Lampi di Gloria raccontati dal Professor Garage: Eye Of The Tiger by Survivor

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nella sua materia non sfoglia libri e non traduce lingue antiche ma sul suo furgoncino sgangherato ascolta la musica e i cuori di chi ha il Rock nel sangue. Durante i suoi studi di tanto in tanto si imbatte in brani stupendi, divenuti giustamente celeberrimi, i cui autori però, per un motivo o per l’altro, non godono più di altrettanta fama o sono stati addirittura dimenticati. E’ per soddisfare i più curiosi e sopperire a questa ingiustizia che il Prof. Garage ci guida attraverso la Storia del Rock seguendo questi… Lampi di Gloria.

Cari Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi, parlarvi di questi Lampi di Gloria ogni tanto è davvero strano! I Survivor per esempio sono una band che può vantare otto album, un live e un’infinità di compilation e per di più sono ufficialmente ancora in attività… eppure chi ancora li conosce se li ricorda ormai quasi esclusivamente per il singolo che ne ha decretato la fortuna. In quaranta anni (!) di carriera la band è riuscita a piazzare altri brani in zone importanti delle classifiche ma non ha mai più rivisto il successo toccato con Eye Of The Tiger. Certo, gran parte della notorietà di quel pezzo è derivato probabilmente dall’aver fatto parte della colonna sonora del film Rocky III ma da solo questo non basterebbe a giustificare il disco di platino, la presenza nelle classifiche di tutto il mondo, la permanenza al primo posto della Billboard statunitense per oltre un mese e mezzo o la rotazione quasi asfissiante sull’allora neonata MTV! Vale dunque la pena di lasciarci momentaneamente alle spalle il Mondo del Rock della scorsa puntata per spendere due parole su quello che, con ben nove milioni di copie, è diventato uno dei singoli più venduti di sempre.

Questa è la sua storia: voluto da Sylvester Stallone stesso, che non era riuscito ad accaparrarsi un brano dei Queen, Eye Of The Tiger venne commissionato ad un gruppo allora emergente e decisamente di buone speranze. Nel 1982 i Survivor avevano già pubblicato un paio di album discreti passando nel frattempo da un hard rock classicamente settantiano ad un AOR più modaiolo e di maggior respiro. Furono il gruppo giusto, al momento giusto e nel posto giusto e non mancarono il bersaglio. Il brano aveva il tiro e la grinta che ci volevano senza essere inutilmente cattivo. Sapeva esprimere rabbia e aggressività senza diventare pesante e anzi sapeva catturare l’ascoltatore trascinandone l’attenzione e gasandone l’umore con grandissimo mestiere. Epico e marziale il brano era coadiuvato da un testo che era un vero inno alla lotta in tutte le sue forme e che, rifuggendo qualsiasi forma di resa, faceva rimare alla perfezione Rocky e Rock. Il refrain evocativo e il riffing esaltante poi erano un tripudio di spavalderia ed essenzialità allo stesso tempo e mostrarono un clamoroso esempio di come si poteva essere tremendamente efficaci anche senza virtuosismi sperticati o esasperate complicazioni compositive. I ruggiti delle tigri aggiungevano poi la ciliegina sulla torta… ma solo nella versione cinematografica.

Il successo fu immediato e planetario…al punto che, spoiler alert, ripeterlo fu impossibile. Ad onor del vero i Nostri ci provarono sfornando anche lavori di caratura oggettivamente migliore che però non furono opportunamente promossi dalla loro casa discografica. Questo portò ai prevedibili dissapori, alle solite recriminazioni e infine all’inevitabile scioglimento. La band venne quindi parcheggiata ma i suoi membri continuarono a suonare tanto che ne seguì l’immancabile reunion… ovviamente con tutti i guai legali del caso. Questa però è storia vecchia e cose simili le abbiamo viste accadere mille volte, ben più importante è notare come il pubblico accolse il ritorno di una band che si presentava dopo due anni rimodernata da una nuova line-up. Andò bene…almeno all’inizio: cimentandosi là dove avevano già dimostrato di essere forti i Survivor presero parte alle colonne sonore di Karate Kid, Rocky IV, Driven e non di meno piazzarono in classifica diversi altri singoli allontanandosi però sempre più dai riflettori del mainstream e scivolando lentamente ma inesorabilmente nel dimenticatoio. Problemi di salute e noie legali portarono negli anni altri cambi di formazione, infatti è da almeno vent’anni che l’unico membro “superstite” della compagine originale è il chitarrista Frankie Sullivan. Vien da sorridere amaramente a definirlo così perché a quanto pare il nome del gruppo Survivor (sopravvissuto) deriva proprio dall’essere scampato ad una terribile tragedia! Le cronache riportano infatti che solo per puro caso non riuscì ad imbarcarsi insieme agli altri membri di una band, con cui avrebbe dovuto tenere un concerto, su un aereo che poi finì per schiantarsi. Ma torniamo alla nostra storia.

Dicevamo che la lunghissima carriera dei Nostri è costellata di brani più che pregevoli. Niente da recriminare quindi sulla produttività o sulle capacità della band il cui torto piuttosto, semmai ce ne sia stato uno, è stato forse quello di voler bissare a tutti i costi il successo di Eye Of The Tiger. D’altronde chi non lo avrebbe voluto?! Così facendo sono però caduti nella trappola di un immobilismo artistico che ne ha impedito l’evoluzione proprio in un periodo di grande fermento com’è stata la fine del millennio scorso e l’avvio del nuovo. Nuove tecnologie, nuove idee, nuove tendenze hanno attraversato il mondo del rock e chi non è stato in grado di cavalcare l’onda ne è rimasto inesorabilmente sommerso. I Nostri erano partiti con il piede giusto poi tra una causa legale, un problema di salute, una lite con la casa discografica, un cambio di formazione e chi più ne ha più ne metta, hanno raccolto molto meno di quello che avrebbero potuto, arrivando addirittura a non riuscire più a trovare un’etichetta disposta a sostenerli… ed è davvero un peccato perché nel vuoto che hanno lasciato si sono infilati nomi non sempre altrettanto meritevoli.

Ironicamente, “omen nomen”, i Survivor sono quindi diventati davvero dei sopravvissuti. Vestigia di un tempo glorioso in cui il rock si suonava in un altro modo. Forse non migliore e nemmeno peggiore, ma comunque diverso. Non per questo meritano di essere dimenticati, anzi, mi piace richiamare la vostra attenzione su un gruppo dall’integrità incrollabile che, gioco forza, oggi giorno può essere apprezzato maggiormente da chi ha qualche capello bianco sulla testa ma che ha comunque scritto alcune pagine preziose della Storia del Rock. Follow the Professor!

Il mondo del Rock raccontato dal Prof. Garage: Il primo Gods Of Metal

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica ma nelle sue lezioni non si parla solo di arpeggi e controtempi o di assoli e groove. No, il Rock ormai e ben più di un genere musicale, è anche un’attitudine mentale e, per alcuni, persino uno stile di vita. Ecco perché il Prof. Garage, a bordo del suo furgoncino sgangherato, si aggira tra luoghi, eventi, aneddoti e soprattutto persone che in qualche modo hanno contribuito a creare la scena Rock come la conosciamo oggi. Salite a bordo e godetevi il viaggio.

Lasciamoci alle spalle i Lampi di Gloria a questo link della scorsa puntata ma continuiamo a parlare al passato perché oggi voglio raccontarvi una storia davvero eccezionale che chi c’era potrà sicuramente confermarvi. Torniamo indietro di oltre vent’anni. Correva l’anno 1997 e la scena metal italiana stava per subire un violento scossone, uno positivo per fortuna. Innanzitutto cerchiamo di inquadrare la situazione: i metallari venivano da un lungo periodo buio in cui, dai fasti degli anni ‘80 e dall’opulenza di band e album portata della NWOBHM e dalle neonate frange estreme del death, del thrash e del black, si era passati troppo improvvisamente ad un periodo di carestia senza precedenti. L’avvento del grunge aveva costretto molte band a chiudere i battenti e portato le altre a sperimentare con crossover non sempre memorabili. Il risultato fu che molti, pur di pogare, abbandonarono il chiodo per la camicia di flanella in una crisi d’identità che indebolì ancora di più un genere già in difficoltà. Nemmeno i big se la passavano tanto bene come dimostra la seguente ondata di split, anche piuttosto eclatanti, che investì il mainstream e che per lo meno servì a riempire le pagine delle riviste specializzate, neanche a dirlo, affogate a loro volta in lacrime amare. A queste separazioni seguiranno quasi altrettante reunion portando con sé un egual numero di impennate nelle vendite e quindi di risanamenti in conti dissestati, ma questa è un’altra storia.

Come molti già sanno il mercato discografico, o per meglio dire il music business, è spietato e, a livello mondiale, le metal band che sopravvissero arrivarono verso il nuovo millennio praticamente già attaccate alla canna del gas. In Italia naturalmente non andava affatto meglio e la pur florida scena underground soffriva per la mancanza di sbocchi concreti. Inaspettatamente però nel 1997, proprio in un contesto tanto drammatico, si erse come un faro nella notte un’iniziativa meravigliosa che infatti fu osannata e perdurerà, pur in varie incarnazioni, per molti anni a seguire. Rockofagi e Rockofili avreste dovuto esserci! Il Gods Of Metal era un festival come non si era mai visto nel nostro paese: solo e soltanto metal, band di grandissimo spessore, fruibilità ai massimi livelli, buona organizzazione e il tutto per di più a prezzi abbordabili. Non si poteva chiedere altro e improvvisamente il Monster Of Rock e il Wacken Open Air, leggendari festival d’oltralpe a cui solo pochi fortunati avventurieri italiani riuscivano a partecipare, pur vantando numeri e proporzioni molto maggiori non facevano più così tanta invidia.

Ne derivò un grandissimo fermento! Le band in programma, che più o meno erano già tutte in tour in Europa, guadagnarono subito un’enorme e insperata visibilità mentre l’attesa saliva a dismisura. Vi basti sapere che in quel periodo assistetti ad uno dei concerti più memorabili a cui sia mai stato (e sappiate che ne ho visti davvero tanti): Angra, Vanden Plas e gli italianissimi Time Machine diedero vita ad una performance entusiasmante proprio sull’onda dell’euforia che si respirava in quei giorni. Avete mai visto un concerto chiudersi con tre band di questo calibro fuse in un unico super gruppo da otto o dieci componenti che improvvisa per più di mezz’ora i classici del metal?! Ecco, ora avete la misura di quello di cui sto parlando! Ma torniamo alla nostra storia: le riviste di settore impazzirono letteralmente dividendosi tra le interviste ai protagonisti e le anticipazioni dei preparativi per quella che si preannunciava come la più grande festa del metal da molto tempo a quella parte. E lo fu davvero!

Sabato 7 giugno Eldritch e Time Machine tennero alto il nome dell’Italia aprendo di buon mattino una giornata che chi c’era non potrà dimenticare facilmente. I portoghesi Moonspell, che avevano da poco conquistato l’Europa con Irreligious e il suo accattivante mix di esoterismo, atmosfere mistiche e metal estremo, aprirono da par loro la parata dei big. Fu poi il turno di Grave Digger e Rage che, con show solidi e di sicuro effetto, portarono sul palco due grandissimi album: rispettivamente Tunes Of War e End Of All Days, pietre miliari della produzione teutonica che mi sento di consigliarvi anche oggi. Discorso a parte meritano i brasiliani Angra che in quel periodo avevano letteralmente incendiato il cuore degli appassionati venendo addirittura proclamati “i nuovi Iron Maiden”. Le cose andarono diversamente ma la preparazione tecnica del frontman Andre Matos surclassava comunque di diversi diplomi di conservatorio (pianoforte, canto lirico, composizione e direzione d’orchestra) i colleghi che lo avevano preceduto…e parliamo di gente del calibro di Fernando Ribeiro, Chris Boltendahl e Peavy Wagner, non so se mi spiego?! Tanto per farvi capire: in quel periodo il chitarrista degli Angra era Kiko Lureiro oggi in forze nei Megadeth di sua maestà Dave Mustaine! Ad ogni modo, virtuosismi a parte, il metal a tinte classiche con richiami alla musica brasiliana di Angels Cry e soprattutto di Holy Land non mancò di stupire e incantare il pubblico del Gods Of Metal che a questo punto aspettava solo gli headliner…gli immarcescibili re del metallo: i Manowar!

A quell’epoca Louder Than Hell era già negli scaffali dei negozi da un anno ma ne erano passati quattro dalla precedente apparizione discografica dei quattro difensori americani del metal quindi l’attesa era molto alta. Non erano mancate comunque le critiche e siccome il più feroce detrattore di quell’album fu proprio Andre Matos, la curiosità era tanta. Come se non bastasse la maggior parte dei fan doveva ancora verificare con i propri occhi la resa sul palco di Karl Logan, ultimo assunto in formazione, nonché riabbracciare il rientrante Scott Columbus…e le aspettative non vennero disilluse. Se volete una band che si faccia in quattro sul palco per rendere il vostro show veramente epocale la scelta più sicura sono certamente i Manowar. I Nostri non lesinarono energia, tecnicismi, sbruffonate, i classici di tutta una carriera o… decibel tanto che la stampa nei giorni successivi riportò il caso di una ragazza a cui gli alti volumi fecero scendere il sangue dal naso! Ci risparmiamo facili commenti maschilisti anche perché val la pena di ricordare che la band deteneva il record per il concerto più rumoroso mai tenuto al chiuso… al chiuso, proprio come la location milanese del Gods Of Metal 1997. Il Palavobis, così si chiamava allora quel palazzetto, vibrava così tanto che il sottoscritto vide con i suoi occhi quadri e poster staccarsi dalle pareti e rovinare a terra! E fu magnifico!

Nelle successive edizioni gli organizzatori pensarono bene di spostare la manifestazione all’aperto, poi di allestirci due palchi, poi di distribuirla su più giornate in un crescendo di successo e popolarità che sembrava inarrestabile. Non fu così. Scelte sbagliate e problemi economici ne comprometteranno il futuro ma per quindici anni il Gods Of Metal fu il concerto dei concerti per ogni defender degno di questo nome. Un giorno magari vi racconterò anche delle altre edizioni, di quando ho incontrato un famoso chitarrista perché era in fila davanti a me per un piatto di tortellini (anche i metallari mangiano), di quando una tromba d’aria ha letteralmente sventrato l’impianto luci del palco, dell’avventura a luci rosse ma non proprio privata di un membro dei Cradle of Filth o di quando ho dovuto tenere d’occhio un adolescente in mezzo ad una platea buia di trentamila metallari esaltati.

Per ora vi basti sapere che quella prima edizione durò qualcosa come quattordici ore e furono, pur con le inevitabili ingenuità (c’era poco o nulla da mangiare) e gli immancabili imprevisti (faceva così caldo che i muri grondavano condensa) memorabili e mostrarono a tutta l’Italia del metallo la luce in fondo ad un lungo tunnel buio! Follow the Professor!

Lampi di Gloria raccontati dal Prof. Garage: Born to Be Wild by Steppenwolf

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nella sua materia non sfoglia libri e non traduce lingue antiche ma sul suo furgoncino sgangherato ascolta la musica e i cuori di chi ha il Rock nel sangue. Durante i suoi studi di tanto in tanto si imbatte in brani stupendi, divenuti giustamente celeberrimi, i cui autori però, per un motivo o per l’altro, non godono più di altrettanta fama o sono stati addirittura dimenticati. E’ per soddisfare i più curiosi e sopperire a questa ingiustizia che il Prof. Garage ci guida attraverso la Storia del Rock seguendo questi…Lampi di Gloria.

Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi dopo la ventata di novità della scorsa puntata disponibile a questa pagina e di nuovo tempo di un tuffo nel passato. Francamente però fa quasi impressione parlare di “lampo di gloria” per una band che, seppur in varie incarnazioni e con un certo numero di pause nel mezzo, può vantare più di dieci album e una carriera lunga quasi cinquant’anni. Di fatto la verità è che dopo un esordio fragoroso gli Steppenwolf hanno prematuramente imboccato il viale del tramonto in una discesa verso il dimenticatoio che solo la caparbietà di John Kay, leader fondatore del gruppo, ha saputo rallentare in qualche misura. Al giorno d’oggi è ancora possibile assistere a qualche loro concerto ma il progetto ha preso molto le distanze da quell’omonimo debutto che nel 1968 posò una pietra miliare nella storia del rock…e non solo. Già perché qualcuno ritiene che il più famoso singolo estratto da quel disco sia la prima canzone heavy metal mai registrata!

Born To Be Wild è quindi un pezzo storico che venne glorificato immediatamente entrando a far parte della colonna sonora del cult movie Easy Rider. Vi prego ditemi che lo conoscete… c’è ancora una domanda sulle motociclette di quel film nei test d’ingresso a questa Università, giusto?! Ad ogni modo, proprio al rombo di motori si riferiva il famoso verso che parla di “heavy metal thunder” (tuono di metallo pesante) e tanto bastò. Era la prima volta che le parole “heavy” e “metal” venivano accostate in un brano musicale, la ruvidità degli arrangiamenti e l’inconsueta (per l’epoca) potenza sonora fecero il resto e donarono al nostro brano il suo primato. Non fu comunque per questo che sfondò. Piuttosto furono le caratteristiche di rottura rispetto alla scena dell’epoca a mettere in luce una band che poco o nulla aveva da spartire con la maggior parte degli assai più morigerati colleghi. Dovete sapere infatti che gli Steppenwolf come pochi altri si ersero a bandiera delle contestazioni sessantottine garantendosi così il supporto di un’ampia platea che nella loro musica controcorrente e nel loro stile anticonvenzionale poteva trovare specchio della propria ribellione.

Come si suol dire “il resto è storia” e a quell’album seminale ne seguirono altri di sempre minore spessore che, pur posizionando qualche singolo in posizioni importanti delle classifiche, non riuscirono mai a bissare il successo dell’esordio. Poi arrivarono gli immancabili problemi di line-up, finché non rimase il solo Kay a tirare il carretto. Addirittura ad un certo punto uscirono con lo stesso monicker anche alcuni album senza il membro fondatore in una sorta di pasticcio legal-burocratico che sembra ordito apposta per disorientare i fan. Altresì, tanto per confondere ancora un po’ le acque, esistono diversi dischi della parallela carriera solista di Kay, durata diversi anni tra alti e bassi, oltre ovviamente ad un certo numero di live e raccolte.

Insomma ora avrete capito perché Born To Be Wild figura in questa rubrica, quello che ancora non sapete è che originariamente non fu nemmeno scritta dagli Steppenwolf ma da un certo Mars Bonfire, nome d’arte di un rocker canadese, che la compose per la band del fratello. Quel gruppo, i The Sparrows, poi cambiarono nome e sound optando per qualcosa di molto più aggressivo e nacquero gli Steppenwolf come tutto il mondo li conobbe. Visto il successo e i riconoscimenti che il singolo ha rastrellato nello scorso mezzo secolo, fossi in lui, io mi sarei mangiato le mani anche se, ad onor del vero, la paternità del pezzo non è mai stata messa in discussione.

Torniamo al nostro brano. Per avere un’idea dell’influenza che ha avuto sulla storia del rock basta considerare quanti gruppi ne hanno registrato una cover: dai Blue Öyster Cult ai The Cult, dagli INXS a Ozzy, da Joe Lynn Turner agli Slayer oltre ad almeno un’altra dozzina di nomi di estrazioni e generi anche molto differenti. Tutto questo per non parlare dell’essere diventato l’inno di milioni di biker che scorrazzano in tutto il mondo sulle loro motociclette tonanti metallo pesante al coro di “Born To Be Wild…”. E come biasimarli: è innegabile che sia un gran pezzo e che con la sua carica esagerata ancora oggi e come pochi altri faccia desiderare grandi spazi liberi e una vita senza restrizioni. Non mi credete? Entrate in autostrada e alzate l’autoradio a manetta… poi mi direte! Follow the Professor

La questione Firenze Rocks e Ed Sheeran vs pubblico

Ormai la notizia la conoscete tutti: gli organizzatori del Firenze Rocks hanno annunciato Ed Sheeran quale uno degli headliner per l’edizione 2019. Come l’ha presa il pubblico? Abbiamo seguito il fenomeno sui social e abbiamo riscontrato tre tipologie principali di reazioni che potremo definire in qualche modo tre gruppi diversi di hater. Il primo gruppo si è scagliato subito contro il Firenze Rocks tacciando la manifestazione di infedeltà nei confronti del vero rock; ci sono due cose che fanno incazzare questo gruppo (diciamo più intollerante): innanzitutto che Ed Sheeran è un artista mainstream, il secondo è il suo forte legame al mondo del pop. Poi c’è un altro gruppo di hater (perché anche loro sono catalogabili come hater) che si è scagliato contro il primo, definendolo uno stormo di intolleranti e manifestando tutto lo stupore verso una scelta, quella del Firenze Rocks, che non è poi così strana. Hanno scritto che è per colpa di teste ottuse come quelle di chi ha criticato il Firenze Rocks che in Italia non arriverà mai la musica di qualità… “vi meritate questo…” e affermazioni del genere. Poi c’è un terzo gruppo più morigerato che ci ha scherzato su creando dei meme fasulli in cui si presentavano delle fantomatiche locandine del Firenze Rocks con headliner Gigi D’alessio, Biagio Antonacci et similia, il tutto lercio-style.

Adesso, a parere di chi scrive, sarebbe da populisti dire che hanno ragione tutti e che il mondo è bello perché è vario. La verità, secondo noi, è che se crei una manifestazione rock, che negli anni ha coinvolto Guns N’Roses, Pearl Jam, Iron Maiden e che si è collocata verso un certo tipo di suoni e di target musicale, quando fai una scelta diametralmente opposta ti giochi tutto. Potrai avere tutte le motivazioni di questo mondo (vendere più biglietti ad esempio) ma finirai per scontentate molti e per ridicolizzarti. Faccio un esempio: se un organizzatore qualsiasi creasse il “Milano Jazz Festival” e come headliner annunciasse i Napalm Death sarebbe, nella migliore delle ipotesi, deriso. Nella peggiore farebbe un flop enorme perché il nome della rassegna avvicinerà un pubblico che non conosce o non ama i Napalm Death e il metallaro medio non sentirà di voler seguire al 100% quell’iniziativa. Quindi perché soprassedere sul caso del Firenze Rocks, che incluse la parola rock?! In altri termini fare i finti “open minded” accusando gli altri di essere ottusi ma sapere già dentro di sé che quel biglietto non lo compreranno mai.

Il punto centrale della discussione è questo: ormai in Italia il termine “rock” viene usato troppo impropriamente. Quando ascolti grunge o post-grunge si dice che ami il rock, quando uno si veste di nero o ama i colori scuri viene confuso per un “rockettaro” (anche se magari ascolta tutt’altro), esistono radio che dicono che la cultura rock passa anche per l’abbigliamento e per il life-style e addirittura alcune webzine che si chiamano “rockqualcosa” recensiscono l’ultimo album di Gue Pequegno o quello di artisti pop che non hanno nulla da spartire con il rock e con la sua mentalità. In un scenario come questo il termine “rock” è diventato generalista. Per molti ha un significato talmente tanto esteso da farlo arrivare a inglobare anche Ed Sheeran.

Secondo noi questa visione non è quella giusta. Il rock, inteso in senso stretto, non è mai morto ed è giusto che riconquisti la propria identità. Il rock non è nato per piacere a tutti anzi è da sempre un simbolo concreto di rottura. Uno dei motivi per cui nacque RockGarage 7 anni fa è proprio quello di contribuire a fare in modo che il rock riacquisti questo valore. Ma in fondo è probabile che al Firenze Rocks e al suo organizzatore non gliene freghi nulla di tutto ciò…l’ipotesi è che abbiano voluto solo far parlare di sé. In questo, nel bene o nel male, ci sono riusciti ed è il motivo per cui tutti sapete che Ed Sheeran verrà in Italia. Noi, di certo, non ci saremo.

Special Guest del Rock raccontati dal Prof. Garage: Dirty Thrills

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nel suo infinito peregrinare tra concerti e festival di tanto in tanto invita per una chiacchierata sul suo furgoncino sgangherato band di ogni tipo, grandi e piccole, famose ed emergenti, alcune davvero troppo valide per essere trascurate. Per ora questi gruppi possono soltanto aspirare allo status di Leggenda del Rock ma sono comunque “osservati speciali”, ospiti del Prof. Garage che, sempre attento alle nuove tendenze, all’originalità e all’innovazione vi parla di quelli che oggi sono Special Guest nella Storia del Rock.

Cari Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi, in questa puntata voglio parlarvi di una band nuova. Due i motivi: prima di tutto perchè i Dirty Thrills sono stati davvero gli special guest di un concerto a cui ho assistito di recente. Secondo: perché se lo meritano davvero e sono pronto a scommettere tutti i gessetti della mia lavagna che hanno sotto i piedi una lunga strada lastricata di gloria tutta da percorrere. Tra l’altro hanno già suonato in grandi arene e aperto per gruppi del calibro di Europe e Skid Row…guarda caso tutta gente di cui si è già parlato in queste stesse pagine.

Ora bando alle ciance e veniamo alle presentazioni. Dopo avervi parlato a questa pagina nell’ultima sfida di due vecchi leoni ancora ruggenti e dai denti molto ben affilati, mi è parso giusto dare spazio ai giovani e i Dirty Thrills lo sono davvero. Due album e tre EP, in una carriera iniziata quasi per scherzo appena cinque anni fa, sono già un bel bottino per questo quartetto londinese. Dediti ad un rock’n’roll verace e sanguigno i Nostri hanno saputo da subito smentire quell’aria da fighette snob che le foto d’ordinanza lascerebbero sospettare. In verità la band è solidamente strutturata tanto su sudore e fatica che su tecnica e carisma come solo i bei gruppi di un tempo sapevano essere. E’ ai ruggenti anni settanta infatti che i Dirty Thrills si ispirano per il loro rock venato di blues e di riffettoni orecchiabili e trascinanti. Ciò non di meno sono figli del loro tempo quindi il sound non puzza di muffa, i brani non stonano se passati alla radio e i video si meritano ampiamente la rotazione su Mtv.

Come le band a cui si rifanno anche i Nostri si sono fatti le ossa calcando palchi e sudando note davanti al proprio pubblico e infatti sono dei veri animali da palcoscenico. Quando possono guardare i fan negli occhi sanno sfoderare un’insospettabile energia e coinvolgere la platea con show degni di nomi assai più blasonati. Qualcuno ha detto che suonano sempre come se fossero gli headliner di un grande festival e non potrei essere più d’accordo. Ed è proprio così che dovrebbe essere…quei gruppi apatici che salgono sul palco come se svolgessero un compitino e che suonano come se mi facessero un favore mi fanno così incazzare che gli tirerei il cancellino! Avrete capito che per fortuna i Dirty Thrills sono di tutt’altra pasta…quella giusta!

Si è scritto tanto sul fatto che il cantante, Louis James, sia figlio d’arte. Suo padre era un bluesman negli anni sessanta ma a me pare irrilevante. Molto più importante mi sembra l’amalgama che si è formata con Jack Fawdry, chitarrista di squisito gusto melodico e ottima tecnica, e con una sezione ritmica tutta ruvida grinta che vede Steve Corrigan dietro le pelli e Aaron Plows al basso. Quest’ultimo ha un po’ quell’aria stralunata che lo fa sembrare sempre, come si suol dire, “appena caduto dal pero” ma è solo un’impressione. Avendo avuto la fortuna di scambiarci due parole vi garantisco che non solo è terribilmente presente a se stesso ma è anche di un’energia e di una simpatia dirompenti…e chiassose! Non ho incontrato gli altri di persona ma posso dirvi per certo che non hanno ancora perso quel carattere gioviale e quella disponibilità che prima o dopo il successo sa strappare anche dall’animo del rocker più umile. A loro ancora non è accaduto e speriamo che non capiti mai perché vedere dei ragazzi così sinceri, appassionati e genuini nonostante il loro monicker abbia già una dimensione internazionale francamente fa davvero piacere.

Torniamo però ancora sulla loro musica, che in fondo è quello che ci interessa. Hard rock con ampie concessioni al blues, grande grinta nei pezzi tirati, squisita delicatezza nei brani più cadenzati, raffinato senso melodico, tecnica quanto basta e anche di più, graffianti arrangiamenti che hanno il profumo del live anche su CD…cosa manca? Gli ingredienti effettivamente sono quelli giusti, altrimenti non ne parleremmo in questa rubrica, e non manca nemmeno quella firma che rende ogni brano riconoscibile come parte della discografia dei Dirty Thrills ma io per la lode chiederei un pizzico di originalità in più. La personalità c’è, perché bisogna averne per affrontare Led Zeppelin, Deep Purple e compagnia bella sul loro campo, persino a distanza di molti anni. Ora è necessario che la lezione di questi grandi maestri venga trasformata in qualcosa di veramente unico. Questo è il bersaglio grosso e non chiederei tanto se non credessi veramente che questi ragazzi possano centrarlo in pieno. Ci vuole tempo, lo so, ma classe e qualità non mancano quindi basterà aspettare il momento giusto che, credetemi, non è lontano. Intanto possiamo goderci il loro attuale contributo alla scena Rock…ed è già tanta roba.

Insomma i Nostri stanno facendo tutto nel modo giusto e infatti hanno già vinto numerose battaglie. A questo punto la guerra possono soltanto perderla loro ma intanto io segno un appunto sul mio registro perché conto di seguirli ancora per molto, molto tempo…e consiglio anche a voi di fare lo stesso. Follow the Professor!

Le Sfide del Rock raccontate dal Prof. Garage: Van Halen vs Malmsteen

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Di quando in quando però le sue lezioni non si tengono per la strada, che sarebbe il loro posto deputato, e nemmeno vicino ad un furgone sgangherato, come sarebbe consuetudine. No, qualche volta è più istruttivo commentare degli incontri, o per meglio dire degli scontri, tra i grandi protagonisti della scena mondiale. E allora bando alle ciance, mettetevi comodi e preparatevi a tifare per i vostri beniamini. Queste sono le sfide del Rock che il Prof. Garage organizza in queste particolari occasioni.

La vita, si sa, ci propone sempre nuove sfide. Quando non è lei a farlo ci pensa il vostro Prof. ad inventarne qualcuna divertente. Chi mi ha seguito nelle scorse puntate di questa rubrica si starà chiedendo se sia di nuovo toccato a me sostituire il direttore del campus sportivo dell’Università ma fortunatamente non è questo il caso (comunque nei corridoi si dice che la tresca con l’affascinante assistente di Mitologia e Religioni Arcane sia sempre più bollente). Lasciamoci dunque alle spalle, ma solo per il momento, i Lampi di Gloria di cui avevamo parlato a questa pagina e abbandoniamo la nobile arte della precedente competizione per cimentarci in una gara più rozza, pericolosa e…illegale. Dal parcheggio di fronte alla mensa diamo il via ad un giro secco di quattro isolati su rombanti muscle-car da centinaia di cavalli che decreterà a suon di sportellate un solo vincitore. Una corsa di velocità mi sembrava la sfida giusta perché i nostri partecipanti possono viaggiare tranquillamente con il metronomo impostato a 200 e sono tra i più temerari, funambolici e ipertecnici chitarristi della storia del Rock! Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi negli abitacoli delle nostre macchine ho chiuso niente di meno che Yngwie Johan Malmsteen, al secolo Lars Johan Yngve Lannerbäck, e Eddie Van Halen, nato Edward Lodewijk Van Halen, in un confronto Svezia contro Olanda che si preannuncia leggendario.

I motori hanno iniziato a rombare sul finire degli anni sessanta quando un giovanissimo Eddie, trasferitosi in California a seguito della famiglia, decise di dedicarsi alla chitarra lasciando così definitivamente la sua batteria al fratello Alex, con il quale suonerà poi per tutta la carriera. Quasi contemporaneamente dall’altra parte del mondo un altro ragazzino anch’egli figlio di una famiglia di musicisti, impressionato da un’esibizione di Jimi Hendrix trasmessa in TV per la sua prematura scomparsa, abbracciava la chitarra facendosi però ispirare da nomi come Paganini e Bach. Vi svelo subito un’altra cosa che i nostri protagonisti hanno in comune: pur divisi da stili e percorsi artistici totalmente diversi, molti anni più tardi entrambi saranno eletti tra i dieci migliori chitarristi di tutti i tempi! Ma torniamo alle sfolgoranti carriere dei nostri piloti perché la procace gnoccolona d’ordinanza sta già per lasciar cadere il fazzoletto e, com’è noto, quello è il momento per mollare le frizioni!

I Van Halen, forti di una formazione stabile e di un progetto già ben definito lasciarono sull’asfalto la prima sgommata già nel 1978. L’omonimo album d’esordio fu a dir poco rivoluzionario e li proiettò direttamente nel mainstream con un hard rock quasi metal che li manterrà a cavallo dei due mondi per molti anni. Al giovane ed eccentrico Malmsteen ci volle un po’ più di tempo per ingranare la prima ed emergere ma non per farsi notare come virtuoso delle sei corde. Era il 1984 e con il debutto dei suoi Rising Force il nostro eroe poneva le basi, pur già accennate nelle collaborazioni precedenti, per il sotto-genere a cui ha dato i natali: il neoclassic metal. Carriere parallele e generi diversi terranno i nostri sfidanti, pur uniti da stima reciproca, separati sui palchi della storia del rock ma non nei cuori dei chitarristi, degli aspiranti axeman e degli amanti dei tecnicismi di tutto il mondo che dagli anni ottanta, ovvero da quando il modo di suonare rock è stato stravolto, li osannano come veri e propri eroi.

Stridono e fumano le gomme mentre siamo già alla prima curva quindi è giunto il momento di esaminare motori e carrozzerie dei bolidi in pista. Mentre Yngwie si è per lo più dedicato a raffinare costantemente la sua strumentazione partendo da una classica accoppiata Fender Stratocaster e Marshall valvolare con coni Celestion, Van Halen ha nel tempo adottato amplificatori e soprattutto chitarre di diverse marche, tra cui Kramer, Peavey e Charvel, partendo da una che si è assemblato da solo per approdare infine a quelle prodotte con un suo marchio proprietario, la EVH (dalle sue iniziali, per chi si fosse distratto troppo guardando la ragazza allo start). Mi perdoneranno quelli che non masticano troppo di chitarre ma con protagonisti di questo genere non si può evitare di entrare un po’ più nello specifico di queste due asce che, nemmeno a dirlo, non potrebbero essere più diverse: laddove infatti la chitarra di Yngwie adotta un look classico, sottolineato dalle forme e dal tipico colore bianco invecchiato, quella di Eddie propone linee più moderne votate al confort del musicista sfoggiando addirittura una paletta la cui forma è ideata e brevettata de Van Halen stesso.

Preferenze differenti anche per i legni naturalmente, nonché per i ponti: Malmsteen utilizza infatti un classico ponte Fender, modificato però con un blocco in ottone, per aggiungere sostegno al suono, a cui tra l’altro accoppia un capotasto dello stesso materiale. Van Halen ha scelto invece un ponte Floyd Rose appoggiato per permettere il movimento in un solo senso, ovvero un dispositivo che dovrebbe garantire maggiore precisione ed un’accordatura più stabile. A questo viene poi installato un congegno, di nuovo brevettato da Eddie, con cui si può variare istantaneamente l’accordatura della sesta corda da Mi a Re. Grandi differenze anche nella scelta dei pickup, ovvero dei “microfoni” atti a raccogliere il suono: Yngwie apparentemente utilizza una classica tripletta di single coil che in realtà però nascondono una doppia bobina per avere una “spinta” e una silenziosità simile a quella di tradizionali humbucker, ovvero pickup raddoppiati non solo nella potenza sonora ma anche nelle dimensioni. Di questo ultimo tipo sono quelli adottati da Van Halen che nel tempo ha trovato da solo una “ricetta” per costruirseli in modo da ottenere il suono desiderato.

Per entrambi naturalmente questi componenti sono stati evoluti nel tempo e ne esistono diverse versioni, anche prodotte da costruttori differenti, mantenendo però di volta in volta invariato molte delle caratteristiche originali. Senza entrare troppo nello specifico basti sapere che la combinazione scelta da Yngwie dovrebbe, almeno sulla carta, consentirgli una maggiore versatilità laddove invece la soluzione sposata da Van Halen predilige la pressione sonora necessaria al suo particolare stile… di cui ci occuperemo tra breve. Concludiamo questa lunga ma doverosa parentesi con l’ultima squisitezza: in casa Malmsteen la tastiera è di tipo “scalloped” ovvero scavata, una modifica utilizzata prima di lui anche da Ritchie Blackmore, l’unico chitarrista da cui Yngwie si sia lasciato in qualche modo influenzare. E’ al chitarrista dei Deep Purple infatti che si devono le prime seminali iniezioni di musica classica nelle partiture rock.

Una curiosità prima che le vetture si lancino sul prossimo rettilineo: sappiate che volendo potete comprarvi una versione “replica” dei fantastici strumenti di cui abbiamo parlato, nonché degli amplificatori e persino degli effetti dei nostri eroi ma non aspettatevi che suonino come li sentite sui loro CD perché lì la magia sta tutta nelle dita! C’è però una buona notizia: forse voi non ci crederete ma, come molti chitarristi della loro generazione, anche Eddie e Yngwie sono autodidatti! Proprio così: nessuno dei due ha mai preso una lezione di chitarra e, se è vero che a Malmsteen bastano tre settimane per comporre una suite per orchestra di quattrocento pagine, Van Halen a quanto pare non ha mai nemmeno imparato a leggere la musica su uno spartito. Purtroppo è altrettanto vero che Yngwie, proprio come Paganini, per via del suo mostruoso talento è stato addirittura accusato di aver fatto un patto con il diavolo…ma voi, se ve la sentite, potete comunque provare ad imitarlo! Una piccola chicca: tra le vie di Genova, la città di Paganini, non è impossibile trovare scritto sui muri “Malmsteen è il demonio” in caratteri dal perfetto stile gotico!

Secondo rettilineo, staccata da tirar su la cena del giorno prima, inserimento in controsterzo e siamo di nuovo a parlare di album. I Van Halen hanno costruito la propria fortuna sostanzialmente nei primi venti anni di carriera attraverso una decina di album straordinari che possono più o meno essere divisi in due periodi. L’era con David Lee Roth al microfono fu caratterizzata da composizioni un po’ “fuori di testa” ovvero più innovative e spontanee, scolpite con un hard’n’heavy tutto energia e divertimento al punto che ancora oggi nei negozi non è insolito trovare questi CD tanto nella sezione hard rock che in quella dedicata all’heavy metal. La successiva, con Sammy Hagar alla voce, vide invece protagonista un songwriting più maturo e ordinato, sonorità più “tastierose”, un generale e considerevole ammorbidimento e melodie assai più catchy che infatti portarono il gruppo ad ampliare la propria platea e quindi a nuove vette di successo. Seguì un lungo periodo di astinenza dallo studio di registrazione fino alla reunion con Roth che ad oggi è di nuovo il frontman ufficiale della band. Per dirla tutta in questo lungo lasso di tempo c’è stato un avvicendamento bizzarro tra i due frontman interrotto anche da una breve parentesi che ha visto l’ex-Extreme Gary Cherone appostarsi dietro al microfono. E’ stato solo un modo per rischiare un brutto testacoda e infatti niente di tutto ciò ha portato grandi risultati se non contiamo le infinite polemiche, i problemi contrattuali, i pasticci con i diritti, le conseguenti cause legali e le liti a mezzo stampa degne delle migliori telenovelas.

La carriera dei Rising Force è stata molto più costante con il solo Malmsteen a fare da centro di gravità di una formazione che ha visto ruotare sempre diverse collaborazioni, più o meno illustri, senza smarrire però mai la via della produttività come testimoniano oltre venti album sparpagliati con una certa regolarità in più di trent’anni. Sul genere si potrebbe scrivere un intero testo ma in estrema sintesi diciamo che riprende canoni e sonorità della musica classica fondendoli con il metal d’alta scuola in un connubio che nel tempo tanti hanno tentato di imitare senza però nemmeno riuscire ad avvicinarsi all’originale. Pensate che il fenomeno si estese tanto da meritarsi una definizione specifica e infatti ad un certo punto si iniziò addirittura a parlare di Bach’n’Roll proprio per identificare questo movimento. Contrariamente a quanto succede di solito gli album di Malmsteen, che solo saltuariamente escono con il monicker Rising Force secondo una logica non proprio cristallina, hanno subìto un progressivo incattivimento almeno fine alla fine degli anni novanta per poi assestarsi su quello che ancora oggi è il suo stile definitivo.

Le gomme stridono, il retrotreno delle vetture si mette di traverso e intanto io colgo l’occasione per sottolineare un’ulteriore differenza nell’approccio con la musica dei nostri axeman. Mentre Yngwie ha da sempre mostrato una fedeltà alle proprie idee e un’integrità artistica che spesso è sfociata, e sfocia tuttora, in aspre critiche, Van Halen si è dimostrato aperto alla metamorfosi e all’evoluzione tanto che, se non fosse per l’inconfondibile sound della sua chitarra, si stenterebbe ad attribuire allo stesso artista la paternità di due brani a caso presi dal periodo con Roth e da quello con Hagar. Non che in casa Malmsteen siano mancati gli esperimenti, è solo che suonare con una vera orchestra alle spalle non si può chiamare “cambiamento” quando si suona neoclassic metal…al più, per quanto mirabile e straordinaria sia questa impresa, potrebbe essere definito una variazione sul tema. Ma non fraintendetemi, ho già avuto modo di sottolineare su queste stesse pagine come il tanto vituperato immobilismo artistico, di cui vengono accusati molti grandi nomi del rock e soprattutto del metal, non sia necessariamente un male. Voglio dire che finché ci si può vantare di aver inventato un genere, apprezzato o meno che sia, si possono tranquillamente rimandare al mittente tutte le critiche in merito a come questo debba o meno essere sviluppato ed evoluto. Quando Malmsteen si sentirà di abbandonare l’amatissima scala minore armonica, il cui utilizzo estensivo ha contribuito alla sua fama e al suo stile, per qualcosa di diverso tutto il mondo se ne accorgerà. Fino ad allora il neoclassic metal sarà così e chi non è d’accordo può, come suggerito da Yngwie stesso non senza sottolineare quanto sarebbe un terribile sbaglio, evitare di comprare i suoi dischi.

Quarta, terza, seconda e una puntata appena di freno a mano per entrare in traiettoria, lanciarsi a ruote fumanti verso l’orizzonte e tentare di agguantare il prossimo sorpasso che… non si può fare con la sola potenza. Ci vuole anche tecnica e in quanto a questo i nostri virtuosi non sono secondi a nessuno e naturalmente ognuno ha le sue preferenze o, per meglio dire, ognuno ha portato a nuove vette di perfezione ed espressività una tecnica diversa. Qualora non abbiate mai sentito parlare di tapping sappiate che è un modo di suonare la chitarra “picchiettando e strappando” le corde con la punta delle dita, se fatto contemporaneamente con entrambe le mani su tutta la tastiera consente fraseggi estremamente veloci e complessi. In molti avevano già integrato brevi passaggi di questo tipo nei propri assoli ma nella storia del rock nessuno prima di Van Halen e della sua Eruption si era mai spinto a livelli di difficoltà e perfezione simili. Si tratta di un brano strumentale incentrato appunto sul tapping e presente sull’album d’esordio della band del 1978. In pratica è un unico, incredibile assolo che lasciò il mondo della chitarra rock nello scompiglio per molti anni. Più o meno fino a quando, a metà degli anni ottanta, un altro guitar hero non si affacciò sulla scena stravolgendone di nuovo i canoni e prendendo in contropiede un’intera generazione di axeman che, con rare eccezioni, prima di quel momento venivano chiamati “fenomeni” e che dopo si trovarono ad inseguire chiedendosi che cosa li avesse travolti.

Malmsteen si ispirò a Bach e Vivaldi per integrare le melodie classiche in partiture metal suonate a velocità stratosferiche consentite da una perizia nella plettrata alternata e nello sweep picking ancora oggi praticamente ineguagliata. Semplificando esageratamente il concetto si tratta di suonare serie di note prese in sequenza su corde adiacenti con un unico movimento del plettro… insomma una cosa per molti ma non per tutti. Quello che lascia esterrefatti comunque non è tanto la rapidità nell’esecuzione, che francamente ha comunque del miracoloso, ma l’estrema naturalezza con cui Yngwie lo esegue. Non è quindi solo quello che fa, ma anche e soprattutto come lo fa a lasciare senza parole. Ascoltarlo su disco potrebbe non bastare, bisogna andare sotto il palco ad un suo concerto per rendersene conto. Io l’ho fatto: la precisione e l’estrema pulizia derivante dalla perfezione esecutiva si sentono anche a orecchio ma mentre gli altri chitarristi che tentano di eseguire parti vagamente simili sembrano sul punto di un collasso coronarico, lui le suona andando avanti per interi minuti con una disinvoltura tale da farle quasi sembrare facili. Onestamente fa persino incazzare… provare per credere!

Il traguardo è già lì. I due bolidi spuntano appaiati sul rettilineo finale sportellandosi a velocità da stracciare le patenti. Se leggete questa rubrica è perché vi interessa la sostanza e non il futile pettogolezzo quindi lasciamo da parte tutte le critiche sui problemi di alcolismo, le polemiche con la stampa, le disquisizioni su condizioni di salute talvolta allarmanti, i commenti sui nomi dei figli Antonio (come Vivaldi) Malmsteen e Wolfgang (come Mozart) Van Halen e le immancabili chiacchiere su quanto uno sia presuntuoso, scontroso e arrogante o l’altro sia volubile e scostante. Limitiamoci ad osservare che la genialità e l’eccellenza hanno un prezzo e che anche la fama, o la sua insufficienza, presenta sempre un conto molto salato. Lo testimoniano tutti i problemi di line-up e management che entrambi hanno dovuto affrontare e che non sono certo stati semplificati da personalità accomodanti o inclini alla tolleranza. D’altronde per raggiungere certi livelli bisogna per forza diventare perfezionisti, pignoli e talvolta maniacali dunque non deve sorprendere che le opinioni sui nostri guitar hero siano per lo meno discordanti e non sempre lusinghiere. Se ci pensate non avrebbe potuto essere altrimenti. Stiamo parlando di chitarristi solisti ovvero della massima espressione dell’egocentrismo e dell’autoreferenziazione. Basta guardare il video di un loro live per rendersene conto. L’unica differenza è che con l’avanzare dell’età (e degli acciacchi) Eddie si è dato una calmata, non è che abbia forato una gomma, rimane incredibile per gli occhi e per le orecchie ma non è più spettacolare come una volta. Yngwie al contrario è rimasto lo show-man spaccone di sempre e, piaccia o no, è innegabile che le sue esibizioni siano una vera meraviglia, sensazionali ed esagerate sotto ogni punto di vista.

Bandiera a scacchi e vittoria da assegnare al photo finish! Purtroppo questa è una gara illegale su strada e, visto che la conturbante gnoccolona di cui sopra ha alzato i (vertiginosi) tacchi e mi ha mollato subito dopo la partenza, non ci sono che io a controllare l’arrivo e ad accogliere il rientro dei nostri piloti…temo che ne saranno oltremodo delusi! Niente rilevamenti elettronici insomma, quindi cerchiamo di assegnare questa vittoria valutando la corsa. Se considerassimo i soli album venduti probabilmente Van Halen vincerebbe a mani basse, come è ovvio avendo dedicato buona parte della propria carriera ad un genere più melodico, meno estremo e in generale più adatto a grandi numeri. D’altra parte Malmsteen ha composto di più, pubblicato più album, calcato più palchi, partecipato a più collaborazioni risultando insomma più attivo e soprattutto più costante. Non si può dimenticare poi che Yngwie ha di fatto sdoganato un nuovo genere e, anche se oggi è rimasto praticamente il solo a suonarlo, è innegabile che in passato molti abbiano seguito le sue orme e che tuttora la sua impronta unica si possa vedere impressa nello stile di molti chitarristi soprattutto in ambito metal.

Dal canto suo Eddie ha dato il via alla generazione di fenomeni che ha spopolato negli anni ottanta affermando il moderno modello di “shredder” (virtuoso solista delle sei corde tipicamente un po’ sborone, proprio come piace a noi fan) e portando nelle orecchie del grande pubblico nuovi livelli di ipertecnicismo. Insomma più ci addentriamo nelle imprese di questi due giganti delle sei corde più la proverbiale asticella si alza. Innovatori, talentuosi, visionari, viscerali, emozionanti, irraggiungibili… in una parola: unici. Forse per questa volta potremmo accontentarci di scegliere con il cuore, o se preferite con le orecchie, basandoci solo sulle nostre personali preferenze perché, pur con tutte le dovute differenze, forse la linea del traguardo l’hanno davvero raggiunta nello stesso momento. Follow the Professor!

Lampi di Gloria raccontati dal Prof. Garage: House Of The Rising Sun by The Animals

Il Prof. Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nella sua materia non sfoglia libri e non traduce lingue antiche ma sul suo furgoncino sgangherato ascolta la musica e i cuori di chi ha il Rock nel sangue. Durante i suoi studi di tanto in tanto si imbatte in brani stupendi, divenuti giustamente celeberrimi, i cui autori però, per un motivo o per l’altro, non godono più di altrettanta fama o sono stati addirittura dimenticati. E’ per soddisfare i più curiosi e sopperire a questa ingiustizia che il Prof. Garage ci guida attraverso la Storia del Rock seguendo questi… Lampi di Gloria.

Rockofagi e Rockofili di ieri e di oggi, come nella scorso episodio disponibile a questa pagina anche in questa puntata ci occupiamo di un brano molto speciale passato alla storia addirittura più del gruppo che l’ha partorito. House Of The Rising Sun prende forma da una tradizionale ballata country americana tanto datata da non poter più essere attribuita all’autore originale il cui nome purtroppo si è perso nelle pagine del tempo. La prima versione registrata viene fatta risalire ad un periodo compreso tra le due grandi guerre ma successivamente nel corso degli anni molti gruppi ne hanno proposto una propria versione. Tra questi spicca per importanza Bob Dylan anche se furono i The Animals a darle l’immortalità che l’ha portata nelle orecchie di tutti noi. È a loro che l’hanno sdoganata nel mondo intero, non senza incorrere in qualche immancabile polemica, che viene quindi generalmente attribuita la paternità di questo pezzo di storia del rock. Ecco come andò.

Verso la metà degli anni sessanta nel Regno Unito prendeva forma la British Invasion, un movimento musicale che a più riprese porterà i gruppi inglesi come Beatles, Rolling Stones, Fab Four, The Kinks e altri ancora a conquistare le classifiche statunitensi e canadesi. Fu un fenomeno davvero notevole principalmente per due ragioni. La prima è che fino a quel momento l’onda delle influenze aveva viaggiato prevalentemente in senso opposto. La seconda è che, come detto, ce ne furono diverse edizioni, come a dimostrare la concretezza di una scena musicale costantemente fertile e non solo capace di una sporadica fiammata… ma questa è un’altra storia. Noi torniamo al 1964 quando i neonati The Animals, incoraggiati dai positivi riscontri raccolti sui palchi delle loro prime esibizioni come quintetto rhythm and blues, rilasciarono alle stampe il loro primo successo internazionale: House Of The Rising Sun. Come detto non si trattava di un brano originale ma l’arrangiamento ipnotico e le sonorità orecchiabili e penetranti, che oggi con ogni probabilità definiremmo “catchy”, ne decretarono comunque l’immediato successo stabilendo al contempo le fondamenta del futuro stile della band.

Il sound del gruppo ruotava infatti sull’organo compatto di Alan Price e rimarrà piuttosto “tastieroso” anche dopo che questi lasciò i compagni l’anno successivo. Val la pena di notare che questo particolare strumento, un Vox Continental all’epoca davvero innovativo per le ridotte dimensioni e per l’adozione di tasti neri e bianchi (invece che bianchi e neri), sebbene appena uscito sul mercato fece subito diversi proseliti. E’ lui infatti a donare con il suo tipico timbro acido molta della personalità che ha contribuito a rendere celebri tanti pezzi famosi tra cui vanno menzionati almeno Break On Throught e Light My Fire dei Doors e In-A-Gadda-Da-Vida degli Iron Butterfly, tutti usciti nel triennio successivo. Al tastierista dei The Animals, che nel video del nostro brano esibisce il suo Vox Continental dalla caratteristica ed inusuale finitura in pelle rossa, va invece riconosciuto il merito di aver fatto scuola essendo di fatto stato tra i primi ad adottarlo stabilmente.

Ecco dunque una delle chiavi del successo di House Of The Rising Sun: oggi non ce ne rendiamo più conto ovviamente ma allora, a metà degli anni sessanta, quel sound era davvero innovativo e arrivò perciò ad influenzare diversi nomi anche piuttosto blasonati. Un altro aspetto peculiare che distinse questo brano dalla folta concorrenza e contribuì alla sua fortuna è la profonda inquietudine sottesa per tutto il pezzo a tormentare l’ascoltatore. Se ci fate caso tutto è votato ad incrementare questo senso di malinconia: la voce cadenzata e incalzante di Eric Burdon, il particolare suono del già citato organo e persino lo strano video sono concepiti appositamente. D’altronde non poteva essere altrimenti visto che il testo parla di disagio sociale e prostituzione in una casa chiusa di New Orleans. Ai più scrupolosi interesserà sapere che di questo brano esistono due versioni: quella al femminile parla di una ragazza costretta a prostituirsi per vivere, quella al maschile, che è l’originale di cui ci stiamo occupando, di un ragazzo che, incapace di realizzarsi, spreca la sua vita nella House Of The Rising Sun… in ogni caso, a quanto pare, la storia tra quelle mura non finisce tanto bene per i protagonisti. Volendo cercare un lieto fine potremmo considerare che, stando a quanto sostengono i ben informati, quella casa è stata demolita ad inizio secolo…non è molto ma è già qualcosa.

Ad ogni modo il brano fu un successo che proiettò i The Animals al primo posto delle classifiche inglesi, statunitensi e canadesi. Disgraziatamente il gruppo non seppe gestire l’improvviso successo ed i conseguenti impegni ed iniziarono così ad avvicendarsi in formazione diversi componenti con il solo Eric Burdon rimasto a tenere le fila del progetto. Fino alla fine degli anni sessanta la band, pur senza raggiungere le vette toccate con l’esordio, comparve in posizioni importanti nelle classifiche di vendita entrando anche a più riprese nella top ten anglosassone. Successivamente il gruppo si sciolse salvo ricomparire a intermittenza per rilasciare vari altri lavori e compilation che interesseranno però solo i fan più sfegatati. A tutti gli altri resta da godere di questo brano che è un piccolo capolavoro, retaggio di quel rock seminale che ha portato tanti frutti nelle generazioni successive. Vien da chiedersi come sarebbe cambiato lo skyline della storia del rock senza la House Of The Rising Sun. Io credo che una fermata tra quelle mura abbia portato solo buoni frutti, voi invece potete dirmi la vostra opinione nei commenti qui sotto.

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