Vinnie Jonez Band – Nessuna Cortesia All’Uscita

Il buongiorno si vede dal mattino come un eccellente disco si sente dall’attacco del primo brano. Valeva per i classiconi tipo Black Album (con l’arpeggino di Enter Sandman all’inizio) vale per le opere moderne tipo Songs For The Deaf (con le schitarrate incazzate e lo stop’n go da libido di You Think I Ain’t Worth A Dollar, But I Feel Like A Millionaire) e vale anche per Nessuna Cortesia All’Uscita che si apre con una scarica a mille watt degli amplificatori in fiamme di Polvere. E così la Vinnie Jonez Band tira dritto a testa bassa per nove tracce e quarantadue minuti belli incazzosi e ipnotici tanto nei riff, attuali e stonerosi, quanto nei vocal, belli potenti e “cazzimmosi”. Vipera è un massacro in arte fuzz che schiaccia e delizia, e si va avanti e raggiunge l’apogeo quando sull’altare del rock più duro la Vinnie Jones Band compie il suo sacrificio e brucia l’idolo in Idolum (pezzone peraltro ricco di virtuosismi, cambi di ritmi e influenze quasi prog nella parte finale, strumentale melodica e con un arpeggio ultraipnotico).

Un album intenso e che colpisce come un pugno nello stomaco, e Sangue è il pezzo pugno nello stomaco, con un riff veramente godurioso e possentemente stoner. Un album a tratti prog/psichedelico alla maniera stoner di gruppi tipo gli Elder, tratto che si vede in Mi Chiamo Fuori e nella sopracitata chiusura di Idolum. Difficile dire se ci sia un pezzo da cui partire o trovare un difetto nell’analisi di questa prova post-rock (che sembra quasi registrata in presa diretta, stando all’energia devastante che trasmette e lascia addosso). Un disco come Nessuna Cortesia All’Uscita è un fascio di luce divino che gli dei del rock passano finalmente anche sulle terre italiche: per avere gruppi che ci regalano grandi scariche adrenaliniche come Kadavar, Brant Bjork e Royal Blood non serve andare lontano, anche lo stivale a volte ne partorisce, e quando lo fa regala chicche come la Vinnie Jonez Band che, senza nessuna cortesia, impone un sound monolitico stile monolite di 2001 Odissea Nello Spazio, che ci fa sbarellare esattamente come le scimmie intorno al parallelepipedo nero del film.

Se i testi fossero stati in inglese la Vinnie Jonez Band sarebbe già stata pronta per mercati più maturi (in senso di gusto musicale in chiave squisitamente alternative rock) ma il vero terrore che sta dietro all’ascolto di un disco gustoso come Nessuna Cortesia All’Uscita, che alla fine, escludendo il loro EP del 2015 Supernothing (qualche riferimeno a Superunknown??!) è il vero ed intimo debutto della Vinnie Jonez Band, è che concedendo prove così eccelse i ragazzi si brucino in fretta, quando il sottobosco del rock underground targato Italia ha disperatamente bisogno di band che sappiano produrre un album di qualità come Nessuna Cortesia All’Uscita. Quindi noi preghiamo gli dei del rock che non sia così e che il fascio di luce creato dalle ottime vibrazioni di Vinnie continui a illuminarci ab libitum.

Il Gigante – Stomp!

Arrivano, fanno esplodere la dinamite e scappano via. Questa l’impressione de Il Gigante che con le quattro brevi tracce incluse in Stomp! dà una sveglia al rock italiano. Correzione: qui ci sono molti più chili di watt e il riferimento alla scena stoner che si auto etichettano i ragazzi non è di certo sbagliato. Già l’opener è un vero calcio in culo a chi ha messo le cuffie su sbadatamente e catalizza tutte le attenzioni su quello sporco sapore grunge, ma appunto dall’incedere stoner, che possiede il sound del quintetto. Altri riferimento corretto proclamato dalla band: i riff, pur se belli tosti, possiedono un retrogusto blues che è bello sentire in una formazione giovane ed emergente, in più rende ancora più avvolgente la proposta, anche nella più lenta Icaro che trasuda carboidrati da ogni passaggio. Come Icaro arriva anche Tir-ex, pezzo potente di sponda Queens Of The Stone Age ma che sa dire la sua.

Con Islanda cambia tutto il copione: strofe pacate, una chitarra slide che contribuisce con il suo sapore languido fino ad un ritornello che esplode in una vena post-hardcore estrema persino se confrontata con le prime due tracce; la traccia è anche la più lunga dell’EP (sfiora i 5 minuti) e si concede linee vocali più melodie ma non meno intense. Una nuova vena espressiva de Il Gigante? Probabile. Lo scopriremo.

Thunder Godzilla – Thunder Godzilla

L’immagine interna dell’esordio discografico dei Thunder Godzilla rende bene la forma del loro sound: un panorama desolato con auto e palazzi demoliti, segno che un tornado potentissimo è passato e questi i segni lasciati sul campo. Così il suono del power trio che, fortemente debitore alla scena stoner (ma a tratti sbilanciandosi verso lo sludge e perchè no anche grunge – Yoga Fire), propone dei riff potenti e muscolosi. Infatti più che le influenze “desert” nel DNA dei Thunder Godzilla ci sono muscoli ed ormoni, la sezione ritmica sembra infatti picchiare come un macigno che cade costante da altezze importanti, come Jimmy Bower ci aveva abituati nel riconoscere il suo incedere. Le sfuriate sul finire di Lie To Me, il rifferama di Psycho, la doppia velocità di Black Hammer sono tutti momenti incendiari, passaggi di spicco dello stile dei TG che invece in altre parti si colloca sullo stoner più calibrato. Quello che si evidenza è una certa ripetitività di pattern all’interno della medesima traccia (Fears, Get Away) che probabilmente può coinvolgere il pubblico in sede live ma in cuffia penalizza a tratti il riascolto.

Suoni volutamente ruvidi sono stati scelti dalla band (in primis su voce e chitarra) per dare un sapore più grezzo al tutto ed evitare passaggi puliti che avrebbero contraddetto lo spirito stoner del combo. Sicuramente il contesto su cui provarli realmente è il palco, noi intanto ci permettiamo di suggerire ai ragazzi una maggiore variazione di idee e strutture così da speziare ulteriormente il già interessante piatto.

Mojuba – Astral Sand

“You can only trust yourself and the first six Black Sabbath albums” è il “dogma” che ci ha colpito scorrendo tra i post del profilo ufficiale facebook dei Mojuba, band abruzzese che abbiamo conosciuto grazie al loro ultimo album che abbiamo ascoltato per voi, Astral Sand. Altro riferimento così dannato e nobile, non poteva tornarci più comodo, visto che è proprio lo spirito oscuro e violento dei Sabbath ad aggirarsi tetro ed inquietante in tutte e otto le tracce racchiuse in questo album. Di fatti, tra riferimenti religiosi trasversali e furenti richiami a riti oscuri, questo disco sembra pensato e voluto per abbattersi come un’ascia sull’ascoltatore, colpendolo alla testa in maniera aggressiva e violenta, usando come arma non convenzionale un mood molto hard rock e, soprattutto, un sound prepotentemente stoner che sguscia incessante come un cobra dagli strumenti dei ragazzi. E’ un sound, questo, sapientemente cromato da un ritmo incalzante e martellante, appesantito da note basse e da una cantato gridato, sfogato, in alcuni tratti quasi urlato a squarciagola.

Ascoltando l’album, ci si accorge che tutte le tracce dispari presenti, seppur presentate come brani con una propria identità, sono in realtà delle vere e proprie intro che anticipano il brano che ad ognuna rispettivamente succede. Queste ultime, invece, hanno tutte una durata media di 10 minuti, ovvero uno spazio temporale talmente ampio che consente alla band, così come accade nelle composizioni prettamente progressive, di alternare e incastrare più sovrastrati sonori, capaci di inanellare uno ad uno gli elementi (Black) che rappresentano la cifra esatta del lato (Sabbath) del loro sound. Astral Sand, in definitiva, è un lavoro spontaneo, tecnicamente molto valido, semplice nella sua complessità e complesso nella sua voluttuosità, nella cui title track vengono di fatti racchiusi i due apici sonori entro cui si muove la dimensione dura e prepotente del progetto Mojuba. Non resta altro da fare che fidarsi di loro. E dei primi sei album dei Black Sabbath.

Grave – Grave

Power-trio. Stoner. Suoni cupi. Riff incendiari. Ritmi mai tirati. Ecco in poche parole riassunto il progetto Grave (occhio, non stiamo parlando dei più rinomati deathster svedesi), un progetto emergente strumentale tutto italiano che si presenta con un EP omonimo e forgia il proprio sound. Se i ragazzi non avessero una sorta di caratterizzazione la recensione potrebbe già finire qui ed invece il sound ci arriva dritto e potente, con una ragione d’essere che è non solo nell’appeal heavy ma anche in una costruzione di band rodata. Nel loro caso la matrice strumentale non annoia, non siamo dinanzi ad una band che “jemma” all’infinito, perché i brani sono costruiti intorno a pattern e riff ben precisi e secondo noi si potrebbe anche osare aggiungendo delle linee vocali (magari graffianti) senza modificare in alcun modo il songwriting. Inoltre è piacevole notare un basso in evidenza e riconoscibilissimo, a differenza di altre produzioni di pari genere in cui le quattro corde sono sommerse da tonnellate e tonnellate di chitarra elettrica. Questo per un ex bassista come il sottoscritto è un piacere ma in generale regala anche un suono più completo (anche alla luce del fatto che in line-up vi è solo una chitarra).

Buoni i primi due brani che tutto sommato hanno anche un buon tiro, anche gli altri due sono corposi quanto basta. A nostro parere ciò che va rivisto è l’eccessiva ripetitività di alcune parti, sia in Meltdown (sul finire) che in The Expanse Of Stone (dalla parte centrale in poi) in cui una malcelata parte psych prog in realtà svela dei cambi che tardano ad arrivare, anzi non arrivano del tutto. Siamo certi che i Grave ad inizio carriera sappiano creare trame più particolari e creative in modo da dare lustro ad uno stile davvero personale. Questo è anche il nostro augurio.

Hey Satan – Hey Satan

Di certo non è più un segreto, il rock ha piantato radici in tutto il mondo. Questa volta tocca agli Hey Satan giocare a fare gli americani. La band dai natali in Svizzera, precisamente a Losanna, è autore di un omonimo album, ricco di sfumature: stoner, sludge, a tratti persino grunge. Il sound degli Hey Satan è ruvido, davvero sanguigno, tuttavia i dieci brani che vanno a costituire quest’interessante disco sono di buona fattura, arrangiati con maestria e cura, così come in fase di mix. Si tratta di un trio micidiale, non si sente per nulla l’assenza del quarto e quinto membro, i nostri elvetici sopperiscono a queste assenze, grazie da una parte alla perizia tecnica, dall’altra dalla voglia di fare rock. Ho apprezzato i suoni, acustici, grezzi, polverosi come in un film di Rob Zombie. Tra le mie preferite Sunshine Blues, canzone dalle sfumature malsane e ambigue, che esprime al meglio le sonorità di questa band, racchiudendo tutte le intenzioni in soli quattro minuti. L’acceleratore è pigiato da subito fino in fondo, grazie all’esplosiva Fallon City Messiah e a seguire da Legal Aspect Of Love; a riportare la “pace” ci pensa una canzone come In Cold Blood, nonostante i ritmi siano meno furiosi, la malvagità si cela comunque dietro l’angolo.

Abbiamo provato a definire il genere in tanti modi, appunto stoner, sludge, io dico che qui ci troviamo fottutamente di fronte ad un sano rock! 1991 e Song For A Lost Mariner aggiungono toni blues al lavoro, passando attraverso chorus cantabili. Sto ascoltando per la seconda volta questo disco e devo dire che non mi annoio, anzi sono sempre più stregato dal messaggio della band, gli Hey Satan hanno fatto davvero centro, la bellissima Red Light Women prima, Bastardizer poi, non dimostrano segni di cedimento, tutt’altro l’acceleratore è sempre a fine corsa, così attraverso Black Flags Down che contribuisce ad assegnare altri aggettivi alla musica degli Hey Satan. Si chiude con This Meat Stinks, Honey poco altro da aggiungere a tutto quello che di buono è già stato detto, una canzone interamente strumentale, che non sconfina in altri stilemi. Sono felice di essermi imbattuto in questo full lenght, si tratta di un disco che consiglio vivamente a tutti, in particolar modo a chi sogna la California, a chi si ferma ore a guardare Sons Of Anarchy, nella speranza di guidare il gruppo al tramonto, sulle lunghe strade a stelle e strisce. In alto il nostro saluto!

Sula Ventrebianco – Più Niente

I Sula Ventrebianco tornano e noi li aspettavamo. Sì, perché prima con Via La Faccia (recensito da noi a questa pagina) e poi con Furente (di cui avevamo parlato qui) ci avevano aperto occhi ed orecchie. Ora è tempo di Più Niente, nuova creatura del combo campano che traccia un’evoluzione nel loro cammino, un passo verso qualcosa di costruito più con la mente e meno con l’istinto. I brani di Più Niente non sono estremamente simili tra loro ma presentano varie sfaccettature, forse questa è l’unica caratteristica che risponde al marchio di fabbrica della band; eppure qui, in particolare nei primi brani, si assaggia un rock più quadrato, abbandonando la vena crossover. E’ solo con il retrogusto fuzz di Subutecs, un assaggio di un minuto e mezzo prima dell’intermezzo Merak dalla strizza stoner (con un riff che ricorda i Them Crooked Vultures) che il rock si riprende il proprio spazio; sound stoner che si ripresenta di tanto in tanto come in Mitionina, mentre il tutto si indurisce in altri passaggi come in Arkam Asylum che si fa spazio tra la melma elettrica dell’heavy rock, pesante e claustrofobica.

Qualche buono spunto si trova in Attraverso, sia per la sezione ritmica più coraggiosa che per il violino, ma su tutti ci piace l’ostentazione delle linee vocali che ci ricorda l’imprevedibilità del loro passato; caparbio anche Batticarne, con dei buoni refrain e una giusta altalena di ritmi che carica di adrenalina l’ascoltatore. Forse è questa la duplice anima che sognavamo per una realtà che si è dimostrata estremamente interessante in passato. Più Niente è un buon album, se fosse uscito come debut di una band emergente qualsiasi sarebbe stato apprezzato ma, noi che conosciamo bene i “Sula”, ci aspettiamo qualcosa di più.

S.O.A.B. – Soabology

Robusto e infuocato arriva il rock dei S.O.A.B., quartetto tutto italiano ma che si rifà a grandi nomi, partendo dalla matrice stoner per la quale non possiamo non citare QOTSA e i nostri Allhelluja con chitarre pensanti e attitudine che non disdegna incursioni nel metal. Soabology è la loro filosofia, la loro scuola, il loro album che li presenta e che li colloca subito come un’ottima realtà rock’n’roll ma non solo. L’opener Nightwatcher arriva decisa e nel suo incedere stoner basta e avanza nell’obiettivo di tenere allenato il collo. Artwork cattivo ed affascinante, lascia pochi dubbi sulle loro idee e la musica appaga le aspettative create osservando la loro presentazione; è con la seconda traccia Dust In Throat che arriva una cascata di blues con tanto di riverbero vocale che fa molto vintage. Poi giunge The Bridge Is Bending Down che riflette sempre la matrice cardine nel quartetto ma strizza l’occhio prima all’hard rock e poi a passaggi più lenti con dei synth che per alcuni stoneranno mentre per noi rendono più particolare il piatto dei S.O.A.B. . Ci piace questo aspetto, ci piace che la band non sia l’ennesima proposta “piatta” nel segno di un genere ormai straconosciuto, ma che piuttosto inseriscano influenze diverse e che spazino pur avendo una marcia incredibilmente rock’n’roll.

E così suona Wheels On Fire, un pezzo che dice già tanto dal titolo, un’accelerata incredibile su strade dall’asfalto scrostato e con un’auto potente ma non perfettamente messa a punto: il piede che è giù a manetta, i dadi attaccati allo specchietto centrale che ballano senza sosta e la polvere del deserto che ci circonda ai lati. L’album si chiude con un pezzo strumentale di 13 minuti che mai ci saremmo aspettati da questa band ma che conserva a pieno la caparbietà musicale di questo combo, una intensità che è sicuramente maggiore nella prima parte, lasciando evaporare un gusto psichedelico nella seconda, alone che forse influenzerà le prossime uscite discografiche. Carica, potenza e distorsione come se non ci fosse un domani. Lunga vita ai S.O.A.B.

Carnaval – Miss Universe

Lo stoner è un genere unico e multiforme allo stesso tempo. I più che ricalcano questi suoni si rifanno alla scena desert senza troppi compromessi, poi c’è chi pur riconoscendo l’importanza e la predominanza di quel genere ne introducono qualche elemento distintivo. Questa è la nostra opinione degli sloveni Carnaval che tornano sulle scene con un lavoro che sulla carta risulta aderente proprio alle sonorità desert rock. Noi ci vediamo però di più. Innanzitutto le chitarre hanno una produzione sì ovattata ma che spesso contiene germi metal, quasi a sfiorare il sound a cui i Mastodon ci hanno abituato da tempo. Talvolta si fa strada nella loro musica trovando legami con la psichedelia e con un approccio oscuro (Silver Starlight), ma anche il blues e una certa follia si fanno spazio allontanando lo stile dai soli riffoni pesanti (Moon Shuffle, titolo che probabilmente ha ispirato anche l’artwork). Altra caratteristica è la durata dei pezzi che in molti casi supera i sei minuti, niente paura però perché l’ascolto non risulta noioso: Seven ad esempio propone delle aperture melodiche che danno respiro al pezzo e ne agevolano l’ascolto (da gustare in particolare l’intermezzo di basso sul finire).

La prima traccia e anche Rocket rimarcano le trame sludge ma lo stupore non finisce a questi due pezzi di Miss Universe: Round Nose Cat è particolare, non solo per il suo sax che sembra strizzare l’occhio a John Zorn ma proprio per un incedere che senza timore salta dal metal allo stoner. Stoner rock che arriva in maniera più decisa in brani come Bluebird (di sponda Queens Of The Stone Age) o anche la già citata Rocket che ha un sapore rock’n’roll davvero incandescente.

Un album che di certo è indirizzato a chi ama il desert rock ma anche a chi lo interpreta più a 360° rispetto alla maggior parte delle uscite di genere, apprezzandone sfumature e iniziative particolari.

King Buffalo – Orion

Non sapevo davvero cosa aspettarmi quando ho messo nel lettore il CD di questo trio di Rochester (New York). Un giro sul loro sito mi ha illuminato sulle radici della band che dopo solo tre anni di attività, ma molte esperienze, è approdata all’esordio discografico con questo Orion. Tanto è quello che loro stessi ci tengono a comunicare e fin qui è tutto facile. Più complesso è descrivere la loro proposta musicale che sembra uscita direttamente dai gloriosi albori del rock. Se mi dicessero che questo disco è stato composto sul finire degli anni sessanta e poi sotterrato per essere riesumato solo oggi non impiegherei un secondo a fidarmi. E se non fosse per la produzione, assolutamente in linea con le proposte più recenti, potrei credere tranquillamente che anche la registrazione porti sulle spalle una quarantina d’anni. Il sound infatti è assolutamente credibile e talmente ben confezionato secondo i canoni dell’epoca che potrei spacciare questo disco come proveniente dalla collezione di mio padre… e nemmeno lui si accorgerebbe della bufala. Certo, con lo scorrere del disco alcuni suoni di chitarra piuttosto moderni tradiscono tecnologie inesistenti a quei tempi ma nel complesso l’impressione che il gruppo ha voluto trasmettere è ben recepibile.

Chiarito bene questo punto è facile immaginare il genere con cui i Nostri si sono cimentati: uno stoner rock molto psichedelico con ampissime digressioni melodiche ad alleggerire un’atmosfera comunque mediamente abbastanza densa e non proprio scanzonata. Alcune tracce particolarmente impegnative e ben superiori ai sei minuti sono controbilanciate da altre più immediate e inferiori ai quattro, in un connubio che parla la lingua della vera ispirazione e di una certa versatilità. Dal punto di vista tecnico i King Buffalo si difendono bene mettendo in mostra più la varietà stilistica che non le capacità velocistiche. Tenendo ben raccolta intorno a sé un’efficace sezione ritmica il leader del gruppo, Sean McVay, si destreggia con apprezzabile maestria sia alla chitarra che dietro il microfono dove riesce a piacere anche di più, soprattutto per essere capace di evitare la noia con una buona flessibilità e tanta interpretazione.

Questi ragazzi, insomma, ci credono e ne hanno tutti i diritti perché, se il buon giorno si vede dal mattino, questo trio ha davvero davanti a sé una lunga strada costellata di molte soddisfazioni. Lo dimostrano permettendosi di uscire dagli schemi, di sperimentare con coraggio e di giocare con suoni ed atmosfere ma senza esagerare mostrandoci una maturità che sarebbe sbagliato dare per scontata. Meritano la nostra fiducia e il nostro plauso, quindi possiamo tranquillamente iscriverci tra le file dei loro fan! Un gran debutto!