Japan Suicide – We Die In Such A Place

Gli anni 80 in realtà non sono mai finiti e tra una band che propone NWOBHM e una influenzata dall’AOR che fu, vi sono anche riminiscenze post-punk/new wave, scena su cui molte realtà emergenti puntano, probabilmente frutto del disagio che le giovani generazioni vivono a livello sociale e che iniettano nel loro stile compositivo. Al di là delle nostre supposizioni, queste realtà spesso si perdono in sperimentazioni indigeste ma c’è anche qualcuno che resta davvero fedele a quei suoni e li ripropone come se fossero solo di qualche stagione fa. I Japan Suicide si presentano in questo modo e seppur il loro sound sia trasparente, lasciano qualche indizio sul loro cammino: sonorità molto fedeli ai re del genere, Joy Division, sarà un caso che l’etichetta con la quale hanno realizzato questo album si chiama Unknow Pleasures Records? Inoltre il titolo dell’album è We Die In Such A Place che ricorda il titolo del film This Must Be The Place con protagonista uno Sean Penn molto ispirato da Robert Smith dei The Cure. E non a caso anche i The Cure sono chiamati in causa (Naked Skin o forse un po’ troppo in Insight e I Don’t Exist) con i loro suoni scuri, prevalentemente detonati da ritmi lenti e il basso in bella vista.

Nulla di sperimentale quindi, anzi in alcuni momenti si tocca qualcosa di un po’ troppo derivativo rispetto ai nomi prima citati, anche se crediamo che sia in parte scontato toccare i grandi artisti che hanno letteralmente sconquassato quella scena. Ad un orecchio attento ci troviamo anche qualche spicchio di Sister Of Mercy, nell’approccio quasi lugubre del sound complessivo; bella anche la componente vocale che ci trascina realmente in un viaggio di trenta anni fa. Davvero bello il packaging dell’album: essenziale, artistico ma completo. In generale possiamo dire che per gli amanti della new wave i Japan Suicide sono una realtà di spessore pur non stravolgendo i canoni che furono, per chi invece non è avvezzo a queste sonorità più che We Die In Such A Place noi suggeriamo di partire dagli originali.

Playontape – The Glow

Sintetizzatori glaciali, drum machine, tanta elettronica. Ecco il nuovo lavoro dei Playontape, band leccese alla sua seconda prova discografica. Abbandonata la veste più elettrica e rock degli esordi, il gruppo si riveste di una patina elettro-punk che si sposa a meraviglia con le voci DavidBowiane che spuntano qui e lì dai vari “solchi” del CD. Il tutto si muove sul terreno di un lirismo disincantato, tanto nella forma quanto nella sostanza. Disorientati ma determinanti, romantici ma energici. Il lavoro si apre con Behind…, quasi una outtakes di Low, capolavoro del Duca Bianco. Ma non è solo il Thin White Duke la fonte di ispirazione del combo leccese: new wave, dark, anche la nostra figura di cantautore viene a riflettersi da tutto il lavoro. Più volte viene citato indirettamente Federico Fiumani e i suoi Diaframma, o i più noti Cure, Joy Division e il Madchester sound primi ’80. Chitarre nervose si sposano con device elettroniche in attesa della voce densa di latitudini gelide, in un mare di soluzioni immediate ma decisamente articolate nella creazione.

The Glow, Pandora’s Box, la tiratissima Faith sono tutti episodi perfettamente riusciti di un lavoro che – pur non essendo attuale o particolarmente innovativo – si impone, si “vende” bene e, soprattutto, piace.

Secret Sight – Day Night Life

“Oh mio Dio!“. Scusate, ma appena messo il CD nel lettore ci siam sentiti un attimo male. Tu ti aspetti un disco spappolapalle di quelli che vanno tanto di moda con chitarre acustiche, cappelli di paglia in testa, precarioesodatocrisiduecoglioniaterra e invece che parte? Un darkettone new wave alla Litfiba/Diaframma/Joy Division. E bravi i Secret Sight, formazione giovanissima che ha licenziato un prodotto di classe, volutamente retrò (specie nella registrazione della voce, così simile a quella di Ian Curtis nei toni) ma dannatamente attuale. Il disco consiste in una mezz’ora (più o meno) di musica tirata e diretta, con atmosfere cupe e tese, anche se non mancano momenti più ariosi e di maggiore respiro melodico. Il primo singolo estratto è Earth Overflow, sorretto da un basso nervoso e fluido allo stesso tempo, mentre Under This Truth ci fa versare la famosa lacrima: l’intro di batteria è identica a Disorder, brano di apertura del disco più bello della storia (vi dobbiamo dire pure quale è?…Unknow Pleasure dei Joy Division…), Bella la parte melodica finale.

Si prosegue con gli altri brani dove spiccano Indelibe, piccolo tributo al post romanticismo dei Japan e dei primissimi Duran Duran, Need, piena di “stop and go”, e If You Turn che chiude l’album. Un bellissimo lavoro che consigliamo davvero a tutti, recuperare quella corrente ormai così dimenticata è sicuramente una mossa azzardata che a noi è piaciuta molto. Per questo decidiamo di premiare il lavoro dei Secret Sight con un voto molto alto (cosa che facciamo raramente).

In.Visibile – Have You Ever Been

Have You Ever Been, sembra quasi un ibrido tra una domanda e un’affermazione tendente al ricordo. Il nuovo album degli In.Visibile ci trasporta in luoghi lontani pur stando fermi nel presente. Sonorità anni ’80, l’uso assodato dei synth e delle percussioni simil-elettroniche: il basso che riempe l’oscurità con boati vuoti, new wave e dance funkieggiante. In quest’album c’è un po’ di tutto ed è proprio quel po’ a lasciare perplessi. Perplessità che disorientano l’ascoltatore: un mix di suoni spesso scollegati concettualmente e tematicamente. Questo, forse, l’unico difetto di un album che rispecchia l’eterogeneità ideale del gruppo racchiuso nella figura solista di Andrea Morsero: una solo project interessante che incuriosisce più che piacere. Una curiosità positiva che attira e ammalia.

Have You Ever Been dunque è un viaggio in cui gli eighties scorrono lentamente tra il ricordo e la rivincita di anni che hanno fatto la storia. Ascoltare reinterpretazioni di qualità che riportano alla luce quel periodo è sempre un piacere ed una piccola scoperta in più da aggiungere alla nostra memoria.

Glass Cosmos – Disguise Of The Species

Perché la new wave riportata in auge da formazioni emergenti accosta sempre voci in stato depressivo ad andature lente e ambientazioni sonore cupe? Se un genere musicale passa da un decennio all’altro e supera la prova del tempo, merita anche di essere attualizzato e non riproposto uguale a se stesso. Questo il grande insegnamento che i Glass Cosmos offrono all’intero panorama musicale e questa lezione dovrebbe arrivare dritta alle orecchie delle tantissime formazioni che ascoltiamo di frequente che interpretano la new wave (e a volte il post-punk) come l’ultima forma di alienazione terrestre prima del suicidio. Sfogo (nostro) e merito (dei Glass Cosmos) a parte, Disguise Of The Species è quel lucente raggio di sole nel cielo cupo della sua scena di appartenenza, e questo è spiegato principalmente dalla sua natura principalmente rock. Le chitarre e la sezione ritmica portano avanti una struttura decisa e che resta ben impressa fin dal primo ascolto; la voce e gli arrangiamenti suonano più soffici ottenendo come risultato finale non l’indebolimento della proposta musicale bensì una maggiore personalità data dalla fusione tra la parte elettrica (forte) e la melodia (a tratti dolce e di sponda all’alternative).

La forma delle undici canzoni è unica anche se si percepiscono alcune particolarità: Last Night I Killed Godot sembra fare eco a certo indie rock (britannico), i primi secondi di It Won’t Be Long Till Dawn ci fanno vedere ad occhi chiusi gli Smashing Pumpkins mentre poi la sei corde colloca il rock su una fionda e lo fa volare fuori dal continente Europa. Poi c’è l’esplosione che prende il nome di A Slim Pixie, Thin And Forlorn in un turbinio di charleston indie e rullante costante che ci trascina in mezzo al pubblico estasiato davanti ad un loro show. The Bilderberg Club è un’altra ottima prova rock, strumentale ma non tecnica, espressione di caparbietà e compattezza musicale, alternativismo rispetto all’alternative moderno. Poi ci si apre al post-grunge di Rederemption Is A Pathway To Nihilism che è capace di dissetare fan dei Foo Fighters come dei cugini Queens Of The Stone Age in quattro minuti scarsi di energia allo stato puro.

Bellissima la copertina che raffigura una potenziale sirena ma per una volta capovolta nella sua natura, nella sua dualità, e spiaggiata come segno di impotenza oltre che come dimostrazione di essere collocata fuori dal proprio habitat. Rock moderno e vintage, puro e sofisticato, diretto e tutt’altro che alle prime armi. Stupore?! Cosmo di vetro.