Annisokay – The Lucid Dream[er]

La Spv si affaccia anche al mercato metalcore e cerca di fare shopping di buone band nella casa madre tedesca che siano dedite anche a questo genere, oltre che le classiche promesse dell’heavy, del power e del thrash metal. Così nascono gli Annisokay, quintetto dedito ad un metal-core con sfumature molto melodiche, anche se definito dalla band come post-hardcore. I ragazzi, giovani come giovane è la loro formazione, arrivano al loro vero esordio discografico con questo The Lucid Dream[er] presentando due tipi differenti di linee vocali: sporca (a cura di Dave Grunewald) e pulita (a cura di Christoph Wieczorek, anche chitarrista). Il gioco viene retto per lo più dalle voci e dalle chitarre, le prime che pongono tutta l’enfasi sulle aperture che la voce pulita offre, le seconde che picchiano duro e risultano sapientemente stoppate, per dare quel sapore groovy (addirittura in Firewalk si percepisce qualche scelta sonora in stile Meshuggah); la sezione ritmica segue pedissequamente la marcia verso la distruzione, uscendo fuori allo scoperto in poche circostanze. Un brano che rappresenta benissimo la proposta musicale della band è Monstercrazy, traccia che contiene tutti gli elementi del loro metal-core: le aperture, il grownling alternato al clean, le chitarre che ruggiscono, le pause e gli stacchi, le parti rallentate e le ripartenze. Al contrario risulta più intimista Who Am I, una sorta di ballad sperimentale e oscura ma che poi sul finale non riesce a resistere e cade nel sound tradizionale della restante parte dell’album.

Se tra i vari brani non si presentano particolari cenni di innovazione, ciò che ci stupisce più di ogni altro fattore è la provenienza della band: a primo acchitto gli Annisokay suonano come la classica band americana dedita ad un metal-core meno estremo e più digeribile (chi ha pensato ai Blessed By A Broken Heart ad esempio?!) eppure sono europei e per di più tedeschi. Così tra passaggi più cattivi, come The Believer o Where Do I Start, momenti più canonici e qualche bonus track (comunque molto in linea con gli altri brani), l’album si accinge alla fine. Resta un piacere ascoltarlo anche grazie ad una produzione di ottima qualità e se questi sono i presupporti per una band nata da una manciata di anni possiamo attenderci molto di più (anche in termini di personalizzazione compositiva) nei prossimi lavori a nome Annisokay.

Oltrezona – Mosaico

Cattiveria e sfrontatezza allo stato puro: se volessimo riassumere in poche semplici parole questo disco useremo proprio quelle citate poc’anzi. Parliamo degli Oltrezona, gruppo orginario di Venezia formatosi quasi quindici anni fa. Il sound di questo combo veneto potrebbe semplicemente essere definitivo metalcore, ma gli Oltrezona sono un gruppo difficile da inserire in un unico genere visto che nelle loro corde non mancano riferimenti al thrash e all’hardcore. Il disco di cui parliamo si intitola Mosaico e, tramite i dieci brani che vanno a comporlo, mette in risalto un suond davvero efficace quanto violento da parte dei cinque veneziani, a partire dalla open-track Hurricane, singolo del disco, che si incentra su un pesante metalcore, alternando sonorità violente non adatte a chi cerca suoni più soft, a cenni di melodia che fungono da ottimo contorno. Vero Eroe e Wonderland ci accompagnano neanche troppo gentilmente verso lidi più hardcore, mentre in Oceano è il sound più thrash a prendere il sopravvento. Il disco è ottimante suonato e la voce di Daniel rende il tutto ancor più gradevole, gli Oltrezona mantengono la loro identità in maniera lineare, alternando liriche tra italiano ed inglese, il tutto nelle modalità che rendono questo Mosaico un notevole disco.

A questa band veneziana non mancano certo le attitudini e le capacità per realizzare un ottimo sound, e Mosaico ne è la più facile delle dimostrazioni. Cos’altro aggiungere se non il consigliarne l’ascolto?

Reflections – Exi(s)t

Da quando i Meshuggah esordirono sulla scena musicale internazionale ne é passata di acqua sotto i ponti. E da quando i giornalisti di settore decisero di denominare djent lo stile degli svedesi, parecchi discepoli si sono uniti ed accodati alla band scandinava. A questa corrente impetuosa appartengono anche gli statunitensi Reflections (la seconda “e” del loro monicker è girata al contrario) che giungono alla loro seconda release grazie ad Exi(s)t. Album che, appena infilato nello stereo, rischia di mandare in pezzi tutta la cristalleria presente in casa. Potente e funambolico, con un growl di rilievo imponente e una furia musicale che travolge l’ascoltatore. Certo tecnicamente e per quanto riguarda la composizione non siamo ai livelli dei loro padri putativi (anche perché il livello di follia dei Meshuggah è davvero difficilmente raggiungibile) ma le atmosfere ed i pezzi sono di tutto rispetto. Exit, Delirium e Vain Words From Empty Minds colpiscono davvero dritti in faccia e ci catapultano in una dimensione sonora dove pare tutto sfilacciato ed impalpabile, a parte i continui sweep che si ripetono qua e là e sembrano davvero esageratamente diffusi e dopo poco stonano sembrando fuori posto, messi lì a bella dimostrazione e non ad utilità delle canzoni.

Ma ecco che, da qui in poi, i Reflections virano verso un metalcore che strizza l’occhio ai Killswitch Engage ed il tutto, fino al termine di Exi(s)t si affloscia. Certo rimangono molte parti brutali e puramente djent ma che mischiate insieme ai ritornelli orecchiabili non hanno, secondo noi, un’utilità nel cercare un traguardo personale gradevole. Molte volte, mischiare i generi invece che creare soluzioni nuove ed originali partorisce un risultato molto sfilacciato e non uniforme. Da questo dipende larga parte della valutazione dell’album e del voto che poteva essere molto più alto. Comunque sia, non vogliamo assolutamente mettere in dubbio la validità di questa giovane band, la loro tecnica e il lavoro svolto che è comunque di alto livello. Gli assoli sono sempre tragici e pieni di pathos, creatori di una sensazione di nostalgia che é davvero di ottima fattura. Ma i cinque statunitensi devono decidere da che parte stare. Capiamo che stiano magari anche cercando una hit da lanciare nelle radio come singolo di grande successo, utilizzando ritornelli con il cantato pulito che faccia accettare anche il growl. Ma sarebbe meglio decidere su quale genere concentrarsi. Vedremo in futuro perché le carte per fare bene sono tutte sul tavolo. Ed il tavolo in questione si chiama Exi(s)t.

Remains In A View – Elegies

La scena metalcore ha avuto un seguito in Italia inversamente proporzionale al successo ottenuto in altri Paesi, come negli States. È difficile trovare formazioni metalcore tutte italiane, probabilmente a causa dello stile in parte estremo di questa nuova forma di metal che poco si addice alle richieste dei locali in giro per la penisola (questo è uno dei motivi per cui c’è una copiosa diffusione di formazioni indie rock). Per fortuna c’è ancora qualcuno che porta alta la bandiera del genere e dobbiamo segnalare il nuovo album dei Remains In A View, giunto all’esordio discografico sulla lunga distanza (si sono formati nell’ormai lontano 2007) proprio con questo Elegies. L’album può essere presentato egregiamente già parlando del genere di riferimento in quanto rappresenta una buona prova assolutamente nel pieno dello stile metalcore, quello più classico, quello che conosciamo di Trivium e Bullet For My Valentine, ma con una voce più sofferta, più prossima agli August Burns Red et similia. L’elemento compositivo risulta poco innovativo ma in grado di esprimere una formula collaudata e vincente, capace di avere un buon appeal in studio ma migliore sicuramente dal vivo. Le tracce scorrono veloci, l’album dura 30 minuti, e se non si è confidenti con il genere si fa fatica a distinguere gli altri pezzi: ciò non è un punto a sfavore per la band bensì spesso un elemento caratterizzante del metalcore in generale.

Belle le chitarre in As Moments Becomes Memories che osano qualcosa di più e la conclusiva The Deepest Black, anche se è con la strumentale Sleepwalker Blues che si osano territori diversi, quasi post-metal, che fanno presagire novità nel futuro dei ragazzi. Nel complesso il lavoro suona in linea con il genere ma in attesa di un maggiore timbro personale che speriamo arriverà nei prossimi album a nome Remains In A View.

Bloodwork – Zero

Aggressivo, violento, veloce e con spunti di melodia, sono alcuni degli aggettivi che potremmo usare per definire la terza “opera” dei tedeschi Bloodwork, il cui moniker non lascia molto spazio alla fantasia. Il quintetto, proveniente da Panderborn – una cittadina della Renania settentrionale – si inserisce in pieno nel filone death/metalcore, un genere che vede band come Caliban, In Flames, Dark Tranquillity e At The Gates tra gli esponenti principali. Zero, questo il titolo della terza release del quintetto tedesco, risulta essere un disco che non lascia alcuno scampo all’ascoltatore, bombardato per la durata di poco meno di un’ora, da una serie di killer song che faranno felice il metallaro medio, in particolare i cultori di questo sottogenere, che nutre un discreto seguito in Svezia. I Bloodwork ci pongono di fronte ad un platter che sprigiona un sound pesante, tuttavia non così heavy da risultare estremo tout court, questo grazie ai numerosi ritornelli melodici e ricchi delle classiche clean vocals, che fanno da contraltare al cantato in growl del singer Michael Torka, autore di una prestazione devastante e che non conosce cali di rendimento per tutta la durata dell’album. A Truth Deceived, Roaming The Void, Shattered, Ambition, solo per citarne alcune, costituiscono un vero e proprio assalto frontale nelle orecchie del malcapitato di turno. Le canzoni sono scritte bene e si lasciano ascoltare, purtroppo però – e questo potrebbe essere un limite – non presentano molte variazioni l’un l’altra, in parole povere si fa fatica a distinguere un brano dall’altro, tuttavia crediamo si tratti di una precisa scelta stilistica da parte dei tedeschi.

Nel finale del disco emergono anche delle influenze black metal, Abandoned ricorda vagamente i Dimmu Borgir, anche se poi è sempre l’elemento deathcore a prendere il sopravvento. Menzione particolare spetta alla title track Zero, traccia completamente strumentale e che risulta essere un piccolo gioiellino di tecnica, composizione e melodia, dimostrando le ottime capacità del combo tedesco. Nel complesso, Zero, risulta piacevole ma ben poco sperimentale, ricco di tutti i cliché cari al deathcore, adatto a chi è in cerca di sonorità pesanti e senza troppi compromessi, se quindi fate parte di queste persone, accomodatevi pure, tutti gli altri sono pregati di astenersi, grazie.

Noiseful Silence – Shades Of Red

Shades Of Red è l’album di debutto della band fiorentina Noiseful Silence. Questo connubio di nomi suggerisce già di per sé metalcore, ed in realtà questo non è sbagliato, anche se il suono che esprime la band è un riflesso multiforme e variato del genere nu metal degli anni novanta. L’opener Spellbound va subito dritta al punto grazie al groove duro e tagliente, rimanendo sempre melodica e orecchiabile. Il suono dei Noiseful Silence è piacevolmente dinamico e spesso emozionante. Interessante è la miscelazione intelligente di nu metal, metalcore ed influenze hardcore. Riconosciamo tutto questo nel classico riffing che accompagna lo screaming growl del singer. Non manca certo un elemento ormai sempre più presente all’interno del metal moderno: pennellate di elettronica, come si sente nella quasi morbida Petal In The Green. In questa traccia in modo particolare risalta il dialogo vocale che spesso ci viene proposto in questo album: il ruggito rauco da una parte e la linea vocale più melodica e pulita; la prima si contorce dilaniandosi sempre più ogni volta che gli viene affiancata la seconda. Un album interessante che mostra un grande studio di una parte del metal del passato che è stato non solo assimilato alla perfezione ma anche rielaborato in chiave più moderna dalla band italiana, supportata dall’ottimo lavoro di produzione dove si è riusciti a creare un suono pieno e dinamico senza perdere nessun frammento della distorta potenza necessaria al genere proposto.

Certo il vantaggio di tutte le band attuali è quello di poter attingere a tutta la corposa biblioteca musicale degli anni passati. L’altra faccia della medaglia che spesso adombra i musicisti moderni è la stessa memoria musicale che a conti fatti ingabbia la creatività ingolosendo i musicisti con solidi elementi già a disposizione. Anche i Noiseful Silence ricadono dentro questo gruppo, ma hanno il pregio di aver creato un suono ed un album di respiro internazionale che nulla ha da invidiare a colleghi d’oltreoceano. Un debutto quindi di valore che speriamo serva come trampolino di lancio per prossimi lavori futuri di stampo ancor più personale.

The Black Dahlia Murder – Nocturnal

Pubblicato nel 2007, Nocturnal è il primo album dei The Black Dahlia Murder con la Metal Blade Records, terzo nella loro discografia. Grazie al contratto con la famosa etichetta, i TBDM si aggiudicarono un posto di tutto rispetto all’interno della scena deathcore. La formazione è leggermente cambiata: al basso abbiamo Bart Williams (il quale sostituisce Dave Lock) e un nuovo batterista, Shannon Lucas, il quale abbandona gli All That Remains per lavorare con i TBDM. Proprio Lucas fornisce una prova delle sue qualità, eseguendo spesso dei blast beat fenomenali, soprattutto in tracce come What A Horrible Night To Have A Curse e nella titletrack. I due chitarristi, Brian Eschbach e John Kempainen, hanno perfezionato le loro esecuzioni, prediligendo un tecnicismo più elevato rispetto ai lavori precedenti: da notare sono i soli in Nocturnal, Deathmask Divine e Climatic Degradation, dove danno il meglio di sé. L’ alternanza fra soli melodicamente curati e rapidi shred rappresenta il loro salto di qualità. Il finale di To A Breathless Oblivion apre una piccola parentesi molto melodica e dai suoni puliti. All’inizio abbiamo l’impressione che Williams venga un po’ coperto da entrambe le chitarre, ma ben presto ci rendiamo conto che gran parte della sessione ritmica è basata sui giri di basso della new entry.

Piccola curiosità: alla fine di Nocturnal troviamo una clip audio presa dal film The Monster Squad, perfettamente in linea con le atmosfere dei testi, i quali trattano tematiche horror, nella maggior parte dei casi, anche se non sempre ci sono riferimenti al gore. La performance vocale di Trevor Strnad è veramente fantastica. Sin dalla prima traccia, When Everything Went Black, dimostra di saper passare egregiamente da uno scream molto alto a un growl su tonalità molto basse. In Virally Yours è possibile ascoltare delle stupende sovrapposizioni di scream e growl. Se siete amanti della velocità, brutalità e horror, questo è un album che dovete assolutamente avere. Purtroppo sarà l’ultimo album dei TBDM nel quale vedremo Kempainen alla chitarra.

Avenged Sevenfold – City Of Evil

Nel 2005 gli Avenged Sevenfold – band californiana di Huntington – danno alle stampe City Of Evil, terzo album della loro carriera, il cui titolo e artwork rimandano a scenari fanta-horror, come sono effettivamente le liriche del quintetto californiano. La copertina post-apocalittica raffigura un teschio alato in sella ad un feroce cavallo, una grafica accattivante e che molto probabilmente farà felici i fan del fantasy e dei fumetti, ma addentriamoci nella musica degli Avenged Sevenfold, per cercare di comprendere cosa suonano i ragazzi americani, poco più che ventenni all’uscita di C.O.E.. Il disco in questione costituisce l’inizio di un nuovo percorso musicale da parte del quintetto californiano, infatti, l’album si differenzia notevolmente dai precedenti Waking The Fallen e Sounding The Seventh Trumpet, in cui la band strizzava l’occhio all’hardcore ed al metal-core, per avvicinarsi a suoni più diretti e melodici, in una sorta di “melting pot” tra thrash metal, power metal, hard rock, emo core e punk rock, non disdegnando passaggi epici e sonorità più suadenti e rilassate, almeno nella seconda metà dell’album, ma partiamo per gradi. L’ascoltatore non ha nemmeno il tempo di inserire il disco nel proprio stereo ed è subito assalito dalla furia di Beast And The Harlot, cavalcata speed power metal di quasi sei minuti, ottimo il lavoro ritmico, anche se il vero punto di forza sono i diversi assoli e riff solisti di Synyster Gates, chitarrista notevole a livello tecnico, tuttavia il resto della band non è da meno e regala una prestazione da applausi; determinanti sono i continui cori – presenti in abbondanti dosi in ogni singola traccia – elemento che vi farà amare o odiare gli Avenged Sevenfold, a seconda dei punti di vista.

Le seguenti Burn It Down, Blinded In Chains, Bat Country e Trashed And Scattered seguono la stessa formula dell’opener: inizio devastante con ritmi velocissimi, doppia cassa scagliata a gran velocità, continui refrain e assoli di chitarra, cori onnipresenti ed una voce in alcuni parti melodica – forse in maniera eccessivamente ruffiana e “sdolcinata” – ed in altre molto energica e grezza. Nel corso delle canzoni, numerosi sono i mid-tempo, il cui compito è quello di spezzare l’incedere trascinante della maggior parte dei brani. La sesta song del disco è Seize The Day, una power ballad riuscitissima e che fa venire alla mente le band hard’n’heavy degli anni ’80. Ottima la prestazione dell’ugola di M. Shadows, solito grande assolo chitarristico nella parte centrale del brano da parte di Gates ed azzeccata l’idea di inserire un pianoforte nella parte iniziale del pezzo. L’album prosegue con Sidewinter e The Wiked End in cui oltre alle caratteristiche delle canzoni precedentemente descritte si aggiungono delle sperimentazioni; per quanto riguarda la prima, citiamo un piacevole finale con chitarre acustiche e spagnoleggianti, che risollevano parzialmente un brano eccessivamente ripetitivo e noioso. The Wiked End invece, si distingue per l’inserimento di un sound tetro e favolistico intorno alla metà del pezzo, una citazione al cinema del celebre regista Tim Burton. Bellissimo l’inizio della successiva Strenght Of The World, questa volta la citazione è al mitico Ennio Morricone ed al cinema western di Sergio Leone. Betrayed non aggiunge nulla di nuovo a quanto già detto in precedenza, mentre la conclusiva M.I.A. chiude il platter positivamente, si tratta di un brano dedicato ad alcuni amici della band, arruolati nell’esercito americano.

Gli Avenged Sevenfold con City Of Evil hanno dimostrato di saper suonare in maniera egregia, molto alto è, infatti, il livello tecnico e compositivo della band, non mancano inoltre, bellissime canzoni, purtroppo però ci sono dei lati negativi da prendere in considerazione. Il primo riguarda la durata eccessiva dei brani, che in alcuni casi risultano ripetitivi e difficili da fruire, l’eccessiva melodia nei cori e negli arrangiamenti, specie nella prima parte dell’album – che danno troppo l’idea di band modaiola – ed infine la voce di M. Shadows che non sempre risulta adatta alla musica del quintetto americano. In conclusione si tratta di un disco piacevole ma che non fa gridare al miracolo, la sensazione è che gli Avenged Sevenfold abbiano voluto mettere troppa carne a cuocere, peccando di eccessiva sicurezza e presunzione.

Glamour Of The Kill – Savages

Tra i nuovi nomi del metal sta circolando da qualche anno quello dei Glamour Of The Kill, band giunta con questo Savages alla seconda prova discografica (senza considerare i due EP) e ad esibirsi come spalla di gruppi dalla notevole fama (quest’anno abbiamo assistito alla loro apertura ai Papa Roach). Tutto questo rumore intorno a loro è in parte giustificato dal colpo di coda che il quartetto sta infierendo alla scena metalcore internazionale che negli ultimi anni ha vissuto un appiattimento rispetto ai più originali album della prima decade degli anni ’00. Un colpo di coda che solo in parte è farina del loro sacco in quanto la band (di origine inglese) attinge molto dai tantissimi insegnamenti provenienti dal metalcore statunitense, tanto da scomodare spesso band come Avenged Sevenfold e Trivium. Un esempio è dato dalla stoppatissima Live For The Weekend, dai suoi arrangiamenti, dai suoi cori e da tutti quegli elementi che entrato nella mente dell’adolescente americano medio, pur essendo costruita su una solida struttura ritmica. Al di là dei richiami ad altre band, si percepisce comunque una certa maturità stilistica (Tears Of The Sun non suona per niente banale) che li fa apprezzare sicuramente da un pubblico più vasto e li prepara benissimo, appunto, al mercato d’oltreoceano. Questo è anche il loro punto di debolezza in quanto a nostro parere sarebbero in grado di far evolvere il genere mentre invece seguono troppo quanto fatto da moniker più blasonati.

Un esempio di ingrediente migliorabile è rappresentato dal refrain di Second Chance che sa molto di emo da classifica, al contrario della sua strofa che invece presenta un riffing molto metalcore (di ispirazione Bullet For My Valentine). Per quanto riguarda la voce non si tratta di una scelta forzata tra parte clean e parti più sforzate: Heartbreaker risulta interessante pur non creando strozzature vocali per il singer, ma è sempre la parte centrale (ritornello ed eventuale chorus) che fa perdere i colpi. Mentre un’altra band avrebbe sfruttato quel passaggio per sperimentare o per far cambiare drasticamente rotta alla traccia, i Glamour Of The Kill preferiscono optare (come altre band, mosse da direzioni commerciali) per un ritornello di facile presa e cantabile a gran voce. È un peccato perchè i bridge e gli stacchi sono davvero potenti rispondendo alle aspettative anche di chi non è molto affascinato dal metalcore. Una marcia in più ce l’ha A Beautiful Day To Die che mantiene un vago sentore di cupo nella parte musicale, comunque ben affilata per la sei corde (riff e assolo) e con un incedere aggressivo, anche se con Tears Of The Sun si toccano con mano le reali potenzialità di questo gruppo, capace di spaziare tra suoni, ritmi ed ambientazioni diverse. È su questo banco di prova che li vorremo ascoltare in futuro.

X-State Ride – X-State Ride

Quando si ascolta un album composto da 11 tracce della durata inferiore alla mezz’ora si pensa subito all’underground, al DIY proprio come il titolo di una canzone degli X-State Ride, o meglio si pensa al punk, quello impegnato che trasuda messaggi. In parte la nostra impressione è giusta: il quartetto in questione apre il proprio omonimo lavoro targato 2013 con un brano dal titolo 1984 e considerando anche le tante citazioni di George Orwell inserite all’interno del booklet, possiamo dire che si tratta di una formazione assolutamente schierata, con le idee chiare. Idee che vanno oltre il solito cliché della propaganda politica, ma che preferiscono smuovere le coscienze, indipendentemente dal proprio colore o dalla propria estrazione sociale. Perchè dicevamo “in parte la nostra impressione è giusta”? Perchè gli X-State Ride, pur presentandosi come una band appartenente alla scena punk, hardcore e metal, in realtà sono qualcosa di molto diverso. Immaginatevi i Between The Buried And Me a cui viene sottratta la connotazione “math” e avrete il sound di questo album che arriva dritto. Per alcuni versi si percepiscono molte influenze metalcore nel mood trascinante dei brani, mentre le parti vocali simpatizzano talvolta con con un’approccio screamo, alternando (troppo) sapientemente strofe pulite a ritornello urlati. La componente compositiva è quella che colpisce maggiormente accendendo un faro sulle capacità dei ragazzi visti come musicisti e proprio per questo spessore (e per la loro longevità come progetto musicale) ci si poteva attendere qualche passo in più nella direzione dell’originalità.

DIY sembra quasi un nipote di un acerbo urlo NWOBHM, opportunamente rinvigorito di carisma moderno mentre invece con Splatterhouse si spinge sull’accelleratore e si tenta la carta del thrash-core con uno sprizzo di rock’n’roll sul finale. Chiaro quindi che non siamo proprio nei lidi del punk ma in realtà i Nostri puntano diretti all’heavy metal attuale per ricevere consensi. Belli i momenti come Leaving Home e Dislike anche se richiamano qualcosa di già sentito (Trivium?!); da segnalare Crystal Mountain e il suo rifferama deciso. In conclusione, se non fosse chiaro, noi siamo tra quelli che credono che questa band potrebbe fare davvero molto di più e ne ha tutte le capacità.