Special Guests del Rock raccontati dal Prof. Garage: Volbeat

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Nel suo infinito peregrinare tra concerti e festival di tanto in tanto invita per una chiacchierata sul suo furgoncino sgangherato band di ogni tipo, grandi e piccole, famose ed emergenti, alcune davvero troppo valide per essere trascurate. Per ora questi gruppi possono soltanto aspirare allo status di Leggenda del Rock ma sono comunque “osservati speciali”, ospiti del Prof. Garage che, sempre attento alle nuove tendenze, all’originalità e all’innovazione vi parla di quelli che oggi sono special guest nella Storia del Rock.

Come certamente tutti sapete ad ogni concerto che si rispetti sono presenti uno o più “gruppi spalla” ovvero delle band relativamente giovani a cui viene data l’occasione di promuovere il proprio lavoro davanti ad un pubblico che da soli magari faticherebbero a raccogliere. Quando questi gruppi saranno cresciuti abbastanza offriranno la stessa possibilità ad altri… o almeno questa è la versione romantica della storia. Ispirandomi a questa idea ho voluto anch’io proporvi una selezione di nomi che si sono distinti nel tempo per inventiva, qualità, tecnica o…diciamocelo, pazzia. Dopo avervi parlato di alcune leggende del Rock e avervi presentato uno scontro davvero “epico” a questa pagina è il momento di affrontare una compagine particolarissima che in una carriera già di tutto rispetto si è senz’altro distinta per originalità meritandosi di aprire questo nostro ideale concerto. Non si tratta certo di pivelli, hanno già rastrellato un gran numero di premi, sono in circolazione da quasi quindici anni e all’attivo possono già contare sei album e diversi tour. Insomma sono ottimi candidati per diventare leggende del Rock ma non volevo aspettare oltre per parlarvi degli special guest di oggi: i danesi Volbeat.

Al momento attuale solo due dei tre membri della formazione originale sono ancora nel gruppo ma in compenso ora annoverano tra le loro fila un chitarrista in più, un certo Rob Caggiano che, per chi non lo sapesse, ha suonato per una decina d’anni negli Anthrax, parliamo di uno dei Big Four, mica pizza e fichi. Come dire: se è andato bene per Scott Ian e soci può andare bene ovunque…e infatti è così. Va alla grande, persino quando deve suonare rockabilly-metal! No, tranquilli, questo genere non esiste però nelle composizioni di Michael Poulsen, cantante, chitarrista, leader e fondatore dei Volbeat si sentono chiaramente gli ascolti con cui è cresciuto, ovvero, per sua stessa ammissione: Elvis Presley, Chuck Berry, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Fats Domino. Vien da sé che con influenze come queste il genere proposto dai Nostri sia un fresco crossover che ha da spartire poco o niente con qualsiasi altro brano possiate sentire su una normale web radio dedita al metallo. L’intenso e trascinante groove che caratterizza il metal dei Volbeat li ha infatti distinti tanto quanto il genere di cui sono protagonisti incontrastati valendo alla band diversi riconoscimenti in patria e all’estero. Poulsen stesso definisce la sua musica come un hard rock influenzato dai suoi ascolti adolescenziali che, oltre quelli già indicati, annoverano Dio, Black Sabbath, Rainbow, Deep Purple, Metallica, Iron Maiden e ovviamente la più famosa metal band danese dell’epoca, i Mercyful Fate di King Diamond. Non è solo una fortuita coincidenza che questi siano proprio gli stessi gruppi seguiti all’epoca dal moroso di sua sorella… pensate (anche) a questo la prossima volta che andate a trovare la vostra ragazza e c’è in circolazione il suo fratellino!

Torniamo ai Volbeat. Per ora sono sei le loro fatiche in studio. Il debutto del 2005 The Strength/The Sound/The Songs che pur con i suoi alti e bassi stupì pubblico e stampa, il più lineare Rock the Rebel/Metal the Devil del 2007 che confermò quanto di buono ci fosse nel precedente capitolo aggiustando però il tiro e non di poco, l’album della maturità Guitar Gangsters & Cadillac Blood del 2008 che da molti è considerato il loro miglior CD e lo stratosferico Beyond Hell/Above Heaven del 2010 che vanta anche qualche collaborazione illustre. Con la formazione attuale seguirono poi i più recenti Outlaw Gentlemen & Shady Ladies del 2013, che rimescola un po’ le carte in tavola virando verso sonorità più heavy in virtù dell’inserimento di una seconda chitarra, e Seal The Deal & Let’s Boogie del 2016 in cui si può apprezzare un ulteriore step di crescita e che, come il suo predecessore, ha avuto un notevole successo anche oltreoceano. Curiosità: in questo ultimo album il già citato Rob Caggiano si è occupato anche delle parti di basso in attesa che venisse reclutato un nuovo bassista.

Ora inizia il difficile perché ormai sapete tutto quanto c’è da sapere sui Nostri ma se leggete questa rubrica significa che volete di più, dunque cerchiamo di andare oltre. Musicalmente i Volbeat propongono un mix sorprendente di soluzioni antiquate e modernissime a partire dalla voce, che sembra la perfetta sintesi tra l’Elvis dei bei tempi d’oro e il Danzig più indemoniato, in un connubio strano ma di sicuro interesse. E’ questo più di tutto a contraddistinguere e a rendere riconoscibilissimo il sound della band ma è di grande effetto anche il comparto melodico che amalgama in questo strano cocktail riff di ferocissimo thrash con sofisticati, a volte persino delicati, fraseggi rockabilly, blues e country. Poulsen stesso poi raccomanda di non prendere i testi troppo sul serio ma non perché siano insensati o sciatti bensì perché il filo conduttore che attraversa e lega tutta l’opera della band è il Divertimento (sì, con la “D” maiuscola). Molto di ciò che il gruppo esprime è veicolato dall’ironia e tenuto insieme da un alone di positività che infatti stempera le atmosfere più pesanti e alleggerisce i messaggi più impegnati, che pure ci sono. L’ascolto giusto per ogni momento della giornata insomma, almeno fintanto che non si tenti di etichettarne il genere. Un po’ stoner e un po’ country, un po’ metal e un po’ rockabilly, un po’ punk e un po’ blues… insomma è meglio lasciare che sia la musica a parlare e a raccontarci le sue storie, libera da schemi e categorie di sorta. I Volbeat suonano quello che vogliono, quello che li diverte, qualcosa di nuovo e diverso che non ha perso la sua freschezza nemmeno dopo quindici anni.

Non ve ne ho parlato però solo per questo ma anche e soprattutto perché al giorno d’oggi questa band incarna come poche altre lo spirito del rock’n’roll. Amano i festival, i tour interminabili, il divertimento in mezzo al casino, naturalmente la vita sulla strada e, più di tutto, il loro pubblico tanto che sono rimasti tra i pochissimi a mantenere rigorosamente gratuito il meet and greet. Per chi non lo sapesse la possibilità di incontrare faccia a faccia la propria band del cuore spesso, e tristemente, costa…a meno che naturalmente non siate fans dei Volbeat! Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi vi lascio con un ultimo consiglio: visto che loro amano il nostro Paese e ci vengono ogni volta che possono, se potete andate a vederli dal vivo e non prestate orecchio a quanti li accusano di composizioni troppo semplici o soluzioni espressive eccessivamente ripetitive. Quello che conta è l’effetto finale…ed è davvero grandioso! Ecco perché i Volbeat sono ospiti molto speciali e al fianco dei più grandi sul nostro palco virtuale, ecco perché ho voluto parlarvene subito ed ecco perché li aspettiamo con impazienza tra le leggende del Rock! Follow the Professor

Le sfide del Rock raccontate dal Prof. Garage: Manowar vs Hammerfall

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica. Di tanto in tanto però le sue lezioni non si tengono per la strada, che sarebbe il loro posto deputato, e nemmeno vicino ad un furgone sgangherato, come sarebbe consuetudine. No, qualche volta è più istruttivo commentare degli incontri, o per meglio dire degli scontri, tra i grandi protagonisti della scena mondiale. E allora bando alle ciance, mettetevi comodi e preparatevi a tifare per i vostri beniamini. Queste sono le sfide che il Prof. Garage organizza in queste particolari occasioni…

Siccome il dirigente del campus sportivo nell’università è spesso “impegnato in attività extracurricolari” con la conturbante assistente di Mitologia e Religioni Arcane ogni tanto qualcuno deve sostituirlo. Questa volta è toccato a me. Non che mi dispiaccia. E’ l’occasione giusta per organizzare qualcosa di nuovo e per oggi ho scelto di proporvi un incontro di pugilato veramente speciale quindi iniziamo subito con la presentazione degli sfidanti. Purtroppo non sono molto bravo come anchorman per cui, rockofagi e rockofili, ho proprio bisogno del vostro aiuto: vi chiederei di leggere le prossime righe con la massima enfasi possibile. Nell’angolo alla mia destra: con il peso di 139 decibel, con cui sono rimasti nel guinness dei primati finché la voce non è stata derubricata per i rischi alla salute che comportava, i signori statunitensi del metallo. Sovrani senza macchia e senza paura sono incorruttibili, immarcescibili e hanno dato vita ad un genere che hanno poi promosso per tutta la loro carriera. Professano di essere i veri e unici difensori dell’heavy metal, sono campioni di fierezza e lo mostrano tanto nello spirito quanto nei corpi palestrati come non si era mai visto su un palco… Signore e Signori: i Manowar!

Nell’angolo alla mia sinistra: gli sfidanti, i pretendenti alla gloria immortale dell’epic metal. Vengono dalla Svezia, sono cavalieri forgiati nelle avversità di mille battaglie e hanno avuto la forza di emergere nonostante la crisi del metal degli anni novanta. Hanno dalla loro una carriera iniziata quindici anni dopo, una formazione con un chitarrista in più e la capacità di padroneggiare anche il power metal. Vorrebbero essere gli unici “detentori del verbo” e della “fede del metallo” e sono pronti a sudarsi questo titolo. Signore e Signori: gli Hammerfall! Questo scontro esplosivo inizia a distanza ma prima è doverosa una precisazione: l’epic metal ha alcune peculiarità tra cui spiccano per importanza le tematiche dei testi. Fantasy, mitologia, guerra, onore, cameratismo e gesta eroiche sono solo alcuni degli argomenti cari ai fautori del genere. Questo ha però nel tempo comportato delle difficoltà nel catalogare gruppi, per lo più europei, dediti ad un power metal incentrato su temi simili. Musicalmente l’epic metal è spesso più cadenzato, marziale e votato ad atmosfere esaltanti create con cori, parti narrate o introduzioni sinfoniche di grande effetto. Siccome però non mancano episodi più veloci e immediati, ma di non minore impatto, talvolta il confine diventa davvero sfumato… e non andrei oltre. Basti dire che non si potrebbe considerare un errore da “penna rossa” etichettare come epic metal una canzone di classico power cappa e spada, ne abbiamo incontrate diverse nella precedente puntata sui Blind Guardian (a questo link se volete approfondire).

Ad ogni modo, più che dal genere, le due band che si sfidano oggi sono accomunate dal credo nell’heavy metal come filosofia prima ancora che come musica. Il musicista suona per passione e non per un tornaconto economico, i metallari sono una grande famiglia unita nel rispetto e nel senso di appartenenza, i componenti della band sono come fratelli anche giù dal palco o fuori dallo studio di registrazione, il gruppo è devoto ai propri fan e a loro deve tutto quindi si impegna al massimo per la loro soddisfazione, eccetera. Qui ci sarebbe poi da aggiungere un’ampia parentesi sulla dedizione agli alcolici ma siccome a quanto pare il vero vizio di Oscar Dronjak, chitarrista degli Hammerfall, è la cioccolata vi devo rimandare ad un qualsiasi show dei Manowar per imparare come bere un’intera lattina di birra senza mai prendere fiato. Insomma ecco spiegato perché a contendersi il titolo di difensori del vero metallo sono proprio queste due band e non altre. Suona la campana…seguiamo l’incontro per scoprire chi vincerà.

Come accennato, all’inizio della nostra storia gli Hammerfall non esistevano ancora. Tutto iniziò durante il tour di Heaven And Hell dei Black Sabbath allorquando uno dei loro roadie, Joey DeMaio, conobbe il chitarrista del loro gruppo di spalla, Ross the Boss. Da lì a poco venne scelto come cantante un emergente ragazzo prodigio, Eric Adams. Era il 1980 e fu così che nacquero i Manowar. Dopo il primo seminale album quella che oggi è considerata la formazione classica fu completata con il compianto batterista Scott Columbus. Forti di un sound esplosivo, tecnico e molto particolare al gruppo venne subito riconosciuta la paternità del genere epic metal che già dal secondo disco, Into Glory Ride, veniva codificato come cadenzato, marziale, potente nonché corredato da arrangiamenti e soluzioni di grande impatto emotivo. Ovviamente diverse figure si aggiravano sulla stessa scena già dai tempi degli Uriah Heep e dei Rainbow che però suonavano rock. Al metal ci si avvicinò solo più tardi con Virgin Steele, Manilla Road, Cirith Ungol e pochi altri che contribuirono, chi più chi meno, alla formazione e alla diffusione del genere. Nessuno però ne fece uno stile di vita, una fede e non di meno nessuno, né prima né dopo, seppe far breccia nel cuore del pubblico quanto i Manowar.

L’estrema disponibilità, lo spirito di fratellanza, il rispetto per se stessi come specchio di quello da portare ai propri compagni conquistò ampi consensi nelle platee di tutto il mondo. Il pubblico si sentiva coccolato da questi quattro americani che infatti amavano i propri sostenitori ben al di là di ogni interesse economico e commerciale. Pensate che per aver dovuto annullare un tour nel Regno Unito i Nostri si sentirono in dovere di tributare un omaggio ai fan inglesi e decisero perciò di dedicare a loro un intero album che venne intitolato appunto Hail To England. Non basta? Sentite questa: quando il chitarrista chiamato a sostituire il co-fondatore Ross the Boss abbandonò a sua volta il campo, i Manowar pensarono bene di reclutare un loro fan conosciuto ad un motoraduno! Sembrò una mossa azzardata ma non deve essere andata poi tanto male visto che Karl Logan dopo venticinque anni è ancora lì!

Dopo la pubblicazione di quello che è ritenuto il loro capolavoro, Kings Of Metal del 1988, e degli estenuanti tre anni del relativo tour, la band subì i suddetti cambi di formazione senza però fermarsi mai del tutto. Intanto il settimo The Triumph Of Steel del 1992 e l’ottavo Louder Than Hell del 1996 incorniciavano virtualmente l’arrivo sulla piazza degli Hammerfall. Nati come spin-off di gruppi come Dark Tranquillity ed In Flames si raccolsero infine intorno ad un’idea dei due membri che li accompagneranno al successo: Joacim Cans al microfono e il già citato Oscar Dronjak alla chitarra. Fu così che, mentre i Manowar diradavano la frequenza delle loro uscite discografiche a causa degli impegnativi e lunghissimi tour in cui erano costantemente impegnati, i loro cugini svedesi sferravano il primo pugno al cuore dell’epic metal. Glory To The Brave del 1997 prese in contropiede i fan e la stampa specializzata con un’energia, una freschezza e un’ispirazione davvero rari. Per non dare respiro agli avversari gli Hammerfall si ripeterono subito nel triennio successivo con Legacy Of Kings prima e con Renegade poi, che non spostavano le coordinate musicali del debut ma ribadivano la volontà della band di diventare i nuovi difensori del metal in pieno periodo grunge.

Questo onore veniva rivendicato con uno stile molto diverso da quello dei Manowar a cui contrapponevano una classica formazione a due chitarre e un sound legato alla tradizione del power/speed metal europeo, sebbene ampiamente personalizzato. Seguì nel 2002 un duro botta e risposta veramente micidiale. Gli svedesi si presentarono sugli scaffali dei negozi con l’ottimo Crimson Thunder, da alcuni ritenuto troppo commerciale ma comunque migliore dei precedenti almeno per quanto riguarda la produzione, e contemporaneamente gli americani tornarono sulla piazza con Warriors Of The World che naturalmente non spostava di una virgola il sound della band pur risultando più articolato del predecessore soprattutto in fase compositiva. Da notare su questo album un vero gancio alla mascella. Era un brano dedicato al pubblico italiano: il Nessun Dorma di Puccini venne presentato in anteprima al concerto di Milano e, credetemi, fu un’emozione travolgente. Era la prima volta che un cantante eseguiva dal vivo il ritornello due volte di fila ma all’epoca nessuno se ne rese conto…ci limitammo ad assorbire l’intensità di un’esecuzione il cui ricordo mi dà la pelle d’oca ancora oggi.

I più veloci a riprendersi da questo scontro furono ancora una volta gli Hammerfall che già nel biennio 2005/2006 rilasciarono due album alzando di nuovo la proverbiale asticella. Decisi a zittire la critica e sbattere al tappeto i rivali con un montante definitivo in meno di due anni i Nostri diedero alla luce Chapter V: Unbent, Unbowed, Unbroken e Threshold che sono quindi idealmente due metà dello stesso disco. La risposta dei Manowar ad un simile affronto non si fece attendere e nel 2007 arrivò Gods Of War perfetta sintesi ed evoluzione finale del pensiero e della visione artistica della band. Epicità ai massimi livelli, l’immancabile celebrazione dei fan come fratelli del metallo e di se stessi come unici difensori del metal nonché ampie concessioni a parti orchestrate o narrate ad aumentare l’atmosfera si sposavano con il sound tipico e immutabile della band e con una teatralità tanto esasperata da arrivare addirittura a dividere l’audience. A questo punto ai più curiosi potrà interessare sapere che sono due le peculiarità che maggiormente caratterizzano lo stile dei Manowar e che non sono mai cambiate durante tutta la loro carriera. Una è la voce di Eric Adams che può vantare un’estensione naturale notevolissima nonché una tecnica tale da garantirgli grande disinvoltura nel passaggio tra rauco e pulito. L’altra è la particolare strumentazione adottata da DeMaio. Non solo infatti Joey suona spesso corde dalla scalatura minore, ovvero più sottili, rispetto ad un basso tradizionale ma queste, grazie ad un ponte modificato, sono anche più vicine tra loro. Il tutto, unito a dei pickup esagerati, cioè che in uscita producono un volume estremamente elevato, comporta la possibilità per il bassista di fare all’occorrenza le veci di una seconda chitarra nonché di raggiungere velocità elevatissime nelle partiture di basso. Questo strumento, che rientra nella categoria dei “piccolo bass”, e che si avvicina per accordatura ad una chitarra tradizionale, viene costruito appositamente per i Manowar seguendo le loro particolari specifiche.

Torniamo al nostro incontro-scontro con un’altra nota tecnica: con il successivo album del 2009, No Sacrifice, No Victory, anche gli Hammerfall cambiarono strategia. Si presero più tempo per assestare meglio un diretto improvviso e poi sferrarono un attacco sorprendente virando verso un heavy metal più classico e al contempo più cupo e duro, con sonorità moderne e accordature di chitarra in Re, ovvero più basse. Un nuovo chitarrista e un avvicendamento anche al basso diedero immediatezza a questo disco che risultò infatti migliore del precedente in un crescendo di intensità che avrebbe steso chiunque… o quasi. I Manowar questa volta accusarono il colpo, e infatti ci misero tre anni a rispondere, ma non andarono al tappeto. Nel 2012 infatti arrivò The Lord Pf Steel che riproponeva un album più vicino agli stilemi classici del gruppo abbandonando le sperimentazioni del capitolo precedente e mettendo di nuovo d’accordo i fan vecchi e nuovi pur risultando ancora una volta alquanto autoreferenziale, almeno alle orecchie dei più critici. L’ultimo tocco spettò di diritto agli Hammerfall che, approfittando della distrazione degli avversari, intenti a riregistrare i primi lavori, assestarono un paio di jab devastanti nel triennio 2011-2014. (r)Evolution e Built To Last non aggiungevano e non toglievano nulla a quanto detto fino a quel momento ma mostravano una concretezza e una integrità con cui i Nostri si dimostravano degni di portare a casa la vittoria. Tanta convinzione è sempre stata dimostrata con i fatti: è interessante notare per esempio che Oscar Dronjak abbia lasciato una cattedra di matematica per dedicarsi al metal mentre Joacim Cans abbia rinunciato ad una carriera come olimpionico nella nazionale svedese di nuoto pur di suonare negli Hammerfall. Formidabile anche l’ex-bassista Magnus Rosén che guadagnò la stima di colleghi e addetti ai lavori per aver portato a conclusione un concerto nonostante per tenersi in piedi dovesse rimanere appoggiato ad un amplificatore dopo essersi procurato la dislocazione di una rotula mentre suonava sul palco!

Nell’angolo dei Manowar si risponde ovviamente con non meno amore per i fan. Si sa che la compagine newyorkese ha sempre professato grande dedizione ai propri follower. Quello che forse non tutti sanno è che questa passione, per altro reciproca, non è solo espressa a parole: i Manowar pretendono di offrire sempre il massimo in termini di sound al proprio pubblico tanto che in Francia il tentativo di imporre alla band volumi più moderati si è risolto con l’annuncio, fatto ai duemila presenti direttamente da Joey DeMaio in persona, che il concerto sarebbe stato spostato in altro luogo. Pubblico in delirio per l’incorruttibilità dei Nostri, biglietti rimborsati, nuova data fissata subito e naturalmente ancora una volta fu tutto esaurito. Ancora: i defender per eccellenza arrivano a far esplodere anche una ventina di amplificatori ogni sound check pur di ottenere l’effetto desiderato in una maniacale ricerca della perfezione che è davvero sinonimo di rispetto per i propri fan. Se a questo punto vi state chiedendo quanti amplificatori ci vogliano per un tour dei Manowar, sappiate che me lo sono chiesto anch’io e la risposta è: centinaia! Per avere un’idea di quella che è stata la vita di questo gruppo per quasi quarant’anni ci si può rivolgere alle numerose testimonianze video raccolte nei vari capitoli dell’opera in DVD Hell On Earth altrimenti basti sapere che questi ragazzi hanno impersonato lo spirito dell’heavy metal facendone davvero uno stile di vita, hanno professato una fede e l’hanno messa in pratica come nessuno è mai più stato in grado di fare. Hanno sempre sostenuto di avere i fan migliori del mondo e che questi erano come fratelli… beh, è la verità.

A proposito di famiglia: voi forse non ci crederete ma sul tour bus della band, finché ce l’ha fatta, ha viaggiato anche un ospite speciale: la mamma di Joey DeMaio! Com’è naturale divenne subito una figura leggendaria del panorama metal e infatti, nonostante si commuovesse spesso per l’affetto che riceveva dai fan, credo che abbia firmato tanti autografi quanto il resto del gruppo! Beh, il bassista di origini italiane ha sempre affermato che per lui venire nel nostro Paese è sempre stato come tornare a casa quindi nessuna sorpresa: si sa, per noi italiani la mamma è sempre la mamma! Se sul fronte dello stile di vita i Manowar sono probabilmente irraggiungibili, sul piano della coerenza musicale gli Hammerfall non sono certo da meno. Entrambe le compagini hanno a più riprese dichiarato, dimostrandolo poi con i loro dischi, che l’unico vero genere degno di essere suonato è l’heavy metal, che cambiare significherebbe tradire la propria audience e che il metal non morirà mai… e chi siamo noi per contraddirli?!

A sostegno di queste affermazioni un ulteriore pareggio: sono state entrambe la prima metal band ad approdare alle rispettive case discografiche ai tempi degli esordi. Poi i Manowar hanno deciso di autoprodursi per non subire pressioni ed influenze mentre gli Hammarfall si sono accasati presso un’etichetta a loro misura. Più di tutto però ad accomunare questi due gruppi, e a farceli ritrovare oggi sullo stesso ring, sono i testi. Epici e gloriosi utilizzano spesso metafore a sfondo fantasy o richiami alla mitologia nordica per veicolare il loro contenuto. Lo sforzo necessario per applicare il messaggio alla vita di tutti i giorni è molto modesto, con buona pace di quanti sostengono che sia anacronistico affrontare tematiche simili in questo millennio. E’ altresì vero che entrambe queste band affondano le loro radici nel periodo d’oro del metal, quei gloriosi anni ‘80 che i Manowar hanno contribuito a rendere memorabili e di cui gli Hammerfall hanno dichiaratamente raccolto l’eredità per poi battersi affinché non andasse persa. Merito ad entrambe dunque, soprattutto alla luce delle tantissime e più o meno autentiche “operazioni nostalgia” che si possono ascoltare oggi giorno.

Dove effettivamente i Manowar perdono punti è sulle copertine, ma non poteva essere altrimenti. Il Manowarrior, così si chiama la loro mascotte, ha le sembianze di un prode guerriero, non dissimile da Conan il Barbaro, spesso è armato fino ai denti, circondato da teschi, bandiere, stendardi e non di rado è accompagnato da donne seminude o gigantesche motociclette. Insomma non esattamente un trionfo di eleganza e raffinatezza che per di più graficamente accusa ormai il peso degli anni. Va detto però che questo personaggio ricorda un po’ anche i membri del gruppo e sicuramente ne incarna lo spirito indomito quindi dopo tutto non stona poi così tanto sulle cover dei loro album. Di ben altra pasta sono gli artwork dedicati ad Hector, così si chiama il templare sui CD degli Hammerfall, che prendono vita dalla matita dell’ormai leggendario Andreas Marschall. Qui fantasia e classe si fondono per preparare la mente dell’ascoltatore al viaggio in cui la musica degli Hammerfall la spingerà. Una curiosità: Hector è mancato su una sola copertina nei venti anni di carriera dei Nostri e i fan sono impazziti per la preoccupazione intasando il forum e le email della band quindi mi sento di dire con ragionevole certezza che lo vedremo ancora per molto tempo e che non mancherà altri appuntamenti!

Ma insomma a chi va il titolo di “defender of the faith”? Già, perché siamo giunti alla fine del match e nessuno è finito al tappeto ma qualcuno comunque deve vincere ed essere incoronato campione. Un arbitro qui avrebbe di che impazzire ma sono fortunatamente i Manowar stessi a toglierlo d’impaccio. I quattro newyorkesi infatti hanno da poco annunciato un tour d’addio e un ultimo nuovo album in studio [atteso per il 2019] con cui chiuderanno una carriera gloriosa durante la quale hanno dapprima saputo sviluppare un’identità inconfondibile per poi trasformarla in un’esperienza da vivere a trecentosessanta gradi tanto da ritagliarsi un spazio dove pochi hanno osato avventurarsi se non per brevi sortite. Soprattutto chi li accusa di scarsa creatività non dovrebbe dimenticare che la paternità di un intero genere, piaccia o meno, gli è universalmente riconosciuta e non sono in tanti a poter vantare un simile risultato. Gli ultimi dischi non sono forse stati all’altezza dei primi ma questo vale per molte grandi band che diversamente dai Manowar hanno poi tentato cambi di genere o strampalati esperimenti espressivi pur di tornare sulla cresta dell’onda.

Ai Nostri tutto si può rinfacciare tranne l’essersi svenduti a mode o tendenze di mercato in una sorta di immobilismo che, caso raro, è un loro pregio, sebbene sia valso anche diverse aspre critiche. Resta innegabile che abbiano creato molto e influenzato almeno due generazioni di metallari quindi è a loro che va la vittoria del nostro incontro. Agli Hammerfall resta l’onore delle armi. Escono a testa alta da uno scontro impossibile dopo aver guadagnato punti a suon di ottimi brani ed essersi affermati come autorità sorta a difendere la fede nel metal quando più ce n’è stato bisogno. Nessuna accusa per lesa maestà a loro carico dunque: si sono guadagnati sul ring il diritto di diventare gli eredi della più grande epic metal band di tutti i tempi e glielo riconosciamo con piacere. Il re (forse) è morto… viva il re! Follow the Professor.

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Blind Guardian

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue lezioni…
Rockofagi e Rockofili di ieri e di oggi è tempo di lasciare la Svezia, che ci ha ospitato nelle scorse puntate (cliccate qui per approfodire), per raggiungere la meta della nostra prossima tappa. Se il mio furgoncino, che come forse sapete si chiama Scassone, non mi abbandonerà prima ci fermeremo nell’ovest della Germania e più precisamente a Krefeld. Ai più preparati sarà già venuta l’acquolina in bocca, per tutti gli altri è in arrivo una bella sorpresa. Già, perché oggi parliamo di Blind Guardian, una compagine mitica che ha saputo ritagliarsi un posto di primissimo piano nella scena metal con la sola forza delle idee. Nati e cresciuti più come gruppo di amici che come metal band, i Nostri hanno espresso una classe infinita durante tutto il corso di una carriera trentennale costellata da molti successi e nessun vero passo falso.

La nostra storia inizia verso la metà degli anni ottanta con i primi vagiti dei Lucifer’s Heritage e con il loro demo Battalions Of Fear. Nel 1988 questo costituirà la base per il primo disco dei Nostri che intanto, dopo qualche aggiustamento di line-up, avevano scelto il nome di Battery per poi approdare definitivamente a quello che conosciamo ancora oggi. Il monicker Blind Guardian evocava nel pubblico la giusta idea di quello che era la loro musica: un power/speed metal veloce, epico e a tratti scanzonato. L’album era molto diretto e senza fronzoli, caratterizzato da una produzione imperfetta pagava un pesante tributo al sound di altre band teutoniche, in primis agli Helloween in cui allora ancora militava l’amico Kai Hansen. Ciò non di meno questo primo lavoro gettò le basi per il successo mostrando già alcuni stilemi che ritroveremo in tutta la loro produzione. Con l’entusiasmo tipico di chi ha appena intrapreso un cammino glorioso i Nostri diedero alle stampe la loro seconda fatica già l’anno successivo. Lo intitolarono Follow The Blind e vi confesso che non è solo una coincidenza se lo slogan di chiusura dei miei articoli è “follow the Professor”. Ad ogni modo l’album risultò ancora più ispirato, con una produzione finalmente all’altezza e la stessa capacità di coinvolgere il pubblico. I testi rimasero incentrati sulle migliori opere fantasy che la letteratura avesse da offrire mentre le composizioni si fecero più complesse, tecniche ed emozionanti ma senza perdere molto della loro naturale immediatezza. Il tutto fu impreziosito dal contributo di Kai Hansen che proprio quell’anno fondò i suoi Gamma Ray… ma questa è una storia che magari vi racconterò un’altra volta. Quel che conta è che in quella dei Nostri il meglio debba ancora venire.

Con il 1990 arrivò anche il terzo album del guardiano cieco. Tre dischi in tre anni potrebbero far pensare ad un decrescente livello qualitativo…o ad una ispirazione inesauribile. Fortunatamente ci ritroviamo in questo secondo caso e infatti Tales From The Twilight World mostrò un ulteriore passo avanti nella maturazione musicale del gruppo. Cori più epici e una maggior propensione verso arrangiamenti sinfonici non intralciarono la freschezza di questo lavoro che inoltre poteva vantare una produzione ancora migliore chiudendo idealmente il primo ciclo creativo del gruppo. Da notare in questo CD l’imperdibile The Bard’s Song, ispirata al capolavoro immortale di J.R.R. Tolkien Il Signore degli Anelli, che diventerà un classico della band valendo ai Nostri anche il soprannome di “Bardi di Krefeld”. Tutto questo assicurò al gruppo un posto di primo piano tra le stelle emergenti del panorama metallico. I Blind Guardian corsero poi il rischio di subire una battuta d’arresto nella loro corsa al successo allorquando quello stesso anno la No Remorse Records, la casa discografica che li aveva seguiti nei loro primi passi, fallì lasciandoli in balia delle onde. Fortunatamente la band trovò un approdo sicuro presso la Virgin Records correndo però il pericolo di subire pressioni e influenze da una major di prima grandezza. Non andò così: i nuovi ospiti si dimostrarono eccellenti e il nuovo contratto al contempo aprì per la band nuovi mercati, tra cui il Giappone che da allora in poi diverrà per i Nostri terreno di conquista prediletto. Due anni più tardi arrivò Somewhere Far Beyond che inaugurava uno stile più vicino al symphonic metal con atmosfere più dilatate e suggestive e arrangiamenti più complessi. I fan della prima ora storsero il naso ma alla fine tutti dovettero riconoscere la trasformazione di un sound plasmato dal talento e dall’ispirazione. Barattare l’immediatezza degli esordi con le emozioni del nuovo corso parve un buon affare e infatti fu un successo in patria come all’estero e, visto che lo abbiamo citato prima, nel paese del sol levante questo CD addirittura raggiunse il primo posto nelle classifiche di vendita.

Mentre i Bardi di Krefeld si godevano il meritato successo arrivò il 1995 e con esso il tempo di pubblicare un nuovo album…che infatti non mancò perché i Blind Guardian non son tipi da dormire sugli allori. La nuova fatica si intitolava Imaginations From The Other Side e costituiva la massima evoluzione di quanto espresso dai Nostri nei quattro lavori precedenti. Il sound del guardiano cieco era arrivato ad un punto di svolta che prevedeva anche il massiccio utilizzo del sintetizzatore…che ovviamente fece irrigidire la frangia più conservatrice del loro seguito. Il resto del mercato in compenso approvò le nuove scelte decretando un successo enorme per questo disco e sparando i Nostri nelle orbite più alte delle sfere celesti. Le composizioni complesse e le soluzioni ricercate trovarono naturale prosecuzione nel successivo Nightfall In Middle-Earth del 1998 in cui gli arrangiamenti divennero straripanti e i pezzi ancora più articolati. Fu un’opera ambiziosa e difficile che, pur rimanendo univocamente riconducibile alla produzione del guardiano cieco, mirava ad obiettivi ancor più alti che in passato. Si tratta di un concept sul Silmarillion, un altro libro di J.R.R. Tolkien, da ascoltare tutto d’un fiato al punto che gli stessi Blind Guardian sottolinearono come i brani presi singolarmente perdessero senso. A dimostrazione di ciò venne estratto da questo disco un solo singolo, Mirror Mirror, senza peraltro che ne venissero inficiate le vendite, che anzi volarono. Con questo lavoro i Nostri sbarcarono finalmente anche negli Stati Uniti dove, grazie all’immediato successo, vennero anche ristampati tutti gli altri lavori. Ma come sempre non è tutto oro quello che luccica. Le suggestive soluzioni orchestrali lasciarono nello sconforto chi li aveva seguiti dagli esordi e il massiccio overdubbing non venne digerito dai puristi della tecnica, di cui il popolo dei metallari è sempre nutrito.

A questo punto è doveroso un breve approfondimento tecnico: non è che i Nostri avessero abbandonato il metal per arrangiamenti da “discotecari” ma il volersi spingere verso soluzioni sempre più sinfoniche li costrinse ad adottare suoni di strumenti riprodotti artificialmente per sovrainciderli poi su quelli suonati dalla band. Ecco di cosa parliamo quando citiamo l’uso del sintetizzatore, dell’elettronica o dell’overdubbing. E’ qui che casca il proverbiale asino. La tecnica dei musicisti è croce e delizia per ogni amante del metal che ne sa apprezzare la raffinatezza e le difficoltà. Siccome questo fornisce anche lo spunto per interminabili disquisizioni lubrificate da ettolitri di birra, potete facilmente capire perché un album in cui si sentono una ventina di strumenti di cui solo quattro effettivamente suonati dalla band costituisca un cruccio insolvibile nonché un peccato quasi capitale. Ecco perché potreste sentir parlare benissimo o malissimo del successivo A Night At The Opera del 2002. Chi seppe apprezzare gli arrangiamenti sofisticatissimi, la sterzata verso il progressive e la complessità di brani che in alcuni casi sfioravano il quarto d’ora gridò di gioia, mentre chi ormai stentò e riconoscerci un album metal pianse lacrime amare. Entrambe le fazioni dovettero però ammettere che l’impronta dei bardi di Krefeld era perfettamente riconoscibile e questo probabilmente salvò i Nostri dall’estinzione.

Il titolo omaggiava l’omonimo album dei Queen, il testo di una canzone era incentrato su un personaggio scelto dai fan tramite una votazione online, vi era inserita una bonus track registrata in cinque lingue a seconda del mercato di distribuzione ma questo non bastò certo a placare gli animi. A peggiorare la situazione nel 2005 arrivò un nuovo cambio di etichetta, lo storico batterista Thomen Stauch lasciò la band mentre Hansi Kürsch, cantante e fondatore del gruppo, aveva abbandonato il ruolo di bassista perché già dal precedente lavoro la complessità delle composizioni aveva superato la sua abilità di eseguirle, soprattutto dal vivo. Insomma troppe cose stavano cambiando e per il verso sbagliato ma a salvare la situazione arrivò l’anno successivo A Twist In The Myth che rinunciava ai voli pindarici del passato per fare parzialmente marcia indietro restituendoci composizioni un po’ più immediate ma egualmente tecniche, più cattive ma altrettanto melodiche, più convenzionali ma sempre Blind Guardian. Saltarono subito all’occhio, anzi all’orecchio, l’inesauribile ispirazione e il vivace estro di una band al continuo inseguimento di un’evoluzione stilistica inarrestabile.

Nel 2010 i Nostri riuscirono finalmente a far quadrare il cerchio accontentando tutti: At The Edge Of Time proponeva brani in linea con quanto sentito sul precedente lavoro ma insistendo maggiormente su soluzioni sinfoniche e operistiche. “Un passo indietro o al massimo di lato” direte voi, e invece no. Questa volta i bardi di Krefeld non caddero nel tranello del synth e dell’overdubbing ma abbandonarono la comodità e la precisione delle soluzioni digitali per collaborare con una vera orchestra! Avevano dichiarato più volte di volersi evolvere in quel senso e finalmente ci riuscirono avvalendosi per l’occasione dell’Orchestra Sinfonica di Praga. Altri prima di loro avevano tentato esperimenti simili ma al costo di stravolgere il sound originale della band. I Nostri invece, forti dei tanti elementi sinfonici presenti nel loro DNA, ottennero un risultato mirabile che riportava ai tempi di Imaginations From The Other Side ma con maggiore autenticità e fascino. Di nuovo un album eccelso insomma in cui melodie, cori, orchestrazioni, cattiveria ed epicità parlavano inequivocabilmente la lingua del guardiano cieco.

Siccome poi l’appetito vien mangiando i bardi annunciarono un nuovo album interamente orchestrale. Avrebbe potuto essere un delirio di onnipotenza e invece Beyond The Red Mirror, che raggiunse i negozi nel 2015, mostrò, se ancora ce ne fosse bisogno, di che pasta sono fatti i Blind Guardian. Tre cori, due orchestre e un totale di quasi duecento musicisti vennero messi insieme a chitarroni distorti e alla doppia cassa della batteria per registrare un nuovo concept. Per scoprire cosa ne è stato del ragazzo protagonista di Imaginations From The Other Side è sufficiente ascoltare questo CD che è anche la massima sintesi del pensiero e dell’arte dei Nostri. L’impegno richiesto per apprezzare a fondo quest’opera non è indifferente ma, piaccia o no, il guardiano cieco ormai si esprime così e forse non è un male quindi meglio abituarcisi perché questa storia non finisce qui.

Per ulteriori approfondimenti sui singoli album vi rimando alle puntuali recensioni scritte da un mio esimio collega tra queste stesse pagine. Ora invece mi soffermerei sul processo compositivo proprio dei Blind Guardian come lo ha descritto lo stesso Hansi Kürsch: di solito uno dei chitarristi si presenta in studio con un’idea, immancabilmente marchiata dalle sue influenze, questa viene poi sviluppata da Hansi stesso che, partendo da un’estrazione completamente diversa, la rielabora aggiungendo le melodie fino a portarla all’attenzione degli altri che completano il tutto apportando tocchi personali provenienti da ascolti ancora differenti. Questo si ripete per ogni parte di ogni canzone e alla fine il tutto viene rielaborato e ritoccato ulteriormente per poi essere assemblato. Se anche uno solo dei bardi oppone il suo voto il brano così faticosamente composto viene cestinato definitivamente, altrimenti si passa a studiare arrangiamenti e rifiniture in una minuziosa analisi dei singoli passaggi che si può svolgere addirittura nota per nota. Vien da sé che questo processo sia, non solo lunghissimo, ma anche particolarmente impegnativo e, io aggiungerei, potenzialmente estenuante. Non a caso l’intervallo di tempo intercorso tra la pubblicazione degli album dei Blind Guardian si è allungato nel tempo man mano che è cresciuta la complessità dei pezzi. Diamo dunque ai guardiani il giusto riconoscimento per aver intrapreso una strada difficilissima e a maggior ragione per essere riusciti a percorrerla sempre con originalità, carattere e personalità in un’evoluzione che è frutto di profondissimo impegno. In quest’ottica è comprensibile come, a fronte della maturazione e del cambiamento del sound di cui abbiamo già parlato, la band possa non ritrovarsi nei lavori più vecchi. Capita a tutti naturalmente ma a maggior ragione non dovreste stupirvi se ad un concerto dei Blind Guardian non vi capiti di ascoltare più alcuni brani classici che pure hanno contribuito a renderli così famosi.

Dopo aver tanto parlato dell’evoluzione nel sound dei Nostri è giunto il tempo di spendere due parole su ciò che invece può costituire un ideale filo conduttore attraverso tutta la produzione del guardiano cieco. Innanzi tutto vanno citati i cori di cui il gruppo è maestro. Epici, intensi ed emozionanti sono spesso il centro dei loro spettacoli live tanto che il pubblico, che ovviamente li sa tutti a memoria, spesso li esegue al posto della band. Ma c’è di più perché conoscere e cantare i cori porta i fan a fare la stessa cosa con i testi di intere canzoni con il risultato che…ogni tanto di Hansi Kursch si potrebbe anche fare a meno! Deve essere bello trovare tanta gente pronta a fare il tuo lavoro e senza nemmeno doverglielo chiedere! Scherzi a parte assistere ad un loro show e prendere parte a questi siparietti di migliaia di voci accompagnate dalla sola batteria è davvero toccante. Provare per credere…e succede regolarmente quindi non è difficile!

Un altro aspetto che i bardi non hanno mai trascurato sono le tematiche fantasy. Oltre al già citato Tolkien hanno fornito ispirazione Stephen King, il grande Moorcock, gli intramontabili Weiss e Hickman, e più di recente anche l’inconfondibile Jordan e l’immancabile Martin (sì, quello del telefilm Il Trono Di Spade). Nel tempo non sono mancati riferimenti né alla fantascienza di Frank Herbert o di Philip K. Dick né ai grandi classici come il ciclo bretone della White o il Paradiso Perduto di Milton. Insomma io lascio volentieri al vostro professore di Letteratura del Fantastico ogni ulteriore approfondimento in merito ma non si può negare che i bardi di Krefeld abbiano dato il loro meglio per mettervi sulla strada giusta nella scelta della vostra prossima lettura.

Un’ultima nota va infine dedicata alle copertine che hanno conquistato non meno fan dei CD che adornano. Per lo più disegnate dal talentuoso Andreas Marschall, un idolo nonché una vera garanzia per le metal band di mezzo mondo, gli artwork dedicati al guardiano cieco sono sempre stati evocativi e immaginifici ma anche epici e comunicativi, proprio come la loro musica. E come la loro musica sono cambiati nel tempo senza perdere però quel fascino ammaliante che fa pescare un album dei Blind Guardian in mezzo a mille anche a chi non ha mai sentito parlare di loro. Fateci caso la prossima volta che entrate in un negozio di dischi!

Adesso mi preme condividere una riflessione in merito alla quale mi piacerebbe sentire la vostra opinione. Come sempre potete scrivermi nei commenti qui sotto oppure su facebook. Dunque: abbiamo appena visto il particolare approccio dei bardi di Krefeld non solo alla composizione ma anche alla musica stessa. Non si può non notare come questo sia diametralmente opposto a quello di un’altra band di cui ci siamo già occupati: avrete già indovinato, mi riferisco ai Motorhead. Gli inglesi impiegavano dalle tre alle cinque settimane per la gestazione completa di un nuovo album, i tedeschi dai tre ai cinque anni. La compagine di Lemmy registrava tutto o quasi in presa diretta, quella di Hansi utilizza regolarmente centinaia di sovraincisioni. Nei Motorhead ognuno scriveva la propria parte mentre nei Blind Guardian tutti sono coinvolti nella stesura di ogni dettaglio. Ultimo ma non meno importante, Lemmy era mente, cuore e braccio della sua band mentre i bardi sono un’unica entità indivisibile tanto che hanno più volte affermato di non voler proseguire la loro avventura musicale se non insieme. Certo, se andiamo ad analizzarli, anche i dischi che sfornano sono agli antipodi ma stiamo comunque parlando di band estremamente longeve che si sono mosse con successo sullo stesso terreno e, per gran parte della loro carriera, anche nello stesso tempo.

Quindi come possono esistere due approcci così diversi? E soprattutto com’è possibile che entrambi funzionino tanto bene? Che producano risultati, per quanto diversi, egualmente mirabili? Potrebbe sembrare un confronto tra la spontaneità guidata dall’istinto e l’estro amalgamato alla conoscenza ma io non credo che nei Motorhead non si parlasse di arrangiamenti o non si scegliesse di accantonare soluzioni disfunzionali al successo di un disco. Ritengo anche che l’ispirazione del momento guidi i Blind Guardian in diverse occasioni del processo creativo proprio come succedeva nei Motorhead. Si potrebbe dire che ad accomunare tutte le band che stiamo trattando sia un talento immenso, ma questo è ovvio… altrimenti non le trovereste in questa rubrica. No, io penso che il segreto per la grandezza sia trovare il modo per sfruttare questo talento: chi ci riesce da solo, chi rende meglio in squadra, chi ha bisogno di rifletterci, chi preferisce mordere l’attimo… non ha importanza. Quello che conta è crederci, insistere e trovare la chiave per sbloccare le potenzialità del gruppo… e se ci si riesce un giorno qualche vecchio docente si prenderà la briga di scriverci sopra la sua prossima lezione. Follow the Professor!

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Dark Tranquillity

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue lezioni.

Dopo averla visitata parlando degli Europe anche per questo capitolo della storia del Rock resteremo in Svezia a conoscere un gruppo il cui nome è sinonimo di coraggio. I Dark Tranquillity sono infatti da sempre indomiti forieri di cambiamento, di sperimentazione, di innovazione e persino di rivoluzione. Ovviamente non sempre questo ha portato con sé i favori della critica e dei fan che però onestamente ne hanno sempre dovuto riconoscere il talento, la classe, l’integrità e l’ispirazione. Insomma i Nostri non sono tipi da andare sul sicuro e, come vedremo, non lo sono mai stati.

Facciamo un quadro della situazione: storica fucina di grandi talenti la scandinavia ha dato davvero tanto soprattutto nei generi più estremi. Patria del black metal e terreno fertile anche per il death, negli anni novanta queste terre si resero culla di un nuovo sotto genere. Per apprezzare quanto questo sia notevole va considerato il grande successo del grunge di quegli anni. In giro non si sentiva quasi niente altro e soprattutto il metal era ormai ridotto ad un sottile rigagnolo a cui si dissetavano solo i fan più irriducibili. C’è però un fondamentale distinguo. Mentre alcuni importanti movimenti culturali come il punk o appunto il grunge sono esplosi con violenza per poi estinguersi del tutto, il metal sembra avere la capacità di rimanere latente sotto la cenere pronto a rinascere senza perdere nulla del proprio vigore. Per tutti e tre vale anche l’aver trovato una continuità in nuovi generi come il post-punk o il post-grunge ma il metal di nuovo si distingue per la capacità di derivare la propria discendenza in miriadi di rivoli diversi senza che la matrice principale venga comunque mai abbandonata. Se talvolta questo complica la vita dei neofiti che tentino di orientarsi nell’ascolto, sappiate che invece costituisce la delizia dei metallari di lunga data che mai hanno perso o perderanno la fede.

In tale contesto il classico saluto da commilitoni “Up the Faith”, che spesso si sente ai concerti metal, guadagna decisamente senso. Per apprezzare la veridicità di quanto detto vale la pena di spendere due parole sui correlati fenomeni di costume e su quanto diversamente abbiano influenzato le mode. Se è vero per esempio che, soprattutto in determinati ambienti, ancora oggi non è difficile vedere la classica cresta punk è altrettanto innegabile che le camicie di flanella a scacchi, immancabile complemento per tutti gli emuli di Cobain e soci, siano praticamente sparite. Ancora una volta sono un caso a parte i capelloni con chiodo e anfibi che sembrano uniformemente diffusi senza scendere mai sotto certi numeri a dimostrazione di come sia la passione dell’audience stessa a donare tenacia al genere. Questa lunga introduzione ci serve per capire perché la nascita di un nuovo tipo di metallo in pieno periodo grunge sia effettivamente un evento eccezionale che non deve comunque farci gridare al miracolo.

Ma che caratteristiche ha questo nuovo genere? E’ presto detto: quello che allora venne chiamato “swedish death metal” arricchisce il canonico death con melodie marcate e spesso tristi o struggenti. Artefici di questi ricchi ricami sono le chitarre, anche acustiche, talvolta incrociate con tastiere o, successivamente, con strumenti più folcloristici. Anche il tradizionale cantato growl viene intervallato da parti pulite spesso interpretate da voci femminili in un connubio di grande impatto estetico ed emozionale. Vengono infine riprese alcune lezioni impartite dal black metal più d’atmosfera mentre i testi abbandonano completamente l’esoterismo e le varie correnti splatter per abbracciare temi onirici e decadenti. Bellezza, morte, rinascita e predestinazione trovano una reinterpretazione nella mitologia norrena per fornire ispirazione agli adepti di quello che oggi conosciamo come Gothenburg Sound. Ecco quindi che composizioni lunghe con strutture articolate e complesse costituirono il pane per questi precursori del genere. Raccoltisi orgogliosamente sotto l’etichetta di New Wave Of Swedish Death Metal (o NWOSDM per brevità), che faceva il verso alla New Wave Of British Heavy Metal (o NWOBHM) del decennio precedente e di cui parleremo molto presto, gruppi come In Flames, Amon Amarth, At The Gates, Children Of Bodom e ovviamente Dark Tranquillity diedero una scossa al ristagnante mercato del metallo.

Portarono una ventata di novità e una boccata d’ossigeno al momento giusto e, anche se ad oggi non sono più tanti i gruppi rimasti veramente fedeli alle sonorità di Gothenburg, negli scorsi vent’anni sono state molte le band a cimentarsi con più o meno successo in questo particolare, suggestivo e accattivante genere. Ad oggi la lista si è allungata con nomi come Soilwork, Mors Principium Est, Omnium Gatherum e Hypocrisy ma ha perso alcuni elementi importanti come Arch Enemy e soprattutto In Flames. Proprio questi ultimi sono co-protagonisti nelle prime tappe del cammino dei Nostri. Dovete immaginarvi una scena musicale costituita da pochi gruppi, peraltro geniali, che un po’ per sopravvivere e un po’ per genuino entusiasmo si influenzavano, spalleggiavano e aiutavano a vicenda in un vortice di crescita artistica e arricchimento complessivo che infatti li porterà a distinguersi prima e alla fama poi. Fu così per esempio che Anders Fridén, primo cantante dei Dark Tranquillity, finì per entrare proprio negli In Flames o che Mikael Stanne, stanco di lavorare in un asilo nido (!!!), scrisse per loro dei testi prima di lasciare la chitarra e stabilirsi definitivamente dietro il microfono dei Nostri.

Ecco come andò: sul finire degli anni ottanta a Gothenburg, importante centro marittimo nel sud della Svezia, c’era una discoteca chiamata Valvet dove i nomi più importanti del panorama death europeo potevano riunirsi, suonare, conoscersi, confrontarsi e… bere birra, perché stiamo parlando pur sempre di scandinavi. Il mercato non si era ancora sviluppato più di tanto in quella direzione quindi c’era spazio per la crescente curiosità suscitata da queste giovani band, tra l’altro musicalmente preparatissime. Quando qualche anno dopo il locale chiuse i battenti alcuni gruppi, i migliori, spiccarono il volo e il resto è storia. Fu così che nel triennio ‘93 – ‘95 i Dark Tranquillity rilasciarono alle stampe diversi EP e il primo album. Il debut a titolo Skydancer mostrava già la predilezione ad accostare melodia e brutalità. Una tendenza, poi confermata, che gettò le basi per il successo dei Nostri portando in dote una cospicua base di fan e l’interesse degli addetti ai lavori. A questo punto Stanne lasciò l’altra sua band, gli Hammerfall (qualcuno di voi magari li conosce), per dedicarsi definitivamente ai Dark Tranquillity. Con una line-up finalmente solida i Nostri sfornarono il loro capolavoro. Rockofili e Rockofagi di ieri e di oggi stiamo parlando di un album immancabile nella vostra collezione oltre che impossibile da disprezzare, che siate amanti dell’estremo oppure no. The Gallery, questo il titolo del disco, venne acclamato da critica e pubblico perché mostrava genialità, audacia, tecnica, cattiveria e ispirazione amalgamati in una miscela di eleganti melodie, raffinate composizioni, squisiti arrangiamenti e viscerale aggressività con testi che erano pura poesia. L’album lanciò i Nostri direttamente verso il successo internazionale e ovviamente sui palchi più importanti del mondo ma passò alla storia per la forte componente innovativa che lo animava. Era un death melodico che suonava radicalmente diverso da tutto quanto si fosse ascoltato fino ad allora e se ne potevano accorgere tutti. Improvvisamente il death metal poteva essere sdoganato anche presso chi fino a quel momento non aveva mai nemmeno osato avvicinarsi a sonorità così estreme. Fu il collegamento che serviva per far transitare nuove idee e ridare linfa ad un genere in sofferenza. Su quel ponte passarono in tanti, scandinavi e non, perché una volta aperta una nuova strada è impossibile frenarne il traffico.

Anche gli stessi Dark Tranquillity giustamente vi transitarono con l’album successivo che era, come è logico, molto atteso. The Mind’s I approdò sugli scaffali dei negozi nel 1997 e con la sua alternanza tra brani dalla rabbia ancora più feroce e composizioni interamente melodiche conquistò subito il pubblico pur convincendo un po’ meno la critica che forse si aspettava un livello di innovazione pari al suo predecessore. Verrebbe da dire che sarebbe stata un’impresa impossibile invece i Nostri sembravano non avere più limiti e nel 1999 rilasciarono il controverso Projector. La quarta fatica in studio dei Dark Tranquillity mostrava una forte connotazione sperimentale aderente a quello che nel nuovo millennio verrà chiamato modern metal…ma di cui ancora non si erano tracciate le connotazioni. Pur con linee vocali pulite, inserti campionati, ritmi più distesi e una cattiveria parzialmente edulcorata rispetto al passato questo album parlava di evoluzione e non di manovra commerciale. Nonostante questo spaccò la schiera dei fan. Chi vide un eccessivo allontanamento dalle origini gridò allo scandalo mentre chi ne seppe apprezzare lo spirito pioneristico ci intravide un miraggio addirittura troppo bello per essere vero.

Le vendite diedero comunque ragione ai Nostri che già l’anno successivo continuarono il discorso con l’altrettanto discusso Haven. Un nuovo processo compositivo basato sull’uniformità dell’intero disco più che sul perfezionamento dei singoli brani e l’aggiunta in formazione di un tastierista si fecero sentire: i pezzi divennero più immediati, le melodie più facili, l’elettronica ancora più spinta e le linee vocali più espressive così i Nostri si dimostrarono in grado, non solo di rimanere al passo con i tempi, ma addirittura di continuare a precorrerli attraverso una visione moderna e avanguardista. Anche le tematiche dei testi cambiarono definitivamente diventando da ora in poi più intimiste e in perpetua ricerca di una introspezione individuale, di una catarsi personale da raggiungere attraverso la musica. Questo approccio ovviamente non piacque ai fan della prima ora che a questo punto non riconoscevano più la band di Skydancer e soprattutto di The Gallery.

Di nuovo il mercato diede ragione ai Dark Tranquillity che però, forse anche ascoltando il proprio pubblico, reintegrarono nel successivo Damage Done del 2002 alcuni elementi già sentiti ad inizio carriera. Con questo disco i Nostri rimandarono al mittente ogni critica confezionando un lavoro completo, visionario ma con il loro inconfondibile, primordiale e riconoscibilissimo marchio di fabbrica. Intensità, innovazione e complessità vennero spinte sul metronomo a velocità che non si ascoltavano dai tempi di The Mind’s I, per il gaudio dei fan tanto di questo quanto dello scorso millennio. La scommessa fu vinta di nuovo e il lavoro si rivelò un successo cosicché i Nostri non trovarono motivo per ulteriori sterzate stilistiche e nel 2005 partorirono l’altrettanto ottimo Character. Cattiveria ed elettronica incorniciavano atmosfere malinconiche e decadenti in questo album il cui unico difetto fu quello di aver momentaneamente abbassato il livello di innovazione mostrato negli altri capitoli. Il successivo Fiction e il riavvicinamento a quanto già espresso nel pregevolissimo Haven concludono nel 2007 la fase più felice della band. Idealmente si chiuse allora anche il secondo periodo creativo del gruppo che dunque ha dapprima scolpito i canoni stilistici e il sound di un nuovo genere per poi evolverlo, aggiornarlo e rinnovarlo durante un intero decennio.

We Are the Void del 2010 e Construct del 2013 sono universalmente noti per essere il punto più basso della produzione dei Nostri. Non che siano da buttare ma è opinione comune che da un nome di questo calibro ci si debba aspettare di più perché stiamo parlando sempre di Dark Tranquillity e brani blandi, tempi troppo lenti e scarsa originalità non sono cose che un loro fan possa digerire. Dulcis in fundo, quando molti già li credevano irrimediabilmente avviati sul viale del tramonto, nel 2016 la band pubblicò lo straordinario Atoma mostrando al mondo il carattere e lo spessore di musicisti capaci di dire la propria fuori dal coro anche con una carriera ventennale sulle spalle. Il nuovo album era di nuovo progressivo, fresco e accattivante e riprendeva il percorso di trasformazione abbandonato da più di un lustro per regalarci altre emozioni. Il sound era un concentrato di tutto quanto espresso durante la carriera in un equilibrio perfetto tra cattiveria, melodia, tecnica e complessità. I Dark Tranquillity erano tornati e quasi due generazioni di fan potevano rallegrarsene.

Ora è doverosa una precisazione per tutti coloro che temono di invischiarsi con un gruppo di satanisti, drogati o criminali di chissà che sorta. Potete stare tranquilli: non c’è niente di più falso. La massima trasgressione dei Nostri è costituita dalla birra e ho per voi un simpatico aneddoto a confermare di che pasta sono fatti: come tutti gli anni nel giugno del 2000 con il mio fidato furgoncino, non a caso denominato “Scassone”, mi apprestavo a raggiungere il Gods of Metal che, per chi non lo sapesse, è stato per due decadi il più importante festival metal d’Italia e che per quell’edizione vantava come headliner della prima giornata addirittura i redivivi Iron Maiden. La presentazione di Brave New World e il ritorno di Bruce Dickinson fecero schizzare la curiosità di pubblico, stampa e addetti ai lavori alle stelle per cui lo stadio di Monza, che per l’occasione ospitava l’evento, era gremito all’inverosimile. In scaletta c’erano anche i Dark Tranquillity che, dopo il controverso Projector, tentavano di riconquistare i fan più intransigenti con il nuovo Haven. La band aveva dunque una certa pressione addosso ed era comprensibilmente emozionata di suonare davanti ad una platea tanto numerosa. Fino a quel momento certe cose le avevano viste solo in video e ora per la prima volta erano loro davanti alle telecamere, non ci erano abituati e infatti…con immenso candore lo dichiararono apertamente a tutti!

Lo show fu comunque grandioso e ricordo che il pubblico rispose bene tanto ai classici quanto ai pezzi più recenti. Nei giorni successivi venne fuori che tanta agitazione era dovuta anche alla presenza sul palco di Rob Halford. Il cantante dei Judas Priest era in Italia per eventi promozionali e aveva trovato il tempo di fare un salto da quelle parti. Un evento notevole considerato il personaggio… infatti gli stessi Dark Tranquillity lo definirono “una leggenda vivente”. Ovviamente è innegabile che avessero ragione ma quel che è davvero importante è come questi fatti alla fine non ci restituiscano solo un gruppo di ragazzi semplici e addirittura emotivi ma anche talmente sinceri da ammetterlo alla stampa! Avrebbero potuto tenerselo per sé e fare i fighi…invece no! Scommetto che ora non fanno più tanta paura quindi possiamo tornare seri…. e a parlare di musica.

Se mi avete seguito fin qui ormai avrete capito che sotto ogni aspetto stiamo trattando una band irrequieta le cui profonde metamorfosi coinvolgono genere, testi, stile e quant’altro nell’infinita ricerca della massima espressività. L’integrità dei Nostri non può e non deve quindi essere messa in discussione perché il passato non è mai stato rinnegato ma solo superato dai tempi e da nuove esigenze compositive. Si può approvare questo approccio o no, possono piacere o no ma resta il fatto che i Dark Tranquillity sono stati e sono tuttora una delle più solide realtà dell’intero panorama estremo proprio perché forti di un’identità che va al di là di ogni etichetta e che loro hanno saputo scolpire con continuità a colpi di puro talento. Eclettici, polimorfi e a tratti stravaganti i Nostri vanno ascoltati album dopo album con la mente aperta…provateci e non ve ne pentirete. Mi rendo conto comunque che il materiale sia tanto, che sia molto eterogeneo e per tanti versi anche piuttosto ostico. L’immediatezza non è certo una caratteristica dei Nostri che anzi vanno approfonditi, interpretati e poi capiti, quindi voglio darvi una mano.

Per chi non li conoscesse ho confezionato una speciale playlist. Una sorta di aiuto allo studio, l’equivalente musicale di un bigino se volete, per introdurvi al cangiante mondo dei Dark Tranquillity… ma non significa che possiate evitare di ascoltare il resto! Eccovela qua: Punish My Heaven, The Gallery, Lethe, Zodjiakyl Light, Insanity’s Crescendo, Undo Control, Haven, Not Built To Last, Monochromatic Stains, Damage Done, Lost to Apathy, The Mundane and The Magic, Terminus (Where Death is Most Alive), Icipher, Misery’s Crown, Atoma, Encircled. E buon ascolto. In apertura abbiamo accennato alle varie derive del metal: nel prossimo appuntamento ne affronteremo un’altra quindi vi aspetto in aula…non mancate! E ricordate che se siete curiosi di conoscere la storia di qualche gruppo o avete delle domande su quelli di cui ci siamo già occupati, potete sempre contattarmi su facebook! Follow the Professor!

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Europe

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue avventure…

La prossima tappa del nostro viaggio nel rock ci porterà a parlare di una band la cui storia è per molti versi antitetica rispetto a quella degli Skid Row i cui avevamo parlato qui e per altri è, come vedremo, un vero e proprio cliché ante litteram. Rockofagi e rockofili di ieri e di oggi per questa puntata ho deciso di parlarvi degli Europe. Cinque ragazzi dal grande talento che finirono per essere sfruttati da manager miopi e da case discografiche più avide di guadagni che interessate a valorizzare la loro musica. Si finì per frustrare un gruppo che ha dato molto ma che avrebbe potuto regalarci ancora più… almeno fino alla sua rinascita. Ma iniziamo dal principio.

Nei primissimi anni ottanta la scena rock era, come sappiamo, in gran fermento. In Europa come oltreoceano il mercato si stava allargando a vista d’occhio e da lì a poco anche il Giappone avrebbe fatto il suo ingresso tra le piazze più ricche e quindi importanti del settore. Insomma, come mai prima di allora, c’era fame di talenti, di idee e di personaggi che potessero far breccia non solo nel cuore dei fan ma anche nelle orecchie di nuovi rockettari. Sempre più importante inoltre stava diventando la capacità di bucare il video, un media solo relativamente nuovo ma che andava affermando con sempre crescente convinzione la propria importanza come veicolo di promozione e diffusione della musica. Capocordata di questo fenomeno era ovviamente la neonata Mtv che, forte del successo istantaneo ottenuto negli Stati Uniti, sarebbe approdata in capo a pochi anni anche in Europa influenzando il mercato e incidendo non poco nella storia dei Nostri. In Svezia la situazione non era poi tanto diversa ma ovviamente il fenomeno era proporzionato ad una nazione che per ovvie ragioni demografiche non poteva generare i numeri e i volumi di vendita di altri paesi del vecchio continente. Il successo andava dunque cercato all’estero sebbene in patria la qualità certo non mancasse e la scena fosse fervida, movimentata e ricca di talenti del calibro, tanto per dirne uno, di Yngwie Malmsteen…non so se mi spiego?!

Proprio qui nel 1982 vennero ufficialmente fondati gli Europe allorquando i Force superarono le selezioni di un importante concorso nazionale per giovani band emergenti a cui non si erano nemmeno iscritti per non allungare ulteriormente la già insopportabile serie di delusioni collezionate in eventi simili. La leggenda vuole che fu un’amica del cantante a spedire comunque il demo necessario per mettere in lizza il gruppo. E fece bene perché buttati così nella mischia, e allettati dal contratto discografico che era il premio della competizione, i Nostri diedero fuoco alle polveri, alcuni si scelsero dei nomi d’arte, cambiarono monicker in quello che conosciamo oggi e, seppur di misura, vinsero il contest. Iniziò così un lungo e glorioso cammino che porterà questi ragazzi sulla vetta del mondo… e ritorno.

I primi due album della band, l’omonimo Europe e il seguente Wings Of Tomorrow servirono da ariete per sfondare e farsi conoscere dapprima in patria, poi anche in Giappone e negli Stati Uniti. Per il debut purtroppo furono stanziate risorse davvero troppo esigue e dunque pecca di una produzione scadente, oltre che di composizioni ancora un po’ immature. Il secondo lavoro fu un deciso passo avanti sotto questi aspetti ma investimenti ancora troppo scarsi impedirono al gruppo di produrre un video che consentisse di giocarsela ad armi pari con i vari Bon Jovi e Guns’n’roses. E’ di questo primo periodo anche l’inizio della collaborazione con Thomas Erdtman amico e manager degli Europe che, avendo capito tutto con sagacia davvero sopraffina, cercò di convincerli a cantare in svedese, a cambiare look e a virare verso il pop. Fortunatamente nessuno gli diede retta e infatti entrambi questi lavori propongono un rock molto duro, spesso straripante in territorio heavy metal, ma già fortemente connotato dalla spiccata vocazione melodica del leader, frontman e principale compositore della band ormai universalmente noto come Joey Tempest.

Il terzo disco costituisce quasi sempre la prova definitiva che decreta il successo di una band. Fateci caso, questo è il tempo che un gruppo mediamente impiega a carburare e a spiccare il volo, è il tempo che ci vuole per costruire una solida base di fan, è anche il tempo che il pubblico può attendere perchè vengano corretti tutti gli errori di gioventù e dopo cui si aspetta di sentire qualcosa di veramente grandioso. Insomma la ghigliottina del terzo disco più o meno funziona così: o consacrazione a stella del firmamento o irrevocabile condanna ad essere ignorati e dimenticati. I Nostri approcciavano questo importante traguardo in una condizione non perfetta. I precedenti due lavori avevano ricevuto positivi riscontri da critica e pubblico ma le vendite non erano state quelle attese. La responsabilità era più della casa discografica e della produzione che dei brani ma la tensione stava crescendo. Il fatto che, seppur con immenso talento e inesauribile ispirazione, fosse il solo Joey Tempest ad occuparsi di musiche e testi iniziava poi a mettere a disagio il resto del gruppo. Ad ogni modo, come si dice, la classe non è acqua e gli Europe tornarono in studio per sfornare il mitico The Final Countdown che, prima di raggiungere il successo per cui tutti lo conosciamo, incontrò ben più di qualche intoppo. A causa di un disguido con la copertina la distribuzione del disco ritardò oltre l’inizio del tour con la diretta conseguenza che molte date vennero disertate dai fan mentre il pubblico presente si trovò davanti a canzoni che, per pregevoli che fossero, non potevano essere apprezzate a pieno con un unico, inatteso ascolto.

Tutto cambiò quando finalmente il CD approdò negli scaffali dei negozi. Le vendite schizzarono oltre ogni più rosea previsione. Iniziarono a fioccare riconoscimenti, premi e dischi di platino. I singoli si sistemarono stabilmente nella parte alta delle classifiche di mezzo mondo ed alcuni vi campeggiarono per quasi un anno e mezzo. The Final Countdown raggiunse il primo posto in ventisette nazioni e il successo non accennava a diminuire. Ai più curiosi interesserà sapere che questo straordinario brano venne in realtà composto inizialmente come musica d’attesa per l’ingresso di una discoteca. Le lunghe file avevano spinto i gestori a cercare un motivetto che intrattenesse i clienti rimanendo loro in testa. Del lavoro si occupò il solito Joey Tempest che diverso tempo dopo riutilizzerà la stessa melodia come scheletro per quella che ancora oggi è la canzone più iconica degli Europe. Pensate un po’ cosa hanno avuto in mano i proprietari di quel locale senza nemmeno rendersene conto! Ma torniamo alla nostra storia: questa volta tutto girava per il verso giusto e forti di un nuovo look più pulito e modaiolo i Nostri si lanciarono, o per meglio dire vennero lanciati, in un vortice infinito di interviste, apparizioni televisive e show promozionali. Tanto per darvi un’idea delle proporzioni del fenomeno considerate che gli Europe erano diventati talmente prioritari tra gli interessi della loro major da essere ormai secondi soltanto a Michael Jackson, decisamente non uno qualunque. Lemmy, ormai dovreste sapere chi è, però ci ricorderebbe che da così in alto si può soltanto scendere.

Infatti da lì a poco iniziarono i problemi. Per capire la situazione basta fare alcuni esempi. Il sound estremamente “tastieroso” di The Final Countdown non fu una scelta della band. Il disco venne prodotto in questo modo perchè era la moda del momento e non perchè il gruppo, che peraltro soltanto da poco aveva integrato un tastierista in formazione stabile, lo avesse voluto così. Come se non bastasse il manager della band, sempre il solito Thomas Erdtman di cui abbiamo già accennato, conduceva una vita da nababbo mentre i Nostri faticavano a pagare i conti. Detta così oggi non sembrerebbe difficile capire dove finissero i guadagni ma forse all’epoca la situazione non risultava altrettanto chiara. Vale anche la pena aggiungere che nel tentativo di pagare meno tasse la band si trasferì ai tropici in un paradiso fiscale. Noi italiani siamo abituati a manovre di questo genere ma sappiate, caso mai l’idea vi solleticasse, che il fisco svedese è molto più zelante del nostro e un cambio di residenza non vi metterebbe al sicuro dai guai. Anche gli Europe infatti ci finirono tanto che lo stesso Joey Tempest ancora oggi deve una cospicua somma allo Stato. Fu John Norum, virtuoso chitarrista della band, il primo a stufarsi di tutta questa situazione. Stremato dell’infinità di esibizioni in playback, frustrato dall’essere relegato in secondo piano, stanco delle tensioni interne alla band ed esasperato dalle infinite polemiche con il manager, alla fine decise per una soluzione drastica che nessuno si aspettava ma che tutti alla fine ritennero inevitabile: lasciò gli Europe. Venne rimpiazzato da una vecchia conoscenza del gruppo. L’almeno altrettanto ottimo Kee Marcello si dimostrò degno del compito ma suo malgrado da lì a un paio di album gli toccò accompagnare la band sul viale del tramonto.

Il quarto e il quinto disco non passarono alla storia ma per motivi diversi. Out Of This World del 1988 era effettivamente un ottimo lavoro con molti pregi e pochi difetti in cui gli Europe avevano riversato tutto il loro know how tecnico e compositivo. Il budget questa volta era ampiamente adeguato e nessuno osava più imporre nulla ai Nostri che così poterono esprimersi liberamente virando il sound verso lidi più rockeggianti senza peraltro perdere il consueto appeal melodico. L’unico vincolo imposto dalla casa discografica era quello di ripetere il successo di The Final Countdown che però, come è facile indovinare, zavorrò le vendite del suo successore. L’evoluzione stilistica fatta di fraseggi incrociati e passaggi graffianti fu una scelta condivisibile, e per molti versi obbligata, ma fin dalle prime esibizioni prese alla sprovvista chi si aspettava di rimanere nel solco tracciato dal precedente album la cui spinta promozionale, è bene precisarlo, intanto continuava senza posa. Questi elementi impedirono ai Nostri di raccogliere i consensi che avrebbero meritato ponendoli in una situazione difficile. La loro major tornò a far sentire la propria voce e impose agli Europe di raggiungere le vendite del passato. Nacque così nel 1991, omen nomen, Prisoners In Paradise caratterizzato da ascolti più facili, melodie più orecchiabili e un sound declinato verso il pop nel disperato tentativo di incontrare nuovamente i gusti del grande pubblico… che purtroppo nel frattempo aveva cercato e trovato i propri beniamini in altri generi. Fu così che mentre gruppi come Nirvana, Pearl Jam ed Alice in Chains conquistavano le classifiche i Nostri vennero scaricati dalla loro casa discografica e di fatto condotti allo scioglimento. Nel silenzio e nell’indifferenza generale gli Europe scivolarono quindi nell’oblio e per anni di loro non si seppe più nulla. Le belle favole hanno però sempre un lieto fine e per fortuna c’è ancora molto da dire in questa nostra storia.

Dopo quasi dieci anni la formazione originale tornò a calcare il palcoscenico per festeggiare l’inizio del nuovo millennio. Da lì a poco seguì la reunion ufficiale, un nuovo contratto discografico, un album di inediti e il relativo tour. Era il 2004, gli Europe erano di nuovo in pista e sembravano in grande spolvero. Start From The Dark, questo il titolo del nuovo lavoro, ci restituiva una compagine matura, concreta e finalmente alleggerita da idiozie manageriali nonchè da pressioni e obblighi contrattuali. In breve: i Nostri avevano la possibilità di esprimersi come meglio credevano. Decisero di farlo con un sound moderno e accattivante fatto di incisività e grinta e senza paura di esplorare anche i toni più oscuri. Di ancora maggior rilevanza è il genere che li vide tornare agli albori della loro discografia con un hard’n’heavy molto prossimo al metal. Grandi furono l’attesa, la meraviglia e il sollievo nel constatare il ritorno di una band non sotto forma di manovra commerciale volta a spremere un monicker di successo o i fan di vecchia data bensì di riaffermata realtà musicale pronta a sprigionare energia e idee nonchè a conquistare il cuore del pubblico di ieri e di oggi. Le vendite furono incoraggianti e il tour fu un discreto successo. Anche il vostro professore andò a sincerarsi con i propri occhi dello stato di forma dei nuovi Europe. Da sotto il palco il registro ora più basso e graffiante su cui era impostata l’ugola di Tempest rendeva alla grande. I brani, ora composti a quattro mani insieme al rientrante Norum, portavano chiara l’impronta di un chitarrista di grande esperienza. L’impatto live era davvero notevole. Più in generale il gruppo e la sua musica si presentavano cambiati ma non invecchiati, rinnovati ma non riciclati, freschi ma non banali e soprattutto ispirati e non artificiosi. Non era scontato che fosse così e fu una bella sorpresa per tutti. Gli Europe erano davvero tornati.

Non tutti ovviamente digerirono il nuovo corso della band. Alcuni avrebbero voluto ancora capigliature cotonate e tastieroni ottantiani ma, anche se cantare a squarciagola The Final Countdown sotto il palco era e sarà sempre un’emozione impagabile, quel periodo era finito e bisognava andare avanti. Lo sapevano anche gli Europe che per ribadire il concetto nel 2006 diedero alle stampe Secret Society con la stessa impronta moderna, lo stesso piglio aggressivo ma atmosfere ancora più cupe invece che più distese e un sound ancora più duro e sempre più incentrato sul lavoro dell’ormai inconfondibile e infaticabile John Norum. Caso mai qualcuno ancora dubitasse di loro i Nostri decisero di alzare ulteriormente l’asticella sbalordendo critica e pubblico con quello che è ritenuto il loro miglior album di questo millennio. Parlo di Last Look At Eden che nel 2009 sottolineò, se ancora ce ne fosse bisogno, l’inesauribile e caleidoscopica ispirazione di cui la compagine svedese gode ormai da anni. Più variegato e meno spinto dei più diretti predecessori questo lavoro va a braccetto con i successivi Bag Of Bones del 2012 e War Of Kings del 2015 per dimostrare come i Nostri sappiano gestire anche venature di classic rock e persino di blues ambendo ad un posto d’onore alla tavola dei grandi maestri dell’hard rock melodico. L’ultimo capitolo di questa lunga storia è il recente Walk The Earth che il vostro professore ha trovato eccellente ma un po’ meno curato degli ultimi lavori. Pensandoci bene tuttavia potrei elencare qui almeno mille band che venderebbero gli amplificatori al diavolo pur di arrivare all’undicesimo album tanto in forma da sfornare un lavoro come questo…quindi dopo tutto non è che ci sia così tanto di cui lamentarsi.

E la storia non è ancora finita! …non è questo il miglior finale possibile per una puntata su un gruppo che ha già festeggiato il suo trentennale?! Ovviamente ci aspettiamo ancora molto dalla seconda giovinezza degli Europe perchè John Norum non la smette più di suonare assoli, Joey Tempest deve ancora guadagnare abbastanza per finire di pagare le tasse arretrate e lì fuori ci sono due intere generazioni che hanno imparato da loro cosa significhi Rock ma non ne hanno ancora avuto abbastanza. La prossima lezione sarà dedicata a chi ha il palato fino e il metallo nelle vene quindi tenetevi pronti and…Follow the Professor …ah dimenticavo: potete farlo anche su facebook!

Le leggende del Rock raccontate dal Prof. Garage: Skid Row

Il Professor Garage è docente di Storia del Rock all’Università della Musica e siccome il rock è nato e cresciuto negli scantinati più decrepiti e sui palchi più fumosi non troverete la sua cattedra né in un prestigioso ateneo, né in qualche rinomata facoltà e nemmeno vicino a qualche polverosa biblioteca. No, le sue lezioni si tengono sulla strada dove, in perenne viaggio sul suo furgone sgangherato, è immancabile testimone della Storia del Rock. E queste sono le sue avventure…

Rockofagi e Rockofili di ieri e di oggi avete dato alcune risposte molto interessanti ai quesiti che ci siamo posti parlando dei Motorhead a questa pagina, quindi adesso affrontiamo un’altra band iniziando subito con qualche domanda: perché prendersi la briga di trattare tra le leggende del rock una band che in trent’anni ha sfornato appena cinque album? Noi non siamo di certo tra quelli che si basano solo sulle vendite per giudicare il valore di una proposta quindi cos’hanno gli Skid Row di tanto speciale? Voi pensateci, io vi darò la risposta tra un po’. Se nel frattempo volete dirmi la vostra potete farlo nei commenti qui sotto.

Intanto vi intrattengo con un po’ di cronistoria. Iniziamo con il dire che nel 1986 a Toms River, piccolo centro del New Jersey, la scena musicale era assai più effervescente di come si possa credere. Erano gli anni dell’hard rock e dell’hair metal, periodo d’oro per virtuosi della chitarra e capelloni imbellettati che infatti imperversavano incontrastati e senza posa. Il fenomeno punk si era già praticamente esaurito segnando profondamente la cultura popolare, e lo vediamo tutt’oggi, ma incapace di tornare ai fasti di fine anni settanta. Per contro il grunge, con la sua carica di disagio e il suo bisogno di malinconia, non si era ancora affacciato alla ribalta lasciando strada libera a gruppi come Gun’n’Roses, Europe, Whitesnake, Def Leppard e…Bon Jovi. Proprio quest’ultimo merita una menzione particolare nella nostra storia perché se pensaste che gli Skid Row siano una di quelle band nate per caso in un garage, cresciute nei pub di uno sperduto paesino poi miracolosamente scoperte e da lì approdate alle vette del successo, beh, sarebbe una bella favola ma sareste in errore. I Nostri, a dispetto di un apparenza “stradaiola” e di un monicker che ne suggerirebbe la provenienza da una zona sub-urbana abbandonata, possono infatti vantare un pedigree di tutto rispetto. Per esempio non tutti sanno che Dave “The Snake” Sabo fu il primo chitarrista, nonché grande amico, di Bon Jovi e che proprio quest’ultimo seguì e incoraggiò la carriera degli Skid Row tanto da arrivare a sborsare una cospicua somma in dollari sonanti pur di liberare da un contratto capestro il cantante che The Snake e l’altro membro fondatore, l’amico e bassista Rachel Bolan, avevano scelto. Questo ci porta ad un’altra domanda. Un gesto come questo mostra per lo meno una profonda amicizia ma sappiamo che, salvo rare e luminose eccezioni, la storia del rock non è certo costellata da atti di gratuito altruismo. Cosa spinse allora un già affermato Bon Jovi, ormai oltre il terzo album, ad investire in un’altra band? Ecco un indizio: promesse giovanili a parte la risposta potrebbe non essere tanto diversa da quella che daremo alle altre domande.

Torniamo alla nostra storia. Il terzetto composto da Sabo alla chitarra, Bolan al basso e Sebastian Bach alla voce era pronto ad esprimere tutto il proprio potenziale. Bastò completare la formazione con un secondo chitarrista, Scott Hill, e con il batterista Rob Affuso, e il gioco fu fatto. Insomma soldi e sponsor non mancavano quindi comprare il nome “Skid Row” niente di meno che da Gary Moore, che ne deteneva i diritti, fu solo una formalità. Il contratto con l’Atlantic Record c’era già, i migliori manager e produttori del genere avevano già garantito il loro interesse quindi ai Nostri non rimase che entrare direttamente in sala di registrazione. Era il 1987 e se vi sembra che così la vita sia troppo facile vi è sfuggito un dettaglio. Certo, si può tranquillamente dire che, rispetto a chi ha dovuto sudare in anni di gavetta e stringere la cintura per cambiare le valvole all’amplificatore, gli Skid Row abbiano saltato delle tappe ma al prezzo di una pressione allucinante. Immaginate cinque ragazzi, le cui età sommate passano di poco il secolo, catapultati in una scintillante sala prove per sfornare un capolavoro in cui tutti hanno già investito, in cui tutti credono al punto da darlo per scontato. Datemi retta: rispetto ad altri potrebbero essere stati favoriti dalla sorte, si potrebbe anche dire che siano cresciuti, musicalmente parlando almeno, con “le chiappe nel burro” ma non deve essere stato semplice lo stesso. Ad ogni modo il quintetto sapeva di potercela fare e a buon diritto confidava nei propri mezzi quindi dopo solo un anno dalla prima esibizione live sfornò un primo e omonimo album che dovrebbe assolutamente diventare materia di studio per chi ancora non lo conoscesse a memoria.

Nemmeno a dirlo fu un debutto con i fiocchi. Il mix di sonorità orecchiabili e riff taglientissimi risultò subito azzeccato nonché perfettamente bilanciato tanto tra cattiveria e melodia che tra tecnica e freschezza. Proprio quel che ci voleva per piacere sia al metallaro più esigente che al rockettaro più scanzonato senza dimenticare il pubblico femminile che sollevò immediatamente sugli scudi Bach e compagni al ritmo di I Remember You, un mid-tempo graffiante che per il piglio deciso e la struttura movimentata si discostava un po’ dalle tante ballad popolari all’epoca. Impossibile non citare 18 and Life un brano davvero riuscitissimo e di un’intensità pazzesca che allora fece la fortuna della band e che ancora oggi è un classico nelle esibizioni dal vivo. Non si può altresì dimenticare in questa sede Youth Gone Wild che fu il primo singolo estratto da questo debut album e praticamente costituisce il manifesto della band arrivando addirittura a sfiorare lidi fino ad allora appannaggio esclusivo dell’heavy metal. Perfettamente a cavallo tra pop, rock, e appunto metal questo disco proponeva la sintesi perfetta dei tre mondi sdoganando le caratteristiche di ognuno negli altri due con formidabile equilibrio. Avrebbe potuto essere troppo roccioso per gli amanti del pop, troppo melodico per i metallari o troppo estremo per il rockettaro più tradizionalista invece fu un successo che proiettò la band direttamente nel mainstream con continui passaggi in radio e su MTV. Ne seguì un tour enorme a supporto del solito Bon Jovi e le vendite in breve schizzarono oltre quota cinque milioni nei soli Stati Uniti.

Non contenti di essere già i più duri del filone hair metal, in cui normalmente venivano inquadrati nonostante saggiamente non si cotonassero i capelli, i Nostri dopo poco più di due anni diedero alle stampe il successore di Skid Row, intitolato Slave To The Grind, e caratterizzato da sonorità molto più pesanti e ascrivibili quasi univocamente al metal. Il progressivo indurimento del sound della band non si fermerà qui ma è ben più importante notare l’evoluzione artistica di un gruppo che si presentava al secondo attesissimo appuntamento con un lavoro più complesso, articolato e per certi versi di rottura rispetto al passato. Gli Skid Row così mostrarono di non aver alcuna paura di cambiare o di esibire una maturità espressiva che molti impiegano diversi album a raggiungere. Lo dimostravano anche i testi, meno banali e assai più impegnati che in passato. Brani come Monkey Business, primo singolo estratto e opener del disco, Slave To The Grind, altro manifesto della band e Get The Fuck Out, tanto esplicita da essere addirittura censurata in alcuni mercati, sono solo alcuni esempi della critica, dell’insoddisfazione e della denuncia sociale di cui la band si fece tramite. Non mancavano nemmeno pezzi più lenti e riflessivi ma anche questi avevano comunque un tiro e una cattiveria così inconsueti e originali da lasciare talvolta l’ascoltatore piacevolmente spaesato. Il successo, tanto per cambiare, fu immediato e il gruppo venne catapultato nell’Olimpo dei grandi scrollandosi di dosso per sempre l’etichetta di meteora del rock. Purtroppo spesso accade che la fama esiga un prezzo molto alto…

Anche questa volta fu così. Nei quattro anni successivi gli Skid Row furono al centro di infinite polemiche. Bach venne investito a più riprese dalle critiche quando si presentò in pubblico con una maglietta palesemente sessista o quando ferì alcuni spettatori tentando di dare pan per focaccia a chi gli aveva tirato una bottiglia sul palco. A parte la mancanza di buon gusto dell’aver pubblicato l’evento in un video live ufficiale io non ci vedo nulla di osceno. In fondo erano ragazzi ed erano sulla cresta dell’onda, avevano conquistato il mondo in un battito di ciglia, erano diventati delle rockstar e lo sapevano! Non che voglia giustificarli ma mi risulta che in tanti abbiano fatto molto, molto di peggio senza ricavarne una crocefissione mediatica. Questi sono i privilegi di chi si trova sotto i riflettori e ci aiutano a capire quanto fosse forte in quel momento il fenomeno Skid Row. Ad ogni modo questi e molti altri episodi simili contribuirono ad esacerbare una situazione già fin troppo tesa che scuse e ammissioni di colpa non bastarono a distendere. Ora, se ammettiamo la premessa che la fama costituisca il potere di un rocker, potremmo riprendere la celebre frase di un noto politico italiano arrivando ad affermare che il successo logora…chi non ce l’ha. E io aggiungerei che anche chi ne può godere ha comunque le sue belle gatte da pelare. Sarà perché la vita da rockstar rovina le relazioni interpersonali e monta la testa di chi non sia pronto ad affrontarla. Sarà che una gestione più attenta da parte del management forse avrebbe potuto evitare alcuni episodi incresciosi e sgradevoli. Fatto sta che i rapporti tra i cinque ragazzi-meraviglia iniziarono a scricchiolare in maniera preoccupante.

Nel frattempo nel marzo del 1995 uscì Subhuman Race, terza fatica in studio e ultimo album con questa formazione. Il disco si presentava al mondo con sonorità ancora più dure nonché diversi sperimentalismi che, uniti alla sterzata stilistica, aggiungevano ulteriore distanza dalla proposta originale della band. Questo, sommato alla contemporanea ascesa del grunge, comportò vendite più deludenti del previsto nonostante il valore assoluto dei brani fosse comunque indiscutibile. La qualità insomma non mancava ma venne frustrata dai gusti in divenire di un pubblico che rivolgeva altrove la propria attenzione. Fu troppo e arrivò anche per gli Skid Row, come per tanti altri in quel periodo, il momento dello split. Chi allora seguiva la scena rock era costretto a farlo attraverso le riviste di settore perché internet non era certo quella che è oggi. Costoro si ricorderanno certamente che numero dopo numero a far notizia era sempre la separazione di membri illustri dalle rispettive, e talvolta blasonatissime, compagini. Per farla breve, che fosse per la difficile situazione del mercato discografico, per reali contrasti umani o per divergenze artistiche, sta di fatto che gli anni novanta videro un gran numero di band più o meno importanti dividersi dal proprio frontman per poi magari festeggiare anni dopo una roboante reunion.

Spoiler alert: nonostante se ne parli da più di vent’anni i Nostri non si sono ancora riuniti con Sebastian Bach che quindi potrebbe passare alla storia tra le vittime illustri di quell’apparecchio ormai desueto, ma allora molto in voga, chiamato segreteria telefonica. La storia infatti narra che a far traboccare il vaso fu un messaggio, lasciato dal cantante sulla segreteria della band, riguardante un concerto fissato come opener dei Kiss. Nel gruppo alcuni ritenevano che gli Skid Row fossero ormai troppo grandi per aprire ai Kiss e l’accordo saltò portando Bach ad esternare il proprio disappunto in maniera particolarmente vivace con una telefonata… che venne appunto registrata. Se avesse trovato un interlocutore umano con cui inveire direttamente magari le cose sarebbero andate diversamente ma c’è dell’ironia in tutto questo. Non solo non era la prima volta che una segreteria telefonica immortalava le sfuriate del frontman provocandogli più di qualche grattacapo ma gli Skid Row, rimessisi faticosamente in pista con un nuovo cantante e un nuovo batterista, si ritrovarono da lì a poco ad aprire lo stesso ai Kiss! Scherzi del destino che ogni tanto ti fa ingoiare l’orgoglio. Per i più pignoli si trattava del Kiss Farewell Tour del 2000.

Nei successivi due anni i membri degli Skid Row, invischiati tra l’altro in diverse collaborazioni e progetti personali, furono impegnati in un’intensa attività live volta a far risalire le quotazioni della loro band. Infine nel 2003 vide la luce il quarto lavoro del gruppo intitolato Thickskin, il primo con Johnny Solinger dietro al microfono. Il nuovo entrato, pur con uno stile diversissimo da quello di Bach, non era niente male ma, come per altri suoi illustri colleghi, ebbe l’ingrato compito di raccogliere un’eredità davvero troppo pesante. Come esercizio mentale mi piace citare qui alcuni frontman che più o meno nello stesso periodo lasciarono le redini ad un pur valido sostituto che non è però mai riuscito a conquistare altrettanto il cuore dei fan…e questo nonostante le vendite in alcuni casi siano state per lo meno incoraggianti. Per aiutarmi voi potreste scriverne altri nei commenti qui sotto. Dunque vediamo: Dickinson lasciò gli Iron maiden, Halford i Judas Priest e fortunatamente entrambi rientrarono in formazione anni più tardi. Andò diversamente per gli Angra quando Matos se ne andò o per i Van Hallen quando sostituirono Roth o ancora per gli Helloween quando rimpiazzarono Kiske o infine per i Nightwish quando molto tempo dopo divorziarono da Tarja. Per un motivo o per l’altro a nessuno andò molto bene. Per gli Skid Row il problema fu che nel nuovo millennio non riuscirono a reinventarsi abbastanza da presentare una proposta originale e coinvolgente come in passato. Convincente forse, per certi versi perfino apprezzabile ma comunque nel solco già scavato da altri. Insomma i fasti di un tempo in cui i Nostri potevano permettersi di tracciare da soli la propria strada erano davvero lontani.

Ridimensionata in questo modo la band proseguì il suo cammino e pubblicò nel 2006 il quinto e al momento ultimo album in studio, se si escludono alcune raccolte di B-side, intitolato Revolutions Per Minute che, come il predecessore è un piacevole e moderno lavoro di hard’n’heavy a cui manca però quella scintilla vitale e ribelle che anima il resto della discografia. Intendiamoci, in questi ultimi due lavori non mancano certo episodi validi, sperimentalismi o tecnica, l’esperienza dà sempre i suoi frutti e la coppia Bolan / Sabo ne ha da vendere, ma per gli Skid Row questo non può certo bastare. E lo sanno anche loro infatti l’ultimo capitolo di questa storia è molto recente. Negli scorsi tre anni si sono rincorse voci, indiscrezioni e pettegolezzi riguardanti un ulteriore cambio dietro il microfono. Ovviamente questo ha suscitato grandi speranze per il rientro di Bach che, nonostante le smentite da entrambe le parti, sembrava ormai probabile dopo che l’ingaggio di Tony Harnell, ex TNT, si era risolto solo con qualche apparizione live. Alla fine, nel 2017, i Nostri hanno invece annunciato l’ingresso stabile in formazione dell’ex voce dei Dragonforce, quel ZP Theart che aveva già dato buona prova di sé durante gli ultimi concerti della band. L’attesa è grande ma la disillusione è altrettanto forte…staremo a vedere, e soprattutto ad ascoltare, cosa succederà.

Intanto è arrivato il momento di tirare le somme di tutta questa vicenda e quindi di rispondere alle domande che ci siamo posti. Ed è presto fatto: il trio Bach, Bolan, Sabo era un concentrato di talento, grinta, preparazione tecnica, intensità espressiva, ispirazione artistica e carisma come raramente accade di incontrare. Messi insieme erano palesemente una forza della natura, un concentrato di genio e sregolatezza capace di imporsi sul mercato tanto da sdoganare sonorità durissime nelle orecchie di chi fino a quel momento le aveva addirittura schifate. Non furono né pionieri né innovatori ma finché rimasero insieme riuscirono a piegare le regole del gioco quel tanto che bastava per garantirsi di suonare quel che volevano, quando volevano e come volevano. Fecero sognare un’intera generazione a cui non importava nulla che fossero dei raccomandati perché romanticamente è bello sostenere chi si è fatto da solo ma se un gruppo vale davvero le origini si dimenticano in fretta. Con gli Skid Row nello stereo tutti potevano sentirsi dei cattivi ragazzi e soprattutto essere fieri di esserlo. D’altra parte se una band riesce a lasciare il segno e a far parlare di sé anche a distanza di trent’anni con soli tre album (sì tre, perché questa è la verità e non ci interessa essere politically correct, giusto?) un motivo ci sarà…

Per la prossima volta studiateli attentamente, intanto il vostro professore andrà a scrivere la prossima lezione. Parleremo di una band con una storia per molti versi diametralmente opposta a quella degli Skid Row…ma non vi dico altro, quindi ricordate: Follow the Professor!