Io Monade Stanca – Three Angles

Avere alle spalle una serie lunga di etichette che supportano in qualche modo la propria creatura discografica. È la nuova tendenza musicale dei nostri giorni? Probabile, ma questo non condiziona e non cambia quella che è la base portante di un discorso discografico (e musicale in generale): la musica e le idee promosse dalla band. Ascoltando il nuovo album degli Io Monade Stanca possiamo spiegarci come mai una lunga lista di operatori del settore abbia creduto in loro. 9 tracce per 32 minuti di musica non conforme, tipicamente post-rock ma che spiana percorsi diversi, dando spallate math rock o anche inserendo un basso profondamente riverberato, come stoner insegna. Dimenticate i testi, se non in qualche timido ed artistico tentativo di fuoriuscire, qui è il vero concetto di musica che si stratifica, assume suoni differenti e con coraggio va oltre sprigionando un’energia al di sopra di un metro di misurazione. Qui è l’impatto emotivo che implode, non solo nelle sonorità quasi grezze di Telefilm o nell’odore ostile di Vivaldi, e il cammino filologico che il trio percorre al pari di un’arma ignorata dai più ma portatrice di effetti apocalittici. Momra Rusia porta con sé un certo rock’n’roll alla Wolfmother ma con lo stile del power trio che rende più contorto l’ascolto ma al tempo stesso più gustoso. Qualcuno potrebbe vederci del crossover in un quadro così intricato, qualcuno alcuni spiragli di avantgarde, perchè in questo Three Angles si aprono vari orizzonti anche se l’àncora di salvezza viene dal post-rock futuristico e ottimamente prodotto.

Un andamento maggiormente cupo ed incalzante caratterizza Ma Grand Mère Est Méchante, brano che ben presto si tramuta in energia allo stato puro puntando su tempi dispari e suoni/voci extraterrestri, filone ideologico che si ripete nella complessissima (quasi da jam session) Un Giro In Bici. Una prova non da ascoltare ma di cui entrarvi dentro, per comprenderla e carpire le vere potenzialità future del rock.

Turing – Turing

Lasciate ogni speranza di velocità voi che ascoltate l’EP dei Turing, parto musicale che presenta la band nata da qualche anno. Il rock del quartetto è tutt’altro che viscerale, ma punta a parti meno istintive a favore di intrecci intricati e pacati. A dire il vero anche la classificazione negli EP è un pò stretta per questo album omonimo: i 40 minuti messi in musica dal combo romano si avvicinano di più ai full-lenght odierni che non ai prodotti DIY dalla durata spesso dimezzata rispetto a questo lavoro. Non si tratta però di una durata equidistribuita: la terza traccia, Parking Drama, tocca i 15 minuti in un caleidoscopio di suoni ed effetti che travalica il concetto stesso di brano, concezione musicale di chi ha fatto proprio il senso della psichedelia e che rifiuta le battute ed ogni suo riflesso ritmico a vantaggio di una forma melodica e al tempo stesso sperimentale. In generale comunque i Turing non sono per nulla una band “mordi e fuggi”. L’opener già appiattisce i tempi (ma non i sensi) optando per un crescendo di suoni che attingono dal post-rock più profondo e che lascierebbero molto spazio agli arrangiamenti, perdendosi purtroppo nei già tanti 8 minuti dedicati. Kit Carson Will Never Die cambia registri seppur puntando sempre sul profilo emotivo a cui i Turing sono ispirati; questo brano va letto con il vocabolario delle ballad, con alcune influenze shoegaze che vengono a galla e che semplificano l’ascolto.

Con Àpeiron un certo rock ruvido viene a galla, ma dura poco. Altro elemento nuovo di questo passaggio è il connubio tra testi in inglese e testi in italiano, di cui noi preferiamo (anche per legame con il sound e caratterizzazione globale) più i secondi. L’ultima Rain ritorna coerentemente allo stile delle prime traccie senza aggiungere elementi di rilievo se non una caratterizzazione maggiore nelle parti vocali che però sconfina in alcuni eccessi rispetto allo stile di base. Nel complesso si tratta di un’uscita molto dilatata, che non aggredisce l’ascoltatore ma ne vorrebbe ammaliare gli stimoli al fine di riceverne una reazione e che raggiunge l’obiettivo solo quando il ricevente è molto affine a questo tipo di sonorità. Una band dalla forma attuale molto basata sulla sala di incisione; una formula incentrata su alcune valvole di sfogo che le darebbero una connotazione più live potrebbero dare quella marcia in più per trovare appetito mangiando nel piatto Turing.

Decana – Decana

Chitarre decise ma non metal. Voce suadente ma non siamo nel pop. Melodia che sovrasta la struttura di ciascun brano eppure siamo in ambito rock. Difficile trovare un carattere distintivo per i Decana che possa assimilarli ad un contesto ben noto. Probabilmente quello del post-rock può essere l’habitat primo per dare ospitalità al quartetto, un quartetto diretto da Sarah Fornito e Cecilia Bernardi, già membri fondatrici delle Diva Scarlet. Per andare dritti al punto non serve un riff unico ripetuto almeno fin quando il cervello non sia trapanato, e questo le due artiste lo sanno bene. Ma non è nemmeno ciò che vogliono: l’intento dei Decana è quello di puntare ad un rock superiore, che non rinunci alle distorsioni, ma che sia anche in grado di generare emozioni, travisando una cultura di base fondamentalmente cantautorale e mescolandola alla distruttiva cultura dei nostri tempi per ottenenerne così un frutto difficilmente accostabile a qualcosa di già esistente. Tutto il film si muove sulle ambientazioni create dai singoli brani (come in Niente Da Dire), dai giochi delle linee vocali che si muovono su diversi registri (Come Mi Vuoi Tu?) e da una passione per alcune sonorità decadenti, quasi new wave, che però prima di essere espresse si tramutano in rock deciso, quasi come fosse questa l’unica forma di espressione per dare contenuto alle idee (o alle emozioni) dei Decana.

Tutto Cambia ad esempio è un brano intimo in cui i testi prevaricano qualsiasi nota messa in musica, in una sorta di crescendo di disperazione dove è sempre la voce che gioca il ruolo principale. Momenti più vispi sono dati da Nel Sesso Si È Tutti Uguali E Tutti Diversi, strumentale in cui il rock vero prende il sopravvento arricchito anche da alcuni stacchi sapienti che danno più respiro alla compisizione tutta, o anche Come In Un Brutto Film, ulteriore momento in cui la componente musicale può vivere di vita propria. Un lavoro che oltre alla sua personale matrice di base presenta varie tendenze interessanti, un album che va ascoltato più volte anche solo per assorbire tutte le emozioni negative che lo hanno ispirato così da tramutarle in positive.

Electric Sarajevo – Madrigals

Il moniker di questa band invia segnali, anzi non tutto, solo la seconda parte, quella che fa riferimento alla nota città protagonista in passato di distruzione e di tristezza. L’umore di questo richiamo non è solo fonte di ispirazione per il quartetto ma è anche insito in ogni singola nota di questo Madrigals, album d’esordio degli Electric Sarajevo. L’approccio dark distrutto nella propria interiorità e figlio di Depeche Mode et similia trasuda dalle nove tracce seppur la band risulti ancora più cupa abbandonando qualsiasi concetto di ritmo (l’assenza di una batteria era solo presagio per questa constatazione) e puntando tutto sulle ambientazioni. Queste ultime sono le uniche ad avere voce in capitolo, in un’opera che suona molto più elettronica che elettrica (da qui la dissonanza con la prima parte del moniker) in cui non compaiono riff o melodie ma solo scelte musicali a suffragio di stati d’anino distanti dalla luce che si inniettano solo laddove trovano campo fertile, a rischio di risultare totalmente inconcludenti per tutti gli altri palati. Un album che sfiora il rock nella sua accezione più moderna e in una sua interpretazione relegata alla rottura degli schemi più che al riff fine a se stesso. Bello l’incipit di The Worst Lover, prima che la programmazione abbia il suo spazio, vero e proprio carattere saliente di tutto l’album: se sicuramente possiamo riferirci a Madrigals come una produzione in cui una certa personalità è presente, allo stesso tempo dobbiamo riconoscere la poca incisività che il sound della band esprime, difficilmente immaginabile in un contesto live se non in un ambiente molto ricercato.

Davvero da apprezzare è l’artwork e il booklet interno al CD che non solo richiamano tantissimo le idee insite nelle menti del quartetto ma esaltano con una grafica ricercata e con un mini leaflet tutto il mondo degli Electric Sarajevo. Se si apprezzano i lavori umorali ed emotivi, quelli che con poche sonorità cercano di creare raffigurazioni oniriche o viaggi inconsapevoli, Madrigals potrebbe fare al caso vostro, in caso opposto potete desistere.

Penelope Sulla Luna – Superhumans

Ci siamo. I Penelope Sulla Luna hanno dato un seguito al loro EP dal titolo Enjoy The Little Things (recensito da noi a questo link) che aveva rappresentato un nuovo inizio per la band grazie ad una certa stabilità in line-up e che aveva fatto affiorire anche un folto mazzetto di idee interessanti. Con questo Superhumans si compie il passo tanto atteso e la band assume una forma di senso compiuto, si esprime su un lavoro che raggiunge i 44 minuti e soprattutto intuisce la giusta direzione da dare al proprio progetto, in coerenza con quanto già espresso tramite il precedente EP. In altre parole nei Penelope Sulla Luna la passione per la musica strumentale è posta al servizio di melodie intricate e per certi versi ostili ma che rendono affascinante il sound e lo inquadrano ad un livello alto, non solo in termini compositivi ma più in generale artistici. Difficile immaginare la loro proposta musicale osservando la copertina: a differenza dei colori e della creatività che richiamerebbe più lidi alternative/indie, i Penelope Sulla Luna si collocano benissimo nello scenario post-rock moderno, andando a disturbare con questo ultimo lavoro anche il post-metal. Va comunque segnalata la rappresentazione (secondo noi geniale) all’interno del booklet di un monopoli adeguato alla realtà che ci circonda, con tappe e proprietà che ci ricordano dove l’umanità sta andando e gli innumerevoli ostacoli (e crimini) che si incontrano giorno dopo giorno (dai quali probabilmente viene preso spunto per il titolo dell’album).

Così la visione strumentale dei nostri assume forme diverse: da una più pacata (come ritmo) e claustrofobica (come sound) Feathers Cry In Pillow Wars (ripresa poi in parte in Goblin), ad assaggi noise nella title track, passando per il pianoforte onnipresente di To Kill You In Your Sleep e allo spirito ambient che vive qua e là. Ancora più diverso l’attacco di Vendetta!! che sfocia nel metal per poi cambiare rotta nel corso del suo viaggio grazie ad un synth dal sapore horror, ulteriore elementi differenzianti nell’offerta dei Penelope. Non è dato sapere come si evolverà questo progetto, se verso lidi più congeniali con quanto il mercato richiede o verso panorami musicali ancora più stentorei come l’avantgarde, ma di certo a questo punto la curiosità cresce enormemente.

Thank U For Smoking – Dopo La Quiete

La nostra esperienza ci sta portando sempre più alla riscoperta di una multimedialità della musica. In un’era in cui è molto facile parlare di digitale come qualcosa che appaghi vari sensi e non solo l’udito, ciò a cui ci riferiamo è qualcosa di più del semplice strumento. La multimedialità sensoriale, l’accostamento della musica insieme al senso viviso: questo un elemento a cui sempre più band si accostano e che da solo rappresenta un passo verso la sperimentazione in quanto fonde due arti, la capacità di creare musica interessante e quella di dar forma ad immagini e pensieri, che non per forza coesistono. Ma se chiediamo a queste due pronfonde capacità di parlarsi in quanto espressione dello stesso output, allora la cosa diviene più complessa e al tempo stesso più audace. Se volessimo riassumere tutto in tre parole lo definiremo Dopo La Quiete, il titolo del primo album (autoprodotto) dei Thank U For Smoking (no, non il film, non c’entra nulla). Il senso dell’autoproduzione è lampante ascoltando le parti più intricate di questo album, dove l’accostamento di vari suoni genera un impasto sonoro non molto apprezzabile (Dopo La Quiete, Il Nulla) ma è chiaro che qui si oltrepassa il concetto di singolo riff o strofa. La musica dei TUFS si basa su atmosfere e sulla vigorosa voce di Aurora Atzeni, che non corre mai lungo i brani ma cerca di prendersi i proprio spazi e creare quella dicotomia tra i propri toni acuti e le melodie cupe delle composizioni che rendono il tutto più pregevole.

Il Ponte di Einstein-Rosen è forse il momento più introspettivo dell’intero album, passaggio strumentale che cerca di farsi spazio tra le difficoltà espresse dai testi dei precedenti minuti; una lunga essenza strumentale, concetto in cui il trio si esprime sicuramente meglio e la libertà di potersi esprimere al di là di una struttura canzone innalza il valore della musica. Non a caso con Corrotto, Mistico, Complice (tre termini riferiti a Dio nei testi) si torna al post-rock delle tracce precedenti dove la chitarra intimidita cerca di farsi spazio ricalcata da una batteria incisiva ma non invasiva, mentre in Duhjha le sonorità diventano ancora più pesanti e indigeste, quasi affini all’alternative italiano degli anni novanta e le liriche, più insoddisfatte non solo nel loro contenuto (“non esiste più il desiderio neppure un’emozione dentro me”) ma anche nel modo in cui vengono riproposte, sono il vero specchio dell’anima della protagonista della storia. Solo con la conclusiva Dedica In Lacrime le melodie si fanno più armoniose e i ritmi più squadrati così come le emozioni affioriscono ma si tratta pur sempre di parole che parlano di tristezza e di nostalgia; l’arpeggio a centro brano parla da solo.

Nel DVD incluso nella confezione si riprende il concetto di “atmosfere” a cui facevamo riferimento prima accentuando ancora di più il senso visivo: paesaggi freddi, soli, spesso immobili che accompagnano una musicalità strumentale da sottofondo, come fosse un sogno, come fosse un incubo. Scenari in grado di arricchire e di essere arricchiti da riff convulsi, da effetti che sembrano frutto di altri strumenti (ma non è così), musiche settate su tempi pacati a meno di qualche fuori traccia, ancora più evidenti nella versione live del brano dal titolo Island che riprende le bellezze tipiche dell’isola da cui attinge il nome per riproporle in tutta la sua naturalità.

In generale delle idee interessanti che andrebbero valorizzate da una produzione di più alto livello e un più forte desiderio di osare per raggiungere un livello realmente da gran risultato.

Pharm – Pharm

Ogni opera, d’arte o meno, ha un suo incasellamento. Potrebbe suonare come un’affermazione eccessivamente razionale, ma al di là delle diverse interpretazioni che si può dare ad un’opera e alle mille emozioni diverse che può trasmettere (rispetto anche alle differenze soggettive su cui le emozioni si irradiano) c’è un motivo di base, un significato preciso della propria esistenza, sia essa un’opera d’arte sonora, visiva, tattile o altro. Pharm no. Pharm, nome sia del sestetto sia del rispettivo album d’esordio (ideato tra l’altro ormai due anni fa ma che vede la luce solo in questi giorni), è qualcosa che non vive di una sua essenza primordiale probabilmente per il fatto che attraversa in maniera trasverale le tipologie di opere prima a caso elencate: suoni, effetti, sperimentazioni e divagazioni che sembrano in alcuni istanti dare forma a contenuti concreti, visivi e quasi percepibili. Il sound dei Pharm è per alcuni versi molto cinematrografico, non a caso i ragazzi provengono dalla stessa città natale dei Calibro 35, vestendo bene i panni di colonna sonora di un film che ha molto da dire ma che non si appoggia alla classica musichetta da trend del momento. Tutt’altro.

I vari effetti elettronici sono solo uno degli aspetti che permette una visione alternativa del post-rock a nome Pharm: adeguatamente esaltate da una produzione di alto livello, le composizioni si infittiscono e pur se fondate su una sezione ritmica fortemente stabile si perdono in miriadi di strade, come i fraseggi dei vari strumenti a fiato in L’africano o le impronte da rave in Buone Cose A Lei. Non a caso abbiamo citato i Calibro 35 perchè da questi nasce una certa ispirazione verso un tipo di musica sofisticato, ricercato, non per tutti, piacevole da ascoltare a primo acchitto ma che ad un attento discernimento fa emergere una serie di sfumature altrimenti perse nell’etere. L’habitat è sicuramente quello live che ha supportato la band nel costruire dei pezzi finiti in grado di essere incisi con una certa scioltezza in un album: un estremo è dato da Western Machines, sperimentazione allo stato puro, difficile anche da replicare più volte con il medesimo copione.

Una band da club, da teatro, una band a cui la musica va un pò stretta perchè è l’anima multimediale l’unica in grado di esaltare la creatività del sestetto.

Efram – Il Silenzio È d’Argento

Registrato e mixato all’interno di una piccola sala di registrazione in quel di Airasca (To), giunge sui nostri tavoli l’ultimo lavoro degli Efram. Mettiam subito in chiaro che ci è piaciuto…e molto. Già l’idea di un lavoro “anonimo” (passateci il termine), con tracce numerate, oggi come oggi è difficile da trovare. Se poi quelle tracce “anonime” suonano come i Mogwai che vanno al bar insieme ai Sigur Ros, beh, è tutto ancora più bello. Vogliamo parlare dell’intero lavoro come un’unica traccia, trenta minuti di flussi e riflussi, voli pindarici lunari come la bellissima traccia di apertura, vagamente cantata, ma che sfocia nella tempesta elettrica del secondo brano. E tutto l’album si mantiene su tali binari: momenti selvaggi trovano l’ideale sbocco in altri più rilassati ma sempre tesi, affilati, pulsanti. Un buon lavoro, tenendo conto che è realizzato completamente in proprio e creato senza inutiliti virtuosismi o elementi coreografici bensì dando sfogo ai propri flussi di coscienza e razionalità. Non vogliamo dire altro, se non ascoltarlo in cuffia, al buio di una stanza, lasciandosi trasportare dalle emozioni che questi ragazzi sanno dare.

Post – Fakes From Another Place

Post è un nome, post è un’icona, post è un approccio, forse un modo di essere o forse un modo di sembrare. Questo non lo sapremo mai per una band che si presenta come la chiave di volta tra la new wave e il post-punk ma che in realtà ammette la sua radicalità nell’accezione specifica del termine rock. Un quartetto che si presenta interessato a ripescare i primi passi del rock alternativo e offrirne una nuova visuale. Alla nostra parete uditiva i Post suonano più post-rock a causa di un marchio alternative che fuoriesce dal mood classico dei gruppi precursori e per tale ragione assume la sembianza di post, come fosse un passo oltre il rock già sentito, ma un pollice prima del baratro in cui solo la sperimentazione estrema ha messo casa. Un basso ben presente che rende grazia al corposo lavoro di chitarre su cui poggiano i vari brani ad eccezione di qualche passaggio come Release The Catch ed il suo timido rock’n’roll che ben presto affonda i propri artigli in una sei corde quasi psichedelica, alter ego di una creatura dalla doppia personalità. Talvolta si assaggia qualche effetto che ‘scompiglia’ la percezione del sound, come in Closer To An End ed il suo quattro corde quasi synth, ma tendenzialmente le linee scorrono coerenti con l’immagine sonora che i Post si sono costruiti.

Un sound che di certo ha poco di italiano: non a caso la band ha deciso dopo qualche anno di opzionare l’inglese come lingua di espressione ma che a nostro parere si traduce come una scelta volta ad una maggiore conformità più che in una ricerca di differenziazione. Le liriche in italiano avrebbero giovato alla caratterizzazione della proposta musicale e dimostrato che anche dalle nostre parti band con delle idee musicalmente contro tendenza riescono a tenere testa contrariamente alle abitudini d’ascolto che il music business impone. Altalena inarrestabile tra melodie e ritmo: questo è un altro fattore che si riscontra lungo le undici tracce; noi preferiamo i Post che si lasciano andare a ritmi più avvolgenti come in Overlooking, in bilico tra il post-grunge e lo stoner ma con un’insaziabile desiderio di divertimento. Tralasciamo qualche momento troppo accessibile come You Beggar e l’elettronica di Unheard e salviamo la prima parte di Who The Hell con un basso che incide profondo ma che successivamente viene sopraffatto dall’intuito psycho-dance.

Una ricetta che a nostro parere perde di valore artistico nella complessità di strutture sonore di cui essa è composta, strutture spesso appartenenti a cammini diversi e che si intersecano solo forzatamente tra loro.

Verbal – Verbal

Ormai la musica è divenuta una sfida. Viviamo l’epoca in cui le band, soprattutto quelle esordienti, cercano di sfidarsi l’un l’altra come un continuo confronto con quello che viene ideato in giro, invece di concentrarsi sulla propria identità e trascenderne una musica singolare. È così che le band continuano a tuffarsi nella sperimentazione, conferendo di anno in anno, di decennio in decennio, un significato via via diverso. In questi anni le sfide sono principalmente due: mescolare quante più radici musicali possibili (chi ha pensato all’elettronica, al dub o al raggae?!) e raggiungere se non oltrepassare i confini del post-rock. I Verbal, giovane combo bergamasco, si inseriscono in questo scenario e puntando su musiche prettamente strumentali prendono spunto dal rock moderno ficcando granelli di apprendimento da scene varie e portandosi ancora più avanti nel tempo. Ci ricordano molto i Radiohead, pur non richiamando la loro proposta musicale: l’approccio è simile, rompere gli schemi, creare l’inatteso, giocare con gli umori dell’ascoltatore e con ciò che lui non si aspetterebbe.

È su questi presupposti che le chitarre diagonali e matematicamente costruite dell’opener Double D Marvin irrompono e ci fanno pregustare un math-rock che presto sfumerà in un rock psichedelico al suon di “Scheiße meine kleine” (questo recita il testo di Kasper Hauser, un brano che racconta la storia di un ragazzo di inizio ‘800 tenuto ostaggio per dodici lunghissimi anni). È qui la vera anima del quintetto che trova proprio nell’esperienze pre e post-floydiane (chiaramente anche The Mars Volta) pane quotidiano e intende sputire ancora di più scegliendo appunto un nome di un personaggio per ogni brano del proprio esordio discografico: come il comico Benny Hill riflettuto nella compulsiva traccia num. 5 con i suoi cambi di tempo da incubo, o Orwell che ripesca il math-rock più allucinato e grazie ad un basso impulsivo mette in note tutta la frustrazione degli animali che speravano in una rinascita dopo aver preso possesso (ma non titolarità) della propria fattoria.

Coronado è ispirato a Francisco Vázquez de Coronado, il conquistatore spagnolo che venne dopo Cristoforo Colombo, e propone dei viaggi a tratti fallimentari che però in musica divengono difficili da digerire; Kobayashi è presentato come uno dei cognomi più comuni in Giappone…qual è la metafora? È semplicemente un brano particolare, con un nome comune, in una terra molto lontana dall’immaginario collettivo, così come questo lavoro è particolarmente distante da come viene inteso oggi il rock. Un album che richiede non solo una certà maturità ma una grande dose di coraggio e per questo a noi piace molto.