortis, il sound del controverso Ghosts e le sperimentazioni progressive di XIII, dall’altra trovano spazio la ruvidità e l’immediatezza di capitoli molto apprezzati come Soundcheaser o l’ancora meno recente Black In Mind. Insomma che si tratti di una manovra commerciale per cavalcare l’entusiasmo su entrambi i fronti, se più probabilmente sia un modo per assemblare un album con materiale molto eterogeneo ma che non ne avrebbe riempiti due o se ancora si possa parlare di un eccesso di creatività esuberante, non ci è dato saperlo. Quello che sicuramente si può affermare è che in un caso o nell’altro a guadagnarci è l’ascoltatore che può godersi cinquanta minuti abbondanti di ottimo metal ottimamente composto, impeccabilmente eseguito nonché pressoché impressionante nella produzione.

Certo, il divario tra il symphonic progressive metal della prima metà e il thrash/heavy metal della seconda è molto ampio e lascia quasi spiazzati. Se infatti per le prime otto tracce è richiesta una certa concentrazione per apprezzare le mille sfumature melodiche intrecciate nella ricchezza degli arrangiamenti, nei rimanenti venti minuti quel che serve è poter pogare come se non ci fosse un domani. Paradossalmente delle due facce di questo CD quella che brilla di più è quella che allontana di più il gruppo dalla propria zona di conforto segno che “i Rage che suonano con l’orchestra” non sono affatto una trovata per scuotere il mercato e far parlare di sé ma una vera esigenza artistica scaturita da autentica ispirazione. Non che i brani più diretti manchino in qualche modo di soddisfare le orecchie, solo che risultano meno originali non tanto nella discografia della compagine teutonica quanto nel panorama metal in generale.

Stiamo parlando di un album dei Rage quindi è sempre equivalente a bersi undici Red Bull di fila ma chi è disposto ad assecondare la nuova vocazione troverà maggiore intensità nei brani iniziali per poi avere l’occasione di lasciarsi andare sul finale del disco. Ma insomma che si può chiedere di più!?