Il Silenzio Delle Vergini – Su Rami Di Diamante

Il nuovo EP interlocutorio de Il Silenzio Delle Vergini, band la cui intervista è disponibile a questa pagina, si intitola Su Rami Di Diamante ed è di fresca uscita. Interlocutorio perché la band esce dall’album Colonne Sonore Per Cyborg Senza Voce e probabilmente si appresa a pubblicare un altro full-lenght, ma anche perché in fondo cinque tracce sghembe, diverse e poco palpabili riempiono un CD che sfiora i venti minuti di ascolto. L’introversa e sintetica Amore (003 E 009) fa da contraltare a Londra, un esercizio di puro post-rock, passando per i suoni dance di Guerra, il tutto in un turbinio di attenzioni produttive, suoni scelti e trame ritmiche differenti. Qual è il fattore comune nella loro musica? Un prodotto musicale in cui le voci campionate cercano di riempire le intenzioni vocali della band, il tutto non facendo mancare melodie perché la strumentalità non è fine a se stessa ma espressione di tinte e di sensazioni che devono prender forma esclusivamente con le note, con la musica. Da valutare in occasione di un album completo per capirne a pieno le capacità espressive.

Camera237 – The Lie And The Escape

Molto intelligente la visione musicale dei Camera237, una band che indubbiamente saccheggia dal mondo musicale del post-rock ma che ne offre una visione molto più digeribile. L’indie dallo stile britannico di You ne è un esempio, un pezzo in cui le melodie vocali fanno l’80% del gioco e la musica, comunque ben congegnata, fa da scenografia a questa scena (plauso alle linee di basso). In generale comunque il termine indie non è propriamente linkabile alla musica dei Camera237: tastiere, synth ed effetti sono il cardine musicale delle loro idee che, come detto, non assumono mai derive sperimentali, piuttosto risultano piacevoli anche all’ascolto non attento, segno che The Lie And The Escape arriva già al primo ascolto. Tutto costruito in maniera precisa e con dei bei suoni insomma, noi però avremo preferito una preponderanza degli strumenti elettrici accanto al protagonismo vocale (la band sembra accontentarci parzialmente in Walk Alone e in I Need You Get Back) ma è giusto che la direzione della band sia legata a ciò che li ispira dal profondo.

Per chi apprezza più le incursioni nell’elettronica suggeriamo l’ascolto di My Disorder, chi invece ricerca maggiormente le sfumature melodiche può ricontrare una hit nell’opener I Will Know.

Snow In Damascus! – Unconscious Oracle

Nonostante le forti dosi elettroniche che gli italianissimi Snow In Damascus! inseriscono nei loro brani, il cappello più adatto per presentare il loro sound a nostro parere è quello del post-rock. Non pensate però al post-rock come l’etichetta internazionalmente riconosciuta, ma ad una visione di rock che vuole rompere con i soliti schemi, che vuole rallentare i canonici tempi, che vuole infilarsi in spazi non sempre congeniali e creare così una visione futuristica (e futuribile) di rock. Lo stile della band infatti prende le distanze dall’incedere graffiante che alcune rock song contengono nonché dall’energia prodotta dai riff portanti di una traccia rock, preferisce piuttosto giocare su orchestrazioni (elettriche ed elettroniche) che si vestono da arrangiamenti e aggiungono una vena lisergica al tutto. Compare anche uno spirito soft-prog (come in Still Astral Trip o in Will), una forte incursione nell’elettronica in altri momenti (come in No Details) e anche brani che escono fuori traccia rispetto ai nostri ascolti (Guilty Brain), tutti momenti che sembrano un po’ stirare il lungo lenzuolo di sonorità a cui gli Snow In Damascus! sono avvezzi, piuttosto meglio puntare il mirino sull’opener in cui si mescolano in un ottimo bilanciamento arpeggi ed effetti o anche su Cherry Tree, un esercizio alla Marillion periodo Hogarth ma più orecchiabile.

Quello che manca è un brano che catturi, un pezzo che da un lato identifichi con chiarezza il tratto somatico del quintetto e dall’altro crei quello squarcio nella scena tanto agognato nella loro biografia lasciando un segno indelebile del loro passaggio. Un album comunque ricercato che mette in mostra tante sfumature e lascia all’ascoltatore la possibilità di scelta, come un mazzo di fiori ciascun con un colore diverso ma nessuno infinitamente bello.

Antarte – Isole

E se stavolta ci rilassassimo un po’? Effetto stroboscopico di una notte di baldoria con amici che deve ora lasciare spazio al recupero del corpo e delle mente. E quale miglior cura di una delle ultime novità uscite in campo tricolore? E prendiamolo sto benedetto Isole, e vediamo quel che contiene, non fosse altro per quel dipinto che richiama uno dei racconti di ieri sera a proposito di quadri, già perché ieri si parlava di quadri di Ligabue e di dischi come Pictures At An Exibition, insomma anche arte e rock quando si mangia, e cos’altro se no oltre ad un buon piatto salentino. Comunque sia, torniamo a questo lavoro che promette bene sin dalla copertina. Diciamo subito che la musica di questa band si àncora bene in quel post-rock a noi tanto caro, non fosse altro per le derivazioni anche etniche che ne richiama, infatti l’album degli Antarte, Isole, si appoggia proprio su questo genere anche se contaminato da testi pensati bene che si miscelano bene nel contesto complessivo. Isole è un album dal sound lento, scorrevole, fluido, a volte anche capriccioso, ma il fatto poi che tutto il lavoro sia stato assemblato da Simon Heyworth la dice lunga su dove gli Antarte volevano arrivare. Infatti, Heyworth è quell’uomo che nel corso della sua carriera ha messo mano ai dischi di Brian Eno, George Harrison, King Crimson, Depeche Mode e tanti altri. E’ dire poco se poi il mastering di questo disco aiuta ancora di più a far risaltare il percorso sonoro che gli Antarte hanno voluto proporre. Infatti il disco si propone con un’architettura strutturata sulla potenzialità dei brani che sono descritti come un rincorrersi di racconti che descrive il moto a luogo del mare (guardate un po’ la copertina). La musica degli Antarte è rarefatta, sembra buttarsi in un’atmosfera fantasmagorica dove tutto diventa irraggiungibile, una sorta di distanza siderale tra l’essere umano ed i suoi sentimenti.

Già dall’apertura di Isole che si presenta con Oasi, il tuffo nel post-rock è immediato, la voce di Lillo Morreale è ben sostenuta da una ritmica acustica che si confonde con i passaggi più vellutati che in alcune note richiamano i Depeche Mode ma anche band come i Tangetrine Dream, ma gli Antarte dimostrano solo che l’assimilazione di quei suoni è solo servita a realizzare poi il sound tutto personale che li contraddistingue. E se Oasi si trova proprio al posto giusto per la presentazione di quello che accadrà dopo, il sound vellutato del brano successivo, I Tuoi Giorni, si appoggia tutto sulla delicatezza della chitarra acustica che propone proprio quell’addio di cui a volte non si può fare a meno. Ed anche qui oltre al bel cantato l’atmosfera che si respira è proprio da post ma anche un po’ flodyana, soprattutto nelle battute finali. Il terzo pezzo contenuto nell’album, Senza Luna, disegna alla perfezione il messaggio sonoro che gli Antarte vogliono far giungere con questo pezzo che più post di così non si può. E Paolo Vita al piano sforna quei tocchi irresistibili che viaggiano tra un classico dimenticato ed un post di ultima generazione, e non basta perché il tutto poi è maestosamente sostenuto dal resto della band che alimenta quel sogno di ritrovarsi senza il satellite tanto amato. Un bel pezzo, da colonna sonora senza dubbio. E se Nessuno apre alla maniera pinkfloydiana per quel tic tac che ricorda uno dei dischi più venduti nella storia, il resto del pezzo viene da sé; Nessuno nella sua tristezza è lo specchio di un minimalismo musicale che lentamente porta l’ascoltatore dal post rock finora proposto allo slow core più concreto e consapevole. E che dire qui, il viaggio continua senza accorgersi di essere passati dal ritrovarsi Senza Luna all’essere Nessuno nel vero senso della parola.

Ed i suoni che invadono le nostre orecchie arrivano come pennellate negli angoli più nascosti del nostro cervello e ci spieghiamo allora il perché di quella scelta di copertina, anche se poi qui vi è una vera immersione nel sound di stampo Sigur Rós. Scirocco si presenta come post-rock tricolore anche se pervaso da influenze alla 65daysofstatic soprattutto nella parte finale del pezzo. E se con Bolina sembra che il post sia stato scritto per le strade di Parigi per la bohemien che sprizza fino a raggiungere, poi, lo slancio verso l’alto, oltre i confini del post, Castelli Di Sabbia muovendosi sulle belle presenze vocali e strumentali, preparano alla chiusura di Isole che con Buona Fortuna fanno approdare a quell’ambient pulito, senza troppi fronzoli, che la dice tutta su come gli Antarte sappiano fare musica. Un disco che non mancherà di essere apprezzato come è capitato a noi, un disco che ci fa ancora una volta affermare che per trovare buona musica non è poi così necessario andare sempre al di là delle Alpi, basta guardarsi in casa e scoprire che tante band hanno da dire, e molto. E non poteva essere altrimenti perché a soli quattro anni dall’esordio con Olio Su Tela, gli Antarte di strada ne hanno fatta.

And So I Watch You From Afar – The Endless Shimmering

And So I Watch You From Afar sono una rock band di Belfast formata da quattro elementi con Niall Kennedy e Rory Friers alle chitarre, Johnny Adger al basso e Chris Wee alla batteria che propongono prevalentemente musica strumentale dando vita ad un rock che resta impresso sin dai primi ascolti anche se la loro è una musica in continua evoluzione. Con questo sesto lavoro la band dimostra una straordinaria evoluzione musicale che lascia esterrefatti per le composizioni che non annoiano mai, anzi offrono una sorta di carica dalla quale è difficile districarsi. Chi scrive, questo disco lo ha già ascoltato diverse volte senza mai annoiarsi ed ad ogni ascolto c’è sempre stata una nuova scoperta ma lascio fare ora a chi ci legge e poi magari si gusterà questo The Endless Shimmering che cattura davvero. Tutto quello che si ascolta in questo disco è allegria, spensieratezza e sound che scivola via tra suoni tipicamente rock e toccate di “post”. Un bel disco insomma anche se il nostro non è un voto dato al disco in se ma alle capacità artistiche e stilistiche dei And So I Watch You From Afar. Ma vi sono anche alcune influenze di quel math-rock tipico come accade in Dying Giants che si chiude con una bella presenza di archi che si allacciano alle frequenze prodotte fino a quel momento.

Sin dall’apertura con Three Triangles che presenta una bella chitarra con la batteria capace di incunearsi tra le note della sei corde, si ha un’indicazione immediata su come questo sia un album realizzato da strumentisti che sanno bene cosa fanno. Sembra anzi che questo sia il prodotto di un album registrato in presa diretta vista la qualità e la significatività del suono. Ripeto, ascoltatelo che ne vale la pena perché se è già un brano come Three Triangles a dare quel senso di libertà capirete bene cosa può accadere dopo. E che delizia poi quando si giunge alla traccia che dà il titolo all’album: The Endless Shimmering mette in evidenza quanto quest’album sia effettivamente una delle migliori produzioni chitarristiche degli ultimi tempi. Anche una traccia come I’ll Share A Life sembra giungere al punto giusto nell’arricchimento di questa esperienza di ascolto pur nella presenza di un costante tambureggiare di Chris Wee, e ne vale sempre la pena. La traccia di chiusura Chrysalism appare invece un vero e proprio pezzo di suspense che progredisce in una tempesta vorticosa di suoni al punto da far ascoltare e toccare con mano la distruzione capace di portare una chitarra ben suonata. Insomma, nel complesso un album di post-rock reso eccitante dal fragore chitarristico capace di alzare un muro “contro”.

The Endless Shimmering è un album che pur realizzato in studio, sembra in realtà essere suonato dal vivo e forse gli And So I Watch You From Afar volevano proprio questo: suonare tutto dal vivo anche in studio. Se il risultato è come quello che vi abbiamo descritto, è intuibile quanto la capacità di questa band irlandese sappia andare oltre l’etichetta del semplice post-rock: infatti è sufficiente proprio l’ultimo brano a dimostrare che il post-rock, o il math-rock che abbiamo segnalato sia poi alla fine una vera e propria progressione di suoni, quasi prog. Se continuano così gli And So I Watch You From Afar sapranno regalare ben altro. Disco non eccelso ma davvero bello e….piacevole.

Malmö – Manifesto Della Chimica Romantica

Interessante la visione musicale dei Malmö, una band che viene da molti equiparata alla scena post-rock ed in effetti le loro costruzioni soprattutto chitarristiche sono molto affini a questo genere. Ma è consapevolezza diffusa che le giovani realtà post-rock incentrino tutto sulla componente strumentale, spesso rinunciando del tutto ad esprimersi tramite testi e voce. I Malmö invece ragionano al contrario e quindi accanto a melodie aspre e intricate, arricchite da ritmiche atmosferiche seppur tavolta goliardiche, piazzano in primo piano la voce di Daniele Ruotolo che rende tutto più facile da ingerire (e anche meno gustoso, se vogliamo) di un bicchier d’acqua. Scelta quindi particolare ma che a parer nostro non viene spinta quanto meriterebbe visto che il risultato finale è qualcosa di spesso molto orecchiabile e che perde tutta l’alta ricercatezza che il post-rock usualmente vanta. Ascoltare infatti brani come Il Principio Di Archimede, le sue linee vocali e il pianoforte ci spinge nel pieno dell’indie pop italiano, ma anche Polaroid ci tiene appesi nell’attesa di qualcosa che ci possa scuotere ma che non arriva mai.

Alcuni contesti ispirano allegria (A Chi È Lontano), anche se noi preferiamo quando i Malmö optano per trame più intime e introspettive (come Jules Verne), è qui il loro valore maggiore. Non si può parlare di un vero e proprio edificio, però le fondamenta, create con materiale originale e resistente, sono degne di nota. Tutto sta nel vedere che se negli anni la costruzione finale somiglierà a tantissimi building già noti o se vedremo qualcosa di davvero raro.

Mòn – Zama

Zama è l’album d’esordio dei romani Mòn, un disco di dieci tracce intrise di melodie ipnotiche, di atmosfere boreali e di un sound dalla forte impronta post-rock. L’influenza di band come Sigur Ròs e Alt-J è palpabile ma, l’innesto di momenti folk improvvisi rende questo disco molto particolare anche se fedele al genere. Il singolo e brano d’apertura Lungs ci proietta in una sensazione di pace ed è già da qui che si può notare un intermezzo piacevole quanto inaspettato che si distacca dall’ambient e tocca note folk e world. Le voci, delicate e flebili in lontananza, sono morfina, Alma e The Flock ne sono un esempio, anche se in quest’ultima il timbro vocale e lo stile ricordano fin troppo i Coldplay e Chris Martin. Sorprendente, invece, è Forest Of Cigarettes che strizza l’occhio ai Foals distaccandosi momentaneamente dal genere di base, con riff di chitarra semplici quanto incisivi. Particolare attenzione va anche a Fluorescence, altro brano molto orecchiabile e ritmato dove, forse, la band poteva azzardare qualcosa in più, specie nelle distorsioni.

Il disco è assolutamente piacevole e lo sarebbe stato ancora di più se in alcuni brani i Mòn non si fossero rifugiati in un freddo intimismo in chiaro stile Sigur Ròs, vedi Fragments e To Marianne, è come se cercassero di spingersi in lande pericolose quanto avvincenti per poi ritornare quasi impauriti nel loro confortevole e sicuro sound. Le basi ci sono, la band ha stoffa, manca solo un pizzico di coraggio nel volersi avventurare nella giungla, osare di più quando si ha la possibilità di farlo anche se Zama resta comunque un buon album. Con questi modesti consigli, ci auguriamo che i Mòn possano in futuro spingersi oltre, le potenzialità per affermarsi prepotentemente sulla scena underground e non solo ci sono tutte.

Malclango – Malclango

Album interamente strumentale per questa originale formazione post-rock italiana, composta da un batterista e due bassisti. Leggendo i titoli ci si rende subito conto del filo conduttore che unisce tutti i brani, infatti ognuno di essi rimanda al mare in tempesta, immagine evocata anche dalla bella copertina e dai rumori di fondo presenti in ogni traccia, naturale definire il tutto come un concept album. Si aprono le danze con Patatrac, brano movimentato e trascinante dove sono presenti tempi dispari e richiami al progressive, qui non si sente affatto la mancanza delle chitarre grazie anche all’ottimo lavoro di missaggio dell’album e anche a degli interventi di una voce narrante che pare uscire da un filmato dell’istituto luce. Segue Nimbus che già dalle prime note richiama le geometrie e i riff dei Tool, in un piacevole crescendo che conferma le impressioni iniziali, le stesse che possiamo riscontrare su Ostro (o vento di mezzogiorno), brano contenente cori evocativi e che soffia a gonfie vele dirigendo l’imbarcazione dei Malclango verso il largo, nei mari solcati da band come Primus.

Petricore e Anatomia Di Un Battibecco sono brani più tranquilli ed easy rispetto ai loro predecessori, il contrario di Granburrasca, uno dei momenti migliori del CD dove si alternano parti più cadenzate ad altre più tranquille ma comunque ispirate e interessanti. Le stesse che possiamo ascoltare sulla conclusiva Sant’Elmo, traccia che non sfigurerebbe in una scena di un film di Tarantino visto la melodia anni 60 e richiami al folklorismo musicale greco. Uno dei maggior pregi dell’album è quello di non annoiare mai, nonostante l’assenza di due elementi fondamentali per il genere come la chitarra e la voce e l’assenza di effetti per gli strumenti a corda, cosa che mi sento di raccomandare per il futuro in quanto potrebbero aggiungere un tocco psichedelico al già ottimo lavoro fatto finora.

Reveers – To Find A Place

Debuttanti i Reveers, tutti classe ’95, arrivano con questo To Find A Place sotto i nostri riflettori. E noi, come ogni buon osservatore con spirito critico, lo guardiamo ed ascoltiamo da più punti di vista. Ce n’è uno, quello del rock poetico, del rock maledetto che vuole delle code vocali, delle note collocate in maniera amara, un animo un po’ depresso, uno spirito che vorrebbe essere immortale; ecco questo richiede la scrittura di brani non veloci, quasi mai ritmati, piuttosto perdersi in scritture lisergiche che non si limitano ai 3-minuti-3 né ai ritornelli laccati. Poi c’è un altro punto di vista, quello che noi troviamo in un secondo strato di questi giovani Reveers, quello del post-rock, un post-rock non strumentale ma più avvicinabile da chi mastica rock (prevalentemente moderno). Le prime due tracce pongono forte l’accento su questo stile, come fossero dei Radiohead ancora più inglesi ma con una certa concezione della melodia. Poi c’è un terzo punto di osservazione, che guarda ai Marillion del periodo Hogarth, quelli introspettivi e meno orecchiabili e qui i Reevers dicono qualcosa. In generale risulta importante il ruolo delle tastiere che in alcuni brani, come in Music For A Silent Film, lasciano un segno indelebile, come volessero disegnare una stagione musicale, o tracciare le coordinate di un sentimento.

Thesis, Antithesis & Synthesis ha un po’ di verve in più e al di là delle strofe (che fanno l’eco a certi R.E.M.) cerca di far emergere un proprio specifico ruolo della batteria. In Spheres c’è qualche contaminazione elettronica che cambia un po’ le direttrici ma le linee vocali mantengono il timone sulla medesima direzione imboccata dalle altre tracce. Un esordio che non sembra un esordio. Una prova di certo matura e ricercata, ma che può piacere o non attecchire. Il percorso è all’inizio ma le idee sono già chiare.

Il Vuoto Elettrico – Traum

Nel libretto di questo album leggiamo: “Paolo Toppa – Parole” e dopo l’ascolto del nuovo lavoro de Il Vuoto Elettrico dal titolo Traum capiamo perché. Paolo non canta, recita e declama i testi che accompagnano le canzoni che compongono il disco. Parole sputate fuori con enfasi e violenza quasi schizofrenica, alla maniera di Giovanni Lindo Ferretti, quasi senza seguire una metrica prestabilita o quella proposta dagli strumenti. E, checché se ne dica, anche questa è musica signori e signori. Se i futuristi fossero vivi, sarebbero entusiasti del modo di interpretare i vocaboli che ha Paolo, lo prenderebbero sotto la loro ala protettrice conducendolo in un bel bar a bere assenzio e Cinzano come se non ci fosse un domani.

La band che fa da contraltare alla schizofrenia del cantato (attenzione, si badi bene che dietro questa schizofrenia c’è una logica, non siamo davanti ai deliri disarticolati e casuali di un qualsiasi folle) propone musiche essenziali, anche loro stralunate e “strampalate”, molto vicine a quel confine dove inizierebbe il noise duro e puro. E’ ovvio che con testi così profondi e claustrofobici, rigettati con una furia quasi iconoclasta verso l’ascoltatore, nulla si poteva sposare meglio. La sensazione suscitata è una sorta di disagio che contagia, che spinge comunque chi ascolta a proseguire affascinato fino alla fine di Traum. Merito anche di una produzione che rende tutto scarno e graffiante, senza inserire nulla che sia fuori posto di nemmeno un millimetro.

Il Vuoto Elettrico, per gli amanti di un certo genere, hanno centrato l’obiettivo: album riuscito in tutti i sensi, sia musicalmente sia come veicolo che deve condurre il messaggio proposto. Che è poi tutto quello di cui abbiamo scritto sopra.