King Gizzard E The Lizard Wizard – Murder Of The Universe

I King Gizzard E The Lizard Wizard con Murder Of The Universe dimostrano di possedere buone idee e prolificità compositiva. Con innesti tra psichedelia, space rock e rock, hanno coniato un loro di modo di fare musica che li ha portati a concretizzare le proprie idee che non sono mai banali. Infatti, quello che è il secondo appuntamento del 2017 (hanno prodotto ben quattro album nel trascorso anno), Murder Of The Universe è il nuovo passaggio di un percorso avviato con l’uscita di Flying Micronatal Banana in cui la band conferma la linea musicale verso la quale si sono catapultati i membri di questa band australiana sempre più alla ricerca di una sonorità più marcata tra psichedelia alla Hawkind e garage rock più temerario. Se nella prima fase di un 2017 ambizioso Flying Micronatal Banana ci ha messo di fronte a suoni psichedelici ma anche acidi che riportavano indietro a certe composizioni greatefuldiane, in questo nuovo lavoro ci troviamo invece di fronte ad una delle svolte essenziali per una band che ha davvero tanto da dire in fatto di rock e psichedelica. Eppure ad appena due mesi da Flying Micronatal Banana questo nuovo lavoro è come un libro avventuroso diviso in tre capitoli ed annunciato con l’uscita di Han-Tyumi & The Murder Of The Universe. Di sicuro siamo di fronte al concept più articolato della band che attraverso ben ventuno tracce, come in una sorta di racconto tolkiniano, trasportano l’ascoltatore verso un ignoto che è raffigurato da quello che sarà il prossimo passaggio, quasi un sogno anticipato di ciò che ci aspetta nell’imminente futuro.

Murder Of The Universe viaggia su splendide liriche e suoni che, nella concezione complessiva del disco, è puro psycorock. Dalla loro parte, poi, la presenza di una componente strumentale assolutamente di prim’ordine grazie alla presenza di ben due batteristi e tre chitarre che scintillano per suono che nelle rincorse armoniche generate; davvero un bel corposo terreno su cui muoversi. L’apertura di Murder Of The Universe, affidata al brano A New World tende a proiettare l’ascoltatore (per noi è stato così) in quel mondo che in passato apparteneva ai Black Sabbath di Vol. II, un pezzo quanto emblematico che preannuncia quanto avverrà in seguito (non emulazione nonostante nei Black questo capitasse spesso ma siamo nel 2017 e i Black nella storia). Con Altered Beast I giungono a noi atmosfere più hawikindiane alimentate da un rock ben sostenuto dove intrecci chitarristici e tam tam ritmici velocizzano il corpo del brano portando il tutto verso quel probabile collasso psichedelico che dimostra la devozione dei King Gizzard agli onnipresenti Hawkwind. E veniamo alla storia che i King Gizzard E The Lizard Wizard narrano in questa loro ultima fatica: suddiviso in tre racconti separati, nel primo viene raccontato l’incontro tra un animale ed un essere umano dove, la tentazione di quest’ultimo di diventare una sorta di essere ibrido, un essere metà umano e metà animale, viene accarezzata per la immensa sete di potere. A differenza dell’uomo però la bestia perde ben presto la propria identità con l’assorbimento dell’altra coscienza, quella umana, morendo alla fine di pura follia. Qui la musica è trascinante, ammirevole, il supporto che viene dato alla narrazione con i suoni è da veri maestri; sembra quasi di assistere ad un’opera acida dove la componente principale è il rock, un rock “potente” e ben sviluppato a sostegno dei momenti epici narrati.

La seconda storia è invece incentrata su una battaglia tra due entità che rappresentano la forza della luce contro le tenebre. Anche qui la musica non lascia spazio a nulla, anzi alimenta bene quelle immagini che i King Gizzard E The Lizard Wizard vogliono trasmettere e così, anche in questo passaggio, così come nel primo, il testo e il psychedelic rock/garage che ne scaturisce la dicono tutta su questi ragazzi venuti dalla lontana Australia, ottimi musicisti che pian piano si stanno facendo sempre più largo nel panorama internazionale a suon di rock psichedelico. Nella terza ed ultima storia narrata, un cyborg acquisisce coscienza ma alla fine, confondendosi, decide di creare una nuova creatura che si fonderà con la stessa macchina che il cyborg ha generato spingendola fuori controllo portandola ad una esplosione finale che contribuirà al blocco totale dell’universo. Ecco allora che il titolo dell’album prende finalmente corpo. Ma al di là della storia contenuta in Murder Of The Universe non va sottaciuto il fatto che quest’ultima fatica dei King Gizzard E The Lizard Wizard è davvero valida per la struttura musicale in esso contenuta, così come per la storia raccontata ma lo è anche, e soprattutto, per l’essere riusciti a riportare il pubblico ai fasti di un passato glorioso dove lo space rock è stato degnamente rappresentato da gruppi che ancora oggi sono capaci di influenzare, e molto, i generi delle nuove band in circolazione. E questi australiani hanno capito bene la lezione catapultandosi in un genere che oltre a prevedere innesti psichedelici con il rock ma anche con lo space rock, hanno coniato un loro modo di fare musica che li ha portati a mettere in chiave rock le proprie idee che non sono mai banali. Lo dicevamo prima, i King Gizzard E The Lizard Wizard hanno dalla loro idee e capacità organizzative ben delineate.

Monolithic Elephant – Monolithic Elephant

Prima di mettermi a scrivere la recensione di quest’album autoprodotto ho voluto buttare occhio sulla biografia della band. L’omonimo debut dei Monolithic Elephant contiene tutti gli elementi che hanno reso immortale la musica rock e psichedelica legata agli anni 70. L’intenzione del trio milanese è quella di far riflettere l’ascoltatore attraverso note dissonanti, atmosfere elettriche, il tutto condito da riff granitici che anche in questo caso trovo non sia casuale il rimando all’epoca seventies e qui come per molte altre volte chiamare in causa i Black Sabbath è cosa giusta e doverosa. L’omonimo album d’esordio è costituito da sei tracce, nonostante la band riesca ad ottenere oltre un’ora di musica grazie alla durata media di 10’ ciascuna, tuttavia i brani scorrono bene, complice la versatilità degli stessi dove all’interno della singola song troviamo repentini sali/scendi e dove il passaggio dall’electro all’hard rock non è mai forzato anzi il connubio risulta essere naturale.

Ascoltando i Monolithic Elephant si apre un mondo tanto caro a Tarantino (guardare il logo per credere), dove la polvere generata dalle ruote di un bedford si posa sulle piante a bordo strada, il dramma si percepisce nell’aria, i Monolithic Elephant hanno fatto strike è difficile privarsi del loro sound specie se siete in viaggio, un viaggio oltreconfine. L’elefante è animale roccioso, duro da abbattere, per questo motivo attendiamo con ansia il prossimo capitolo della band lombarda. Per il momento sinceri complimenti, la partenza è stata davvero molto buona. In alto il nostro saluto!

Self Portrait – Self Portrait

Il gruppo parmigiano che stiamo per proporvi viaggia tra sonorità psichedeliche e spaziali ben amalgamate, sorrette da una scrittura che si propone lineare e concreta. Già dal primo brano del loro omonimo lavoro, peraltro rintracciabile su youtube, il personale modo di fare rock viene proposto in maniera magistrale ed originale con le chitarre che proprio con Tiergarten, brano di apertura di questo loro primo EP, si propongono spaziali con ritmiche che risultano leggere pur se sostenute da elementi tastieristici azzeccati e inseriti al giusto posto. A dirla tutta però, anche se il richiamo alla voce di un grande come Roger Water non manca da parte di Marco Fulgoni, la capacità di esprimere rock psichedelico di fattura egregia fa dimenticare questa leggera sbavatura nelle proposte musicali dei Self Portrait. Accade così che anche la seconda traccia di questo mini CD rispolvera momenti sonori leggeri e psichedelici che riportano a quelle italianissime atmosfere cui la prima PFM ci aveva abituato, ma la maestrìa di questi parmigiani fa dimenticare ben presto il paragone perché Fulgoni & C. sono in grado di saper esprimere egregiamente la tecnica strumentale posseduta e sciorinata in questo lavoro con sapienza. Certo che anche in questo brano l’onnipresenza di un sound floydiano conferma quanto loro stessi dichiarano sulla propria pagina facebook alla voce “altri artisti che ci piacciono”.

I sintetizzatori e le tastiere sono qui la guida unica dell’intera struttura di questo lavoro, soprattutto nell’intreccio con la chitarra e la voce del solito Fulgoni. Per dirla tutta poi, il fatto che alla batteria ci sia una donna, Vittoria Pezzoni, conferma questa volontà di pura psichedelica che è sostenuta da una semplicità di esecuzione alla Tucker velvettiana che ben conosciamo. Ed anche il testo non è una sorpresa per il sostentamento di tutta la composizione visto che in Croup & Vandemar, secondo brando di Self Portrait si narra di un efferato assassinio. Nine Magpies & A Black Cat prosegue sulla stessa linea dei precedenti pezzi con un bel tocco di chitarra che esalta la voce del solito Fulgoni che qui, dopo i primi due pezzi, ci sembra davvero matura per affrontare altre tipologie di sonorità; non mancano riferimenti ad un sound più corposo capace di produrre atmosfere vellutate con passaggi leggermente jazzati. Insomma proprio la giusta misura per raccontare, così come nel testo, il risultato della causa-effetto narrata. La chiusura affidata a Moontrip descrive con sapienza e perfezione il trip di un viaggio lunare e la produzione del video cui è affidato il lancio di questo ulteriore bel brano la dice tutta sulle influenze che questi musicisti si portano dentro.

Psichedelia allo stato puro ma anche una buona capacità di sapersi esprimere con una musica che è di certo alla portata non solo di chi la frequenta assiduamente. Che dire ancora? Che questa band parmigiana ci colpisce in modo particolare per come sa ben amalgamare i vari strumenti e questo a tutto a vantaggio di un sound psichedelico ben costruito ed eseguito. Se questo è il loro primo lavoro, attendiamo con ansia i successivi.

Telepathic Dreambox – Telepathic Dreambox

I Telepathic Dreambox sono una band tarantina formatasi nel 2014, composti da musicisti con diverse esperienze alle spalle. Il disco, prodotto solo in vinile viola in edizione limitata a 300 copie, è uscito nel maggio del 2017 con materiale registrato nel 2015. Il loro rock racchiude in sé elementi delle diverse stagioni psichedeliche, quella dei sixsties sicuramente ma anche il paisley sound degli anni 80 e certa shoegaze dalle tinte dark. E’ evidente che i cinque membri hanno una buona conoscenza della materia sopra citata perché il tutto viene amalgamato con maestria creando un sound originale pur rimandando alla fonte delle loro influenze musicali. Si parte con la chitarra distortissima di Acid Moon ad intonare un tipico riff garage che fa da sfondo ad un secondo ipnotico riff suonato all’unisono da chitarra e organo e supportato da un basso rotondo e pulsante. Sicuramente uno dei pezzi migliori dell’album. Il secondo brano cambia registro: Before You’re Back Again è forse il brano più pop dell’intero set ma racchiude in se alcune ottime trovate come la chiusura dei ritornelli che ricorda i Pink Floyd di Syd Barrett e l’intermezzo di solo organo in pieno stile Ray Manzarek. Il viaggio continua con la ballata lisergica Shaka Shaka (promossa con un bel video disponibile sul “tubo”) e l’ipnotica Silver Mate che chiude il primo lato del disco.

Nel lato B si spinge sull’acceleratore con Devil’s Trick che rappresenta il pezzo più veloce dell’album. Un riff di matrice blues su un ritmo beat incalzante, reverberi, echi, wha wha, slide guitar e l’ottimo organo di Elyo Di Menza che chiude solitario il pezzo. All Is The Same mantiene le coordinate blues con una slide guitar che richiama alla mente Robby Krieger dei Doors. Chiude l’album The Fool, un bellissimo strumentale di oltre sei minuti in cui si mischiano riff acid rock a suoni ed atmosfere dark (il suono dell’organo?) e shoegaze con loop di feedback sovrapposti. 7 brani per un totale di circa mezz’ora di musica per un ottimo doppio debutto, quello dei Telepathic Dreambox da un lato e quello dell’etichetta Discordia della quale questo disco rappresenta il primo capitolo in catalogo. C’è da aspettarsi buone cose da entrambi.

Ananda Mida – Anodnatius

Un disco di altri tempi questo Anodnatius. Ad eccezione di Kondur dove gli Ananda Mida concedono qualche pennata e la regolarità delle ballate blues alla maniera britannica, per le altre otto tracce ti senti proiettato in un universo a metà strada tra Gong e Van Der Graaf Generator. Ebbene sì, gli Ananda Mida concedono 8 pillole di psichedelia veramente evocativa. I riferimenti ci sono tutti, musicalmente e nei testi. Suggerirei di partire dalla traccia 4, Anulios che, oltre ad essere la mia preferita, ha quelle variazioni ritmiche che tirano fuori i virtuosismi chitarristici al meglio, è la traccia su cui si va spinti sugli effetti, è il pezzo che contiene goduriosi innesti di synth e viene chiusa con un riff quasi stoner che martella i neuroni in maniera decisamente imperiosa. Carino anche il topic stellare/astrologico delle liriche del testo (si parla di sole che merita un fratello e luna che merita una sorella) che ci spinge nei temi del cosmo tanto cari alla psichedelia, che alla fine nasce proprio nell’era della conquista dello spazio e allo spazio si riferisce come, per essere banali, Dark Side Of The Moon o, per fare i sofisticati, H To HE, Who Am The Only One. Questa manciate di righe su Anulios sintetizzano tutto lo stile dell’album. Il tripudio di sperimentazione di effetti infatti prosegue anche con la traccia successiva, Passavas e va anche ben oltre con il pezzo successivo, Ors e anche in quelli a seguire.

Dalla loro pagina facebook gli Ananda Mida sembrano definirsi una sfinge a 2 teste, una stoner e una psichedelica. In tutta onestà di stoner (inteso come lo stile musicale derivante dai dettami delle tavole dell’alleanza di Josh Homme – Blues For The Red Sun e Songs For The Deaf – scolpiti in due pietre granitiche che il nostro messia rosso porta raggiante in viso una nella mano destra e una nella sinistra) ci ho visto solo il riff di Heropas e nient’altro. Il che non conta assolutamente una beata fava, Anodnatius è un grandissimo album psichedelico che ti lancia, copertina compresa, in un viaggio interstellare, come negli anni ’70 della gloriosa psichedelia legata alla conquista dello spazio. E il tema psichedelico è quindi ancora attuale – ci stiamo attrezzando per andare su Marte, esistono esopianeti con condizioni favorevoli alla vita come la conosciamo noi e non dimentichiamo la sonda Voyager è appena uscita dal sistema solare e manda ancora segnali radio. Anche se la possente voglia di retrò legata dalla facile commerciabilità di tutto ciò che retrò ha rotto, c’è comunque una nicchia di sottobosco underground che ha bisogno, apprezza e deve conoscere un po’ di sana psichedelia all’italiana, che gli Ananda Mida eseguono in maniera eccellente e parecchio piacevole nei quaranta minuti di Anodnatius.

Non sarà il disco più innovativo di sempre, tuttavia Anodnatius è talmente ben strutturato, eseguito con minuzia e disegnato nell’artwork che merita assolutamente di essere ascoltato.

Bill Brovold & Jamie Saft – Serenity Knoll

Jamie Saft, già tastierista in vari progetti di John Zorn, si diletta in questo lavoro alla chitarra resofonica e alla lap steel, coadiuvato da Bill Brovold, chitarrista, liutaio, maestro dell’improvvisazione. Due chitarre dunque, elettriche e acustiche, folk e improvvisazione, musica lontana da quelle provate e improvvisate per il folle Zorn. Serenity Knolls si snoda infatti in 12 brani di folk, ambient, roots music americana, dove il duo si abbevera a piene mani dall’esperienza di John Fahey, altro grande sperimentatore. Non abbiamo dunque il classico blues, che da una resofonica bene o male ti aspetti: sono innegabili in ogni caso le influenze country, lontanissime da quelle sfavillanti di Nashville, ma più vicine alle paludi e fiumi dimenticati, in quei luoghi anonimi dell’America dove trascorrere un Tranquillo Weekend di Paura. Tutto è leggero, datato. Nessun virtuosismo da parte dei due. È preciso l’intento di creare musica ispirata alle infinite strade del grande passaggio americano, filtrate attraverso una leggerissima influenza psichedelica. Lo stesso titolo del disco è un omaggio al luogo dove trovò la definitiva pace il buon vecchio Jerry Garcia, leader dei Grateful Dead e pioniere della musica psichedelica americana.

Il duo definisce la propria musica “country ambient” ed in parte è azzeccata la loro definizione. Noi abbiamo trovato questo lavoro curioso, interessante e decisamente innovativo. Sì, innovativo avete capito bene. Nonostante abbiamo già definito “datato” questo lavoro, lo abbiamo trovato più innovativo di tanta musica che ci viene proposta come “uau, questo è il futuro”.

Brücke – Yeti’s Cave

Solitamente per creare una band, mettere insieme le idee, collaudare un progetto, rodare le forze, comporre nuova musica e registrare un album passano degli anni. Non si tratta di un dovere nei confronti del tempo ma di un passaggio fisiologico, necessario per creare le ossa e per poter forgiare uno stile proprio che (magari) riesca a dire qualcosa di distintivo all’interno della propria scena. Certo, non tutte le band devono prendere esempio da realtà come gli Scorpions che impiegarono 7 anni prima di dare alla luce una pubblicazione discografica, ma poco meno di dodici mesi sono forse un po’ pochini per lanciare un EP, anche solo di 5 tracce. Si potrebbe additare i tempi che sono cambiati, la tecnologia che facilita i passaggi tecnici e anche i musicisti che si riconoscono tali ad un’età sempre inferiore, ma lo spessore creativo e la complessità nel voler raggiungere un equilibrio (tanto esecutivo quanto compositivo) all’interno della band, questo no, non è possibile anticiparlo né precostituirlo. Ed è questa l’evidenza principale che ci balza alle orecchie ascoltando l’EP dei Brücke, un gruppo che avrà sicuramente un futuro molto più longevo rispetto al proprio passato, ma che ad oggi manca di consistenza.

Yeti’s Cave suona bene, la produzione è ben curata (ad eccezione del rullante, forse ovattato un po’ troppo), i ragazzi danno anche un’idea di commistione, brani come Ovomaltino creano un certo fascino in chi ha amato la psichedelia, ma sotto questo velo leggero color pastello troviamo una sagoma senza spigoli, un animale senza anima, un’immagine che non possiede densità ma che lascia in bilico, come se si fosse in attesa di qualcosa di deciso, come se si ascoltasse un album fatto di intermezzi, una colonna sonora con un video completamente nero. Gli altri colori? Forse arriveranno. In futuro.

Chickn – Chickn

Visione. Era dai tempi degli Spirale Mistica di Daria di MTV che non vedevo gente poeticamente visionaria e pronta a entrare in una ricerca introspettiva e spirituale fatta di elettronica e Jetztzeit rock. Nella parete facebook della Chickntribe i Chickn stampano nella pietra un manifesto in 5 statement, che esce imperioso nel loro debutto. Parafresando: statement 1: “i nostri assoli di chitarra sono intesi per essere lunghi e veloci e pieni di note” fatto. Omens sembra uscita da Houses Of The Holy, vaporosa e sintetica alla No Quarter -100 euro che tra le fonti dei Chickn c’è il quinto degli Zeppelin; statement 2: “rompere gli strumenti= figo” fatto. Modular Prayer è decisamente di un rock visionario che rompe i cliché e porta ad un viaggio a 20.000 leghe psichedeliche. Statement 3: “album lunghi=male” fatto. Chickn sono 10 brani per circa 68 minuti di new prog o come piace dirla alla maniera angloamericana, kraut rock molto ispirato. Se non fosse per la cittadinanza ellenica, Chickn si potrebbe definire un indie al confine tra divagazioni elettroniche e New Weird America elettronica. statement 4: “canzoni sulle droghe=bene” fatto. Genere e introspezioni sono autoesplicative. Statement 5: “qualsiasi cosa con 5 sec o più di feedback=capolavoro” fatto. I secondi finali di Aleppo / Jam e gli effetti delle due Modular Prayer sono dei piccoli capolavori. La musica e la combinazione dei suoni sono così spontanee che sembra di avere in mano un’opera d’arte readymade e non un prodotto discografico.

A metà album sale devastante il dubbio: a suonare è un collettivo o una band? Il dubbio diventa angosciante in Taquism / Rhy / Tavk Hava che è un mix di folklore popolare del mediterraneo dell’est (Cipro, Kos, Turchia) e i Jefferson Airplane in viaggio mistico da Dehli a Pankot. Tecnica, sperimentazione e divagazioni elettroniche sono un tornado elettronico che attraversa e devasta un album pazzesco. Un rock capriccioso che intriga, e non solo per le qualità strumentali del trio. Poco da aggiungere o da dire quando il materiale è veramente di classe. Alziamo i calici, innalziamo cantici, stendiamo il cappello e i mantelli al loro look hipster, profondamente eccentrico e un po’ alla Zappa, elemento che chiude il cerchio e che fa capire che siamo di fronte a ARTISTI scritto appositamente in maiuscolo. Un peccato che nell’immaginario collettivo Grecia=Sirtaki sia un binomio sicuramente più assonante e gettonato che Grecia=Indie. Dramma che questo gruppo sia relegato al sottobosco underground; dal vivo devono essere un’esperienza che merita (provare per credere).

Quindi incrocio le dita affinché il talento immenso dei Chickn venga sdoganato dalla Ellada a breve e intanto consiglio a chiunque abbia anche solo un minimo di amore per i Gong o i The Mars Volta di ascoltarsi i Chickn.