Daimon D. – Clouds As A Shelter

What I See conclude il lavoto, ballata acustica avvolgente e piacevole. Lo stile c’è, la personalità anche e Clouds Ad A Shelter chiarisce già le cose, dei Daimon D. ne risentiremo parlare presto e per molto.

Profusione – Metabolizare

Ma il loro terreno è appunto il rock, passando dal mood rock’n’roll, quasi rockabilly, di Immobili che non può che far muovere il fondoschiena ai loro concerti, arrivando al mix di pensieri messi in musica di Assalto Alla Mela (Wellcome To Reality) che sembra uscito da un film dell’orrore. Simpatica anche la cover in versione rock di L’importante È Finire. Un piacevole ritorno, attuale nei suoni e moderno nella proposta.

The Last Drop Of Blood – The Last Drop Of Blood

Arrivano con tutto il loro fascino vintage i The Last Drop Of Blood, nuovo progetto che se da un lato propone dei suoni possenti e dei riff dal forte rimando post-grunge, dall’altro detiene un sapore antico, nelle costruzioni, che lo rende attraente. Va detto, con la stessa convinzione, che il loro album omonimo è tutt’altro che univoco in quanto a stile: se mettiamo già a confronto la pacata e suadente The Bad One con la furiosa e scatenata Burning Eyes di forte allineamento con il pianeta Foo Fighters, capirete il range entro il quale si muove la band. Polvere e far west arrivano in Thorn, un brano che presta bene la sua personalità ad un ascolto ampio e che forse rappresenta di più degli altri il sound identificativo dei The Last Drop Of Blood anche se la vera intensità musicale la troviamo nella calda e fortemente americana Bad Butterfly; ma si cambia ancora, virando verso ritmi più vispi e riff stoppati con Feelings Are Trash, pezzo in cui controtempi e chorus romantici dal sapore settantiano fanno la pace, a vantaggio dell’ascoltatore.

Una band che in meno di mezz’ora propone un arcobaleno colori e che di sicuro dal vivo acquisiranno molta più vivacità. Da seguire.

Dübby Düb – Empty Nation

I Dübby Düb tornano, dopo quel periodo del precedente decennio che aveva fatto mettere in cantina il progetto, con diverse uscite discografiche come quel Sorry, No Dub di cui avevamo parlato a questa pagina. Ci mettono vari anni per tornare dall’ultima release, questo è vero, eppure non cambiano la loro ricetta fatta di stoner e post-grunge molto chitarroso, elettricità come se il rock dipendesse solo da questo e un approccio a tratti rock’n’roll in alcuni passaggi. Così li avevamo lasciati, così li abbiamo ritrovati, il che non è a tutti i costi un punto a loro sfavore visto che il loro marchio ha un suo mercato di riferimento. Non è cambiata nemmeno la loro decisione di escludere il basso dai loro strumenti: quindi chitarre, ecco la loro personalità fortemente elettrica, voce e batteria, ma niente frequenze basse. Quello che è cambiato e che per certi versi presenta i nuovi Dübby Düb è la produzione visto che alla scelta di suoni molto grezzi fatta in Sorry, No Dub viene preferita una produzione comunque vicina al post-grunge, quindi non pulitissima ma vestita meglio, più americana, quasi da renderla meglio presentabile; probabilmente Cold Issues è il brano che più si avvicina ai suoni del passato, più affini addirittura al grunge nel senso stretto del termine anche se nel complesso il brano risulta facile da mandar giù e non mostra asperità.

C’è anche in questo album qualche momento diverso come I’ll Lose Myself che presenta una maggiore orecchiabilità e piacerebbe molto ai The Clash (in questo brano compare però un basso o comunque delle linee che si avvicinano molto a quelle di un basso, difficile negarlo) e per certi versi anche Rainbow. Ma i loro tratti distintivi sono sei corde come se non ci fosse un domani e linee vocali, che sopra tutte quelle distorsioni, cercano di creare melodie più orecchiabili e ritornelli da ripetere il giusto. In generale Empty Nation è un album composto da brani dalla struttura semplice, ben costruiti ma senza soluzioni che facciano urlare alla genialità; brani come Out Of The Shell o About To Shine sono pezzi potenti, che ci fa piacere ascoltare da band emergenti ma che procedono nel solco di quanto fatto da colleghi più o meno noti. Quindi trame buone e rock dalle ottime calorie ma alla lunga possono stancare, dovrebbero concentrarsi su qualcosa di più originale.

Franklin Zoo – Red Skies

Non solo il metal ma anche il grunge può sgorgare dalle fredde lande nordeuropee, il quintetto danese Franklin Zoo ce lo propone, racchiudendolo in 8 tracce contenute nel loro secondo album (dopo Untamed del 2013) Red Skies. Fortemente influenzati da band come Alice in Chains, Pearl Jam e soprattutto Soundgarden, il sound di questo gruppo è un intrigo di riff taglienti, armonie al servizio di chitarre lanciatissime e sezione ritmica pulsante, con al centro una voce potente. L’opener Never Caught introduce immediatamente l’esplosione delle chitarre e non può passare inosservata l’incredibile somiglianza della voce del frontman a quella di Chris Cornell, come estensione, timbrica e stile. Il ritmo dei Franklin Zoo è potente ma cadenzato, in pieno “Seattle style”, con potenti accordi che si ritrovano per tutto l’album, come in Red Skies che, dopo un inizio tranquillo, straziante e crudo, sarà disseminato di riff pesanti e granitici. Niente da eccepire sulla produzione, accurata, professionale e chiara che è riuscita a rendere appieno le intenzioni sonore della band, impatto e groove.

Nonostante queste note positive e l’indubbia bravura tecnica della band, questo è un disco che non raggiunge la sufficienza: se ascoltassimo l’album ad occhi chiusi e senza leggere alcunché, penseremmo subito ad un nuovo lavoro dei Soundgarden o di Chris Cornell da solista. Il sound e la voce sono troppo simili alla band americana e al suo cantante, non riusciamo a scorgere quasi niente di personale e, come se non bastasse, alcuni brani si dilungano fin troppo, superando, in alcuni casi, i sei minuti. Il nostro consiglio è di pensare a qualcosa di più personale, abbandonando in primis lo stile e timbro vocale, e perfezionare il sound con innesti più ricercati e meno impantanati nel suono dei Soundgarden.

Nèra – Nèra

Nella scena emergente le band dimostrano di essere sempre più ispirate da fattori endogeni (i sentimenti, l’egoismo, la paura) oppure da fattori esogeni (la società, il mondo, il sistema, la complessità della vita). In questo secondo ragruppamento sicuramente c’è una più vasta schiera di musicisti e vi troviamo anche i Nèra. Il quintetto nasce dalle ceneri degli Hyrady, una formazione hard rock e con quella condivide una certa impostazione ritmica che troviamo anche in questo loro EP omonimo. Infatti, se le parti vocali e gli arrangiamenti rispondono al motivo per cui la band si dichiara appartenere alle sonorità alternative rock, le chitarre si spingono oltre e, rimaneggiando grandi lezioni degli anni 90, adottano il suono sporco del grunge e quel sapore groovy che è venuto a galla solo con il post-grunge. Al di là delle etichette, i Nèra hanno tiro e questo è quello che conta. I pezzi sono brevi sulla carta, mai oltre i tre minuti (ad eccezione dell’ultima traccia La Cosa Migliore, una quasi strumentale di forte impatto) però hanno tutto dentro e all’ascolto sembrano offrire qualcosa di più.

Per comprendere quanto la musica dei Nèra arrivi diretta al punto suggeriamo l’ascolto di Amplesso, un brano che si colloca a metà tra i Queens Of The stone Age e i nostri Polar For The Masses, probabilmente una nuova possibile veste del rock moderno che abbandona le sembianze del “post-qualcosa” e acquisisce muscoli e watt. Ma i ragazzi trovano il tempo, nei venti minuti di questo EP, di cambiare passo e proporre Credevo Fosse Realtà, una traccia lenta ma che mantiene l’attitudine sporca del combo: buono anche qui il tiro, la band si conferma capace di scrivere ottimi ritornelli con dei refrain che trascinano anche se c’è qualcosa che non quadra tra l’arrangiamento di chitarra e la voce. Poco male perché con l’ultimo brano si mantengono sullo stesso livello di bpm pur uscendo fuori con dei riff d’assalto. Quest’anticipazione è davvero ghiotta, andranno sicuramente risentiti sulla lunga distanza e on stage dove, a nostro giudizio, il loro sound può dare il meglio.

Underdocks – Re-burnt

Alle volte tocca anche rispolverare ciò che è stato fatto in passato e dargli una nuova veste. Questa filosofia interessa le grandi band quando propongono delle ristampe dei loro album migliori, ma è anche cosa comune per band emergenti che tornano sui propri passi via via che maturano. Così nasce l’idea degli Underdocks di registrare nuovamente il loro album d’esordio Burnt cogliendo l’occasione del cambio di vocalist e presentare quindi un nuovo sound tramite le otto tracce di Re-burnt. La formazione ci risulta fortemente legata alla scena rock anni 90 (americana in primis), sia nel grip della sei corde che nell’approccio musicale e questo, se è un punto di forza in pezzi come l’opener che sembrano graffiare, lascia un po’ interdetti in altri momenti come in Begging God, un brano già sentito e troppo ripetitivo. A nostro parere il lavoro viaggia tra alti e bassi. Buone le iniziative del bassista Andrea Novello che si destreggia con lo slap e in Burnt riesce, anche con il contributo degli altri musicisti, a creare qualcosa di interessante, vicino allo stile dei Faith No More. In questi momenti la band ha davvero qualcosa da dire e crea qualcosa di interessante cercando di mettersi in gioco, pur riconoscendo un valore alla scena passata.

On Your Way vive invece di momenti altalenanti: in un buon songwriting si celano punti delicati come parti eccessivamente ripetute e un ritornello che stacca troppo (cambiando addirittura genere) rispetto alla più pacata strofa. La stessa impressione ci giunge con Black Out un brano che vive di diverse anime che cozzano tra di loro tanto da far sentire smarrito l’ascoltatore. Nel complesso a nostro parere Re-burnt è una grigliata all’aria aperta, fatta di carne di prima scelta così come di pezzi molto più economici; con la pratica e con delle (nuove) buone idee speriamo che gli Underdocks in futuro riescano a creare dei barbecue da far impazzire non solo noi ma anche chi vive oltreoceano.

Quiet Sonic – Quiet Sonic

Quiet Sonic. Una formazione e da quest’anno anche un album, omonimo per l’appunto. E su questo album si potrebbe davvero parlare molto, a partire dalle influenze degli U2 dell’opener fino al sound molto americano delle altre tracce che sfiora in alcune parti lo stoner, in altre l’alternative metal con il suo groove che ti trascina in un handbanging forsennato, in altre ancora il nu metal che fu e che sembra non essere stato sepolto totalmente. Si potrebbe parlare delle affascinanti linee vocali che potrebbero sembrare non nuove per un assiduo ascoltatore dei Deftones o anche dei chorus collocati con sapienza, che fanno in modo da lasciare solchi nel nostro cervello. Ma noi li vediamo da un altro punto di vista, noi restiamo colpiti dai piccoli dettagli: parliamo degli stacchi inseriti in momenti precisi, dei solismi, degli arrangiamenti, delle parti di basso in slap, degli intermezzi, insomma di tutti quei momenti in cui i Quiet Sonic dimostrano di non essere la classica rock band che vuole fare eco agli States e scrivere il ritornello accattivante da classifica. Qui c’è rabbia, c’è tecnica e musica, c’è sudore e c’è un legame incredibile con il palco: senza mai averli visti dal vivo ci sentiamo di condividere questa nostra percezione senza giri di parole.

Un’iniezione di energia viene da ogni singolo momento di questo lavoro ma anche in quelli che possono sembrare attimi più ragionati, come in Silver, si tocca con mano la classe e le capacità compositive del quintetto. A noi piace il funky di White Lies P. 2 ma anche Hot 2, un pezzo quest’ultimo in cui sembra che tutti i musicisti seguano un percorso proprio ma che, una volta ascoltati all’unisono, creano un sound incredibile. Le idee ci sono tutte, noi avremo fatto qualche scelta produttiva diversa, magari verso una maggiore pulizia sonora, ma in quanto a contenuto ci siamo. I Quiet Sonic sono la rara realtà che dimostra che bisogna andare oltre lo spesso strato di corazza e non ragionare in termini di riff o di accordi; nel loro caso basterebbe restare in superfice ma per apprezzare profondamente è necessario entrare dentro le tracce e vederci la forza irruente del post-grunge, gli individualismi mai fini a se stessi, in altre parole l’animo Quiet Sonic. Questi ragazzi hanno una marcia in più.

Dear Delusion – Sleep Of Reason

Sleep Of Reason è il secondo album dei danesi Dear Delusion, dopo il primo lavoro Imprisonment, un disco composto da 9 tracce dalla forte inclinazione post-grunge che strizza l’occhio ad alcune sonorità metal. L’album parte molto bene con la track di apertura, Sinfonia, e la successiva Unmade caratterizzata da un buon ritornello e da alcuni passaggi niente male. A questo punto ci si aspetta un continuo in crescendo, invece, finisce tutto qui: il resto dei brani lasciano l’amaro in bocca, appaiono scontati, già sentiti e in alcuni casi si intuisce addirittura in anticipo quello che potrà essere il passaggio strumentale e armonico successivo. La produzione è impeccabile, la band è capace, ma si pecca senz’altro di originalità e di idee, come se il gruppo fosse impantanato in un solo unico genere, in una sola forma canzone, con il risultato che la maggior parte dei brani tendono ad assomigliarsi e la scelta di dilungare alcuni pezzi oltre i 6 minuti non aiuta.

Purtroppo ne esce fuori un disco senza pretese, le aperture melodiche della linea vocale, specie nei ritornelli, sono riconducibili ad altre mille band, Puddle Of Mudd e Foo Fighters in primis, e a metà scaletta già ci si è fatti un’idea di come si concluderà l’album. Qualche tentativo di uscire da questo vortice fin troppo lineare lo si può intravedere in Facing Tensions o nella conclusiva Sleep Of Reason ma è ben poca cosa. Tutto ciò è un peccato, continuando a ribadire che non si pretende di inventare un genere o di sfornare l’album del secolo (anche se sarebbe ben accetto), ma almeno si potrebbe evitare di seguire fedelmente il carro delle band del passato, cercando di inserire un pizzico di personalità, di coraggio, di intraprendenza. Certo è un lavoro orecchiabile ma, per noi, non è per nulla sufficiente.