Nova Sui Prati Notturni – Non Expedit

Nel mio secondo disco c’è un brano che ho intitolato Come Le Formiche, giocando con la metafora di vedere come un mare di formiche tutti noi in questo mondo che stiamo vivendo. Poi lancio in play il video molto interessante del singolo Plastic Sun Rising (unica traccia totalmente strumentale) e trovo il mondo per lo più assediato da formiche. Ed è un po’ come sentirsi a casa…ed è così che i tratti metropolitani, notturni, eterei e visionari non solo si alternano casualmente ma dettano le regole del gioco per tutto l’ascolto di questo nuovo disco dei Nova Sui Prati Notturni. Ed in questo periodo che ho visioni assai nebbiose ed in tonalità di grigio, a me che ho sempre amato l’Islanda dei Sigur Ros o gli espedienti sospesi dei Radiohead, direi che ho trovato questo Non Expedit davvero molto interessante e contemporaneo al mio personale stato di cose. Un bel disco che non bada affatto all’estetica e alla forma lasciando che testi semplici e poco raffinati condiscano un background musicale che sa di aria e di ferro, che ha la forza di restare nelle orecchie più come sensazione di benessere (si insomma per me è assoluto benessere…ad ognuno il suo) che come cellula melodica da fischiettare.

Non ci sono particolari suoni né particolari esecuzioni, un ensemble decisamente sintetico ma molto molto efficace per un post-rock che per molti tratti non sembra neanche italiano. Quando suona Duane Barry direi che si raggiunge l’apice del disco con questo suono reso velina, spirituale e poco concreto…ai Nostri piace spesso e volentieri tradurre il drumming in “cavalcate” ritmiche lontane, passeggere, che ci raggiungono e ci sorpassano…ai Nostri piace la ciclicità del suono e del messaggio, il mondo attorno che assume le sembianze di una sfera di lamina lucida che consuma km di nuvole. Con Tiresia c’è del gusto femminile non solo nella voce ma anche nel brano che quasi pareggia i conti con i meno avvezzi alle trasgressioni strutturali…”scorre il tempo, scivola, non si conclude mai…“. Anche nella seconda traccia A Casa – forse il punto meno forte del disco – i Nova riprendono a dialogare con forme più embrionali di canzone e il timbro (questa volta maschile) è un biglietto di sola andata per la musica dei Baustelle. La stessa che ritroviamo in chiusura con la title track del disco Non Expedit che chiude l’album con la sua coda lungamente strumentale e sempre pregna delle caratteristiche che fanno di questo disco un ascolto importante e ricco di ispirazione. Provincia, prati notturni, indifferente normalità di una serata come tante altre…ritrovarsi in una pizza/bar…l’Italia delle piccole cose, invito a volerci tornare perché la musica dei Nova non punta ad orpelli di grande radiofonia e palchi smisurati…fa il suo dovere per se stessa…video e singolo L’ombra Di Un’idea per me è tutto questo.

Certamente, direbbe il saggio, molti come loro, prima e dopo di loro…direbbe il saggio…ma il saggio non sa che per fare questa musica, che sembra così “banale” ed immediata, che sembra così ovvia per la sua capacità di arrivare allo spirito di ognuno di noi, forse il saggio non sa che prima di ascoltarla la si deve scrivere. E i Nova Sui Prati Notturni (ovviamente notturni) la sanno scrivere. Ancora grezzi in molti cliché e nella produzione, certamente non c’è dietro una macchina di chissà quale potenza operatrice…si sente…ma alla fine importa? E piano piano ho cercato e voluto anche io suoni e arie simili per il mio nuovo disco…super Nova!

Anice – Waste

Gli Anice tornano, seppur per un passaggio veloce quanto quello di un meteorite. Un EP di una dozzina di minuti, probabilmente un intermezzo dopo il precedente The Embrace Is A Perfect Circle (recensito da noi a questa pagina) e il prossimo, futuro, full-lenght. Il duo non molla l’attitudine rock che lo aveva contraddistinto in brani del passato come Sand In My Shoes e decide di aprire questo Waste proprio con un pezzo crudo, strumentale e veloce come Bloody Square. È questa la loro formula attuale: rock strumentale duro e puro, un po’ indie ma senza arpeggi, né effetti né giochi di contorno; si va dritti al sodo, chitarra e batteria e si costruiscono interessanti trame in bilico tra rock strumentale, post-rock e un pizzico di post-grunge. In The Truth In The Middle la sei corde assume un doppio animo sulla coda del brano, ma è nell’ultima più lunga Obsolescence che il duo esprime un’altra vena della propria creatività. I tempi si rallentano, viene a galla lo spirito post-rock e un intimo sapore di psichedelia si fa spazio tra i pattern; intricato e arguto il brano procede con una marcia omogenea ma apportando variazioni sapienti e trascinando l’ascoltatore in un trip difficile da sciogliere.

Rock innanzitutto ma di ampie vedute, con questi presupposti non vediamo l’ora di ascoltare il prossimo album e seguire il percorso artistico degli Anice.

Scogli Di Zinco – Affiorano Veloci E Lenti Come I Ricordi

Passi che l’EP è un biglietto da visita per una band esordiente più che una vera e propria uscita discografica e passi anche che siamo nell’era in cui tutto è super veloce e molti si stancano ad osservare i dettagli, ma 12 minuti di musica sono davvero pochi per essere confezionati in un CD, tanto più che la band in questione, gli Scogli Di Zinco, si dice influenzata da shoegaze e post-rock (due generi che non sono proprio noti per la brevità delle tracce). Ma bando agli aspetti di forma e passiamo alla sostanza. Il quartetto in questione è alla prima prova in studio e, osservando con attenzione songwriting e produzione, ci sentiamo di premiare il combo: ogni strumento si crea il suo spazio senza invadere quello accanto, le idee affiorano e arrivano con pacatezza ma lasciando un segno profondo; anche i fiati, una delle caratteristiche del loro sound, pur sembrare essere in penombra segnano in maniera incisiva alcuni momenti.

Interessante la traccia Le Serpi: arrangiamenti e sezione ritmica la fanno da padrone ma su tutti spicca un’ambientazione colta e che coinvolge l’ascoltatore. In Senza Gravità invece avremo alleggerito le linee vocali, magari optando per uno stile diverso che avrebbe accarezzato meglio le melodie. Infine con Bosco il profilo compositivo si intreccia e fa presagire una proposta ancora più introspettiva per il futuro della band, un futuro di cui attendiamo nuovi inediti per avere una visione più chiara del loro stile.

Hella Comet – Locust Valley

Bella storia quella degli Hella Comet, una band austriaca ma che punta a musicalità tutt’altro che legate alla propria terra. Gli Hella Comet sono un progetto internazionale in tutti i sensi, capace di produrre un’insalata davvero originale che pesca ingredienti in scene per nulla vicine tra loro. Si presentano come una shoegaze noise rock band, a nostro parere si collocano nella scena post-rock meno lenta e depressiva, arricchita sì da inserti noise ma da elementi rock e ritmi incalzanti che la contraddistinguono. Le chitarre noise litigano con una voce che potrebbe sfiorare il pop anche se adeguatamente arricchita di echi che la rendono particolare. Il forte legame con la scena post-punk degli Hella Comet si sente, con tanto di adolescenza trascorsa ad ascoltare album dei The Cure come se non vi fosse un domani; il loro rock è sicuramente implosivo, tanto da sfiorare le lezioni che i Radiohead hanno imposto a chiunque intendesse approcciarsi al post-rock; infine noi percepiamo anche un amore-odio per i mai defunti Type O Negative, con il loro incedere scuro e lento, più pesante di una semplice rock band, ma comunque incisivo (l’opener è una testimonianza di ciò). Eppure, nonostante quanto detto, i fagocitatori di grunge in stile Smashing Pumpkins troveranno negli Hella Comet tanto materiale di cui appagare il proprio udito e il proprio cuore (ascoltare la prima parte di Dead Match Figure per avere un esempio), con forse meno impatto energetico ma la stessa carica adrenalinica.

Fortunate Sleepers è il momento più shoegaze di Locust Valley, mentre l’irriverenza di 43goes79goes43 e Idiots And Slavery ci dicono che il quartetto non è per nulla lontano dall’ambito rock. A noi piace il taglio di Midsummer Heat, un brano che mette insieme razionalità ed emotività, sapienza mainstream con inclinazione emergente, riff incisivo e chorus dai grandi ascolti. Forse è questa la dimostrazione dello spessore di questo progetto, una band che in futuro arriverà a sempre più Paesi. Altro che progetto austriaco!

Yawning Man – Live At Maximum Festival

Quando si parla di stoner o di desert rock in Italia molto spesso c’entra la Go Down Records e quando si parla di portare dal vivo queste sonorità allora non si può far finta di non conoscere il Maximum Festival, evento organizzato proprio da quell’etichetta. E se consideriamo che la carica di questo sound proviene proprio dai live incandescenti, perché non registrare in presa diretta le esibizioni in occasione di questo appuntamento? Questa deve essere stata l’idea degli organizzatori e dei Fatso Jetson che nel 2014 pubblicarono il loro Live At Maximum Festival (recensito da noi a questa pagina), idea però balzata anche alla mente degli Yawning Man che hanno realizzato lo stesso progetto discografico appartenente alla medesima edizione (ma uscito solo in questo 2016). I californiani Yawning Man però sono di una pasta diversa, non solo per la loro longeva esperienza, ma anche perché sono lontani dal mondo dello stoner che spara a raffica e propone sezioni ritmiche martellanti. Loro piuttosto, quasi sempre, fanno incetta di psichedelia e post-rock per poi mescolarlo tutto all’animo desert rock che portano in grembo. E se così non fosse sarebbe davvero difficile, anche in sede live, ascoltare brani che superano i 7 minuti di durata come Far Off Adventure, tracce che presentano cavalcate compatte seppur con arrangiamenti e melodie che si intrecciano rendendo diverso ogni passaggio.

La loro forza probabilmente è proprio qui, nei brani incisi all’interno degli album che si differenziano sempre tra loro e nelle esibizioni che così finiscono per sorprendere sempre. Non è la velocità che li contraddistingue, né le sperimentazioni sugli effetti: gli Yawning Man hanno trovato un sound distintivo, una personalità che li fa riconoscere a distanza e così passano dall’ambientazione dark di Perpetua Oyster alle influenze romantiche di Manolete, offrendo dei trip in cui l’unica soluzione è tuffarci a capofitto. Forse il momento con maggiore energia di quell’esibizione prende il nome di Ground Swell, 9 minuti di contorsioni elettriche su un’unica trama che fa da cornice all’interno della quale si muovono oggetti astratti ma dal passo costante. Un lavoro che va assaporato dal vivo o in questa confezione live.

Pin Cushion Queen – Settings_1

Pin Cuschion Queen si cimentano in un’opera coraggiosa, come coraggiosa è la loro musica. L’intenzione è di realizzare una trilogia di EP e pubblicarli a breve distanza l’uno dall’altro. Qui parliamo del primo capitolo, intitolato appunto Settings_1, nome che ci sembra suggerire le attività che la band mette in campo per iniziare a creare questo complesso lavoro, come se fossero le prove che poi ci offriranno un lavoro più maturo (o intricato) negli altri due passaggi. In realtà, ad ascoltare queste tre tracce, ci troviamo subito dinanzi ad uno scenario tutt’altro che di facile digestione, un sound molto influenzato dal post-rock ma con una vena meno elettrica e molto più elettronica in cui synth ed effetti la fanno da padrona. Per fortuna però Settings_1 non è un lavoro strumentale ma compaiono delle linee vocali che ammorbidiscono il tutto. E così le atmosfere lisergiche dell’opener Background lasciano spazio ad un incedere più netto con la successiva Mechanical Liars intorno alla quale la batteria riesce a proporre variazioni che incuriosiscono anche se non trovano spazio per esplodere concretamente. E si passa da sperimentazioni alla Radiohead ad intermezzi pinkfloidiani lasciano uscir fuori le proprie sensazioni interiori, punto caratterizzante della musica del trio.

Un album intimo ed essenziale, una colonna sonora per un cortometraggio drammatico-giovanile. Vedremo come si incastrerà nella trilogia.

Mulbö – Mulbö

L’artwork e la confezione del primo omonimo album dei Mulbö svela subito le intenzioni di questo quartetto: creare musica sofisticata, uno stile che ha bisogno di vari ascolti per essere assorbito, un alternativismo non figlio delle mode, piuttosto di una personalità che i musicisti vogliono esprimere tramite queste otto tracce. Tracce appunto che fin dal titolo presentano idee complesse e che anche all’ascolto non nascondono trame fitte; non vi sono strumenti o singolarità che emergono dalla proposta musicale dei Mulbö, bensì c’è un’opera intricata, strumentale, che coniuga perfettamente melodie a ritmiche intense. Per quanto concerne le prime appaiono rimandi a scenari orientali come l’uso di suoni non tradizionali seppur elettrici, invece in riferimento al basso e alla batteria si ha la sensazione di vivere attacchi incessanti, cupi e viscerali, che ci allontanano portandoci verso universi paralleli, come se il linguaggio a cui siamo abituati avesse cambiato i propri paradigmi e questi andassero reinterpretati per comprenderne la direzione.

Se qualcuno avesse il coraggio di ammettere che la musica strumentale risulta difficile da comprendere allora i Mulbö dimostrerebbero subito il contrario, visto che anche con l’assenza di parti vocali il loro timbro resta impresso. Solo in qualche frangente la proposta sembra ostica, come in Xagalka, ma risultano quasi delle prove prima di far esplodere il sound. In generalesi tratta di composizioni che si muovono su più strati ma che, grazie anche ad una ritmica decisa e persistente, entrano dentro e lasciano un segno di fondo. Potremo ascriverli nei cataloghi del post-rock eliminando però quel sapore lisergico estremamente focalizzato sulle ambientazioni che troppi colleghi portano avanti come fosse una battaglia facile. Tra momenti che strizzano l’occhio all’elettronica (Marno Edwin), altri che si spingono verso territori avant-garde (Szen Ji), i Mulbö ci affascinano già con le prime due tracce che inquadrano perfettamente il loro stile rock che attira in pieno l’attenzione, capacità che non molte band strumentali possiedono. Una prova più che convincente e spesso intrigante.

Artichokes – A Wish Is…

Gli Artichokes ci insegnano una grande lezione che molti musicisti (non tutti) non sono in grado di accettare. Essere musicista oggi significa innanzitutto essere imprenditore in campo musicale e chi opta per l’autoproduzione non può dirsi indifferente alle logiche del music business, non può evitare (almeno un po’) di voler “vendere” la propria musica (non nel senso economico del termine). Gli Artichokes sono difficilissimi da trovare in rete (almeno noi ci abbiamo impiegato un po’ prima di arrivare alla loro pagina Facebook), la loro biografia racconta di una band nata per caso, di brani nati per caso e di alcuni piccoli successi arrivati per caso; il loro genere parla di un sound “alquanto disordinato” nato da “improvvisazioni deliranti”, anche loro messe su forse per caso. Secondo noi è il classico esempio in cui il contenuto è assolutamente di valore mentre il suo recipiente ha una forma assolutamente da migliorare. Spieghiamoci meglio: se avessero avuto un qualche tipo di supporto promozionale o una maggiore dose di fiducia nelle proprie risorse, sarebbero stati presentati come la “next big thing” in campo rock. Perché? Innanzitutto perché non perdono la partita del “com’è il singer”, presenza ingombrante nella musica destinata soprattutto agli ascoltatori italiani: la loro musica è quasi totalmente strumentale, essenziale (unica eccezione: Eden). Inoltre mettono in scena un ottimo connubio tra le venature alternative moderne e il post-rock, non cadendo nell’errore di perdersi in sperimentazioni ambient che lasciano il tempo che trovano.

Un EP ma dalla durata di quasi 40 minuti, segno che di idee i Nostri ne hanno eccome; una sezione ritmica che difficilmente si siede sugli allori e un basso che non intende lasciare alla chitarra il ruolo centrale della scena, piuttosto gioca in pattern groove o in slap pur di caratterizzare il tutto, e ci riesce! Mentre in alcuni momenti, la stessa opener Kim ma anche in Catafrat nella sua parte centrale, il rock prende le redini di tutto, in altri come in Wishes la musica sa tramutarsi in qualcosa di più elegante (fusion vorrebbe dire troppo) con delle linee di basso che ogni amante delle 4 corde apprezzerebbe, ma anche qui il rock non demorde. La bonus track è la ciliegina sulla torta, un pezzo che prende a schiaffi la metà delle formazioni emergenti in circolazione. Una prova succulenta, di una band che su un full-lenght potrebbe fare davvero tanto, magari con un paio di messaggi chiari da esprimere. Tecnicamente e a livello di idee ci siamo e finalmente gioiamo per l’aver trovato una band che suona molto meglio di quanto si presenti.

Ronin/Uyuni – AREA51/SPLIT_EP#1

La nuova label Area 51 Records, etichetta del programma radiofonico Area51 in onda dal sul circuito di Popolare Network, celebra la sua nascita a 10 anni dalla prima messa in onda, con uno split album composta dalla combo Ronin Uyuni entrambi alle prese con tre brani a testa, più una traccia condivisa suonata insieme dalle due band. I Ronin ci propongono delle tracce dai forti contrasti dati dalla contrapposizione delle distorsioni e dei loop talora circolari talora trascinati, in modo da giocare con le sensazioni. Gli Uyuni giocano più con la melodia con chitarra e pianoforte, ma sempre all’interno di confini tesi e suadenti avvolti da synth e rumori di sottofondo (come in Cardamomo in cui si apprezza il mercato di Erbil e di un Hotel a Sulaymanyiah in Iraq). Shared_track#1, posta a metà del disco, è la traccia condivisa tra le due band. Si parte da qualche accordo di pianoforte accostato poi dalle percussioni e dalle chitarre in un crescendo che parte da lontano, perfetto esempio della crasi fra le due band.

Pur essendo una sorta di esperimento che non risulta pienamente concorde tra le due parti, corrosivi e ruvidi i Ronin e melodici e sinuosi gli Uyuni, a conti fatti questo split album ci fa apprezzare del post-rock suonato bene, con classe, che sarà sicuramente apprezzato dagli amanti del genere, ma anche da chi ha semplicemente voglia di sedersi ed ascoltare lasciandosi trascinare dagli eventi. L’apice dell’album è raggiunto nella traccia condivisa in cui i due paesaggi sonori sfumano tra di loro creandone uno nuovo, lasciando la voglia di essere esplorato.