Porno Teo Kolossal – Monrovia

Uscito lo scorso 6 aprile per l’interessantissima etichetta indipendenti Dischi Bervisti (capitanata da quell’indemoniato di Nicola Manzan, al secolo Bologna Violenta) e in collaborazione con la storica label francese Bam Balam Records, Monrovia è l’ultima fatica discografica dei torinesi Porno Teo Kolossal (di pasoliniana memoria). Prendendo ispirazione dall’omonima capitale della Liberia, all’interno della quale vi si trova un isolotto ospitante 66 scimmie sopravvissute ad abominevoli sperimentazioni medico/farmaceutiche, l’intero disco vuole essere una sorta di tributo a tutti coloro che quotidianamente sono costretti a subire abusi e violenze “in nome del niente”. Costituito esclusivamente da tre tracce l’ultimo lavoro dei PTK si presenta come un concept album anche se in realtà è da considerarsi come una sorta di unico flusso di coscienza che accompagna l’ascoltatore in un viaggio vorticoso capace di farlo perdere tra le spire di suoni laceranti e ipnotici allo stesso tempo. Già dall’incipit del brano di apertura Trip To Monrovia si possono percepire quelle atmosfere cupe e trascendentali molto vicine a sonorità di gruppi come Squadra Omega o Cannibal Movies (classificati oramai sotto l’etichetta di “Italian Occult Psychedelia”) anche se continuando con l’ascolto i riverberi elettrici oscillano sempre più tra memorie post-rock, degne di un gruppo come i Mogwai, e approcci sperimentali a un certo tipo di jazz molto vicino a una band del calibro dei Bohren & Der Club Of Gore.

Da caldi suoni introspettivi eseguiti in sordina si passa facilmente a esplosioni elettriche dove riverberi e percussioni convulse contribuiscono a generare un climax perpetuo che perdura anche nelle due tracce successive. La seconda parte del disco lascia più spazio a un certo tipo di cantato che affonda profondamente le radici nella tradizione italiana (per non dire torinese) che riporta alla mente non solo la gloriosa epoca del rock progressive, ma anche e soprattutto agli espedienti canori di autori come Giovanni Lindo Ferretti, Franz Goria (storico frontman dei Fluxus), Max Collini o ai campionamenti di altre esperienze come quelle dei CCC CNC NCN o di un gruppo più recente come i Fuzz Orchestra. A questo punto Monrovia si trasforma in una nave che attracca (o meglio che si schianta) solo con la conclusiva End Of The Dark Side capace di portare a compimento quella catarsi preannunciata fin dall’inizio.

Nonostante il colto e particolarissimo approccio dei PTK nei confronti della musica Monrovia presenta però anche qualche piccolo difetto come la sensazione di star ascoltando qualcosa che non raggiungerà mai un vero e proprio approdo o il rischio di risultare a tratti troppo ridondante e quindi di difficile metabolizzazione. Questi sospetti non rendono dunque l’album un lavoro perfetto, ma forse (anzi, sicuramente) nessuno aveva intenzione di raggiungere un punto così stabile e sacrosanto e quindi, per noi, va benissimo così.

Alcesti – Monumenti

Gli Alcesti confezionano quattro tracce per un nuovo EP dopo l’album Nell’esistente E Nell’onirico. Il loro sound è abbastanza chiaro alle nostre orecchie: c’è un’anima musicale che è fortemente debitrice alla scena post-rock per l’uso della sei corde (lunghi e lenti arpeggi su tessuti strumentali) e crossover per la parte ritmica, mentre le linee vocali aleggiano nell’indie pop puntando a melodie e soluzioni più orecchiabili (la voce del singer ci ricorda nell’opener quella di Riccardo Zanotti dei Pinguini Tattici Nucleari, al netto della cosiddetta “zeppola”…ma è solo una nostra impressione). Il mood non è impegnato, l’indie prende spesso il sopravvento e la ricercatezza che sembra suggerire alcuni effetti o ritmi rallentati viene in vari momenti surclassata dall’intenzione di inserire melodie. Da segnalare la titletrack, un brano che punta su diverse ambientazioni e che crea un certo pathos all’ascolto.

In questa doppia anima sicuramente gli Alcesti vestono bene i panni nella sperimentazione, quando si calano in una certa ricercatezza sonora e in una libertà espressiva che invece dal punto di vista canoro e in alcuni chorus abbandonano.

Echo Atom – Redemption

Gli Echo Atom sono un power trio completamente strumentale. Non c’è spazio per la voce nella loro musica, né per testi all’interno del booklet del nuovo e primo EP, booklet che si riassume a quattro facciate più grafiche e meno piene di contenuti scritti. Il loro è sì un post-rock come da tradizione diluito e arricchito da una sei corde che disegna arrangiamenti e colori per le singole tracce ma c’è anche uno spessore che si muove lontano dalle tendenze sperimentazioniste; è qui l’essenza del marchio Echo Atom, una chitarra che si destreggia continuamente nell’assumere forme diverse, mentre viene fuori una possente vena progressive nella sezione ritmica. Inoltre i brani non superano mai i quattro minuti il che rende sicuramente la ricetta digeribile, a ciò va aggiunto che le tracce presentano comunque una propria evoluzione scorrevole e che i diversi passaggi risultano, a nostro parere, sempre interessati e di ottima mole musicale.

Tutto questo tramuta i venti minuti di Redemption in un piccolo ma compatto assaggio delle tante idee che gli Echo Atom esprimono, un soft-prog che cerca (e trova) una musicalità di fondo senza voler giocarsi la carta dei testi e del cantato. Ottima prova.

Buckingum Palace – Club

Passo dopo passo consumo questa strada di ferro e di argilla, con i palazzotti altissimi attorno che quasi levano via il sole, i panni stesi, i garage aperti con dentro ogni genere di microcosmo…c’è anche quello che ripara le biciclette. Domenica pomeriggio, in fondo al viale poi si apre uno scenario di desertici spazi aperti, la pianura industrializzata che arriva dritta al mare. Che poi il video di Grande Mole non a caso mi riporta agli anni 90, al post-rock della periferia, alle adolescenti tristezze delle comitive e delle solitudini, ai cementi edificati che si affacciano sul mare. Una prova noise abbastanza educata, soprattutto nei suoni. Il punk ormai è alle spalle, lo sappiamo, ma avrei preferito un ferro meno lucidato e una ruggine più ingombrante per questo primo vero disco dei Buckingum Palace. Si intitola Club ed è una prova assai ingenua e immatura ma non spocchiosa e per niente incoerente come spesso accade per le prime scritture. Anzi, devo dire che nella loro ingenuità il trio porta a casa un risultato che ha tantissimo carattere e semplicità. Post-rock, scenari urbani, onde post-atomiche che però attingono molto dal punk, soprattutto le chitarre che cercano il rumore grasso. Queste voci mai in primo piano, voci di donna (nel trio solo la chitarra è maschia…), lontananze liriche e poi quel certo modo di sognare che appunto sa di domenica e di cemento.

Grande Mole è davvero un bel pezzo. Duttile sulle prime capisce di non poter attingere troppo dai “fu faiter” e va dritto per la sua strada. E poi lunghe jam session, momenti forse improvvisati o forse no, di sicuro è la forma canzone che viene polverizzata dal macete e dai trattori che i Nostri hanno dentro le vene e dentro gli amplificatori. Esiste quel brivido di freddo che gela la schiena in questa musica che sa di Islanda in tutti quei tratti che dove le voci si allungano e si allontanano, dove il suono si rilassa e l’H-H della batteria non incalza. E poi Tsunami è un treno che macina la ferrovia in questo strumentale lungo (troppo) di scritture decise al momento, e poi la chiusa con Cinnamon e l’ultimissima Rigoglio/Fioritura decidono appunto di decantare il pensiero, le parole, con questo finale che richiama la mia memoria di adolescente che si lasciava portare trai palazzi con i feedback taglienti dei REM in Sweetness Follow.

In dirittura d’arrivo chiedo alle parole di capirci qualcosa di questo primo disco dei B.P. Certamente la batteria è il primo punto debole che mi salta alle orecchie, forse è la scrittura dei pattern o forse i suoni troppo poco disordinati. Ancora mi fa storcere l’angolo della bocca quando in fondo i protagonisti sono sempre loro 3, il basso, la chitarra, la batteria, i suoni quasi uguali, sempre. Manca forse quel quid di scrittura che governa i motivi e il fascino. È un esordio, ribadiamolo, gli perdoniamo tutto certamente e certamente queste sono cose che in fondo al post-rock interessano poco dovendo pensare ogni istante della giornata ad esprimere sensazioni fottendosene totalmente dei cliché radiofonici o delle forme conosciute di musica per organi mediamente omologati. Club è suono suonato. Chissà se possono capirlo quelli che i dischi li pensano e li disegnano ai computer. Buon mattino ai B.P. buon esordio e buon polso. Proseguendo lungo il tragitto sento che ci sono solo cose belle.

Aikira – Light Cut

Post-rock strumentale dall’Abruzzo. Light Cut è il nuovo lavoro degli Aikira; band di recente formazione con membri di formazioni storiche underground del territorio, come i Vibratacore. Niente hardcore questa volta ma sonorità decisamente più riflessive e articolate. Un disco strumentale non è mai immediato, o meglio, questa è la prima impressione che spesso si può avere: di mancanza. In questo Light Cut questa sensazione non si avverte più di tanto, questo perché i brani sono ben composti e suonati, con ritmi che si alternano, veloci e frenetici prima, dilatati e ipnotici poi. Apre Etera che ben riassume l’intero album; non c’è dubbio che dietro agli strumenti ci siano dei buoni musicisti. L’album è ben scritto e ben interpretato, molto ben registrato, condizione imprescindibile soprattutto quando si parla di questo tipo di lavori. Voyager è un viaggio perfettamente riuscito, nelle sonorità e nei cambi di ritmo. Atmosfere più cupe, a tratti horror, per Elemental 3327; un bel brano d’ambiente con il suo procedere altalenante. Something Escapes ricorda sonorità spaziali e fantascientifiche ed è l’unico brano con la presenza di una voce, femminile, utilizzata in modo intrigante e intelligente, che funziona molto bene; viene da chiedersi perché non sia stato fatto più spesso nell’album.

Si chiude con Elemental 06, poco meno di 3 minuti di atmosfera vibrante ed effettata, decisamente bella. Nel complesso un album non facile ma sicuramente di qualità. I cultori del genere saranno d’accordo e ne potranno godere. L’artwork dell’album è altrettanto misterioso; con elaborazioni apparentemente sfocate e illustrazioni in red/blue che hanno tutta l’aria di nascondere immagini 3D vecchia scuola. Prendo subito i miei occhialini con lente rossa e lente blu…

Il Fieno – Riverberi

Il quartetto a nome Il Fieno torna a distanza di tre anni da I Vivi, il loro primo full-length di cui avevamo parlato a questa pagina e che seguiva a due EP. A quei tempi avevamo detto che la band veniva presentata come un progetto new wave ma noi vedevamo più forte l’indole indie rock; oggi, con questo Riverberi, la band parla di sonorità pop ed omaggi agli anni 80, fattori che noi troviamo anche se, per la seconda volta, li vediamo sotto un’altra chiave. I 9 brani di Riverberi (9 anche nel precedente lavoro, un caso?) si poggiano su una colonna portante fortemente indie pop ma ad un ascolto attento non nascondono un’impronta post-rock, sia per arrangiamenti che nel songwriting delle chitarre, impronta che caratterizza il sound odierno de Il Fieno, o almeno dei brani secondo noi più interessanti. Da qui si apre tutto il tema della ricercatezza compositiva (fatta eccezione per qualche momento più “spensierato”, musicalmente parlando, e spudoratamente indie come Lucertole) che però è finalizzato a produrre qualcosa di assolutamente digeribile e non di rendere più pesante l’offerta finale. In questo merita sicuramente di essere segnalata Levanto.

Poi c’è un’altra veste de Il Fieno, quella dei momenti più pop e romantici, come Canzone Semplice, per cui a nostro parere il profilo compositivo della band si abbassa di qualche tacchetta. Nella seconda parte dell’album sentiamo questa tendenza e in particolare in Due Ragazzi Immaginari sembra rieccheggiare un certo profilo new wave di cui la band parlava anni fa. Un progetto ricercato che punta ad ascoltatori molti diversi tra loro.

John Malkovitch – The Irresistible New Cult Of Selenium

John Malkovitch non è il solito nome del cantautore di un paesino sperduto ispirato dalla letteratura russa e che vede nella musica l’unica forma di espressione di un suo diagio sociale. John Malkovitch è una band a tutti gli effetti, un quartetto profondamente aderente al rock ma che si allontana dai suoi classici canoni per plasmare un qualcosa di diverso. Spesso ne rallenta i ritmi, sposa una visione completamente strumentale, annichilente per certi versi ma in alcuni frangenti più espressiva di quanto lo sarebbe se ci fosse un cantante in line-up. The Irresistible New Cult Of Selenium non è un album semplice, ancorato al post-rock ma scevro da qualsiasi forma di psichedelia (elemento che molti progetti post-rock non riescono ad evitare), propone quattro tracce ma che sfiorano in cinquanta minuti di durata totale. Un segno indelebile della proposta musicale della band, un progetto che non può evitare la classica forma del “crescendo”, musicale ed emotivo, come accade ad esempio in Twice In A Moment, Once In A Lifetime (toccando addirittura il metal sulla parte finale), una delle poche strutture che viene spesso adottata nella musica strumentale come tentativo di coinvolgere l’ascoltatore.

Zenit è onomatopeica fin dal titolo, tutto è soave e sembra di essere immersi in uno stato di apnea fino a metà brano per poi aprirsi, di nuovo, all’esplosione sonora che lascia spazio al rock, quello vero. Quando parte Nadir sappiamo già cosa aspettarci e pur con note e pattern diversi il film non cambia di molto; cambia l’approccio alla ritmica, ci coinvolge di più e il graffio del riff. Nel complesso è un buon album ma i brani sono davvero molto lunghi. La stessa Zenith si poteva spezzare in due (i primi 9 minuti e i secondi 5) rendendo non solo le tracce più digeribili ma presentando con un’altra forma le diverse composizioni incluse in essa.

Il Silenzio Delle Vergini – Su Rami Di Diamante

Il nuovo EP interlocutorio de Il Silenzio Delle Vergini, band la cui intervista è disponibile a questa pagina, si intitola Su Rami Di Diamante ed è di fresca uscita. Interlocutorio perché la band esce dall’album Colonne Sonore Per Cyborg Senza Voce e probabilmente si appresa a pubblicare un altro full-lenght, ma anche perché in fondo cinque tracce sghembe, diverse e poco palpabili riempiono un CD che sfiora i venti minuti di ascolto. L’introversa e sintetica Amore (003 E 009) fa da contraltare a Londra, un esercizio di puro post-rock, passando per i suoni dance di Guerra, il tutto in un turbinio di attenzioni produttive, suoni scelti e trame ritmiche differenti. Qual è il fattore comune nella loro musica? Un prodotto musicale in cui le voci campionate cercano di riempire le intenzioni vocali della band, il tutto non facendo mancare melodie perché la strumentalità non è fine a se stessa ma espressione di tinte e di sensazioni che devono prender forma esclusivamente con le note, con la musica. Da valutare in occasione di un album completo per capirne a pieno le capacità espressive.

Camera237 – The Lie And The Escape

Molto intelligente la visione musicale dei Camera237, una band che indubbiamente saccheggia dal mondo musicale del post-rock ma che ne offre una visione molto più digeribile. L’indie dallo stile britannico di You ne è un esempio, un pezzo in cui le melodie vocali fanno l’80% del gioco e la musica, comunque ben congegnata, fa da scenografia a questa scena (plauso alle linee di basso). In generale comunque il termine indie non è propriamente linkabile alla musica dei Camera237: tastiere, synth ed effetti sono il cardine musicale delle loro idee che, come detto, non assumono mai derive sperimentali, piuttosto risultano piacevoli anche all’ascolto non attento, segno che The Lie And The Escape arriva già al primo ascolto. Tutto costruito in maniera precisa e con dei bei suoni insomma, noi però avremo preferito una preponderanza degli strumenti elettrici accanto al protagonismo vocale (la band sembra accontentarci parzialmente in Walk Alone e in I Need You Get Back) ma è giusto che la direzione della band sia legata a ciò che li ispira dal profondo.

Per chi apprezza più le incursioni nell’elettronica suggeriamo l’ascolto di My Disorder, chi invece ricerca maggiormente le sfumature melodiche può ricontrare una hit nell’opener I Will Know.

Snow In Damascus! – Unconscious Oracle

Nonostante le forti dosi elettroniche che gli italianissimi Snow In Damascus! inseriscono nei loro brani, il cappello più adatto per presentare il loro sound a nostro parere è quello del post-rock. Non pensate però al post-rock come l’etichetta internazionalmente riconosciuta, ma ad una visione di rock che vuole rompere con i soliti schemi, che vuole rallentare i canonici tempi, che vuole infilarsi in spazi non sempre congeniali e creare così una visione futuristica (e futuribile) di rock. Lo stile della band infatti prende le distanze dall’incedere graffiante che alcune rock song contengono nonché dall’energia prodotta dai riff portanti di una traccia rock, preferisce piuttosto giocare su orchestrazioni (elettriche ed elettroniche) che si vestono da arrangiamenti e aggiungono una vena lisergica al tutto. Compare anche uno spirito soft-prog (come in Still Astral Trip o in Will), una forte incursione nell’elettronica in altri momenti (come in No Details) e anche brani che escono fuori traccia rispetto ai nostri ascolti (Guilty Brain), tutti momenti che sembrano un po’ stirare il lungo lenzuolo di sonorità a cui gli Snow In Damascus! sono avvezzi, piuttosto meglio puntare il mirino sull’opener in cui si mescolano in un ottimo bilanciamento arpeggi ed effetti o anche su Cherry Tree, un esercizio alla Marillion periodo Hogarth ma più orecchiabile.

Quello che manca è un brano che catturi, un pezzo che da un lato identifichi con chiarezza il tratto somatico del quintetto e dall’altro crei quello squarcio nella scena tanto agognato nella loro biografia lasciando un segno indelebile del loro passaggio. Un album comunque ricercato che mette in mostra tante sfumature e lascia all’ascoltatore la possibilità di scelta, come un mazzo di fiori ciascun con un colore diverso ma nessuno infinitamente bello.