Acid Brew – Acid Brew

Gli Acid Brew nascono a dire il vero come Sham Rock nell’ottobre del 2010 a San Giovanni Bianco, comune con meno di 5.000 abitanti situato in Val Brembana, circa 30 chilometri a nord dal capoluogo orobico, Bergamo. Nel 2012 cambiano nome e diventano The Shams. A fine del 2014 dopo più di due anni passati freneticamente nell’attività concertistica, il gruppo si ferma per concentrarsi nella realizzazione di un proprio album, rigorosamente in lingua inglese, niente cover ma brani scritti in perfetta armonia dalla band stessa che all’uscita del disco si ribattezza nuovamente e definitivamente in Acid Brew. E’ dunque questo il primo album omonimo, d’esordio e di inediti per la band bergamasca Acid Brew, quintetto di blues rock e funk music che ha scritto, arrangiato, prodotto e pubblicato questo primo e genuino sforzo discografico sicuramente da elogiare in quanto del tutto autoprodotto, ben pensato e felicemente elaborato. Il sound risulta volutamente un po’ retrò proprio per esaltare i suoni tanto cari di certo soul e rhythm and blues anni ’60 e ’70. La chitarra di Stefano Carminati ed i suoi riff si distinguono e spiccano in ogni brano ma è la robusta sezione ritmica con basso e batteria a tenere il tempo anche se con arrangiamenti più moderni che strizzano l’occhio a certo funk mentre invece le tastiere di Davide Gamba arricchiscono l’ensemble grazie all’uso prevalentemente dell’organo hammond.

Nove tracce in inglese dove al fianco di certe tematiche care al blues e al rock’n’roll emerge un funk e R&B aggiornato ai nostri giorni. Gli Acid Brew (letteralmente significa “birra acida”) convincono decisamente per la bontà dei loro ritmi e dei loro suoni ma anche i testi risultano convincenti con la tendenza ad affrontare tematiche sociali come la guerra e la violenza trattati in Hard Times. In Sexual Desire e Will You Marry me si passa dal sesso all’amore mentre in Bigger Than Me gli Acid Brew affrontano il delicato concetto soprannaturale di credo e di fede. Sinful Souls (“anime peccaminose”) si parla della tendenza assai frequente di giudicare con leggerezza e superficialità il nostro prossimo. In aggiunta la band, ma solo ed esclusivamente per le registrazioni in studio del disco, ha usato una sezione fiati con Joe La Viola al sax in Bigger Than Me e Sinful Souls, Francesco Panico alla tromba in due canzoni, Dario Baldacchini al sax in due pezzi, Riccardo Gervasoni al trombone in Along The Riverside e Together e ai cori Laura Danelli, Sarah Nava, Mara Gavazzi, Davide Fidanza e Paolo Filippi.

Arrembi (R&B) ed un suono ruffiano che ricorda le Pietre Rotolanti (The Rolling Stones) e certo rock inglese ma per fortuna senza tanti fronzoli. La voce del cantante è da ragazzino ma è a suo agio con l’inglese anche se non di lingua madre. I cori sono forse un po’ troppo semplicistici e cantilenanti ma il suono della chitarra è estremamente pulito così come piace l’uso non ossessivo ma basilare delle tastiere ossia organo, pianola, hammond. Spiccano e piacciono particolarmente Will You Marry me dal ritmo coinvolgente, la semi-acustica Yellow Noon che ricorda i migliori Kinks degli anni ’60 e la sorniona Bigger Than Me con un sax e la pianola in evidenza. Il disco indubbiamente viene promosso ma mi permetto di auspicare nel futuro degli Acid Brew una maggiore padronanza, più cattiveria e più incisività così da raggiungere il top.

The Blue Poets – The Blue Poets

Quando il delta dell’Elba diventa il delta del Mississipi: in una frase questo è The Blue Poets. Marcus Deml, chitarrista con un pedegree pazzesco (studente e docente del Musician Institute di L.A. – tanto per intenderci scuola Paul Gilbert – nominato nel 2005 Guitar Hero dal fanzine chitarroso a stelle e striscie Guitar Player) fonda una nuova band che il cui album d’esordio è un devastante allagamento texano di blues elettrico sullo stesso stile di The Ballad Of John Henry di Joe Bonamassa. 11 tracce di puro elettroshock fenderiano di una classe e pulizia nell’esecuzione estreme. Alla matrice – che al quinto ascolto – è definitivamente un mix tra Stevie Ray e Gary Moore, si aggiunge un piccolo tocco fusion alla Steve Vai/Scott Henderson, il che non è una sorpresa (cercate il video della performance del 2005 di Marcus su GuitarPlayer.com e capirete perché) e si sente in molti assoli e non solo nella chitarra, ma anche nel basso di Markus Setzer che esce meraviglioso, un po’ funky un po’ rock, un po’ fusion in Shallow Words e Won’t You Suffer. Dal video del 2005 Marcus non ha solo sostituito la coppola un po’ fusion con il cappello traveller da vero bluesman. Ha sperimentato con i The Blue Poets un nuovo genere e più che sperimentazione qui stiamo ascoltando il vero e proprio risultato di un patto con il diavolo fatto in un incrocio dell’Alabama. La risata un po’ cupa e un po’ blue in Goodbye vuole forse ricordarci il ghigno di Lucifero che dona il blues come nelle leggende di Robert Johnson tramandate da padre in figlio tra Louisiana e Mississippi?

Il tocco blues non è solo nell’accarezzata delle 6 corde della Stratocaster bruciata, il blues e la sofferenza del blues sta nella bella voce di Gordon Gray, pulitissima negli stop and go, carica di sofferenza e intensità nella ballatona With Your Eyes e piena di energia in pezzi decisamente rock come Too High. Belzeblues a parte, non è però una mera rivisitazione di Stevie Ray in chiave 2000, in tutte le tracce c’è un tocco fusion e a tratti un po’ funky del basso di Markus Setzer e la potenza animalesca rock della batteria di Felix Dehml. La ritmica segue eccelsamente e non è adombrata dall’estasi chitarristica, anzi ne è esaltata e la prova diabolica in chiave di blues sta nella track centrale, rivisitazione ben riuscita del superclassico di Mr Slowhand e dei Cream. La Sunshine Of Your Love dei Poeti è essa stessa rivestita di nuova poetica, dove tutti gli strumenti (voce compresa) hanno il loro spazio e si equilibrano in un’estasi medianica che rompe il muro del suono. The Blue Poets non sono solo dei tecniconi (non c’è trucco e non c’è inganno: album registrato completamente in analogico), sono dei menestrelli erranti che risalgono il delta dell’Elba con in spalla la propria chitarra e le loro storie di amori tristi e infranti (Goodbye, Sad, Sad, Sad) e vite sofferte nel blues (It’s About Time) esattamente come un tempo John Lee e Robert Johnson risalivano il Mississippi raccontando le loro storie.

Siamo di fronte a una lega anseatica del blues? Speriamo di sì, e speriamo che la lega estenda il suo dominio live al di fuori delle terre teutoniche anche perché The Blue Poets è senza ombra di dubbio uno tsunami blues che vale la pena ascoltare.

Joe Bonamassa – So, It’s Like That

Oggi vi parliamo di quello che può essere considerate il vero debut album del fenomenale chitarrista statunitense. Questo album, diversamente dal predecessore, è infatti composto da materiale completamente inedito e scritto da Bonamassa. Non stiamo quindi più ascoltando delle riproposizioni o delle cover ma dei brani nuovi che, spoiler alert, vi lasceranno il sorriso sul viso… quando non sarete impegnati a cantarli! Fatemi spendere due righe per introdurre questo poliedrico artista che ha conquistato una notevole fama come virtuoso delle sei corde ma che ancora non gode della fama che meriterebbe. Per dare delle coordinate a chi ancora non lo conoscesse potremmo paragonarlo all’Eric Clapton degli anni ’70. Non tanto per il genere proposto, che a distanza di oltre 40 anni ovviamente è differente, ma per il livello di innovazione che introduce nel suo genere: rock blues. L’opener del disco è My Mistake brano articolato che strizza l’occhio all’altrnative rock più melodico ma con una classe e un gusto davvero rari. La scena viene presto rubata dalla lodevole intro di Lie #1 altro brano chiaramente rock dove è la melodia trascinante a farla da padrona… e attenzione al solo! A seguire No Slack il primo dei brani più sofferti e cadenzati di questo album. Non è lento comunque, più che altro è ipnotico il suono effettato della chitarra che rimane protagonista anche nella successiva Unbroken caratterizzata da stop & go e da sonorità da applauso. Non a caso ci sono orde di chitarristi indemoniati che cercano di riprodurre il sound di Joe.

Ultimi 30 secondi da cardiopalma prima di So, It’s Like That con cui si torna al blues, e alla grande. Questo è il terreno di caccia preferito di Bonamassa, che infatti non lo ha mai negato e si sente. Semplicemente imperdibile il solo. Resta il rammarico che il brano duri troppo poco. E così siamo arrivati al momento più lento e introspettivo dell’album con Waiting For Me che non rinuncia comunque ad un certo mordente e con Never Say Goodbye che ci delizia con l’alternanza tra parti cadenzate e altre decisamente più vivaci. Mountain Time si distingue soprattutto per il bellissimo attacco della band sopra la chitarra acustica iniziale. Un pezzo veramente riuscito anche se è con i successivi due brani che si tocca il vertice di questo album. Iniziamo con Pain And Sorrow dall’intro fantastico e dal pazzesco riff iniziale. I suoni sono un mix di classico e moderno che piace davvero e la struttura del brano è arzigogolata come i numerosi solo che si susseguono per tutto il pezzo: definirlo sperimentale sarebbe riduttivo. Qui in 10 minuti si spazia tra rock e blues con qualche deviazione nel territorio proprio del jazz. Si torna al rock d’autore con Takin’ The Hit che porta in dote un grande riff, un gran tiro e nuovamente un solo spettacolare in cui la chitarra di Joe sembra davvero cantare.

Non fa calare il ritmo la successiva Under The Radar che picchia forte dalle parti del miglior rock melodico ma, attenzione, senza rinunciare ad un pizzico di cattiveria. Stesso discorso per Sick In Love pregevolissimo pezzo dal groove molto interessante e dal ritmo tormentato. Sempre in evidenza l’ispiratissimo assolo ma più canonica la struttura del brano. Chiude questo brillante album la struggente e di nuovo movimentata The Hard Way che di nuovo fonde momenti da luci soffuse con un riffing graffiante e dei crescendo emozionanti. E quando pensate che il brano sia finito… dopo alcuni secondi di silenzio ecco una specie di bonus track. Cadenzata, mutevole, inaspettata e nuovamente ipnotica ci accompagna alla vera fine del lavoro lasciandoci in bocca il sapore di un suono magico come non ne sentivamo da tempo.

Quello che non finirà mai di stupire di questo artista sono i suoni. Descrivere a parole qualcosa che si può solo ascoltare è sempre difficile ma dovendo fare una proporzione azzardata direi che Bonamassa sta al blues come Satriani sta al metal. Insomma, forte di un tocco pulitissimo Joe Bonamassa ci regala delle sonorità che spaziano dal classico blues all’hard rock ma personalizzate da una liquidità e da una pasta ancora inedite. Grande lavoro insomma e debutto da incorniciare con promozione a pieni voti anche alla voce composizione. Consigliatissimo anzi imperdibile.

The Lu Silver String Band – The Soul Comes Back to Boogie

Rivoluzionario, innovativo, stravagante… piatto, scialbo, monotono… brutale, raffazzonato, scadente… ecco tutto quello che NON è questo disco. Ora parliamo di cosa invece troverete nell’ultima fatica di Lu Silver: un solido rock old-style a cavallo tra il country, il blues e, indovinate un po’, il boogie. Ma se state pensando che questo sia sinonimo di noia o di “già sentito” vi state sbagliando perché questo CD invece è frizzante, ben realizzato, squisitamente suonato nonché arricchito da pregevoli arrangiamenti di hammond e mellotron. Non manca nemmeno la cover d’ordinanza, in questo caso l’interpretazione di On The Way Home di Neil Young. Quindi c’è proprio tutto per tre quarti d’ora abbondanti di divertimento spensierato con l’aggiunta di qualche momento più malinconico e riflessivo. Sono questi gli stati d’animo e i valori su cui vertono ovviamente anche i testi, riconducibili alla più classica delle tradizioni rock blues, e opportunamente forniti con il disco nell’apposito libretto, per altro ottimamente realizzato e completo.

Niente sonorità moderne dunque per questo lavoro che ha in gruppi del blasone di Yarbirds, Lynyrd Skynyrd e Jeff Beck Group la sua stella polare. Composizione invece moderna e piuttosto strutturata per tutti gli undici brani originali e inediti di questa prova che si distingue anche per la buona tecnica esecutiva. Sebbene infatti si possa sentire la mancanza di qualche assolo e dei relativi virtuosismi, bisogna notare che queste dodici tracce sono comunque molto ben suonate e hanno il grande pregio di arrivare al cuore, ovvero esattamente dove vogliono, poiché i loro massimi pregi sono l’espressività e l’immediatezza. Gran gusto e una buona dose di classe insomma per questa prova solista del talentuoso Lu Silver reduce dall’abbandono del suo storico progetto Small Jackets. Ottima anche la produzione tutta made in Italy che riesce spesso a dare quella scintilla di chiarezza e spontaneità che ulteriormente contribuisce a centrare il bersaglio. Consigliato quindi a tutti quelli che non amano le sonorità estreme, che non gradiscono lambiccarsi il cervello per cavare le gambe dalla palude di contenuti ultra-impegnativi e, più di tutto, a coloro che amano questo genere.

Insomma se dovessi scegliere una sola parola per definire questo disco direi: bello. Un aggettivo scelto non a caso ma per la sua forte connotazione positiva, per essere anche semplice a facilmente comprensibile da chiunque, per essere breve e immediato e perché nella sua banalità è una parola di cui non possiamo proprio fare a meno… proprio come questo disco.

Fargo – Invisible Violence

La tecnica si forgia con l’esperienza. L’esperienza fa maturare l’uomo e la sua scena. La maturità che forse si raggiunge farà grande l’arte che hai di dentro. Maturità. Parola d’ordine e codice segreto per iniziare a parlare di quanto e di come è racchiusa tutta la musica di questo disco. Ora, per quei pochi o tanti che seguono le mie piccole review su RockGarage potrebbero fare un bel confronto sui tanti dischi che ho (degnamente o indegnamente) massacrato e questo. Probabilmente si avrebbe l’impatto immediato in termini concreti di tutto quello che nel mio piccolo sostengo ogni volta. Maturità. Questo terzo disco di Fargo che si intitola Invisibile Violence è un bellissimo e normalissimo rock di strada da grandi route americane tirato via dalle ispirazioni e dai cliché più semplici ma che alla fine hanno scritto pagine e pagine di storie. Guardacaso…Dalle ballad di Bruce Springsteen ai viaggi di un certo periodo dei Bad Company fino al commercio in larga scala dei Bon Jovi e compagnia cantando che la lista è lunga. Il tutto senza perdere dignità nel confronto e reggendo la sfida con estremo gusto e mestiere. Vince Fargo.

Vince questo disco quando sento suoni puliti anche nella ruggine che fanno mostra di avere, negli arrangiamenti che finalmente arrivano a dimostrare che non servono virtuosismi per inseguire il bello…ma quanto più arduo è restituire il bello attraverso la naturalezza di qualcosa di semplice? Fatelo invece di inventare scuse mascherandole dietro a chissà quale ispirazione filosofica di estrazione tibetana. E infine vince perché Fargo restituisce al suo genere personalità e mestiere senza inventare altro che la propria musica. Finalmente un disco che non insegue orpelli di chissà quale invenzione mai inventata, finalmente un disco che quando entra la batteria non suda sette camice nel percuote anche i tom che non esistono ma lo fa senza troppi giri di parole e con suoni coerenti…guarda caso è proprio quello che accade nei grandi dischi. Tutti. Prog compreso (con le dovute differenze di linguaggio).

Vince Fargo perché quando vuol citare i Noire Desir impolvera il suo rock di quella sabbia e quel blues che un po’ ci vuole e un po’ gli piace…e un altro po’ gli si addice per la timbrica vocale che trovo assolutamente imbattibile nei registri bassi e nelle melodie meno costrette nel periodo. Vince Fargo perché è un uomo divenuto artista coerente. Ok, tiriamo fuori qualche neo…avverto appena della “monotonia” (misurabile solo con strumenti di precisione) per un disco rock di 8 inediti tutti ugualmente interpretati, stesso backline e stesso dizionario. Magari di quando in quando avrei voluto godere l’ebbrezza di un fuori pista a sorpresa…Ho atteso la ballad acustica da ascoltare al tramonto o alla fine di una giornata…

Slowmother – Chemical Blues

Gli Slowmother ci avevano già colpiti con il loro EP d’esordio (recensito da noi a questa pagina) e da poco tornano sulla scena rock con Chemical Blues un album vero e proprio, in cui la maturità (almeno quella musicale) del combo si può toccare con mano. Gli Slowmother sono come una torta fatta a strati in cui ciascun piano ha un sapore diverso: a vederli a primo acchitto danno l’idea di un power trio grezzo, sudicio rock’n’roll fatto di sudore e attitudine; poi si passa ad ascoltare il loro sound e si intravede una natura elettrica e per certi versi raffinata, tutt’altro che istintiva (come nella titletrack che presenta un lungo intermezzo strumentale dalle tinte multiformi); infine prestando attenzione si possono collocare direttamente accanto a molte indie rock band inglesi. Su quest’ultima visione i ragazzi sembrano adagiarsi più spontanemente, infatti già alcune influenze si percepivano nella precedente omonima uscita e anche qui gli effetti applicati alla voce e alla chitarra creano quel tipico mood “rock britannico” che si è fatto spazio (circa una decina di anni fa) tra le classifiche di tutto il mondo. Ma gli Slowmother non sono solo questo visto che in Mr. Whoo Hoo Yeah collocano un rock blues in stile ZZ Top incluso l’affascinante assolo, un blues che viene riopzionato in The City Of Taste, un pezzo dal sapore fortemente settantiano e in 20 Years.

Quindi niente piede fisso sull’acceleratore, gli Slowmother si concentrano su chitarra e voce e creano delle buone colonne portanti, melodie ma con un spirito cattivo, il tutto condito da una sezione ritmica che gioca ottimamente la propria partita. In alcuni frangenti perdono un po’ mordente, come in Outlaw o in My Grave in cui scompare quasi tutta la loro attitudine, ma in altri passaggi, come Liar, tengono alta la bandiera del rock e si elevano a realtà valida ben oltre i confini nazionali. Seppur l’indie rock, inteso nella sua accezione UK, sembra essere passato di moda, noi premiamo gli Slowmother che realizzano un album ben pensato e ben suonato dimostrando di fregarsene delle mode e di concentrarsi solo sul proprio stile.

The Great Corporation – The Great Corporation

Il progetto The Great Corporation è nuovo ma per nulla acerbo, anzi ascoltando la loro musica lo potremo definire elegante. Si sentono le influenze anni 70 (non solo per alcune tastiere di sottofondo…anche il finale energico in stile Deep Purple di Brother lo conferma), si sente una centralità della sei corde con un’ottima doppia interpretazione, acustica ed elettrica, che regge l’intero cinema musicale del progetto. Vengono a galla il blues e si apre un piccolo scorcio verso la psichedelia con Dream, ennesima anima della band che si avvale di una voce davvero calda e suadente (ottima l’interpretazione in The Rain) e che per una volta non rappresenta l’ennesima ricerca melodica di una band che intende solo avere più facilità a cercare date live. Arte ed eleganza si ripetono in questo film dal titolo The Great Corporation, può sembrare esagerato per un EP di soli 6 brani ma noi lo percepiamo nel loro approccio, nella loro anima perché è uno stile prima che un effetto o una coppia di note.

Un po’ di adrenalina arriva con Perfect Life che presenta dei riff più tirati e ci riporta alle sonorità rock blues del passato, altra caratteristica onnipresente sotto la loro cute e un rock d’autore che esce anche in Song #3, nella sua ambientazione, nei suoi arrangiamenti. Un ottimo lavoro.

Staticland – Staticland

Dietro il progetto Staticland c’è Jeff Angell, noto musicista di Seattle che al di là dei vari progetti ha riscosso un certo consenso con i Walking Papers, formazione che vedeva attivi in line-up anche Duff McKagan (Guns N’ Roses), nei ritagli di tempo dai suoi Loaded, e Mike McCready dei Pearl Jam. Adesso per i Walking Papers è tempo di attesa (vista la reuniono dei Guns, seppur anch’essa scombussolata dalla collaborazione di Axel con gli AC/DC di cui abbiamo parlato a questa pagina) e Jeff si dedica ad un suo progetto che chiama Staticland, uscito da poco con il relativo lavoro omonimo e pronto a salire sul palco del Gods Of Metal in Italia. Le radici non mentono e il suo incedere blues che da sempre Jeff ha inserito nelle sue esperienze musicali (Post Stardom Depression, The Missionary Position) esce fuori anche negli Staticland, un blues fatto principalmente di rock e non solo di pentatonica intesa nelle sue tante varianti. Così confeziona un album con innumerevoli potenziali singoli, un prodotto discografico che l’UDR non si fa sfuggire e che alterna marce ammalianti e novantiane (capaci di appassionare i fan degli Stereophonics) ed altre che si avvicinano maggiormente alla carica energica del rock.

Nel primo gruppo possiamo annoverare The Edge, la purpliana (periodo blues) Nola, High Score con le sue chitarre flanger e I’ll Find You che dà una carezza al sound targato U2. I brani invece più energici da segnalare sono sicuramente Never Look Back, che si presenta come un grido unanime di una generazione, Phantom Limb, potenziale hit per le radio di mezzo mondo e Tomorrow’s Chore che con i suoi riff stoppati e gli effetti vocali richiama alcune gemme a nome Lenny Kravitz (meno da classifica). Al centro si collocano altri momenti come la lunga ed intima Band-Aid On A Bullet Hole e il suo portentoso assolo, o la ballad dylaniana The World Is Gonna Win. In generale un album interessante per gli appassionati di blues ma anche di classic rock. Vedremo come suonerà dal vivo, in mezzo ai grandi colossi del metal.

Riverweed – Full Moon

Il fenomeno dei duo project cresce anno dopo anno, mese dopo mese. Il 2015 è l’anno in cui i Riverweed escono allo scoperto e si fanno conoscere con il loro EP dal titolo Full Moon. Le sei tracce incluse presentano senza dubbi il sound che i due musicisti hanno creato: siamo nel rock viscerale, quasi completamente incentrato sul suono della sei corde, adulterato ad opera d’arte per cercare di coprire la mancanza di altri strumenti melodici. In questo i BSBE hanno sicuramente fatto scuola, ma nei Riverweed c’è una minore dose di irruenza: Manipulate Me ad esempio dimostra di voler puntare comunque alle melodie e piazza un intermezzo che forse stona un po’ con le sonorità ruvide della chitarra, potrebbe infatti assumere delle sembianze più morbide. La grinta comunque c’è, così come i rimandi al blues (qualcuno non tanto sano ci potrebbe vedere del bluegrass), anche se il mood sembra più forte nelle prime tracce tanto che Barefoot Blues e Homo Sapiens sono entrambe incentrate su dei colpi più stoppati. Il riff invece di Tank è rotondo, sa di Rolling Stones ed è pronto ad affascinare gli amanti della musica made in Mississippi.

Nel corso dell’ascolto sembra di sentire qualcosa alla The Cyborgs, giusto per chiamare in causa un altro duo project, ma in realtà l’approccio dei Riverweed resta comunque meno scenico (e privo di boogie) e più grezzo. Da approfondire sulla lunga distanza.

Frank Get – Rough Man

Il rocker triestino Franco Ghietti, in arte Frank Get, nome da lui astutamente scelto perché il suo cognome è impronunciabile all’estero, è sulle scene da più di trent’anni, tutti spesi suonando in giro per il mondo. Frank Get è salito sul palco per la prima volta nel 1979 e da allora non ha più smesso. Un artista capace di coniugare il rock nelle sue molteplici sfaccettature, senza mai dimenticare le proprie origini e la propria storia. Le sue maggiori influenze, decisamente rock, sono state Bob Seger, Bruce Springsteen, Creedence Clearwater Revival, Rolling Stones, Beatles e tanti altri. Dal punto di vista delle incisioni vanta una lunga discografia con ben 13 album al suo attivo: dal 1993 al 1997 con 4 LP come Frank Get & The East Tornado, tre album come bassista e cantante del gruppo triestino Sottofalsonome (dal 2000 al 2007), un disco con i No Stress Brothers una blues band austriaca, due come Tex Mex un blues combo, uno come Ressell Brothers nel 2014 e per finire con Hard Blues (Thunder Studios TS) del 2009 e Rough Man del 2015 a suo nome. Negli anni ha collaborato con numerosi artisti internazionali quali Tom Principato, Willie Nile, Joe D’Urso, Graziano Romani, il sassofonista James Thompson, l’ottimo cantante e chitarrista triestino come lui, Mike Sponza, la cantante Anna Lauvergnac, Jesse Malin, Derek Wilson, Israel Nash Gripka, Raphael Wressnig e molti altri ancora. Nel 2012 ha partecipato ad una manifestazione come il Light Of Day, un festival benefico itinerante organizzato dalla Light Of Day Foundation, una fondazione voluta dal manager discografico Bob Benjamin, da suo fratello e da Tony Pallagrosi. Una serie di concerti annuali voluti e sponsorizzati dallo stesso Bruce Springsteen per raccogliere fondi a favore della ricerca per combattere la malattia del Parkinson, diventato in pochi anni un autentico evento mondiale che tocca tante città in tanti Paesi e in particolare nell’America del Nord e in Europa.

Il nome Light Of Day proviene dall’omonimo brano di Bruce Springsteen che ha dato il titolo al film del 1987 La Luce Del Giorno, regia di Paul Schrader (1987) con protagonista Michael J. Fox. L’iniziativa invece risale alla festa svoltasi la prima volta nel 1998 al Downtown Café di Red Bank per il quarantesimo compleanno del manager discografico Bob Benjamin ammalato da circa due anni di Parkinson, una occasione speciale in cui vennero raccolti fondi in suo favore. Nel 1991, al protagonista del film Light of day l’attore canadese Michael J. Fox è stata diagnosticata la stessa malattia, da lui rivelata soltanto nel 1998 e nel 2003 è salito con loro sul palco. Frank Get aveva già suonato per il Light Of Day assieme a Willie Nile, Joe D’Urso, James Maddock, Graziano Romani, Jesse Malin, Israel Nash Gripka, dopodiché è rimasto in contatto con Joe D’Urso, organizzatore dell’evento, e nel 2014 ha suonato con lui a un private party. Dopo un paio di mesi gli è arrivata l’occasione di una vita, ovvero la proposta per fare un set acustico durante la settimana conclusiva, allo Stone Pony ad Ashbury Park, nel New Jersey e per la precisione il 16 gennaio del 2015. Lo Stone Pony e la cittadina di Ashbury Park sono diventati luoghi leggendari per tutti e in particolar modo per gli springsteeniani, dove Bruce, il Boss, ha iniziato la sua brillantissima carriera. Spesso durante il Light Of Day di Asbury Park, ti può capitare di dividere il palco con artisti importanti tra cui ne citiamo soltanto alcuni come Willie Nile, Garland Jeffreys, Joe Grushecky And The Houserockers, Alexandro Escovedo, James Maddock e lo stesso Bruce Springsteen.

Rough Man, (uomo ruvido) un piacevolissimo viaggio attraverso la sua storia a ritmo di rock, è composto, suonato e prodotto da Frank Get ed è stato pubblicato nell’ottobre 2015. 18 brani di cui ben 16 sue composizioni e due splendide cover: Mixed Up Shook Up Girl tratta dal primo album Cabretta del 1977 inciso come Mink De Ville da Willy De Ville e la sua band e Pancho And Lefty del texano Townes Van Zandt, purtroppo entrambi fenomenali e compianti artisti di cui si sente la loro gravissima mancanza ma che ci hanno lasciato canzoni irraggiungibili ed eterne. Rough Man è fortemente ispirato alle sue terre, a Trieste e all’Istria ma giustamente Frank Get si ritiene un cittadino del mondo avendo radici istriane, slave, ungheresi e piemontesi ed un passato da rocker che lo catapultano nel rock americano, a stelle e a strisce. Alcune canzoni sono autobiografiche, nei testi, storie di cui la sua famiglia è stata testimone o protagonista diretta. Frank Get attraverso il linguaggio della musica racconta le tante radici della sua famiglia. Barbed Wire è la tragedia di abbandonare la propria casa, le proprie radici, gli amici mentre Mine Disaster racconta della tragica esplosione nella miniera di Arsia in Istria il 28 febbraio 1940 in cui morirono 185 lavoratori e ci furono circa 150 intossicati. In A Heartbeat è un brano al centro delle numerose ed alterne vicende di Trieste, dove furono succubi per tanto tempo di numerosi cambi di governo o di occupazioni militari mentre Destination Nowhere narra la vicenda del nonno di Frank Get, maresciallo alla sussistenza che dopo la disfatta di Caporetto riuscì ad assicurare il cibo ai numerosi commilitoni nonostante la sconfitta ed il caos regnante.

Buffalo Bill (all’anagrafe William Frederick Cody) è una canzone curiosa ricordando la venuta del leggendario ed epico attore, cacciatore, esploratore, soldato ed impresario teatrale Buffalo Bill (1846-1917) che venne anche in Italia nel 1906 con il suo spettacolo Buffalo Bill’s Wild West, uno show avventuroso ed assai scenografico a cui partecipavano veri cowboy e pellerossa! Joseph’s Dream è dedicata invece a Joseph (Josef) Ressel, un inventore ceco nato in Boemia da padre tedesco e madre ceca, famoso per il suo programma di rimboschimento nelle terre meridionali dell’impero che salvò il patrimonio forestale delle Alpi Orientali e del Carso. Josef Ressel si trasferì nel 1820 nel sud dell’impero austro-ungarico e visse tra Trieste e Montona (Istria) dove trovò anche moglie. Musicalmente parlando questo disco guarda al cantautorato americano, a nuovi artisti come James Maddock, a Guy Davis bluesman, chitarrista e banjoista ed alcuni pilastri come Ray Charles, Bob Dylan, Townes Van Zandt e Willy De Ville o all’irlandese Van Morrison. 18 motivi davvero affascinanti dove melodia, armonia, sonorità e contrappunto sono in agguato. Rough Man con 16 motivi di sua composizione e soltanto due importanti cover è ben articolato e ricco di ballate. Piacciono particolarmente Joseph’s Dream e Lost Land Blues con la chitarra acustica e l’armonica in evidenza mentre Misty Valley è decisamente rock. Insolita Selsame Lament con tanto di banjo a tessere la trama mentre Wanderlust sembra uscire dalla chitarra di Mark Knopfler e dei Dire Straits con suoni vellutati. Chain Reaction è decisamente un rock’n’roll pulsante ed energico dove si sprecano i riff chitarristici.

Frank Get se la cava bene negli arrangiamenti e nella riedizione di Mixed Up Shook Up Girl di Willy De Ville (1950-2009) nota per l’iniziale arpeggio di chitarra ed un brano capolavoro del noto artista americano e in Pancho And Lefty di Townes Van Zandt. Sarebbe ora di scoprire, ammirare, valorizzare e seguire un rocker come Frank Get, un italiano innamorato delle proprie radici culturali ma vigile al rock classico americano di cui è particolarmente influenzato ed i risultati sono sicuramente eccellenti. Un disco ben riuscito dove il rock e il blues si dividono momenti di condivisione e dove i testi si confermano illuminanti ed ispirati.