No One Cares – Dirty

Con la musica dei No One Cares torniamo indietro di una quindicina di anni circa, visto che, dalle prime note di Dirty, è questo il titolo del loro debut album, emergono buone dosi di nu metal, anche se, i Nostri non vogliono fermarsi e da qui nasce la ricerca di un sound che alterna metalcore, thrash, hardcore e appunto nu metal. Plurimi gli accostamenti, se da una parte imperversa la matrice “Nu” (P.O.D, Crazy Town, Limp Bizkit, Korn, Lost Prophets, giusto per fare qualche nome), dall’altra ci sono sfumature thrash e qui è d’obbligo scomodare Machine Head, Pantera e Sepultura, ma non è tutto, ci sono altresì richiami hardcore/metal, in stile Stuck Mojo, anche se è giusto e doveroso fare qualche passo indietro e citare band quali Suicidal Tendencies, Infectious Grooves, Mordred ed Anthrax, precursori di quello che qualche anno a seguire sarà definito metal moderno. A spingere questo lavoro nelle acque torbide del metal più duro e cazzuto, ci pensano riff diretti e di indubbio impatto, come un muro si abbattono sull’ascoltatore, per poi fare spazio ad assoli di estrazione heavy. Le porte di Dirty si aprono con un inizio in stile Korn, interrotto dalla grezza genuinità, che ci accompagnerà per tutto l’intero lavoro. Trovo sia proprio questo il messaggio dei No One Cares, genuini, spontanei, duri e primitivi.

La voce rientra nei criteri del genere, tra metriche potenziate e provanti, rabbiosi scream e talvolta chorus melodici, che vanno ad intersecarsi a perfezione nei segmenti chitarristici. Che dire della sezione ritmica, precisa, granitica, concreta, che conosce l’irrazionalità solo a tratti, dove per un attimo si abbandona il groove e si sconfina in parti slap di basso, concediamo la pausa. Traccia dopo traccia Dirty scorre via piacevolmente, lasciandoci un senso di rabbia, ribellione, collera verso un mondo ingiusto, come nel caso di Niente Da Perdere, traccia stornellata in lingua madre, così come per la conclusiva Intolleranza. Quello che ho apprezzato maggiormente sta nel fatto che la decisione della band è stata dosare le forze, razionando i brani migliori in più parti del disco. Semplici, efficaci, divertenti ma al tempo stesso percepiamo lo screening musicale di questo lavoro. Ancora una volta ci troviamo di fronte ad una band nostrana con delle buone potenzialità… Lo skateboard e il rock’n’roll sono nati oltreoceano, ma noi ce ne siamo appropriati e vogliamo essere credibili, nel caso dei No One Cares il tentativo è riuscito. In alto il nostro saluto!

Selfmachine – Broadcast Your Identity

Il nu metal, divenuto nel tempo metalcore ma rimasto ancorato al metal moderno degli anni 90, ha iniettato un po’ tutti i vari Paesi del Mondo e anche il glaciale centro e nord Europa, dall’alto dei suoi generi così intransigenti, è sceso a patti con questo sound. Tale punto di vista è giustificato per tutte quelle formazioni che avevano iniziato il loro percorso con una proposta ben più intransigente di quella che, dopo una manciata di anni, si erano trovati ad offrire ai propri fan. Ascoltando i Selfmachine, che sono all’inizio del loro cammino, ci viene in mente proprio quella visione di nu metal molto debitrice al groove metal anche se fortemente ancorata ad una visione di metal estremo a cui molte formazioni europee non vogliono rinunciare. E così alcuni riff iniziali (Breathe To Aspire, Massive Luxury Overdose) si svendono al miglior offerente suonando in stile Korn (ultimi anni) o Limp Bizkit, incentrando il tutto sulla parte ritmica che potenzia una sei corde rotonda e trascinante. Ma di certo chi ha sete di sano metal si attende dell’altro e dobbiamo ammettere che i Selfmachine accontentano anche loro: vanno infatti sottolineate le parti strumentali, bridge e solismi vari, presenti nelle varie tracce, momenti che dimostrano in pochi secondi quanto i ragazzi siano dotati e come, distrutto lo scheletro nell’armadio all’insegna del nu metal e di ritornelli facili, potrebbero davvero andare lontano.

La produzione è di buon livello e ciò facilita nel posizionare bene Broadcast Your Identity, un lavoro nel quale si possono davvero trovare molti spunti ma che non appaga se visto nel suo complesso, soprattutto se analizzato nell’anno della sua pubblicazione, periodo storico in cui il genere su indicato risulta ormai quasi abbandonato. Sicuramente potente è Miles Away, un punto deciso e buono, un po’ troppo attendibili sono i riff stoppati e il ritornello clean di Incorporated; particolare Closing Statement, undicesimo brano della durata di undici minuti che si discosta dalla ricetta delle altre tracce (riprendendo qualcosa anticipata con Void) lanciando la band in una maggiore varietà stilistica, obbligatoria per una durata così ampia durante la quale emergono anche potenti aperture molto ben composte. Il nostro consiglio è quello di accantonare partiture troppo scontate e dare molto più spazio al cuore, senza pensare a cosa il proprio pubblico vorrebbe ascoltare.

Phaze I – Uprising

Ad inizio 2014 giunge il secondo album dei Phaze I, dopo una lunga attesa. La band è sostanzialmente uno spin-off tra i Lyzanxia e i più noti Soilwork: dai primi acquistano i due fratelli Potvin mentre dai secondi rubano il drummer Verbeuren. Uprising è un album molto diretto, senza messe misure, anche se noi ne intravediamo varie influenze: il riffing affilato e continuo è tipico del death e le parti vocali sono sforzate seppur non estreme nel vero senso della parola; di tanto in tanto sono piazzate alcune aperture che fungono da pausa rispetto ad una corsa al fulmicotone che altrimenti prenderebbe altre derive e buoni arrangiamenti (echi in sfondo ed altri inserimenti). Si potrebbe dire che il cappello principale che potrebbe ospitare il capo dei Phaze I è quello del nu metal anche se il loro marchio non va confuso con il significato che siamo stati abituati a dare al nu metal nel primo decennio del XXI secolo. Dopo un’opener che ci fa capire quali sono le vere radici della band si iniziano a toccare aspetti diversi del mondo Phaze I: le parti sinfoniche in Double-Headed Beast offrono quel sapore horror e ci ricordano alcune scelte delle ultime produzioni targate Dimmu Borgir (anche se lì sono inserite in un genere musicale diverso); i blast beat continuano e in coerenza con i doversi insegnamenti dei Soilwork stessi, la band cerca in alcuni momenti anche di conferire una certa melodicità (seppur metal) alla proposta in modo da essere più incisiva (vedi A Thousand Fingers And Claws brano che abbraccia il metalcore).

Sono forse gli arrangiamenti sinfonici e le tregue al costante attacco sonoro del trio che ci regalano i momenti migliori, le parti veloci seppur energetiche denotano una certa stanca dopo vari ascolti, pur essendo il cuore della loro offerta musicale. Alcuni brani sembrano infatti mescolare queste due anime dei Phaze I. Our Affliction sembra un esercizio di avant-garde metal nel quale compaiono anche liriche pulite; tendenzialmente però la terzetta Potvin+Verbeuren predilige i tempi veloci. Tralasciando la produzione, che ha comunque dei margini di miglioramento, le idee del trio sono discretamente buone ma devono essere sviluppate con una maggiore personalità, visto che il loro campo musicale è stato già solcato da centinaia di band similari.

Post -Traumatic Stress Disorder – Burepolom

Post-Traumatic Stress Disorder” viene considerato in psichiatria come l’insieme delle forti sofferenze psicologiche che conseguono ad un evento traumatico, catastrofico o violento. Mai moniker fu più adatto a descrivere il sound della band, dove il senso della doppia personalità viene reso dal cantato pulito e in growl, dalle ritmiche serrate che si dissolvono in delicati arpeggi acustici ed in generale dall’alternanza di rabbia e melodia. Sound oscuro e riffoni granitici che richiamano gruppi come Staind, Korn, Deftones e Godsmack, sono le caratteristiche portanti di questo Burepolom, primo album della band marchigiana, edito dalla nostrana My Kingdom Music. Echi degli svedesi Katatonia rendono il disco pregno di quel pathos psicologico che caratterizza il sound della band. La voce di Henry Guy, in primo piano rispetto al resto degli strumenti, apre i brani con micidiali chorus dalle melodie impeccabili che rimangono nascoste nei meandri della mente per lungo tempo. Beat Me Down è il brano con il miglior refrain dell’intero lavoro: intenso e dai toni epicheggianti, mentre la titletrack mette in mostra un riff marmoreo e una ritmica marziale da cui emergono accattivanti clean vocals.

Non tutto il disco rimane sullo stesso livello, difatti verso il termine dell’album fanno capolino brani meno convincenti, troppo vincolati alle fonti di ispirazione. In conclusione, Burepolom risulta un disco maturo e dal gusto internazionale, cosa rara da riscontrare, purtroppo, in buona parte del metallo nostrano. Di fatti tre brani, Anyone, la meshugghiana Neurotted e Still Love, sono stati scelti dal regista statunitense Richard Terrasi della Dark Vision Films per il suo horror Am I Evil.

Dead End Finland – Season Of Withering

Non vorremo correre il rischio di generalizzare e fare di tutta l’erba un fascio, ma quando si tratta di “intransigenza” spesso dobbiamo guardare fuori dai nostri confini nazionali. È lì che si nasconde il sapore crudo del metal, molte band italiane ci provano ma non riescono a toccare quella brutalità che l’animo di alcuni Paesi presenta con scioltezza. I Dead End Finland non sono proprio l’esempio della brutalità ma aderiscono schiettamente ad una scena al limite tra nu metal e gothic su cui scommettono ormai pochissime formazioni, pur inserendo talvolta elementi estremi come il cantanto in growling. In fondo i Dead End Finland (le loro origini sono fin troppo scontate e richiamate dal moniker e dalla grafica che accompagna il nome della band) sarebbero stati davvero una band di metal estremo se non avessero avuto come elemento fisso un tastierista: chitarre molto dure, compattissime e super prodotte (ascoltare Paranoia per avere un esempio) e linee vocali che passano dal clean al growl con una certa scioltezza. Sono in realtà le tastiere che ammorbidiscono il sound e, ad ascoltarle bene, noi non ci sentiamo nemmeno di biasimare questa scelta. Il contributo di Jarno Hänninen  infatti si concretizza in un retrogusto quasi dark che completa l’intera proposta e ci colpisce. Detto in altri termini i Dead End Finland con il loro ultimo lavoro discografico si collocano su una scala di sonorità molto diverse, passando dai più tosti Soilwork fino alle costruzioni mainstream che hanno portato alla ribalta formazioni come gli Evanescence. Una scala comunque popolata pienamente e non solo nei suoi estremi.

Se facessimo un lavoro di pura analisi dettagliata potremo trovare alcune soluzioni compositive non ottimali, come le parti elettriche di Zero Hour alla Fear Factory che cozzano con le tastiere fuori genere (anche se poi l’unione migliora nel corso del brano), ma in realtà non sono le singole parti che contano bensì la musica nel complesso, e la musica dei Dead End Finland arriva dritta al punto. Quindi c’è poco da analizzare, prendete brani come Hypocrite Declaim o Silent Passage (tutt’altro che un passaggio silenzioso) e sparateli al massimo del volume. Qui il fulcro del metal.

The Brain Washing Machine – Seven Years Later

Generalmente (ma non è sempre detto) l’ascoltatore generico medio di musica rock è colui il quale si pone alla continua ricerca di band che siano capaci non solo di rappresentare al meglio le proprie tendenze musicali, ma soprattutto di sprigionare attraverso il proprio sound il giusto mix di energia, potenza ed aggressività tipico dell’espressione più nobile del genere musicale. Impresa questa spesso ardua ma non impossibile, specie quando ci si imbatte in produzioni di livello come l’ottimo Seven Years Later dei padovani The Brain Washing Machine. Gente di talento i Nostri, capaci di centrare al primo colpo l’obiettivo qualità grazie ad un pugno di brani granitici che attingono a piene mani dalla crudezza essenziale e viscerale del grunge, dall’immediatezza risoluta dell’hard rock e dalle sonorità più sfrontate ed incandescenti del metal e dello stoner. Gli ingredienti sapienti di questo lavoro sono sicuramente l’incisività di riff aggressivi, l’originalità di ottime linee di basso ed una batteria indomita, sempre precisa e costantemente sul pezzo. Alla voce Baldo prova ad imprimere ai pezzi il suo mood interpretativo improntato sugli stili “nu” del momento, supportato alla seconda voce da un Muten che sa incidere (e di parecchio) soprattutto nella riuscita dei chorus.

Sparks, Angry Boy, The Game e soprattutto Simple Song, rappresentano senza alcun dubbio le composizioni di maggiore livello dell’album; vincono per potenza sonora, per impatto melodico e per immediatezza dell’insieme: un promettente punto di forza se paragonato a quello di centinaia di altre band che scalpitano alle spalle ma che arrancano a raggiungere un livello come questo, nonché un biglietto da visita di tutto rispetto per chi vuole muoversi in questo ambiente con una propria identità verso una precisa direzione artistica. Seven Years Later ci è piaciuto perché è un disco che va dritto al sodo e che sa parlare a tutta la folta schiera di appassionati di musica tosta, un antipasto di quello che questo giovane ma già esperto combo sarà capace di proporre da qui in avanti soprattutto in occasione delle imminenti performance live.

Micro Touch Magics – Ebron

Il quartetto dal simpatico nome Micro Touch Magics si presenta come una band rapcore/crossover. In realtà bastano pochi secondi di ascolto del loro nuovo secondo EP, dal titolo Ebron, per capire che siamo nei territori del nu metal americano in stile Limp Bizkit, con delle linee vocali molto stoppate e che sovrastano la restante parte della proposta musicale, ad eccezione di una sei corde che trascina il tutto. Un Fred Durst in piccolo, esaltato da una ricetta che ormai oltre oceano è assolutamente in calo, nel mondo del metal, e che può piacere solo ad appassionati di rap che desiderano un sound un pò più “tosto” o ad adolescenti alle prime armi con il metal. Interessante il tentativo della band di proporre brani con testi in italiano, una sorta di “tentativo coraggioso” di come inserire nei nostri panni un sound tipicamente americano. Al di là della buona volontà però il risultato non è totalmente positivo: a conti fatti si tratta dell’ennesimo test per sdoganare un prodotto che all’estero ha un certo mercato ma che non aggiunge nulla di valore per la scena metal mondiale. In venti minuti i ragazzi danno il massimo e questo va apprezzato; la pulizia alla base dei loro suoni valorizza Ebron, ma le coordinate non sono quelle vincenti a nostro parere. Lo dimostrano i passaggi in cui il rap prende il sopravvento come in Subconscio Assassino (6 Cn Me), seppur alternato da variazioni ben congegnate.

Il rap di M.T.Magris (brano che in parte cita le iniziali del moniker della band) finisce per imitare eccessivamente Mr. Durst mentre l’ultima Faraon torna sul rappato italiano senza mutare lo stile musicale. In generale un album consigliato a chi è molto giovane e si sta avvicinando da poco al metal, a patto che poi riscopra le vere radici del genere.

Arhythmia – Time To Coming Back

Italiani ma dall’attitudine d’oltreoceano. Gli Arhythmia sono un quintetto dedito ad un death metal semplice, che fa dei tempi stoppati il proprio marchio di fabbrica. Il loro mood è molto debitore al crossover ma soprattutto al nu metal (pur presentandosi come un’alternative metal hardcore band) eppure si portano dietro delle idee non banali ma che riescono a suonare moderne ancora oggi. Il loro nuovo EP dopo nove anni dalla formazione è prodotto da Billy Graziadei, frontman dei Biohazard, ma dimenticate la proposta di quest’ultimi perchè qui di hardcore c’è davvero poco. 17 minuti di groove metal, potremo dire, che fanno muovere la testa ma che non spostano di un centimetro la scena, la ripropongono semplicemente da un altro punto di vista. L’eccezione è data dal brano Y.o.l.o. che presenta dei tempi ben più veloci, come i Sepultura ci hanno insegnato in passato, senza però allontanarsi, a partire da metà traccia, dal seminato degli Arhythmia per giungere al rap della parte finale che ricorda dei Limp Bizkit meno intransigenti. Crashing Into The Void sembra più intricata ma lungo il suo corso si fa prendere di nuovo la mano su riff stoppati, elemento che ricorda anche quanto fatto in passato da band come Mudvayne, nonostante in questo brano vengano inserite sfumature sonore estranee a quelle di Chad Gray & Co.

Una prova dura ma sicuramente di transizione. Un EP che guarda al passato nu metal e ad elementi ai quali il metal estremo è già giunto da anni. Ci aspettiamo altro per le future uscite degli Arhythmia.

Rage Of South – I See, I Say, I Hear

Dopo un EP e tanta fatica, come tantissime band in circolazione, anche i Rage Of South giungono al loro primo full lenght presentato come una manciata di brani all’insegna del crossover/nu metal. Da subito a noi sembra più prossimo al nu metal di scuola Slipknot (periodo Vol.3: The Subliminal Verses in avanti) con delle parti vocali psicopatiche che combaciano alla perfezione con riffoni pesanti e lugubri ma allo stesso tempo cadenzati secondo i classici dettami nu metal. Fin dalla vera opener Sheep (dopo 40 secondi di intro) si sentono le derivazioni di Corey Taylor & co. con cavalcate che stimolano l’headbanging diretto e tempi che rallegrano i metallari incalliti senza però puntare a soluzioni davvero intriganti né innovative. Molto della ricetta dei Rage Of South è incentrato sulla parte ritmica che offre stacchi e tempi particolari in grado di caratterizzare il loro sound (questo pensiamo che avverrà soprattutto in futuro, quando saranno in grado di proporre qualcosa di ancora più ricercato) ma in questo I See, I Say, I Hear non si intravedono parti davvero stravolgenti rispetto allo scenario nu metal internazionale (che negli ultimi anni è indubbiamente in discesa in quanto ad interesse). Piacevole il fatto che si cerchino atmosfere differenti: le ambientazioni cupe di Silence ad esempio sbattono positivamente con le aperture delle sei corde del brano successivo, Prayer, che presenta anche un cantato diverso (e dei tempi dispari interessanti).

Alcune parti più soft, come That Fear About Me, ricordano qualche produzione a nome Staind (in termini musicali, senza considerare le differenze vocali con Aaron Lewis), mentre le parti più sofisticate ci ricordano i Mudvayne del passato che puntavano molto sulle composizioni ritmiche in grado di reggere l’intero palinsesto sonoro. È su questa base che la band si sente di aderire anche al crossover, anche se come dicevamo la matrice nu metal è indubbiamente più forte. I Rage Of South sono indubbiamente capaci e dovrebbero puntare maggiormente a questi intrecci ritmici che sono in grado di caratterizzarli maggiormente, altrimenti rischiano di cadere nel calderone, ormai già troppe volte riscaldato, del nu metal troppo orecchiabile.

Illusoria – More Than We Are

Gli Illusoria rappresentano una realtà nostrana composta da giovani musicisti che intende sfondare nel mondo del metal (loro si definiscono “nu thrash metal”), genere tra l’altro un pò fermo all’epoca in cui usciva questo lavoro. Il loro stile è ben marcato: si tratta di un death metal di radice “in flamesiana” molto cadenzato, che raggiunge dei tempi talvolta doom, e che coerentemente presenta delle chitarre ben accoppiate ma mai sparate a mille. Una sonorità da gustare con headbanging continuo mentre il growl di Cristiano si fa sentire duro e crudo. L’album (in realtà non è una demo ma un mini album) è composto da 5 pezzi nei quali la personalità degli Illusoria emerge e si rafforza lungo tutto il corso dell’opera,  purtroppo di breve durata. Quello che si nota, e che va senza dubbio apprezzata, è la passione che trasuda da questi 5 musicisti caratterizzati da una buona caratura tecnica (anche se non sembra voglia essere la chiave del loro sound). L’album si apre con Gone Away Alone e subito si assapora la durezza che ci porta ai tempi di Cowboys From Hell dei Pantera a cui la ricetta Illusoria si rifà, talvolta anche in modo abbastanza esplicito, ma senza saccheggiamenti; come può essere la realizzazione di un prezioso insegnamento, così i Nostri compongono un death/thrash davvero preciso e saporito. Da evidenziare gli arrangiamenti presenti in Gone Away Alone, attinenti ritornello e bridge con assolo annesso, quest’ultimo molto lineare, coordinato con il resto del pezzo. Inoltre è da subito chiarissimo il lavoro di produzione eseguito: davvero un suono pulito, impeccabile e potremo dire anche azzeccato per il genere.

ReplicHATE porta con sé una incisività molto più distruttiva ed anche qui è esaltata al massimo la produzione; la carica groove è forte ed il nostro Cristiano “Anselmo” Moroncelli ce la mette tutta per abbattere quel muro di suono costruito dagli altri quattro elementi, molto ben amalgamati tra loro. Il pezzo più curato è sicuramente la title track, More Than We Are, in cui si apprezzano alcuni approcci ‘Tallica style, oltre che una voce pulita che accompagna talvolta il growl, ed una cadenza tempistica che strappa il cuore. Parti lente si intrecciano alla chitarra distorta e ciò non può che farci godere, fin quando non sopraggiunge l’intermezzo lento che dimostra quanto gli Illusoria siano bravi anche nella composizione di ballad. Nessuna sovrapposizione di suoni, nessuna perdita di amplificazione, nessun suono che storce né echi, ecco i segreti della ricetta More Than We Are che presenta una consistenza davvero d’impatto. Così anche Denial, pezzo maestro negli arrangiamenti, conferma le doti del gruppo anche proponendo una doppia personalità vocale, mentre con Nuance si sperimentano tempi più veloci e sonorità più “cacthy” (probabilmente il pezzo più d’impatto dell’album e sicuramente un singolo che potrebbe spaccare davvero, con un bridge avvincente, un ritornello che resta impresso ed un assolo molto curato).

Questi sono gli Illusoria, gruppo che mette in chiaro le idee con questo lavoro targato 2005. La maturità è ancora lontana anche se questo album rappresenta quanto l’insieme di 5 musicisti valga molto di più della somma dei songoli elementi.