Of Mice & Men – Defy

Il quinto lavoro in studio degli Of Mice & Men ha una bella responsabilità. Cioè quella di dimostrare di poter reggere il contraccolpo della partenza del frontman e fondatore, il carismatico Austin Carlile. Diviso tra problemi di salute e incomprensioni con il resto del gruppo, Austin lascia la band a fine 2016. Risultato? Pressoché lo stesso. Nel nuovo disco, cosi come nel singolo pilota Unbreakable (rilasciato ad aprile 2017) quasi non si percepisce l’assenza del quinto membro. Aaron Pauley si prende l’intero palcoscenico dimostrando personalità e duttilità nel passare dal suo ormai classico pulito, allo scream più spietato. La formula ben consolidata del fortunato disco Restoring Force non viene quasi intaccata. I pezzi sono un susseguirsi di riffoni muscolari, ritornelli puliti e di classici stop&go a cui i californiani ci hanno abituato, con veramente poche variazioni sul tema. Ne è esempio lampante la traccia di apertura Defy, a mio parere il miglior pezzo dell’album, con le sue chitarre ritmiche incessanti e un ritornello fortissimo, fatto apposta per restare in testa e tormentarti per giorni. I suoni sono quelli canonici del genere, chitarre aggressive, voce al centro del progetto, e batterie triggerate (pure troppo). Ne risulta il classico suono violento ma allo stesso tempo pulito, che caratterizza ogni album della band. Nessuna novità quindi.

L’incipit del disco è fortissimo, a Defy segue la potentissima Instict, dove l’adrenalina sale e la band schiaccia il piede sull’acceleratore strizzando l’occhio ai Trivium e si concede anche un assolo molto heavy. Un altro brano riuscito, che per lo meno si discosta dalla monotonia che arriverà nei prossimi tre pezzi. Back To Me e Sunflower sono un passo indietro della band verso l’ultimo disco Cold War, più ragionate ma perdono un po’ di mordente, soprattutto per l’abuso della voce pulita di Pauley (e qui forse si sente la mancanza dell’ormai ex frontman Carlile). Anche la successiva Unbreakable (già citato singolo del 2017) non aggiunge nulla alla discografia degli OM&M, già ricca di pezzi molto simili. Altri pezzi a mio parere non pienamente riusciti sono How Will You Live (stesso discorso della precedente), la cover dei Pink Floyd Money (ce n’era davvero bisogno?!), la scontatissima e ruffiana On The Inside e infine Warzone. Soprattutto quest’ultima non si capisce dove vuole andare a parare, passando troppo repentinamente da un genere all’altro, in un meccanismo di contrapposizione che a questo punto del disco inizia un po’ a stufare l’ascoltatore. Un po’ meglio Forever YDG’n, dove la band torna sul pezzo e sforna un’altra canzone degna di nota. Menzione positiva anche per Vertigo (sembra presa da un disco dei 10 Years o dei primi Incubus ma stacca nettamente dal resto del disco) e la finale semiacustica If We Were Ghost.

Raggiunto l’obiettivo di non far rimpiangere Carlile, a parer nostro gli OM&M hanno però abusato troppo dell’ormai consolidato standard di canzone/suono, che alla lunga in un disco intero annoia l’ascoltatore. I brani più convincenti risultano essere quelli in un certo senso più scollegati dal sound classico del gruppo, e questo fa sembrare il lavoro a tratti un insieme di brani non scritti per essere compattati su un unico disco. Non raggiunge il livello di energia di Restoring Force o la coerenza stilistica di Cold War, ma siamo sicuri che gli amanti del genere potranno ugualmente trovare spunti interessanti e dimenare la testa sulle note di questo disco.

Northlane – Mesmer

Nuovo album per gli australiani Northlane e secondo album per il nuovo singer Marcus Bridge che a circa due anni dalla pubblicazione del precedente Node riesce finalmente a mettere in mostra tutta la sua poliedricità stilistica. Il genere è il metalcore ma i Northlane si muovono in un’ampiezza sonora che spazia dalle ritmiche intricate alla Meshuggah, passando per parti melodiche alla Slipknot e arrivando a parti più nu metal alla Mudvayne, il tutto sapientemente miscelato e alternato in 11 tracce che non fanno gridare al miracolo ma che risultano egregiamente scritte e suonate. Citzen il primo brano, riassume chiaramente tutte le sfaccettature del CD alternando parti più dure a quelle melodiche, mentre in brani come Solar è chiara l’influenza nu metal contrapposta all’hardcore di Intuiton e Zero-one. C’è spazio anche per momenti più ambient come in Singularity e Heartmachine, brani decisamente più soft rispetto agli altri che permettono al singer di mettere in evidenza la sua dote migliore ovvero le clean vocal. Si arriva a toccare anche il genere djent nella conclusiva Paragon, con altrettanti richiami e ritmi sincopati dei già citati Meshuggah.

Questa poliedricità che percorre tutto l’album non è sempre riuscita, a tratti la sensazione di già sentito fa capolino, con una manciata di brani in meno forse si sarebbe potuto confezionare un album più immediato e originale, ma a parte questo appunto stiamo parlando di una release decisamente al di sopra della media.

Blood Youth – Beyond Repair

C’è del fumo che proviene dai piani bassi, forse il palazzo sta andando a fuoco o forse l’incendio è stato appena sedato. Sul balcone, un uomo, all’apparenza pacato, osserva la scena. Vittima o colpevole? Sembra la trama di un thriller ma invece è la copertina di Beyond Repair, album di esordio dei Blood Youth, trio metalcore di un paesino a nord di Leeds, UK. Il leit motiv dell’album è l’affronto, e il superamento, di traumi causati dall’abbandono, dalla memoria e dalla crescita; ecco che allora la copertina si sposa a meraviglia con quello che è un album decisamente interessante. C’è tutta la furia e la potenza di un trauma da superare ben mescolate alla melodia e alla morbidezza di un ricordo piacevole di un tempo che non c’è più ma che ha lasciato pace e rabbia allo stesso tempo. I remember è il manifesto di tutto questo. Velocità estrema che rallenta bruscamente per far spazio a piacevoli cori e cambi di ritmo. Puling Teeth spinge ancora di più sul pedale, così come la seguente Buying Time; un album dove non è difficile trovare tracce interessanti, passaggi melodici canticchiabili, breakdown dove scuotere lentamente la testa e segmenti rapidi e furiosi che si trasformeranno in fast mosh nelle loro esibizioni live.

Making Waves, melodiosa apertura intervallata da breakout ben riassume l’intero album e i suoi intenti; ben suonato, ben confezionato, molto piacevole all’orecchio. Potente e melodico allo stesso tempo. Chiude questo lavoro Man Made Disaster; che ci sia una correlazione con la copertina non ci è dato saperlo, ma se come quell’uomo ci fermassimo a guardare il “casino” lasciato dai Blood Youth alla fine di questo album, forse avremmo anche noi quell’atteggiamento di calma apparente e rabbia controllata, che trovo personalmente una situazione decisamente interessante. Non c’è nulla di nuovo ma di sicuro quello che fanno questi ragazzi inglesi è un metalcore ben strutturato e suonato; cosa non così scontata, quindi bene così. Good!

The Hate Colony – Ascending

Una cosa è certa: se siete alla ricerca di adrenalina, energia pura allo stato brado, Ascending non può mancare nella vostra playlist. Il nuovo album dei The Hate Colony è ricco di groove, che passa attraverso riff granitici, voci growl e batteria tritaossa, tuttavia non manca la melodia arricchita da suoni campionati e synth, il tutto rende il prodotto certamente più appetibile per un pubblico più vasto nonostante i nostri nordeuropei non si discostino dal modern thrash di ultima generazione. Ci troviamo di fronte a una band davvero molto preparata sia tecnicamente sia nell’approccio, questa è una formazione di tutto rispetto che vuole arrivare lontano. I rimandi sono quelli che portano a illustri colleghi giusto per fare qualche nome: Lamb of God, The Black Dahlia Murder, il tutto accompagnato da frame di scuola hardcore, specie nelle urla che sputa fuori l’ottimo singer “Lord Mordor”. Prendere respiro è difficile, non c’è tempo per pensare, una volta in sella al nuovo full lenght Ascending siamo travolti da un muro sonoro, il livello della band mira alle prime posizioni, non ci sono canzoni deboli; tra le mie preferite quoto Monsoon che racchiude tutto il sound dei norvegesi, tra melodia e potenza.

Se non ci sono tracce stanche è merito di ogni singolo membro della band, la prova offerta dai musicisti è più che buona, già detto del frontman Lord Mordor, cosa dire della sezione ritmica che non conosce limiti, pronta a irrobustire i riff dettati dalla coppia Bag Joe/Big Trucker, capaci di farsi notare per impatto e groove ma al tempo stesso regalando perle di tecnica agli amanti delle sei corde e qui invito tutti a prestare orecchio, gli assoli sono molti musicali, ricchi di note e di gusto artistico. Mi fermo qui, ho detto tutto, insomma avete voglia di scapocciare, farvi male, fate vostro Ascending, non ve ne pentirete! In alto il nostro saluto!

Deep As Ocean – Lost Hopes | Broken Mirrors

I Deep As Ocean si presentano al grande pubblico con un EP compatto e infuocato. Fin dall’artwork i richiami alla scena metalcore sono evidenti e infatti la parte iniziale di Broken Dreams non lascia dubbi sulle origini musicali del progetto, ma quello che caratterizza il quartetto è un approccio vicino anche alla “vecchia” scuola nu metal e ad un’impostazione più melodica. Se infatti si va oltre lo screaming, si riescono a leggere partiture metal di fine secolo scorso, ma anche un rifferama che abbiamo sentito da nomi pesanti come Bullet From My Valentine, con un’attenzione particolare per il cantato clean che punta a chiedere ospitalità nella mente dell’ascoltatore. L’esempio che calza a pennello è Wasted, un brano dai pattern cattivi ma con delle aperture melodiche che potrebbe facilmente estendere la base di fan della band. Tutta qui la ricetta di una band che ha le idee chiare, che propone un sound moderno seguendo i principi tanto professati negli ultimi venti anni e che, prendendosi qualche rischio maggiore, potrebbe davvero salire a bordo della sonda metalcore tricolore e andare lontano.

Counterparts – You’re Not You Anymore

Torna il combo canadese a due anni da quel Tragedy Will Find Us di cui avevamo parlato a questa pagina e che aveva confermato lo spessore della loro musica. Tornano con You’re Not You Anymore un album composto da brani veloci, compatti e scritti con quel piglio in your face che la loro attitudine metalcore ha sempre avuto. Metalcore ma molto hardcore sia per tempi ritmici che per scream; intermezzi, stacchi di batteria e alcune parti chitarristiche si avvicinano invece di più al metalcore americano. Le idee comunque sono chiare: provate ad ascoltare un pezzo come No Servant Of Mine, molto curato anche nei momenti che fanno da collante tra una strofa e un’altra e in generale con un tiro da paura; un brano invece molto più metal è Swim Beneath My Skin con un incedere da carrarmato e una seconda parte rallentata da headbanging costante. Fragile Limbs è un altro momento stimolante che nel pieno dello stile Counterparts (quindi sempre con ritmi intrecciati e scream violento) propone alcune parti, ritornello in primis, facilmente approcciabili anche da chi non mastica il genere.

La band è cambiata per 3/5, solo Brendan Murphy e Adrian Lee sono rimasti in formazione dal precedente lavoro, eppure il grip che la loro musica produce è il medesimo, pur se il lavoro svolto alla produzione ci sembra migliorato. You’re Not You Anymore è un album potente è molto curato a livello di songwriting capace comunque di rendere sicuramente bene in sede live. E sarà facile trovarsi di fronte al palco a cantare “You haunt me, you haunt me like an empty home“.

Kublai Khan – Nomad

I Kublai Khan sono una band di confine, anzi di più confini. E non ci riferiamo alle loro origini geografiche, comunque particolari visto che vengono dal Texas e non propongono country o generi tipici di quella zona. I KK aderiscono alla scena metalcore ma si muovono all’interno di essa come il pubblico nel pieno di un pogo scatenato, senza badare alla direzione da imboccare, piuttosto sbattendo da un lato e dall’altro con vistosa energia e scatenando un polverone che rende difficile capire cosa c’è dietro. Innanzitutto il loro nuovo album, Nomad, non arriva ai 30 minuti, segno questo che ci troviamo ad ascoltare brani compatti e veloci, senza intermezzi o parti perdi-tempo…come direbbe qualcuno “no filler“. Inoltre il loro metalcore diffida dalle clean vocal e assume, sia dietro il microfono che per quanto concerne la sezione ritmica, un sapore fortemente hardcore, di quell’hardcore tipico proprio oltreoceano: accelerate e “tupa-tupa” compaiono di tanto in tanto e spezzano il fiato (lo faranno soprattutto in sede live). La composizione chitarristica e la fusione con gli altri strumenti ricorda alcuni ingredienti djent, con riff stoppati come muri invalicabili (esempio: Salt Water) e tempi talvolta più intricati della pura violenza a cui il metalcore statunitense ci ha abituati.

Per dirla in altri termini nei Kublai Khan ci troviamo il metalcore dei Lamb Of God (nei loro momenti meno violenti) e il suono sporco dei Machine Head così come l’irruenza metallica degli Hatesphere, una ricetta quindi di per sé particolare per il genere anche se comunque abbastanza praticata nel metal in generale. Possiamo dire quindi un buon album sicuramente fatto per essere testato più in sede live che semplicemente dietro un lettore CD o uno PC.

Aquiver – Frames

Arrivano gli Aquiver e decidono di non farlo in punta di piedi. I ragazzi infatti piazzano sul tavolo il loro stile potente, molto influenzato dal metalcore americano: produzione molto curata, linee vocali pulite, chitarre aperte e buoni chorus. Metalcore quindi, ma distante da quanto siamo abituati ad ascoltare da questa parte dell’oceano: basti ascoltare brani come Save Your Day per capire che la loro bussola è spostata altrove anche se di fan di quelle sonorità ne abbiamo tantissimi anche nel nostro Paese. Certo che una ricetta così, che sembra concettualmente semplice visto che “arriva” in un batter d’occhio, non è poi così banale da scrivere e registrare; non è un caso che i membri degli Aquiver non siano proprio musicisti di primo pelo, arrivando da esperienze importanti e secondo noi molto valide come What a Funk, Klogr e Trick Or Treat, tutte band italiane ma che hanno da sempre guardato oltre i confini nazionali per creare il proprio sound. La differenza è che in queste band, per lo più, c’era un carattere proprio nelle sonorità e forse in ciò si identifica l’area di miglioramento futura degli Aquiver.

Tra i pezzi che ci piacciono di più ci sono Fall From Grace, un brano con un attacco che sembra un assedio alla fortezza del metal, e Downfall altro esempio di grande metalcore con synth e basso che aggiungono davvero un valore personale alla traccia. Meno interessante Moving Emotions, contrariamente al titolo, che non si distingue quasi per nulla dalle altre tracce dell’album. Non vi aspettate partiture complesse dietro Frames, in queste undici tracce troverete un metalcore catchy con ritornelli che potrete cantare, tempi stoppati e buoni arrangiamenti (in alcuni casi anche con un pizzico di elettronica), tutti ingredienti essenziali per realizzare un ottimo lavoro. Gli Aquiver con Frames si apprestano di certo a calcare palchi dal respiro internazionale, noi ci scommettiamo.

Make Them Suffer – Worlds Apart

I Make Them Suffer sono una band che capovolge tanti luoghi comuni. Innanzitutto che le band metalcore non devono provenire solo dagli USA ma che anche in Australia c’è una scena; inoltre che la gavetta è importante ma ci sono realtà che partono da subito con il botto, come questo quintetto che fin dall’esordio è stato seguito dalla Roadrunner Records. Dopo due lavori i ragazzi hanno cambiato casa e sono passati alla Rise Records con la quale pubblicano il terzo Worlds Apart, un album compatto ed estremo ma che mostra una trasversalità nella loro visione di metalcore. La presenza, anche in maniera evidente, di tastiere ammorbidisce molto il tiro (in alcuni frangenti ci ricordano i primi Between The Buried And Me, anche in termini di produzione) e l’affiancarsi di cori puliti va anch’esso in questa direzione. Il territorio principale resta comunque quello del metalcore così come lo conosciamo e brani come il singolo Fireworks o Dead Plains risultano il classico esercizio di genere frutto di band dal carisma internazionale ma con strutture ormai note.

Vortex (Interdimensional Spiral Hindering Inexplicable Euphoria) è sicuramente un pezzo importante di questo album, sia per le sue influenze djent sia per i cambi che lo rendono davvero interessante; inoltre un tappeto di tastiere resta in secondo piano e conferisce un’ambientazione cupa e drammatica al tutto, mentre le linee vocali di Sean Harmanis induriscono la ricetta. Un altro pezzo degno di nota è Power Overwhelming che mostra delle chitarre intricate e fuori dai soliti schemi, mentre in Midnight Run arriva una matrice groove che ci ricorda il nu metal ormai del passato (remoto). In generale comunque crediamo che le tracce abbiano un potenziale maggiore in sede live che in ascolto studio. Worlds Apart potrebbe essere la perfetta colonna sonora di una prossima invasione alinea, quella rappresentata sull’artwork di questo terzo lavoro della band australiana.

August Burns Red – Phantom Anthem

Secondo studio album per la Fearless Records (il primo fu Found In Far Away Places recensito da noi a questa pagina) e ottavo lavoro di inediti nel complesso: gli August Burns Red sono tornati. Divenuti ormai un nome ingombrante nella scena metalcore internazionale e potendosi permettere tour da headliner anche al di fuori degli States, la band non intende modificare quello che è il proprio stile e che ha permesso al quintetto di conquistare un seguito importante. A parte l’attacco di King Of Sorrow che sembra fuoriuscito da un vecchio album dei Mastodon, gli August Burns Red martellano il ferro finché è caldo: il loro metalcore fortemente americano è infatti legato a doppia mandata con un buon lavoro di chitarra che si destreggia tra riffing compatti (anche in palm mute) e solismi che talvolta divagano per offrire un contributo melodico, il tutto condito da una sezione ritmica molto debitrice al death metal che non disdegna incursioni in ambito technical death in modo da risultare ancora più potente e affilata. Insomma una ricetta che conosciamo nel loro identikit da anni.

Non è infatti cosa nuova che gli ABR siano una band di certo maturità, tramite le aperture melodiche, gli intermezzi che rallentano il respiro e aprono a nuovi orizzonti sonori (vedi Generations e Float) o anche il lavoro delle due chitarre che risulta davvero certosino e lodevole; peccato però che nel complesso poche sono le tracce di ciascun loro album davvero degne di salire su un gradino alto rispetto all’offerta metalcore mondiale. In questo Phantom Anthem segnaliamo The Frost e Lifeline per le loro partiture math e le influenze quasi celtiche della parte iniziale di Quake (merito del chitarrista JB Brubaker), ma in generale siamo sempre sulle coordinate metalcore tipiche degli ABR. Un esempio? Provate ad ascoltare un brano come Invisible Enemy, non riuscirete a far a meno di vedere l’adrenalina che sale sotto il rifferama iniziale ma al termine di tutto la riterrete una delle tante creazioni metalcore come già ne avrete ascoltate a pacchi. Quindi chi li ha amati apprezzerà sicuramente questa uscita che è tutt’altro che piatta e deludente. Per chi si aspettava delle novità dagli August Burns Red dovrà pazientare magari per il prossimo album.