Tool – Salival

2000. Il nuovo millennio ha inizio. A distanza di 4 anni dalla pietra miliare Ænema, i Tool si muovono in due direzioni apparentemente opposte. La band prima fa circolare voci di un presunto scioglimento, che manda in crisi isterica i fan, e subito dopo rilascia un box set in edizione limitata, con Vhs o Dvd (ora introvabili se non usati e a prezzi altissimi), da dare in pasto ai famelici fan, già in spasmodica attesa per l’uscita del nuovo disco. Come per ogni produzione legata al loro nome anche questa volta niente viene lasciato al caso: un booklet di 56 pagine, due versioni separate, packaging impeccabile e chicche come se piovesse. Salival viene introdotto dal monologo di Timothy Leary, poeta lisergico per antonomasia, mentre lentamente prende forma Third Eye, inquietante mastodonte sonico qui in una versione definitiva. Il sound claustrofobico scelto dà l’idea di una rivoluzione che si abbatte addosso all’ascoltatore con movimento continuo e inarrestabile. Su tutto svettano la straordinaria voce di Keenan e l’impareggiabile sezione ritmica di Danny che aumenta a dismisura il suo lavoro ma senza inflazionare la struttura, né sembrare ridondante. Insomma la band californiana dimostra, se ce ne fosse ancora bisogno, la capacità di manipolare la materia sonora piegandola al proprio volere per una rilettura fedele e allo stesso tempo innovativa del proprio repertorio. Violenta e diretta la seconda traccia Part Of Me, è una cover dei Peach in cui militava Justin Chancellor, alla seconda chitarra si può ascoltare l’apporto significativo di King Buzzo (Melvins). Le accelerazioni di questi tre minuti sono una finestra sul passato più vicino a Undertow.

La tensione iniziale cala nella successiva e psicotropa Pushit. Dimenticate tutto ciò che conoscevate del brano: Maynard chiede il permesso e il supporto del pubblico invitando tutti a rilassarsi per un nuovo viaggio diverso. Pushit diventa una ballata psichedelica, prosciugata della sovrastruttura per i primi 2/3 e affidata solo all’ipnotica voce di Keenan sostenuta da poche leggere note arpeggiate della chitarra. Lentamente la sezione ritmica prende forma attraverso le mani di Aloke Dutta qui impegnato nelle percussioni associate al drumming imponente di Carey che nel frattempo trascina l’intera band in una cavalcata ritmica da cardiopalmo. Un cambio così drastico d’atmosfera non fa che accrescere lo stupore dei fan ritrovatisi ancora una volta con le mascelle serrate di fronte a tanta eleganza. Message To Harry Manback II è una gemella in cui le parti del piano sono affidate al violino di David Botrill. Impossibilitati a ripetere l’effetto sorpresa i Tool optano per un brano più corto con il solito italiano che augura il peggio all’interlocutore dall’altra parte del telefono. You Lied è pura materia tooliana che parte da un riff sabbathiano, molto noto, ma che si trasforma in andamento pendolare. Il canto a mo’ di nenia, le distorsioni di Jones rilasciate con precisione chirurgica e l’urlo liberatorio di Maynard gli conferiscono un irresistibile effetto ipnotico. Merkaba, originariamente studiato come intro di Sober, è una fucina in cui Carey si diletta a dimostrare le sue capacità tecniche mentre il resto della band spara bordate sonore fatte di samples, delay, feedback e diavolerie varie per un effetto stordente.

Ma il meglio arriva con la rilettura geniale e temeraria di No Quarter dei Led Zeppelin. Ebbene sì la cover, termine inadatto per questo lavoro, risulta il fulcro dell’intero progetto. I dieci minuti sono un’entità dei Tool, un alieno in terra atterrato per dimostrare quanto siamo piccoli e indifesi di fronte alla sua potenza di fuoco. Riletta, e riscritta perfino nei testi, No Quarter conserva solo quell’aura oscura e sibillina che fu degli zeps. Letta attraverso la lente policromatica dei 4 cavalieri californiani diventa un diamante dalla bellezza accecante. Maynard, nuovamente centro assoluto insieme a Carey, intarsia potenti arabeschi vocali, la chitarra acustica si sdoppia nell’elettrica di Adam Jones che con quel cognome è un degno sostituto di Jones(y). Nel finale la velocità aumenta a dismisura andando a trasformarsi in una calvacata potentissima che non lascia spazio a dubbi. Sul finire L.A.M.C. (acronimo di Los Angeles Municipal Court) non è altro che l’ossessiva ripetizione della voce registrata in segreteria, intrappolata fra rumori da presa idraulica, mentre le dita del malcapitato digitano furiosamente i numeri fino all’esaurimento nervoso. Pochi minuti dopo il silenzio invece arriva Maynard’s Dick (bisogno di traduzione?), un easter eggs registrato molto tempo prima e chiaramente legato al periodo grunge della band. La chitarra acustica introduce una melodia fin troppo tranquilla che sul finire diventa un’orgia di chitarre elettriche ritmiche pressante, rutti, peti e urla scorticanti che invitano a trastullarsi con lo strumento di Maynard.

Nel supporto Vhs*/Dvd potrete trovare Hush (solo in Dvd), Sober, Prison Sex, Stinkfist, Ænema con le innovazioni video studiate dal meticoloso Adam Jones.

* Per i più curiosi, o meticolosi che dir si voglia, la versione in Vhs è piena di errori tipografici legati ai nomi di Aloke Dutta e Paul d’Amour mentre la tracklist è riportata in ordine cronologico contrario a quello d’esecuzione.

Tool – Ænema

1996. Stato di grazia. Ænema è il secondo disco in studio dei Tool, un’opera ambiziosa, moderna e fuori dagli stilemi del metal. Licenziato il 17 settembre e registrato all’Ocean Way in California, Ænema è incluso fra i migliori album di quell’anno. Che i Tool stessero per fare il salto di qualità era implicito nelle note di Undertow ma nessuno poteva immaginare che la trasformazione avrebbe toccato un apice così alto. Nelle loro opere gli arrangiamenti e la tecnica sono al servizio della precisione (matematica) mentre tutto ciò che riguarda il mondo tooliano è vicino al controllo maniacale: pubblico, immagini, notizie e soprattutto la musica stessa, intesa come un processo in cui niente può essere lasciato al caso. Considerato dai critici un punto di svolta dopo il quale non si sarebbe potuto più tornare indietro e letteralmente osannato dai fan, il nuovo lavoro si presenta come un mastodonte che impone rispetto e chiede attenzione. Con i suoi 77 minuti di visionaria maestria il disco cambierà il volto della musica come pochissimi dischi avevano saputo fare fino al quel momento. Il nome dell’opera è una crasi fra la parola anima e un metodo di Carl Jung chiamato enema.

Passando alla musica il suo contenuto è sublime e merita un ascolto ossessivo-compulsivo. Le tipologie di ascolto possono essere suddivise in due categorie: fruizione dell’intera opera e approccio suddiviso per gradi. A tre anni di distanza da Undertow tutti i pezzi combaciano perfettamente, la nuova cangiante creatura di Maynard è pronta a mostrare la sua rivoluzionaria mutazione. Ogni singolo brano necessita di un approfondimento al microscopio elettronico; la materia stellare contenuta, ad esempio, nell’incipit di Stinkfist potrebbe essere la perfetta colonna sonora del Giorno Del Giudizio. L’opener sprigiona un sound liberatorio, violento ma controllato in cui la voce, modulata dall’effetto megafono e poi ripulita nei chorus, si appoggia al suono circolare del basso mentre le chitarre taglienti, incastonate fra tempi dispari, ingaggiano una sfida ritmica contro il rinnovato drumming di Danny. Ed è solo l’inizio; con il passare dei minuti il labirinto (degno dell’Overlook Hotel) che nasconde suoni ricercati e incastri da cefalea inizia a diventare sempre più complicato. La successiva Eulogy si erge a chirurgo plastico per un lifting ad hoc eseguito sul concetto di progressive: dentro ai suoi otto minuti cuniculari si sposano l’accecante bellezza dei riff e il crescendo di un brano in continua evoluzione. Eulogy è complessa raffinatezza armonica, intrecciata come un groviglio quasi inestricabile. La voce s’infila fra il continuo e ipnotico tintinnio di Danny, gigante assoluto del brano, e le chitarre semplici ma efficaci come un montante scagliato da un peso massimo. Il resto viene affidato al basso per un finale esplosivo su cui Maynard porterà avanti la sua personale battaglia contro le religioni, le mercificazioni del corpo e della parola attraverso l’urlo liberatorio finale (“To ascend you must die. You must be crucified, for our sins and our lives! Good-bye!!!”).

In H, il cui significato è legato alla dualità dell’uomo e al nome del figlio Devo H, la musica muta in una ballata psichedelica dai toni oscuri e sibillini. La voce di Maynard conduce il gioco su percussioni delicate, inaspettatamente interrotte dall’impatto delle bacchette sul crash picchiato con violenza dall’indomabile Carey. Da metà brano in su non resta che aggrapparsi disperatamente al sound nella speranza di non venire travolti da tanta feroce eleganza. Useful Idiot è il primo esperimento del disco ottenuto attraverso il suono, modificato elettronicamente, di una puntina arrivata a fine corsa che sul finale fa da battistrada per una delle canzoni più violente dell’intero album. Forty Six & 2, infatti, è un gioco di nervi tesi, gli innesti fra basso e batteria sfociano in una sezione centrale in cui Danny dimostra come sia ancora possibile ricavarsi un solo all’interno di un brano senza essere accusati di pomposità e inutili tecnicismi. Più complicato risulta il messaggio del testo basato su un innesto fra Shadow (terzo stadio fra il conscio e l’inconscio, diviso in due categorie distinte costruttivo e distruttivo) e sulla teoria del salto cromosomico da 42+2 a 46+2 (Drunvalo Melchizedek). Sebbene Message To Harry Manback sia un divertissement, si può notare la dicotomia fra il delicato suono del piano, in stile Michael Nyman, e l’uso brutale delle parole; il gioco semiotico fra parole e percezione modale del suono genera un risultato davvero strabiliante. Hooker With A Penis è una cavalcata distruttiva con sezione centrale psichedelica adatta ai toni accesi con cui Keenan ‘sfancula’ ripetutamente un fan che, incontrato dopo l’uscita del loro primo EP, li accusava di essersi svenduti al sistema.

Intermission è un intermezzo plasmato sui riff successivi di Jimmy, naturale evoluzione di Prison Sex e altra muscolare prova addolcita solo dalla magica voce del singer. Die Eier Von Satan è una ricetta per un trip mentale che ha come base alchemica l’hashish turco. La voce di Marko Fox (ZAUM) narra gli ingredienti con la stessa enfasi di un comizio nazi mentre viene ripetutamente flagellata dal suono di una pressa idraulica, di un’industria al tracollo, e dalla chitarra registrata su una ritmica in 9/8. L’altro zenith è la meravigliosa Pushit, un torrente magmatico di riff al servizio di una progressione inarrestabile, con un occhio rivolto ai King Crimson. Pushit è pura materia plasmata con il martello degli dei; è ciò che tutte le band metal vorrebbero saper scrivere ma a cui, neanche lontanamente, nessuno si è mai avvicinato. Caesaro Summability parte con la risata di un bambino che diventa pianto e poi urla strazianti, soffocate da suoni confusi che introducono la title track del disco. Dedicata al comico Bill Hicks (Another dead hero) Ænema corre su un riff tipicamente seventies incastonato fra i due metronomi Jones/Carey. Maynard la canta divinamente, né più né meno, alternando toni morbidi e accessi di rabbia che sfociano verso Ron Hubbard, Scientology e le case farmaceutiche responsabili del Prozac. Il drumming di Danny rilascia un’energia pari alla magnitudo del presunto sisma che nei testi sprofonderà Los Angeles.

(-) Ions è un rumore di fondo, il cui fruscio viene inciso chirurgicamente dall’elettronica, che introduce come una pericolosa premonizione Third Eye, una “pièce de resisténce” di oltre 14 minuti in cui il drummer si erge a faro assoluto per la navigazione dei tre rimanenti membri. Il brano più spaventoso per eleganza, innovazione e stile è uno slittamento tettonico dallo spettro sonoro finora inaudito e si muove attraverso una serie di soluzioni sonore e cambi d’atmosfera mutevoli. Third Eye è il testamento finale che unisce i Tool ai King Crimson sui cui la sciamanica interpretazione di Maynard trascina gli ascoltatori in una dimensione molto vicina alla trance. Il tempo si piega al volere di Carey, lo spazio si dilata con e nella mente, le deflagrazioni squarciano il silenzio decretando una superiorità inarrivabile per molti.

Ænema è uno dei migliori dischi usciti in questo ventennio: ha raccolto gli orfani di un certo metal proiettandoli, attraverso idee complesse, innovazioni pioneristiche e nessuna paura di osare, verso una nuova estate. Lavata l’onta del progressive, considerato tronfio e auto celebrativo, ciò che rimane è un upgrade micidiale dall’attitudine ‘no compromise’ che indica le nuove sonorità imposte come un monolite venuto dallo spazio. La sua natura aliena vince sulla stragrande maggioranza della produzione odierna vantando cosi tanti temi da suscitare vertigine. I Tool stupiscono perché manipolano alchemicamente il rock anni ’70, il metal e la psichedelia forgiando una nuova formula d’avanguardia ricca di sperimentazione e senza nessun confine prestabilito. Un capolavoro? No, molto meglio, un ariete che ha aperto nuove strade proprio quando il metal, ma non solo, sembrava essere ormai un oceano inaridito.

Tool – Undertow

Anno di grazia 1993. I Tool producono il loro primo full-lenght intitolato Undertow. Proprio come una corrente sottomarina questo lavoro si muove come un ariete in mezzo all’oceano grunge trascinando il post-metal nel mainstream. Registrato fra ottobre e dicembre del 1992 da Silvya Mass, già responsabile del sound di Opiate, Undertow mostra delle differenze fondamentali con il suo predecessore. Il sound s’affina pericolosamente senza mai perdere quella forza testosteronica già dimostrata in precedenza. La controversa, e successivamente modificata, covert art è opera del chitarrista Adam Jones che si era già occupato di effetti speciali per Hollywood. L’uscita di Undertow desta sin da subito un grande interesse intorno alla band. I testi spesso anticlericali, la maniacalità dei tempi di lavorazione (cinque anni separano i loro dischi) la ricerca ossessiva del sound, sono solo alcuni dei punti di riferimento di questa setta chiamata Tool. La loro musica diventa presto un’esperienza da vedere e ascoltare che fonde suono e immagini come solo i Pink Floyd avevano fatto prima.

L’incipit di Intolerance è pieno distillato di potenza e controllo, claustrofobia ed esplosioni rabbiose avvinghiate al basso mammut. Carey diminuisce visibilmente l’uso della trita doppia cassa optando per un sound più snello e altrettanto complesso. La successiva Prison Sex, sugli abusi dei minori, è opera del vecchio bassista Paul d’Amour. Il plettro viene fatto sfregare sulle corde prima che Maynard dia un ulteriore dimostrazione di come si possono cambiare le leggi del canto e della sillabazione. Ma è Sober il suono del nuovo che avanza, inesorabilmente. È impossibile resistere a quell’andamento metronomico, la voce di Maynard appare cristallina, il lavoro di Carey, cresce a dismisura allineandosi alla grandezza del suo singer. La melodia del chorus e le chitarre taglienti danno, per la prima volta, la sensazione che i Tool siano un’unica mente, un’entità cerebrale non più suddivisa in quattro corpi ma fusa in uno dei loro primi classici. In Bottom la velocità raddoppia, come il bicorde di Jones su cui partono le loro classiche esplosioni. Per la prima volta appare un ospite di statura, e tatuaggi, elevati che si appresta a leggere alcune liriche scritte da Keenan. Henry Rollins diventa un crooner immerso in un’atmosfera nebbiosa, dai toni alleggeriti, irrobustita solo dal basso ipnotico prima che la sua voce seppellita dall’urlo di guerra dica “I’m naked and fearless and my fear is naked”.

Fra i vari easter eggs potrete divertirvi con pochi secondi di una canzone abilmente nascosta in Crawl Away che, una volta partita, sembra il treno di A 30 Secondi Dalla Fine, inarrestabile viaggio veloce trasformandosi in un omaggio ai primi Metallica. Swamp Song tradisce una sezione progressiva e psichedelica che contiene in nuce ciò a cui ci abitueranno di lì a breve. Le strofe rafforzate dall’uso furbo dell’eco penetrano nella mente come un acido depositato al centro del cervello, impegnato nella sua funzione erosiva. La titletrack è una specie d’inferno sonoro sull’uso continuo di droghe, le chitarre, i cambi di ritmo e il basso pesante non riescono però a farlo decollare. È come se Undertow fosse ancorata al passato dei Tool che presto da bruco diventeranno farfalla. 4° non si riferisce a scale né al Quarto Potere di Orson Welles, è una canzone sull’apertura mentale e sull’abbandono del pregiudizio (a un orecchio attento non sfuggiranno i punti di contatto con Stinkfist). Flood invece è un viaggio di lentezza elefantiaca in terra desolata, procede inarrestabile per la sua strada spazzando ogni forma di resistenza che proverete a opporre. Il caos fatto di chitarre chirurgiche che incidono in profondità, dalla sezione ritmica sferzante prende una forma più tooliana a metà corsa. Sessantanove (chissà perché…) secondi di silenzio, come fossero tracce a sé, rumori di fondo, un suono secco della bacchetta sul metallo del rullante, pecore, molte pecore, poi un voce metallica attraverso un apparecchio (telefono, megafono?). Che succede, un altro scherzo? No, sono ancora loro in Disgustipated, coda dell’album in cui la band si lascia andare a forme sperimentali di fare musica.

Undertow è prima di tutto un disco di puro rock come non se ne faceva da tempo, un’anticipazione fedele di un futuro brillante ma anche, e soprattutto, il percorso attraverso il quale il quartetto di Los Angeles si avvierà verso la definitiva consacrazione. Post Scriptum: per quanto riguarda le pecore se siete curiosi informatevi su cosa fece Maynard quando scoprì, durante un’esibizione, di essere finito a sua insaputa in una specie di luogo di culto supervisionato da Scientology. Considerata la loro avversione per le religioni non vi verrà difficile arrivare ad una degna conclusione.

Tool – Opiate

È il 1992 quando Maynard James Keenan, Adam Jones, Paul D’Amour e Danny “Octopus” Carey danno alla luce Opiate, primo lavoro con quattro brani in studio e due live, più una hidden track intitolata The Gaping Of Lotus Experience. Il titolo dell’EP è mutuato dalla massima: “La religione è l’oppio dei popoli” (Karl Marx). Sin dai primi vagiti il mondo dei Tool risulta affascinante e complesso. Anche se le sonorità sono ancora aspre, e lontane dal lavoro di elegante ricerca dei suoni, questo lavoro contiene in nuce il virus che muterà irreversibilmente il dna del metal. Le soluzioni si stagliano su un orizzonte decentrato e spostato in avanti, sebbene persistano elementi caratterizzanti come il rifferama secco e potente e la doppia cassa di Carey a dettare i ritmi, oltre al canto di Maynard che si differenzia per stile ed eleganza (Sweat). I tempi dispari, i cambi inaspettati e il carisma del loro singer conferiscono alla band uno status quasi magico (Cold And Ugly).

Le scorie del grunge rimangono incastonate fra le nuove strutture di questa band di culto che in poco tempo ha ottenuto il favore di critica e pubblico. Basta soffermarsi attentamente su Jerk-Off per ammirare la potenza distruttiva del quartetto; la traccia, registrata live a Jello Loft, è la summa del sound tooliano. La timbrica unica di Maynard regala potenza, torreggia in estensione e il modo di sillabare i testi pone le basi per un nuovo stile di canto. Ma i Tool sono anche altro, testimone ne è la titletrack ricca di melodia, atmosfere ammalianti e virate mozzafiato. Opiate alterna atmosfere violente e passaggi liberatori di una forza motrice capace di deflagrare come la nascita di una nana gialla. La cura maniacale per i dettagli e l’attenzione certosina per i testi, spesso sibillini, si concentrano sugli aspetti della realtà, sul dualismo umano e sulle necessità dell’anima. Il tutto viene frullato ed accelerato dalla sezione ritmica precisa quanto un bisturi, intarsiato dalle chitarre oscure e sublimata dalla voce dell’inarrivabile Maynard James Keenan.

I Tool agiscono quasi come una setta segreta aumentando in modo virale, e quasi massonico, la fidelizzazione dei fan che pendono lettaralmente da ogni loro uscita. Opiate è un insieme di emozioni variegate, accollate dal valore di ogni singolo elemento e dal lavoro di squadra di una band che definire fuoriclasse è puro eufemismo.