The Black Dahlia Murder – Nocturnal

Pubblicato nel 2007, Nocturnal è il primo album dei The Black Dahlia Murder con la Metal Blade Records, terzo nella loro discografia. Grazie al contratto con la famosa etichetta, i TBDM si aggiudicarono un posto di tutto rispetto all’interno della scena deathcore. La formazione è leggermente cambiata: al basso abbiamo Bart Williams (il quale sostituisce Dave Lock) e un nuovo batterista, Shannon Lucas, il quale abbandona gli All That Remains per lavorare con i TBDM. Proprio Lucas fornisce una prova delle sue qualità, eseguendo spesso dei blast beat fenomenali, soprattutto in tracce come What A Horrible Night To Have A Curse e nella titletrack. I due chitarristi, Brian Eschbach e John Kempainen, hanno perfezionato le loro esecuzioni, prediligendo un tecnicismo più elevato rispetto ai lavori precedenti: da notare sono i soli in Nocturnal, Deathmask Divine e Climatic Degradation, dove danno il meglio di sé. L’ alternanza fra soli melodicamente curati e rapidi shred rappresenta il loro salto di qualità. Il finale di To A Breathless Oblivion apre una piccola parentesi molto melodica e dai suoni puliti. All’inizio abbiamo l’impressione che Williams venga un po’ coperto da entrambe le chitarre, ma ben presto ci rendiamo conto che gran parte della sessione ritmica è basata sui giri di basso della new entry.

Piccola curiosità: alla fine di Nocturnal troviamo una clip audio presa dal film The Monster Squad, perfettamente in linea con le atmosfere dei testi, i quali trattano tematiche horror, nella maggior parte dei casi, anche se non sempre ci sono riferimenti al gore. La performance vocale di Trevor Strnad è veramente fantastica. Sin dalla prima traccia, When Everything Went Black, dimostra di saper passare egregiamente da uno scream molto alto a un growl su tonalità molto basse. In Virally Yours è possibile ascoltare delle stupende sovrapposizioni di scream e growl. Se siete amanti della velocità, brutalità e horror, questo è un album che dovete assolutamente avere. Purtroppo sarà l’ultimo album dei TBDM nel quale vedremo Kempainen alla chitarra.

Avenged Sevenfold – City Of Evil

Nel 2005 gli Avenged Sevenfold – band californiana di Huntington – danno alle stampe City Of Evil, terzo album della loro carriera, il cui titolo e artwork rimandano a scenari fanta-horror, come sono effettivamente le liriche del quintetto californiano. La copertina post-apocalittica raffigura un teschio alato in sella ad un feroce cavallo, una grafica accattivante e che molto probabilmente farà felici i fan del fantasy e dei fumetti, ma addentriamoci nella musica degli Avenged Sevenfold, per cercare di comprendere cosa suonano i ragazzi americani, poco più che ventenni all’uscita di C.O.E.. Il disco in questione costituisce l’inizio di un nuovo percorso musicale da parte del quintetto californiano, infatti, l’album si differenzia notevolmente dai precedenti Waking The Fallen e Sounding The Seventh Trumpet, in cui la band strizzava l’occhio all’hardcore ed al metal-core, per avvicinarsi a suoni più diretti e melodici, in una sorta di “melting pot” tra thrash metal, power metal, hard rock, emo core e punk rock, non disdegnando passaggi epici e sonorità più suadenti e rilassate, almeno nella seconda metà dell’album, ma partiamo per gradi. L’ascoltatore non ha nemmeno il tempo di inserire il disco nel proprio stereo ed è subito assalito dalla furia di Beast And The Harlot, cavalcata speed power metal di quasi sei minuti, ottimo il lavoro ritmico, anche se il vero punto di forza sono i diversi assoli e riff solisti di Synyster Gates, chitarrista notevole a livello tecnico, tuttavia il resto della band non è da meno e regala una prestazione da applausi; determinanti sono i continui cori – presenti in abbondanti dosi in ogni singola traccia – elemento che vi farà amare o odiare gli Avenged Sevenfold, a seconda dei punti di vista.

Le seguenti Burn It Down, Blinded In Chains, Bat Country e Trashed And Scattered seguono la stessa formula dell’opener: inizio devastante con ritmi velocissimi, doppia cassa scagliata a gran velocità, continui refrain e assoli di chitarra, cori onnipresenti ed una voce in alcuni parti melodica – forse in maniera eccessivamente ruffiana e “sdolcinata” – ed in altre molto energica e grezza. Nel corso delle canzoni, numerosi sono i mid-tempo, il cui compito è quello di spezzare l’incedere trascinante della maggior parte dei brani. La sesta song del disco è Seize The Day, una power ballad riuscitissima e che fa venire alla mente le band hard’n’heavy degli anni ’80. Ottima la prestazione dell’ugola di M. Shadows, solito grande assolo chitarristico nella parte centrale del brano da parte di Gates ed azzeccata l’idea di inserire un pianoforte nella parte iniziale del pezzo. L’album prosegue con Sidewinter e The Wiked End in cui oltre alle caratteristiche delle canzoni precedentemente descritte si aggiungono delle sperimentazioni; per quanto riguarda la prima, citiamo un piacevole finale con chitarre acustiche e spagnoleggianti, che risollevano parzialmente un brano eccessivamente ripetitivo e noioso. The Wiked End invece, si distingue per l’inserimento di un sound tetro e favolistico intorno alla metà del pezzo, una citazione al cinema del celebre regista Tim Burton. Bellissimo l’inizio della successiva Strenght Of The World, questa volta la citazione è al mitico Ennio Morricone ed al cinema western di Sergio Leone. Betrayed non aggiunge nulla di nuovo a quanto già detto in precedenza, mentre la conclusiva M.I.A. chiude il platter positivamente, si tratta di un brano dedicato ad alcuni amici della band, arruolati nell’esercito americano.

Gli Avenged Sevenfold con City Of Evil hanno dimostrato di saper suonare in maniera egregia, molto alto è, infatti, il livello tecnico e compositivo della band, non mancano inoltre, bellissime canzoni, purtroppo però ci sono dei lati negativi da prendere in considerazione. Il primo riguarda la durata eccessiva dei brani, che in alcuni casi risultano ripetitivi e difficili da fruire, l’eccessiva melodia nei cori e negli arrangiamenti, specie nella prima parte dell’album – che danno troppo l’idea di band modaiola – ed infine la voce di M. Shadows che non sempre risulta adatta alla musica del quintetto americano. In conclusione si tratta di un disco piacevole ma che non fa gridare al miracolo, la sensazione è che gli Avenged Sevenfold abbiano voluto mettere troppa carne a cuocere, peccando di eccessiva sicurezza e presunzione.

Glamour Of The Kill – Savages

Tra i nuovi nomi del metal sta circolando da qualche anno quello dei Glamour Of The Kill, band giunta con questo Savages alla seconda prova discografica (senza considerare i due EP) e ad esibirsi come spalla di gruppi dalla notevole fama (quest’anno abbiamo assistito alla loro apertura ai Papa Roach). Tutto questo rumore intorno a loro è in parte giustificato dal colpo di coda che il quartetto sta infierendo alla scena metalcore internazionale che negli ultimi anni ha vissuto un appiattimento rispetto ai più originali album della prima decade degli anni ’00. Un colpo di coda che solo in parte è farina del loro sacco in quanto la band (di origine inglese) attinge molto dai tantissimi insegnamenti provenienti dal metalcore statunitense, tanto da scomodare spesso band come Avenged Sevenfold e Trivium. Un esempio è dato dalla stoppatissima Live For The Weekend, dai suoi arrangiamenti, dai suoi cori e da tutti quegli elementi che entrato nella mente dell’adolescente americano medio, pur essendo costruita su una solida struttura ritmica. Al di là dei richiami ad altre band, si percepisce comunque una certa maturità stilistica (Tears Of The Sun non suona per niente banale) che li fa apprezzare sicuramente da un pubblico più vasto e li prepara benissimo, appunto, al mercato d’oltreoceano. Questo è anche il loro punto di debolezza in quanto a nostro parere sarebbero in grado di far evolvere il genere mentre invece seguono troppo quanto fatto da moniker più blasonati.

Un esempio di ingrediente migliorabile è rappresentato dal refrain di Second Chance che sa molto di emo da classifica, al contrario della sua strofa che invece presenta un riffing molto metalcore (di ispirazione Bullet For My Valentine). Per quanto riguarda la voce non si tratta di una scelta forzata tra parte clean e parti più sforzate: Heartbreaker risulta interessante pur non creando strozzature vocali per il singer, ma è sempre la parte centrale (ritornello ed eventuale chorus) che fa perdere i colpi. Mentre un’altra band avrebbe sfruttato quel passaggio per sperimentare o per far cambiare drasticamente rotta alla traccia, i Glamour Of The Kill preferiscono optare (come altre band, mosse da direzioni commerciali) per un ritornello di facile presa e cantabile a gran voce. È un peccato perchè i bridge e gli stacchi sono davvero potenti rispondendo alle aspettative anche di chi non è molto affascinato dal metalcore. Una marcia in più ce l’ha A Beautiful Day To Die che mantiene un vago sentore di cupo nella parte musicale, comunque ben affilata per la sei corde (riff e assolo) e con un incedere aggressivo, anche se con Tears Of The Sun si toccano con mano le reali potenzialità di questo gruppo, capace di spaziare tra suoni, ritmi ed ambientazioni diverse. È su questo banco di prova che li vorremo ascoltare in futuro.

X-State Ride – X-State Ride

Quando si ascolta un album composto da 11 tracce della durata inferiore alla mezz’ora si pensa subito all’underground, al DIY proprio come il titolo di una canzone degli X-State Ride, o meglio si pensa al punk, quello impegnato che trasuda messaggi. In parte la nostra impressione è giusta: il quartetto in questione apre il proprio omonimo lavoro targato 2013 con un brano dal titolo 1984 e considerando anche le tante citazioni di George Orwell inserite all’interno del booklet, possiamo dire che si tratta di una formazione assolutamente schierata, con le idee chiare. Idee che vanno oltre il solito cliché della propaganda politica, ma che preferiscono smuovere le coscienze, indipendentemente dal proprio colore o dalla propria estrazione sociale. Perchè dicevamo “in parte la nostra impressione è giusta”? Perchè gli X-State Ride, pur presentandosi come una band appartenente alla scena punk, hardcore e metal, in realtà sono qualcosa di molto diverso. Immaginatevi i Between The Buried And Me a cui viene sottratta la connotazione “math” e avrete il sound di questo album che arriva dritto. Per alcuni versi si percepiscono molte influenze metalcore nel mood trascinante dei brani, mentre le parti vocali simpatizzano talvolta con con un’approccio screamo, alternando (troppo) sapientemente strofe pulite a ritornello urlati. La componente compositiva è quella che colpisce maggiormente accendendo un faro sulle capacità dei ragazzi visti come musicisti e proprio per questo spessore (e per la loro longevità come progetto musicale) ci si poteva attendere qualche passo in più nella direzione dell’originalità.

DIY sembra quasi un nipote di un acerbo urlo NWOBHM, opportunamente rinvigorito di carisma moderno mentre invece con Splatterhouse si spinge sull’accelleratore e si tenta la carta del thrash-core con uno sprizzo di rock’n’roll sul finale. Chiaro quindi che non siamo proprio nei lidi del punk ma in realtà i Nostri puntano diretti all’heavy metal attuale per ricevere consensi. Belli i momenti come Leaving Home e Dislike anche se richiamano qualcosa di già sentito (Trivium?!); da segnalare Crystal Mountain e il suo rifferama deciso. In conclusione, se non fosse chiaro, noi siamo tra quelli che credono che questa band potrebbe fare davvero molto di più e ne ha tutte le capacità.

Declamatory – Human Remains

È vero che spesso le cose belle non sono complesse né ricercate ma vengono su quasi spontaneamente. Ciò non significa che basti poco affinchè esse prendano forma né che si tratti di opere da tutti. È così per i tedeschi Declamatory, una band ormai al tredicesimo anno di attività che al di là del demo dal titolo Nevolution del 2004 arriva a fine 2012 con il vero debutto discografico dal titolo Human Remains. Tutto ci saremo aspettati da questo quintetto ad accezione di ciò che in realtà sono veramente: eliminate dai vostri pensieri il power e l’hard rock che la Germania ha insegnato al mondo, i Declamatory producono un heavy metal dallo stile semplice e che giunge senza intermezzi. Un heavy molto affine a certe soluzioni metalcore (Trivium, Bullet For My Valentine…soprattutto nei cori e in certe sfuriate) seguendo però dei tempi non velocissimi bensì caratterizzati da un riffing quasi groove che ricorda certe soluzioni death metal. Law Of The Gun convince per delle scelte differenti lungo il suo sviluppo e con i suoi quattro minuti riesce a dire tanto. Nulla di innovativo certo, ma quando ascoltiamo delle chitarre graffianti e ben prodotte (spesso che omaggiano il thrash più cattivo) ed una sezione ritmica che non cede il passo a colpo alcuno, lo spettacolo fa per noi.

Con Raider Messiah i tempi divengono più rapidi e le sei corde sembrano scaricare delle mitragliate sul pubblico, mentre con Night Club Booze Tale si ritorna su una matrice metalcore, ben costruita ma pur sempre eccessivamente fedele a quanto ascoltato da band di pari genere. Molto più heavy e con anche un certo sapore epico si presenta Nomad, uno dei pochi brani che conserva anche un certo stile tedesco soprattutto nei passaggi lenti e che caratterizza maggiormente la band; al contrario la title track in chiusura fa presagire una certa evoluzione sonora dei Declamatory che li porta distanti da composizioni intransigenti facendoli approdare ad un heavy più ragionato, quasi post-metal. Assoli precisi, partiture seppur non freschissime comunque impattanti e una voce raramente in growl fanno di questo Human Remains un album da ascoltare con del sano headbanging da contorno, senza pretese ma solo con la convinzione di chi vuole conoscere una nuova band ed aggiungerla ai propri ascolti consuetudinari.

Terminal Sick – Nothing More

Bene, bene, bene! Bello vedere progetti validi continuare a crescere, maturare e contribuire ad allargare l’offerta metal in Italia, Paese che offre effettivamente molto più di ciò che pubblicizza. Ed il progetto Terminal Sick rientra tra questi. Nati a Bologna nel 2003, esordiscono con il demo Psychical Analysis, che si fa notare fin da subito procurando alla band un contratto di promozione. Purtroppo il singer abbandona la formazione ma, senza darsi per vinti, i Nostri trovano un altro frontman e pubblicano il loro album d’esordio nel 2010, Diagnosis. Nothing More invece è uscito nel dicembre 2012 presentandosi subito molto più maturo del precedente: riff più elaborati, le parti elettroniche acquistano importanza sia in quantità che in qualità riuscendo a dare un significativo contributo allo sviluppo del disco. Le solide tracce che compongono l’album sono costruite su un importante impalcatura death, fortemente influenzata dall’elettronica e da gruppi quali Soilwork, Ill Niño, Disturbed. Le chitarre, pesanti come putrelle di marmo, restituiscono pezzi scavati e profondi, mischiati ad un picking più veloce ed acuto tipico del genere. I pezzi sono tutti efficaci, basti pensare all’acida Red Eyes, che ricorda molto i primi Mnemic, alla particolare Broken Family, con la sua splendida linea vocale ed anche a On The Ocean Floor, solo per citarne alcune. Il lavoro all’elettronica è notevole, anche se rimane su soluzioni di genere consuete, così come quello svolto dal bravo cantante che si districa abilmente tra il cantato pulito ed il growl, attingendo da generi diversi per personalizzare i Terminal Sick.

Un lavoro che è un vero e proprio pugno in faccia, come suggerisce l’artwork. E proprio a questo proposito si può muovere una debole critica al combo bolognese: perché operare una così forte censura rispetto alle copertine ed ai booklet passati? Il lavoro che stiamo ascoltando è un progresso rispetto ai precedenti, ma le scelte grafiche no. Anzi, sembrano retrocedere ad un livello quasi adolescenziale, ad una rabbia “per partito preso” invece che motivata da pulsioni profonde. Anche la scelta del cambio di logo è discutibile; quasi tendente al poetico, al letterario. Un corsivo morbido e flessuoso che rimanda a lettere d’amore rende la copertina meno impattante e completamente staccata da ciò che si ascolta. Ad ogni modo, Nothing More è un valido album che merita tutto il successo possibile. Continuate così!

Six-Point Lead – Light Lies

Potenza e melodia, due ingredienti fondamentali della musica nel senso più ampio del termine. Alcuni autori prediligono uno o l’altra declinandole in varie sfumature definite dalle case discografiche come generi musicali. Il metalcore, genere nato tra gli anni ’80 e ’90, cerca di fondere la potenza dell’hardcore con le melodie metal. I torinesi Six-Point Lead si inseriscono in questo panorama metal moderno, con il loro primo album Light Lies, ereditando inoltre influenze elettronico-progressiste tipiche di questi ultimi anni. La fusione delle due componenti riesce solo a metà nelle prime tracce. Dog Of War, Red, Altar Boy sono tracce di pura veemenza sonora, un muro sonoro che risulta scarsamente decorato. Il groovy doppia cassa della batteria di Cosimo De Mola è fin troppo incessante appiattendo un po’ l’atmosfera generale con eccessivo ricorso al blast beat, il mitragliare delle chitarre è sì cupo, ma sottotono, che assume però una sua ragion d’essere grazie ai break down sincopati eseguiti in maniera impeccabile. Pitch Black è uno dei brani più interessanti del disco. Struggente e delicata inizialmente, solida e robusta poi. Notevole la performance alla voce di Benny Bianco Chinto che alterna alla perfezione le sezioni di harsh vocal a quelle più melodiche. Dissolve Me, So Slow, Respect e Divine  proseguono sullo stesso terreno. Tra queste spicca di più So Slow decisamente più orientata sullo stile clean in cui spicca la voce di Benny Chinto.

Together We’ll Rot , brano thrash/hardcore, ci dimostra come nella band convivano due anime. Slowmotion, traccia particolare, incuriosisce e convince con il suo sound fresco ed attuale composto da un mix di metal progressive ed elettronica. L’album si chiude con la strumentale acustica The Road Not Taken, la fiacca Wrong (soprattutto nel chorus), e la title track Light Lies che ci ricorda le origini con un buon thrash metal. Light Lies non è certo un album rivoluzionario e la band torinese abusa a volte di certi manierismi tipici del metalcore strizzando l’occhio al genere che da qualche anno è ritornato in voga. Dal punto di vista tecnico il gruppo è sicuramente valido, preciso e pulito. Tredici tracce nel complesso dilatano troppo i tempi appesantendo l’ascolto. Nel complesso comunque è un lavoro degno di essere ascoltato, valido per gli amanti del genere, di buona produzione. Al suo interno sono racchiuse alcuni ottimi brani con spunti futuristici grazie all’utilizzo della tecnologia. Se limeranno alcuni manierismi troppo radicati sul genere e seguiranno sempre più questa strada, continueremo sicuramente a sentir parlare di questa band.

Killswitch Engage – Killswitch Engage

Considerati i padri fondatori del metalcore, gli statunitensi Killswitch Engage si son formati dallo scioglimento delle band Overcast e Aftershock nel 1998. La prima presenza sotto i riflettori avvenne nell’anno 2000 dove suonarono in apertura al concerto del gruppo svedese In Flames. Dalla performance vennero notati dalla casa discografica Ferret che li mise sotto contratto, per questa etichetta pubblicarono l’omonimo album Killswitch Engage. Il prodotto non riscosse molto successo, probabilmente dovuto ad una proposta di un genere che subito non “venne capito”, o per la qualità audio non eccelsa. Nel 2005 venne infatti rimasterizzata una nuova versione contente quattro tracce demo del 1999. La tracklist si apre con Temple From The Within, la struttura del pezzo in sé è caratterizzata dall’alternarsi di scream, da parti in “melodico-graffiato” e da parti parlate. Questa peculiarità viene riproposta in tutte le tracce dell’album, rischiando di sfociare quasi nella monotonia e nella ripetizione. Ad un primo impatto, infatti, sembrerà quasi di ascoltare una traccia unica, questo attributo verrà abbandonato negli album successivi. Il cambiamento di stile nei seguenti lavori può essere in parte dovuto al passaggio dall’allora batterista Adam Dutkiewicz a chitarrista.

Tralasciando le lodi dovute alla proposta di un genere, allora piuttosto sconosciuto e innovativo, come primo lavoro in ambito professionale non può essere classificato come uno dei migliori album nel genere metalcore.

Trivium – In Waves

Sotto i riflettori del panorama Heavy Metal sin dal 1999, i Trivium furono soggetti sin dall’inizio a pesanti critiche legate al sound thrash, considerato molto simile a quello dei Metallica e vennero  etichettati come la loro brutta copia. La band ha dovuto, perciò, attraversare situazioni scomode nella loro carriera, come l’abbandono del progetto da parte del batterista Travis Smith, sostituito da Nick Augusto. Il nuovo componente dalla band si integra ben presto con il resto del gruppo, portando una ventata d’aria fresca e innovazione. Con una notevole esperienza sulle spalle e con un curriculum non indifferente, i Trivium rientrano in studio e pubblicano per la nota etichetta RoadrunnerRecords il loro nuovo prodotto, In Waves. L’album si diversifica molto dai predecessori (Shogun, The Crusade, Ascendancy ed Ember To inferno), viene messa da parte la vena thrash tipica del loro sound,per lasciare spazio a sonorità tendenti al metalcore. Questo cambiamento è stato criticato da molti fan, fedeli allo stampo dei precedenti lavori, ma anche apprezzato da altri per la sperimentazione di uno stile proprio e innovativo. Il disco si apre con un intro strumentale (Capsizing The Sea) accompagnato da un pianoforte e da un rullante che scandisce il ritmo, riprendendo le melodie della title track, In Waves, che dà all’ascoltatore un assaggio sull’andamento dell’album. L ’omonimo pezzo è infatti composto da uno scheletro strumentale basilare ma definito e curato. La tecnica vocale di Matt Heafy (primo chitarrista), noto al pubblico per la capacità di rappresentare sia lo stile scream che melodico, si amalgama perfettamente con la voce del bassista Paolo Gregoletto (melodico) e con quella del chitarrista Corey Beaulieu (scream e growl).

Oltre all’alternarsi delle diverse modalità di canto, emergono le doti dei chitarristi, con i loro assoli: unici e caratterizzati da velocità e rilevante difficoltà tecnica, altrettanto accompagnati dai riff di batteria e basso degni di nota. Questa formula viene riproposta in diverse tracce dell’album (Black, Watch The World Burn e Built to Fall). Sono anche presenti brani in cui predomina lo scream e il growl a discapito della voce pulita, come nel caso di Skyline’s Severance. In conclusione, In Waves, si dimostra all’altezza degli album precedenti e assolutamente degno di portare il marchio di fabbrica “Trivium”.