Kayseren – Il Gioco Di Regina

Per fortuna ci sono band che abbandonano l’idea di proporre dal vivo cover e si cimentano in attività proprie, dando vita alle loro idee e sfoggiando uno stile personale. Tra questi i giovani Kayseren guadagnano subito una posizione di tutto rispetto, lasciando alle proprie spalle i Pearl Jam (ma non dimenticandoli del tutto) e mescolando al grunge, che hanno da sempre ascoltato e suonato, delle influenze stoner. Così escono fuori 3 tracce (per la verità 4, contando anche la ghost track) incluse nell’EP Il Gioco Di Regina che si potrebbe definire un vero e proprio “concept EP”. Infatti tutto viene ripreso da Alice Nel Paese Delle Meraviglie, romanzo che ha ispirato numerosi musicisti (Steve Foglia giusto per citarne uno) rivisto in chiave rock ma con un occhio nuovo: viene infatti dato grande peso, anche nell’artwork, al tema degli scacchi e proprio alla Regina di Cuori (personaggio sempre affascinante…vedi Litfiba) che fissa le regole in un mondo in cui in realtà tutto è pura fantasia. Musicalmente l’EP è interessante, molta attenzione viene data ai riff ed è da premiare il fatto che i ragazzi abbiano puntato su liriche in italiano, aspetto che a nostro parere rende ancora più caratterizzanti (e coraggiose) queste tracce.

La titletrack piazza un refrain che ci spiattella in faccia la maturità della band, la strofa regala un sapore amaro che sa di heavy metal e di dark allo stesso tempo (a noi, con la giusta fantasia che ispira questa uscita, ricorda lo stile dei Black Sabbath periodo Ronnie James Dio). L’ora Del Té ha un forte sapore in stile Queens Of The Stone Age, realtà a cui i Kayseren dicono di ispirarsi; durante l’assolo si sente la mancanza di una seconda chitarra, ma nella restante parte della traccia l’incedere aggressivo convince e fa dimenticare eventuali piccoli difetti. La ghost track cambia tutti gli schemi, rallenta i tempi e punta ad atmosfere diverse che suggeriscono delle possibili evoluzioni nel sound del power trio. Questo ci fa capire che Il Gioco Di Regina è solo un assaggio per qualcosa di più lungo e intricato che è destinato ad arrivare in futuro e che noi già siamo curiosi di ascoltare.

Narrenschiff – Of Trees And Demons

Narrenschiff sono una giovane formazione che si affaccia al mondo dello stoner, o almeno è così che viene presentata. Il loro sound è sicuramente debitore della scena citata, non fosse altro perché il power trio mette in mostra un approccio muscle, con un muro di suono (fuzz?!) che si erge dinanzi a noi, rendendoci impossibile sbirciare oltre. Ma c’è di più. Iniziamo col dire che Of Trees And Demons presenta un sapore dark, delle trame potenti ma ricoperte sempre da una cornice oscura e malvagia, come se lo stoner fosse stato inghiottito dai Black Sabbath nei loro tempi migliori. Non è un caso che la scelta produttiva che regge le linee vocali fa sì che sembrano uscite da un tempio sotto terra al quale l’accesso per i comuni mortali è negato; così anche gli effetti di chitarra negli assoli (tecnicamente interessanti) sembrano citare l’heavy metal primordiale, genere a cui i Nostri sembrano essere molto legati e che intendono mescolare sapientemente con le proprie radici stoner. In Suzy sembra di rivivere i Down del primo album, Nola, anche se i tempi sono più accelerati per poter parlare di vero sludge: il sentiment è comunque lo stesso e la carica adrenalica sprigionata da un brano come questo non lascia indifferenti; bella la parte strumentale al centro del brano che divaga un po’ sulla matrice originale proponendo una visione più introspettiva e meno elettrica, senza per questo allungare troppo la durata dei contenuti.

Al contrario gli esercizi di durata ben superiore hanno una resa finale che non convince totalmente. Tracce che superano i dieci minuti sono un fattore abbastanza ostile per chi concepisce lo stoner come una musica potente prodotta da chitarroni distorti che intende travolgerti e non lasciarti come prima. C’è da dire che il trio fa di tutto per evitare la sperimentazione fine a se stessa, quella farraginosa e insipida, tanto da alternare buoni pattern, ma in fin dei conti, data la loro natura, qualche minuto poteva essere potato. Al contrario i brani relativamente più contenuti (parliamo comunque di 6-7 minuti ciascuno) presentano un tiro più affilato e piacciono di più. Buono il percorso delineato, a nostro parere i Narrenschiff sono una band da gustare prevalentemente dal vivo.

Wonder Vincent – Fiori

Sono passati due anni dal precedente album dei Wonder Vincent, quel The Amazing Story Of Roller Kostner di cui avevamo parlato a questa pagina, ma a conti fatti sembra passata un’eternità. Quei trenta minuti di rock spensierato cozzano con questa ora di ascolto in cui il trio (e in aggiunta il ruolo di bassista che continua a ruotare) alterna riff decisi a passaggi più plumbei, allungando il messaggio e rendendolo sicuramente più maturo. Fiori ha un sapore americano, ma questo lo riconosciamo da sempre in questa band, eppure non univoco: il grunge affiora in più momenti, i chitarroni si prendono il loro spazio e riescono a monopolizzare il sound (come anche nel groove metal di Spoon Rest) o a sparire appena le linee vocali devono fare il resto (Fine). Ma quello che ci piace di questo lavoro è la ricerca di trame particolari, non come spesso accade la creazione di tracce che piacciano al primo ascolto con il pattern che ti entra in testa; piuttosto i Wonder Vincent hanno voluto dar vita a qualcosa di ricercato, qualcosa in cui i ritmi lenti giocano un ruolo strategico e non di semplice riempitivo. Si creano infatti numerosi varianti, come il sound classico in stile Zeppelin, anche se un po’ più metal, di Please, le lande pseudo blues a metà tra l’acustico e l’elettrico di Blow (a meno del ritornello che paga dazio nuovamente al grunge) o anche alle influenze in stile System Of A Down di Gelsomino.

Alternando pezzi con maggiore energia a parti più pacate i Wonder Vincent provano, con questo nuovo album, ad arricchire la propria offerta e per certi versi a stratificarla. Una buona scelta secondo noi che li sposta un passo avanti nel loro cammino di evoluzione, cammino che però vede ancora numerose miglia prima di raggiungere l’obiettivo di divenire band culto.

Mondo Naif – Turbolento

Catapultiamoci per un attimo nello stoner lisergico, quel sapore di deserto misto a psichedelia e ritmi a volte pacati a volte affilati che tantissime band anni 90 ci hanno lasciato in eredità e sui quali poche etichette in Italia credono sul serio (la Go Down Records è sicuramente una di queste). I Mondo Naif presentano questo forte impatto ma più di tutti hanno una “personalità” fuzz su cui ci si scontra già dal primo pezzo. E così Turbolento arriva senza pietà, una trentina di minuti di ascolto in cui una bomba ad orologeria ricoperta di velluto è lì pronta a fare il suo mestiere quando meno te l’aspetti. Travolgenti i fiati in Aquilone, un brano che potrebbe piacere agli Zu come ad una realtà nu metal, visti i riff che si accavallano in un incedere quasi groove; un brano che cambia cento volte pelle e che è segno di grande caparbia musicale. E così tralasciando il pianoforte in Per Sempre, i Mondo Naif esplodono con un rock’n’roll sporco in Thc e riprendono i cardini dello stoner in Scatole Magiche. Qui il rock viene elargito senza risparmio anche se per chi si aspetta un sound con l’acceleratore in costante tiro ci potrebbe essere qualche delusione. I Mondo Naif puntano anche a momenti di maggiore respiro, lisergici come dicevamo prima, che intelligentemente vengono posti per staccare e dare variabilità all’offerta.

Maturità e sfrontatezza, due doti che di solito viaggiano su binari opposti e invece brillano in questo Turbolento, tanto da tenere altissima l’attenzione in un contesto live, sicuro scenario preferito (e ideale) per il sound targato Mondo Naif. Con un po’ di fantasia si può ritrovare di tutto in questa manciata di brani, dai riff affannosi dei Black Sabbath alle influenze sludge che dettano schitarrate capaci di colare come cemento caldissimo, almeno fino a Verve, il momento più tranquillo dell’album. E poi sul finire si continua con l’incedere di sempre, fatto di basso alla Lemmy che detta il tempo e di sei corde impazzita (addirittura flamenco in Vexilla Regis Prodeunt Inferni). Un album che ci ha piacevolmente stupiti.

God Damn – Vultures

Se ne parlava e finalmente sono giunti i fatti: i God Damn hanno pubblicato il loro debutto discografico dal titolo Vultures. Un album strano, per nulla facile da intuire; tredici tracce che si tuffano nella piscina del rock e creano un’onda anomala che frantuma la calma apparente. La prima domanda è: rock o metal?! Già qui darne una risposta è più complesso di quanto sembra. Le sonorità sono elettriche quello sì, i tempi giocano un ruolo cardine nello spingere questa band verso territori più estremi o lidi più pacati. In realtà non sono né vattaggio né effetti vari che caratterizzano la loro personalità musicale: c’è dello stoner con alcuni riff rotondi che ricordano i Queens Of The Stone Age (By The Wayside), c’è un approccio grezzo vicino al grunge dei tempi che fu ma c’è anche un heavy compatto e ovattato che sfiora qualcosa dei Mastodon più metal e meno psichedelici (come nella titletrack). Eppure quello che ci stupisce non sono le somiglianze e nemmeno le diverse forme dei vari brani ma è il fatto che i God Dawn non sono altro che un duo project. Batteria, chitarra e voce in due soli musicisti e un sound (quello in studio) che sembra uscire fuori da un power trio o anche un quartetto; inoltre, nonostante come dicevamo la ricetta sembri tutt’altro che facile, si percepisce un loro impatto live molto diretto, come se sul palco fossero in grado di scaraventare tutta la loro energia senza indugi.

C’è dell’altro: Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, persino i Black Sabbath, i God Damn pescano da gran parte del rock anni ’90 o di inizio millennio e lo ripropongono con due soli menti e tante braccia, un copione che probabilmente con difficoltà soffre di vecchiaia, anzi resta ancorato ai cardini tipici del rock. Una buona prova che dimostra quanto un duo possa oggi suonare come una formazione completa se alla base ci sono delle buone idee, perché in fondo sono sempre le idee che muovono la musica (e non la tecnologia).

Fatso Jetson & Herba Mate – Early Shapes

Con questo album la Go Down Records conferma il proprio peso nella scena stoner/desert rock nazionale e non solo. Infatti Early Shapes non è altro che uno split album tra due realtà relativamente importanti della scena: i Fatso Jetson, sorti ormai venti anni fa negli USA e ancora attivi (anche se era dal 2010 che non si sentivano loro notizie, praticamente dalla pubblicazione di Archaic Volumes), e gli Herba Mate provenienti da Ravenna ma anch’essi con oltre due lustri alle spalle. Da questa fusione ne esce un prodotto originale composto da sette tracce, le prime tre appartenenti ai Fatso Jetson, mentre le restanti alla formazione italiana. Iniziamo dal packaging che è davvero originale. In nostro possesso c’è la versione in digipack (sono disponibili anche 400 copie in vinile) con un interno che non avevamo mai visto e un font che non fa fatica a nascondere le riminiscenze psichedeliche nella mente dei suoi artefici. Artwork bianco e nero su un grigio scuro, gioco di linee e curve che sembrano uscire da un film futuristico e non da un album marcatamente influenzato dal rock degli anni settanta. Nelle tracce targate Fatso Jetson compaiono anche vari musicisti provenienti da nomi di peso come collaboratori di Mark Lanegan, Afghan Whigs, Brant Bjork e Yawning Man.

Si parte con due buoni esempi di desert rock per poi approdare ai colori di Nyquilt, una leggera camminata che viaggia su rotaie e non modifica il suo passo per i suoi oltre otto minuti se non nell’ultima parte in cui la batteria viene sciolta dai propri legacci. Con gli Herba Mate il succo non cambia di molto: chitarre settantiane immerse in copiose dosi di lsd, basso robusto, batteria che ci accompagna nell’agonia più intensa che questo sound riesce a regalarci e ovviamente assenza totale di partiture vocali. Gli elementi sono incastrati in maniera perfetta, valorizzati da una produzione di alto livello, e le idee non sono seconde a band ben più note in questo contesto (Qeens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal).

Il tutto si chiude con l’ultima traccia Desert inn II, un incedere che sa di rock’n’roll calmierato da tonnellate di lava che scorre lentamente e che picchia duro al nostro sistema nervoso centrale: anche qui otto minuti (come a voler ripetere le tradizioni) che non fanno alcun tentativo per andare fuori traccia, puntando invece a trasformare il consumatore di stoner in accanito seguace.

Codeina – Allghoi Khorhoi

Tra il grunge e lo stoner, intensi in senso stretto, ci passa un abisso. Tutto cambia, suono, filosofia, approccio sonoro. Eppure ci sono formazioni che fanno scontrare queste due scene, le fondono creando un monolite unico completamente al servizio del rock. Questi sono i Codeina, band che avevamo scoperto già con il precedente album Quore del 2010 (recensito da noi a questa pagina), prima vera pubblicazione dopo 12 anni di musica insieme e a cui poi è seguito il presente Allghoi Khorhoi. Si tratta di un lavoro mistico e preoccupante fin dal titolo che richiama il “verme mongolo della morte”, il quale , accostato al moniker della band che identifica un anestetico oppiaceo, non rilassa per nulla l’ascoltatore. Dodici tracce per un viaggio oscuro nel rock più elettrico, preistorico ed emotivo, alternative nello spirito ma molto più sporco nella resa. Questa è la parte che più li avvicina alla band di Manuel Agnelli, con la quale in alcuni tratti le similitudini si regalano (Dio Ci Pulisce), ma per come si presentano queste tracce l’impatto diretto risulta maggiore. Desertico al punto giusto, alcuni passaggi (come Medea) mettono insieme il cupo sound Queens Of The Stone Age e un certo post-grunge alla Foo Fighters (passando per la storia di Grohl) ma ogni tentativo di analisi non sarebbe ben centrato con i Codeina. Allghoi Khorhoi è proprio come un veleno che si beve con consapevolezza, non è necessario capirne il sapore perché è l’effetto finale la sua unica funzione.

L’energia e la ruvidezza sono due facce della stessa medaglia. Il film prosegue e la trama è quella, bella potente e senza nessuna intenzione di mollare. Pausa, intervallo, giunge un momento cauto, come imposto dalle regole della musica, è Cascando che raffredda gli animi, ma poi si riparte come un carrarmato. Bello il lavoro di registrazione delle due chitarre che in strofe e bridge cercano di costruirsi due personalità differenti facendo risultare la band come un quartetto ed in parte è così. Un album che sembra non finire mai e che accende i riflettori sullo stoner/grunge americano, poco nostrano ma pane quotidiano per gli appassionati del genere. Forza Codeina.

Black Wings Of Destiny – The Storyteller Part One

Quando una band moderna propone delle sonorità afferenti all’heavy metal ha pescato sicuramente da qualche suono, da una scena o da insegnamenti legati al passato. E’ davvero difficile che ci si inventi qualcosa di totalmente nuovo, riminiscenze da decenni indietro sono sempre percepibili. Quello che distingue le band è il modo di reinterpretarle e aggiungere una dose di personalità propria. I Black Wings Of Destiny attingono dallo stoner, suonato però con un incedere molto rock’n’roll; niente però che sia davvero vicino allo stoner così come lo conosciamo noi (Kyuss et similia) perché i Black Wings Of Destiny vogliono essere heavy metal prima che suonarlo. Il loro album The Storyteller Part One (ci sarà una seconda parte?), una via di mezzo tra un full-lenght e un EP, pesta di brutto e considerando i bpm dura quanto un album a tutto tondo. I riff ovattati ci sono tutti, è come se Tony Iommi avesse inghiottito una dose di speed: il suo approccio quasi doom va in conflitto con la velocità che il prodotto chimico regala e si crea questo alone rock’n’roll capace di spingerci all’headbanging involontario. Proprio in Speed (per non andare lontano) si assapora il frutto germogliato dopo ore e ore passate ad ascoltare Mastodon e Pantera (periodo The Great Southern Trendkill), seppur nel ritornello si apprezza una vena maggiormente punk.

My Evil Self è un’altra dichiarazione di appartenenza alla scena metal: una sezione ritmica spessa (seppur tutto l’album sia caratterizzato da un rullante scarno) un urlo grezzo e delle chitarre sudice che fanno il grosso del sound dei Black Wings Of Destiny. Proprio in questa traccia si opta anche per riff stoppati durante le strofe che giungono come una boccata d’aria nella cappa dei suoni claustrofobici del quartetto. A noi piacciono entrambe le versioni della musica proposta da questa giovane formazione, il loro habitat naturale però resta il palco soprattutto in aree aperte dove la personale carica energica può essere sprigionata senza muri che ne contengano la forza.

Tundra – Tundra

Power trio (è proprio il caso di dirlo) proveniente dal nord-est del nostro bel paese. I suoi componenti non si vogliono far notare più di tanto ma questa ai giorni nostri non è di per sé una particolarità. Quello che invece ci stupisce è che all’interno della line-up compaiono una batteria e due bassi, elemento particolare anche se (chiaramente e come si poteva intuire già prima dell’ascolto) con una buona dose di effetti c’è sempre un basso, o a volte entrambi, che suonano come una chitarra distorta cercando di costruire quel briciolo di melodia che darebbe corpo ai brani. Il primo omonimo lavoro dei Tundra suona quindi come se fosse un duo project, basso + batteria, zero voce, vena molto elettrica e atmosfere abbastanza cupe. Con due bassi a disposizione a nostro parere si poteva puntare su ambiti più sperimentali (chi ha pensato ai Tortoise?!) e far sì che i due strumenti a corde si ripartissero le parti ritmiche e quelle soliste in modo da creare una musicalità completa; una visione interpretativa questa che avrebbe dato chilometri di distanza dalle altre band rock emergenti in circolazione guadagnando sicuramente in originalità. Al contrario i Tundra puntano ad un desert rock ruvido ma per nulla cattivo, capace di accontentare gli appassionati del genere ricalcando un po’ gli stereotipi stoner senza sbilanciarsi realmente in qualcosa di nuovo.

Pezzi più veloci (come Subdolo Spionaggio, brano in cui un basso si tramuta quasi in sei corde) si alternano a momenti più lenti (Cinque) alla ricerca di una forma differenziante che però non arriva. Il rock resta tale, roboante, ma rinuncia a quel balzo che lo avrebbe reso immortale. Tundra rimane un’uscita stoner rock da inserire insieme a quelle dei colleghi, niente di più.

Sergeant Hamster – Sergeant Hamster

I Sergeant Hammer sono una piacevole realtà rock italiana. Tutti provenienti da Palermo, questi quattro ragazzi hanno alle spalle un background musicale personale variegato ed eterogeneo che ha consentito ad ognuno di contribuire in maniera positiva all’interno del combo, conferendo in fase compositiva la propria esperienza stilistica. Questa alchemica fusione li ha portati dritti spediti verso la realizzazione del loro recente debut album dal titolo omonimo, per l’appunto Sergeant Hammer, di cui andremo a parlarvi. Cominciamo col dire che le dieci tracce proposte spaziano tra punk, doom, hard rock, grunge ma, direi soprattutto, stoner tosto, di matrice old school, quello per intenderci sponda Kyuss e Fu Manchu. Grezzo, a tratti spigoloso, con linee di basso molto personali e belle marcate, distorsioni mai spocchiose, pelli picchiate a dovere, atmosfere affascinanti e mood decisamente rock’n’roll, sono questi gli ingredienti che ci hanno colpito di più di questo lavoro che non stanca mai l’ascolto, nel complesso ben prodotto e suonato con carattere, punto di forza quest’ultimo da mettere in cima alla lista dei pro e da non sottovalutare in prospettiva futura.

La band fa infatti sfoggio di una personalità di tutto rispetto, davvero impressionante per un exploit discografico partito dall’underground, un salto nel buio ben riuscito che fa sembrare tutti quei riferimenti alle band d’ispirazione citate nelle bio, come dei bei poster attaccati alla parete, a cui si guarda con rispetto ma non con invidia. Nonostante ciò, e qui arriviamo alle note dolenti, la band ci è apparsa sofferente nel ruolo del vocalist, il quale, nonostante la buona prova in pronuncia e l’impegno profuso in espressività, gli effetti e le peripezie elettroniche utilizzate che ne sporcano a dovere l’output, non ci è apparso per timbrica acerba e per personalità interpretativa, adeguato al sound virile e maturo proposto dal resto della band. Se non tutte le ciambelle escono col buco, questa che i Sergeant Hammer ci hanno fatto assaggiare nel 2014 ci ha decisamente ingolosito a prescindere.