Underdogs – Underdogs

Due etichette alleate per una pubblicazione discografica di tutto rispetto. Ultimo album degli Underdogs: Garage Records per la pubblicazione in digital download, Go Down Records per la versione in vinile. Grandi sforzi per dare spazio allo stoner di questa band che, nonostante tutte le vicende trascorse, ha molto da dire. Il loro stile si è evoluto e in queste dieci tracce i ragazzi dimostrano di non essere “solo” una stoner band. The Guilt e la sua ricchezza ce lo dimostrano in meno di 5 minuti: l’appiglio quasi nu metal, l’attenzione per gli arrangiamenti, tutta la scena grunge degli anni 90 con anche un pizzico di New Orleans, si mescolano per creare un film dal sapore nostalgico ma che al tempo stesso suona moderno. La profondità delle corde vocali di Simone Vian e la compattezza del sound sono gli assi nella manica degli Underdogs che permettono loro di vincere sicuramente la manche, se non la partita. Proprio la parte vocale offre un’apertura trasversale alla loro musica, adattandola a vari contesti (The Closing Song, una conferma). Eppure le note interpretate qui da chi di musica ne sa sono tutt’altro che morbide e possono accontentate dal punker fino a chi apprezzava il metal di fine millennio.

Così proseguendo nell’ascolto non si può rinunciare all’approccio in your face della band (che probabilmente arriva prima dal vivo) e comunque di buoni refrain, diretti e ben costruiti. Il ritornello rotondo di Called Play, la spinta di Nothing To Forgive, perfino la cover dei The Cardigans sono tutte conferme del grip della band, una band che ha un’elettricità che non lascia di certo indifferenti. Probabilmente per questo stile e considerando il loro pubblico la scelta del digitale+vinile non è azzeccatissima a nostro parere; noi avremo sognato un packaging in stile Vitalogy, con tanto di foto (magari live) annesse, ma se è la musica quella che conta allora possiamo dire che gli Underdogs travalicano le forme e giungono direttamente alla sostanza del rock.

Fatso Jetson – Live at Maximum Festival

Geograficamente lontana ma musicalmente molto, molto vicina a noi amanti del rock, la California ha storicamente saputo sfornare band e generi, culture e subculture, movimenti e stili, che hanno saputo imporsi in maniera schiacciante e trasversale sul mercato mondiale, sia per quanto concerne gruppi che dall’anonimato sono poi rimbalzati alle ribalte planetarie, sia per quegli altri che purtroppo sono rimasti confinati nel limbo dell’underground, riuscendo ugualmente a coltivarsi in giro per il mondo un nutrito ed incazzato zoccolo di sostenitori. E’ a quest’ultima frangia sotterranea che oggi ci dedichiamo con piacere, facendovi conoscere i Fatso Jetson, una band formatasi anni fa a Palm Beach ed emersa grazie al portentoso filone stoner da cui sono partiti combo più fortunati in termini di popolarità, come Kyuss (e, di conseguenza, Queen Of The Stone Age), o Fu Manchu. I Nostri arrivano da queste parti grazie all’album Live at Maximum Festival, una raccolta che li ha visti esibirsi dal vivo il 1° maggio 2013 all’interno della manifestazione omonima organizzata dalla Go Down Records nei pressi di Treviso, e che la stessa label ha voluto omaggiare attraverso questo disco, presentato nella sua settima edizione svoltasi quest’anno.

Venendo al dunque, ascoltando questa registrazione ciò che emerge nell’insieme è senza dubbio la capacità di riuscire ad esprimere dal vivo la forza pura della propria idea sonora, ovvero un muro corposo ed allo stesso tempo eclettico che si erge imponente, puro, vivo e reale, senza fronzoli tecnologici, come un complessa matassa di fili che riescono ad annodare alla radice stoner, l’hard rock, l’inquietante spirito blues, la matrice progressive, ed alternanze e varianti di generi che sforano a momenti nel grunge, in altri addirittura nel jazz. Molto probabilmente ai Fatso Jetson neanche interessano tutti questi aspetti così dettagliatamente stilistici che ognuno può cogliere nel loro suono live. Ciò che sembrano dire (e che effettivamente dicono negli intermezzi della loro esibizione) è un aspetto dannatamente punk: noi siamo qui, ce ne freghiamo di quello che potete pensare di noi. Ora vi suoniamo la nostra cosa nella maniera più ignorante possibile, vi spettiniamo l’esistenza e ce ne torniamo a Palm Beach, ad inventare, per chi ci vuole ascoltare, dell’altro fottuto, sporco e maledetto rock’n’roll.

Pendejo – Atacames

Sentire una band proveniente dall’Olanda realizzare un album interamente in spagnolo non è cosa da tutti i giorni, eppure i Pandejo riescono in questa missione che non è del tutto straordinaria per loro visto che il primo album, Cantos A La Vida pubblicato nel 2010 e antesignano del presente Atacames, fu pubblicato inizialmente solo in Spagna. A questo punto siamo già pronti psicologicamente alle novità e la copertina che odora di alternative fin dai suoi colori non ci provoca per nulla e non ci sentiamo spiazzati quando all’ascolto degustiamo un antico timbro stoner. Infatti già dall’opener la sei corde roboante e super ovattata esce fuori e spicca sopra tutto, coprendo per impatto anche la voce che risulta tutt’altro che secondaria per personalità e variazioni. Talvolta proviamo anche una specie di profusione crossover, come se il quartetto volesse provare trame più intricate, ma si fermasse concentrandosi maggiormente sull’impatto che sulla sofisticatezza.

Anche se il loro approccio è “in your face” pur non risultando propriamente metal, i Pendejo sanno che devono far rilassare l’ascoltatore di tanto in tanto e piazzano una parte lenta nella prima metà di Amiyano, brano che poi fa saltare dalla sedia al momento dell’esplosione elettrica; carica adrenalinica che sale ulteriormente con la successiva Camaròn che gioca sui tempi per produrre un fruttuoso headbanging. A questo punto si può dire che l’album ha dato tutto e le tracce successive poco aggiungono di veramente interessante: l’incedere di sabbathiana memoria continua imperterrito e di tanto in tanto si apprezza una tromba che compare in maniera tanto sfacciata quanto originale. Caratterizzanti i testi in una lingua in cui siamo poco abituati a trovare nella scena rock e metal ma nello specifico contenuto la proposta dei Pendejo non risulta innovativa se confrontata con il proprio genere di appartenenza (eccetto per la tromba).

Rebelde Black Machine – Rebelde Black Machine

Deserto e fieno che vola via nella direzione del vento si avvertono fin dai primi secondi di questo EP omonimo realizzato dagli esordienti Rebelde Black Machine, trio tutto italiano che raccoglie quattro album e si presenta al grande pubblico. Sapore rock, odore stoner già dal titolo dell’opener, Santa Muerte, brano che entra dentro con una cadenza quasi rock’n’roll ma per nulla veloce, che viene rallentata ulteriormente a metà brano, come se una botta di qualche sostanza stupefacente ci faccia vedere ad “effetto moviola” e ci tolga i chili di energia che pompano nel nostro sangue. Poi giunge il ritmo latino nella breve Don Miguel Angel Felix Gallardo che funge da apertura per la terza traccia, la sorpresa, quella che cambia rotta e, puntando su un profilo maggiormente strumentale, rende più intricato il bandolo della matassa. Non più rock arido e scarno ma strutture ben calibrate e l’asticella sale fino a collocarsi a livello di originalità. Così, spiazzati, giungiamo alla quarta traccia, psichedelica e con quel sapore new wave pur se fedele al rock che dopo il primo minuto scompare e gli strumenti a corde prendono il sopravvento. Un pezzo questo che fa promettere bene sulla crescita artistica del power trio.

Artwork simpatico anche se artigianale: l’idea dello scheletro dal look messicano contornato da mille colori fa il suo gioco in un album rock. Eppure c’è tanta sostanza in questo EP che funge solo da primo passo in un cammino che speriamo sia lungo e fruttuoso.

Elepharmers – Weird Tales From The Third Planet

Sempre più spesso ultimamente si ascolta da band emergenti uno stoner molto influenzato dal desert rock americano, quindi quasi psichedelico, ricercato e a tratti sperimentale. Però (e diremo per fortuna) ci sono formazioni che pescano le assolute radici del rock, di quello sparato in faccia, influenzato dallo stoner e dalle tonalità bassissime (sì ok, non sbagliate a ricordare i Queens Of The Stone Age). Ecco presentati gli Elepharmers, combo cagliaritano che con il loro nuovo album Weird Tales From The Third Planet si presentano al pubblico italiano e non solo. Non è solo stoner quello che luccica sotto il sole: Downtown In The Morning porta con sé un groove e un rock’n’roll da band di più ampi orizzonti, mentre momenti come Sailing By Sight o Dragonfly Pilot sono veloci e graffianti da vera rock band, pur ricordandoci un certo eco ovattato tipico di alcune band grunge. Chiaramente i momenti dal rock stoner più cadenzato non mancano, come Endless Summer, brano che però ha dalla sua una durata davvero importante, otto minuti durante i quali vengono richiamati tantissime band seminali e di generi diversi, dai Black Sabbath agli Smashing Pumpkins; non si avverte l’estrema lunghezza ma anzi sembra un trip a base di sostanze stupefacenti mescolate ad una buona dose di alcolici.

Un plauso infine per la grafica interna del booklet che richiama direttamente le raffigurazioni psichedeliche degli anni settanta (Grateful Dead, Led Zeppelin) utilizzate sulle grandi stampe dei concerti e che non possono non lanciarci almeno per un attimo a quello splendido periodo. Anni settanta?! Stoner?!…Il bello di questo combo è proprio che si varia tra sonorità diverse (ascoltare la bellissima chitarra stoppata di The Valley per credere…e l’assolo per impazzire) ma poi si torna al più amato stoner, appunto. In generale si tratta comunque di una formazione dal forte carico live, questo si percepisce dall’ascolto delle loro nuove tracce: il circo che sono in grado di realizzare dal vivo (giusto per rifarci all’immagine rappresentata dall’artwork) è incandescente e di certo non può lasciare indifferenti on stage. Quindi approvati!

King Howl Quartet – King Howl Quartet

King Howl Quartet, un quartetto sardo rappresentativo di diverse coniugazioni di un rock’n’roll velocemente ruvido, garage & stoner, innestato su solide radici blues, accattivanti esplosioni ritmiche della batteria e della chitarra, una voce chiara, rabbiosa e frontale. King Howl Quartet, un album del 2012, che parafrasando le parole della band è “un flusso sonoro mai interrotto, che mutaforma, accelera e richiama la nostra attenzione su diverse declinazioni rock, che trasuda una scottante attitudine LIVE”. Questa sarà l’ultima recensione di King Howl Quartet, magnifico LP di 11 tracce che ci riempie di aspettative verso il nuovo EP a breve in uscita. Nati sotto una buona stella, il flusso rock dei King Howl, non è certo stato costruito in un giorno, passo dopo passo, dopo la pubblicazione del loro King Howl EP (2010), dopo molti live, anche accanto a grandi artisti come Tre Allegri Ragazzi Morti e Uoki Toki; hanno ottenuto il meritato ingresso nel roster della Go Down Records, storica etichetta rock, hard rock e stoner. Non contenti nel 2013 hanno deciso di portare a spasso loro stessi ed il loro bagaglio musicale, per un tour nazionale ed uno europeo. Approfittando dell’ultimo tour, hanno lavorato alla stesura e alla pre-produzione dei brani che andranno a comporre il nuovo EP: Truck Stop. King Howl Quartet è un album di 11 tracce, 8 inediti e 3 roots blues completamente reinterpretati (Hard Time Killing Floor, Trouble Soon Be Over e John The Rev). A tutto ciò si aggiunge la partecipazione del bluesman-chitarrista Francesco Piu, nella decima traccia, il grande classico Blues, Hard Time Killing Floor.

Se mai l’apertura di un album può essere un indice di qualità, l’opener Mornin, velocissimo rock sporco di blues, ci fa saltare sulla sedia mentre le ritmiche scatenate della batteria tolgono il cappello di testa a molti scettici. Un epico inizio che porta tutta la band al successivo incalzante blues No Flame ed al classico John The Revelator. Primi ottimi esempi della ricetta della band, sincera e diretta reinterpretazione del genere, a cavallo tra John Spencer Blues Explosion e Bud Spencer Blues Explosion, fieri loro colleghi. Drunk, veloce blues da spaccar la testa, non poteva iniziar altrimenti che con una citazione di Bluto di Animal House, mentre il videoclip, lanciato nel dicembre 2012, in esclusiva nazionale per XL di Repubblica, è stato girato da Andrea Folino della Machete Productions. Trouble Soon Be Over e My Lord  sono il tributo più stoner e psichedelico della band, le chitarre più acide e cadenzate aprono uno squarcio nel CD e marciano su ritmi più duri. It’s The Blues Baby riporta l’album sui suoi veloci binari blues, senza farci mancare la verve, il piglio di batteria, basso e chitarra che li contraddistinguono. Nocturne è un lento sospiro, un curioso incrocio tra psichedelica e blues che non manca il suo pauroso effetto; mentre il CD prosegue, lasciamo spazio a due bluesoni degni di nota Bleedin’ Mouth e Hard Time Killing Floor, di cui quest’ultimo, il più classico, vanta il cameo del bluesman Francesco Piu alla chitarra.

In chiusura album,  il boogie psicotico di Wolfman’s Calling, è totalmente irresistibile, conferma la potenza dell’album con un boogie velocissimo e demoniaco, forse la traccia più veloce di tutte. Le radici del blues che ha dato origine al rock sono evidenti e sono rinforzate con tutto ciò che di buono è cresciuto nel rock moderno, questo il gusto di una band in evoluzione, per cui non dovete far altro che aspettare il nuovo EP Truck Stop in uscita in digitale a fine maggio ed in uscita CD a fine luglio.

Woodwall – Woodempire

Con i Woodwall abbiamo l’ennesima occasione per tuffarci nelle insidiose e lugubri tenebre dei suoni metal cupi avanguardistici (che spesso vuol dire psichedelia ripresa ai giorni nostri). Eppure loro hanno qualcosa di particolare. Di solito band come questa vengono insabbiate all’interno del barile dedicato allo stoner psych, genere che è praticamente senza fondo e che ha un fermento incredibile nell’underground (e spesso anche una poca originalità). I Woodwall in realtà ne prendono coraggiosamente le distanze proponendo un sound debitore ai Mastodon della nuova era (quelli di Crack The Skye giusto per intendere) che alternano sapientemente momenti duri ma dark a passaggi lenti e cadenzati, come fosse il doom a guidare il tutto in uno spazio comunque metal. La seconda traccia di questo lavoro dal titolo Woodempire parla chiaro, non sono i ritmi trascinanti che dettano legge bensì una potenza di sottofondo devastante che addirittura in questi quasi cinque minuti assorbe il gusto del rock’n’roll sporcandolo di grasso e di olio. Questo è l’impattante trademark del quartetto che è in grado di smuovere carcasse umane e tramutarle in zombie viventi, con uno stile non completamente nuovo ma sicuramente ben proposto.

Molto strumentale ed altrettando viscerale, Woodempire sazia gli appassionati del genere e probabilmente riesce anche ad avvicinare chi di questi suoni non è proprio avvezzo, proprio per la sua eterogeneità di riferimenti: lo dimostra il brano Walden che nei suoi oltre undici minuti spazia da parti assolutamente di contorno con passaggi mirati e conturbanti, in grado di dare miglia di distanza ad altre band stoner, con un synth che riesce ad intervenire al momento giusto. È proprio in questa traccia che si percepisce la ricchezza compositiva dei Woodwall e che fa elevare il valore di questa uscita: una musicalità che resta fedele alle ambientazioni luciferine, una tecnica ma al servizio di un post-metal (esageriamo?!) in grado di dire (ancora considerando i tempi) la sua e un coinvolgimento lavico che infiamma le emozioni. Su queste coordinate i Woodwall potrebbero dire davvero tanto in futuro e noi lo speriamo.

Noon – 775 Lumiére

Un’idea molto interessante quella dei Noon: caratterizzare il loro stoner rock, genere che ultimamente sta tornano a far parlare di sé, tramite un elemento estraneo alla musica vista in senso stretto e più legato alle idee ispiratrici in fase di composizione, ovvero il cinema. Così la ricetta dei Noon scova nelle varie tracce trame, storie, citazioni ed altro, appartenenti a registi o film passati sul grande e piccolo schermo. Un mix multimediale che dà più sale alla proposta musicale anche se noi restiamo colpiti da un altro fattore degno di nota, ovvero il mix delle due voci (femminile e maschile), scelta questa non proprio afferente allo scenario stoner. Certo ascoltare riff come quello portante di N.B.K. ci rimanda ai grandi nomi a cui gli stessi Noon si ispirano come Karma To Burn e gli stessi Black Sabbath, ma nessuno spirito emulatore si cela dietro questo quartetto, la loro verve è sicuramente particolare ed emozionante. Le cavalcate che escono fuori da Dirty Harry strizzano l’occhio ai Queens Of The Stone Age ma non appena le due voci entrano in gioco l’odore di Noon si fa troppo forte; a questo punto noi siamo già coinvolti nel loro gioco e non possiamo più uscirne. Kuntz, che chiude ideologicamente la prima parte dell’album, punta su costruzioni più oscure non rinunciando al marchio stoner e alla cattiveria che questo sound si porta dietro, cosa che i Noon sanno ricreare molto bene.

Reservoir Dogs è una strumentale che suona come un pugno secco nello stomaco e ci prepara alla più cadenzata Mina And The Count, più viscerale e conturbante rispetto alle altre tracce sicuramente più dirette. Sul finale si torna al rock’n’roll anche un pò sporco con Pumpkin And Honey Bunny, traccia i cui testi sono ispirati dal film Pulp Fiction, e con Midnight Express che fa segnalare l’uso delle chitarre anche in veste di arrangiamenti per impreziosire il brano. I Noon sono nati da poco (da altri progetti ovvero gli Stake-off The Witch e i Link Quartet) ma noi crediamo che possano già vedere avanti a loro un grande cammino.

Neko At Stella – Neko At Stella

Avanti un nuovo duo project. Bella l’emozione che si provava molti anni fa quando si leggeva dei cosiddetti power-trio. Indipendentemente dal genere proposto restavano power. Con gli anni ’00 invece nasce il nuovo fenomeno dei duo project, ovvero band con due sole componenti. I Neko At Stella sono giovani, nascono nel 2009 ma solo oggi giungono ad un primo, omonimo, album. Il loro stile viene presentato con tante parole ma forse l’utilizzo dell’esplicativa “desert rock” rende tantissimo l’idea: detto in altri termini si tratta di un rock dalle profonde riminiscenze stoner e realizzato con un approccio lo-fi (un pò troppo lo-fi in alcuni passaggi come in Now I Know). Ecco, abbiamo semplificato all’osso le loro idee che però andrebbero viste complessivamente e cioè in una visione più completa così come ce la propongono loro due. Con una matrice come questa qualche richiamo ai White Stripes è troppo scontato ma in realtà i Neko non sfiorano solo una band bensì riflettono la luminosità di Kyuss/Queens Of The Stone Age e in parte anche dei nostrani Bud Spencer Blues Explosion. La musicalità è sicuramente monca: nel brano Joy si sente troppo la mancanza di un altro strumento, quasi come se si stesse imboccando il giusto cammino fatto di 1000 miglia ma il tutto senza nessun mezzo di trasporto. Molto meglio le influenze rock blues di Disillusion che ci fanno tornare alla mente i Wolfmother un pò più cauti e riesce a farci muovere un pò la testa.

Il copione continua tra brani più lunghi ed altri più affilati. La lunga Life Flowers mostra una interessante e diversa prova vocale ma gli otto minuti suonano come una sperimentazione piazzata lì, diversa rispetto agli altri momenti e da ciò che la band davvero vuole dire; al contrario la successiva Intermission risulta un parto tra il noise e il grunge con un paio di pattern ripetuti in maniera estenuante. Ma cosa vuole dire in realtà la band?! Nella seconda parte dell’album le cose cambiano leggermente: Drop The Bomb, Exterminate Them All ha una sua personalità e anche The Flow, agevolata da una sei corde pseudo-slide, ci cattura. La cattiveria arriva però con Psycho Blues con un titolo che dice già tutto ma che presto perde la rotta, così come la scialba Small Place e la conclusiva Come Back Blues che disarma addirittura la batteria proponendo chitarra/voce/armonica in un blues ormai arcinoto che poi esplode all’impazzata.

Nel complesso un album non completo in termini di sound. A differenza degli altri duo project che puntano ad una propria natura, qui si percepisce un vuoto da colmare e un’estrema varietà di stili che depenalizza l’offerta tutta e rende più DIY l’album, indipendentemente dalle qualità profuse nelle fasi di produzione e mastering. Rinviati.

Douge – D

Il sound embrionale dei trevisani Douge nasce da alcune jam session del leader chitarrista Stefano Pellizzari, per poi evolversi, dopo vari cambi di line up, fino ad un variegato stoner rock frutto di tutti i componenti della band che si sono amalgamati on stage live dopo live. D è un disco dalla prevalente atmosfera stoner, che ha il pregio di non essere soffocante e monotona. I Douge nel continuum di un groove potente e coinvolgente, sono riusciti a tracciare pennellate di hard rock (anche grazie al graffio vocale del singer Timothy Norris che si ispira al rock duro degli eighties), progressive folk (i riff presenti nella traccia Eragorn-Storm valgono da soli il prezzo del disco) divertendosi con i colori dello psychedelic rock, prevalenti nell’opener Stone. Una traccia che abbraccia l’ampia visione di stoner proposta dai Douge è Psychedelic Symbiosis, che prende spunto dal famoso arpeggio di Sweet Home Alabama dei Lynyrd Skynyrd rielaborando completamente la canzone di base, per arrivare ad una sorta di southern stoner rock pastoso e polveroso come si conviene dalle parti dell’Alabama. I Douge partendo da solide influenze come Kyuss, Queens Of The Stone Age e Datsuns sono riusciti ad impostare un tessuto sonoro arioso e variegato, mantenendo intatta la potente distorsione dello stoner rock.

Purtroppo la band non è riuscita a mantenere lo stesso livello di energia per tutto il disco, che tende a decadere verso la seconda metà. Tuttavia questo è da considerarsi un aspetto negativo di secondaria importanza, mascherato da numerosi pregi quali la mancanza di filler o l’ottima produzione. A conti fatti D è un disco molto interessante e coinvolgente, che vale la pena di essere ascoltato più di una volta, in grado di soddisfare i gusti di diverse tipologie di ascoltatori.