L’Eurovision Song Contest secondo Twitter

Un articolo particolare questo, su RockGarage non ci saremo mai immaginati di scrivere qualcosa su di un festival essenzialmente pop, ma avendo visto alcune parti di questa edizione ci preme dire qualcosa che solitamente nessuno dice. Un festival che viene presentato come il festival “europeo” (non a caso fondato per volere dell’Unione Europea) ma a cui partecipano anche paesi diversi da quelli del nostro continente, eppure il punto non è questo. In occasione di questa edizione (e probabilmente anche di quelle precedenti che ci siamo persi, e non ci strappiamo i capelli per questo) abbiamo assistito al principale scopo ed uso che viene fatto dei social dalle persone. Utilizziamo il termine generico “persone” ma che poi hanno un’accezione molto specifica in quanto sono gli stessi consumatori di musica che dovrebbero tenere in piedi il mercato discografico e quello dei concerti e, considerando che il nostro paese musicalmente viene retto dal mercato della musica pop, queste “persone” sono i veri influenzatori degli artisti del futuro, avendo il potere di tenerne in vita alcuni rispetto a chi dovrà abbandonare la musica e trovarsi un altro lavoro per vivere.

Ebbene, con la scelta del “live tweeting” abbiamo assistito secondo noi alla più becera e infima espressione di come da noi viene usato il potentissimo strumento dei social. Se avete letto i tweet che sono stati trasmessi durante le esibizioni avete potuto constatare che pochissimi facevano osservazioni sulla musica in senso stretto, tutti parlavano di abbigliamento, di somiglianze fisiche, della gestualità dell’artista…nessuno (o quasi) che facesse una considerazione musicale o tecnica sul brano. Non solo, ma la stragrande percentuale dei tweet erano offensivi senza messe misure, espressione dell’ “invidia da poltrona” ( o “da tastiera”) che sempre più invade i cervelli. Ne abbiamo collezionate solo alcune qui:

“Ma il portoghese è disabile?“

“La vivacità del Belgio mi contagia, vado a prenotare un loculo“

“Il cavallo sulla scala. Mi interrogherò su questo simbolo almeno per 20 secondi”

“L’australiano uscito dal libro della giungla”

“Con la sua coreografia BEL sta spiegando le nuove procedure di evacuazione dagli aerei Alitalia“

“L’accoppiata Gattuso-Ferragni rumena è pura avanguardia“

“Gli inglesi hanno votato a favore della Brexit, sbattiamoli fuori dall’Eurovision“

“La Spagna manda il biondino dei cugini di campagna“

“L’Australia è quel paese che inviti alle feste perché non ha amici suoi“

“Perché Cannavacciuolo gareggia per la Croazia?“

“Moldavia avversario temibile con quelle zampette ballerine ipnotiche mannaggia a loro“

“Quando esci dal bagno dopo essere stato mezz’ora sotto la doccia“

“E con la Bielorussia siamo subito alla sagra di paese“

“Per me #isr vince come miglior bono di #esc2017“

“La sfilata dell’Eurovision ma che ne sa Victoria Secrets“

“La giacca Rainbow di Francesco Gabbani spacca“

“Insinna s’è drogato..non c’è altra spiegazione“

e per concludere con al termine delle votazioni un sobrio “Da domani fermate le esportazioni di pasta e pizza nei paesi che non ci hanno votato“.

Di certo non ci si aspetta che gli utenti di Twitter e gli ascoltatori di festival così generalisti siano degli esperti di musica in grado di avanzare considerazioni tecniche, però il fatto che uno strumento così potente come la rete, che tramite un hashtag è in grado di far arrivare le tue parole ad artisti e organizzazioni di profilo internazionale, venga usato in modo così superficiale è un po’ una sconfitta. Non dello strumento ma di chi ne fa questo uso.

Il rock ora è orfano di padre: Chuck Berry e la sua eredità artistica

C’era una volta un ragazzo nero di Saint Louis, Missouri, che amava la sua chitarra come amava anche la vita, intesa come vita fatta di trasgressioni, di tante donne, ma anche di non pochi guai giudiziari. Il suo nome era Chuck Berry e il suo percorso di artista iniziò nel 1955, quando, su raccomandazione di Muddy Waters, incise il brano Maybellene negli studi della Chess Records di Chicago. Seguirono altre incisioni come Roll Over Beethoven, Sweet Line Sixteen e Johnny B. Goode, indubbiamente il suo brano più noto. Tutti questi successi furono pubblicati tra il 1955 e il 1959 andando ad influenzare fortemente tutta la scena rock a venire. In una nazione e in un periodo di piena discriminazione razziale, i bianchi dicevano di lui “è impossibile che un “negro” sappia suonare così bene la chitarra”; ma gli stessi si resero conto che non c’è colore della pelle che tenga quando ci si ritrova di fronte ad un talento così smisurato, da diventar poi leggenda. La sua carriera ebbe una brusca interruzione a causa dell’arresto avvenuto alla fine del 1959 per aver avuto rapporti sessuali con una minorenne; ma questo non arrestò l’influenza che Chuck Berry ebbe, ad esempio sui Beatles, tant’è che lo stesso John Lennon disse “se vuoi provare a dare un altro nome al rock’n’roll, puoi chiamarlo Chuck Berry”, ma anche su gruppi della scena hard rock sviluppatasi negli anni 80, come gli AC/DC il cui chitarrista Angus Young ha sempre omaggiato Chuck cimentandosi nel “duck walk”, la tipica camminata che eseguiva sui palchi mentre deliziava le folle con la sua chitarra.

Se oggi sentiamo spesso la parola “riff di chitarra”, ovvero una successione di note che si ripete frequentemente in una canzone, lo dobbiamo a Chuck Berry che lo ha inventato. Senza di lui non avremmo mai avuto l’opportunità e il privilegio di farci trascinare dai riff di Smoke On The Water dei Deep Purple o di Whole Lotta Love dei Led Zeppelin, brani che, grazie proprio ai loro riff, restano inconfondibili dopo un paio di secondi di ascolto. Anche se nel rock moderno o nel metal l’influenza blues si è ridotta notevolmente, l’eredità che Chuck Berry ha lasciato rimane inestimabile. Lo scorso 18 marzo, all’età di 90 anni, Chuck Berry si è spento nella sua residenza a Saint Charles, Missouri. Ed il mondo del rock ha doverosamente omaggiato uno dei suoi padri, senza il quale risulta davvero complicato immaginare che percorso avrebbe avuto la storia del rock.

Nikki Sixx: The Heroin Diaries

Che differenza passa tra una grande rockstar che si buca continuamente ed i protagonisti di Amore Tossico, lo scioccante film di Claudio Caligari del 1983 i cui protagonisti sono stati veri tossici? Nessuna. E questa sconvolgente realtà viene fuori leggendo The Heroin Diaries di Nikki Sixx. Il viaggio verso il fondo ed il buco nero in cui finì il bassista e fondatore dei Motley Crue dopo aver raggiunto il grande successo viene fuori durante la lettura di questo libro che narra gli anni da tossico, pieno di eroina fino agli occhi, che il musicista visse (e che per fortuna si è lasciato alle spalle). Un libro che scava quasi morbosamente nella mente e nella poltiglia in cui si ridusse per l’abuso di eroina, foraggiato dagli stessi suoi discografici che gli davano tutto quello che voleva, ricevendo in cambio materiale da vendere, pubblicare e su cui fare un mucchio di dollari sonanti. La giostra doveva proseguire ed andare avanti a scapito di tutti: l’importante era sfornare album (ancora si vendevano i dischi in quegli anni) e partire per le tournée infinite, calandosi di tutto. L’importante era stare in piedi e non riposare mai. E questa è una realtà sconcertante: non solo nel mondo dei vip da quattro soldi e delle starlette: pur di fare soldi non ci si ferma davanti a nulla. E chi si è visto si è visto.

Di certo e sicuramente nessuno ha imposto a Nikki di spararsi merda in vena. Tutto deriva dai suoi traumi infantili, dovuti ad un padre che se ne scappa quando lui è piccolissimo abbandonandolo totalmente ed una madre più disfunzionale di una massa di internati da manicomio, e dal controllo su se stesso che non aveva assolutamente, abbindolato dalle luci dello star system. E come le normalissime persone che ciondolavano al Parco Lambro di Milano proprio in quel decennio, il primo buco risucchia nel tunnel della dipendenza anche un musicista giovane e sulla cresta dell’onda. Solo che il secondo non deve rubare: la roba gliela servono in quantità, quando e come vuole. E più la voglia cresce, meno la sua produttività nel songwriting è prolifica. E’ allucinante leggere in queste pagine che, se all’esordio per la band avrebbe fatto di tutto e di più, ora la necessità della siringa è diventata più impellente di registrare e suonare…chi se ne fotte.

La narrazione diretta delle paranoie, dei malanni, delle allucinazioni e delle astinenze che lo assalgono è qualcosa di assolutamente devastante, che riporterebbe alla realtà anche il più giovane musicista che non vede l’ora di sfondare e fare la vita dei suoi idoli. Uno specchio allucinante della realtà, soprattutto quella discografica, che viene schiaffata in faccia a tutti nei suoi più biechi risvolti. Le testimonianze di persone dell’entourage e degli amici di Sixx rafforzano ancora di più la sensazione di disperazione e schifo che ci ha assaliti pagina dopo pagina.

Per fortuna che la storia, accompagnata da una buona dose di fortuna, hanno deciso di preservare Nikki dall’entrare nel famedio cimiteriale del rock a fare compagnia ad altri protagonisti che la droga ha strappato alla vita troppo presto.

Talent e Tv: perché e cosa non funziona

La musica sta scomparendo dalla tv. Le grandi emittenti musicali (da Videomusic a Mtv) hanno chiuso i battenti da anni e con loro gli storici i programmi televisivi un tempo pilastri dei palinsesti (chi non ricorda Top Of The Pops, Festivalbar, Help!, Roxy Bar, Superclassifica Show, Discoring, Notte Rock, Unplugged MTv ecc.). Con l’avvento dei talent show, dei provinanti disillusi, della tv spazzatura e dei potenti canali social, lo spazio in televisione dedicato alla buona musica, tutta, ed agli artisti veri, tutti, si è ridotto a sporadiche comparsate in qualche replica notturna dei vecchi spettacoli di un tempo. Sull’imperversare in video dei talent si sono scritte e dette fiumare di parole, tutte supportate da teorie ed opinioni tra le più disparate, molte anche precise ed autorevoli. Lungi da noi quindi riproporre la solita solfa della qualità mediatica di questi programmi e del riflesso sociale e culturale che hanno sugli spettatori, soprattutto sui giovani. Gli effetti sono sotto gli occhi di tutti. Trattandosi di format esportati in tutto il mondo, l’aspetto che maggiormente ci interessa del “fenomeno talent” è senza dubbio l’impatto che ha avuto in maniera diretta sulle vendite, sia a livello nazionale che internazionale, nonostante una preoccupante e oramai latente flessione del business discografico rispetto ad oltre un decennio fa, che però continua a promuovere in Top Ten i soliti grandi dinosauri della musica. Eppure osservando quanto accade dall’undicesimo posto in giù delle classifiche di vendita, soprattutto in quelle dei singoli, è verosimile notare una diffusa presenza di piazzamenti occupati da uscite firmate dagli emergenti protagonisti dei talent. Per fare un esempio pratico, tra le certificazioni FIMI (Federazione Industriale Musica Italiana) relative alla seconda settimana del 2017 e rilasciate lunedì 16 gennaio, tra i singoli più venduti si attesta l’oro (oltre 25.000 copie vendute) per New Dawns di Gaia Gozzi, seconda classificata ad X Factor 10. Una volta ascoltato il brano, occorre analizzare il fenomeno e tirare le giuste conclusioni: l’impressione è quella di trovarsi di fronte al clone italiano di un’artista che c’è già, che vende milioni di copie e che si chiama Adele. Provare per credere. Occorre a questo punto, fare delle opportune riflessioni.

Prima considerazione. Al di là dei vincitori e dei vinti, delle opinioni dei giudici e degli spettatori, è inequivocabile che la stragrande maggioranza di coloro che calcano il palco di questi contenitori, non porti in dote una personalità artistica propria, anzi. Il fatto di proporre cover di brani già famosi, altro non è che un escamotage delle produzioni per rimarcare quante brave Bejoncé, Adele, Amy Whinehouse o quanti splendidi Justin Bieber esistano in Italia, camuffando di fatto il reality musicale in una sorta di karaoke edulcorato, in sui si alternano senza soluzione di continuità, perfettibili dilettanti allo sbaraglio. Ciò che dovrebbe davvero far riflettere, è l’illusione che viene concessa a questi ragazzi di venire catapultati in un circo musicale fastoso, in una favola mediatica che centuplica l’effettiva consistenza delle loro capacità artistiche, convincendoli di mezzi e di possibilità che, nella migliore delle ipotesi, non li spingeranno oltre la durata di qualche mese e di qualche comparsata nei centri commerciali.

Seconda considerazione. Se la televisione continua a confezionare ad hoc imitazioni di modelli vocali già esistenti, viene lecito chiedersi: quando e come questi stereotipi avranno la possibilità di farsi notare dal grande pubblico, finito il clamore che hanno suscitato nell’edizione a cui hanno partecipato? E che speranze hanno oggi quelle identità artistiche fuori dagli schemi e dai cliché imposti proprio dai media che non riescono ad apparire in tv? Ciò che dovrebbe far riflettere, è che artisti pop amatissimi dal grande pubblico ma non proprio vocalmente aderenti ai canoni dei talent attuali, come ad esempio Gianna Nannini, Eros Ramazzotti o Vasco Rossi, giusto per rimanere sul panorama italiano, con queste attuali premesse, non avrebbero la benché minima speranza di superare quantomeno le preselezioni, figuriamoci arrivare davanti ad una telecamera per proporre la propria voce!

Terza considerazione. Sarebbe opportuno capire quanto le case discografiche che supportano queste trasmissioni, influiscano sulla scelta dei brani da far replicare agli ignari concorrenti, il tutto allo scopo di proporre canzoni di artisti appartenenti al loro roster. Sarebbe oltremodo curioso sapere inoltre quanto conti (se conta) la discrezionalità dei giudici o dei ragazzi stessi nella scelta dei pezzi una volta individuati dalla produzione. A tal proposito, ci viene in aiuto l’indiscrezione apparsa sui media e riferita da Piero Pelù dei Litfiba, al termine della sua prima esperienza da ex giudice (o per meglio dire ex vocal coach) nel talent show della Rai ‘The Voice’: “Non per darmi arie, ma la mia ‘mission impossible’ a The Voice era quella di riportare il rock in televisione. Nonostante mi sia divertito, la più grossa mancanza che ho avvertito è stato un pizzico di coraggio in più per quanto riguarda la scelta dei pezzi. Mi son sentito dire ‘Stairway To Heaven’ non è una canzone abbastanza conosciuta in Italia’…“. Basti questo per capire quanto poco venga considerata all’interno di queste trasmissioni la musica internazionale non-pop, soprattutto quella rock, a suffragio della teoria che vorrebbe questi format proiettati unicamente alla ricerca ed al lancio di cloni pop usa e getta, buoni solo ad intrattenere un certo tipo di pubblico televisivo medio, opportunamente scelto in base ad attente analisi di marketing, e per il quale vengono confezionati programmi (anche radiofonici) di intrattenimento mordi e fuggi, nazionalpopolari, votati all’accanimento terapeutico su base emozionale e privi di alcun rudimento culturale e musicale di fondo.

Una delle riflessioni più lucide e pertinenti fatte sui talent che sposa in toto quanto sin qui detto, è senza dubbio quella fatta da un mostro sacro della musica pop italiana, il compianto Pino Daniele, uno che a suo tempo di gavetta ne ha fatta eccome prima di attestarsi ad alti livelli nel mainstream nazionale. Il musicista napoletano, intervistato qualche anno fa sull’argomento da Il Giornale e da Radiocorriere Tv, dichiarò: “I talent non li abbiamo inventati noi ma gli americani, perché in questo Paese non si inventa più nulla. Non sono talent di contenuto, ma dimostrazioni di bravura, però hanno partorito grossi personaggi come Marco Mengoni, Emma Marrone, Alessandra Amoroso. Quelli di oggi sono talenti diversi: Mengoni ha una voce eccezionale, mentre De André, ad esempio, vocalmente non era un granché però il suo canto era poesia. Ecco la differenza. (…) Forse presentandosi a queste selezioni per i talent hanno una buona possibilità. E’ chiaro che si lavora sulla competizione e non sul contenuto, cioè non si lavora su quello che uno scrive, ma su quello che uno fa sentire. Una competizione un po’ troppo tecnica. Attenzione al contenuto non c’è, tranne quando capita che l’uno e l’altra si trovino insieme, e allora sei di fronte all’artista bravo bravo…“. Nulla da eccepire in merito, considerando che i “grossi personaggi” a cui fa riferimento, seppur lontani dai nostri parametri, sono comunque pertinenti a quella fascia di utenza popolare che sia in tv, che alla radio, che al negozio di dischi, scelgono sempre secondo le medesime modalità e che attraverso tale meccanismo implementano e fanno muovere l’indotto che ruota intorno ai talent.

Per quanto attiene il coinvolgimento di artisti già noti (chi più, chi meno…) in queste trasmissioni (in veste di giudici o di semplici ospiti), hanno come effetto diretto quello di avvalorare agli occhi dello spettatore la caratura del prodotto che stanno guardando, senza considerare che per molti artisti legarsi ad un talent, rappresenta un’occasione di lavoro come un’altra, o per meglio dire, un’occasione di auto-promozione della propria immagine e non un mero supporto alla ricerca di nuove leve da lanciare nel mondo della musica. I fatti dicono che, tranne rari casi, esempi di collaborazioni o di supporto tra quei big e quelle giovani promesse, si riducono in pratica a qualche risicato e sparuto episodio.

Anche all’estero la discussione è molto viva, soprattutto tra i personaggi di caratura mondiale. Bruce Dickinson degli Iron Maiden ha recentemente rifiutato un posto come giudice nella versione inglese del talent show The Voice che sarà in onda il prossimo anno sulla BBC, dichiarando al The Sun: “Quello show è una merda ed è degradante per chi ci partecipa. Ho provato grande piacere nel rifiutare l’incarico della BBC. X Factor è già abbastanza orribile”. Slash ha rivelato nel 2011 a Entertainment Weekly, che i Guns N’ Roses hanno più volte rifiutato la richiesta di poter utilizzare una loro canzone in Glee, programma andato in onda in Italia sulle reti Mediaset. Il chitarrista ha espresso un secco rifiuto direttamente ai creatori della serie, e ha poi dichiarato: “Ad essere sinceri non è la prima volta che neghiamo la possibilità di usare nostro materiale su Glee. Voglio essere più ottimistico che negativo riguardo questo tipo di intrattenimento, perché è molto facile essere negativi, ma con Glee voglio mettere un confine piuttosto evidente. Glee è peggio di Grease, e Grease è pessimo”. Sulle pagine dell’Huffinghton Post, il noto e competente giornalista musicale Red Ronnie, tra i pochi in Italia ad aver intervistato praticamente tutti i più grandi artisti del panorama nazionale ed internazionale, nonché padre di trasmissioni musicali storiche come Help! e Roxy Bar (che poche settimane fa ha dovuto chiudere definitivamente i battenti sul web), ha impetuosamente dichiarato: “Il monopolio dei talent show è disumano. I ragazzi che escono fuori da questi programmi sono drogati dal falso successo. Prima si ritrovano a duettare con star della musica internazionale, poi a suonare e cantare nei centri commerciali. Sono come delle Cenerentole che salgono su una carrozza e allo scoccare della mezzanotte si ritrovano solamente con una zucca. È questo il dramma dei talent. Inoltre passa il messaggio che per diventare un artista conti solamente la voce (…). Le case discografiche hanno demandato lo scouting dei loro nuovi artisti ai talent show. Questo è disumano, non il talent in sé. Non è possibile che tutte le case discografiche, ad eccezione di qualcuna, ad esempio la Warner Bros con Benji e Fede (nati dalla rete grazie a YouTube ndr), abbiano rinunciato a lanciare qualcuno al di fuori di questi programmi. Ai ragazzi si dà l’impressione che suonare gli strumenti non serva a niente, che il componimento delle canzoni non sia necessario perché bisogna cantare le canzoni degli altri. Quando arrivi finalmente a un inedito la canzone non è tua. È scritta da autori che sono costretti a scrivere perché sotto contratto discografico. Come si può far crescere la musica in questo contesto?”. Non si può non essere d’accordo con il buon Red.

Mentre le case discografiche hanno già capito in che direzione andare, il restante panorama musicale s’interroga su quanto rispetto al passato il monopolio televisivo abbia cambiato il modo con cui gli artisti raggiungono il successo ed il grande pubblico. Un tempo era necessario un percorso obbligatorio fatto di fallimenti, di centina di concerti anonimi e di provini a vuoto, prima della fatidica grande opportunità. Il successo era e rimaneva comunque un obiettivo che andava guadagnato disco dopo disco, singolo dopo singolo, classifica dopo classifica, palco dopo palco, autografo dopo autografo. Ebbene, quel mondo che sembra oramai superato, non è definitivamente scomparso. E’ stato semplicemente messo in secondo piano, poiché schiacciato dal peso del sistema dei talent. Nonostante ciò, come ogni giorno testimoniano le pagine di RockGarage, esistono ancora migliaia di artisti (autori, musicisti e cantanti) che si ritengono fuori dal cliché televisivo e che continuano ancora a sacrificarsi, a perseverare ed a credere nella propria arte, nella speranza di raggiungere ed ampliare la propria platea senza doversi chinare supinamente alla logica dell’omologazione e delle fatue promesse da tubo catodico.

Sino a qualche anno fa la sola kermesse musicale che attirava le attenzioni di tutti gli italiani, era senza dubbio il Festival di Sanremo, oramai prossimo alla sua consueta edizione. E’ palese quanto nonostante ogni benevolo tentativo di restyling del format, questo costosissimo carrozzone televisivo abbia perso in appeal e credibilità, poggiandosi ormai, proprio come accade per i talent, su un clamore mediatico figlio più del vuoto gossip e del chiacchiericcio da salotto che vi ruota intorno, che dal vero e reale stupore suscitato dai brani in gara e dagli artisti che si esibiscono. Ed è proprio leggendo l’elenco dei nomi dei gareggianti che la tristezza si acuisce: da un lato e dall’altro, emergono soltanto “vecchie glorie alla canna del gas” che si alternano a moribonde meteore post-talent, tutti personaggi oramai confinati a protagonisti di sagre del porcino ed eventi da pro loco, anime declini del pentagramma alla ricerca di una vetrina importante che possa concedergli ancora un semplice passaggio promozionale, una passerella di cinque giorni, od una ultima occasione di rilancio.

La televisione ha quindi un urgente bisogno di rinnovarsi ma facendo tesoro del passato, di rivalutare con interesse la messa in onda del prodotto musicale, di non accudire solo le logiche dell’auditel, di ritrovare quei format pomeridiani che un tempo intrattenevano gli adolescenti, di riportare la gente nelle piazze, di far uscire definitivamente l’arte dalla competizione e, soprattutto, di ricercare autori, musicisti ed interpreti veri, talenti e non esibizionisti da karaoke, andandoli a cercare nelle cantine, nei pub, nei festival minori, di formare uno scouting competente che selezioni con cura le proposte che da questi arrivano direttamente attraverso demo e CD (quasi sempre frutto di faticose autoproduzioni). Un grande plauso va indubbiamente fatto a chi persiste nella propria strada, soprattutto alle etichette indipendenti, che in mezzo a mille difficoltà, sostengono gli artisti in un circuito orgogliosamente pulsante seppur forzatamente suburbano. Per quel che ci riguarda, i talent sono e continueranno ad essere, un buon palliativo serale al vecchio e noioso conteggio degli ovini nel recinto, utile solo per guadagnare velocemente un comodo posto tra le accoglienti braccia di Morfeo.

No Secondary Ticketing: conferenza stampa

Il secondary ticketing è un male, per tutti. Un male per il fan, ovviamente, ma anche per l’artista, che rischia di vanificare gli sforzi fatti per acquisire una fan base e credibilità. Ma è un male anche per tutti quelli che stanno tra palco e realtà, per usare le parole di uno degli artisti rappresentati alla prima conferenza internazionale contro il Secondary Ticketing, tenutasi ieri al teatro Franco Parenti di Milano. Oltre agli interventi programmati, per focalizzare la situazione, sono stati i momenti di confronto, coesione e proposte di soluzione, a rendere interessante e importante questo incontro. Apre le danze il patron di Barley Arts, Claudio Trotta, che per primo ha denunciato questo sistema, circa un anno fa, e ha fortemente voluto questo evento. Gli interventi successivi, dall’amministratore delegato di TicketOne, Stefano Lionetti, a Ivo Tarantino di AltroConsumo, dall’europarlamentare fino ad arrivare a Elio (che come al solito usa sapientemente l’ironia per dire cose mirate e taglienti), sono un racconto dello stesso problema visto da diversi punti di vista. Molto incisivi gli interventi di Adam Webb, di Far Fair Alliance, e Alex Bruford, agente ATC live e membro di FanFair. I due ospiti internazionali combattono il fenomeno sul campo, facendo praticamente ciò che è stato detto in tutta la giornata di ieri, e sono la testimonianza di come questa battaglia stia procedendo.

L’utilizzo dei biglietti nominali, per esempio, ha consentito la vendita regolare al 99% dei biglietti disponibili, per gli ultimi due sold out dei Lumineers a Londra. Solo l’1% si è trasferito sui siti di secondary ticketing ma è stato neutralizzato. Nessuna protesta dei fan, nemmeno il giorno dell’evento, sulle modalità di vendita e per l’ingresso con controllo dei documenti (o della carta che ha acquistato i biglietti). Nessuno tenta di prendere un aereo con il biglietto di qualcun’altro o senza documento, sottolinea Alex Bruford. E questo è assolutamente vero. Ciò che personalmente mi preoccupa, è la mentalità. Sappiamo bene che quella inglese è diversa da quella mediterranea. A Londra si vedono file ordinate per qualsiasi cosa e molte pratiche in Italia “normali”, oltremanica non sono nemmeno concepibili. Aldilà delle differenze educative e delle varie proposte, ciò che darebbe una forte scossa al sistema secondary ticketing è per prima cosa NON COMPRARE ATTRAVERSO CANALI NON UFFICIALI. Stupido e banale ma è proprio questo il passo fondamentale. Se nessuno compra, nessuno vende. Per arrivare a questo servono però tutta una serie di interventi a qualsiasi livello della filiera. Informare, combattere, punire.

Informare. Radio, testate giornalistiche, cartacee e digitali (proprio come RockGarage), società di ticketing online ma anche punti vendita fisici, associazioni dei consumatori, speaker, promoter e, per potenza mediatica, gli artisti stessi, devono promuovere la cultura della legalità e insegnare al semplice cittadino che acquistare da mercati paralleli è un male più grande di quello di spendere qualche decina di euro in più (spesso parecchie) per vedere il proprio artista del cuore. Un compito purtroppo difficile in un Paese da troppo abituato a scorciatoie e soluzioni facili, che non si raddrizza se non con sanzioni o altri provvedimenti. A questo proposito, nella giornata di ieri, è stato consegnato a tutti i presenti, una copia di un “codice etico statutario” che ha il fine (per ora simbolico, anzi etico appunto) di individuare “i principi e le regole poste alla base dei rapporti tra tutti gli operatori della filiera per la realizzazione di spettacoli musicali dal vivo”. Una sorta di regolamentazione, autonomamente sottoscritta, e un invito a proclamarsi portavoce della legalità, in ogni livello organizzativo. Significa metterci la faccia, come presenziare a questa conferenza che ha visto, ahimé, qualche assenza di troppo.

Combattere. Creare leggi che oggi non ci sono, e farle rispettare. Creare sistemi che neutralizzino i programmi capaci di eludere i sistemi antifrode, oggi adottati dai siti ufficiali di ticketing, e acquistare così grandi quantità di biglietti in modo non corretto. NON AVERE UN ATTEGGIAMENTO ATTENDISTA, come purtroppo spesso in Italia tendiamo ad assumere. Aspettando leggi e norme che regolano il mercato, è possibile cominciare a indirizzare il pubblico verso ciò che sarà, dimostrando la volontà di arrivare a quel punto. Si può migliorare la sicurezza dei siti ufficiali, prevedere un apposito spazio per la rivendita di biglietti (a prezzo nominale o inferiore ovviamente) per fan registrati che per svariati motivi non possono più partecipare all’evento. Ci sono realtà europee che già lo fanno, il Louvre di Parigi, o pensiamo alle compagnie aeree. Il biglietto nominale, per esempio, non è vietato ma facoltativo; alcune realtà lo adottano, pare con successo. Gli stessi artisti lo hanno invocato. Ma poi non viene fatto. Perché? Perché tutto ciò ha un prezzo, vero. Ma questo prezzo che si paga si chiama investimento. Su se stessi e nel settore nel quale si opera. Si può decidere di munirsi, come molti negozi, di antitaccheggio, non obbligatorio per legge e costoso, per limitare o azzerare i furti nella propria attività. Rubare è un reato, certo, ma ripetere questa frase senza prendere precauzioni non aiuta a diminuire i furti. Realismo.

I biglietti di Vasco Rossi per l’evento unico di Modena che celebrerà i 40 anni di carriera dell’artista, sono stati annunciati come “nominali” nei giorni precedenti alla messa in vendita; non è difficile trovare comunicati e news su questo. L’abbandono a Ticketone a favore di Best Union e Vivaticket è una semplice scelta di mercato. A oggi, e fino a prova contraria, Ticketone non è coinvolta nell’affare secondary ticketing. La vendita per i biglietti di Vasco sembra essere funzionata nonostante la forte richiesta; appena entrati nel sito si trovava una coda, scorrevole. Già da questa pagina si poteva avere informazione su quali biglietti erano disponibili e quindi, eventualmente, abbandonare la coda. Coda che altrimenti rispettava la priorità con servizio di mail alert in prossimità del proprio turno. Quindici minuti di tempo per acquistare i propri ingressi, messi in vendita a lotti in diverse fasce orarie, e presenza di indirizzi mail di organizzatore e per comunicazioni/reclami in bella vista. Trasparenza. Sembra tutto perfetto. Ma niente biglietti nominali e un massimo di 6 ticket acquistabili (2 in zone più prestigiose + fino a un totale di 6 per ingressi semplici). Sei?! A mio parere troppi. La tentazione, italiana, di chi arriva al carrello per comprare il proprio, è quella di aggiungerne altri “tanto poi li piazzo”. Due è un numero più verosimile per eventi con questa domanda. E aumenta le possibilità di riuscire nella transazione da parte di più gente. Senza nemmeno dirlo, i siti di secondary ticketing, stanno vendendo centinaia di biglietti a ogni prezzo (più alto), addirittura da prima che aprisse la vendita ufficiale. Combattere significa anche DENUNCIARE. Altra pratica poco diffusa ma fondamentale per inquadrare i soggetti negativi e avere le autorizzazioni per perseguire tali soggetti.

PUNIRE. Come giusta conseguenza di leggi per tutelare un mercato legale e concorrenziale. Punire con l’oscuramento del sito, con sanzioni (anche se, visto il giro d’affari, potrebbe essere un semplice balzello da pagare per continuare a “operare”) e con provvedimenti più importanti quali deferimento e detenzione o quanto di più corretto verrà deciso in fase di legiferazione. Il controllo e la punizione sono fondamentali per non vanificare quanto detto nei due punti precedenti. Informare e combattere senza il supporto di leggi e istituzioni, e di provvedimenti che puniscano i trasgressori, potrebbe significare ritornare al punto di partenza.

Più che raccontare ciò che è avvenuto ieri o la situazione, nota a chi è nell’ambiente ma ormai anche a chi ha visto il famoso servizio delle Iene facilmente reperibile online, è bene quindi cominciare a prendere una posizione e a essere parte del cambiamento che vorremmo vedere. La coesione è fondamentale e questo codice etico ne rappresenta un punto di partenza, anche se solo etico appunto. Sul finire della giornata ci si è interrogati sul ruolo dei media in questo caso, e più in generale nella diffusione di notizie in modo veritiero. La presenza dei media è ovviamente fondamentale, non dimentichiamo che questo vaso è stato scoperchiato proprio da un servizio televisivo. Occorre una regolamentazione unica che comprenda tutti i player di questo bellissimo gioco. Dall’artista al roadie, dallo speaker al fan, dall’avvocato alla SIAE. Non possono più esistere categorie separate ma una unica, come unico è il problema. Ogni settore avrà le sue complicanze specifiche, ma il problema resta unico.

In parallelo, e non in coda, a questo problema, sarebbe necessario anche riformulare e rivedere anche altri aspetti della musica live in questo Paese; con riforme sul diritto d’autore, sulle modalità e costi per organizzare e ospitare live show; tutelare gli artisti ma anche i gestori dei locali, un intervento economico (e non solo) delle istituzioni e dei privati a sostegno e per la diffusione della cultura musicale, sgravi fiscali, incentivi. Può sembrare un discorso differente ma in realtà fa parte di quella mentalità che non c’è (più) e che tutti dovremmo impegnarci a rendere più vasta possibile.

Ma per ora una cosa molto importante: NON COMPRATE ATTRAVERSO CANALI NON UFFICIALI.

Greg Lake e Keith Emerson: due figure imprescindibili del progressive rock Parte II

Parlavamo del capolavoro In The Court Of The Crimson King. Lake, dopo quel lavoro, comparirà anche nel secondo album, In The Wake Of Poseidon (altra perla) nella sola veste di cantante… poi la strada dei King Crimson e di Lake si divideranno e Greg si unirà ad Emerson e Palmer. Eppure, anche in questo secondo lavoro dei King, la sua voce sarà indimenticabile anzi, la si ritroverà nelle successive esperienze, sempre (o quasi) vincenti. Ma cosa hanno avuto di così grande Lake ed Emerson? Di certo Keith Emerson è stato il più importante, ma forse anche il più grande, tastierista rock di tutti i tempi seguito quasi nell’ombra da nomi come Rick Wakeman, Tony Banks, John Lord. Ed è stato proprio Emerson a portare alla ribalta il ruolo del tastierista nei gruppi rock come avvenuto nei Nice. Emerson che fu il primo a riscrivere la musica classica per il rock, il primo a irrompere sulle scene con gli antenati dei campionamenti di suono (basti ricordare il muro di cavi e fili elettrici che circondava i suoi strumenti ovvero il suo computerizzatore verticale). Insomma, Emerson il numero 1.

Su Greg Lake invece gravò, oltre che il ruolo più intimista dei brani del gruppo anche quello più impegnativo e produttivo; infatti, Lake sin dal 1970 diventa anche il produttore di tutti i lavori degli E.L.&.P.. E parlando proprio di produzioni, dopo due singoli con gli Shy Limbs e gli Shame e dopo l’impegno nei Gods che diventeranno poi gli Uriah Heep, Lake esordisce discograficamente nel 1969 grazie alla sua presenza nei King Crimson che con lui sfornano (lo dicevamo prima) il capolavoro In The Court Of The Crimson King. Qui Lake lo ritroviamo al basso, al canto, alla composizione ed alla co-produzione di una delle pietre miliari del prog rock. La sua voce, che accompagnerà il vero momento della nascita del progressive con il brano simbolo 21st Century Schizoid Man, sarà sempre unica e identificabile. “Greg ed io” – ricorda Robert Fripp in una delle tante dichiarazioni rilasciate dopo la morte di Lake – “spendemmo insieme molte notti ed albe con le nostre chitarre, cercando di trovare da teenagers un senso delle nostre vite, discutendo e pianificando il futuro del mondo. A quel tempo Greg era uno dei miei amici più intimi e abbiamo condiviso il livello e il tipo di intimità che gli adolescenti con chitarre potranno facilmente comprendere”. E Fripp non è di certo uno qualunque, ma quell’illustre genio della chitarra psichedelica e progressiva al quale tutto il rock, e non solo quello progressivo, deve molto.

Ma Lake, dopo i King Crimson e gli E.L.&.P. non si sarebbe fermato lì; la sua vena creativa lo ha visto sempre attivo nel mondo musicale e della produzione. Nel corso della sua carriera Greg Lake ha collaborato con molti musicisti tra cui Robert Plant dei Led Zeppelin, Roger Daltrey degli Who, con Ian Anderson, il fondatore dei Jethro Tull e tanti altri ancora. Insomma, un musicista con la M maiuscola. Suoi brani divenuti “pietre miliari” come Lucky Man (1970), Tarkus Nut Rocker (1971), From The Beginning, Trilogy, Hoedown (1972), Karn Evil 9, Jerusalem (1973), Fanfare For The Common Man, C’est la Vie (1977). Insomma, dopo David Bowie, Glenn Frey, Keith Emerson, Gato Barbieri, Prince, Leonard Cohen, ora è toccato a Greg Lake. Di loro ci mancherà molto sotto il profilo artistico, ma la musica prodotta resterà sempre qui, in mezzo a noi che li abbiamo seguiti ed amati. Non ci mancherà invece un anno come questo che sta finendo, un anno da dimenticare al più presto (almeno per i grossi artisti che ci hanno lasciato). Ma il grido di “Rock’n’roll can never die” (come in uno dei più famosi pezzi di Neil Young) cancellerà ben presto questi momenti tristi, non cancellerà di certo l’eredità musicale che questi mostri sacri ci hanno consegnato per il futuro. Addio anche a te Greg Lake.