Scorpions – Comeblack

Il capolinea è davvero giunto: a meno di clamorosi ripensamenti, cala il sipario sulla carriera musicale degli aracnidi tedeschi. Quaranta e passa anni di onorato servizio che si è cercato di esplicare attraverso le loro “prodezze”, gli eccessi e le pagine storiche da essi scritte. Tanto per non smentirsi, nemmeno al passo d’addio, il combo teutone decide di accomiatarsi dall’uditorio attraverso un’azzeccato mix di vecchi brani reinterpretati in forma più attuale e di cover leggendarie rifatte alla loro maniera. Probabilmente inutile dal punto di vista commerciale, l’album tuttavia si fa ricordare per il modo particolarissimo con cui la band ripropone i vecchi cavalli di battaglia, aggiornandoli all’oggi. Ecco allora, tutti insieme appassionatamente, classici senza tempo come Blackout, The Zoo, Wind Of Change, Still Loving You (addirittura in due versioni), sfilare con la freschezza di sempre e la perizia tecnico-compositiva ormai raggiunta nella loro ascesa all’Olimpo. Seguiti poi da altrettante cover riarrangiate alla loro maniera: ed ecco convivere allegramente versioni aggiornate di Kinks, Beatles, Yardbirds e T.Rex, che da un lato depongono ancora una volta della sterminata capacità di immedesimarsi e spaziare nei vari generi musicali, e dall’altro testimonia la nostalgia che proveremo senza nuovi lavori targati Scorpions dallo stile inconfondibile.

Il quintetto, al suo ultimo “mark”, resta compatto e dallo stile inconfondibile anche nell’esecuzione di brani all’apparenza ad esso non confacenti (ad esempio Tin Soldier degli Small Faces). La produzione patinata fa il resto: suoni pulitissimi e chiarezza negli arrangiamenti. Non occorre altro per lasciare nella memoria di tutti il valore assoluto ed indefettibile di questa band che ha scritto pagine storiche nel panorama musicale. Ci si consenta, allora, di congedarci in modo abbastanza breve e conciso: prima che le lacrime e la tristezza ci assalgano nel pensare che nulla sarà come prima, è meglio far calare il sipario sul quintetto di Hannover, sperando che nel riascoltare i loro vecchi lavori si venga ancora assaliti da un Pure Instinct, oppure da un selvaggio Animal Magnetism!

Scorpions – Sting In The Tail

Così è (se vi pare): parafrasando Pirandello, giungiamo al termine di questa nostra avventura che ha attraversato quattro decenni musicali. Se vi pare, perché apparentemente questa fatica è l’ultima del combo tedesco, ma si sa che anche in questo campo, mai dire mai…Ed anche in questa occasione, il quintetto decide di congedarsi in bellezza, non pago di aver sperimentato sulla propria pelle ed a proprie spese ogni genere musicale in tutta la discografia precedente,o almeno in gran parte di essa, in questo ultimo lavoro decide di offrirci una summa di tutto il loro percorso compositivo ed artistico. Difatti, la genesi di Sting In The Tail è totalmente mirata ad assemblare tra loro brani che più diversi tra essi non potrebbero essere. Ma, attenzione: facciamo risaltare all’istante il fatto che il gruppo non indulga assolutamente all’autocompiacimento finale della carriera, stante infatti la solidissima base tecnica e compositiva che promana dai 5, i brani che ne scaturiscono sono ancora e per l’ennesima volta freschi, attuali ed oltremodo godibili all’ascolto. Raised On Rock, ad esempio, è subito marchio di fabbrica: con tocco inconfondibile delle asce ed emozioni vocali non sono ad oggi ancora degne di avere epigoni, con un buon refrain molto rockeggiante e coinvolgente. La titletrack vive del protagonismo della coppia Schenker/Jabs che mantiene costante la giusta tensione ritmica e che viene ben congegnata nella solidità del refrain, ben azzeccato e molto ben impostato tecnicamente . La compattezza di Slave Me consente al brano di pareggiare alcuni passaggi apparentemente discutibili dal punto di vista anche vocale: non apparendo qui Meine particolarmente ispirato, il brano risulta a volte come frenato nel suo comunque buon incedere deciso, salvo poi ritornare alla grande con il gioiello rappresentato da The Good Die Young: la collaborazione della maestosa voce di Tarja Turunen coinvolge alla grande il singer, che qui sfodera una prestazione monstre e di purezza recitativa cristallina, la quale continua nel suo stato di grazia anche nella successiva No Limit, granitica e potente al tempo stesso.

Non è ancora soddisfatto il gruppo: ritenendo di poter essere ancora devastante in alcuni passaggi, decide di dimostrarlo tra i solchi di Rock Zone, che per la sua potenza ben avrebbe potuto comparire ai tempi di Blackout, ovvero trenta anni prima. Mentre con Lorelei viene soddisfatta ancora una volta la voglia di ballad che ormai impera in ogni loro lavoro, le sonorità “morbide” sono poste sempre all’interno di una struttura complessa che ricalca sì clichè ormai consolidati, ma abbina al tempo stesso classe, passione, tecnica e trasporto. Magari ci può stare un quasi passaggio a vuoto, come parrebbe con Turn You On: solo apparentemente, però, grazie al sapiente uso di timbriche quasi AOR in alcuni passaggi che rendono il pezzo ideale contorno di un rock-party dei bei tempi che furono. Molto sostenuta, Let’s Rock conserva una certa agilità di fondo, salvo poi non mantenere a pieno e sino in fondo le premesse ottime con cui il brano inizia, anche grazie ad un ottimo bridge centrale cui però non fa seguito la esplosione sonora che sarebbe logico attendersi dalle premesse. La superba Sly rinverdisce alla grande i fasti delle ballad di classe: la melodia di fondo inesorabile nella sua liricità ed il sapiente dosaggio dei tempi di battuta delle due asce rendono il brano probabilmente il crack del disco. Lento sì, ma di gran classe e non paragonabile alle semplici canzonette strappalacrime di molti presunti loro cloni. Spirit Of Rock, all’apparenza priva di valore artistico, è invece pregnante di significato quasi auto incensante per il gruppo, e lo si può ampiamente concedere, ascoltando l’ultrasessantenne Meine (e soci) darci dentro come il tempo si fosse fermato.

Ed infatti, la traccia finale, tra il serio ed il faceto ce lo conferma: The Best Yet To Come lascerebbe intravvedere spiragli per un loro prosieguo, se davvero il meglio deve ancora venire. Nel frattempo, epitaffio migliore non avrebbe potuto esservi, con un sound ancora attualissimo e di cui certo si sentirà la mancanza. A meno che, l’eventuale Blackout compositivo non sia soppiantato da un Pure Instinct di tornare a deliziare e soddisfare così il loro Unbreakable desiderio di tornare sulle scene, come ci auguriamo.

Scorpions – Humanity: Hour 1

Sapete che siamo quasi alla fine di questa cavalcata quasi quarantennale? Eppure, le sorprese non sono ancora finite ed i nostri eroi non hanno ancora smesso di stupire. Nella loro carriera abbiamo attraversato il periodo duro e puro, lo sperimentale, il soft, il pop-metal (!), il ritorno alle origini, la disco-metal (!!!). Quindi abbiamo esaminato tutti i loro stili, giusto? Sbagliato: con la pubblicazione di Humanity: Hour 1 ci occupiamo, signore e signori, anche del concept, ebbene sì, c’è ancora un recesso della loro preparazione artistica da analizzare. Non indifferente al discorso è la produzione del full-lenght: la supervisione di Desmond Child, già artefice di hits indimenticabili quali Livin’On A Prayer e soprattutto I Was Made For Lovin’You contagia anche il combo teutone. Pur ritornando ad esibire un sound più “moderno” rispetto ai precedenti lavori, il quintetto pone in essere un album che più introspettivo non si potrebbe: stante la caratura ormai acquisita anche dalla collaudata nuova/vecchia sezione ritmica, i brani sono tutti funzionali al concept qui proposto. Non mancano, tanto per gradire, pezzi più rockeggianti quali ad esempio la opener track o anche 321, in cui la band ritorna a proporre tematiche vicine alla loro formazione classica. Purtuttavia, l’acquerello musicale cui ormai ci hanno abituati non riesce a prescindere da un insieme di composizioni molto articolate, come The Game Of Life, in cui la voce di Meine ritorna a sgorgare con la naturalezza di un debuttante che si mette umilmente al servizio della band.

In altri frangenti, come ad esempio The Future Never Dies, ritroviamo la vena sperimentale del gruppo in alcuni arpeggi molto delicati che tuttavia scorrono sicuri e decisi, senza passi falsi, grazie anche al piano dell’ospite Russ Irwin. Dobbiamo ancora riscontrare la presenza di sempiterne ballad, quali Love Will Keep Us Alive, che rendono giustizia alla tecnica compositiva ormai quasi automatica del quintetto. Capisaldi del disco sono sempre i mentori Meine-Schenker: mentre il primo non perde un’oncia della sua particolare tecnica vocale, il secondo paradossalmente con il passare dei decenni affina la sua tecnica alle asce e riesce con la massima naturalezza a svolgere il doppio compito di solista e di ritmico collaudato, come ad esempio in We Will Rise Again, che lo vede valido combattente di razza nell’esecuzione della struttura delle note. Mai alieno dalle estemporanee collaborazioni, anche in questa realizzazione la band si avvale di ospiti di pregio, quali ad esempio Billy Corgan alle parti vocali in The Cross, reso in salsa appetibile anche ai neofiti del genere. Your Last Song vede nuovamente il gruppo al top delle sue possibilità, sempre grazie alla voce manierata di Meine ed al lavoro molto accorto delle asce.

Con gli altri brani che fungono principalmente da contorno, il disco raggiunge in definitiva ancora una volta posizioni di rilievo nella considerazione dei fan, sia pur a scapito delle vendite non proprio ottimali. Love Is War, con le sue melodie accattivanti ed il lavoro delicato delle chitarre, Cold, dal sound molto pungente e con intermezzi vocali molto ben dosati…ecco gli altri momenti salienti che contribuiscono alla lievitazione del valore tecnico del disco, che magari avrà all’epoca, ma anche oggi, fatto storcere il naso ai puristi della prima ora, ma che non ha cedimenti di sorta rispetto all’evoluzione stilistica della band ormai consolidatasi.

Scorpions – Unbreakable

Tre decadi di carriera possono bastare ed avanzare per decretare la morte (musicale) di un gruppo, ma possono anche occorrere a comprendere meglio la smisurata poliedricità dello stesso gruppo. Nel nostro caso, gli scorpioni tedeschi continuano a sorprenderci con l’ennesimo cambio stilistico, l’entrata del nuovo bassista Maciwoda ed il contemporaneo ritorno a quel sano hard che li ha visti degni epigoni europei da contrapporre alle orde d’oltreoceano. Tuttavia, non è tutt’oro quel che luccica, trattandosi di un ritorno alle origini molto soft, i suoni ridivengono sì aggressivi, ma al servizio di brani che non coinvolgono appieno pur nella loro complessità tecnico-compositiva di base. Ad esempio, nella opener track riscontriamo di certo la presenza di riff taglienti della premiata ditta Schenker/Meine, che vengono messi al servizio di un brano che avrebbe ben figurato nei lavori precedenti per le sue melodie particolari ed accattivanti, non certo hard rock. Mentre Love’em Or Leave’em è un brano molto godibile, dalle melodie quasi “easy” per la sua scanzonatezza e per l’immediatezza del suono molto pulito e certo rimodulato in fase di postproduzione in studio, senza nulla togliere al valore del pezzo. Deep And Dark funge da collante con la scaletta successiva, il suono risulta molto coinvolgente e la voce di Meine si conferma ancora ugola d’oro senza scalfitture del tempo. Si può tranquillamente saltare Borderline che non convince appieno e sa di ripetitivo nel clichè offertoci dal quintetto, qui non a suo agio nello snodarsi del brano a causa di una enfatizzazione delle strofe al limite del superfluo.

Dopo una gradevole Blood Too Hot, la band piazza l’immancabile ballad, sia pur in numero ridotto rispetto ai precedenti album: Maybe I, Maybe You ci sorprende piacevolmente con le sue linee melodiche ben azzeccate e che vedono il combo qui al suo meglio nell’esternare a mezzo del brano le atmosfere sognanti di cui è maestro, in un unico con una delicata linea di piano. Someday Is Now è un altro brano che rispecchia l’attuale doppia personalità del gruppo: da un lato rilascia ancora energia pura e dall’altro non lesina di indulgere ad intermezzi leggermente più di facile ascolto, senza che la struttura del brano ne risenta e faccia in modo da avere tempi morti. My City My Town ci conduce attraverso la personalità del quintetto e ci fa comprendere ancora meglio che esso si è ormai incamminato verso una direzione musicale davvero degna di encomio, per voler sperimentare nuovi sentieri musicali su cui confrontare la sua maestria e la tecnica. Through My Eyes si rivela l’altro momento “topico” dell’album, in cui la band riversa a piene mani potenza ed allegria compositiva nella stessa misura, dando modo a tutti gli interpreti di dosare i propri interventi, le proprie battute di entrata ed insieme convergere verso il prodotto finito, ovvero la sperimentazione unita al repertorio classico.

Il trittico finale non toglie e non mette: non toglie, nel senso di sapere cosa ormai la band possa offrire (specie nei passaggi molto complessi di Can You Feel It ), e non mette (come il non attenderci nulla di nuovo oltre al già dato in This Time e She Said ). Un omaggio insperato è la bonus track Remember The Good Times dove la band alla fine dell’album ha ancora la voglia e la forza di offrire una vasta gamma di soluzioni musicali che coinvolgano emotivamente ed appassionino ancora tecnicamente nell’esecuzione. La voglia di osare è ancora intatta: fino a dove e quando riuscirà a spingersi?

Scorpions – Eye To Eye

Giunti alla soglia del nuovo millennio, i cinque tedeschi non hanno alcuna intenzione nè di ammainare bandiera, nè tantomeno di non continuare a stupire. E dobbiamo dire che ci riescono in pieno…a continuare a stupire: per descrivere Eye To Eye dovremmo religiosamente continuare a parlare di sano e robusto hard rock ed invece, cari amici, eccoci a discutere…di pop-metal! Coerenti con la loro intenzione di percorrere nuove strade musicali, i nostri eroi danno alle stampe un lavoro che più sperimentale non si può, dalle linee sonore all’interpretazione, dall’esecuzione alle composizioni stesse. Criticati ferocemente dai fan ma apprezzati dalle critiche dell’epoca, gli aracnidi non se ne danno per inteso e, con la sola variazione di un nuovo drummer, (l’esperto Kottak) ci danno dentro con questo album che segna l’ennesimo spartiacque della loro carriera. Paradossalmente, proprio la ventata di novità rende onore al disco, che riesce clamorosamente a farsi apprezzare a causa della novità e della freschezza del sound, pur oramai infarcito di campionamenti e sovraincisioni elettroniche. La struttura stessa del disco viene orientata dal nuovo produttore Peter Wolf come cartina di tornasole per l’audience stessa: inteso come potenziale “best of”, il disco segue una virtuale ma precisa scaletta di base. Brani molto orecchiabili che precedono sonorità leggermente, ma non molto, più aggressive, oppure tracce molto ritmate che anticipano pezzi molto sostenuti che poi sfociano in una lunga sequela di potenziali ballad differenti tra esse, ma comuni nel perseguire l’intento di aderire alla nuova direzione musicale.

Possiamo ben districarci, con queste premesse, anche nella recensione del disco odierno: non riesce assolutamente ostico commentarne i brani sapendo con quali parametri ad essi accostarsi. L’opening di Mysterious è ad esempio molto frizzante e ben strutturata nei suoi cardini essenziali grazie al sound ora fresco e ben ritmato, mentre il successivo To Be No.1 si candida già a jukebox single, grazie al cantato molto “trendy” che ben si attaglia agli stereotipi dell’epoca. Da Obsession in poi, quindi, si scatena il processo compositivo di cui sopra accennato: se quest’ultimo appare come pezzo quasi di fabbrica, con sonorità più intense e meno orecchiabili, i successivi 10 momenti dell’album riassumono alla perfezione l’alternarsi di brani “classici” ad altri quasi dance (rabbrividiamo il giusto), che tuttavia paiono riscuotere l’interesse della critica. Sarà la voce più addolcita, gli strumenti meno carichi, gli arrangiamenti molto sobri, sta di fatto che la band riscontra non in termini di vendite il gradimento del disco, ma bensì nelle stesse critiche che ne lodano il coraggio artistico e la svolta ormai intrapresa verso direzioni opposte alla partenza. Possiamo certo segnalare la presenza di brani molto impegnativi, quali ad esempio la title-track molto complessa ed articolata nella sua struttura di base, o anche Skywriter in cui la premiata ditta Schenker/Meine graffia ancora da par suo nell’esecuzione tecnicamente impeccabile, mentre la melodia di Priscilla è quasi AOR.

Dubbi sul contributo del neo entrato Kottak vengono spazzati via nell’apprezzarlo in Du Bist So Schmutzig, molto accattivante e adatto ad orecchie di ogni età, dal purista al neofita. Il tutto, salvo poi concludere nella miglior tradizione del gruppo, ci riferiamo alla superba ed immancabile ballata struggente che dà lustro al disco. Nel caso di specie, A Moment In A Million Years incarna alla perfezione lo spirito del gruppo dell’ultimo decennio, ed anche oltre. Il lirismo che il brano raggiunge non ha nulla da invidiare alle altre precedenti composizioni a tema. La voce di Meine è semplicemente sontuosa ed il resto della band in questa occasione è ancora “unto del Signore” circa lo stato di grazia con cui esegue il brano. Tanto per non far dubitare nemmeno per un momento che il disco sul piatto sia di un altro gruppo,che potesse osare competere con i cinque cavalieri senza macchia e senza paura, sempre sulla breccia.

Scorpions – Pure Instinct

“A volte ritornano”. Non sempre è possibile scacciare o liberarsi dei fantasmi del passato, tanto da rimanervi spesso morbosamente attaccati e desiderosi di condividerne il destino. Nel caso del nostro quintetto, il successo planetario di Crazy World e dell’indimenticabile Wind Of Change restano ben impressi nella mente e nell’animo dei nostri eroi, tanto da spingerli a tentare di confermarsi sulla stessa falsariga, anche a costo di “tradire” temporaneamente le loro origini. Il sound della band è ormai orientato verso la sperimentazione più sfrenata, non solo per l’inserimento delle tastiere, ma soprattutto per il tentativo della band di analizzarsi attraverso le tematiche della vita che rendono i brani ancora più orecchiabili. Anche l’ennesimo cambio di produttore, con Erwin Musper alla consolle, contribuisce ad estremizzare le intenzioni della band, che ritrova in questo caso unità ed armonia di intenti. Scorrendo la tracklist, non si può non notare che il cantato di Meine sia ora molto più nitido e melodico, senza la ricerca affannosa di gorgheggi ed urla lancinanti dell’immediato passato, mentre le asce ormai si consolidano nel perseguire sonorità molto più “radiofoniche” che tuttavia, paradossalmente, nulla tolgono al loro valore, inquadrando gli strumenti nell’ottica di cui sopra si è detto e che ben rendono la definizione attuale del gruppo. Potremmo dire che anche questo album, forse più dei precedenti, si delinea come un potenziale jukebox avulso dalle allora imperanti correnti che prediligevano un rock puro ed incontaminato.

Il cambio del drummer conferisce l’ennesimo slancio al processo di “modernizzazione” della band, stante il background compositivo e di arrangiamenti che Cress porta in seno al combo. Brani quale l’opener Wild Child rendono appieno quanto affermato: il rilassamento in cui ora i Nostri desiderano operare si ascolta chiaramente nell’esecuzione del brano, molto easy nei passaggi centrali e nel delicato ritornello. Fa sempre capolino una sana presenza “elettrica”, che viene tuttavia tenuta saggiamente a freno nell’economia dl brano. Tutte le composizioni risentono ampiamente del nuovo target che la band intende fornire al disco: la nuova sezione ritmica è molto più posata nelle battute e nel dettare i tempi alle chitarre. Does Anyone Know, ad esempio, si erge a caposaldo della direzione intrapresa: voce molto “catchy” e strumenti che sono al servizio del vocalist in un connubio di rara intensità e lirismo. Strutturato intorno ad una saggia combinazione di tutti gli strumenti, si candida ad esserne brano vessillo anche in sede live nella nuova versione del gruppo. Oh Girl non è melensa, nel suo svolgimento: anche stavolta la band sforna un brano solido e corale al tempo stesso, che tuttavia si avvolge su se stesso nel refrain centrale, proprio per il desiderio di voler offrire una base molto meno sostenuta al pezzo. Alla ricerca della sperimentazione, il gruppo non lesina di osare e di pretendere da sé stesso il tirare fuori doti canore e compositive che probabilmente non sapeva di possedere.

Where The River Flows riflette bene il titolo: un lento scorrere del brano, su cui lasciar esibire nella massima tranquillità tutti gli interpreti, qui visibili nella nuova versione quasi AOR. Non certo esenti dal proporre brani “top” in ogni full-lenght, i teutoni stavolta lo individuano in You And I dove Meine e soci sono maestosi ognuno per la loro parte. Si riascolta il singer di quasi un decennio precedente, con la voce modulata e dalla timbrica eccellente, mentre asce e sezione ritmica non perdono un colpo nell’esecuzione alternata di momenti semiacustici ed altri molto più elettrificati. Certificano la scelta ancora una volta azzeccata i due dischi d’oro ed uno di platino che Pure Instinct porta a casa: il pubblico mostra di apprezzare ancora il sound proposto dopo 20 anni di carriera ed è ben disposto a perdonare eventuali passaggi a vuoto, quali ad esempio Are You The One, che non rende giustizia ai 5 per la sua semplicità quasi imbarazzante e fine a se stessa. O anche la conclusiva She’s Knocking At My Door, in cui lo scimmiottare una famosa track dei Purple si riduce ad una pedissequa riproduzione del clichè prediletto dalla band dell’Uomo In Nero. Il passaggio, se non a vuoto, quanto meno contraddittorio dell’album riflette il momento di “trapasso” della band che, senza rinnegare il leggendario passato, si offre devotamente a percorrere nuove strade sonore che allo stato non immagina quali saranno, pur in presenza di un immutato e devoto affetto degli aficionados.

Scorpions – Love At First Sting

Se con Blackout la band raggiunge il suo picco compositivo e tecnico, con la realizzazione di Love At First Sting si raggiunge la vetta del successo commerciale planetario. Frutto della fortunata collaborazione con il re Mida Dieter Dierks alla consolle, l’album vede consacrare la band anche oltreoceano, certificando il suo successo con tre dischi di platino. Il tutto senza tuttavia tralasciare l’aspetto puramente tecnico, che vede il combo ancora al top dei suoi mezzi espressivi, senza che il successo mondiale del precedente lavoro ne abbia inficiato la capacità esecutiva e propositiva. Nonostante vari contrattempi in studio (una temporanea indisposizione di Rarebell ed alcuni problemi con Buchholz), il gruppo sforna un’altra pietra miliare del genere, in un perfetto mix di hard classico e rock ballad in puro stile anni ‘80. Bad Boys Running Wild apre alla grande: una girandola di accordi delle asce consente l’intro alla sezione ritmica di rara intensità ed anche melodia: innestatasi la timbrica inconfondibile di Meine, il brano scorre orecchiabile attraverso la perfetta combinazione delle melodie che le due chitarre rendono senza sforzo, per giungere al riff di metà brano con sagacia ed energia. Ma è con Rock You Like A Hurricane, giunta presto alla top dei singoli, che il gruppo si consegna alla storia (ancora una volta): atmosfere quasi easy-listening rendono il brano ben strutturato e fanno sì che l’estensione vocale del singer sia la più pulita possibile; unita al solido lavoro degli axeman, la struttura del brano si articola con semplicità anche nel solo immancabile che, lungi dall’apparire fuori luogo nell’economia del brano, lo rende anzi ancor maggiormente variegato ed ancora oggi una delle pietre miliari in sede live.

La ritmica di I’m Leaving You conferma la perfezione tecnica della band: una lunga introduzione di arpeggi semiacustici che via via diviene quasi drammaticamente ossessiva nel suo riproporsi spiana la strada ad una esplosione sonora inattesa; dopo il momento da protagonista del drumming incisivo, l’eco della voce graffiante di Meine si riversa sul brano con potenza inaudita e consente al brano di esplicarsi con forza, energia e melodia anche nei cori. Con un gran solo centrale, il brano si erge a titano della tracklisting assieme alle prossime gemme. Coming Home: chi ha assistito all’esecuzione di questo brano on stage non potrà dimenticare lo spettacolo della “piramide” formata da Schenker e Jabs che sostengono sulle gambe il buon Meine. Ma, non solo di visione si può parlare, bensì di concreta potenza ed esecuzione mirabile con una sezione ritmica che pare un treno senza freni ed il singer che qui appare molto vicino agli “screamers” dell’epoca (Rob Halford in primis) con il suo range vocale che è improntato allo stacco molto roco tra una strofa e l’altra, brano di spessore che resta stampato in mente. La pazzia di The Same Thrill è evidente: la band intende partire subito in quarta con un lungo giro di asce a cui si aggiunge una serie ravvicinata di stacchi energici della grancassa. Condotto dalla buona lena dei chitarristi, il brano si dipana veloce, con la voce che ad un certo punto pare pericolosamente vicina al tracollo, causa l’assenza di discontinuità nel tono adottato da Meine che letteralmente giunge sgolato al bridge finale in cui il ripetersi del ritornello viene quasi sommerso dal muro che asce e sezione ritmica cesellano quasi come una corazza.

Big City Nights è ancora puro AOR. Certo, in stile scorpione, ma con tutti gli ingredienti del caso. Ancora è le sei corde a dettare legge e tempi: ad esse si adegua un grande Rarebell, che in questa occasione lavora molto di pedali, mentre Meine racchiude nella sua interpretazione il meglio dei singer dell’epoca. Tecnica sopraffina e pathos sufficiente a far balzare il brano ancora tra le charts europee in una sezione non usualmente dal gruppo percorsa, quella delle ballads. Mentre As Soon As The Good Times Roll è brano interlocutorio, atto a spianare la strada alle due ultime composizioni. Si segnala tuttavia  per il ritmo quasi reggae (?!) che il alcuni frangenti riveste, stante la particolare timbrica volutamente rallentata che il cantato dona al pezzo. Arriviamo, allora, alle ultime due perle dell’album. Crossfire è un meraviglioso gioco di mid-tempos che viene creato dalla batteria, e su cui si articola un’alternanza di arpeggi della coppia Schenker:/Jabs. Un quasi crescendo wagneriano che il brano costruisce con un via via maggiore intensificarsi del lavoro delle sei corde, che spaziano prima dal doppio lavoro ritmico e poi in un solo intensissimo dalle venature quasi psichedeliche nei passaggi finali. Il tempo si ferma: è il momento di Still Loving You che con le sue atmosfere incantate, le sue melodie senza tempo e tutto il resto marchia a fuoco l’epopea dei tedeschi. Del resto, gli ingredienti vi sono tutti: le acustiche sono perfette, il cantato è paradisiaco ed anche i momenti leggermente sopra le righe denotano una sorta di misticismo interiore in fase esecutiva. Anche gli arrangiamenti sono perfetti e la stesura del testo è davvero superlativa, mentre un doppio solo all’interno del brano è saggiamente scandito dal refrain che non scade nel melenso.Tra i migliori brani del gruppo, e come ballad e come brano tecnico, on stage ancora oggi infiamma i cuori e determina l’accensione di mille e mille luci artificiali. Mentre, artificiali non sono le sensazioni che continuano ad offrirci gli immarcescibili teutoni.