The Lu Silver String Band – The Soul Comes Back to Boogie

Rivoluzionario, innovativo, stravagante… piatto, scialbo, monotono… brutale, raffazzonato, scadente… ecco tutto quello che NON è questo disco. Ora parliamo di cosa invece troverete nell’ultima fatica di Lu Silver: un solido rock old-style a cavallo tra il country, il blues e, indovinate un po’, il boogie. Ma se state pensando che questo sia sinonimo di noia o di “già sentito” vi state sbagliando perché questo CD invece è frizzante, ben realizzato, squisitamente suonato nonché arricchito da pregevoli arrangiamenti di hammond e mellotron. Non manca nemmeno la cover d’ordinanza, in questo caso l’interpretazione di On The Way Home di Neil Young. Quindi c’è proprio tutto per tre quarti d’ora abbondanti di divertimento spensierato con l’aggiunta di qualche momento più malinconico e riflessivo. Sono questi gli stati d’animo e i valori su cui vertono ovviamente anche i testi, riconducibili alla più classica delle tradizioni rock blues, e opportunamente forniti con il disco nell’apposito libretto, per altro ottimamente realizzato e completo.

Niente sonorità moderne dunque per questo lavoro che ha in gruppi del blasone di Yarbirds, Lynyrd Skynyrd e Jeff Beck Group la sua stella polare. Composizione invece moderna e piuttosto strutturata per tutti gli undici brani originali e inediti di questa prova che si distingue anche per la buona tecnica esecutiva. Sebbene infatti si possa sentire la mancanza di qualche assolo e dei relativi virtuosismi, bisogna notare che queste dodici tracce sono comunque molto ben suonate e hanno il grande pregio di arrivare al cuore, ovvero esattamente dove vogliono, poiché i loro massimi pregi sono l’espressività e l’immediatezza. Gran gusto e una buona dose di classe insomma per questa prova solista del talentuoso Lu Silver reduce dall’abbandono del suo storico progetto Small Jackets. Ottima anche la produzione tutta made in Italy che riesce spesso a dare quella scintilla di chiarezza e spontaneità che ulteriormente contribuisce a centrare il bersaglio. Consigliato quindi a tutti quelli che non amano le sonorità estreme, che non gradiscono lambiccarsi il cervello per cavare le gambe dalla palude di contenuti ultra-impegnativi e, più di tutto, a coloro che amano questo genere.

Insomma se dovessi scegliere una sola parola per definire questo disco direi: bello. Un aggettivo scelto non a caso ma per la sua forte connotazione positiva, per essere anche semplice a facilmente comprensibile da chiunque, per essere breve e immediato e perché nella sua banalità è una parola di cui non possiamo proprio fare a meno… proprio come questo disco.

Fargo – Invisible Violence

La tecnica si forgia con l’esperienza. L’esperienza fa maturare l’uomo e la sua scena. La maturità che forse si raggiunge farà grande l’arte che hai di dentro. Maturità. Parola d’ordine e codice segreto per iniziare a parlare di quanto e di come è racchiusa tutta la musica di questo disco. Ora, per quei pochi o tanti che seguono le mie piccole review su RockGarage potrebbero fare un bel confronto sui tanti dischi che ho (degnamente o indegnamente) massacrato e questo. Probabilmente si avrebbe l’impatto immediato in termini concreti di tutto quello che nel mio piccolo sostengo ogni volta. Maturità. Questo terzo disco di Fargo che si intitola Invisibile Violence è un bellissimo e normalissimo rock di strada da grandi route americane tirato via dalle ispirazioni e dai cliché più semplici ma che alla fine hanno scritto pagine e pagine di storie. Guardacaso…Dalle ballad di Bruce Springsteen ai viaggi di un certo periodo dei Bad Company fino al commercio in larga scala dei Bon Jovi e compagnia cantando che la lista è lunga. Il tutto senza perdere dignità nel confronto e reggendo la sfida con estremo gusto e mestiere. Vince Fargo.

Vince questo disco quando sento suoni puliti anche nella ruggine che fanno mostra di avere, negli arrangiamenti che finalmente arrivano a dimostrare che non servono virtuosismi per inseguire il bello…ma quanto più arduo è restituire il bello attraverso la naturalezza di qualcosa di semplice? Fatelo invece di inventare scuse mascherandole dietro a chissà quale ispirazione filosofica di estrazione tibetana. E infine vince perché Fargo restituisce al suo genere personalità e mestiere senza inventare altro che la propria musica. Finalmente un disco che non insegue orpelli di chissà quale invenzione mai inventata, finalmente un disco che quando entra la batteria non suda sette camice nel percuote anche i tom che non esistono ma lo fa senza troppi giri di parole e con suoni coerenti…guarda caso è proprio quello che accade nei grandi dischi. Tutti. Prog compreso (con le dovute differenze di linguaggio).

Vince Fargo perché quando vuol citare i Noire Desir impolvera il suo rock di quella sabbia e quel blues che un po’ ci vuole e un po’ gli piace…e un altro po’ gli si addice per la timbrica vocale che trovo assolutamente imbattibile nei registri bassi e nelle melodie meno costrette nel periodo. Vince Fargo perché è un uomo divenuto artista coerente. Ok, tiriamo fuori qualche neo…avverto appena della “monotonia” (misurabile solo con strumenti di precisione) per un disco rock di 8 inediti tutti ugualmente interpretati, stesso backline e stesso dizionario. Magari di quando in quando avrei voluto godere l’ebbrezza di un fuori pista a sorpresa…Ho atteso la ballad acustica da ascoltare al tramonto o alla fine di una giornata…

Slowmother – Chemical Blues

Gli Slowmother ci avevano già colpiti con il loro EP d’esordio (recensito da noi a questa pagina) e da poco tornano sulla scena rock con Chemical Blues un album vero e proprio, in cui la maturità (almeno quella musicale) del combo si può toccare con mano. Gli Slowmother sono come una torta fatta a strati in cui ciascun piano ha un sapore diverso: a vederli a primo acchitto danno l’idea di un power trio grezzo, sudicio rock’n’roll fatto di sudore e attitudine; poi si passa ad ascoltare il loro sound e si intravede una natura elettrica e per certi versi raffinata, tutt’altro che istintiva (come nella titletrack che presenta un lungo intermezzo strumentale dalle tinte multiformi); infine prestando attenzione si possono collocare direttamente accanto a molte indie rock band inglesi. Su quest’ultima visione i ragazzi sembrano adagiarsi più spontanemente, infatti già alcune influenze si percepivano nella precedente omonima uscita e anche qui gli effetti applicati alla voce e alla chitarra creano quel tipico mood “rock britannico” che si è fatto spazio (circa una decina di anni fa) tra le classifiche di tutto il mondo. Ma gli Slowmother non sono solo questo visto che in Mr. Whoo Hoo Yeah collocano un rock blues in stile ZZ Top incluso l’affascinante assolo, un blues che viene riopzionato in The City Of Taste, un pezzo dal sapore fortemente settantiano e in 20 Years.

Quindi niente piede fisso sull’acceleratore, gli Slowmother si concentrano su chitarra e voce e creano delle buone colonne portanti, melodie ma con un spirito cattivo, il tutto condito da una sezione ritmica che gioca ottimamente la propria partita. In alcuni frangenti perdono un po’ mordente, come in Outlaw o in My Grave in cui scompare quasi tutta la loro attitudine, ma in altri passaggi, come Liar, tengono alta la bandiera del rock e si elevano a realtà valida ben oltre i confini nazionali. Seppur l’indie rock, inteso nella sua accezione UK, sembra essere passato di moda, noi premiamo gli Slowmother che realizzano un album ben pensato e ben suonato dimostrando di fregarsene delle mode e di concentrarsi solo sul proprio stile.

The Great Corporation – The Great Corporation

Il progetto The Great Corporation è nuovo ma per nulla acerbo, anzi ascoltando la loro musica lo potremo definire elegante. Si sentono le influenze anni 70 (non solo per alcune tastiere di sottofondo…anche il finale energico in stile Deep Purple di Brother lo conferma), si sente una centralità della sei corde con un’ottima doppia interpretazione, acustica ed elettrica, che regge l’intero cinema musicale del progetto. Vengono a galla il blues e si apre un piccolo scorcio verso la psichedelia con Dream, ennesima anima della band che si avvale di una voce davvero calda e suadente (ottima l’interpretazione in The Rain) e che per una volta non rappresenta l’ennesima ricerca melodica di una band che intende solo avere più facilità a cercare date live. Arte ed eleganza si ripetono in questo film dal titolo The Great Corporation, può sembrare esagerato per un EP di soli 6 brani ma noi lo percepiamo nel loro approccio, nella loro anima perché è uno stile prima che un effetto o una coppia di note.

Un po’ di adrenalina arriva con Perfect Life che presenta dei riff più tirati e ci riporta alle sonorità rock blues del passato, altra caratteristica onnipresente sotto la loro cute e un rock d’autore che esce anche in Song #3, nella sua ambientazione, nei suoi arrangiamenti. Un ottimo lavoro.

Staticland – Staticland

Dietro il progetto Staticland c’è Jeff Angell, noto musicista di Seattle che al di là dei vari progetti ha riscosso un certo consenso con i Walking Papers, formazione che vedeva attivi in line-up anche Duff McKagan (Guns N’ Roses), nei ritagli di tempo dai suoi Loaded, e Mike McCready dei Pearl Jam. Adesso per i Walking Papers è tempo di attesa (vista la reuniono dei Guns, seppur anch’essa scombussolata dalla collaborazione di Axel con gli AC/DC di cui abbiamo parlato a questa pagina) e Jeff si dedica ad un suo progetto che chiama Staticland, uscito da poco con il relativo lavoro omonimo e pronto a salire sul palco del Gods Of Metal in Italia. Le radici non mentono e il suo incedere blues che da sempre Jeff ha inserito nelle sue esperienze musicali (Post Stardom Depression, The Missionary Position) esce fuori anche negli Staticland, un blues fatto principalmente di rock e non solo di pentatonica intesa nelle sue tante varianti. Così confeziona un album con innumerevoli potenziali singoli, un prodotto discografico che l’UDR non si fa sfuggire e che alterna marce ammalianti e novantiane (capaci di appassionare i fan degli Stereophonics) ed altre che si avvicinano maggiormente alla carica energica del rock.

Nel primo gruppo possiamo annoverare The Edge, la purpliana (periodo blues) Nola, High Score con le sue chitarre flanger e I’ll Find You che dà una carezza al sound targato U2. I brani invece più energici da segnalare sono sicuramente Never Look Back, che si presenta come un grido unanime di una generazione, Phantom Limb, potenziale hit per le radio di mezzo mondo e Tomorrow’s Chore che con i suoi riff stoppati e gli effetti vocali richiama alcune gemme a nome Lenny Kravitz (meno da classifica). Al centro si collocano altri momenti come la lunga ed intima Band-Aid On A Bullet Hole e il suo portentoso assolo, o la ballad dylaniana The World Is Gonna Win. In generale un album interessante per gli appassionati di blues ma anche di classic rock. Vedremo come suonerà dal vivo, in mezzo ai grandi colossi del metal.

Riverweed – Full Moon

Il fenomeno dei duo project cresce anno dopo anno, mese dopo mese. Il 2015 è l’anno in cui i Riverweed escono allo scoperto e si fanno conoscere con il loro EP dal titolo Full Moon. Le sei tracce incluse presentano senza dubbi il sound che i due musicisti hanno creato: siamo nel rock viscerale, quasi completamente incentrato sul suono della sei corde, adulterato ad opera d’arte per cercare di coprire la mancanza di altri strumenti melodici. In questo i BSBE hanno sicuramente fatto scuola, ma nei Riverweed c’è una minore dose di irruenza: Manipulate Me ad esempio dimostra di voler puntare comunque alle melodie e piazza un intermezzo che forse stona un po’ con le sonorità ruvide della chitarra, potrebbe infatti assumere delle sembianze più morbide. La grinta comunque c’è, così come i rimandi al blues (qualcuno non tanto sano ci potrebbe vedere del bluegrass), anche se il mood sembra più forte nelle prime tracce tanto che Barefoot Blues e Homo Sapiens sono entrambe incentrate su dei colpi più stoppati. Il riff invece di Tank è rotondo, sa di Rolling Stones ed è pronto ad affascinare gli amanti della musica made in Mississippi.

Nel corso dell’ascolto sembra di sentire qualcosa alla The Cyborgs, giusto per chiamare in causa un altro duo project, ma in realtà l’approccio dei Riverweed resta comunque meno scenico (e privo di boogie) e più grezzo. Da approfondire sulla lunga distanza.

Frank Get – Rough Man

Il rocker triestino Franco Ghietti, in arte Frank Get, nome da lui astutamente scelto perché il suo cognome è impronunciabile all’estero, è sulle scene da più di trent’anni, tutti spesi suonando in giro per il mondo. Frank Get è salito sul palco per la prima volta nel 1979 e da allora non ha più smesso. Un artista capace di coniugare il rock nelle sue molteplici sfaccettature, senza mai dimenticare le proprie origini e la propria storia. Le sue maggiori influenze, decisamente rock, sono state Bob Seger, Bruce Springsteen, Creedence Clearwater Revival, Rolling Stones, Beatles e tanti altri. Dal punto di vista delle incisioni vanta una lunga discografia con ben 13 album al suo attivo: dal 1993 al 1997 con 4 LP come Frank Get & The East Tornado, tre album come bassista e cantante del gruppo triestino Sottofalsonome (dal 2000 al 2007), un disco con i No Stress Brothers una blues band austriaca, due come Tex Mex un blues combo, uno come Ressell Brothers nel 2014 e per finire con Hard Blues (Thunder Studios TS) del 2009 e Rough Man del 2015 a suo nome. Negli anni ha collaborato con numerosi artisti internazionali quali Tom Principato, Willie Nile, Joe D’Urso, Graziano Romani, il sassofonista James Thompson, l’ottimo cantante e chitarrista triestino come lui, Mike Sponza, la cantante Anna Lauvergnac, Jesse Malin, Derek Wilson, Israel Nash Gripka, Raphael Wressnig e molti altri ancora. Nel 2012 ha partecipato ad una manifestazione come il Light Of Day, un festival benefico itinerante organizzato dalla Light Of Day Foundation, una fondazione voluta dal manager discografico Bob Benjamin, da suo fratello e da Tony Pallagrosi. Una serie di concerti annuali voluti e sponsorizzati dallo stesso Bruce Springsteen per raccogliere fondi a favore della ricerca per combattere la malattia del Parkinson, diventato in pochi anni un autentico evento mondiale che tocca tante città in tanti Paesi e in particolare nell’America del Nord e in Europa.

Il nome Light Of Day proviene dall’omonimo brano di Bruce Springsteen che ha dato il titolo al film del 1987 La Luce Del Giorno, regia di Paul Schrader (1987) con protagonista Michael J. Fox. L’iniziativa invece risale alla festa svoltasi la prima volta nel 1998 al Downtown Café di Red Bank per il quarantesimo compleanno del manager discografico Bob Benjamin ammalato da circa due anni di Parkinson, una occasione speciale in cui vennero raccolti fondi in suo favore. Nel 1991, al protagonista del film Light of day l’attore canadese Michael J. Fox è stata diagnosticata la stessa malattia, da lui rivelata soltanto nel 1998 e nel 2003 è salito con loro sul palco. Frank Get aveva già suonato per il Light Of Day assieme a Willie Nile, Joe D’Urso, James Maddock, Graziano Romani, Jesse Malin, Israel Nash Gripka, dopodiché è rimasto in contatto con Joe D’Urso, organizzatore dell’evento, e nel 2014 ha suonato con lui a un private party. Dopo un paio di mesi gli è arrivata l’occasione di una vita, ovvero la proposta per fare un set acustico durante la settimana conclusiva, allo Stone Pony ad Ashbury Park, nel New Jersey e per la precisione il 16 gennaio del 2015. Lo Stone Pony e la cittadina di Ashbury Park sono diventati luoghi leggendari per tutti e in particolar modo per gli springsteeniani, dove Bruce, il Boss, ha iniziato la sua brillantissima carriera. Spesso durante il Light Of Day di Asbury Park, ti può capitare di dividere il palco con artisti importanti tra cui ne citiamo soltanto alcuni come Willie Nile, Garland Jeffreys, Joe Grushecky And The Houserockers, Alexandro Escovedo, James Maddock e lo stesso Bruce Springsteen.

Rough Man, (uomo ruvido) un piacevolissimo viaggio attraverso la sua storia a ritmo di rock, è composto, suonato e prodotto da Frank Get ed è stato pubblicato nell’ottobre 2015. 18 brani di cui ben 16 sue composizioni e due splendide cover: Mixed Up Shook Up Girl tratta dal primo album Cabretta del 1977 inciso come Mink De Ville da Willy De Ville e la sua band e Pancho And Lefty del texano Townes Van Zandt, purtroppo entrambi fenomenali e compianti artisti di cui si sente la loro gravissima mancanza ma che ci hanno lasciato canzoni irraggiungibili ed eterne. Rough Man è fortemente ispirato alle sue terre, a Trieste e all’Istria ma giustamente Frank Get si ritiene un cittadino del mondo avendo radici istriane, slave, ungheresi e piemontesi ed un passato da rocker che lo catapultano nel rock americano, a stelle e a strisce. Alcune canzoni sono autobiografiche, nei testi, storie di cui la sua famiglia è stata testimone o protagonista diretta. Frank Get attraverso il linguaggio della musica racconta le tante radici della sua famiglia. Barbed Wire è la tragedia di abbandonare la propria casa, le proprie radici, gli amici mentre Mine Disaster racconta della tragica esplosione nella miniera di Arsia in Istria il 28 febbraio 1940 in cui morirono 185 lavoratori e ci furono circa 150 intossicati. In A Heartbeat è un brano al centro delle numerose ed alterne vicende di Trieste, dove furono succubi per tanto tempo di numerosi cambi di governo o di occupazioni militari mentre Destination Nowhere narra la vicenda del nonno di Frank Get, maresciallo alla sussistenza che dopo la disfatta di Caporetto riuscì ad assicurare il cibo ai numerosi commilitoni nonostante la sconfitta ed il caos regnante.

Buffalo Bill (all’anagrafe William Frederick Cody) è una canzone curiosa ricordando la venuta del leggendario ed epico attore, cacciatore, esploratore, soldato ed impresario teatrale Buffalo Bill (1846-1917) che venne anche in Italia nel 1906 con il suo spettacolo Buffalo Bill’s Wild West, uno show avventuroso ed assai scenografico a cui partecipavano veri cowboy e pellerossa! Joseph’s Dream è dedicata invece a Joseph (Josef) Ressel, un inventore ceco nato in Boemia da padre tedesco e madre ceca, famoso per il suo programma di rimboschimento nelle terre meridionali dell’impero che salvò il patrimonio forestale delle Alpi Orientali e del Carso. Josef Ressel si trasferì nel 1820 nel sud dell’impero austro-ungarico e visse tra Trieste e Montona (Istria) dove trovò anche moglie. Musicalmente parlando questo disco guarda al cantautorato americano, a nuovi artisti come James Maddock, a Guy Davis bluesman, chitarrista e banjoista ed alcuni pilastri come Ray Charles, Bob Dylan, Townes Van Zandt e Willy De Ville o all’irlandese Van Morrison. 18 motivi davvero affascinanti dove melodia, armonia, sonorità e contrappunto sono in agguato. Rough Man con 16 motivi di sua composizione e soltanto due importanti cover è ben articolato e ricco di ballate. Piacciono particolarmente Joseph’s Dream e Lost Land Blues con la chitarra acustica e l’armonica in evidenza mentre Misty Valley è decisamente rock. Insolita Selsame Lament con tanto di banjo a tessere la trama mentre Wanderlust sembra uscire dalla chitarra di Mark Knopfler e dei Dire Straits con suoni vellutati. Chain Reaction è decisamente un rock’n’roll pulsante ed energico dove si sprecano i riff chitarristici.

Frank Get se la cava bene negli arrangiamenti e nella riedizione di Mixed Up Shook Up Girl di Willy De Ville (1950-2009) nota per l’iniziale arpeggio di chitarra ed un brano capolavoro del noto artista americano e in Pancho And Lefty di Townes Van Zandt. Sarebbe ora di scoprire, ammirare, valorizzare e seguire un rocker come Frank Get, un italiano innamorato delle proprie radici culturali ma vigile al rock classico americano di cui è particolarmente influenzato ed i risultati sono sicuramente eccellenti. Un disco ben riuscito dove il rock e il blues si dividono momenti di condivisione e dove i testi si confermano illuminanti ed ispirati.

Arianna Antinori – AriannAntinori

Arianna Antinori da diversi anni si è guadagnata la nomea di Janis Joplin italiana e già questo è un ottimo biglietto da visita. Romana di Roma, vive con il fidanzato a Vicenza. Il CD di cui stiamo parlando è uscito nel 2012 autoprodotto con 10 brani. Il nuovo CD edito dalla Klasse Uno invece è datato 2015, approda finalmente sugli store digitali e nei negozi di dischi, stessa copertina e stessa grafica ma contiene un brano in più, Shut up, qui in due versioni di cui la seconda è Shut Up re-edit. L’altra novità è che questo CD finalmente è disponibile anche in vinile in edizione limitata. Dopo l’esperienza iniziale con la sua band, i Turtle Blues con cui canta ancora oggi, sono partite poi le collaborazioni con molti artisti di fama italiana ed internazionale. La svolta decisiva arriva nel febbraio del 2010 quando vince il contest internazionale indetto dalla famiglia di Janis Joplin (il fratello Michael e la sorella Laura Joplin) in occasione del quarantennale della sua scomparsa: Cheap Thrills:You- inspired by Janis Joplin. La sua versione del brano Mercedes Benz vince il concorso superando centinaia di proposte arrivate da ogni continente. Da lì nasce la collaborazione con i Big Brother And The Holding Company, la storica band di Janis Joplin, che li ha visti esibirsi in Italia con Arianna come special guest. I Big Brother And The Holding Company la vogliono quello stesso anno, nel 2010 come singer per il tour europeo ed in alcune date per tre anni consecutivi: 2010, 2011 e 2012.

Nel frattempo Arianna è vincitrice del concorso L’artista che non c’era al CPM Music Institute di Franco Mussida (ex PFM) di Milano, una scuola di musica fondata nel 1984. Arianna sente comunque l’esigenza di incidere brani propri ed inizia a lavorare con Jean Charles Carbone, già collaboratore di Universal e Sugar e titolare degli studios Abnegat di Vicenza e Marco Fasolo, talentuoso polistrumentista già leader dei Jennifer Gentle e collaboratore dei Verdena, che hanno anche composto quasi tutti i brani del disco, in più ci sono altri strumentisti come Marco Pandolfi all’armonica, Luca Moresco al trombone e tuba, Davide Pezzin al basso in Shup Up oltre al percussionista cubano Ernesttico. Jean Charles Carbone suona il pianoforte, il basso, il sax, l’hammond, le percussioni mentre Marco Fasolo è alla batteria, al basso, alle chitarre, percussioni, hammond, eccetera. Il risultato è questo album (CD e vinile) con 10 splendide gemme, 11 se si considera il re-mix. Il CD autoprodotto pubblicato nel 2012 aveva suscitato parecchia eco e il responso più che positivo degli addetti ai lavori. Il singolo Shut UpI, un blues jazzato dal riff accattivante è stato in vetta alle classifiche nazionali degli artisti emergenti. La musica di Arianna e della sua band potremmo definirla rock blues con un pizzico di psichedelia.

Arianna Antinori canta divinamente e partecipa al testo dei 9 brani I Give, Freedom ,Our Days, For My Friends, You Know, I See You, The River’s End, Shut Up e Gone in cui al testo partecipa anche il padre Walter Antinori. Gone dinamica e grintosa segue una linea melodica solare, mentre Arianna supera se stessa nell’unica cover del disco, Can’t Be The Only One, un brano rimasto inedito, la cui musica è firmata dal batterista dei Big Brother And The Holding Company, David Getz e il testo invece è di Janis Joplin che lo scrisse nel 1968 ma non ebbe mai modo di inciderlo ufficialmente e che solo nel 2010 Dave lo ha riportato alla luce. Nel caso di Can’t Be The Only One, soltanto la compianta e bravissima cantante americana Kathi McDonald, deceduta il 3 ottobre 2012, l’anno precedente nel 2011, l’aveva incisa prima di Arianna Antinori, con la Dave Getz Breakaway nel disco dal titolo omonimo Can’t Be The Only One. Kathi McDonald ed Arianna Antinori, sono le uniche due che hanno avuto l’onore di cantarla ed inciderla ma in due versioni totalmente differenti. Di Can’t Be The Only One, Arianna ci offre una versione drammatica, personale, sofferta accompagnata dal solo pianoforte. Il brano iniziale I Give, con la voce squillante di Arianna ed una batteria ossessiva è un rock decisamente pulsante, inserito di recente anche nella compilation del Pistoia Blues Festival 2015, Pistoia Blues Next Generation. Questa ristampa di fine 2015 coincide con diversi appuntamenti e piacevoli ricorrenze. Il CD infatti edito da Klasse Uno e con distribuzione Self é uscito in concomitanza con il 45° anniversario della scomparsa di Janis Joplin (4 ottobre del 1970) ed in contemporanea all’uscita del film biopic Janis a cui Arianna è stata invitata a partecipare alla proiezione nel Cinema Primavera di Vicenza.

Il documentario su Janis, della regista californiana Amy J. Berg ed uscito in Italia in prima mondiale l’8 ottobre 2015 è stato presentato alla 72° Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e al Toronto International Film Fest 2015. Al Cinema Primavera di Vicenza è stato proiettato sabato 10 ottobre 2015 e presentato da Arianna Antinori e dal critico cinematografico Enzo Pancera e subito dopo la proiezione Arianna, ha proposto proprio il pezzo di Janis Joplin Can’t Be The Only One, inserito nel suo ultimo disco, accompagnata dall’eccellente organista hammond padovano Pietro Taucher per l’occasione al pianoforte. Ritornando al CD, piacciono molto Freedom dalle elucubrazioni blues e psichedeliche con una Arianna scatenata e dalla grinta irresistibile, For My Friend, una ballata slow pianistica dolce e delicata e di grande atmosfera, I See You intrigante e sinuosa al punto giusto e con le chitarre pungenti ed acute, You Know decisamente rock blues mentre Our Days è puro blues, lento e sofferto ed una delle più belle canzoni ed interpretazioni di Arianna in assoluto nonché tra le migliori canzoni nel panorama blues italiano. La veste grafica e la copertina ad opera del cantautore vicentino Manuele De Pretto sono ricche di riferimenti ai mitici e gloriosi anni ’60 così come lo è in parte anche la musica. La blueswoman romana per chi non l’avesse mai ascoltata o sentita dal vivo, sul palco e su disco dimostra grande passionalità e riesce ad essere davvero convincente e coinvolgente. Arianna canta in maniera sublime grazie alla sua forza interpretativa ed al suo carisma, facendo ricordare la texana Janis Joplin che se non lo sapete ancora è la più grande voce blues della storia del rock. Ciò nonostante ascoltare Arianna non significa ascoltare un clone o una tribute band di Janis. Questo CD è la conferma di una raggiunta maturità e di una propria personalità artistica.

Anche dall’estero si sono scomodati per elogiare Arianna e come dice in un’intervista di Diamond Myra, Baron Wolman, celebre e storico fotografo (soprattutto dal 1967 al 1970) della rivista americana Rolling Stone: “Arianna has the passion of Janis, Arianna has the soul of Janis, Arianna has the spirit of Janis, Arianna has the talent of Janis, Arianna is the reincarnation of Janis Joplin, Arianna is an Italian treasure“. La voce di Arianna è una voce abrasiva, graffiante e spesso le sue canzoni sono degli acid blues degni della cantante dei Big Brother And The Holding Company. Le dieci canzoni del CD ci regalano momenti deliziosi, sofferti, l’anima del blues, nel riuscito tentativo di proporre qualcosa di nuovo, di originale, di suo. I risultati sono davvero confortanti, eccellenti, efficaci e superlativi.

I Cospiratori – Scarecrows

Scarecrows è il secondo disco della produzione 2015 dei Cospiratori. Come illustrato nella recensione di Fulmicotone (disponibile a questo link), la definizione di doppio album sarebbe troppo riduttiva per la mole di materiale e per la diversità di espressione. Per questo il power duo torinese ha deciso di far uscire assieme due lavori separati, paralleli. Scarecrows è una sorta di raccolta di brani di punta dei Cospiratori, riarrangiati in chiave acustica e tradotti in inglese. Particolare e di rilievo è Hills Of Colorado, con musica tratta da La Befana (vecchio brano dei Cospiratori), e testo di una canzone tradizionale irlandese (Hills Of Connemara) riadattata però al nuovo continente. Assieme a questi brani ci sono alcuni pezzi classici americani, quelli aderenti alla cultura rurale del sud degli USA, con le sue storie e le sue credenze. Un blues old time, a tinte chiaro-scure raffigurato alla perfezione da corvi e spaventapasseri (“Scarecrows” per l’appunto). In questo disco il batterista Paolo Chiorino sviluppa il suo set percussivo fino a comprendere cucchiai, vecchi bidoni arrugginiti, washboard. Perfetto esempio di tutto questo è la traccia Long John, un canto di prigionieri, accompagnato dal suono di vecchi bidoni, cucchiai e campane.

Immaginatevi quindi nel sud degli USA, di notte, luna piena sopra uno sterminato campo all’ombra di uno spaventapasseri, riscaldati dal fuoco di un falò e dalla musica dei Cospiratori. Scarecrows è tutto questo.

Starlight Searchers – Don’t Bring The Kids

From Lettonia. Mr. Louie Fontaine e i suoi Starlight Searchers danno alla luce qualcosa che non riesco a smettere di far girare nello stereo di casa. Si intitola Don’t Bring The Kids. E non c’è altro da dire se non l’invito solenne ad ascoltarlo. Sono ben 21 tracce (inedite ergo…e spero di non scrivere stupidaggini e di mancare qualche credito per qualcuno). Un raccoglitore di blues sporco di ruggine e ingolfato fino al collo, brillo e non ubriaco di whisky in lattine e America del Sud rigorosamente d’estate, afosa direi io! Sombreri e fiati d’origine controllata come pretende lo scenario e l’accademia del genere, ma anche doveroso rock narcotizzante e funamboliche visioni di deserti e cittadine quasi disabitate, rumorosità distorte che riportano vive le fattezze di casa e dei suoni firmati Tom Waits e questo senza mancare di rispetto a nessuno…perché Louie Fontaine non è da meno e regge a pieno ogni confronto lungo tutto l’ascolto di questo nuovo disco. Si basti sbirciare i video girati in Venezuela per capirne la pasta (anche se a dire il vero si tradiscono particolari che avrei curato molto meglio…), piccole pellicole cinematografiche che attingono a piene mani da qualcosa che ormai avevamo perduto nel tempo e nei ricordi…e mi riferisco soprattutto alle nuove generazioni tormentate e/o drogate di talentuosi burattini della tv che in tutto questo (forse forse) sanno solo come scimmiottare con abiti devoti alla moda del momento.

Un cofanetto di preziose testimonianze, ballate che spolverano traditional della scena folk che dagli anni ’60 arriva fino ad oggi con più o meno contaminazioni digitali. E qui di computer e di puzza di nylon neanche l’ombra. Li attendiamo in Italia questi maestri della ruggine d’autore e lenti dondolii melodici ricchi di grazia e spazi aperti, li attendiamo imbevuti di whisky e room invecchiato come si deve, li immagino arrivare con una Dodge Coronets del ’65, vestiti con pochi stracci rattoppati per l’occasione e, immancabili, ornamenti alle collane e stivali in cuoio originale e lavorato a mano. E poi ci vedo anche la pelle di un serpente a sonagli sul cruscotto e una bottiglia che rotola sul tappetino. Immagini e sensazioni che lego a questo disco perchè l’ascolto di questo Don’t Bring The Kids è un assoluto film che si dipana traccia dopo traccia, suono dopo suono, in una miscela assolutamente affascinante di qualcosa che non ha alcuna intenzione di farsi contaminare dal resto del mondo conosciuto. Conservatori e anarchici trasgressori delle mode del momento. In viaggio gente. Si ritorna al passato.