Roommates – Fake

I Roommates sono una band con due caratteristiche inconfutabili che permettono di riconoscere facilmente la fetta di ascoltatori a cui è diretta la loro musica. La prima è la natura del loro sound: la band infatti nasce come una formazione acustica e questa essenza è molto evidente nell’album in questione dal titolo Fake. La chitarra gioca in prima linea e ci riporta a suoni d’oltreoceano, dove deserto, country e strade infinite la fanno da padrone; anche se non manca l’elemento elettrico nelle tracce di Fake, tanto da sconfinare nel metal (o heavy rock), la struttura dei brani è molto legata ad un pensiero acustico-melodico su cui poi è costruito il tutto. Questo ci risulta chiaro in brani che nascono e restano acustici (Light, Fakin’ Good Manners) così come in pezzi più energici ma che celano comunque questa caratteristica di composizione (Blow Away): gli arpeggi e le basi di sei corde parlano chiaro, il rock da club intimo si prefigge di costruire una certa intimità con l’ascoltatore, non vi fate trarre in inganno dalla copertina (riferendoci alle ragazze in Harley) che suggerirebbe lande ben più irriverenti. Eleganza e stile sono gli elementi a cui la band punta con la propria visione musicale.

La seconda caratteristica della band è riferita alla loro ragione di vita: i Roommates sono principalmente una live band. Anche se i brani in cuffia vengono apprezzati, risultando tra l’altro ben arrangiati (si ascolti ad esempio Fakin’ Good Manners), è chiaro che l’ambiente live (meglio se in pub non enormi) è il contesto dove il loro stile frutta al meglio. Un po’ di graffi arrivano con Black Man Guardian, a metà corsa tra Van Halen e Mötley Crüe, ma anche qui non ci si tira indietro ad un intermezzo semi-acustico, giusto per non spiazzare l’ascoltatore. Una buona prova per chi ama un rock più pacato: sicuramente dopo un ascolto di Fake si vorrà provarli dal vivo.

Roxas – Nonostante Tutto

Arrivano da Milano e si presentano con un EP di quattro tracce, le prime quattro tracce della loro discografia. I Roxas confezionano questo prodottino di rock italiano che strizza l’occhio all’indie, con testi in italiano e che trattano (guarda caso) dei vari problemi e sentimenti che la gioventù affronta. Ok, tutto secondo copione?! Quasi, perché i Roxas hanno dalla loro una spinta maggiore sulla natura elettrica abbracciando di più una filosofia rock, a discapito delle linee vocali che invece ammorbidiscono il tiro verso un indie-pop-rock; d’altro canto però portano con sé un forte handicap che riguarda il sound. La chitarra, nelle parti distorte, è troppo “aperta” e una scelta più pulita o “composta” sarebbe stata apprezzata senza far perdere mordente alla natura rock; è evidente principalmente nelle prime due tracce, non si tratta di produzione a parer nostro ma proprio di scelta di sound. Un aspetto delicato questo e sicuramente molto personale, lo riconosciamo, infatti il nostro resta un punto di vista che, appunto, avrebbe preferito una sei corde più misurata che copriva meno gli altri strumenti finendo per appannarli.

Sicuramente Tempesta Gelida ha maggiori frecce al suo arco, un brano maggiormente calibrato da cui si può partire per scrivere un nuovo percorso che da un lato abbia sempre la grinta rock propria del terzetto ma che canalizzi l’energia della band verso una direzione più efficace.

Litfiba – Guerra

Avete bisogno di una piccola pausa dal tempo storico in cui vivete? Allora accendete lo stereo, mettete il primo lavoro autoprodotto dei Litfiba e pigiate play! L’EP si apre con Guerra, in una versione ben diversa da quella che conosciamo diventata poi famosa in Desaparecido. Gli arpeggi ostinati del basso creano un gioco di botta e risposta con le note della chitarra elettrica. Questa sorta di binario porta dritti alla ripetizione ipnotica di “uomini neri” cantata da un giovane Piero Pelù già perfettamente a fuoco nella sua dimensione vocale. La seconda traccia è intitolata Luna: le sonorità sono più chiare e sostenute dalle poche note in ripetizione di una debole tastiera in netto contrasto con le parti cantate e urlate da Piero. Il suono è sgranato, consunto, sembra uscito di cantina per sbaglio! Anche il lato B si apre con sonorità molto oscure con il brano cantato in inglese intitolato Under The Moon. Non colpisce per la struttura né per la melodia, ma ai nostalgici come me fa lo stesso un grande effetto. Ben diverso è il discorso di Men In Suicide. Basso e batteria lottano tra loro mentre Pelù canta versi pregni di angoscia è come se i muri di una stanza s’avvicinassero progressivamente tra loro. Nel ritornello, invece, c’è una bella apertura strumentale ma dura poco, è un ritornello strozzato che ricade subito nel buio della strofa.

Erano gli anni della new wave e questo si sente prepotentemente nel mixaggio complessivo e nella struttura dei brani: la ripetitività delle parole, il suono metallico, il rullante con effetto eco fanno cadere chi l’ascolta in un viaggio nel tempo che termina nel maggio del 1981 a Firenze nello studio Larione 10. E’ qui che la formazione Pelù, Aiazzi, Renzulli, Maroccolo Calamai incise il primo di tanti dischi. Questo EP, chiamato anche Guerra, uscì originariamente in versione EP 12̎̎̈̎̎̎̎. A chiudere questo primo lavoro c’è E.F.S.44: indubbiamente la traccia più liquida delle cinque ascoltate. Non ha parole, né strutture ritmiche definite. E’ sotterranea, è una perdita di contattato con la realtà. Forse è la nostra macchina del tempo che si rifiuta di tornare al 2017.

Mike Tramp – May Be Tomorrow

Due anni dopo la conclusione della trilogia con gli album Cobblestone Street (2013), Museum (2014 recensito da noi a questa pagina) e Nomad (2015 a questa pagina) ecco la nuova impresa discografica di Mike Tramp. May Be Tomorrow disponibile in CD, in vinile blu in tiratura limitata di 500 copie ed in vinile ufficiale (si dice black LP) è l’opera omnia del danese Mike Tramp. Mike Tramp per essere precisi, all’anagrafe é Michael Trampenau ed è nato a Copenaghen in Danimarca il 14 Gennaio 1961. E’ un cantante danese ma assai attivo e conosciuto negli Stati Uniti, noto soprattutto per essere stato il cantante e front-man dei White Lion e dei Freak Of Nature. Una carriera gloriosa negli Stati Uniti e in Europa nell’ambito dell’hard rock e del pop metal. Mike Tramp vanta una discografia importante: con i White Lion ha inciso in studio sei dischi dal 1985 al 2008 e pubblicato tre raccolte tra il 1992 al 2007 ed un album dal vivo nel 2005; la band si sciolse definitivamente nel febbraio del 2015. Resta il fatto inconfutabile che i White Lion gli faranno guadagnare una grande popolarità internazionale. Entrato nei Freak Of Nature con loro pubblica tre album tra il 1993 e il 1998. Nel frattempo Mike Tramp vola da solo nell’avventura solistica che lo vede sui palcoscenici di tutto il mondo. In vent’anni di carriera da solista dal 1997 al 2017 ha pubblicato dieci dischi in studio ed un live Rock n’alive edito nel 2004.

May Be Tomorrow è stato registrato ai Medley Studio di Copenhagen e ancora una volta fondamentalmente il songwriting di Mike Tramp, il suo stile ed il sound rimangono saldamente ancorati al rock. E’ il 7° disco che Mike Tramp registra con il produttore e polistrumentista Soren Andersen. Mike Tramp a parer mio si è ammorbidito ed il suo è un rock esemplare senza fronzoli. Niente sfogo a troppi tecnicismi, suoni patinati, sovra incisioni o effetti sonori speciali. L’esempio più lampante è l’iniziale Coming Home: la sua voce svetta in un brano orecchiabile in cui chitarra e sezione ritmica risultano incalzanti e a proprio agio e l’organo hammond B 3 mai troppo invasivo costruisce una melodia semplice ma efficace. Mike è l’autore di tutti i brani, musica e testo e possiede una voce ancor oggi smagliante e in grande spolvero. It’s Not How We Do It, Spring con delle tastiere in evidenza, Would I Lie To You e le successive procedono tutte sulla stessa lunghezza d’onda. Rust And Dust ha un riff chitarristico ed una sezione ritmica di prim’ordine mentre più cupa e tetra risulta Leaving One Day. May Be Tomorrow rappresenta il Mike Tramp di oggi, senza rinnegare il passato ma guardando al futuro. Davvero splendida Time And Place con il pianoforte ad introdurre il brano e Morten Buchholz, tastierista d’eccezione, a tinteggiare l’intera composizione.

May Be Tomorrow è suonato dagli stessi musicisti del disco precedente Nomad a conferma di una serie di musicisti che si trovano perfettamente a loro agio con Mike Tramp. Soren Andersen risulta decisivo con la sua sei corde ed è un maestro sia con l’acustica che con l’elettrica. What More Can I Say è un pezzo cristallino e lineare, un brano orecchiabile ma non scontato in puro stile REM tanta è la bontà del sound di Mike Tramp. May Be Tomorrow che dà il titolo all’album ed in chiusura di disco, è una ballata, uno slow d’effetto e d’atmosfera con il pianoforte in evidenza e Mike Tramp che canta in maniera sentita e convincente. Canzoni non aggressive ma incisive che suonano autentiche, ballate suggestive e rock suonato con i dovuti crismi.

Rhumornero – Eredi

Il tanto atteso (almeno per i fan) nuovo album dei Rhumornero è arrivato alle soglie del 2017, raccolta di alcune tracce già registrate e diffuse negli scorsi anni ed altri puri inediti. Eredi il titolo per un’ora scarsa di presentazione di un sound interessante, uno stile in bilico tra le venature più dure ed oscure del rock e un appiglio (soprattutto canoro) più easy, quasi pop che accompagnato da testi sempre in italiano permette di entrare nella testolina degli ascoltatori e restarci. Ci piacciono i momenti in cui la ritmica tenta di dire la propria (L’equilibrio (versione 2015), Nel Tuo Spirito) anche se va detto che perde la battaglia rispetto a melodie e linee vocali; ci piace anche la scelta sonora, pacata e dark che ci rimanda all’ultimo periodo dei Queensrÿche con Geoff Tate (esempio: American Soldier) dove riff e batteria compivano un passo indietro a vantaggio di qualcosa di più commestibile, un po’ per tutti. Se l’ambivalenza tra rock e ricerca melodica può essere la caratteristica positiva della musica targata Rhumornero, quella negativa a parer nostro è da rintracciare nell’incedere estremamente lento di alcune tracce (come Spiriti) che attenua l’interesse e probabilmente anche la presa in sede live. Noi preferiamo sicuramente i momenti più decisi come Quanto Avevo Paranoia.

Poco da aggiungere per quanto riguarda gli argomenti trattati, che descrivono quasi sempre la stoltezza della nostra società, temi quindi relativamente inflazionati. Poetica e oscurità sono l’ispirazione dei Rhumornero, elementi che possono conferire pathos alle loro esibizioni. Il nostro suggerimento è di puntare anche agli altri strumenti, magari attraverso un songwriting più ricercato in modo da valorizzare tutti gli aspetti della propria musica.

Pier Bernardi – Re-Birth

La domanda è: come vi immaginereste un album solista di un bassista? Atmosfere larghe, chitarra minimal, batteria con tempi molto impostati, assenza di parti vocali, ampio spazio alle linee di basso che continuano a cambiarsi casacca, tra strumento ritmico e contributo melodico. L’immaginazione spesso porta lontano ma altre volte con facilità indovina il copione senza leggerlo e non è un caso che il nuovo album del bassista Pier Bernardi suoni proprio così. Attenzione, non è questa una strada così obbligata visto che il basso è un strumento sminuito dai più ma che permette tantissime interpretazioni (chi ascolta Primus, Rush e Jaco Pastorius sa che c’è un abisso nel loro modo di intendere il quattro corde) e che non sempre lavori solisti di bass player devono seguire questa ricetta (si legga alla voce Mike LePond). Eppure Pier Bernardi lo fa, indossa la maglia del guitar hero di turno, concentra tutte le attenzioni sul proprio strumento, riduce di molto il contributo degli altri musicisti e crea un lavoro strumentale di pop rock da camera che cerca di mettere in luce i suoni bassi.

Con due particolarità però. La prima è che per fortuna Pier non colloca i tecnicismi al centro dell’attenzione; certo qualche volta la tentazione è troppo forte (Bus Your Hand), ma Pier sa troppo bene la multiformità del proprio strumento e in While You Are Sleeping lo dimostra. La seconda è che si contorna di grandi musicisti, nomi altisonanti che avrebbero potuto sicuramente apportare contributi più di valore. Un esempio? Little Square Of Miracles: un buon pezzo, ben prodotto, che coinvolge l’ascoltatore ma se lo scomponessimo nei singoli strumenti troveremo ben poco oltre il basso. In Grace c’è un buon tentativo di ragionare come band che viene espresso in alcuni intriganti arpeggi ma che non conquista mai davvero concretezza; in Blonde Noise appare una certa musicalità, un tappeto di synth che crea una buona cornice affinché diversi suoni possano trovare la giusta collocazione. Nel complesso Re-Birth non è un cattivo album, la produzione è di alto livello e i brani sono atmosfericamente coinvolgimenti ma da musicisti di questa caratura ci si aspetterebbe di più. Innanzitutto un lavoro di una band nel suo complesso.

Greywind – Afterthoughts

Caratteristiche principali di molti debut degli ultimi anni, almeno per chi scrive, sono fondamentalmente due: il livello altissimo di produzione e tecnica dei musicisti che si accompagna alla poca originalità. Ed attenzione, con questo concetto non si intende una scopiazzatura pedissequa degli idoli di ciascun musicista o band, ma il fatto di comporre qualcosa di valido e continuare a costruire su quel poco un intero album. Sembra che una volta che le case discografiche o il popolo di internet (intrinsecamente avvinghiati, ormai) mettono gli occhi sulla produzione di un emergente (demo o post su Youtube che sia) assicurandogli un debut, gli artisti in questione, invece di osare, si fermino dicendo: “Ok, battiamo una strada sicura”. Tendenza che prende piede anche perché le basi dell’ascoltatore medio sono a digiuno, nella grande maggioranza dei casi, di ciò che è stato fatto in passato. Così accade il contrario di 30 anni fa: grandi produzioni, suoni perfetti, pochissime idee.

E’ anche il caso dei Greywind, duo irlandese formato da fratello e sorella, che rispondono al nome di Paul O’ Sullivan (chitarra) e Steph O’ Sullivan (voce). Il loro debut Afterthoughts è una bomba sonora su cui domina la grande voce di Steph. Il genere proposto è quello, tanto per darci dei riferimenti, da anni portato avanti dai Lacuna Coil (qui però non c’è intervento di voce maschile). Piacerà Afterthoughts al pubblico? Un sacco. E state sicuri che i Greywind saranno la nuova sensazione per un periodo abbastanza lungo da permettergli magari di fare anche da headliner a qualche grosso festival. Il disco acchiappa, e acchiapperà soprattutto una generazione di adolescenti ed ascoltatori a cui piace la roba cattiva ma non troppo. La voce di Steph, che assomiglia moltissimo, nonostante la sua bravura, a quella di molte popstar femminili, contribuirà di gran lunga all’ammaliamento dei tipi descritti sopra ed anche ai passaggi radio. Scommettiamo inoltre che saranno chiamati presto a realizzare qualcosa per qualche grande “blockbuster” hollywoodiano e che qualche loro canzone finirà anche in telefilm di grande diffusione. Insomma, questi due ragazzi avranno tutto il successo che desiderano e, a vederla senza ergersi su inutili piedistalli, sarà anche meritato.

Qui però si deve giudicare un album. Ed il primo lavoro dei Greywind mostra potenzialità incredibili. Purtroppo, come dicevamo sopra e come succede in molti casi, non si osa più di tanto. Ed ecco che, ad un certo punto dell’ascolto, il disco si avviluppa su se stesso intorno alle medesime soluzioni. Risultato? Grande produzione, grandi suoni, grandi capacità. Ed una troneggiante noia. E’ difficile realizzare un disco dove tenere alto il livello di attenzione per 60 minuti. Fidatevi.

ArtemisiA – Rito Apotropaico

Gli ArtemisiA tornano, dopo quel Stati Alternati Di Coscienza (recensito da noi a questa pagina) che ci era piaciuto e che aveva confermato il percorso in ascesa dei Nostri. Un ritorno sicuramente duro, Rito Apotropaico il titolo ed heavy rock il loro incedere, riff decisi seppur incastrati in tempi non sempre veloci. Lo stile è molto debitore alla scena NWOBHM inglese ma con uno stile vocale pulito, testi in italiano e questo è un enorme asso nella manica per il combo visto che liriche in inglese avrebbero forse reso più anonima la proposta. Non aspettatevi partiture complesse, le idee degli ArtemisiA sono semplici, impresse in pattern chiari e incisivi, come se si trattasse di una rock band italiana dal tenore in parte radiofonico, ma investita da un’intensa voglia di suonare heavy metal. Da questo frullato ne esce uno stile heavy rock, se vogliamo anche un po’ grezzo in termini di suono alla sei corde (la distorsione resta sapientemente “sporca”) ma ancora una volta dal buon risultato complessivo: particolari i tentativi di innalzare le tonalità vocali in Il Giardino Violato quasi a voler sperimentare un contatto con le sponde epiche delle loro influenze, o la ballad La Guida in chiave acustica.

A noi piacciono di più i momenti di maggior decisione come il ritornello roccioso di Iside, il tiro della strofa di La Preda che ti trascina senza titubanze, l’attacco indubbiamente metal di Regina Guerriera, passaggi questi che fanno apprezzare la band anche a chi ascolta qualcosa di più duro del rock. Secondo il nostro parere gli Artemisia dovrebbero rappresentare quello che in teoria dovrebbe essere il rock italiano, ponendolo ad un livello superiore (sia in termini di potenza che di interesse artistico) rispetto a quello che comunemente (ci riferiamo alla scena mainstream) viene inteso come rock tricolore. Per il loro futuro suggeriamo qualche spigolatura in più, perché osare nel loro contesto potrebbe ulteriormente differenziarli e renderli unici.

The Jackals – Suoni Lontani

I The Jackals crescono, in senso artistico, e ci stupiscono davvero. Questo Suoni Lontani è un EP di grande spessore, una di quelle uscite che vorreste far ascoltare ad un vostro amico o parente su di età per dimostrare che la scena emergente dà alla luce brani per nulla secondari a quanto il mainstream offre. Lasciate alle spalle le radici progressive, il power trio piazza cinque tracce davvero di spessore, cinque momenti e interpretazioni diversi che hanno come fattor comune il rock, quello classico, quello che ruggisce e che ci appassiona. L’opener è sicuramente il singolo da distribuire sul canale radiofonico, con quel ritornello che si lascia cantare già dopo un solo ascolto, ma le altre tracce caratterizzano maggiormente lo stile al quale i The Jackals sono approdati oggi. Zingara Addormentata e India sono piene di influenze medio-orientali, presentano una struttura classica con strofa e ritornello ma non rifiutano un’attenzione alta in quei momenti che un ascoltatore attento coglie: intro, assolo, passaggi intrecciati…c’è molto dietro la musica di questo trio. In particolare India, strumentale, mette in luce la sapienza musicale, partiture che dissetano il rocker medio ma che offrono qualcosa di più e che dimostrano quanto ancora abbia da dire questo favoloso genere musicale.

Con Tarantella Del Solstizio si prova una nuova ricetta: i riferimenti ai suoni del Sud ci sono tutti ma anche ad un sapore cantautorale che la traccia si porta dietro; fa ballare ed è saggiamente collocata non all’inizio della tracklist. L’EP si chiude con una ballad, dimostrando che i The Jackals sanno scrivere musica di qualità da diversi punti di vista, pur se in questo caso il tutto è compresso in soli venti minuti di musica. Suoni Lontani è un lavoro davvero ben prodotto, fatto di idee chiare che attraversano diverse coordinate del rock, presagio di un futuro discografico ed artistico che sarebbe davvero un peccato lasciarsi scappare.