Captain Mantell – Dirty White King

Molti gruppi vengono spesso additati, giudicati e giustiziati per la pochezza delle loro idee. Con il duplice significato qualitativo e quantitativo che questa accusa possa fondarsi sulla scarsità dei contenuti espressi in un album o, parimenti, sul troppo esiguo spessore mostrato dalle tematiche proposte. Bene, i Captain Mantell, per non correre pericoli, rischiano addirittura di strafare in senso opposto e con questo sesto disco raggiungono una densità concettuale inedita nel loro pur esteso repertorio. Un segno inequivocabile insomma di una grande ispirazione che invece di inaridirsi con il tempo riesce a trovare, a più di dieci anni dal debutto, ancora nuova linfa e persino una certa freschezza. Questo Dirty White King è infatti quasi un concept che racconta la storia di un regicidio e delle conseguenze di questo gesto disperato attraverso oltre tre quarti d’ora di rock sperimentale e dodici tracce di cui una prende a prestito un testo nientemeno che di Edgar Allan Poe. Questo dia la misura di quanto spazi l’estro artistico dei Nostri che anche musicalmente trovano infine in questa nuova avventura la loro dimensione ideale e con essa la formula dell’eterna giovinezza colmando anche quelle che in passato erano sembrate le loro lacune più evidenti. Tra atmosfere sospese, interludi sognanti e dilatati e arrangiamenti quasi teatrali il gruppo ci accompagna in un viaggio senza tempo in cui, come spesso accade, quello che conta davvero è il percorso e non la meta.

Non mancano episodi di un certo tiro a sottolineare una vasta gamma di strumenti espressivi che, uno per l’altro, la band mostra di saper padroneggiare con disinvoltura. Lo dimostrano anche le durate dei brani che vanno dai due minuti e mezzo agli oltre sei mettendo in campo uno sforzo compositivo davvero mirabile e risultati di conseguenza piuttosto originali. Prevedibilmente tutto questo va un po’ a discapito della fruibilità del disco che per essere compreso e apprezzato come merita necessita di ben più di qualche ascolto. Poco male, la noia è tenuta ben lontana dalla già citata varietà e dalla lunghezza non eccessiva del CD con il risultato che all’ascoltatore rimane solo il piacere di gustare le mille sfumature che si apprezzano in questo platter un approfondimento dietro l’altro. Non proprio all’altezza di tanti sforzi in sala di registrazione è la produzione che in parte a suoni assolutamente azzeccati ne accosta altri dalla pasta un po’ povera e talvolta eccessivamente sintetica. Un peccato che si può perdonare soprattutto a fronte di un impegno tecnico che spesso colma qualsiasi insoddisfazione possa maturare nell’ascoltatore. Le lunghe scorribande strumentali sono infatti ben orchestrate e mai banali o fini a se stesse.

Insomma questo Dirty White King è un prodotto davvero ottimo che potrete amare o odiare ma che certo non merita di passare inosservato o… inascoltato.

Lambstone – Hunters & Queens

Il nuovo (e primo) album dei Lambstone non nasconde la propria natura: il titolo Hunters & Queens viene dichiarato come la rappresentazione dei due approcci musicali della band, uno più “cattivo” e l’altro più ispirato a sentimenti ed emozioni delicati. Anche a noi, ascoltandolo con orecchio critico, ci vengono in mente due visioni diverse che i ragazzi hanno seguito: la prima è il grunge che è evidente nelle scelte della produzione, molti brani infatti rimandano al quel rock anni 90, oltre che le linee vocali molto debitrici a Eddie Vedder; l’altra è evidente nelle strutture delle tracce, molto molto semplificate, che in alcuni frangenti (vedi ad esempio Queen) avvicinano lo stile compositivo a colleghi di pop rock di livello internazionale. Questi due profili si fondono e mentre ci sentiamo di premiare il primo che effettivamente (anche grazie al lavoro di Pietro Foresti) è molto curato, suggeriremo di rivedere il secondo visto che le idee della band vengono fuori in trame così rotondeggianti e radiofoniche che sembrano uguali ai tanti colleghi alla ricerca di successo oltre le Alpi. Per essere del tutto sinceri crediamo che molti momenti (come Kingdom o Stronger) possano entrare nelle playlist di molti giovani ascoltatori e magari trovare anche un bel po’ di passaggi su frequenze FM, ma siamo altrettanto sinceri nel condividere il nostro scetticismo riguardante la longevità di questi brani, che saranno così largamente ascoltabili quanto facilmente dimenticati tra qualche anno.

Qualcosa si percepisce in Jesus, un brano che sembra prendere a prestito alcune trame post-metal, e che svetta rispetto al livello dell’album. Questo ma anche altro ci dimostra che i Lambstone non sono per nulla una band “banale”, o meglio sentiamo che dietro la loro scrittura e le loro esecuzioni può trovare spazio qualcosa di molto più originale e caratterizzante. Allora perché non stupire tutti con qualcosa di più pungete?

Sea – The Grip Of Time

Quando uscì l’omonimo lavoro dei Sea (recensito da noi a questa pagina) noi restammo letteralmente a bocca aperta. Il loro stile è un vero e proprio frullato di altri elementi che richiamano la scena classic rock e classic heavy metal, ma nel loro melting pot risultano davvero unici. Un vero e proprio esercizio sulla sottilissima corda che separa rock e metal ma con uno stile e una ritmica che ti afferrano al primo ascolto: tre anni fa avevamo scomodato nomi come Metallica, Wolfmother e Rival Sons. Oggi i ragazzi si presentano con The Grip Of Time, maturati, affezionati alle loro radici. E ci lasciano un’altra volta senza fiato. I richiami ci sono ancora, nessuno si aspetterebbe mai da questo quartetto una rivoluzione sperimentale: l’opener richiama le terzette tanto care ai fan degli Iron Maiden, l’intermezzo di Once We Were Dead scomoda i Black Sabbath degli anni ormai andati ma anche tanto di già conosciuto si percepisce nei loro riff. Ma se volessimo (e lo vogliamo) abbandonare una valutazione chirurgica di questa uscita e abbracciare un approccio più emotivo allora dovremo semplicemente dirvi di correre a fare vostro questo album. Rock deciso ma confezionato in strutture compositive per nulla banali: intermezzi, altalene tra parti veloci e momenti di più ampio respiro, code, stacchi rendono l’idea musicale dei Sea ancora più affascinante e fanno sì che il loro gusto possa essere decisamente riconosciuto ed apprezzato. Un esempio è No Dawn un brano lungo in parte ballad, in parte rock energico, in parte rock psichedelico e tanto altro ma di sicuro di non facile gestazione.

Ma i riff ci sono, eccome! Il fatto che alla produzione ci sia Jacob Winther (già noto per lavori con Justin Hawkins dei The Darknes) fa intuire il “grip” che lasciano i nostri sulla pelle. Il pathos di brani come Time Will Let You Know, che richiama le atmosfere hard rock anni 80, la miccia che esplode in pezzi come Shout o la potenza e il groove di Dust Will Fall sono tutti momenti decisamente convincenti che confermano il grande ritorno del rock (quello vero) dell’ultimo decennio creando godimento per chi ama questo genere (quello vero) ed è alla scoperta di nuovi interpreti di questa “way of life”. I Sea possono decisamente essere uno dei nuovi portabandiera del rock internazionale.

Roommates – Fake

I Roommates sono una band con due caratteristiche inconfutabili che permettono di riconoscere facilmente la fetta di ascoltatori a cui è diretta la loro musica. La prima è la natura del loro sound: la band infatti nasce come una formazione acustica e questa essenza è molto evidente nell’album in questione dal titolo Fake. La chitarra gioca in prima linea e ci riporta a suoni d’oltreoceano, dove deserto, country e strade infinite la fanno da padrone; anche se non manca l’elemento elettrico nelle tracce di Fake, tanto da sconfinare nel metal (o heavy rock), la struttura dei brani è molto legata ad un pensiero acustico-melodico su cui poi è costruito il tutto. Questo ci risulta chiaro in brani che nascono e restano acustici (Light, Fakin’ Good Manners) così come in pezzi più energici ma che celano comunque questa caratteristica di composizione (Blow Away): gli arpeggi e le basi di sei corde parlano chiaro, il rock da club intimo si prefigge di costruire una certa intimità con l’ascoltatore, non vi fate trarre in inganno dalla copertina (riferendoci alle ragazze in Harley) che suggerirebbe lande ben più irriverenti. Eleganza e stile sono gli elementi a cui la band punta con la propria visione musicale.

La seconda caratteristica della band è riferita alla loro ragione di vita: i Roommates sono principalmente una live band. Anche se i brani in cuffia vengono apprezzati, risultando tra l’altro ben arrangiati (si ascolti ad esempio Fakin’ Good Manners), è chiaro che l’ambiente live (meglio se in pub non enormi) è il contesto dove il loro stile frutta al meglio. Un po’ di graffi arrivano con Black Man Guardian, a metà corsa tra Van Halen e Mötley Crüe, ma anche qui non ci si tira indietro ad un intermezzo semi-acustico, giusto per non spiazzare l’ascoltatore. Una buona prova per chi ama un rock più pacato: sicuramente dopo un ascolto di Fake si vorrà provarli dal vivo.

Roxas – Nonostante Tutto

Arrivano da Milano e si presentano con un EP di quattro tracce, le prime quattro tracce della loro discografia. I Roxas confezionano questo prodottino di rock italiano che strizza l’occhio all’indie, con testi in italiano e che trattano (guarda caso) dei vari problemi e sentimenti che la gioventù affronta. Ok, tutto secondo copione?! Quasi, perché i Roxas hanno dalla loro una spinta maggiore sulla natura elettrica abbracciando di più una filosofia rock, a discapito delle linee vocali che invece ammorbidiscono il tiro verso un indie-pop-rock; d’altro canto però portano con sé un forte handicap che riguarda il sound. La chitarra, nelle parti distorte, è troppo “aperta” e una scelta più pulita o “composta” sarebbe stata apprezzata senza far perdere mordente alla natura rock; è evidente principalmente nelle prime due tracce, non si tratta di produzione a parer nostro ma proprio di scelta di sound. Un aspetto delicato questo e sicuramente molto personale, lo riconosciamo, infatti il nostro resta un punto di vista che, appunto, avrebbe preferito una sei corde più misurata che copriva meno gli altri strumenti finendo per appannarli.

Sicuramente Tempesta Gelida ha maggiori frecce al suo arco, un brano maggiormente calibrato da cui si può partire per scrivere un nuovo percorso che da un lato abbia sempre la grinta rock propria del terzetto ma che canalizzi l’energia della band verso una direzione più efficace.

Litfiba – Guerra

Avete bisogno di una piccola pausa dal tempo storico in cui vivete? Allora accendete lo stereo, mettete il primo lavoro autoprodotto dei Litfiba e pigiate play! L’EP si apre con Guerra, in una versione ben diversa da quella che conosciamo diventata poi famosa in Desaparecido. Gli arpeggi ostinati del basso creano un gioco di botta e risposta con le note della chitarra elettrica. Questa sorta di binario porta dritti alla ripetizione ipnotica di “uomini neri” cantata da un giovane Piero Pelù già perfettamente a fuoco nella sua dimensione vocale. La seconda traccia è intitolata Luna: le sonorità sono più chiare e sostenute dalle poche note in ripetizione di una debole tastiera in netto contrasto con le parti cantate e urlate da Piero. Il suono è sgranato, consunto, sembra uscito di cantina per sbaglio! Anche il lato B si apre con sonorità molto oscure con il brano cantato in inglese intitolato Under The Moon. Non colpisce per la struttura né per la melodia, ma ai nostalgici come me fa lo stesso un grande effetto. Ben diverso è il discorso di Men In Suicide. Basso e batteria lottano tra loro mentre Pelù canta versi pregni di angoscia è come se i muri di una stanza s’avvicinassero progressivamente tra loro. Nel ritornello, invece, c’è una bella apertura strumentale ma dura poco, è un ritornello strozzato che ricade subito nel buio della strofa.

Erano gli anni della new wave e questo si sente prepotentemente nel mixaggio complessivo e nella struttura dei brani: la ripetitività delle parole, il suono metallico, il rullante con effetto eco fanno cadere chi l’ascolta in un viaggio nel tempo che termina nel maggio del 1981 a Firenze nello studio Larione 10. E’ qui che la formazione Pelù, Aiazzi, Renzulli, Maroccolo Calamai incise il primo di tanti dischi. Questo EP, chiamato anche Guerra, uscì originariamente in versione EP 12̎̎̈̎̎̎̎. A chiudere questo primo lavoro c’è E.F.S.44: indubbiamente la traccia più liquida delle cinque ascoltate. Non ha parole, né strutture ritmiche definite. E’ sotterranea, è una perdita di contattato con la realtà. Forse è la nostra macchina del tempo che si rifiuta di tornare al 2017.

Mike Tramp – May Be Tomorrow

Due anni dopo la conclusione della trilogia con gli album Cobblestone Street (2013), Museum (2014 recensito da noi a questa pagina) e Nomad (2015 a questa pagina) ecco la nuova impresa discografica di Mike Tramp. May Be Tomorrow disponibile in CD, in vinile blu in tiratura limitata di 500 copie ed in vinile ufficiale (si dice black LP) è l’opera omnia del danese Mike Tramp. Mike Tramp per essere precisi, all’anagrafe é Michael Trampenau ed è nato a Copenaghen in Danimarca il 14 Gennaio 1961. E’ un cantante danese ma assai attivo e conosciuto negli Stati Uniti, noto soprattutto per essere stato il cantante e front-man dei White Lion e dei Freak Of Nature. Una carriera gloriosa negli Stati Uniti e in Europa nell’ambito dell’hard rock e del pop metal. Mike Tramp vanta una discografia importante: con i White Lion ha inciso in studio sei dischi dal 1985 al 2008 e pubblicato tre raccolte tra il 1992 al 2007 ed un album dal vivo nel 2005; la band si sciolse definitivamente nel febbraio del 2015. Resta il fatto inconfutabile che i White Lion gli faranno guadagnare una grande popolarità internazionale. Entrato nei Freak Of Nature con loro pubblica tre album tra il 1993 e il 1998. Nel frattempo Mike Tramp vola da solo nell’avventura solistica che lo vede sui palcoscenici di tutto il mondo. In vent’anni di carriera da solista dal 1997 al 2017 ha pubblicato dieci dischi in studio ed un live Rock n’alive edito nel 2004.

May Be Tomorrow è stato registrato ai Medley Studio di Copenhagen e ancora una volta fondamentalmente il songwriting di Mike Tramp, il suo stile ed il sound rimangono saldamente ancorati al rock. E’ il 7° disco che Mike Tramp registra con il produttore e polistrumentista Soren Andersen. Mike Tramp a parer mio si è ammorbidito ed il suo è un rock esemplare senza fronzoli. Niente sfogo a troppi tecnicismi, suoni patinati, sovra incisioni o effetti sonori speciali. L’esempio più lampante è l’iniziale Coming Home: la sua voce svetta in un brano orecchiabile in cui chitarra e sezione ritmica risultano incalzanti e a proprio agio e l’organo hammond B 3 mai troppo invasivo costruisce una melodia semplice ma efficace. Mike è l’autore di tutti i brani, musica e testo e possiede una voce ancor oggi smagliante e in grande spolvero. It’s Not How We Do It, Spring con delle tastiere in evidenza, Would I Lie To You e le successive procedono tutte sulla stessa lunghezza d’onda. Rust And Dust ha un riff chitarristico ed una sezione ritmica di prim’ordine mentre più cupa e tetra risulta Leaving One Day. May Be Tomorrow rappresenta il Mike Tramp di oggi, senza rinnegare il passato ma guardando al futuro. Davvero splendida Time And Place con il pianoforte ad introdurre il brano e Morten Buchholz, tastierista d’eccezione, a tinteggiare l’intera composizione.

May Be Tomorrow è suonato dagli stessi musicisti del disco precedente Nomad a conferma di una serie di musicisti che si trovano perfettamente a loro agio con Mike Tramp. Soren Andersen risulta decisivo con la sua sei corde ed è un maestro sia con l’acustica che con l’elettrica. What More Can I Say è un pezzo cristallino e lineare, un brano orecchiabile ma non scontato in puro stile REM tanta è la bontà del sound di Mike Tramp. May Be Tomorrow che dà il titolo all’album ed in chiusura di disco, è una ballata, uno slow d’effetto e d’atmosfera con il pianoforte in evidenza e Mike Tramp che canta in maniera sentita e convincente. Canzoni non aggressive ma incisive che suonano autentiche, ballate suggestive e rock suonato con i dovuti crismi.

Rhumornero – Eredi

Il tanto atteso (almeno per i fan) nuovo album dei Rhumornero è arrivato alle soglie del 2017, raccolta di alcune tracce già registrate e diffuse negli scorsi anni ed altri puri inediti. Eredi il titolo per un’ora scarsa di presentazione di un sound interessante, uno stile in bilico tra le venature più dure ed oscure del rock e un appiglio (soprattutto canoro) più easy, quasi pop che accompagnato da testi sempre in italiano permette di entrare nella testolina degli ascoltatori e restarci. Ci piacciono i momenti in cui la ritmica tenta di dire la propria (L’equilibrio (versione 2015), Nel Tuo Spirito) anche se va detto che perde la battaglia rispetto a melodie e linee vocali; ci piace anche la scelta sonora, pacata e dark che ci rimanda all’ultimo periodo dei Queensrÿche con Geoff Tate (esempio: American Soldier) dove riff e batteria compivano un passo indietro a vantaggio di qualcosa di più commestibile, un po’ per tutti. Se l’ambivalenza tra rock e ricerca melodica può essere la caratteristica positiva della musica targata Rhumornero, quella negativa a parer nostro è da rintracciare nell’incedere estremamente lento di alcune tracce (come Spiriti) che attenua l’interesse e probabilmente anche la presa in sede live. Noi preferiamo sicuramente i momenti più decisi come Quanto Avevo Paranoia.

Poco da aggiungere per quanto riguarda gli argomenti trattati, che descrivono quasi sempre la stoltezza della nostra società, temi quindi relativamente inflazionati. Poetica e oscurità sono l’ispirazione dei Rhumornero, elementi che possono conferire pathos alle loro esibizioni. Il nostro suggerimento è di puntare anche agli altri strumenti, magari attraverso un songwriting più ricercato in modo da valorizzare tutti gli aspetti della propria musica.

Pier Bernardi – Re-Birth

La domanda è: come vi immaginereste un album solista di un bassista? Atmosfere larghe, chitarra minimal, batteria con tempi molto impostati, assenza di parti vocali, ampio spazio alle linee di basso che continuano a cambiarsi casacca, tra strumento ritmico e contributo melodico. L’immaginazione spesso porta lontano ma altre volte con facilità indovina il copione senza leggerlo e non è un caso che il nuovo album del bassista Pier Bernardi suoni proprio così. Attenzione, non è questa una strada così obbligata visto che il basso è un strumento sminuito dai più ma che permette tantissime interpretazioni (chi ascolta Primus, Rush e Jaco Pastorius sa che c’è un abisso nel loro modo di intendere il quattro corde) e che non sempre lavori solisti di bass player devono seguire questa ricetta (si legga alla voce Mike LePond). Eppure Pier Bernardi lo fa, indossa la maglia del guitar hero di turno, concentra tutte le attenzioni sul proprio strumento, riduce di molto il contributo degli altri musicisti e crea un lavoro strumentale di pop rock da camera che cerca di mettere in luce i suoni bassi.

Con due particolarità però. La prima è che per fortuna Pier non colloca i tecnicismi al centro dell’attenzione; certo qualche volta la tentazione è troppo forte (Bus Your Hand), ma Pier sa troppo bene la multiformità del proprio strumento e in While You Are Sleeping lo dimostra. La seconda è che si contorna di grandi musicisti, nomi altisonanti che avrebbero potuto sicuramente apportare contributi più di valore. Un esempio? Little Square Of Miracles: un buon pezzo, ben prodotto, che coinvolge l’ascoltatore ma se lo scomponessimo nei singoli strumenti troveremo ben poco oltre il basso. In Grace c’è un buon tentativo di ragionare come band che viene espresso in alcuni intriganti arpeggi ma che non conquista mai davvero concretezza; in Blonde Noise appare una certa musicalità, un tappeto di synth che crea una buona cornice affinché diversi suoni possano trovare la giusta collocazione. Nel complesso Re-Birth non è un cattivo album, la produzione è di alto livello e i brani sono atmosfericamente coinvolgimenti ma da musicisti di questa caratura ci si aspetterebbe di più. Innanzitutto un lavoro di una band nel suo complesso.