Annot Rhül – Leviathan

Il mondo della musica sperimentale è un territorio in cui è importante muoversi in maniera cauti. Il confine tra lo sviluppo e la dissoluzione artistica è molto labile e nella maggior parte dei casi è difficile solo individuarlo. Gli Annot Rhül, progetto solista dell’omonimo musicista, realizzano un album intricato anche se scelgono il semplice titolo Leviathan. Il risultato vuole mettere timore: dall’artwork alle ambientazioni compare una costante ricerca di oscurità arricchita da effetti e strumenti diversi. È quindi il buon esempio di colonna sonora per film horror (come spesso accade per album di questo genere) anche se a nostro parere trova miglior vita se ascoltato a sé stante, visto che spesso entrano in gioco ritmi e impatti lontani dalla pellicola cinematografica (come sul finire della Leviathan Suite dove i tempi si accelerano). I rimandi alla scena progressive settantiana sono chiari (Emerson, Lake and Palmer su tutti) anche se gli insegnamenti prog fanno da ramificazione ad un tronco fondamentalmente psichedelico; chiaramente in una proposta musicale come questa le linee vocali sono ridotte all’osso perché è tutto il resto che deve servire per dare sostanza.

Classico esempio di musica che cerca di portare in un’altra dimensione l’ascoltatore (obiettivo tra l’altro dichiarato dallo stesso ideatore), va riconosciuto che non vi è una eccessiva ricerca della tecnica, piuttosto un’attenzione del lato compositivo e dell’inserimento dei corretti (e particolari) suoni. Quindi vanno apprezzate le doti di inventiva di chi è dietro a Leviathan, anche se l’effetto finale è inconsistente: il brano più breve e sulla carta più assimilabile, Distant Star, ci dice poco e anche le due lunghe suite non catturano la nostra attenzione, se non in occasione di piccoli interessanti passaggi. Dopo il passaggio di Leviathan poco ci resta nelle mani.

Push Button Gently – Uru

Nati nel 2006 come progetto sperimentale incentrato unicamente sulla improvvisazione, i Push Button Gently diventano vera e propria band solo nel 2009 quando abbandonano la sala di registrazione, fino a quel momento unica “tana” della band comasca, per tentare l’avventura live. Dopo due album live (non si contano le registrazioni sperimentali sino ad ora inedite) ecco un nuovo EP, preludio a nuovo album in uscita entro l’anno. EP è una parola limitativa, abbiamo ben nove brani quindi possiamo definirlo tranquillamente mini-album. Nove tracce “spaziali” nel senso più psichedelico del termine. Le influenze della band sono tantissime e si sente da brano a brano: Tarpit Cock And The Bazoukie Returns cita un certo rock anni ’90 americano (ma anche i nostrani Bluvertigo, perchè no?) con un tocco di John Zorn per quella de-strutturazione del riff di Smoke On The Water in apertura. Turnaround ha quel mood brit pop alla Blur vs Nirvana che parte dai lontani ’60 per arrivare alla Madchester 1992.

Ci piace molto Idyll, sognante e psichedelica che ricorda apertamente i Soft Machine di Third e rende perfettamente quell’idea di viaggio nel tempo, suggerita anche dalla copertina così “vintage”. La ricerca della novità fa capolino da ogni secondo di questo bell’EP, anche se è tanta la voglia a rimanere ancorati alle tradizioni musicali classiche. Insomma, viaggiare nello spazio, andare verso l’universo e oltre ma guardano sempre alla base Terra, pronta a intervenire in caso di pericolo, ne è esempio la traccia di chiusura, beffarda cantilena affidata ad una elettrica sgemba e sgnignazzante. Giudizio alto per questo EP, teniamoli d’occhio.

Desert Wizards – Ravens

Un salto indietro nel tempo. Prendendo in mano questo album e guardando la copertina ed il libretto vengono alla mente immagini degli anni ’60, di hippie alla perenne ricerca di visioni, LSD, e sciamanesimo, pronti a raggiungere il paradiso psichedelico tanto agognato. I Desert Wizards sono una band ravennate che giunge alla seconda release con questo Ravens. Il look e l’estetica del combo, però, non devono trarci in inganno. Sono presenti sonorità e canzoni palesemente debitrici a quel periodo acido della California anni ’60 e ’70 ma anche l’hard rock ha la sua parte non indifferente. Anzi, alla fine è la parte più preponderante. Le atmosfere sabbathiane e gotiche sono presenti già dall’opener Freedom Ride che potrebbe far pensare di essere stati fuorviati dall’artwork e dal look con cui la band si presenta. Ed invece Back To Blue ci trasporta dritto in quelle atmosfere acide e sognanti di cui sopra. Ed è proprio qui che i nostri connazionali trovano il pregio maggiore che poi emergerà proseguendo durante tutto l’ascolto: un sapiente mix e riadattamento, una sorta di matrimonio, tra due periodi del rock che hanno segnato un’epoca ed una storia non facilmente ripetibili. L’equilibrio che si viene a creare è molto straniante e degno di nota, partorendo un mélange interessantissimo e pieno di spunti originali e creativamente notevoli.

Le ultime due canzoni di Ravens evocano nell’ascoltatore, a nostro parere, scenari di manieri gotici in pieno stile Hammer Productions (per chi avesse visto i film di questa casa di produzione, famosissima per avere lanciato un giovane Christopher Lee nel ruolo di Dracula). Vampires Queen e Bad Dreams ci fanno venire in mente le desolate lande transilvane dove, quando il sole tramonta, il pericolo si nasconde dietro ogni anfratto. Vampires Queen, a nostro modesto avviso, è sicuramente il pezzo più evocativo e notevole presente nel disco dei Desert Wizards, con quella voce cavernosa a cui fa da contrappunto un pianoforte mellifluo che si fonde con gli altri strumenti in maniera da creare un’atmosfera galleggiante e da sogno. O meglio, di un sogno dal quale ci svegliamo di soprassalto nel letto madidi di sudore.

Chiude un omaggio ai Pink Floyd, Childhood’s End, canzone scritta da David Gilmour e tratta dall’album tributo One Of My Turns-A Tribute To Pink Floyd.

Atom Made Earth – Border Of Human Sunset

Gli album e le band sono come delle scene del crimine. In molti casi analizzandole, osservando i loro lavori, la grafica scelta, i titoli dei brani o tutti quegli indizi che si studiano frutto della curiosità, si riesce ad intuire tanto già prima di premere il tasto play. La durata dei brani sicuramente rilevante (6 tracce per 44 minuti di ascolto totale) e il moniker della band, Atom Made Earth, rendono più semplice il nostro lavoro di investigazione e ci conducono presto all’identificazione del movente: la psichedelia. Lo scenario è proprio quello che ci riporta ai Pink Floyd, contaminato però dai gusti stoner che la band ha manifestato fin dai suoi inizi e ha dichiarato anche senza tanti giri di parole. In questo connubio compare quindi un’importante ricerca di composizioni strumentali che in alcuni passaggi lasciano lo spazio a strumenti a corde pesanti come macigni, a tratti citando alcuni scenari doom. Tendenzialmente comunque l’essenza del sound che emerge da Border Of Human Sunset è l’ambient e questo è secondo noi un punto di forza per il quartetto, in quanto si tratta di una personalità un po’ abbandonata da giovani formazioni, ma anche un profilo debole. Infatti il sound, seppur comunque già approfondito nei decenni passati da vari mostri sacri, risulta un po’ troppo debole: al fianco di parti lente e fangose si sarebbe potuto sperimentare molto di più con gli effetti, a nostro parere, inserire elementi che avrebbero dato più verve e “tiro” alla proposta, rendendola anche molto più godibile in sede live.

Il risultato può piacere ad alcuni appassionati dell’oscuro (Augusta) finendo per toccare addirittura lidi funerei (in Oceanic Side Pt. 2 si sentono echi dei My Dying Bride). I ragazzi nonostante tutto ci danno dentro e a nostro parere, con una più calorica interpretazione strumentale avrebbero potuto differenziarsi per originalità conquistando di più il pubblico rock. Le basi ci sono quindi non ci sentiamo in assoluto di bocciare il lavoro ma qualcosa va rivisto nell’ottica di rendere più accattivante il sound.

Birth Of Joy – Prisoner

I Birth Of Joy sono uno di quei gruppi difficili da racchiudere dentro confini musicali netti e definiti. Si tratta di un power trio con una dinamica insolita per i giorni nostri (organo/chitarra/batteria). Sono ovviamente in debito con la scena rock blues di fine anni ’60 primi anni ’70, ma non sono semplicemente una band retrò, perché il trio olandese è capace di esprimersi con suoni acidi e potenti seguendo percorsi melodici insoliti oltrepassando gli schemi del passato. La band ci introduce al loro nuovo album, Prisoner, con il suono delle tastiere (che pagano più di un tributo a Jon Lord) in primo piano ed assolute protagoniste, mentre la chitarra distorta del cantante Kevin Stunnenberg pare quasi uno strumento di supporto, aggiungendo tessuto sonoro. Il martellante groove alle pelli di Bob Hogeneist fa da guida a How It Goes. Alcune improvvisazioni alla tastiera in puro stile Pink Floyd inaugurano il fulcro dell’album, Three Day Road. La sua costruzione è basata su power chords capaci di creare un angoscioso flusso e riflusso sonoro. Con Holding On i Birth Of Joy gettano completamente la maschera lasciando trasparire in pieno i segni che i Doors hanno lasciato sui membri della band, anche se i loro testi appaiono decisamente più gioiosi e meno profondamente cupi.

Prisoner non è un viaggio tutto retrò. Certo la band indossa con orgoglio le proprie influenze, ma questi ragazzi suonano duro e veloce, senza perdersi in protagonismi tecnici. Se da un lato si possono sentire riecheggiare i Doors, Pink Floyd e Deep Purple dall’altro si sovrappongono sonorità più tipiche dei Muse o degli Strokes. Da questo strano frullatore emerge tutta la passione e la voglia di affermarsi di questo trio che dal vivo saprà incendiare le folle. Una band ed un album che ha centrato l’obiettivo di non passare inosservati, un’affermazione decisa e prepotente.

The Vickers – Ghosts

Negli antici giochi calodoscopici e lisergici degli anni 60 ma soprattutto degli anni 70 ci accolgono i The Vickers, band tutta italiana ma che dalla nostra terra affera ben poco (manco a dirlo i testi sono in inglese). Un quartetto che si aggrappa ad un sound che fu ma che, come le stagioni, torna in maniera delicata ma profondamente rivoluzionaria. I fiorentini infatti ci rimandano ai tempi dei Grateful Dead, di quando i ragazzi per pochi spiccioli si sottoponevano ad esperimenti con sostanze stupefacenti e, per alcuni, il risultato era tanta creatività, nemmeno troppo clandestina, che andava incanalata verso una forma d’arte, la musica. Il basso ma soprattutto i vari effetti usati dalle due sei corde rappresentano delle sfumature sonore che potrebbero essere riconosciute tra milioni: al diavolo i riff, qui si parla di composizioni che tirano la giacca ai sensi e cercano di portarli ad una dimensione superiore nella quale ciascuno è dipendente dall’altro ed è inutile parlare solo di udito. Compare anche qualche momento molto morbido come Senseless Life che piazza una chitarra acustica e delle linee vocali orecchiabili, preferendo il facile ascolto alla sezione ritmica, almeno nella prima parte. Showgaze?! Non manca, anche se l’attitudine del combo è troppo legata al passato per dirsi influenzata da questo genere.

Si continua nell’ascolto e come un sogno che diviene sempre più vago e trasparente, si perde il contatto con la componente musicale; le costruzioni sembrano un pò troppo ridondanti anche se va riconosciuta una certa variabilità di impostazione tra le singole tracce. Altro vantaggio è la durata dei brani: non vi aspettate psicolabili sfoghi sperimentali da dieci minuti perché l’intenzione di tediare l’ascoltatore (o accomagnarlo in uno stadio di irriconoscibilità dell’ “io”) non è nelle corde della band. All I Need sfiora certo indie ben trattato mentre in Inside A Dream compare un accenno più caparbio di chitarra: in questi due elementi si celano percorsi che potrebbero essere maggiormente approfonditi dai The Vickers per dare maggiore solidità al sound e definizione, senza però uscire dagli ambienti fumosi e dagli effetti stonanti del proprio trademark. Altrimenti si rischia di restare fermi allo stadio di ricerca sonora costante senza però dar vita a qualcosa che possa essere ingerita concretamente. Delle idee di buona forma e sostanza ma che vanno a nostro parere incastrate con una personalità più forte per avere una resa migliore.

Movie Star Junkies – Still Singles

I Movie Star Junkies con Still Singles ci offrono una bella dose di LSD che ci lancia verso una discesa virtuale tra rocce acuminate, cespugli irti di spine, muschi urticanti e fenicotteri rosa. Allucinazioni e confusione sembrano la chiave di volta di tutto l’album: un ripetersi di urla e scalpiti tamburellanti, di chitarre suonate a mo’ di mantra e lamiere esplosive. In tutto questo mix però si può trovare una via d’uscita nell’ordine in cui sono state disordinate le idee. Un pattern ripetuto all’infinito seguito da tom e rullanti claudicanti. Rock’n’roll, blues e punk si mischiano in questo vortice infernale: in pratica è come se stessimo ascoltando della musica con in testa un secchio di alluminio e, lo stesso, fosse colpito con forza da bottiglie di vetro. Il tutto con un sottofondo di motoseghe imbizzarrite intente a scarnificare la carcassa arrugginita di una vecchia Cadillac dispersa in pieno deserto. Zabriskie point. Originali, seppur ripetitivi. Psichedelici, frenetici e tachicardici in tutto e per tutto. Gli anni ’70 si sentono: l’organetto e il rock blues da Route 66 in pieno stile Born To Be Wild danno molto nell’occhio. Scorrendo l’album però l’effetto dell’LSD inizia sempre più a svanire: da una fase confusa inizia una fase di stanchezza in cui ogni movimento sembra portato avanti per inerzia. Una sorta di torpore capace di smuovere i muscoli grazie alla poca forza rimasta dentro. Il risultato sembra quasi migliorare, i suoni diventano paradossalmente sempre meno sfocati e le voci sembrano tornare in sé.

Nel complesso le 20 tracce del nuovo album Still Singles sono divertenti e casiniste. Durante l’ascolto cresce sempre più la curiosità di assistere ad un loro concerto live, anche perchè lo stile dei Movie Star Junkies sembra perfetto per creare dei concerti con i controfiocchi (per non dire altro): una scarica d’adrenalina zoppicante e confusa da sparare sul pubblico, magari in scantinati di mattoncini rossi da far sudare e tremare.

Black Rainbows – Holy Moon

Un EP di 38 minuti? È possibile quando la porta dell’hard psych si apre dinanzi a noi. Figlio unigenito del doom a cui tanto hanno dato Black Sabbath e altre formazioni degli anni ’70, queste sonorità oscure tornano di moda (se di moda si può parlare in questo scenario), un pò per le varie sperimentazioni sul tema, un pò per quel sapore di alternativo che in fondo portano con sé. Molto è concentrato sul riff e molto sui tempi cadenzati, in questo gli italianissimi Black Rainbows hanno tutte le carte in regola, ma ciò che più stupisce è il numero di formazioni attuali dedite a questo genere in un’epoca in cui invece si punta tutto sulla velocità e sul bello/brutto dopo pochi secondi di ascolto. Ecco, se sposate questo approccio lasciate stare il genere o, meglio ancora, ascoltate il brano Monster Of The Highway incluso in questo EP e capirete che anche queste sonorità pesanti e psichedeliche hanno un’anima oltre che un’ottima collocazione nello scenario heavy metal. Tra l’altro il trio è abbastanza conosciuto avendo girato vari Paesi e suonato in vari luoghi; il tutto si percepisce in quanto il sound, diverso seppur non veramente innovativo (ma questa è una peculiarità del genere), risulta molto compatto e con delle ottime espressioni da parte degli artisti. Un’interpretazione personale di un genere conosciuto.

Bella Chakra Temple che innegia armonie orientali fin dal suo titolo e per un attimo ci trasporta in un’altra dimensione (e non in un’altra era), addirittura lasciando che le sei corde assumano le sembianze di motori targati post-grunge dal carattere più forte e in un crescendo estasiante che giunge ad una scarica di proiettili per poi acquietarsi sul finale. Ancora superiore The Hunter che, nella sua rumorosità voluta, piazza dei riffoni hard rock che sarebbero piaciuti a gente come Wolfmother o anche ai più ricercati Motorpsycho; il cantato qui (che di solito in brani di pari genere non compare quasi mai) rende il brano più digeribile ma non meno cattivo. E dopo la parentesi pseudo blues di If I Was A Bird giunge la conslusiva Black To Comm che innietta una dose di rock’n’roll ad un hard rock di per sé lacerante; bello l’assolo (lunghissimo) e l’incedere bellico, elementi che potrebbero piacere senza dubbio a qualsiasi rockettaro che si rispetti e che rendono l’intera traccia (di 12 minuti!) piena di spunti e di maestria. Un album, mini o completo che sia, diverso e che si fa apprezzare per la sua diversità. Da ascoltare con attenzione e con calma.

Vibravoid – Delirio Dei Sensi

Una bella sorpresa, questa propostaci dalla band di Dusseldorf, ormai attiva da qualche anno nel panorama internazionale. Registrato in soli due giorni tramite la nostrana Go Down Records, l’album è un piacevole tuffo nel passato psichedelico tanto in voga negli anni ‘60, attraverso la sperimentazione di sonorità pienamente aggiornate ai giorni nostri. Capitanati da Christian Koch nella duplice veste di cantante e chitarrista, i nostri eroi riescono nell’impresa di offrire un sound apparentemente datato, ma al tempo stesso molto coinvolgente, grazie al sapiente lavoro di rimodulazione delle suddette sonorità con le tematiche dei brani. L’apertura di Poupeè De Cire, leggendario brano di Serge Gainsbourg portato al successo da France Gall nei tardi anni ‘60, è davvero notevole, con l’organo malinconico a trasportarci nei gloriosi anni, con la protesta giovanile esplicitata anche attraverso suoni e testi di ribellione. Egualmente incisiva Listen, Can’t You Hear, dove le armonie si mettono al servizio del brano, molto arpeggiato nella prestazione vocale, che drammatizza il giusto i testi. Aggressiva come non ci si aspetta, la canzone risulta molto coinvolgente e quasi “freak” nei cori, in simbiosi con il gioco organistico di metà brano, molto etereo. Mentre Colour Your Mind è una bella cover degli australiani Tyrnaround, dove il singer resta saggiamente posizionato idealmente sotto la linea del microfono, giungendo così la sua voce molto ovattata ed in secondo piano rispetto alla sezione ritmica, rendendo il brano tra i migliori dell’album anche grazie all’improvviso solo chitarristico, molto in tema.

The Empty Sky ha un suo incedere molto tranquillo e cosmico nei suoi passaggi, dove l’organo presentissimo fa sentire il suo lavoro pulito che mette in risalto il notevole giro di basso. Ancora una buona cover, con Magic Mirror degli Aphrodite’s Child, che riesce ad unire bene le sonorità progressive della fase strumentale con l’humus molto folleggiante dell’interpretazione vocale, tanto da non stonare in qualche composizione “medievale” dell’epoca. Con The Golden Escalator la band raggiunge il “top del trip”: il gioco di parole è opportuno per descrivere quello che nei quasi 13 minuti del brano il gruppo intende offrire; un ideale viaggio catartico verso la purificazione dello spirito, attraverso l’organo misticheggiante che più non si può e che gradualmente porta alla cognizione del proprio IO, quasi a rappresentarci (ci si perdoni l’empio paragone) il misticismo cosmico dell’immortale Re Lucertola durante i live acts dei Doors. Indubbiamente il miglior brano dell’album, al termine del cui ascolto ci si sente come trasportati in una dimensione surreale, con i rantoli finali del singer pronti ad annunciarci l’imminente Nirvana.

Tutto intriso di pulsioni cosmiche All Stars Have Gone To Sleep, dove la band si impegna a donarci il meglio della sua ispirazione, grazie al cantato molto “delirante” ed al drumming stavolta molto intenso. Le sonorità divengono quasi spiritate e gli strumenti raggiungono la loro dimensione naturale, stante il contesto lungimirante del testo ormai in preda al vero e proprio delirio dei sensi, qui finalmente raggiunto e declamatoci sin dal titolo dell’album. La psichedelia dei californiani The Human Expression viene qui degnamente rappresentata dalla cover di Optical Sounds che la band di Dusseldorf offre. Un caleidoscopio di sonorità molto trip nei passaggi, dove l’acidità delle composizioni viene messa al servizio della voce molto eterea e quasi “efebica” del singer. Grazie alla buona sezione ritmica, il brano diviene subito una ideale hit da ballare in opportuni ambienti molto soffusi. Nearby Shiras risente delle atmosfere molto orientali che la band intende dare al brano: il singer in questo frangente si adopera per poter offrire una prestazione molto “rarefatta” anche nella timbrica, dove le strofe vengono trattenute sino all’ultimo e l’atmosfera che si respira diviene via via più opprimente per l’organo molto incombente, da ideale colonna sonora di una film di Antonioni. Altro brano degni di menzione, nonché anch’esso cover: per la precisione dei Kalacakra. L’allegria non può abbandonarci, specie con il brano conclusivo: sotto con l’ennesima trasposizione di un altro brano famoso dei 60’s, precisamente La Poupeè Qui Fait Non. Il brano di Michel Polnareff diviene in questa sede altra occasione di momento pop, dai cori molto semplici ed accattivanti, che avrebbero fatto le fortune di chiunque avesse ripreso un brano del genere, molto beat su di una base molto psichedelica, senza pretese ma coinvolgente.

Il brano finale, Black And White, è una traccia live registrata durante una delle numerose calate della band sul nostro suolo ed anche in questo frangente, il terzetto non ha difficoltà a rilasciare una buona dose di energia vitale e sound spaziale abbinato alla psichedelica pura. In un contesto finale di valore assoluto e che resta impresso come marchio di fabbrica.