Ira – The Body And The Soil

Facciamo un salto fino al 2005 per ritrovarci dalla Germania gli Ira, band formatasi nel 2003 composta da cinque elementi che propongono un genere che potrebbe essere identificato come un malinconico connubio tra post-hardcore e metal-core, ma davvero trovare uno stile musicale a cui abbinare questo combo tedesco non è impresa facile. Come detto prima gli Ira nascono due anni prima dalle ceneri di due diverse band e poco più di un anno più tardi partoriscono questo disco contenente nove brani per una durata totale di quasi un ora, non poco per nove pezzi. Già dal primo brano lungo, Soul, quasi dieci minuti, si intuisce che le loro influenze possono richiamare band più note come Sonic Youth o Mogwai anche se la voce di Toby non è il massimo e da’ un po’ l’impressione di essere come un pesce fuor d’acqua per lo stile che gli Ira propongono. Dopo la seconda traccia interamente strumentale con atmosfere quasi psichedeliche segue You’re Living Over Me anche questa abbastanza lunga nella quale si può notare una miscela tra suoni tendenti alla malinconia e qualche stacco un po’ più duro e graffiante. Disappear arriva a toccare i quindici minuti di durata e le atmosfere si fanno un po’ più vicine al metal-core, senza però tralasciare quella malinconia che comunque li contraddistingue per tutto il disco.

Notevole Long Live The Parts I, leggermente più aggressiva rispetto alle altra, soprattutto nelle chitarre. Si arriva così alla fine dell’album con Long Live The Parts II ed Ending dove si notano anche la buona tecnica strumentale dei cinque tedeschi. In conclusione questo degli Ira è un disco adatto per chi vuole uscire per un oretta dai soliti canoni musicali, un disco per chi ama band come ad esempio i Neurosis, o gruppi che fanno delle atmosfere malinconiche o tendenzialmente angoscianti la loro colonna vertebrale. Tutto sommato un disco che supera di poco la sufficienza.

Elaflein – Tra Tavolini Troppo Vuoti

La più grossa difficoltà di un gruppo post-rock (almeno cerchiamo di immaginarlo) sta nel muoversi lungo il pericoloso dilemma dell’essere più orecchiabile o più sperimentale. Infatti il genere, che comunque smentisce i classici 4/4 e la struttura “strofa-ritornello-strofa” tipici del rock, ha di per sé un animo molto più ricercato, più sofisticato. Vi sono giovani formazioni che spingono questo desiderio di differenziarsi fino a rendere la proposta molto ostica, altri invece che cercano di accontentare comunque gli adepti (ben più numerosi) del rock in classico stile. Ecco, negli Elaflein e nel loro sound, vi sono sia tentativi nella prima direzione che nella seconda. Le atmosfere pendenti tipiche del “post” compaiono in vari momenti ma non si tralasciano i riff decisi (Volutamente B in parte con Ultimi Istanti Di Riflessione), ancora la presenza di un violino in una formazione fondamentalmente rock di sicuro stupisce ma dall’altra abbiamo la presenza di testi in italiano (contrariamente ad una loro natura molto esterofila). Questo rende molto più complessa la comprensione della proposta degli Elaflein, che anche per quanto riguarda i temi trattati non restano di certo sul leggero (come quello dell’anoressia).

Interessante l’acustica (anche se arricchita a dovere con effetti vari) Invecchia Solo Chi Osa Farlo, brano che mette davvero d’accordo questa doppia anima della band, melodica e sofisticata, copione che si ripete in Sonno In Viaggio. Tendenzialmente i tempi sono lenti e le liriche drammatiche, Arresta Di Fine Turno ad esempio ricorda una vena cantautorale dark che avrebbe bisogno di nuove esperienze per poter suonare con una verve maggiore. La restante parte dell’album segue un po’ il filone post-rock senza proporre nulla di nuovo, ma a noi basta ciò che abbiamo ascoltato per capire che in futuro questi ragazzi potranno creare qualcosa di davvero originale.

Mike 3RD – In The Woods

Mike 3rd, pseudonimo artistico di Andrea Michelon Prosdocimi, sforna questo eclettico In The Woods, una sorta di manifesto della sua lunga carriera, costellata da numerose collaborazioni e partecipazioni tra cui ricordiamo gli interessanti Tunatones e gli Ex-Kgb. Caratteristica predominante del lavoro è la produzione completamente in analogico, che riconsegna agli strumenti la responsabilità della qualità del suono e permette una sperimentazione puramente manuale ed artigianale. Diventa quindi fondamentale l’apporto di musicisti di prim’ordine, e Mike sceglie dei professionisti “pluristellati”: da Pat Mastellotto al soprano Roberta Canzian, passando per il bassista Alessandro Arcuri e il trombettista jazz Scott Steen. Mixaggio e mastering in quel di L.A. sono la ciliegina sulla torta per questo disco, pubblicato da Ma.Ra.Cash Records, etichetta di Vigevano che diffonde l’eccellenza del progressive, indie e post-rock italiano. Ed è questo il sottoinsieme in cui nasce e si articola questo LP, realizzato senza attingere ad alcun tipo di elettrificazione del suono, per rappresentare al meglio, in musica, l’incontro tra l’uomo ed il bosco, la natura, i suoi misticismi ed i suoi suoni.

Diventa quindi necessario il rapporto diretto e totalizzante dei musicisti con i loro strumenti (ed i materiali di cui sono composti), dai quali si estrapola tutta l’acustica possibile ed immaginabile (grazie alla perizia degli esecutori). Ma non è tutto oro ciò che luccica, ed il perfezionismo a volte genera mostri. Un minimo di umiltà avrebbe permesso al disco di essere ancora più interessante affidando le parti vocali ad un cantante in grado di osare di più. Non che la voce di Mike non sia all’altezza della situazione, ma alla lunga risulta anonima ed alla ricerca di un inconsapevole emulazione, come in Shining Light, Back To Life, Just Because, In The Circle, It’s All So Quiet e persino in quel piccolo gioiello di post jazz-rock ultrasperimentale che è Two Wings; mentre negli episodi più rock, come 15 Days, Time, Joy è sicuramente meno fastidioso e compatibile con la melodia dei brani, così come anche nella bellissima Queen Of The Night.

Nel complesso, un ottimo disco di progressive folk rock acustico, dal suono internazionale e transgenerazionale, che avrebbe potuto, con un pizzico di saggezza in più, trasformarsi in capolavoro.

Like A Paperplane – Unfolding Light

Quando si parla di musica strumentale del nuovo millennio ci si riferisce prevalentemente ad un genere preciso: il post-rock. È in questo filone musicale che molti giovani musicisti si immergono, un contesto in cui la forma e l’ambientazione hanno la meglio su sostanza e riff. I Like A Paperplane non ne sono da meno e con qualche anno di attività giungono ad Unfolding Light, loro esordio discografico sotto la Overdub Recordings. Un album questo che si distingue solo relativamente da altre produzioni di band colleghe. In Unfolding Light infatti c’è una maggiore attenzione alla sezione ritmica: mentre di solito le formazioni post-rock puntano a strascichi lisergici e drappi psichedelici, i Like A Paperplane cercano di tenere alta la testa dell’ascoltatore anche con ritmi incalzanti; non si può parlare prettamente di groove o di altre esacerbazioni tecniche, in fondo è sempre la sei corde (a cui è affidato l’unico ruolo melodico) a giocare in attacco, ma gli elementi della band si sentono tutti. Ci piacciono gli spiragli di rock duro nella parte finale di Memories, o la bellissima Bottom Of The Barrel, un brano quest’ultimo davvero rock che dà carica e trasferisce all’ascoltatore i vari strati su cui è studiata la traccia. Meno piacevoli le parti estremamente allungate (come in Farewell) che si prestano poco al riascolto.

D’altro canto, a parte quanto abbiamo già detto, i Like A Paperplane rientrano a pieno titolo nel filone post-rock, suonando in maniera troppo simile alle altre proposte musicale di genere. Il fatto che sia un debut album e che la produzione sia curata davvero bene, lascia sperare in una evoluzione più che positiva. Noi ci aspettiamo molta più personalità e fervore.

Calista Divine – Vacante

Post-rock strumentale, etereo, astrale. I bolognesi Calista Divine debuttano nel mondo discografico con un album dai suoni puliti e fluidi, in cui di sicuro avrà giovato il lavoro in produzione di Cristiano Santini dei Disciplinatha. L’atwork di copertina ci predispone subito ad entrare in un mondo dai confini poco definiti e variopinti. Con poche pennellate musicali i Calista Divine riescono a creare un ambiente armonico variegato, dai ritmi dilatati, capace di ipnotizzare la mente senza rimanere freddi e distaccati, ma riuscendo a trasmettere un certo pathos, talvolta nascosto nelle pieghe musicali, per poi riaffiorare veementemente con furia distorta. Vacante è una prova convincente di un’idea artistica che si muove entro confini musicali non consueti, ma senza quell’ostinata ricerca del diverso ed elaborato a tutti i costi. La tecnica musicale è al servizio dell’armonia, ed ogni suono appare semplice ma ricercato senza essere pretenzioso, dove ogni cosa viene scelta accuratamente per il bene finale del disco.

I Calista Divine si impongono sulla scena musicale in modo convincente ipnotizzandoci con il loro sound, lasciandoci in attesa del loro prossimo disco.

Athene Noctua – Others

La musica strumentale è qualcosa di assimilabile alla vita onirica: molto astratta, difficilmente decifrabile e con l’alto rischio che al risveglio non si ricordi più nulla. La differenza però sta nella dualità mente/cuore: di solito un sound privo di linee vocali cade facilmente nella provocazione di risultare freddo, talvolta eccessivamente tecnico, mentre i sogni sono profondamente pieni di emozione e non hanno nulla a che vedere con la razionalità. Il nuovo album degli Athene Noctua riesce in un colpo solo a suonare assimilabile ad un lungo sogno e contenere in esso la componente emotiva che la musica sprigiona nei suoi vari effetti e pattern. Non c’è un genere che regga lo scheletro delle idee della band: si potrebbe farlo confluire nel post-rock ma sarebbe riduttivo in quanto non è l’elemento dell’ambientazione che prende il sopravvento, gli strumenti (anche quelli elettrici) sono ben presenti. Le tastiere non prendono il sopravvento (fattore questo che apprezziamo molto) e le chitarre dicono sempre la loro. Diciamo che Others suona come un viaggio intimista tra la cupidigia degli Ufomammut, lo stoner più psichedelico e la filosofia musicale dei Greateful Dead; nei suoi 45 minuti compare evidente questa dualità, rock ambizioso ma elettrico, sezione ritmica decisa ma che al momento giusto si mantiene un passo dietro agli arpeggi o ai solismi.

Incursioni e frasseggi jazz in Suppah Suppah Magic Soup, assoli melodici ai confini con divagazioni fuori tema…nella parte centrale di Others i Nostri perdono un po’ la bussola: Boreal Lotus e Karlheinz’s Flight si fanno tentare dalla sperimentazione pura, meglio invece le incursioni progressive di New Mumba che carica di groove (basso fuzz) e di tastiere sattantiane alla Emerson Lake & Palmer. In questa orgia di suoni e di rimandi sonori vediamo difficile una riproposizione musicale dal vivo di una ricetta così stratificata, eppure in termini puramente artistici Others non è un album da accantonare. Piuttosto va ascoltato a fondo.

The Suricates – Storie Di Poveri Mostri

Togliamoci un po’ di peli dalla lingua. Verso la fine degli anni ’90 il rock in Italia sembrava che dovesse essere a tutti i costi alternativo. L’alternative, inteso come modalità di uso delle chitarre in uno scenario completamente nuovo e quasi mai aggrappato alla solita struttura in 4/4, divenne il dogma assoluto per cui le rock band potevano definirsi realmente moderne. Si sa che un filone artistico o esplode all’istante per poi spegnersi flebile oppure crea un tessuto ramificato e man mano si sviluppa dando vita ad una serie di rami, ognuno dei quali prende una strada propria. Di solito i rami prendono direzioni differenti ma se potessimo mettere il tutto su un range, su una linea retta, potremo collocare l’estremo dell’alternative rock come il post-rock. Laddove quindi si è voluto sperimentare a tutti i costi e rendere l’alternative ostico, ecco che giunge il post-rock e tutto ciò che è strumentazione, ambientazione, suoni diversi e regole del rock frantumate. I The Suricates, tramite il loro primo full lenght Storie Di Poveri Mostri, sono l’esaltazione di questo concetto e la dimostrazione di come estremizzare ancora di più gli sforzi di band che hanno cercato anni fa di rendere più moderno il rock.

L’album in particolare parte da alcune storie scritte da Antonio Dragonetti e messe in musica dalla band a cui si associano anche delle immagini, giusto per dare un senso più multimediale e quindi ancora più alternativo, in una scena in cui sempre più spesso si parla di musica e basta. Musicalmente i The Suricates non ci colpiscono, tendenzialmente si punta molto su tracce vestite da ambient e testi recitati (Il Teatro Degli Orrori). L’aspetto che va sottolineato è l’alto numero di strumenti adottati dalla band (violino e xilofono compresi) che dà sicuramente ricchezza al suono ma scivola via senza restare impresso più di tanto. Particolare il brano Le Streghe che inizia con una strofa quasi pop per poi aprirsi ad un ritornello cruento, a segnare la mutevole anima assunta dai The Suricates, anima che resta più coerente nelle varie tracce seppur sempre dura a digerire. Una proposta molto particolare, prevalentemente disegnata per chi è molto avvezzo alle sonorità post-rock.

NoN – Sacra Massa

I NoN hanno una storia non rara seppur particolare. I membri dei NoN hanno maturato esperienza in vari progetti musicali e tra le mille peripezie che la vita offe si sono ritrovati, per caso, a far rivivere il moniker che era sorto anni prima. Con questa idea hanno realizzato l’album Sacra Massa che viene presentato come un’opera di rock d’autore ma a noi sembra un buon esercizio di post-rock. La sei corde riveste un ruolo centrale, attingendo dalla vecchia scuola grunge/post-grunge (dove appunto la chitarra possiede lo scettro del sound). Certo che i testi in italiano e lo stile canoro tipicamente nostrano rivestono i NoN di un abito alternative che in alcuni momenti si impreziosisce di un sapore oscuro (come in Peccato), ma si tratta comunque di una forma di rock moderno e non del semplice 4/4 nudo e crudo. La maturità dei singoli musicisti si sente anche perché ogni singolo strumento riesce ad assumere una forma propria ed è facile riconoscerlo nella forma globale di un sound comunque grezzo. Le idee sono chiare, meno la personalità del singer che punta a delle liriche intimiste e al contrario a dei riff di pura determinazione; il binomio dà vita a qualcosa di non convenzionale ma più di una persona potrebbe storcere il naso.

L’esempio di come i NoN interpretano la propria fisicità musicale è data dal brano Un’altra Notte, in cui i testi raccontano una storia e la musica sale in un crescendo di elettricità, partendo da una visione new wave e finendo al rock acerbo. Una prova la cui valutazione è indiscutibilmente da rinviare al momento di un vero full-lenght.

Farglow – Meteors Remotes

È proprio quando il rock si fa sofisticato che entrano in gioco sonorità, generi, sfumature e archibugi strani. Ormai nei nostri giorni non è più questione di singola scena d’appartenenza quando si parla di formazioni emergenti, bensì è sempre più lo spirito evolutivo che tende a mescolare ingredienti diversi a darne un risultato particolare, a volte piacevole altre volte meno interessante. È anche il caso dei giovani Farglow, italianissimi ma che puntano ad un rock non proprio così radicato nel nostro Paese: il loro biglietto da visita è sicuramente quello del post-rock, ovvero del rock elettrico, strumentale, crudo e con un pizzico di showgaze, almeno nell’idea di fondo, che gli dà quel sapore di astrattezza. I momenti sono sicuramente vari. Solare Death, sapore che fa da contrasto con il proprio titolo, con delle chitarre che aprono a degli sprazzi ritmici di spessore. Una sei corde dall’animo particolarmente solista, che colma l’assenza di una vera voce per cercare di dare una melodia ad un campo comunque arido di per sé, come negli arpeggi quasi drakiani di Playground. Contemporaneamente ci sono i passaggi in cui è la ritmica a tirare le redini, con una buona coesione rispetto all’unico elemento melodico (appunto la chitarra) che tramuta il tutto in qualcosa da ascoltare con piacevolezza. È così con Super Red Carpet che se avesse contenuto una voce dalla forte personalità avrebbe probabilmente dato un boost all’intera proposta musicale.

Questo forte amore/odio tra una batteria che cerca costantemente sforzi dispari e una coppia di sei corde che offre spinta alla scena, sono i caratteri salienti che si captano dalle varie tracce e che ne fanno il punto di forza del sound targato Farglow. In generale le parti elettriche o poggiate su strutture più energiche offrono un risultato più appagante rispetto a momenti più introspettivi, come la lunga Type’n’speak, al contrario invece della sperimentale Radio Ganymede che, nonostante il titolo, ha poco o nulla di radiofonico. In generale ci muoviamo su territori idealmente a buon potenziale, seppur da incastrare difficilmente con le esigenze live delle grandi venue. Una prova che pone i Farglow in alto e nello stesso luogo fissa le aspettative riguardo il loro futuro musicale.

Soundsick – Astonishment

Di rock moderno ne abbiamo in quantità. Di post-rock anche. Ma i giochi si fanno davvero interessanti quando il post-rock è mescolato alla psichedelia e a delle parti ritmiche incalzanti. Sì perchè se al nostro piatto aggiungessimo solo la psichedelia, probabilmente il risultato finale sarebbe uno di quei trip che da lucidi nessuno riuscirebbe a capire, una formula tiepida, lenta e lugubre. E questo i Soundsick probabilmente lo sanno molto bene, non a caso spingono sull’accelleratore con basso e batteria e così facendo anche le idee proposte dalla sei corde assumono un’altra forma. Partiture sghembe fanno il pari con melodie dissonanti in una cornice dal colore forte, scuro sì ma deciso, perchè le singole tracce di Astonishment intendono entrare nella mente e restare, al pari di una band di rock moderno, talvolta con un peso importante dei ritornelli ma senza far sfigurare tutto il resto, perchè è innanzitutto l’energia della musica il principale pedone della band, così come rock comanda.

Noi ai momenti più introspettivi preferiamo quelli sì ragionati ma che abbiano una forma canzone più diretta come Ch3 Ch2 Oh in cui compare una voce principale e una batteria incalzante che aiuta a tenere il ritmo. Groove cattivo e rock potente, che di tanto in tanto si prende una giusta pausa (Grandparents) ma torna subito dopo sempre prepotentemente, come nella vena metal della titletrack che dopo un pò puzza anche un pò di post-metal e convince decisamente nei suoi 5 minuti in cui tanto accade. È proprio dalla titletrack che il gioco diventa più irruento e si inseriscono sonorità heavy tooliane, chitarre conturbanti e ritmi rotondi come Moleskine dove il groove la fa da padrone. Sul finire Varnelli & Muffa conclude egregiamente il ciclone Astonishment e ci fa sognare un pogo breve ma intenso in un brano che dà il proprio valore anche semplicemente in cuffia.

Un bel colpo per la Seahorse Recordings che ultimamente si stava dedicando ad artisti più sperimentali e che invece con i Soundsick piazza sul tavolo l’asso di cuori. Da seguire e da vedere sotto un palco.