The D – United States Of Mind

Il gruppo The D ci aveva incuriosito fin dal precedente album Alf (recensito da noi a questa pagina), un po’ per il loro spirito indie, un po’ per la produzione di alto livello e un po’ per il loro moniker, davvero singolare. Con la stessa curiosità ci accingiamo ad ascoltare il nuovo lavoro dal titolo United States Of Mind, che presenta il sound odierno della formazione avellinese, un quartetto che si presenta internazionale fin dalle informazioni incluse nel loro booklet interno, informazioni tutte in lingua inglese, così come (chiaramente) le liriche. La grinta è rimasta la stessa anche nel loro full-lenght, una grinta indie ma con un mantello new wave che ci riporta direttamente agli anni 80; è questa la natura della band che ci balza all’orecchio, tanto che le chitarre affilate e pulitissime (brit?!) fanno combutta con la voce squisitamente eightines mentre il basso suona profondo per tirare in giù le frequenze e dare corposità al suono nel suo complesso. Accenni di synth compaiono qua e là e sono l’ennesimo elemento che combacia con gli altri strumenti, come un quadro che si costruisce pian piano in ogni suo aspetto e vede tasselli che si uniscono alla perfezione. Anche in questo United States Of Mind la produzione gioca un ruolo importante e valorizza i suoni ma più di tutti il concept musicale della band che è presentata al meglio con tutte le scelte (sonore) fatte dietro queste tracce, compresa la ricerca di melodie che possano girare nella mente senza correre il rischio di essere dimenticate (a volte purtroppo anche un po’ troppo frivole come in 6, 16, 26).

Ma, e c’è un ma, nel complesso non pensiamo che United States Of Mind sia un album che possa davvero lasciare un segno nella scena. Innanzitutto perché non cade nel periodo giusto, infatti l’indie rock di scuola europea ha ormai oltrepassato gli anni d’oro e questo lo vediamo anche nella scena italiana che vira verso altri (sotto)generi; inoltre, anche per quanto riguarda strettamente i contenuti, non lo vediamo come un prodotto discografico artisticamente di spessore. Queste idee ce le chiariscono in particolare due tracce: All Star che ha un buon vestito ma appena si cerca di scoprire cosa si cela dietro quei tessuti resta ben poco, Pete con un refrain che tende ad accostarsi più all’indie pop e perde mordente per strada (nonostante le buone linee di basso). Ma queste nostre considerazioni sono generaliste, cioè fatte per chi è appassionato di musica a 360° e si muove tranquillamente in tutti i meandri del rock; invece per i fanatici di Artic Monkeys, Kasabian e indie rock inglese ci sentiamo di consigliare l’ascolto del nuovo album dei The D.

Lamarck – Love Budget

In una scena musicale fatta di indie rock band emergenti, che cercano di farsi spazio tra colori a pastello e camicie abbottonate fino al collo, arrivano i Lamarck e spazzano tutte le aspettative su di loro. Chiudete in un armadio i vestiti da hipster, qui l’alternative è calzante e ha spessore soprattutto per la parte elettrica. Ricordano l’approccio musicale dei Management Del Dolore Post-Operatorio ma con un mood più allegro e spensierato che li rende più simpatici (“non ho più un’opinione ma ho un iPhone…” è solo un esempio). Inoltre abbattono un altro luogo comune, quello di dover a tutti i costi cantare con una fonetica perfetta: in un mondo che obbliga le formazioni musicali ad optare per la lingua inglese e per un accento che sia degno di essere chiamato tale, arrivano i Lamarck con la loro cadenza campana, evidentissima nell’opener In Silico, e che ci fa ricordare la bellezza delle delle nostre mille lingue italiche. Love Budget è un album breve ma non risicato, un album in cui tutte le nuove generazioni potrebbero trovare un punto di riferimento, nonostante sia qualcosa di molto eterogeneo ascoltandolo più volte. Basso travolgente (Turista) e chitarre che sciorinano riff su cui è impossibile stare immobili (Solo Una Scusa) sono alcuni dei momenti che ci piacciono davvero, e ci piace che in sezioni ritmiche tendenzialmente pacate compaia qualche passaggio che dona piacere: Eternit infatti sorprende nei pattern indie rock, nell’effetto wah wah e nei vari salti, tre minuti di ottimo ascolto.

Indie semplice (come ci saremo attesi guardando l’artwork), uno stile originale e che si lascia ascoltare più volte (contrariamente a quanto ci faceva immaginare l’artwork) colloca i Lamarck al centro della scena rock indipendente italiana ma all’interno di essa il quartetto ha delle interessanti ed originali carte che speriamo continuino a restare tali.

Clowns From Other Space – Zeng

A guardare la grafica (artwork+booklet) dell’ultimo lavoro dei Clowns From Other Space e ad ascoltare la loro musica sembra di assistere a due proiezioni diverse. Da un lato ci vengono in mente scenari psichedelici, progressive, cyber-spaziali; dall’altro siamo catapultati nell’indie britannico, quello allegro e spensierato con influenze varie, ma anche in un rock sperimentale, d’avanguardia. La dicotomia non ci dispiace, segno sicuramente di una mente aperta, di non voler ragionare per compartimenti stagni tanto che nel loro indie rock (che i ragazzi preferiscono chiamare alternative rock) ci vediamo echi di Muse, Radiohead e U2 nelle prime due tracce (ma anche oltre). Poi arriva una Wall Of Tzu che dirotta il treno, cambia la direzione del viaggio. Ci saremo attesi una ballad e invece un pezzo introspettivo e profondo, non la classica traccia che gioca sulle ambientazioni ma un misto di emozioni contenute in un barattolo che poi viene aperto in un nano secondo a metà corsa. Ma le sorprese non finiscono perché il quintetto si lancia viaggi diversi: con In The Presence Of The Lady Truth iniziano attinente post-rock per poi ritrovare l’energia tanto ricercata e sentita con la successiva Verve (un titolo che spiega tutto da sé).

Uno scenario quindi mutevole come molte, a nostro parere, sono le idee della band. Assumeranno una forma più definita nel prossimo futuro o resteranno ambivalenti e variegati per essere originali e cambiare pelle cotantemente? Questo lo scopriremo insieme ma per ora Zeng merita più di un ascolto.

I Carnival – Se Non Mi Tengo Volo

Tornano I Carnival, formazione indie che poco più di un anno fa aveva sfornato SuperStellar (da noi recensito a questa pagina). Nove nuove tracce che sfiorano la mezz’ora di ascolto, dirette come sempre, suoni ben calibrati ma soprattutto pattern precisi senza sbavature. Gli schemi del rock ci sono tutti, non si può interpretare la musica de’ I Carnival al di fuori del pulsare elettrico della chitarra, eppure non risultano per nulla banali. Il titolo del lavoro, Se Non Mi Tengo Volo, insieme all’artwork (occhio ai colori!) e ai titoli di alcuni brani ci fanno presagire un approccio un po’ troppo indie-hipster, ma all’ascolto dobbiamo ricrederci perché la componente musicale resiste dall’essere laccata, piuttosto sporca le linee vocali e aggiunge macchie sui capi. Al contrario la sezione ritmica fa il suo lavoro, per una volta pulito, e offre una cornice ideale alla proposta musicale della band che gioca tutte le proprie carte sulle melodie. Ora Che Non Ho Più Te è una delle prime tracce che più ci colpisce piazzando una sei corde tagliata che fa scattare il trigger al nostro collo per poi tuffarsi in un rock deciso.

Ma la benzina inizia a scorrere veloce con Tutti I Vizi Che Ho per assumere forme diverse con la successiva Rollingstronz che prima rallenta (psichedelia?!) poi riprende le pulsazioni a cui la band ci ha abituati. Non si tratta però di bpm perché i ragazzi ci mettono un’attitudine che vuole dare un senso diverso alla propria musica, uno stile, e in questo Triangolo Shock lo dimostra apertamente, lontano dal classico brano rock. Se Non Mi Tengo Volo è un insieme di brani che singolarmente (quasi tutti) restano sotto i tre minuti e che non ci mettono molto per entrare sotto pelle. Energia miscelata a stile, due ingredienti che di solito viaggiano su binari differenti e che, se identificati contemporaneamente producono dei tempi di pubblicazione di inediti molto più lunghi rispetto a quelli de’ I Carnival. Per questo (o anche per questo) ci piacciono.

Jules Not Jude – Pillowlize

I Jules Not Jude ci hanno abituati a full-lenght e a EP quasi sempre intervallati alternativamente. Ora è il momento di un loro EP dal titolo Pillowlize, anch’esso a metà di qualcosa. Infatti è composto da 4 tracce, due presentate come outtake del precedente The Miracle Foundation (recensito da noi a questa pagina) e due inediti nel vero senso del termine. Partiamo dagli outtake: il primo è l’opener Mitosis che ci riporta direttamente alle ambientazioni di The Miracle Foundation, indie rock che sfiora in parte il sound degli onnipresenti Franz Ferdinand in parte il brit inglese, il tutto con una certa attenzione rivolta ad effetti ed arrangiamenti. Il secondo erede del precedente lavoro è la terza traccia che dà anche il titolo al presente EP: qui la composizione si allunga superando i 5 minuti e sembra uscire da un album dei Pink Floyd, se non fosse per le linee vocali che tendono ad una sapiente ricerca di orecchiabilità moderna; ma ad un certo punto entra il pianoforte, stesso elemento che si presenta nell’ultima Chinese Man, passaggio-omaggio, a nostro parere, alla memoria dei Fab Four.

Resta da ascoltare 29, che è un compromesso tra le due anime, quella più intimista e psichedelica (qui potremo dire lounge) e quella invece che preferisce puntare sulla ritmica coinvolgente. Cosa c’è da attendersi dal futuro dei Jules Not Jude? La risposta sta in una delle due anime o continueranno a vivere entrambi i panni? Lo scopriremo insieme.

Slowmother – Slowmother

“Perché non registrare una manciata di brani e piazzarli su un EP?” si saranno chiesti gli Slowmother. Ed ecco fatto, dopo anni la belva ruggisce tramite i loro amplificatori. Il ruggito è legato alla matrice di rock classico che pulsa sotto pelle del duo che si muove dietro questo moniker, supportato da Roberto Paladino (The Gambardellas) al basso. La loro essenza, a nostro parere, viene resa bene in Lipstick, un pezzo fortemente anni 70 con un assolo lungo e una base ritmica possente. Ma l’EP risulta ben più variegato. In alcuni momenti ci sembra che il duo prenda le lezioni dell’indie rock britannico (Franz Ferdinand, Editors) con il graffio di formazioni pseudo americane come gli Stereophonics (che in realtà sono gallesi). Tante linee vocali ma una quantità di melodia piazzata al posto giusto, il rock esce fuori e tiene in allenamento il nostro collo, l’energia sprigionata è a livelli alti, pensata per chi sente ancora vive le radici del rock ma anche per chi apprezza i suoni nuovi (intesi come produzione pulita e cura dei particolari). Interessante anche l’apporto della tastiera (hammond?!) in My Grave che rimarca l’attinenza alla decade d’oro dei seventies e sfiora in alcuni passaggi dei richiami alla Deep Purple.

Una prova affascinante e una band da seguire per permettere che il rock viva come è sopravvissuto egregiamente in queste decadi. Noi siamo sicuri che su un full-lenght (e su vari palchi) questo combo faccia un’ottima figura.

Mat Cable – Psychotronic Drugs

In maniera timida e un po’ vintage arrivano i Mat Cable, nuovo combo che si presenta con un EP di 5 tracce. Bello l’artwork interno al CD, molto curato; lo stile musicale è ancora più variegato, difficile tracciare una radice unica che faccia da guida ai quattro ragazzi. L’opener è debole, lenta e a livello vocale è parecchio tiepida; Under My Skin è sì rock ma più retrò, anch’essa non ha una ritmica davvero coinvolgente (le manca un po’ il tiro) ma strizza in parte l’occhio all’indie rock inglese. Dimenticate la velocità del rock e il sapore grunge e punk a cui fa riferimento la loro presentazione, i Mat Cable si muovono su scenari dark, ritmi lenti, più empatici che energici, uno scenario molto pericoloso perché deve stupire, deve emozionare e a dire il vero qui ci riesce solo in parte. Bello il grip in fase produttiva, si sentono tutte le sfumature sonore e a tratti fa sentire quasi il sudore di questi ragazzi, ma la proposta non ci colpisce più di tanto. Si continua a strizzare l’occhio all’indie tentando di “farlo uscire”, i bpm perdono mordente, qualche arrangiamento c’è anche se vi sono spazi vuoti che potrebbero essere colmati di più caratterizzando maggiormente lo stile.

Estremizzando The Dance ci sembra un brano dei Turbonegro dopo un’overdose di eroina e anche l’ultima Choose Your Way, Babe suona fiacca, i suoi 5 minuti sembrano durate un’eternità. Eppure i singoli musicisti sembrano in un buon equilibrio, dovrebbero solo a nostro modo di vedere caratterizzare un po’ di più la loro mano, osare e uscir fuori con qualcosa di più accattivante, qualcosa che li faccia riconoscere. Le carte ci sono, devono solo giocare la partita giusta.

Luoghi Comuni – Chi Ben Comincia

A metà degli anni ’10 possiamo dire con un certo senso di consapevolezza e falsa modestia che il termine “indie” non ha più lo stesso valore che aveva dieci anni fa. Oggi come oggi un po’ tutti si sentono (o dicono di essere) indipendenti ma all’inizio del nuovo millennio per “indie” si intendeva un genere musicale, prevalentemente un ramo del rock, esattamente l’indie rock. I Luoghi Comuni hanno il pregio di riprenderne quel significato musicale e renderlo attuale, per suoni e produzioni. Infatti Chi Ben Comincia è un EP che suona proprio come se fosse (e lo è) registrato oggi, senza nessun nostalgico senso del passato, ma che vanta con orgoglio l’appartenenza all’indie rock, ultimamente un po’ abbandonato dalla scena emergente. Quindi va confrontato con l’indie che fu e su questo perde un po’ di punti. Di certo noi apprezziamo la scelta di adottare liriche in italiano, fattore che caratterizza maggiormente l’EP oltre che rendere il tutto più digeribile, ma le cinque tracce non stupiscono né per novità né per reinterpretazione di qualcosa di già sentito. I brani sono sicuramente piacevoli, ascoltabili con molta facilità e alcuni denotano una certa attenzione in termini di arrangiamenti, però dopo l’ascolto non ci restano in mente altri caratteri salienti del sound dei Luoghi Comuni.

Folk e cantautorale entrano in Il Ballo Di San Vito, un brano che ci aveva anticipato tanto fin dal titolo, mentre con Alzati si tenta il “singolone” che ci fa muovere con un andamento ondulatorio. Metà Dell’opera, con il suo approccio più decisamente rock, chiude il sipario su questi 15 minuti di musica, un appetizer per qualcosa, speriamo, di più evoluto e/o ricercato.

Felidae Trick – Working Hard

Originario di Tel Aviv, Felidae Trick (vero nome Omer Lichtenstein), giunge al secondo e nuovo EP dal titolo Working Hard, sedici minuti scarsi che entrano nel rock non in maniera decisa, tutt’altro. A tratti sembra aderire all’indie rock, così come presentato, ma a noi Omer sembra un grande appassionato di post-punk, di quello ricercato, non eccessivamente oscuro e stratificato. Certo che Laying On The Sky ci spiazza, un po’ per il suo sapore inglese, un po’ perché sembra uscita dalla mente di un Billy Corgan con qualche rotella in meno, ma il fatto che Corgan non sia per nulla inglese ci fa intuire che questo è un brano davvero pronto per essere recepito in mille modi diversi. Noi preferiamo Felidae quando detta una ritmica, un tempo che poi trascina tutto: Remantically High è un ottimo esempio di brani in cui le melodie assumono un ruolo del tutto secondario, quel che conta è il piede che si muove instancabilmente a tempo e colora tutto il resto.

She Ain’t Rock And Roll, come suggerisce il titolo, è il momento più rock di tutti mentre con la traccia conclusiva, che saccheggia il nome del progetto, si opta per effetti, ritmi più lenti e voce in prima linea. Proprio questa ambivalenza tra spensieratezza indie rock e concretezza post-punk rende Working Hard una prova interessante, forse un po’ breve per avere un’idea chiara delle intenzioni di Omer ma una prova che sicuramente non passa inosservata; questo EP è un’urna dalla quale si può pescare uno qualsiasi dei suoi 5 elementi per appagare un pubblico che non ha confini culturali.

Cento – The Wrong Side Of The Ocean

Ne è passata di acqua sotto i ponti da quando si chiamavano Blu Popsicle e il loro brit pop inondava le giovani generazioni. Ora si chiamano Cento e hanno gli amplificatori in caldo per noi. Sono trascorsi sei anni circa, ma a conti fatti si tratta del decennio scorso, di una natura differente, di altri tempi. Loro sono sempre in quattro ma cambiano passo: lo chiamano alternative rock ma a noi sembra assorbire l’indie rock inglese e riproporlo in chiave moderna, una versione che ci affascina e lo diciamo senza peli sulla lingua. C’è un grande lavoro di equalizzazione dei suoni dietro questo The Wrong Side Of The Ocean, tutti gli strumenti escono fuori allo scoperto e suonano alla grande, come se ciascuno avesse il suo spazio e si muovesse agiatamente nei suoi confini.

L’album dura praticamente un baleno, le dieci tracce fuggono, seppur con una raffinatezza di fondo e dopo 35 minuti lo show si chiude. Eppure ci sentiamo ricchi dopo l’ascolto di questo album perché il rock imbastito da questo quartetto è davvero originale, carico di adrenalina nonostante i suoi cambi di andatura. Babylon ad esempio piacerebbe ai Foo Fighters, mentre Killer On The Loose sembra un parto della coppia Omar Rodriguez Lopez / Cedric Bixler Zavala a metà tra gli At The Drive In e i The Mars Volta; da River si sfiorano anche alcune influenze provenienti dal rock irlandese ma le radici della band sono rimarcate con forza ed è davvero difficile non muoversi a tempo tra ritmi incalzanti e riff carichi di groove. Con la strofa di Rollin’ On arrivano anche le influenze americane targate Lenny Kravitz, le sei corde assumono la regia del film e chiamano all’appello il profilo emotivo della musica della band, una caratteristica che riconosciamo anche in altri momenti dell’album.

Scelta originale per l’artwork che omaggia la figura del leone, un animale che sicuramente ha creato più di un effetto virale (per tutta una serie di motivi) nel corso di questo 2015. Ma al di là dell’immagine quello che conta di The Wrong Side Of The Ocean è la sostanza, una sostanza che ci conquista e ci spinge a premere nuovamente “play”.