Mothercare – Chronicles Of Ordinary Hatred

I Mothercare sono tornati, dopo 5 anni dal precedente The Concreteness Of Failure (recensito da noi a questa pagina) e con 20 candeline spente. Quello che ci propongono in questo inizio 2015 è il loro stile ormai consolidato, inserito in un prodotto che correttamente viene presentato a metà strada tra un EP e un full-lenght. 24 minuti per 8 tracce, ma in fondo non potevamo aspettarci che la musica del sestetto veneto raggiungesse l’ora di ascolto; inoltre, come abbiamo spesso imparato, la durata di un album è totalmente slegata sia dalla qualità che anche dalla velocità di esecuzione. Infatti Chronicles Of Ordinary Hatred suona come un album tutt’altro che veloce e anche la violenza (abusata nel precedente album) sembra essere stata accantonata a vantaggio di una composizione più matura. Ad ascoltare brani come Devouress (Part 2) ci viene in mente l’architettura millimetrica, ritmica e sonora, di Fear Factory e Meshuggah e in generale potremo accostare questo nuovo sound dei Mothercare ad un metal-core sofisticato perché fonde il metal moderno ad una radice death metal. Spariti quindi i vecchi spiriti vestiti da Slipknot che avevano affascinato questa band nelle precedenti produzioni (e avevano affascinato anche noi), ora si punta ad un livello più alto dove il songwriting diventa meno irruento e più maturo.

Tutto questo non è legato ad un discorso di qualità, si tratta di una nuova versione dei Mothercare, forse anche maggiormente in linea rispetto alla direzione che il metal sta assumendo oggi (sempre meno violento e più super-prodotto) e che non può essere confrontata con i Mothercare di ieri. Le ultime due tracce sono delle cover: Piss Angel dei Pig Destroyer e Relics dei Nasum, band quest’ultima a cui i Nostri sono emotivamente legati. Un album con cui questa band dimostra davvero di avere le spalle larghe, dall’alto dei suoi 20 anni di esperienza, e che può permettere loro di conquistare una nuova fetta di ascoltatori. Noi glielo auguriamo.

Mellowtoy – Lies

Anni di gavetta, tre dischi, fino ad arrivare ad inizio 2015 pubblicando il disco che per loro sarà quello della svolta: è questo il percorso dei Mellowtoy, band milanese attiva dal 2002, che giunge al quarto disco, intitolato Lies, ed edito Scarlet Records. Questa dozzina d’anni per loro è stata intrisa di album, cambi di line-up, un’intensa attività live che li ha portati a calcare palchi italiani e non in compagnia di gruppi altisonanti quali Papa Roach, Ill Nino, Disturbed ed altri. Sono stati anni che sono serviti a crescere, maturare sotto ogni aspetto, fino ad arrivare al parto di Lies. Il disco è composto da dodici brani, e la breve intro strumentale Nitro DK funge da elastico di una fionda che ci lancerà dentro un album davvero esaltante; il sound si fa subito aggressivo con la titletrack Lies, dove è ben chiara sin da subito l’efficacia del binomio vocale clean-scream di Emiliano e Matt, tecnicamente due voci perfettamente compatibili ed in grado di creare quel sound aggressivo, condito da melodia, che andrà a caratterizzare gran parte del disco. Lungo la tracklist si notano le sonorità che hanno influenzato i Mellowtoy, capaci però di renderle “proprie”, costruendo attorno a loro una granitica personalità; si va dai momenti più emozionati di Visions, singolo dell’album, alla potenza dirompente di Destroy Yourself, fino ad arrivare alla più ruvida Dead Colours. Da Faded Promises, brano dal refrain abbastanza orecchiabile, il sound sterza leggermente verso un metal più moderno, mentre con Chain Reaction, pezzo che si avvale della collaborazione di Chris Machado de’ Ill Nino, il sound ammicca verso sonorità più alternative.

Quel del buon Machado non è l’unica collaborazione esterna: difatti in Bright New World c’è la presenza come special-guest di Paolo Colavolpe dei Destrage. La colonna portate di questo disco è composta da più che validi elementi; del binomio vocale abbiamo già detto, aggiungiamoci le chitarre graffianti quanto poche, una ritmica ben sostenuta (A Letter From The Past ne è una chiara dimostrazione) ed il gioco è fatto. Il punto conclusivo del disco spetta a S.A.T.A.N., breve outro dal sound molto più devoto all’hardcore. Avevamo lasciato i Mellowtoy nel 2010, quando pubblicarono Pure Sins e li ritroviamo quasi cinque anni dopo con questo Lies che dimostra in maniera netta e decisa il processo di maturazione del combo lombardo. L’album si presenta come un prodotto di ottima qualità, grazie anche al lavoro “dietro le quinte” di Kyle Hoffman (P.O.D., Lacuna Coil). La scena nostrana aveva fortemente bisogno di un’altra band dal grosso potenziale ed in grado di ottenere meritata visibilità anche al di là dei nostri confini; l’abbiamo trovata. Pur essendo solo ad inizio anno, possiamo tranquillamente sostenere che Lies dei Mellowtoy si candida già come uno degli album più riusciti del 2015. Bentornati!

Hate After Rage – Killing Faith

Non è sempre facile cercare di apportare innovazioni di genere in campo musicale. Molti ci provano, pochi riescono, altri sperimentano troppo, camminando sul filo del rasoio e precipitando nel baratro. Gli Hate After Rage vengono da Latina e si autoproducono il loro debut album, Killing Faith. Il loro sound si presenta subito molto grezzo, soprattutto per quanto riguarda gli strumenti a corda, risultando così in un metalcore che però ricorda per quanto detto sopra, in molte sue venature, il thrash metal old school, quello degli esordi di metà anni ’80. La particolarità di questa band risiede però nell’alternanza della voce femminile (predominante) di Arianna Bonardi a cui fa da contraltare con i suoi scream malati Andrea Fiorucci. Tutto questo mix partorisce uno strano sound di matrice, come dicevamo, old school estremo molto 80’s su cui il cantato etereo della ragazza si sposa molto bene. Questo risulta soprattutto dalle prime tracce, Buried e Project Osiris, molto accattivanti e violente. Killing Faith poi però va via via scemando, proseguendo in diverse direzioni stilistiche che rendono poi l’album raffazzonato ed all’ascolto globale sembra che il tutto sia stato fatto con molta fretta. Pare che per la voglia di debuttare a tutti i costi si metta troppa carne al fuoco andando a compromettere il risultato finale.

I ragazzi non sono per niente scarsi, non sono degli sprovveduti che hanno preso in mano degli strumenti, tutt’altro. Solo che, secondo il nostro parere, non hanno ancora ben precisa la strada stilistica da intraprendere. Anche in fatto di produzione, le chitarre ed il basso molto grezzi, rispecchiano subito la personalità della band (eccezion fatta per la batteria, a nostro modesto avviso troppo legnosa e poco incisiva e potente). La voce femminile, inoltre, dovrebbe costituire quel tocco di innovazione che viene rispecchiato dalle prime due song. Mano a mano che passano minuti e canzoni, ci si trova invece di fronte ad un cantato normale che si adatta a canzoni che esprimono poche idee compositive. Se si ascolta la bonus track Black Friars, di ispirazione classicamente heavy, ci si trova davanti ad una altro pezzo molto buono, completamente slegato dal resto di Killing Faith.

Restiamo in attesa delle produzioni future che se indirizzate nella maniera giusta e che seguano un tracciato stilistico e di personalità ben formato, sicuramente riserveranno delle sorprese. Qualche seme che può crescere molto bene nel debut degli Hate After Rage lo si nota già.

Distance – I

Molti stentano a crederci ma il metal appartiene anche ai paesi dell’Europa mediterranea. E se sul nostro, fucina di formazioni di grande peso ampliato anche oltre i nostri confini, non abbiamo dubbi, ogni tanto alcune novità ci dimostrano quanto anche i paesi limitrofi al nostro cerchino di reggere il confronto. E’ il caso dei Distance, band attiva dal 2007 ma che da poco è giunta al primo full-lenght dal semplice titolo I. L’album è un buon esercizio di metal ma si presenta ben più semplice rispetto a quanto la band vorrebbe far credere. Vengono citati mix di influenze, un lavoro che fonde i generi musicali radicati in tutti i sei membri della formazione spagnola…eppure noi lo definiremo con meno parole un “buon esercizio di metalcore”. Apprezziamo il fatto che i Distance siano in possesso di un livello tecnico più che buono e che si alternano aperture un po’ più melodiche (soprattutto nelle linee vocali) a parti più aggressive e tirate, ma si tratta comunque di un prodotto facilmente inquadrabile (contrariamente ci eravamo aspettati composizioni più sperimentali). Per intenderci I può essere digerito in un boccone dai fan di Soilwork e Killswitch Engage (band citate dagli stessi Distance) e noi vediamo, nei momenti più tecnici, qualche affinità di gusti con i Between The Buried And Me.

Difficile fare un’analisi dettagliata delle otto tracce che compongono l’album: suonano come un monolite pesante con due chitarre graffianti ma anche una sezione ritmica decisa che difficilmente allontana l’attenzione dal metal. Colpisce Conception che suona come un brano un po’ diverso, sia per la parte di basso che apre il tutto, sia per una ricerca atmosferica maggiore, quasi affine a certe produzioni prog metal (Pain Of Salvation primo periodo), e nonostante risulti affine alla scelta stilistica del sestetto non manca un intermezzo meno d’impatto (che ci fa tornare alla mente i nostrani DGM di Hidden Place). In definitiva un buon lavoro che può tenere testa alle produzioni di band note dell’Europa continentale e che speriamo di vedere presto sui palchi in giro per il nostro continente.

Ruinside – 10 Forms Of Dominion

I generi musicali sono come le epidemie: i più cattivi si diffondono molto facilmente arrivando ai diversi angoli del globo. E così quando si parla di musica estrema o comunque di suoni duri ogni paese ha il proprio cavallo di razza, indipendentemente da quanto folta sia la scena al proprio interno. Eppure vi sono luoghi dove i singoli generi sono radicati, scorrono nelle vene dei musicisti e risulta davvero difficile per i comuni mortali toccare quei livelli. Così il nord Europa, in questo caso la Finlandia, ha molto da imparare e i Ruinside sono l’ennesima conferma che certe sonorità sono davvero dure a morire nelle terre del freddo glaciale. Presentati come una melodic thrash metal band, i Ruinside targati 2014 sono maggiormente aderenti alla scena metalcore, molto improntata all’heavy: voce pulita e in barricata, pronta ad assaltare l’ascoltatore, e riff granitici sicuramente figli della scuola Metallica (nel brano In The Arms Of Bitterness anche il singer Toni Salminen prende spunto dal marchio Hetfield) ma con abiti molto moderni. Addio alle sperimentazioni, i pezzi di questo 10 Forms Of Dominion arrivano già dal primo ascolto, creano sicuro headbanging e trascinano i thrasher in un metal davvero potente nonostante la forma canzone abbastanza canonica.

Si passa dalla cadenzata Dancing To The Demon’s Tune, alla martellante The Beginning Of Nothingness per sfuriate e rifferama che capitalizzano le esperienze di Trivium e Bullet For My Valentine e ne attingono in watt e produzione. La ricetta è collaudata, fa sicuramente presa su di un palco, luogo in cui i Ruinside sono in grado di offrire il meglio, e dopo qualche ascolto si apre ad appassionati del metal tout cour. Da segnalare una interessante grafica, sia per scelta dei colori, molto in linea con il concept dell’album, che delle illustrazioni davvero curate e variegate. Una prova da ascoltare e una band da seguire se si è in cerca di riff duri come macigni e ritmi storicamente incalzanti.

Mind Control – Heptagon

Erano ben due anni che i giovani Mind Control lavoravano alla loro prima creatura discografica dal titolo Heptagon, un album che vive in due forme diverse. La prima è fortemente ancorata al death metal e lancia forti messaggi fin dalle linee vocali che toccano per lo più il growl, anche se si dipanano allo stesso tempo attraverso una chitarra con volumi registrati molto in alto e un impatto elettrico traumatizzante. La seconda forma è data dal progressive che in realtà esiste per lo più sulla carta e su qualche soluzione stilistica, ma in generale non riesce a battersi contro il predominio del death metal; è come se la produzione, tutto sommato pulita e con una sei corde graffiante, togliesse quelle colate di grasso che le band death metal si portano usualmente dietro e quindi autorizzi i Mind Control a presentare il proprio genere come “innovative progressive death metal”. Noi in realtà vediamo un death metal molto vestito da metalcore di valore, in cui stili vocali, sezione ritmica incessante, chitarra possente ma anche tastiere ben collocate si alternano in un buon mix compositivo. Memories ad esempio passa agiatamente da parti metal spesse a momenti acustici alla Opeth e queste sperimentazioni a noi piacciono molto perché dimostrano l’apertura mentale dei musicisti. Si tratta comunque di un ingrediente inserito anche in altre tracce, anche perché i brani quasi sempre superano i 6 minuti e quindi risulta necessario un momento centrale in cui tirare il fiato e aprirsi a mondi diversi.

Se da un lato il tratto prevalente che i Mind Control vogliono lasciare è sicuramente l’irruenza del metal, noi suggeriamo di apprezzare molto i bridge e gli intermezzi sperimentali perché è da qui che si delineano le vere capacità della band e soprattutto il potenziale futuro. Citiamo la titletrack: qui le aperture fusion di metà corsa non si scontrano minimamente con il metal della struttura portante e questo è un grande merito che va riconosciuto al quintetto. E allora gli altri momenti? Per noi non sono comunque da sottovalutare: The End Of Everything è un brano molto potente che starebbe bene in un album di metal ben più intransigente e nel quale, oltre al buon esercizio di cambio passo tra voce clean e growl, si presenta anche un riffing molto compatto e variegato nei vari cambi…un’altra grande arma vincente della band. Per chi sente la nostalgia dei primi Mudvayne, per chi ama la potenza dei Soufly o la tenica dei Meshuggah, più in generale per chi ascolta death ma predilige trame fitte e non a tutti i costi brutal, i Mind Control possono essere la soluzione vitale.

Scream Your Name – Face To Face

Per la serie “il metal è ovunque”. Non si possono circoscrivere alcuni generi a specifici paesi che ecco arrivare qualche formazione da qualche luogo inaspettato a creare movimento nella scena heavy metal. Mentre infatti negli ultimi anni stiamo riscoprendo la Danimarca ecco scovata anche una potente metal band svizzera dedita ad un metal-core d’impatto. Si tratta degli Scream Your Name un quartetto che a nostro parere interpreta al meglio il metal-core dei nostri anni: in circa 40 minuti di musica raccolti nel loro Face To Face propongono spinte propulsive tipiche delle formazioni di pari genere provenienti dagli USA ma con aperture emotional nei chorus e spicchi di math-core nelle strutture. Perché la giusta interpretazione secondo noi? Perché l’orecchiabilità dei chorus fa sì che i brani siano digeribili per il metaller medio (inoltre al clean spesso è accostato il growl) ma la tecnica nonché gli stacchi testimoniano allo stesso tempo lo spessore della band. Troppe band di metal-core infatti si perdono in refrain estremamente semplici abbandonando l’obiettivo di crearsi una personalità forte.

Le tracce di Face To Face non sono mai troppo lunghe ma concentrano in esse varie trame come per regalare un’offerta fitta: a noi piacciono gli Scream You Name nei passaggi più particolari come la sperimentale Stronger, la potenza di Thank You che spinge sull’acceleratore con le chitarre che indossano vesti diverse, l’opener In Reverse che anch’essa mette in mostra le capacità camaleontiche della band in meno di 4 minuti e Save & Secure che con il suo stacco centrale zittisce tutti. Sono questi i momenti che più ci convincono rispetto al classico metal-core di With Or Without You, o ad una The Blue House che non spicca rispetto al resto. Per gli appassionati del genere gli Screma Your Name sono la manna.

Malrun – Two Thrones

I Malrun seguono il filone del metalcore, quello che negli ultimi anni ha visto legioni di formazioni accavallarsi per cercare di crearsi una propria identità mescolando (questo è in fondo la mission del genere in questione) vari generi al fine di proporre una nuova visione di metal, molto più moderna. Di tecnica in questo Two Thrones ce n’è, e non è un aspetto secondario, ma in fondo in ambito metalcore questo è un elemento basilare, a meno di non risultare banali. Infatti se osservassimo solo l’aspetto tecnico e giudicassimo solo il riffing affilato delle due asce, potremo offrire un giudizio aureo a questa pubblicazione, tentazione alla quale buona parte della stampa europea ha ceduto. Se però ci soffermiamo ad osservare la reale proposta musicale della formazione danese, non ci troviamo elementi davvero innovativi che li differenzino in maniera forte da band più che consolidate come Bullet For My Valentine, Atreyu e simili. Le linee vocali, che come da regola ben nota, alternano scream a clean, sono la componente che suona meglio all’orecchio e che confermano l’elemento emotional della band, scelto di proposito per dare una sferzata meno estrema al sound ed attecchire su una larga schiera di fan; è naturalmente l’elemento che ci colpisce di meno, anche perché come detto è comune a varie altre band di livello internazionale.

Bury The Dead For You è davvero un bel pezzo, uno di quei passaggi che appaga sicuramente ogni appassionato di metalcore in giro per il globo, Confessions e The Ignorant sono dei buoni pezzi però si tratta di uno stile poco nuovo che può trovare successo solo tra i fan del genere mentre corre il rischio di risultare un po’ troppo scontato per tutti gli altri ingordi di musica dura. Speriamo che nel loro futuro la tecnica sia messa al servizio di idee maggiormente originali.

Ashes To Ashes – Borderline

Dopo alcuni anni di lavoro e di collaudo gli italiani Ashes To Ashes giungono all’album d’esordio dal titolo Borderline, titolo molto azzeccato rispetto alla duplice anima (soprattutto vocale) di cui dispongono. Si dicono fautori di un alternative metal ed effettivamente possiamo dire che le loro tracce heavy, pur risultando per nulla sperimentali, hanno qualcosa di personale, di alternativo. Marta, al di là delle ovvie similitudini nelle parti clean con Dolores O’ Riordan dei The Cranberries, ha una caratteristica saliente, quella di una presenza molto gentile che in vari momenti viene spazzata via dalla sua irruenza vocale (da qui probabilmente l’idea per l’artwork). E’ la title track che rappresenta l’esempio principe: la singer tira fuori un growl in pieno stile metalcore, e solo nel ritornello riprende le sue sembianze di ragazza piccola e innocente che regala tramite il cantato pulito; c’è da dire che alcuni ammiccamenti per lo stile metalcore si apprezzano qua e là come scelta stilistica soprattutto delle due chitarre, le quali poi si portano dietro la sezione ritmica, ma sempre all’interno di una struttura ben collaudata che, forse questo il punto debole della proposta, resta ancorata al percorso “strofa-ritornello-strofa” (con qualche rara eccezione data da assoli o bridge). Ballad Of The Wolf è una traccia davvero particolare: un brano molto ben costruito, con delle aperture più semplicistiche che permettono al brano di entrare nella memoria dell’ascoltatore; il suo mood simpatico e quasi spensierato si scontra con dei testi che raccontano di una persona che sta per essere assalita da un lupo, ma come ogni storia alla fine si intuisce dove volevano approdare i ragazzi perché in realtà quella persona non è altro che cappuccetto rosso (quindi pericolo sventato).

Ci sono dei momenti in cui il connubio di tutti gli strumenti sembra uscir fuori, in particolare in Hydra che presenta un ottimo lavoro delle varie parti, inclusa una sezione lenta che stacca rispetto ai riff iniziali; questo approccio irruento figlio del metalcore viene sottolineato anche da Change e ancora di più dalla successiva Fire Of Desire, uno dei primi brani composti dalla band e il giusto percorso che noi individuiamo per il loro futuro. Il tiro è convincente, le linee vocali sembrano poco metal ma in realtà conferiscono un sapore migliore rispetto ad un growl continuo e infine le tastiere sono quella spezia che caratterizza ulteriormente il sound degli Ashes To Ashes. Testi semplici e chorus ripetuti al momento giusto facilitano il compito della band di fare breccia ad una platea molto ampia, da quella più esigente a quella meno metal e più affezionata al rock.

Annisokay – The Lucid Dream[er]

La Spv si affaccia anche al mercato metalcore e cerca di fare shopping di buone band nella casa madre tedesca che siano dedite anche a questo genere, oltre che le classiche promesse dell’heavy, del power e del thrash metal. Così nascono gli Annisokay, quintetto dedito ad un metal-core con sfumature molto melodiche, anche se definito dalla band come post-hardcore. I ragazzi, giovani come giovane è la loro formazione, arrivano al loro vero esordio discografico con questo The Lucid Dream[er] presentando due tipi differenti di linee vocali: sporca (a cura di Dave Grunewald) e pulita (a cura di Christoph Wieczorek, anche chitarrista). Il gioco viene retto per lo più dalle voci e dalle chitarre, le prime che pongono tutta l’enfasi sulle aperture che la voce pulita offre, le seconde che picchiano duro e risultano sapientemente stoppate, per dare quel sapore groovy (addirittura in Firewalk si percepisce qualche scelta sonora in stile Meshuggah); la sezione ritmica segue pedissequamente la marcia verso la distruzione, uscendo fuori allo scoperto in poche circostanze. Un brano che rappresenta benissimo la proposta musicale della band è Monstercrazy, traccia che contiene tutti gli elementi del loro metal-core: le aperture, il grownling alternato al clean, le chitarre che ruggiscono, le pause e gli stacchi, le parti rallentate e le ripartenze. Al contrario risulta più intimista Who Am I, una sorta di ballad sperimentale e oscura ma che poi sul finale non riesce a resistere e cade nel sound tradizionale della restante parte dell’album.

Se tra i vari brani non si presentano particolari cenni di innovazione, ciò che ci stupisce più di ogni altro fattore è la provenienza della band: a primo acchitto gli Annisokay suonano come la classica band americana dedita ad un metal-core meno estremo e più digeribile (chi ha pensato ai Blessed By A Broken Heart ad esempio?!) eppure sono europei e per di più tedeschi. Così tra passaggi più cattivi, come The Believer o Where Do I Start, momenti più canonici e qualche bonus track (comunque molto in linea con gli altri brani), l’album si accinge alla fine. Resta un piacere ascoltarlo anche grazie ad una produzione di ottima qualità e se questi sono i presupporti per una band nata da una manciata di anni possiamo attenderci molto di più (anche in termini di personalizzazione compositiva) nei prossimi lavori a nome Annisokay.