Remains In A View – Elegies

La scena metalcore ha avuto un seguito in Italia inversamente proporzionale al successo ottenuto in altri Paesi, come negli States. È difficile trovare formazioni metalcore tutte italiane, probabilmente a causa dello stile in parte estremo di questa nuova forma di metal che poco si addice alle richieste dei locali in giro per la penisola (questo è uno dei motivi per cui c’è una copiosa diffusione di formazioni indie rock). Per fortuna c’è ancora qualcuno che porta alta la bandiera del genere e dobbiamo segnalare il nuovo album dei Remains In A View, giunto all’esordio discografico sulla lunga distanza (si sono formati nell’ormai lontano 2007) proprio con questo Elegies. L’album può essere presentato egregiamente già parlando del genere di riferimento in quanto rappresenta una buona prova assolutamente nel pieno dello stile metalcore, quello più classico, quello che conosciamo di Trivium e Bullet For My Valentine, ma con una voce più sofferta, più prossima agli August Burns Red et similia. L’elemento compositivo risulta poco innovativo ma in grado di esprimere una formula collaudata e vincente, capace di avere un buon appeal in studio ma migliore sicuramente dal vivo. Le tracce scorrono veloci, l’album dura 30 minuti, e se non si è confidenti con il genere si fa fatica a distinguere gli altri pezzi: ciò non è un punto a sfavore per la band bensì spesso un elemento caratterizzante del metalcore in generale.

Belle le chitarre in As Moments Becomes Memories che osano qualcosa di più e la conclusiva The Deepest Black, anche se è con la strumentale Sleepwalker Blues che si osano territori diversi, quasi post-metal, che fanno presagire novità nel futuro dei ragazzi. Nel complesso il lavoro suona in linea con il genere ma in attesa di un maggiore timbro personale che speriamo arriverà nei prossimi album a nome Remains In A View.

Bloodwork – Zero

Aggressivo, violento, veloce e con spunti di melodia, sono alcuni degli aggettivi che potremmo usare per definire la terza “opera” dei tedeschi Bloodwork, il cui moniker non lascia molto spazio alla fantasia. Il quintetto, proveniente da Panderborn – una cittadina della Renania settentrionale – si inserisce in pieno nel filone death/metalcore, un genere che vede band come Caliban, In Flames, Dark Tranquillity e At The Gates tra gli esponenti principali. Zero, questo il titolo della terza release del quintetto tedesco, risulta essere un disco che non lascia alcuno scampo all’ascoltatore, bombardato per la durata di poco meno di un’ora, da una serie di killer song che faranno felice il metallaro medio, in particolare i cultori di questo sottogenere, che nutre un discreto seguito in Svezia. I Bloodwork ci pongono di fronte ad un platter che sprigiona un sound pesante, tuttavia non così heavy da risultare estremo tout court, questo grazie ai numerosi ritornelli melodici e ricchi delle classiche clean vocals, che fanno da contraltare al cantato in growl del singer Michael Torka, autore di una prestazione devastante e che non conosce cali di rendimento per tutta la durata dell’album. A Truth Deceived, Roaming The Void, Shattered, Ambition, solo per citarne alcune, costituiscono un vero e proprio assalto frontale nelle orecchie del malcapitato di turno. Le canzoni sono scritte bene e si lasciano ascoltare, purtroppo però – e questo potrebbe essere un limite – non presentano molte variazioni l’un l’altra, in parole povere si fa fatica a distinguere un brano dall’altro, tuttavia crediamo si tratti di una precisa scelta stilistica da parte dei tedeschi.

Nel finale del disco emergono anche delle influenze black metal, Abandoned ricorda vagamente i Dimmu Borgir, anche se poi è sempre l’elemento deathcore a prendere il sopravvento. Menzione particolare spetta alla title track Zero, traccia completamente strumentale e che risulta essere un piccolo gioiellino di tecnica, composizione e melodia, dimostrando le ottime capacità del combo tedesco. Nel complesso, Zero, risulta piacevole ma ben poco sperimentale, ricco di tutti i cliché cari al deathcore, adatto a chi è in cerca di sonorità pesanti e senza troppi compromessi, se quindi fate parte di queste persone, accomodatevi pure, tutti gli altri sono pregati di astenersi, grazie.

Noiseful Silence – Shades Of Red

Shades Of Red è l’album di debutto della band fiorentina Noiseful Silence. Questo connubio di nomi suggerisce già di per sé metalcore, ed in realtà questo non è sbagliato, anche se il suono che esprime la band è un riflesso multiforme e variato del genere nu metal degli anni novanta. L’opener Spellbound va subito dritta al punto grazie al groove duro e tagliente, rimanendo sempre melodica e orecchiabile. Il suono dei Noiseful Silence è piacevolmente dinamico e spesso emozionante. Interessante è la miscelazione intelligente di nu metal, metalcore ed influenze hardcore. Riconosciamo tutto questo nel classico riffing che accompagna lo screaming growl del singer. Non manca certo un elemento ormai sempre più presente all’interno del metal moderno: pennellate di elettronica, come si sente nella quasi morbida Petal In The Green. In questa traccia in modo particolare risalta il dialogo vocale che spesso ci viene proposto in questo album: il ruggito rauco da una parte e la linea vocale più melodica e pulita; la prima si contorce dilaniandosi sempre più ogni volta che gli viene affiancata la seconda. Un album interessante che mostra un grande studio di una parte del metal del passato che è stato non solo assimilato alla perfezione ma anche rielaborato in chiave più moderna dalla band italiana, supportata dall’ottimo lavoro di produzione dove si è riusciti a creare un suono pieno e dinamico senza perdere nessun frammento della distorta potenza necessaria al genere proposto.

Certo il vantaggio di tutte le band attuali è quello di poter attingere a tutta la corposa biblioteca musicale degli anni passati. L’altra faccia della medaglia che spesso adombra i musicisti moderni è la stessa memoria musicale che a conti fatti ingabbia la creatività ingolosendo i musicisti con solidi elementi già a disposizione. Anche i Noiseful Silence ricadono dentro questo gruppo, ma hanno il pregio di aver creato un suono ed un album di respiro internazionale che nulla ha da invidiare a colleghi d’oltreoceano. Un debutto quindi di valore che speriamo serva come trampolino di lancio per prossimi lavori futuri di stampo ancor più personale.

The Black Dahlia Murder – Nocturnal

Pubblicato nel 2007, Nocturnal è il primo album dei The Black Dahlia Murder con la Metal Blade Records, terzo nella loro discografia. Grazie al contratto con la famosa etichetta, i TBDM si aggiudicarono un posto di tutto rispetto all’interno della scena deathcore. La formazione è leggermente cambiata: al basso abbiamo Bart Williams (il quale sostituisce Dave Lock) e un nuovo batterista, Shannon Lucas, il quale abbandona gli All That Remains per lavorare con i TBDM. Proprio Lucas fornisce una prova delle sue qualità, eseguendo spesso dei blast beat fenomenali, soprattutto in tracce come What A Horrible Night To Have A Curse e nella titletrack. I due chitarristi, Brian Eschbach e John Kempainen, hanno perfezionato le loro esecuzioni, prediligendo un tecnicismo più elevato rispetto ai lavori precedenti: da notare sono i soli in Nocturnal, Deathmask Divine e Climatic Degradation, dove danno il meglio di sé. L’ alternanza fra soli melodicamente curati e rapidi shred rappresenta il loro salto di qualità. Il finale di To A Breathless Oblivion apre una piccola parentesi molto melodica e dai suoni puliti. All’inizio abbiamo l’impressione che Williams venga un po’ coperto da entrambe le chitarre, ma ben presto ci rendiamo conto che gran parte della sessione ritmica è basata sui giri di basso della new entry.

Piccola curiosità: alla fine di Nocturnal troviamo una clip audio presa dal film The Monster Squad, perfettamente in linea con le atmosfere dei testi, i quali trattano tematiche horror, nella maggior parte dei casi, anche se non sempre ci sono riferimenti al gore. La performance vocale di Trevor Strnad è veramente fantastica. Sin dalla prima traccia, When Everything Went Black, dimostra di saper passare egregiamente da uno scream molto alto a un growl su tonalità molto basse. In Virally Yours è possibile ascoltare delle stupende sovrapposizioni di scream e growl. Se siete amanti della velocità, brutalità e horror, questo è un album che dovete assolutamente avere. Purtroppo sarà l’ultimo album dei TBDM nel quale vedremo Kempainen alla chitarra.

Avenged Sevenfold – City Of Evil

Nel 2005 gli Avenged Sevenfold – band californiana di Huntington – danno alle stampe City Of Evil, terzo album della loro carriera, il cui titolo e artwork rimandano a scenari fanta-horror, come sono effettivamente le liriche del quintetto californiano. La copertina post-apocalittica raffigura un teschio alato in sella ad un feroce cavallo, una grafica accattivante e che molto probabilmente farà felici i fan del fantasy e dei fumetti, ma addentriamoci nella musica degli Avenged Sevenfold, per cercare di comprendere cosa suonano i ragazzi americani, poco più che ventenni all’uscita di C.O.E.. Il disco in questione costituisce l’inizio di un nuovo percorso musicale da parte del quintetto californiano, infatti, l’album si differenzia notevolmente dai precedenti Waking The Fallen e Sounding The Seventh Trumpet, in cui la band strizzava l’occhio all’hardcore ed al metal-core, per avvicinarsi a suoni più diretti e melodici, in una sorta di “melting pot” tra thrash metal, power metal, hard rock, emo core e punk rock, non disdegnando passaggi epici e sonorità più suadenti e rilassate, almeno nella seconda metà dell’album, ma partiamo per gradi. L’ascoltatore non ha nemmeno il tempo di inserire il disco nel proprio stereo ed è subito assalito dalla furia di Beast And The Harlot, cavalcata speed power metal di quasi sei minuti, ottimo il lavoro ritmico, anche se il vero punto di forza sono i diversi assoli e riff solisti di Synyster Gates, chitarrista notevole a livello tecnico, tuttavia il resto della band non è da meno e regala una prestazione da applausi; determinanti sono i continui cori – presenti in abbondanti dosi in ogni singola traccia – elemento che vi farà amare o odiare gli Avenged Sevenfold, a seconda dei punti di vista.

Le seguenti Burn It Down, Blinded In Chains, Bat Country e Trashed And Scattered seguono la stessa formula dell’opener: inizio devastante con ritmi velocissimi, doppia cassa scagliata a gran velocità, continui refrain e assoli di chitarra, cori onnipresenti ed una voce in alcuni parti melodica – forse in maniera eccessivamente ruffiana e “sdolcinata” – ed in altre molto energica e grezza. Nel corso delle canzoni, numerosi sono i mid-tempo, il cui compito è quello di spezzare l’incedere trascinante della maggior parte dei brani. La sesta song del disco è Seize The Day, una power ballad riuscitissima e che fa venire alla mente le band hard’n’heavy degli anni ’80. Ottima la prestazione dell’ugola di M. Shadows, solito grande assolo chitarristico nella parte centrale del brano da parte di Gates ed azzeccata l’idea di inserire un pianoforte nella parte iniziale del pezzo. L’album prosegue con Sidewinter e The Wiked End in cui oltre alle caratteristiche delle canzoni precedentemente descritte si aggiungono delle sperimentazioni; per quanto riguarda la prima, citiamo un piacevole finale con chitarre acustiche e spagnoleggianti, che risollevano parzialmente un brano eccessivamente ripetitivo e noioso. The Wiked End invece, si distingue per l’inserimento di un sound tetro e favolistico intorno alla metà del pezzo, una citazione al cinema del celebre regista Tim Burton. Bellissimo l’inizio della successiva Strenght Of The World, questa volta la citazione è al mitico Ennio Morricone ed al cinema western di Sergio Leone. Betrayed non aggiunge nulla di nuovo a quanto già detto in precedenza, mentre la conclusiva M.I.A. chiude il platter positivamente, si tratta di un brano dedicato ad alcuni amici della band, arruolati nell’esercito americano.

Gli Avenged Sevenfold con City Of Evil hanno dimostrato di saper suonare in maniera egregia, molto alto è, infatti, il livello tecnico e compositivo della band, non mancano inoltre, bellissime canzoni, purtroppo però ci sono dei lati negativi da prendere in considerazione. Il primo riguarda la durata eccessiva dei brani, che in alcuni casi risultano ripetitivi e difficili da fruire, l’eccessiva melodia nei cori e negli arrangiamenti, specie nella prima parte dell’album – che danno troppo l’idea di band modaiola – ed infine la voce di M. Shadows che non sempre risulta adatta alla musica del quintetto americano. In conclusione si tratta di un disco piacevole ma che non fa gridare al miracolo, la sensazione è che gli Avenged Sevenfold abbiano voluto mettere troppa carne a cuocere, peccando di eccessiva sicurezza e presunzione.

Glamour Of The Kill – Savages

Tra i nuovi nomi del metal sta circolando da qualche anno quello dei Glamour Of The Kill, band giunta con questo Savages alla seconda prova discografica (senza considerare i due EP) e ad esibirsi come spalla di gruppi dalla notevole fama (quest’anno abbiamo assistito alla loro apertura ai Papa Roach). Tutto questo rumore intorno a loro è in parte giustificato dal colpo di coda che il quartetto sta infierendo alla scena metalcore internazionale che negli ultimi anni ha vissuto un appiattimento rispetto ai più originali album della prima decade degli anni ’00. Un colpo di coda che solo in parte è farina del loro sacco in quanto la band (di origine inglese) attinge molto dai tantissimi insegnamenti provenienti dal metalcore statunitense, tanto da scomodare spesso band come Avenged Sevenfold e Trivium. Un esempio è dato dalla stoppatissima Live For The Weekend, dai suoi arrangiamenti, dai suoi cori e da tutti quegli elementi che entrato nella mente dell’adolescente americano medio, pur essendo costruita su una solida struttura ritmica. Al di là dei richiami ad altre band, si percepisce comunque una certa maturità stilistica (Tears Of The Sun non suona per niente banale) che li fa apprezzare sicuramente da un pubblico più vasto e li prepara benissimo, appunto, al mercato d’oltreoceano. Questo è anche il loro punto di debolezza in quanto a nostro parere sarebbero in grado di far evolvere il genere mentre invece seguono troppo quanto fatto da moniker più blasonati.

Un esempio di ingrediente migliorabile è rappresentato dal refrain di Second Chance che sa molto di emo da classifica, al contrario della sua strofa che invece presenta un riffing molto metalcore (di ispirazione Bullet For My Valentine). Per quanto riguarda la voce non si tratta di una scelta forzata tra parte clean e parti più sforzate: Heartbreaker risulta interessante pur non creando strozzature vocali per il singer, ma è sempre la parte centrale (ritornello ed eventuale chorus) che fa perdere i colpi. Mentre un’altra band avrebbe sfruttato quel passaggio per sperimentare o per far cambiare drasticamente rotta alla traccia, i Glamour Of The Kill preferiscono optare (come altre band, mosse da direzioni commerciali) per un ritornello di facile presa e cantabile a gran voce. È un peccato perchè i bridge e gli stacchi sono davvero potenti rispondendo alle aspettative anche di chi non è molto affascinato dal metalcore. Una marcia in più ce l’ha A Beautiful Day To Die che mantiene un vago sentore di cupo nella parte musicale, comunque ben affilata per la sei corde (riff e assolo) e con un incedere aggressivo, anche se con Tears Of The Sun si toccano con mano le reali potenzialità di questo gruppo, capace di spaziare tra suoni, ritmi ed ambientazioni diverse. È su questo banco di prova che li vorremo ascoltare in futuro.

X-State Ride – X-State Ride

Quando si ascolta un album composto da 11 tracce della durata inferiore alla mezz’ora si pensa subito all’underground, al DIY proprio come il titolo di una canzone degli X-State Ride, o meglio si pensa al punk, quello impegnato che trasuda messaggi. In parte la nostra impressione è giusta: il quartetto in questione apre il proprio omonimo lavoro targato 2013 con un brano dal titolo 1984 e considerando anche le tante citazioni di George Orwell inserite all’interno del booklet, possiamo dire che si tratta di una formazione assolutamente schierata, con le idee chiare. Idee che vanno oltre il solito cliché della propaganda politica, ma che preferiscono smuovere le coscienze, indipendentemente dal proprio colore o dalla propria estrazione sociale. Perchè dicevamo “in parte la nostra impressione è giusta”? Perchè gli X-State Ride, pur presentandosi come una band appartenente alla scena punk, hardcore e metal, in realtà sono qualcosa di molto diverso. Immaginatevi i Between The Buried And Me a cui viene sottratta la connotazione “math” e avrete il sound di questo album che arriva dritto. Per alcuni versi si percepiscono molte influenze metalcore nel mood trascinante dei brani, mentre le parti vocali simpatizzano talvolta con con un’approccio screamo, alternando (troppo) sapientemente strofe pulite a ritornello urlati. La componente compositiva è quella che colpisce maggiormente accendendo un faro sulle capacità dei ragazzi visti come musicisti e proprio per questo spessore (e per la loro longevità come progetto musicale) ci si poteva attendere qualche passo in più nella direzione dell’originalità.

DIY sembra quasi un nipote di un acerbo urlo NWOBHM, opportunamente rinvigorito di carisma moderno mentre invece con Splatterhouse si spinge sull’accelleratore e si tenta la carta del thrash-core con uno sprizzo di rock’n’roll sul finale. Chiaro quindi che non siamo proprio nei lidi del punk ma in realtà i Nostri puntano diretti all’heavy metal attuale per ricevere consensi. Belli i momenti come Leaving Home e Dislike anche se richiamano qualcosa di già sentito (Trivium?!); da segnalare Crystal Mountain e il suo rifferama deciso. In conclusione, se non fosse chiaro, noi siamo tra quelli che credono che questa band potrebbe fare davvero molto di più e ne ha tutte le capacità.

Declamatory – Human Remains

È vero che spesso le cose belle non sono complesse né ricercate ma vengono su quasi spontaneamente. Ciò non significa che basti poco affinchè esse prendano forma né che si tratti di opere da tutti. È così per i tedeschi Declamatory, una band ormai al tredicesimo anno di attività che al di là del demo dal titolo Nevolution del 2004 arriva a fine 2012 con il vero debutto discografico dal titolo Human Remains. Tutto ci saremo aspettati da questo quintetto ad accezione di ciò che in realtà sono veramente: eliminate dai vostri pensieri il power e l’hard rock che la Germania ha insegnato al mondo, i Declamatory producono un heavy metal dallo stile semplice e che giunge senza intermezzi. Un heavy molto affine a certe soluzioni metalcore (Trivium, Bullet For My Valentine…soprattutto nei cori e in certe sfuriate) seguendo però dei tempi non velocissimi bensì caratterizzati da un riffing quasi groove che ricorda certe soluzioni death metal. Law Of The Gun convince per delle scelte differenti lungo il suo sviluppo e con i suoi quattro minuti riesce a dire tanto. Nulla di innovativo certo, ma quando ascoltiamo delle chitarre graffianti e ben prodotte (spesso che omaggiano il thrash più cattivo) ed una sezione ritmica che non cede il passo a colpo alcuno, lo spettacolo fa per noi.

Con Raider Messiah i tempi divengono più rapidi e le sei corde sembrano scaricare delle mitragliate sul pubblico, mentre con Night Club Booze Tale si ritorna su una matrice metalcore, ben costruita ma pur sempre eccessivamente fedele a quanto ascoltato da band di pari genere. Molto più heavy e con anche un certo sapore epico si presenta Nomad, uno dei pochi brani che conserva anche un certo stile tedesco soprattutto nei passaggi lenti e che caratterizza maggiormente la band; al contrario la title track in chiusura fa presagire una certa evoluzione sonora dei Declamatory che li porta distanti da composizioni intransigenti facendoli approdare ad un heavy più ragionato, quasi post-metal. Assoli precisi, partiture seppur non freschissime comunque impattanti e una voce raramente in growl fanno di questo Human Remains un album da ascoltare con del sano headbanging da contorno, senza pretese ma solo con la convinzione di chi vuole conoscere una nuova band ed aggiungerla ai propri ascolti consuetudinari.

Terminal Sick – Nothing More

Bene, bene, bene! Bello vedere progetti validi continuare a crescere, maturare e contribuire ad allargare l’offerta metal in Italia, Paese che offre effettivamente molto più di ciò che pubblicizza. Ed il progetto Terminal Sick rientra tra questi. Nati a Bologna nel 2003, esordiscono con il demo Psychical Analysis, che si fa notare fin da subito procurando alla band un contratto di promozione. Purtroppo il singer abbandona la formazione ma, senza darsi per vinti, i Nostri trovano un altro frontman e pubblicano il loro album d’esordio nel 2010, Diagnosis. Nothing More invece è uscito nel dicembre 2012 presentandosi subito molto più maturo del precedente: riff più elaborati, le parti elettroniche acquistano importanza sia in quantità che in qualità riuscendo a dare un significativo contributo allo sviluppo del disco. Le solide tracce che compongono l’album sono costruite su un importante impalcatura death, fortemente influenzata dall’elettronica e da gruppi quali Soilwork, Ill Niño, Disturbed. Le chitarre, pesanti come putrelle di marmo, restituiscono pezzi scavati e profondi, mischiati ad un picking più veloce ed acuto tipico del genere. I pezzi sono tutti efficaci, basti pensare all’acida Red Eyes, che ricorda molto i primi Mnemic, alla particolare Broken Family, con la sua splendida linea vocale ed anche a On The Ocean Floor, solo per citarne alcune. Il lavoro all’elettronica è notevole, anche se rimane su soluzioni di genere consuete, così come quello svolto dal bravo cantante che si districa abilmente tra il cantato pulito ed il growl, attingendo da generi diversi per personalizzare i Terminal Sick.

Un lavoro che è un vero e proprio pugno in faccia, come suggerisce l’artwork. E proprio a questo proposito si può muovere una debole critica al combo bolognese: perché operare una così forte censura rispetto alle copertine ed ai booklet passati? Il lavoro che stiamo ascoltando è un progresso rispetto ai precedenti, ma le scelte grafiche no. Anzi, sembrano retrocedere ad un livello quasi adolescenziale, ad una rabbia “per partito preso” invece che motivata da pulsioni profonde. Anche la scelta del cambio di logo è discutibile; quasi tendente al poetico, al letterario. Un corsivo morbido e flessuoso che rimanda a lettere d’amore rende la copertina meno impattante e completamente staccata da ciò che si ascolta. Ad ogni modo, Nothing More è un valido album che merita tutto il successo possibile. Continuate così!

Six-Point Lead – Light Lies

Potenza e melodia, due ingredienti fondamentali della musica nel senso più ampio del termine. Alcuni autori prediligono uno o l’altra declinandole in varie sfumature definite dalle case discografiche come generi musicali. Il metalcore, genere nato tra gli anni ’80 e ’90, cerca di fondere la potenza dell’hardcore con le melodie metal. I torinesi Six-Point Lead si inseriscono in questo panorama metal moderno, con il loro primo album Light Lies, ereditando inoltre influenze elettronico-progressiste tipiche di questi ultimi anni. La fusione delle due componenti riesce solo a metà nelle prime tracce. Dog Of War, Red, Altar Boy sono tracce di pura veemenza sonora, un muro sonoro che risulta scarsamente decorato. Il groovy doppia cassa della batteria di Cosimo De Mola è fin troppo incessante appiattendo un po’ l’atmosfera generale con eccessivo ricorso al blast beat, il mitragliare delle chitarre è sì cupo, ma sottotono, che assume però una sua ragion d’essere grazie ai break down sincopati eseguiti in maniera impeccabile. Pitch Black è uno dei brani più interessanti del disco. Struggente e delicata inizialmente, solida e robusta poi. Notevole la performance alla voce di Benny Bianco Chinto che alterna alla perfezione le sezioni di harsh vocal a quelle più melodiche. Dissolve Me, So Slow, Respect e Divine  proseguono sullo stesso terreno. Tra queste spicca di più So Slow decisamente più orientata sullo stile clean in cui spicca la voce di Benny Chinto.

Together We’ll Rot , brano thrash/hardcore, ci dimostra come nella band convivano due anime. Slowmotion, traccia particolare, incuriosisce e convince con il suo sound fresco ed attuale composto da un mix di metal progressive ed elettronica. L’album si chiude con la strumentale acustica The Road Not Taken, la fiacca Wrong (soprattutto nel chorus), e la title track Light Lies che ci ricorda le origini con un buon thrash metal. Light Lies non è certo un album rivoluzionario e la band torinese abusa a volte di certi manierismi tipici del metalcore strizzando l’occhio al genere che da qualche anno è ritornato in voga. Dal punto di vista tecnico il gruppo è sicuramente valido, preciso e pulito. Tredici tracce nel complesso dilatano troppo i tempi appesantendo l’ascolto. Nel complesso comunque è un lavoro degno di essere ascoltato, valido per gli amanti del genere, di buona produzione. Al suo interno sono racchiuse alcuni ottimi brani con spunti futuristici grazie all’utilizzo della tecnologia. Se limeranno alcuni manierismi troppo radicati sul genere e seguiranno sempre più questa strada, continueremo sicuramente a sentir parlare di questa band.