Stratovarius – Visions

Capolavoro. In verità oggi sappiamo che questo è solo il primo capitolo di una trilogia che valse al gruppo innumerevoli riconoscimenti tra cui alcuni dischi d’oro. Universalmente riconosciuto come uno dei migliori (se non addirittura il migliore) album degli Stratovarius questo Visions completò di fatto il processo di maturazione iniziato solo un paio di anni prima con l’ingresso di Kotipelto dietro il microfono. Nel frattempo però due ottimi album e soprattutto l’ingresso in squadra di Jens Johansson e Jörg Michael, rispettivamente alle tastiere e alla batteria, avevano messo letteralmente le ali alla compagine finlandese. Amatissimi in patria e ormai paladini di un certo tipo di power metal sinfonico, ispirato e soprattutto intenso i Nostri si fecero apprezzare dal sempre selettivo popolo metal di tutto il mondo grazie anche ad una spiccata attitudine all’esibizione dal vivo. I prodigiosi virtuosismi di cui, oggi come allora, sono infarcite anche le dieci nuove tracce di questo CD non lasciarono indifferenti le platee sempre più popolose davanti alle quali i Nostri presentavano la loro proverbiale perfezione tecnica.

Come detto non sarebbe però giusto mettere l’accento solo sull’esecuzione che, pur mirabile, è solo uno dei punti di cui questa sesta fatica in studio si può fregiare. Non si può dimenticare per esempio la produzione, semplicemente spettacolare e va citata sicuramente in questo contesto la composizione dei brani che riesce ad essere complessa e articolata ma così uniforme e ben proporzionata da rendere un lavoro lungo più di un’ora avvincente e mai stancante. Parte del merito va anche al ricco impianto melodico, da sempre cavallo di battaglia degli Stratovarius, che qui trova una dimensione ancora più cangiante e variopinta che in passato. Insomma dal vivo in mezzo a migliaia di persone o sdraiato in salotto con le cuffie in testa all’ascoltatore non rimane che perdersi sulle montagne russe su cui le intricate linee melodiche condurranno l’ascolto senza lesinare emozioni, sorprese e talvolta qualche sperimentazione. Semplicemente uno dei migliori dischi power metal di sempre…c’è bisogno di aggiungere altro?

Cyhra – Letters To Myself

Alla voce super-gruppi dobbiamo annoverare anche i nascenti Cyhra. Nemmeno il tempo di ufficializzare la dipartita di Jake E dagli Amaranthe che subito la voglia di rimettersi in gioco con un nuovo progetto lo porta a contattare un po’ di amici. La coincidenza con l’amico Jesper Strömblad è stata fondamentale: lui infatti aveva già abbandonato gli In Flames prima e i The Resistance dopo, e anche il suo collega negli In Flames, Peter Iwers, era rimasto libero. Così, una volta raccolti Euge Valovirta e Alex Landenburg, quest’ultimo ex batterista dei Luca Turilli’s Rhapsody, la formazione è stata completata. La lunga descrizione delle provenienze dei musicisti è fondamentale perché i Cyhra sono il completo compendio delle esperienze pregresse: le atmosfere melodic metal a cui gli In Flames non hanno mai rinunciato (soprattutto negli ultimi anni), le influenze di sponda elettronica degli Amaranthe (ascoltare il singolo Karma) nonché quel forte marchio di fabbrica power metal che rende Letters To Myself un buon prodotto per gli ascoltatori di questo genere. Muted Life ad esempio è un brano che si avvicina molto alla tradizione recente degli Helloween, accostando anche il singer Jake con Andi Deris, somiglianza che ritroviamo anche in altri brani. Noi apprezziamo i momenti meno accondiscendenti alla melodia: la titletrack è un assoluto treno in corsa e il riffing delle strofe fa perdonare l’estrema orecchiabilità del ritornello, buona anche Black Wings, il brano più trasversale e intricato del lotto in cui la band si esprime al completo.

Tutte considerazioni che di per sé non adducono ad un album brutto, anzi i rimandi sono più che illustri. Quello che non ci permette di inserire la band nelle nuove realtà da tenere sotto occhio è l’approccio mainstream seguito nella composizione dei brani. Ciascuna traccia ha un buon potenziale radiofonico, dei refrain che non richiedono numerosi ascolti per girare nelle nostre orecchie, ma proprio per questo sembra una confezione regalo eccessivamente luccicante, senza sbavature e senza esuberanze, elementi che avremo apprezzato considerando la caratura della line-up. Non a caso tracce come Dark Clarity, Holding Your Breath (scontata fin dal titolo) o Inside A Lullaby sono un esercizio un po’ troppo scolastico per una band agli esordi che dovrebbe volersi differenziare nella giungla del metal europeo. Speriamo che fioriranno con il tempo.

Stratovarius – Episode

Evoluzione, trasformazione e… rivoluzione. Senza girarci intorno è questo che bisogna aspettarsi dal nuovo Episode che, tanto per dirne una, si presenta con una line-up completamente rinnovata rispetto alle origini della band. E’ così: sebbene questa sia considerata ancora oggi la formazione classica della compagine finlandese in verità non contiene nessuno dei membri fondatori. Poco male perché, diciamolo, i due nuovi innesti, alla batteria e alla tastiera, hanno immediatamente dato al gruppo una marcia in più e il maggior affiatamento di Kotipelto dietro al microfono ha fatto il resto trasformando questo quinto lavoro in una perla che gli amanti del genere ancora ricordano a distanza di più di vent’anni. In verità questo è un disco così variegato e di così alto livello da poter piacere davvero a chiunque abbia un minimo di apertura mentale. Come in passato i virtuosismi si sprecano ma ora il buon Tolkki non è più da solo e ai funambolici fraseggi di chitarra rispondono sventagliate di note provenienti dall’altrettanto prodigioso Johansson (già con Malmsteen e Dio). Insomma la configurazione da super-gruppo, completata da Jörg Michael (già con i Rage) dietro le pelli, si addice perfettamente agli Stratovarius, il cui songwriting non cambia più di tanto reggendo alla pressione di tanta maestria senza piegarsi eccessivamente e anzi trovando quegli sbocchi espressivi che in passato erano un po’ mancati.

Anche il sound della band viene rimodernato e, forte di una produzione di primissimo ordine, perde completamente qualsiasi patina di immediatezza potesse essere rimasta per approdare su terreni più consoni al progressive metal che meglio si prestano a veicolare il messaggio di queste undici tracce. Il genere invece rimane saldamente ancorato ad un power metal di stampo classico, sebbene variegato da venature sperimentali completamente assenti in passato, in cui soprattutto l’approccio molto tecnico consiglierebbe qualche sorta di distinguo che li separi dalle altre proposte dell’epoca. Ad oggi invece nel solco tracciato dagli Stratovarius sono passati in molti…ma questa è un’altra storia che però conferma l’autorità maturata dai Nostri. In questa sede basti sottolineare come Episode sia stato un successo planetario che lanciò in orbita una band completa e capace di coniugare tecnica, melodia, creatività, intensità e ispirazione come nessun’altra in quel periodo.

Stratovarius – Fourth Dimension

Con questo lavoro gli Stratovarius si confermano una realtà liquida e in continuo divenire. Un’evoluzione-trasformazione che è da sempre croce e delizia per i fan della band. Nemmeno per questo quarto capitolo i Nostri lesinano con le sorprese ad iniziare dal genere che rinuncia quasi del tutto alle derive progressive, che invece abbondavano nel precedente episodio, per sposare un power metal più essenziale ma con forti connotazioni ultra-tecniche. La ragione di questo cambiamento risiede nella scelta del talentuoso leader Timo Tolkki di abbandonare il lavoro al microfono per dedicarsi esclusivamente al suo ruolo di chitarrista. La scena metal è costellata di personaggi iper-attivi, iper-creativi e iper-produttivi che devono (e possono) accentrare su di sé ogni attenzione. Questo atteggiamento, diciamo, un po’ da “prime donne” testimonia la grandezza di personaggi del calibro di Kai Hansen, Dave Mustaine, Peter Wagner, Yngwie Malmsteen e via dicendo. Con maggior umiltà il virtuoso axeman degli Stratovarius decide invece di seguire una strada diversa e scritturare un cantante a tempo pieno per completare la line-up del gruppo trascinando al contempo il sound della band verso lidi più sinfonici e infondere ancora più melodia in questi nuovi undici brani.

Alla fine Fourth Dimension suona come un super-album della compagine finlandese in cui tutte le caratteristiche che li hanno contraddistinti fin qui sono enfatizzate al massimo se non addirittura quasi esasperate. Abbiamo quindi più velocità, più tecnica, più melodia nonché una produzione che finalmente consente di godere a pieno di tutta la prodigiosa abilità compositiva che i Nostri hanno sempre saputo mettere in campo. Due immancabili parole sul nuovo entrato: Timo Kotipelto figura più che bene e, pur con uno stile molto incentrato sulle tonalità più alte, si inserisce in maniera armonica nell’impianto espressivo della band. Possiamo tranquillamente dire che il nuovo innesto non faccia sentire la mancanza di Tolkki dietro al microfono facendo tutto quanto facesse lui, ma meglio, compreso il lavoro di frontman che, come era prevedibile oltre che comprensibile, è molto più abbordabile se non si imbraccia uno strumento.

Insomma un passo avanti che avrebbe potuto rivelarsi un errore clamoroso e che invece ha pagato regalando a questo CD un clamoroso successo di vendite e consensi. La storia non finisce qui e nuovi stravolgimenti sono già nell’aria…keep in touch.

Stratovarius – Dreamspace

Ed ecco giungere anche gli Stratovarius alla prova del terzo disco in studio. Tipicamente crudele mannaia e infallibile spartiacque che divide i gruppi in due categorie: quelli che falliscono annacquando la propria proposta o addirittura sciogliendosi da lì a poco e quelli che imboccano il luminoso sentiero della gloria. E’ a questa seconda schiera che si iscrive la compagine scandinava con un album in netta crescita rispetto al predecessore. Là dove la produzione poteva essere migliorabile c’è un lavoro assolutamente allineato ai migliori album dell’epoca. Dove ancora si sentivano richiami troppo marcati ai padri del genere c’è una nuova vocazione a sonorità progressive che aggiunge raffinatezza e spessore a tutte le quattordici tracce di questo lungo platter. La maggior esperienza e un approccio più smaliziato in fase compositiva poi completano l’opera donando ai brani un equilibrio, un’armonicità e una varietà sconosciuta ai precedenti capitoli della discografia dei Nostri. Protagonista assoluto della scena, come già successo negli altri episodi, è il talentuoso frontman Timo Tolkki che, una volta acquisita la leadership del gruppo, si è fatto carico dell’intero impianto compositivo, delle parti di chitarra nonché, ma con minor successo, dell’onere di cantante. Ed è proprio in questo ultimo frangente che va sottolineato un netto miglioramento rispetto al passato ottenuto tra l’altro senza perdere nulla nelle straripanti dimostrazioni di tecnica che avevano già mandato in solluchero gli amanti dei virtuosismi di mezzo mondo.

Un impegno a tutto tondo insomma che rischiava di essere troppo ma che il Nostro eroe porta sulle spalle con sufficiente disinvoltura ed anzi permettendosi addirittura di alzare la proverbiale asticella tanto che Dreamspace ricevette unanimi consensi di critica e pubblico proiettando di fatto gli Stratovarius nell’olimpo dei grandi. Ovviamente sentito oggi l’album ha un po’ perso la patina di freschezza che lo ricopriva all’epoca e accusa leggermente il peso degli anni, soprattutto in termini di sound, ma è ben poca cosa per un lavoro con davvero pochissimi punti deboli e che va ricordato anche per il coraggio che ebbe nel mostrarsi in un periodo non felice per il metal nonché perché seppe portare una ventata di novità in una scena certamente non frizzante. La storia continua (e il meglio deve ancora venire).

Stratovarius – Twilight Time

Correva l’anno 1992 quando i finlandesi diedero seguito al tiepido, acerbo ma promettente debutto di qualche anno prima. Questa nuova fatica inizialmente si intitolava “Stratovarius II” ma visto il buon successo riscontrato in patria le venne dato un nome più interessante prima di sbarcare sul mercato internazionale. Nei tre anni che intercorsero tra il primo e il secondo disco il pubblico ebbe modo di conoscere la talentuosa compagine scandinava attraverso molti concerti e un paio di singoli che contribuirono a rendere chiaro quanta classe si celasse “sotto il cofano” di questa nuova proposta. Nel medesimo lasso di tempo i Nostri, raccolti intorno al virtuoso axeman e principale compositore Timo Tolkki, aggiustarono il tiro sistemando tutti i problemi di produzione e composizione che affliggevano il primo capitolo senza perdere quanto di buono vi era racchiuso. Nacque così un album fresco, ispirato, dalla tecnica strabordante e dalla velocità a tratti persino eccessiva ma mai a discapito della melodia. Proprio quest’ultima caratteristica è la miglior chiave di lettura per interpretare i lavori degli Stratovarius che infatti hanno, oggi come allora, la capacità di fondere un tiro micidiale con linee melodiche di cui è facile innamorarsi al primo ascolto. Il risultato sono brani traboccanti di energia che mostrano come un’esecuzione magistrale e prevalentemente votata all’iper-tecnicismo possa essere messa al servizio della resa finale del pezzo.

Uno stile compositivo vario e complesso rende poi questi otto brani articolati e avvincenti completando un quadro sbavato solo da una personalità che ancora paga un pesante tributo ai grandi nomi del genere e da una produzione perfettibile. Gli spunti di originalità, sparpagliati per tutti i quaranta minuti di questo CD, lasciarono però subito capire come l’unica cosa che mancava fosse qualche altro passo nell’inevitabile percorso di maturazione che ogni band deve affrontare e fu quindi facile presagire il glorioso futuro che attendeva gli Stratovarius…e infatti puntualmente fu così, ma questa storia ve la racconteremo la prossima volta.

Rage – End Of All Days

Si sarebbe portati a pensare che dopo dieci e più anni di attività un artista possa tranquillamente sentirsi appagato e che possa meritatamente adagiarsi sugli allori. Allo stesso modo non ci sarebbe da stupirsi se nello stesso arco di tempo la vena creativa finisse per esaurirsi o l’interesse spaziasse verso lidi differenti. E invece poi (fortunatamente) spuntano personaggi dello spessore di Peter Wagner che dopo una decade buona passata con i suoi Rage si permette, praticamente nell’arco di un anno, di sfornare due album che per di più superano in spessore e magnificenza quanto di già pregevolissimo la band avesse affermato fino a quel momento. Stiamo parlando dell’inarrivabile Lingua Mortis, in cui i Nostri ripropongono i loro classici suonandoli con l’orchestra di Praga (avviando una moda che coinvolgerà diversi nomi blasonati), e del qui presente End Of All Days in cui il gruppo invece insiste su tutti i canoni e gli stilemi che li hanno resi celebri e al contempo vira il genere verso un power metal che si era affacciato nella loro produzione già dal precedente Black In Mind e che ora trova la propria ufficialità diventando vera e propria bandiera della compagine teutonica.

I (pochi) difetti evidenziati in passato vengono sigillati in una scatola etichettata “passato” e stipati nella più inaccessibile delle soffitte. Così la produzione diventa uno spettacolo per le orecchie: chi inizia ad avere qualche capello sbiadito sulla testa ricorderà che quando questo album uscì fece subito un certo scalpore per l’utilizzo estremizzato degli effetti di stereofonia. Oggi non sembra così innovativo ma a fine millennio in pochi avevano osato registrare un chitarrista sul canale sinistro e uno sul destro, espediente che garantiva all’ascoltatore un esperienza simile a quella che si poteva provare sotto il palco di uno dei loro concerti. Ovviamente, per goderne al meglio, questo comportava la necessità di un super-impianto Hi-Fi da pompare a tutta manetta…ma vogliamo mettere la soddisfazione di cantare a squarcia gola pogando con gli amici?! Sì, questo è quello che ci si può aspettare dopo aver messo il CD nel lettore. E se lo dico è a ragion veduta: conosco qualcuno, non proprio un metallaro nel senso stretto del termine, che all’epoca uscì di testa per questo lavoro, tanto che non si poteva passare da casa sua senza ripassarne almeno tre o quattro brani. Questo aneddoto è significativo per sottolineare come, pur rimanendo in ambito assolutamente metal, le linee melodiche siano tanto azzeccate da poter essere apprezzate anche da palati dai gusti meno che estremi.

End of All Days è infatti uno di quegli album universali che riescono a piacere a tutti senza nemmeno sfiorare l’idea di commercialità. Caratteristica questa che è già difficile trovare in ambito musicale ma che diventa estremamente rara se si parla di metal…e infatti il successo non tardò ad arrivare proiettando i Rage verso vette fino a quel momento ritenute irraggiungibili. Per il resto il disco si può descrivere come intriso di arrangiamenti ariosi e al contempo cattivissimi, di un songwriting mai così ispirato coniugato con una tecnica efficacissima, nonché di composizioni ricche e complesse ma anche altrettanto dirette ed immediate. Molta retorica che possiamo tranquillamente risparmiarci perché questo è un piatto così ricco che, oggi come allora, con i suoi settanta minuti è in grado di fare la felicità di praticamente qualsiasi orecchio sappia apprezzare la buona musica a trecentosessanta gradi. In una parola: imperdibile!

Dragonforce – Reaching Into Infinity

I Dragonforce procedono con il loro passo pesante. Quasi alle soglie del ventesimo anno di attività firmano il settimo capitolo discografico in questo 2017 senza però restare fermi più di tanto tra un’uscita e l’altra. La band multietnica infatti è incorsa negli ennesimi cambi di line-up, tradizione ormai di casa Dragonforce, che li porta ad oggi ad avere solo la coppia di chitarristi quali membri fondatori del progetto. Elemento che avrebbe spinto una “band normale” ad inserire elementi nuovi nel proprio songwriting ed invece i Dragonforce non cadono (purtroppo) in questa tentazione. Anche il fatto che quasi tutte le tracce siano state composte dal bassista Frédéric Leclercq non fa prendere le dovute distante da Reaching Into Infinity rispetto agli album precedenti. Gioia immensa per i fan intransigenti di Herman Li e Sam Totman ma forse tutti gli altri metaller si sarebbero attesi qualcosa di più anziché la ripetizione di un cliché che ormai la band porta avanti da decenni. Ashes Of The Dawn subito svela le radici dei Dragonforce che si aggiungono ad un retrogusto marcato a la Stratovarius; con Judgement Day ci sembra di ravvisare, almeno nella parte iniziale, un approccio diverso, una sovrapproduzione che fa sperare in scelte differenti ed invece si ricasca subito in questo approccio da “videogame sound” tipico del modo di intendere lo speed metal dei Dragonforce (ricordate i suoni usati dagli Helloween in Keeper Pt. 2 o in Master Of The Rings?!) fino a giungere ad un chorus sul finale che sfiora il pop metal.

La velocità (speed) presente in brani come Astral Empire o Land Of Shattered Dreams, sono elementi che già conosciamo della band e che ci hanno proposto in svariate forme anche nei capitoli precedenti. Salviamo la ballad Silence che potrebbe produrre una eco sul moniker Dragonforce, War! un pezzo che parte con un’attitudine thrash-core che vi farà credere di aver inserito nel lettore il CD dei Municipal Waste e non quello dei Dragonforce; infine va citata anche la lunga The Edge Of The World che tocca terreni power metal sinfonici con tanto di growl a metà brano e fa ben sperare per il loro futuro. Rimandati al prossimo (speriamo più innovativo) capitolo.

Sailing To Nowhere – Lost In Time

Se il power metal è stato per anni legato a doppia mandata con il metal tedesco, è necessario rispondere sottolineando che anche noi in Italia abbiamo contribuito al rafforzamento del genere con band davvero valide. Se il power metal è reputato da alcuni un genere in declino, va detto che i live, e in parte il fronte discografico, capovolgono questa conferma. È vero che poche sono le realtà di un certo livello che confidano ancora sui luccichii di una scena power tricolore, ma queste formazioni sfornano brani che sono sicuramente all’altezza di ascolti internazionali e i Sailing To Nowhere rientrano a pieno in questo discorso. Il loro ultimo Lost In Time conferma il peso del loro nome, soprattutto per attenzione alla produzione e ambivalenza (molto apprezzata) tra voce maschile e femminile, elemento che, insieme ad una buona attenzione alle melodie, accosta molto la band a realtà sinfoniche o comunque di power melodico. Non siamo nei territori tipici dei Gamma Ray che ci abituano a sferzate di riff appuntite come solo in passato i Judas Priest ci avevano abituati, siamo più in prossimità di realtà come Avantasia, Rhapsody Of Fire (meno epici), Epica.

L’assolo di Apocalypse, la ballad Start Again, i ritornelli e i cori di brani come Ghost City ci raccontano di una band che a cavalcate ritmiche e riffing affilati predilige ricerche melodiche, chitarre pesanti e compatte e tutti gli elementi cari ai defender di mezzo pianeta; lungo la seconda parte dell’album partono dei momenti più decisi come in Suffering In Silence, un brano agguerrito e sicuramente irruente in sede live, che lascia qualche alone anche nella successiva Our Last Night On Earth, traccia in cui le chitarre lavorano a dovere mentre le voci continuano a cercare delle linee orecchiabili. Quello che ci stupisce è che una band di tale caratura non osi nell’inserimento di soluzioni davvero innovative, uscendo un po’ dai cliché tipici del genere e puntando ad uno stile personale pur appagando la fame dei fan di power metal. Questo è un approccio che noi caldeggiamo fin dall’inizio della propria discografia, sia come elemento di differenziazione sia per evitare di cambiare rotta dopo svariati anni e finire per non essere capiti dal proprio seguito una volta divenuto corposo (vedi quello che accadde con Chameleon agli Helloween). Insomma una strada interessante quella che i Sailing To Nothere hanno imboccato e che potrebbero sviluppare con un po’ di coraggio in più.

Rage – Black In Mind

Ecco in casa Rage l’ennesima rivoluzione che, come era già successo in passato, portò con sé solo miglioramenti, ad ulteriore dimostrazione e conferma delle qualità del Sig. Wagner come leader della compagine tedesca. Questo ottavo album, con la scusa della defezione dello storico chitarrista Manni Schmidt, porta con sé la rivisitazione della line-up che, in un ritorno al passato che non sa comunque di nostalgia, torna a prevedere due asce. Come è facile intuire il sound divenne immediatamente più roccioso e moderno ma il vero cambiamento lo portò la ventata di freschezza che i due nuovi elementi portarono in fase compositiva. Il thrash ruvido proposto finora sterzò verso il power e attivò introni latenti nel cantato di Peavy che abbandonò gli acuti alla Kai Hansen per uno stile più personale e simile a quello che presto diverrà definitivamente il suo marchio di fabbrica. Black In Mind potrebbe essere considerato l’album della maturità dei Rage ma l’innata propensione all’innovazione e all’evoluzione del suo anfitrione rende difficile una valutazione di questo tipo. Quel che conta è la qualità sempre e comunque altissima della produzione di Wagner e soci che per questo capitolo adottano uno stile compositivo più complesso e articolato lasciando l’esibizione tecnica leggermente in secondo piano rispetto al passato per concentrarsi su cambi di tempo e d’atmosfera dalla resa piuttosto suggestiva.

I brani di conseguenza si allungano, tanto che questo disco sfiora i settanta minuti in cui c’è anche tempo per ampie concessioni alla melodia. Ma non c’è noia o ripetitività in queste undici tracce che anzi mostrano una varietà e un’ispirazione che è davvero raro trovare in una band con già dieci anni di carriera sulle spalle. Ma i Nostri non sono metallari qualunque e dunque possono sventolare alta la bandiera di questo Black In Mind sicuri di avere per le mani un prodotto d’impatto che può anche contare su una produzione impeccabile e su arrangiamenti mai ascoltati nella discografia del gruppo. Unica pecca è l’artwork della copertina che non è né brutto né malfatto ma che avrebbe potuto essere più accattivante, soprattutto se avesse riproposto Soundchaser, l’amata mascotte del gruppo già vista su altre cover.

Insomma siamo al cospetto di una gemma di metallo pesante e rovente che consacra definitivamente i Rage a solidissima e autorevole realtà del panorama mondiale sdoganandoli finalmente anche nella mente e nei cuori dei più resistenti alle novità. Se ci concedete una storpiatura: imperdibilissimo.