Adam Carpet – Adam Carpet

Il dubbio (atroce?!) riguardante gli Adam Carpet è se considerare il loro disco d’esordio come un’uscita del 2013 o targata 2014. Sì perchè il loro album omonimo, composto da dieci tracce, era uscito ormai dodici mesi fa, distribuito esclusivamente in digitale. Ora ci troviamo tra le mani lo stesso album, finalmente giunto in formato fisico e con due ulteriore tracce (che più che dei veri e propri inediti le definiremo bonus track). Ma al di là di questo è il succo che conta e dobbiamo ammettere che questo quintetto, composto da membri di altre band più o meno note sulla scena, ha molto da dire. Dopo l’opener che affonda nel post-rock d’atmosfera, giunge Manmasquerade che getta il cuore nell’elettronica dimostrando una doppia personalità dei Nostri che ha del conturbante. In questi cinque minuti compaiono passaggi diversi e molto interessanti, una capacità di spaziare senza sbavature, l’abilità del quintetto di giocare con i suoni più che con gli strumenti e creare qualcosa di moderno senza dover per forza attecchire a questa scuola o a quell’altra. Originalità, innovazione ma soprattutto una discreta capacità rivolta alla sperimentazione, come se il loro concetto di musica dovesse rendere ancora più “post” il post-rock; saranno le due batterie (che si sentono poco) o i due bassi (che si sentono di più) ma è già la forma mentis degli Adam Carpet che nasce sperimentale e che deve mantenere fede al proprio comandamento.

C’è qualche momento che forse esce un pò fuori dal seminato come I Pusinati e Krokus’ Magnet Store (chi ha pensato ai Daft Punk?!) ma risulta davvero piacevole scomporre i singoli elementi e appurarne il contributo per realizzare qualcosa di cui l’unione offre sicuramente un valore superiore rispetto alla somma delle singole parti. In particolare le linee di basso e i synth spesso sono i fattori che giocano un ruolo assolutamente principale e che cambiano anima nel corso dell’ascolto passando da uno space rock a sonorità quasi dance, sempre ricoperte da una sperimentazione imperante. Così il viaggio Adam Carpet sembra un’unica lunga traccia fatta di cura e di trasposizioni oniriche nella direzione della non convenzionalità. Per i due brani inediti, posti sul finale, possiamo segnalare più che Dreamcity (cover riarrangiata dei Frigidaire Tango), Future Teen che dimostra che qualcosa, per lo più a livello ritmico, è cambiato nella band ma in fondo niente si è stravolto: l’incedere è maggiormente percussivo anche se la traccia è la più lunga da loro composta, ci si rifà a territori dance e la sorpresa giunge con l’inserimento di alcune linee vocali. Un percorso, quello degli Adam Carpet, da seguire ma con attenzione per evitare di smarrirsi.

The Low Frequency In Stereo – Pop Obskura

Pop Obskura, uscito nel 2013, ci apre le porte della Norvegia, dove i The Low Frequency In Stereo si sono formati nel 2001; quinto album della band a confermare il loro sound post-rock, sperimentale ed elettronico. L’album parte subito con due pezzi Elevated/Desecrated e Colette (Subie Subie) molto ritmati, forse quelli più orecchiabili, con una perfetta sincronia tra le voci femminile e l’elettronica, poi si passa a pezzi un po’ più sperimentali come Black Receiver e Satellites In Sight  dove entra in gioco anche una voce maschile che si armonizza perfettamente, arrivando a due pezzi Ionic Nerve Grip, dove la voce maschile diventa parlata e il brano è quasi un pezzo strumentale; White Echo, pezzo solo strumentale. Infine si arriva a Secondhand Nation, brano che ci riconduce all’inizio dell’album con la voce femminile che la fa da protagonista ed un suono molto più ritmato e ascoltabile. In conclusione possiamo dire che Pop Obskura è un buon album, ma difficile ad un primo ascolto, soprattutto per chi non è pronto o non si è mai avvicinato a questo tipo di musica.

La Nevicata Dell’85 – Secolo

La Nevicata Dell’85 è l’immaginifico ed evocativo nome di una band bergamasca che con Secolo si trova ad affrontare il secondo capitolo della loro storia. L’album presenta un post-rock pronto però a sprigionare a tratti una rabbia latente che lascia intatte le presenze limitrofe. Si inizia con Attuale. Subito si palesano suoni, ululati lontani, ma limpidamente vicini alle nostre menti. Una voce, sola, calma e sincopata che ci prepara al guado del passaggio successivo. Inizia la batteria a dare forza. Forza che influenza la voce che cambia, si anima e urla, mantenendo però, la sua estraniante calma apparente. Intanto tutto all’improvviso tuona e il cielo diventa scuro.  “In un’altra vita, come in un’altra epoca si sentirebbe ancora la forza del suo mare”. Un mare in tempesta. Con Nostalghia i suoni si avvicinano a noi. La distanza si accorcia e la poesia ci presenta nitide scene di disperazione: “Dirompe un’immagine, la figura di un uomo che tenta di accendere ripetutamente una candela, la deve portare, senza che si spenga, dalla parte opposta di una vasca vuota”. Intanto il ritmo avanza incessante. Capitombola, si interrompe riempito dalla voce, e ricomincia a rotolare fino a Secolo. Il narratore ormai sembra un punto fisso dell’album. Il racconto è intriso di chiaro ermetismo inseguito dallo stesso ritmo claudicante iniziato qualche brano fa. Ritmo che trascina ed abitua l’orecchio del pubblico.

Un inciso strumentale è sempre gradito, così viene proposto Frammenti. Un brano appunto frammentato e ricomposto da un mix sonoro che trova nelle percussioni il suo timoniere zoppo e scampanellante: come un pirata che trascinando la sua gamba di legno fa risuonare la miriade di orecchini e collane raccolta in una vita sul mare. Un mare nebbioso e pronto ad invadere la nave con qualche sparuta, ma potente, onda. La tempesta si rinforza e ora siamo nel vivo dei fulmini. Diorama ci colpisce, senza far troppi danni però. Di fatto le nubi passano in fretta e si arriva ad un altro brano strumentale condito dallo squillo quieto di chitarre elettriche: Terra Che Attendo. Il ritmo è quello che ormai ci è entrato in testa con la forza della perseveranza. Da qui, il passaggio a Sabato è quasi indistinguibile. Un flusso che d’improvviso viene spezzato e con calma riassestato dalla voce del narratore. Tamburi scalpitanti. Squarci di chitarra che ci aprono le porte a Terra Che Trovo. Una nuova realtà in cui brilla il sole. I raggi dei piatti abbagliano a tratti. Dopo che i nostri occhi hanno riacquistato la capacità visiva veniamo accolti da chitarre languide, ma decise a confonderci ed estraniarci. Ci preparano ad affrontare l’esplosione finale in cui emerge una strana armonia di scoppi, lampi e ululati, ruggiti ben educati che non sconvolgono e non riempiono, nonostante la ottima qualità strumentale e poetica.

Secolo a primo acchito è rappresentato dallo stesso nome d’arte della band: una nevicata pronta a ricoprire tutto, stravolgere le vite sottostanti ed essere sciolta, però, dalla prima ondata di calore che inesorabilmente la chiude nel dimenticatoio. Una qualità che, come un fuoco di paglia, a lungo termine non scotta più.

R.o.fi.x. – Outside From The Inside

La sigla quasi incomprensibile che identifica questo sestetto altro non è che l’acronimo di Rainbow Over Final eXplosion, vero moniker di questa band proveniente da Pordenone e che presenta il proprio genere come un post-prog-math rock. In realtà all’ascolto del loro recente parto autoprodotto l’assegnazione a questa categoria musicale, o meglio identificabile come mix di generi, risulta un pò audace in quanto farebbe presagire territori ben più intricati e artistici. In soldoni il sound proposto dai R.o.fi.x. altro non è che un post-rock strumentale, privo quindi di linee vocali che ne faciliterebbero la digestione, ma con un certo appiglio per l’ambient; la stessa Locked In gioca sul classico crescendo ritmico-emotivo piacendo in quanto a strutture costruite ma forse un pò monca di arrangiamenti vari (oltre le terre elettriche) che potrebbero stratificare la proposta; sul finire il tutto si indurisce sfociando timidamente e in punta di piedi nel metal. L’album però procede con un andamento prettamente acustico in quanto a chitarre e con gli altri strumenti che si sommano per costruire un qualcosa di più ricercato ma che alla lunga probabilmente rischia di perdere l’attenzione dell’ascoltatore (anche nel brano London Is Too Far in cui i Nostri si lasciano andare).

I sei brani, che comunque denotano una lunghezza discreta, rivelano comunque un certo stile compositivo per nulla banale ma pur sempre non sperimentale, completamente differente invece dal cupo e per certi versi semplicistico artwork presentato; un’occasione forse persa per dare una veste alle loro idee musicali. Forse va ricercato qualche fattore innovativo in grado di caratterizzare l’offerta nel complesso.

Tides From Nebula – Eternal Movement

Tra i Paesi spesso sottovalutati quali luoghi natali di formazioni interessanti nel nome del rock e dell’heavy metal ci sono sicuramente quelli dell’est Europa. Una delle recenti scoperte che viene direttamente dalla Polonia è data dai Tides From Nebula, qualche mese fa venuti in Italia come supporto dei The Ocean. Il quartetto profondamente strumentale e sperimentale ha pubblicato proprio in quei mesi (ultimo trimestre del 2013) l’album Eternal Movement, una calata nei meandri del rock sofisticato, del post-rock e dell’ambient inniettato da un certo desiderio di sorpresa che si percepisce in alcuni casi con delle trame ritmiche più fitte, in altri casi con dei suoni/effetti esterni al rock strettamente inteso. I 47 minuti dell’album vagano in questo modo, tra parti più lente e melodiche (Satori) e inserti più introspettivi ma dall’aspetto duro (Only With Presence); un Devin Townsend più rock si intravede tra le note di questo album o meglio ancora l’idea intricata che Steven Wilson ha della musica, medesime lezioni collocate nella mente di questi quattro ragazzi. Non mancano le tinte heavy, per lo più alla sei corde, anche se il sound dei Tides From Nebula è tutt’altro che diretto; tutti gli arrangiamenti, che fanno risultare le tastiere come una specie di synth, traghettano la band nelle terre della musica sperimentale anziché in quella di facile ascolto ed è da notare che sono create con spessore musicale.

Resta il fatto che la natura strumentale dell’album rende più ostile avvicinarsi ad esso e comprendere il complesso mondo dei Tides From Nebula. Nella traccia Emptiness Of Yours And Mine lunga sette minuti ci sono tutti gli elementi sonori della band, dalle trame ricercate alle parti più dure che non stentano di optare per suoni meno puliti e ragnatele dark. Una prova sicuramente non convenzionale ma che difficilmente resta impressa nella memoria, suonando un pò troppo annacquata in alcuni momenti e comunque ostica in quanto a natura.

Ecole Du Ciel – Heartbeat War Drum

Gli Ecole Du Ciel con Heartbeat War Drum vogliono gridare guerra. Una guerra senza armi né morti. Una guerra emotiva che ha come protagonista e antagonista una sola entità. Un solo organo: il cuore e il suo grido di battaglia. Il cuore e il suo battito, segno di vita e di morte, di illusioni e vane gioie. L’album inizia con Forever Up There che apre, con gentilezza e pacata euforia, i cancelli della via che l’ascoltatore seguirà ascoltando Heartbeat War Drum: il nostro battito cardiaco, un tamburo di guerra. Ed eccolo subito il battito cardiaco con From My Farthest Shores. Il cuore scalpita fin dall’inizio dell’album interpretato dalla perfezione imperfetta della grancassa. Le chitarre seguono l’incessante battere del muscolo come il più diligente dei flussi sanguigni. Tutto si mischia, tutto si rincorre, tutto ritorna e il tutto crea un sound particolarmente estraniante e straziante grazie anche alle urla aggiunte sul finire del pezzo. I battiti si trasformano all’improvviso, con Stars Feed On Fire, in tachicardia. Quando arriva la si riconosce subito. Basta un’emozione, rapida, inaspettata e il boom boom cardiaco inizia a pompare onde sonore che sparano energia, euforia. Il ritmo cadenzato e vagamente latino getta le basi per una colata di suoni robusti e disordinati che riempiono e disorientano. Un caos sanante che amplifica i battiti al minuto. Anche la calma, però, al suo arrivo è facilmente individuabile, sopratutto dopo una bella scarica di adrenalina, dopo la fatica e il sudore emotivo. Infatti Wheelboat presenta lievi chitarre elettroacustiche che addolciscono l’avanzare timido della batteria inesorabilmente cadenzata. E tutto si tranquillizza.

Ma riecco subito la rabbia con la titletrack, Heartbeat War Drum. Il sangue scorre, i battiti aumentano, i pruriti e le ruggini interne fuoriescono lentamente. Il ritmo della grancassa e del ride ti entrano in testa, accompagnati dalle bisbiglianti urla in lontananza. Il tutto decanta per circa cinque minuti abbondanti che culminano con le percussioni in bellavista. Percussioni che rapidamente sono seguite dal silenzio improvviso. E proprio questo che ci presenta l’ultimo brano, Dead Leaves (Milk Theeth) in cui l’intro semplice e convincente precede un ritmo claudicante, deciso e inarrestabile. Il brano è un mantra che pian piano si evolve e, contemporaneamente, regredisce sino ad arrivare al canto sciamanico di due voci sovrapposte: calde, urlanti, chiare, evanescenti. Gli Ecole Du Ciel con Heartbeat War Drum hanno dichiarato una guerra che probabilmente riusciranno a vincere. Il cuore e il suo battito a mo’ di tamburo di guerra si faranno sentire.

Les Enfants – Persi Nella Notte

Quando si parla di post-rock si compie un passo su una lastra di ghiaccio dal diametro immenso. In qualsiasi punto compare il rischio di rompere un pezzo e cascare giù negli abissi del gelo. Non è uno scenario ben definito perchè ognuno cerca di darne un’interpretazione personale. Non c’è un vero suono, un effetto che fa riconoscere una band post-rock da una formazione “semplicemente” rock. Eppure ci sono delle sensazioni che li contraddistinguono, sensazioni che vengono percepite anche nell’EP dei Les Enfants dal titolo Persi Nella Notte. Un titolo in italiano per dei testi che rispecchiano la lingua madre ma che puntano a sonorità anglo-americane. Non c’è solo qualche (ovvia) riminiscenza radioheadiana (Milano) ma anche una spruzzata di shoegaze e un fare “dream” che di certo può convincere palati adolescenziali in cerca di sonorità emotive, ma non noi che invece cerchiamo di osservare (ed apprezzare) le costruzioni musicali e le radici del rock. Un assaggio, trattandosi di 15 minuti totali di ascolto, che come regola impone si concentra su racconti, su speranze, su sentimenti. Insomma tutto ciò che è astratto. Il mood di Cash risulterebbe anche interessante, colorato da alcuni arrangiamenti ricercati, seppur un pò troppo rallentato, mentre nella conclusiva Prendi Tempo il ruolo centrale è giocato da una chitarra arpeggiata e piena di eco che poco ha a che vedere con brani acustici di alto spessore. C’è un potenziale ma forse è troppo in fondo al lago di ghiaccio.

King Suffy Generation – The Fifth State

Sulla scia dei Mogwai, i King Suffy Generator imboccano il flusso del post-rock e creano The Fifth State: un album distopico e alienante velato da una calma apparente. Assolutamente un disco da ascoltare nella sua totalità, non tutto d’un fiato, ma prendendo e scandendo dei bei respiri profondi. Dalla calma a principi di tachicardia. I brani lunghi e completi non deludono le aspettative dei nostri padiglioni auricolari e, nonostante i 5 minuti’ di media per brano, il passaggio dal precedente al successivo appare rapido e dinamicamente statico. Ci si muove stando imperfettamente fermi. Dalla eterogeneità sonora e ritmica di Derailed Dreams si passa a Short-term Vision dal suono alienante e avvolgente. Dinamica staticità che si concretizza con il breve Rough Souls: un condensato di distopica epicità spaziale. Da qui veniamo traghettati verso Relieve The Burden. Il brano presenta un riff elettrico vecchio stile che ti disarciona e ti riprende in sella galoppando giù per una luminosa discesa. Alla fine, alle spalle il ricordo di un pianoforte. Fuochi fatui. La calma finisce presto perché si arriva a We Used To Talk About Emancipation e Tomorrow Shall We See: coppia sonora dalla distorcente uniformità. Caos e ordine, calma apparente e sudore freddo. L’ascoltatore viene scombussolato e cullato fino a fermare il suo stesso moto. Un sasso in un lago e i cerchi concentrici che danzano impazziti alla ricerca di un equilibrio che culmina con la quiete. Ma alla fine il sasso è pur sempre nel lago.

I King Suffy Generator con The Fifth State lasciano un segno invisibile ad occhio nudo, ma visibile solo in profondità. Un sasso in un lago non cambia il lago, ma, seppur lievemente, ne aumenta il livello dalla riva.

Io Monade Stanca – Three Angles

Avere alle spalle una serie lunga di etichette che supportano in qualche modo la propria creatura discografica. È la nuova tendenza musicale dei nostri giorni? Probabile, ma questo non condiziona e non cambia quella che è la base portante di un discorso discografico (e musicale in generale): la musica e le idee promosse dalla band. Ascoltando il nuovo album degli Io Monade Stanca possiamo spiegarci come mai una lunga lista di operatori del settore abbia creduto in loro. 9 tracce per 32 minuti di musica non conforme, tipicamente post-rock ma che spiana percorsi diversi, dando spallate math rock o anche inserendo un basso profondamente riverberato, come stoner insegna. Dimenticate i testi, se non in qualche timido ed artistico tentativo di fuoriuscire, qui è il vero concetto di musica che si stratifica, assume suoni differenti e con coraggio va oltre sprigionando un’energia al di sopra di un metro di misurazione. Qui è l’impatto emotivo che implode, non solo nelle sonorità quasi grezze di Telefilm o nell’odore ostile di Vivaldi, e il cammino filologico che il trio percorre al pari di un’arma ignorata dai più ma portatrice di effetti apocalittici. Momra Rusia porta con sé un certo rock’n’roll alla Wolfmother ma con lo stile del power trio che rende più contorto l’ascolto ma al tempo stesso più gustoso. Qualcuno potrebbe vederci del crossover in un quadro così intricato, qualcuno alcuni spiragli di avantgarde, perchè in questo Three Angles si aprono vari orizzonti anche se l’àncora di salvezza viene dal post-rock futuristico e ottimamente prodotto.

Un andamento maggiormente cupo ed incalzante caratterizza Ma Grand Mère Est Méchante, brano che ben presto si tramuta in energia allo stato puro puntando su tempi dispari e suoni/voci extraterrestri, filone ideologico che si ripete nella complessissima (quasi da jam session) Un Giro In Bici. Una prova non da ascoltare ma di cui entrarvi dentro, per comprenderla e carpire le vere potenzialità future del rock.

Turing – Turing

Lasciate ogni speranza di velocità voi che ascoltate l’EP dei Turing, parto musicale che presenta la band nata da qualche anno. Il rock del quartetto è tutt’altro che viscerale, ma punta a parti meno istintive a favore di intrecci intricati e pacati. A dire il vero anche la classificazione negli EP è un pò stretta per questo album omonimo: i 40 minuti messi in musica dal combo romano si avvicinano di più ai full-lenght odierni che non ai prodotti DIY dalla durata spesso dimezzata rispetto a questo lavoro. Non si tratta però di una durata equidistribuita: la terza traccia, Parking Drama, tocca i 15 minuti in un caleidoscopio di suoni ed effetti che travalica il concetto stesso di brano, concezione musicale di chi ha fatto proprio il senso della psichedelia e che rifiuta le battute ed ogni suo riflesso ritmico a vantaggio di una forma melodica e al tempo stesso sperimentale. In generale comunque i Turing non sono per nulla una band “mordi e fuggi”. L’opener già appiattisce i tempi (ma non i sensi) optando per un crescendo di suoni che attingono dal post-rock più profondo e che lascierebbero molto spazio agli arrangiamenti, perdendosi purtroppo nei già tanti 8 minuti dedicati. Kit Carson Will Never Die cambia registri seppur puntando sempre sul profilo emotivo a cui i Turing sono ispirati; questo brano va letto con il vocabolario delle ballad, con alcune influenze shoegaze che vengono a galla e che semplificano l’ascolto.

Con Àpeiron un certo rock ruvido viene a galla, ma dura poco. Altro elemento nuovo di questo passaggio è il connubio tra testi in inglese e testi in italiano, di cui noi preferiamo (anche per legame con il sound e caratterizzazione globale) più i secondi. L’ultima Rain ritorna coerentemente allo stile delle prime traccie senza aggiungere elementi di rilievo se non una caratterizzazione maggiore nelle parti vocali che però sconfina in alcuni eccessi rispetto allo stile di base. Nel complesso si tratta di un’uscita molto dilatata, che non aggredisce l’ascoltatore ma ne vorrebbe ammaliare gli stimoli al fine di riceverne una reazione e che raggiunge l’obiettivo solo quando il ricevente è molto affine a questo tipo di sonorità. Una band dalla forma attuale molto basata sulla sala di incisione; una formula incentrata su alcune valvole di sfogo che le darebbero una connotazione più live potrebbero dare quella marcia in più per trovare appetito mangiando nel piatto Turing.