Helloween – The Time Of The Oath

Nel 1996 non potevamo permetterci di comprare tutti i CD dei tanti gruppi che seguivamo così facevamo a turno e poi ce li passavamo. Questo The Time Of The Oath toccò in sorte al mio amico Matteo e ben gli disse perché il lavoro è di quelli che valgono e infatti lui letteralmente, e a buon diritto, lo consumò. Finalmente fuori dalla crisi dei primi anni ’90 e rassicurati del buon riscontro del precedente Master Of The Rings, gli Helloween infatti tentavano di ritrovare definitivamente agli antichi fasti, forti anche di una formazione di nuovo stabile. Questo album non nasceva però sotto i migliori auspici e venne infatti dedicato a Ingo Schwichtenberg, batterista del combo tedesco fino al discutibile Chameleon, suicidatosi da poco sotto un treno della metropolitana. Nonostante la tragedia, o forse investiti dalla responsabilità di dover fare bene in ricordo dell’amico scomparso, i Nostri riuscirono nel più arduo dei compiti: bissare il successo del disco del riscatto riaprendo così definitivamente una carriera che sembrava molto ben avviata sul viale del tramonto. Chi li aveva dati per spacciati dovette quindi ricredersi e a suon di un power/speed davvero efficace gli Helloween ancora una volta riuscirono ad incantare l’ascoltatore con una proposta moderna, differente dai precedenti lavori ma comunque riconoscibile come appartenente al loro dna.

Furono soprattutto la opener We Burn, la successiva Steel Tormentor, la variegata Mission Motherland e ovviamente la title track The Time Of The Oath a convincere che le zucche erano tornate… o forse che, in verità, non se ne erano mai andate. Tutto bene, come si conviene per un gruppo di questo calibro, per quanto riguarda la produzione, di primissimo livello, e l’artwork, in linea con quello dei precedenti lavori e dal family feeling inequivocabile. Ma è soprattutto per il sound che questo disco piace e stupisce. Vario, compatto, potente, aggressivo ma non eccessivo e sempre perfettamente intellegibile rende questo lavoro tanto più libidinoso da tenere nello stereo tanto più si ruota verso l’alto la manopola del volume. I brani se ne giovano e a completare l’opera ci pensa un songwriting ispirato e strutturato che li rende anche particolarmente immediati e quindi adatti all’esecuzione dal vivo. E’ con l’intensità dell’esecuzione però che il gruppo conquista punti e dà spessore a questa proposta che infatti riscosse da subito un ottimo successo di vendite.

Ne seguì un tour mondiale memorabile che toccò in diversi punti anche l’Italia e obbligò il sottoscritto a seguire l’amico Matteo per strapparlo dalle transenne sotto il palco prima che fosse troppo tardi. Sì, è questo il rischio che si corre con The Time Of The Oath dunque siete avvertiti… però fatevi un favore: non perdetevelo!

Gamma Ray – Empire Of The Undead

Prima ancora di entrare in studio per registrare questo undicesimo album (e prima che il loro studio venisse completamente distrutto da un incendio insieme a gran parte della strumentazione della band) Kai Hansen aveva dichiarato che il sound avrebbe virato verso il thrash. In questo senso il disco è un fallimento quasi totale. Sotto tutti gli altri punti di vista invece il gruppo ha fatto un ottimo lavoro sfornando l’ennesima perla di power/speed teutonico e festeggiando così nel migliore dei modi il traguardo dei venticinque anni di carriera. Non si torna indietro e nemmeno i Nostri possono rivedere i fasti degli anni ’90 ma Empire Of The Dead è comunque migliore almeno dei due diretti predecessori e dunque è da considerare una prova assolutamente positiva soprattutto se inquadrata in un periodo in cui il genere mostra una certa “stanchezza”. Ecco, qui non ce n’è traccia e anzi brani come Avalon, Born To Fly, Pale Rider e I Will Return mostrano di essere freschi e, come nella migliore tradizione dei raggi gamma, allegri e melodici. Quello che un po’ invece è cambiato e la voce dell’inesauribile frontman-chitarrista che rispetto al passato perde poco in termini di interpretazione, intensità ed estro ma molto in quanto ad estensione. Dal prossimo album dovrebbe arrivare un cantante in pianta stabile per dare al nostro eroe maggiore libertà espressiva sul palco, ma finché non verrà annunciato ufficialmente questi sono pettegolezzi quindi aspettiamo.

Non mancano capitoli delicati come l’apprezzabile ballad Time For Deliverance, né davvero cruenti e diretti come Hellbent o la title track in cui velocità e ferocia raggiungono livelli selvaggi, o ancora l’epica Demonseed infarcita di tecnicismi, ma quest’ultima considerazione in effetti si potrebbe estendere all’intero CD in cui i musicisti non trovano un attimo di respiro. Produzione, nemmeno a dirlo, ai massimi livelli tanto da sembrare a tratti persino troppo perfetta e patinata ma comunque mai “plasticosa” grazie soprattutto al sound equilibrato e riconoscibile. Ed è proprio questo sound, marchio di fabbrica del gruppo fin dagli inizi, che qui si evolve leggermente senza snaturarsi, con grande soddisfazione di chi lo ha sempre apprezzato come di chi lo approccia per la prima volta. Altro sigillo di garanzia dei Gamma Ray sono i cori che, trascinanti come di consueto e come si conviene, coinvolgono l’ascoltatore dall’inizio alla fine lasciandolo inesorabilmente senza un filo di voce.

In definitiva questi tedeschi consolidano la fama di essere non solo immortali ma anche incorruttibili difensori del genere che da sempre, pur con qualche modesta variazione, ci hanno proposto. E ci riescono con un altro capitolo addirittura in crescita che ci suggerisce quanto sia profondo il pozzo di creatività a cui possono attingere e allo stesso tempo ci sorge il sospetto che Hansen abbia trovato la fonte dell’eterna giovinezza (quanto meno artistica). Il che mi porta ad una domanda: ma per loro il tempo non passa? Incrollabili.

Veonity – Into The Void

Esiste una strana formula tra band giovani che riescono a crearsi in poco tempo un dignitoso seguito e uso di generi musicali in voga varie decadi fa. Sulla carta sarebbe cosa impossibile, a meno di parlare di plagio, invece vi sono varie realtà che, rifacendosi a schemi di successo tempo addietro, riescono a crearsi un proprio spazio nella scena musicale attuale. Ma la vera sorpresa è che qui non si parla di sonorità che, nel bene o nel male, sono sempre rimaste a galla, come il rock classico (si veda Airbourne vs AC/DC) o l’hard rock (come i Lordi vs Kiss e Alice Cooper), bensì di un genere, il power metal, che è stato oscurato nel corso del XXI secolo e che oggi fa fatica a risultare ancora degno di interesse. Nel loro nuovo album, Into The Void (figlio di Gladiator’s Tale, uscito ad inizio 2015), i Veonity riescono a mostrare i propri muscoli e rendere appetibile il proprio trademark power: si sentono forti le influenze di Stratovarius per quanto riguarda tastiere e ritmiche, queste ultime spesso velocizzate per dare più verve alla proposta, e in ciò ammettiamo che più di una volta viene a galla l’anima speed a cui i Dragonforce ci hanno abituati.

Non può mancare una vena classica, potremo dire epica, che compare in alcuni cori a più voci e negli intermezzi, altri elementi che ci riportano agli anni 90 quando il power metal era inteso in questo modo. Eppure lo stile dei Veonity non finisce qui, perché alcune scelte sonore applicate alla sei corde sembrano voler citare gli immancabili Helloween (ascoltare Winds Of Faith) mentre, se vogliamo osare, la loro attitudine e alcune costruzioni ci riportano allo stile che ha reso i Manowar famosi (volendo uscire un po’ dal seminato power). Tutto uguale? Diremo proprio di no: innanzitutto la produzione è curatissima, i suoni sono missati molto bene e il risultato finale è davvero lodevole. Inoltre Into The Void gronda compattezza e tecnica in ogni dove, si ascoltino gli assoli di Frozen o la priestiana Warriors Of Time per avere un esempio. Brani come Awake o la stessa titletrack sono esempi di una band che ha molto più di soli tre anni di vita, ma ci sentiamo di citare anche Until The Day I Die che con il suo ritornello si apre ad un pubblico più ampio e Heart On Fire, brano epico e suggestivo.

Certo, per chi mastica power metal a colazione, pranzo e cena questo album potrebbe sembrare un po’ derivativo ma l’impatto delle tracce, il riffing e le capacità del quartetto attirano una forte attenzione che farà sicuramente parlare di loro.

Perseus – A Tale Whispered In The Night

Cosa succederebbe se il tour bus dei Judas Priest andasse a scontrarsi con quello dei Gamma Ray e poi, strisciando rovinosamente sull’asfalto, insieme carambolassero nel bar dove gli Iron Maiden stanno prendendo un caffè? Ve lo diciamo noi: dai resti fumanti e dalle lamiere contorte uscirebbero questi Perseus che arrivano alla seconda prova sulla lunga distanza dopo che il precedente concept aveva riscosso discreti apprezzamenti. Questa ambiziosa band di Brindisi si ripresenta dunque alla ribalta per raccontarci un’altra storia attraverso un nuovo, grandioso progetto di 19 pezzi, di cui però otto sono brevi interludi di collegamento tra le tracce, per quasi un’ora di solido metallo a cavallo tra il power e l’heavy più moderno. Va ricordato a chi non ha la memoria molto lunga che l’espediente di collegare le parti dell’opera tramite intermezzi non è una novità ma, almeno in ambito metal, si può ricondurre allo splendido Operation Mindcrime (Queensrÿche, recensito da noi a questa pagina http://www.rockgarage.it/?p=9919) di fine anni ’80 in cui però si poteva ravvisare con maggiore, e sicuramente desiderabile, parsimonia.

Al di là dell’esasperazione di questa soluzione, i Nostri fanno tutto bene confezionando un lavoro convincente tanto dal punto di vista esecutivo che da quello compositivo. La giusta dose di tecnica, ascrivibile soprattutto al lavoro dei due axemen, condisce dunque questo lavoro che, come anticipato, si sa distinguere anche per l’apprezzabile struttura dei brani, piacevole soprattutto perché sempre opportunamente varia e movimentata. Ottimi anche gli arrangiamenti che si appoggiano anche a qualche tastiera, ma solo per supporto e quindi non disturberanno gli amanti dei sound più “chitarrosi”. Sezione ritmica sempre a punto anche se fin troppo presente e monolitica per un lavoro che punta molto sull’espressività lasciando spesso in secondo piano la carta della cattiveria pura a tutto vantaggio dell’impatto emotivo. Inappuntabile invece il lavoro dietro al microfono che mostra maturità, talento e un’invidiabile varietà espressiva. Dunque dal punto di vista musicale questa proposta convince senza alcun dubbio. Quello che manca potrebbe essere una maggiore originalità non tanto nei contenuti quanto magari nel sound, dal sapore non proprio inedito, e soprattutto nel genere di appartenenza in cui la band nemmeno tenta di portare qualcosa di nuovo. Certamente non era questo l’intento del gruppo ma provarci non avrebbe guastato perché le carte per far bene anche in questo frangente ci sono tutte.

Tirata d’orecchi invece alla voce comunicazione: il corredo del CD è completo ma l’artwork avrebbe dovuto essere realizzato meglio così come il loro sito web che poteva essere all’altezza del loro nome, soprattutto alla luce dei diversi anni di attività della band. Attesi dunque al decisivo varco del terzo album in cui vorremmo vedere tutta la classe del progetto Perseus messa a frutto a 360°.

Gabriels – Fist Of The Seven Stars (Act 1) – Fist Of Steel

Mai… Mai… Scorderai, l’attimo… la terra che tremò e poi… Silenzio… E…”. Ok, ok, potrebbe essere che mi sia lasciato prendere un po’ dall’entusiasmo ma ora vi spiego perché, anche se sono certo che chi ha riconosciuto la citazione della sigla italiana avrà già capito dove voglio andare a parare… e per quanto incredibile possa essere è proprio come sembra: questo è un concept album su Ken Shiro (Hokuto No Ken). Ah, per chi invece non conoscesse uno dei più rappresentativi cartoni degli anni ’80… ehi ma che ci fate ancora su queste pagine?! Correte a colmare la vostra lacuna!!! Scherzi a parte stiamo parlando di un cartone-culto che fu il primo a mostrare ai ragazzi un certo tipo di distopia e di violenza intrecciati in una story line struggente ed epica al tempo stesso. Proprio sulla prima parte della storia si basa questo lavoro difficile e talmente ambizioso da essere addirittura diviso in atti di cui il presente Fist Of Steel costituisce il primo episodio. Bene, introduzione conclusa, veniamo ai Gabriels ovvero al progetto solista del talentuoso compositore e tastierista siciliano Gabriele Crisafulli che per l’occasione si circonda di una pletora di ottimi musicisti, tutti reclutati nel sempre più denso panorama metal italiano.

Diciamolo subito: questo disco è molto ben realizzato e come in tutte le migliori rock opera che si rispettino ad ogni personaggio è associato un interprete differente. Traviamo quindi Wild Steel a dare voce al protagonista Ken, Ida Elena De Razza è la sempre tormentata Julia, Marius Danielsen dà vita al controverso Shyn, a Dave Dell’ Orto invece è affidato il ruolo del brutale Jager mentre Dario Grillo funge da narratore dell’intera vicenda. Ora sappiamo chi ha fatto cosa e perché quindi possiamo dedicarci a quello che ci preme di più: il come. Iniziamo dal capitolo tecnica: uno per l’altro tutti i musicisti coinvolti si difendono egregiamente dando a tratti grande sfoggio di capacità esecutiva. Su tutti ovviamente spiccano i virtuosismi del padrone di casa che, per chi sa apprezzare i sound molto “tastierosi”, sono una vera delizia. Le linee melodiche sono sufficientemente elaborate e personali e solo in alcuni momenti, pochi per la verità, sanno di già sentito o di prevedibile. Un aspetto di assoluto rilievo invece è la struttura dei dodici brani che, pur costituendo un unico elemento semantico, presi singolarmente al loro interno risultano variegati e articolati al punto giusto. Nonostante la talvolta notevole durata quindi non c’è noia, ma, è giusto sottolinearlo, nemmeno confusione, in questi brani che migliorano davvero ad ogni ascolto.

Gran classe e grande sensibilità quindi in questo disco che andrebbe gustato seguendo i testi (e la storia) opportunamente forniti nel corredo di copertina, il cui artwork e la cui grafica avrebbero però potuto (e dovuto) essere curati di più e meglio. Siamo infine alle, poche, note negative. Una su tutte la produzione, che risulta costantemente ovattata e comunque sotto tono rispetto alla bontà di un prodotto che ne risulta davvero un po’ danneggiato. Ed è un vero peccato perché con una generale resa sonora migliore, e senza alcuni suoni di tastiera talvolta troppo plasticosi e artificiali, l’esperienza di rivivere in musica la storia di Ken Shiro avrebbe potuto essere molto più entusiasmante. Resta quindi ancora di più il rammarico di non poter godere dal vivo di questa opera che difficilmente potrà essere musicata su un palco, non fosse altro che per il numero di musicisti che andrebbero coinvolti nell’operazione. Ma non abbattiamoci perché anche quando non viene nei panni di un uomo dal pugno d’acciaio… c’è sempre speranza… (sì, è questa la morale ultima della storia).

Wind Rose – Wardens Of The West Wind

A guardare l’artwork dell’ultimo lavoro dei Wind Rose, band dagli albori legata alla famiglia discografica Scarlet/Bakerteam, ci viene subito in mente la scena symphonic power metal tedesca e in particolare i Blind Guardian del periodo Imaginations From The Other Side / Nightfall In Middle-Earth e, perché no, anche A Night At The Opera. Dai personaggi rappresentati nell’artwork (che omaggia i bardi celtici), ai colori usati (che richiamano paesaggi epici e habitat tipici di quelle sonorità, quali foreste umide e disabitate), si trova tantissimo di quella mentalità. Anche un pizzico di tradizione viking, per lo più nell’immagine dei protagonisti che nelle sonorità, a confermare la proposta del quintetto molto “targhettizzata” (giusto per usare un termine troppo moderno per loro).

Ma non si tratta di puro estetismo, infatti anche nei suoi contenuti Wardens Of The West Wind si colloca proprio al centro di questa scena, con orchestrazioni molto marcate, chitarre potenti, cori epici e una produzione (per fortuna) all’altezza del numero di suoni e strumenti adottati. In prima linea la sei corde che costruisce un vero muro sonoro (complice le scelte produttive) ma, a differenza di altre band emergenti di pari genere, la personalità di questo strumento viene resa più particolare dai numerosi arricchimenti compositivi, arrangiamenti compresi, che rendono più pomposa la resa finale.

Brani lunghi, con chorus ben costruiti e stratificazioni vocali, sono il cuore del sound targato Wind Rose: Ode To The West Wind e la lunghissima Skull And Crossbones riassumono bene la prestanza sonora e gli intenti della band. In un quadro così ben chiaro è perfettamente incastrata una traccia dedicata alle opere di Spartaco. Non può mancare almeno un intermezzo strumentale che in questo lavoro prende il nome di The Slave And The Empire e saggio ne è il concepimento: in un album di oltre cinquanta minuti era fondamentale un pezzo che sospendesse la corsa e facesse riprendere il fiato all’ascoltatore e, in mancanza di ballad, quest’esigenza diveniva vitale. Un segno di maturazione compositiva oltre che coerenza alla scena.

Odyssea – Storm

La curiosità è molta, finalmente ho tra le mani, il nuovo album degli Odyssea, progetto, del virtuoso Pier Gonella, già chitarrista di band quali Necrodeath, Labyrinth, Mastercastle. Dopo il debutto Tears In Flood, datato 2004, dopo dieci anni e qualcosa, è il momento del secondo full lenght. Tutto questo tempo ha permesso a Pier di comporre con calma (nonostante alcuni brani siano stati scritti anni fa) e di presentarsi sul mercato discografico, con un album variegato, specie per le tante collaborazioni, che hanno arricchito l’intero lavoro. Alla voce, troviamo un altro personaggio di spicco del metal nostrano, Roberto Tiranti che, con la sua timbrica inconfondibile e la sua tecnica vocale, ha pensato a colorare i brani grazie a dinamiche e linee melodiche che spaziano da toni medio-alti, a quel calore, di scuola hard rock. La matrice è ovviamente power, nonostante sarebbe un errore fatale pensare di trovare nella musica degli Odyssea solamente epiche cavalcate e nulla più. I riffs sono intelligenti e per nulla scontati, a tratti sembra di rivivere le intense sensazioni dei periodi migliori, legati all’era malmsteeniana. Ma come detto, con lo scorrere delle songs, le venature si fanno più versatili e meno individuabili, anche se dietro al power di partenza si cela la voglia di ripercorrere i fasti hard rock.

Pier Gonella, oltre che nelle vesti di chitarrista e musicista, figura nei panni di produttore e arrangiatore, la sua prestazione è davvero molto buona. La partenza è riservata a No Compromise. Si tratta di un brano energico, tra i capitoli più heavy dell’intero disco, mentre la successiva Anger Danger, volge a un power epico, specie nel chorus. Con Understand ci troviamo di fronte a quanto i Nostri condividono con gli anni 80, sicuramente uno dei capitoli migliori dell’album, grazie ad un riff portante, davvero interessante e alla calda voce di Roberto che ancora una volta ci entusiasma. La spirituale Ice, vede la partecipazione di Giorgia Gueglio, singer dei Mastercastle, per un attimo i giochi si fanno, più ragionati e meno istintivi, anche se il tempo di rilassarci dura davvero poco, Freedom ci riporta dritti nel power, sulle note di una furente doppia cassa, mentre Roberto, “gioca” con la sua voce e lo fa molto bene. A metà album, c’è spazio per una sorpresa, un omaggio alla band degli Oliver Onions, formazione italiana che negli anni 70/80 ha scritto molte colonne sonore di film e cartoon; in questo caso gli Odyssea, vanno a tributare la band con la cover di Galaxy, rendendo al brano quel tocco di personalità in più, che lo avvicina al resto senza stonature.

E’ arrivato anche il momento di ascoltare la, title track: Storm è un brano energico in cui emerge maggiormente la stima nei confronti del mai troppo citato Yngwie, davvero pregevole il solos di Pier sulla coda del brano. Il nuovo album degli Odyssea, si fa sempre più piacevole, tra le note di Ride, che ci portano indietro di qualche anno. Tears Of The Rain, si tratta di una canzone di assoluto primo impatto, non c’è respiro, rapiti dalla musica degli Odyssea, e in questo senso un ruolo determinante lo gioca la successiva Apocalypse pt.2, brano strumentale dove le capacità di Pier Gonella vengono ancora alla luce in una cavalcata neoclassica coadiuvata da orpelli electro. Facciamo ritorno alle opulenze epiche, con Fly non ci si annoia, anzi sul finire dell’album sono ancora qui, a tessere lodi, anche con la nuova candidatura dell’alternative version di No Compromise. Pollice in su, per questo secondo capitolo targato Odyssea, un album che consiglio vivamente a tutti i metallers, specie a chi non si ferma alle troppe etichette, ci troviamo di fronte ad un album dannatamente heavy e questo è ciò che conta. Promossi a pieni voti. In alto il nostro saluto!

Rhapsody Of Fire – Into The Legend

Quando acquistai Legendary Tales nel 1997 ero un adolescente affascinato da anni dal rock e dal metal. Spinto dai consigli di un amico e dalle recensioni entusiastiche apparse sulle riviste cartacee (a quei tempi, carissimi, internet era una cosa oscura che, chi aveva la fortuna di possedere, esercitava il suo zen aspettando che la pagina si aprisse, tipo caricamento della cassetta su Commodore 64) quell’album si rivelò un’ottima spesa. I Rhapsody Of Fire (a quel tempo semplicemente Rhapsody) rivoluzionarono con il loro sound molta della scena metal ed ebbero un successo incredibile. Ora che di acqua ne è passata sotto i ponti, i nostri eroi del power sinfonico danno alla luce Into The Legend, il loro decimo album. Dopo la separazione amichevole avvenuta da Luca Turilli nel 2011, la band triestina rimane saldamente nelle mani di Alex Staropoli, poliedrico tastierista e compositore, nonché leader del combo italiano. Le due novità dai tempi di Dark Wings Of Steel (album precedente a questo, del 2013) permangono anche nella nuova uscita: l’assenza di una saga, che aveva contraddistinto sin dall’inizio i testi e gli album dei Nostri, e uno spostamento verso un sound più aggressivo. Senza snaturarsi. Cosa più semplice a dirsi che a farsi. Perché combinare una vera orchestra in fase di mixaggio con un muro sonoro non è proprio un’operazione da tutti. Le chitarre ed i riff di Roberto De Micheli sono aggressivi, superveloci e davvero notevoli. I Rhapsody Of Fire si mantengono sui loro ottimi standard compositivi e tecnici. Ineccepibili ai loro strumenti, con un Fabio Lione che come al solito regala un’ottima prova in fase vocale.

La strada battuta è quella del loro tipico sound, caratteristica che li ha sempre contraddistinti fin dall’inizio. Per chi li conosce, difficile ascoltare un pezzo di Into The Legend senza indicazione e non capire che si tratta proprio di loro. Un bel disco, con tutti i crismi che piaceranno sicuramente ai fans della band triestina, che procede fiera e a testa alta nel portare avanti un discorso musicale che li ha fatti conoscere, fin dai loro esordi, in tutto il mondo.