Kraut rock: sperimentazione e futurismo

Gran Bretagna e Stati Uniti rappresentano, da sempre, i poli decisionali ed esecutivi della musica folk, popolare e di nicchia, in ogni sua forma e contaminazione. Eccezion fatta per un solo genere musicale: il kraut rock. In questo caso fu la vecchia Germania a fare la voce grossa, con un genere musicale futurista che inizialmente diede vita ad un vero e proprio fenomeno di cultura di massa all’interno dei propri confini e che, successivamente, dagli anni 70 in poi, attirò l’attenzione mondiale, al punto da influenzare l’art rock ed ogni forma d’arte da quel momento storico fino ai giorni nostri. Il rock sperimentale tedesco, a cavallo tra la fine degli anni 60 e l’inizio degli anni 70 (tra i gruppi teutonici più influenti ricordiamo i Neu, Can, Amon Düül, Kraftwerk, Popol Vuh e Tangerine Dream), è paragonabile all’Espressionismo di inizio Novecento ed è stato per la Germania quello che fu successivamente il grunge per l’area di Seattle: gruppi con differenti stili musicali, accomunati dalla stessa provenienza geografica e sociale.

Il kraut rock influenzò la produzione musicale di fine anni 70 e di tutto il decennio degli Ottanta, basti pensare alla trilogia berlinese del Duca Bianco e ai due album di Iggy Pop, e fu fondamentale per lo sviluppo di sottogeneri come post-punk, post-rock, rock elettronico, new wave e disco music. Devo, Afrika Bambaataa, Joy Division, New Order, Rockets, Depeche Mode, Pet Shop Boys, Nine Inch Nails, Moby, Fatboy Slim, Massive Attack, Prodigy, Coldplay, Daft Punk, The Strokes, LCD Soundsystem, sono solo alcuni dei gruppi che hanno tratto ispirazione dal kraut rock. Dalla seconda metà degli anni 70, e per l’intero decennio degli 80, per diverse motivazioni, culturali, sociali ed atmosferiche, Berlino e Düsseldorf divennero meta di pellegrinaggio e di estremo interesse per molti artisti e personaggi famosi, catturati da quel contesto nel quale emergeva l’urgenza di libertà d’espressione, e dal fascino estetico post bellico e sperimentale della realtà teutonica. Sonorità alternative, ipnotiche, visionarie, alienanti, tecnologiche, ambient, tribali, etniche, pre-industriali e psichedeliche, per disintossicarsi dal glam di matrice statunitense e dall’hard rock e prog rock di origine anglosassone, senza rinnegare in alcun modo l’insegnamento del passato. Il punto d’incontro tra la tradizione gotica tedesca, la lezione di Karl Heinz Stockhausen e l’epoca moderna della tecnologia.

Difatti, il kraut rock, nonostante l’accezione in principio fosse di scherno, nacque proprio con l’idea di creare un’alternativa all’egemonia musicale britannica e di far vacillare l’inerzia di quell’equilibrio. Questa nuova espressione artistica fu possibile attraverso il forte desiderio di libertà da parte di un tessuto sociale che, alla fine degli anni 60, sentiva ancora il peso della storia della Germania nei decenni precedenti, dopo le due guerre perse, il nazismo e la vergogna dell’Olocausto. E non avevano ancora visto la finale del campionato mondiale di calcio del 1982 in Spagna! Verosimilmente, il kraut rock ha rappresentato la più grossa rivoluzione culturale e musicale degli anni 70: la riscoperta del neo romantico teutonico. Un prodotto popolare presente in ogni ambito e momento della nostra vita, un laboratorio avanguardista già proiettato nel futuro digitale e che, ancora oggi, continua ad ispirare numerosi musicisti in tutto il mondo. Negli anni 70, con largo anticipo, avevano già immaginato e fotografato quella sarebbe poi diventata la società attuale: frenetica, automatizzata ed iperconnessa.

Depeche Mode: Spirit In The Forest – Il Film

Una ragazza della Mongolia che vive con la nonna. Un fotografo rumeno da sempre appassionato di quella musica “occidentale”, così difficilmente reperibile durante la Cortina di Ferro. Un ragazzo brasiliano costretto a emigrare a Berlino per godersi quella libertà negatagli dalla famiglia e dalla dittatura nello stato sudamericano. Una donna francese, madre di due bambine, che ha perso totalmente la memoria dopo un brutto incidente stradale. Un padre colombiano che vive lontano dai suoi figli e, infine, una donna americana che lotta contro un tumore al seno Questo potrebbe sembrare l’incipit di un romanzo dove vengono descritti i principali protagonisti; invece sono sei persone normali, con i loro vissuti, che hanno una sola cosa in comune: la passione per i Depeche Mode. In questa pellicola di Anton Corbijn, regista e fotografo olandese che vanta numerose opere e collaborazioni con musici come, tra gli altri, U2, Joy Division, Tom Waits, Coldplay, non viene raccontato semplicemente un concerto della band di Dave Gahan, bensì come i sei protagonisti descritti poc’anzi vi si siano avvicinati per poi parteciparvi, attraverso i loro racconti, le loro storie di vita personale, con i Depeche Modo come filo conduttore; ad esempio il padre colombiano che con i figli ha creato i DMX, stravagante quanto divertente cover band del gruppo britannico, e soprattutto viene dato particolarmente spazio ai testi delle canzoni dei Depeche Mode e di come siano stati d’aiuto per queste persone, che non sono altro che comunissimi fan.

Il punto del film è proprio questo; è una pellicola dove è il fan comune ad essere protagonista, che racconta i motivi che l’hanno avvicinato al suo artista preferito e che si conclude con la partecipazione al concerto della stesa, in questo caso allo show che i Depeche Mode hanno tenuto il 25 luglio del 2018 presso il Waldbuhne di Berlino durante il Global Spirits Tour. Dallo stesso, tra una dichiarazione e un’altra dei protagonisti, vengono proposte le immagini di quel concerto dove non possono mancare brani storici come Personal Jesus, Enjoy The Silence, Precious o Just Can’t Get Enough, le cui note concludono non solo il concerto ma anche il film. Depeche Mode: Spirit In The Forest non è un film esclusivamente per i fan dei Depeche Mode, ma per i fan in generale, che possono rispecchiarsi in maniera naturale nei racconti dei sei protagonisti. Chi vi scrive è tutt’altro che un fan della band di Dave Gahan e Martin Gore pur portandone il giusto rispetto, ma allo stesso tempo consiglia vivamente la visione di questa pellicola; visione possibile i prossimi 21 e 22 novembre nelle sale italiane, l’elenco è facilmente reperibile su sito ufficiale della Nexo Digital.

I Deep Purple al Bologna Sonic Park 2020

Da poco è arrivata la notizia: i Deep Purple sono stati annunciati come i primi headliner della prossima edizione del Bologna Sonic Park 2020. Il festival, giunto alla sua seconda (e probabilmente ultima) edizione si terrà all’Arena Joe Strummerdi Bologna. La storica band inglese si esibirà live il 6 luglio 2020, dopo quattro anni dal suo ultimo concerto in Italia. L’evento è fissato per le ore 20.00, su TicketOne sono stati già messi in vendita i biglietti dello show al prezzo unico di 57,70€. È possibile acquistare un massimo di sei biglietti a persona. Non sono state rilasciate ulteriori informazioni a riguardo, ma grandissima è l’attesa da parte dei fan della band.

I Deep Purple da tempo hanno manifestato l’intenzione di dare l’addio alle scene, impegnati da anni nel loro The Long Goodbye Tour. Tuttavia, non sembrano voler chiudere di netto, il loro tour va avanti da ben due anni e sull’orizzonte si vede la sagoma di qualche progetto futuro per la band. A metà ottobre di questo anno i Deep Purple hanno concluso le date previste in America e da questo dicembre inizieranno ad esibirsi in Europa. La prima data fissata è quella del 1 dicembre al Klagenfurt alla Messe Halle di Halle (Saale), in Germania. In programma al momento ci sono già una quindicina di date in tutta Europa, ma non si esclude che se ne aggiungano presto della altre. Nonostante i numerosi cambiamenti di line-up nel corso degli anni, i Deep Purple continuano ad essere una band di culto. Consacrati come mostri sacri della scena insieme a gruppi come Led Zeppelin e Black Sabbath, il loro contribuito alla musica degli anni Sessanta e Settanta ha segnato per sempre la storia del rock.

Inizialmente il gruppo aveva preso il nome di Roundabout e ruotava tutto intorno alla figura del batterista e cantante Chris Curtis. Quando questo lasciò la band, nell’aprile del 1968, la band scelse di cambiare nome. Ritchie Blackmore propose “Deep Purple”, dal titolo dell’omonima canzone di Peter DeRose, il brano più amato dalla nonna del chitarrista. In quel periodo la musica vive grandi rivoluzioni. John Lord, musicista di formazione classica, diplomato al conservatorio ha un’intuizione che contraddistinguerà in modo decisivo il sound dei Deep Purple: decide di collegare il suo organo Hammond ad un amplificatore per chitarra elettrica Marshall 1959 LP. Inizia un fruttuoso periodo di sperimentazioni e nel 1970 registrano una delle pietre miliari del genere, “Deep Purple in Rock”. Nel 1972 esce Machine Head l’album che li consacra al pubblico e alla critica. Il lato b dell’album contiene un’hit senza pari, il riffdi chitarra più noto di tutta la storia del rock. Smoke On The Water è diventata una delle più iconiche canzoni dedicate al mondo del casinò, narrando di un’incredibile vicenda accaduta a Montreaux. I Deep Purple erano andati a registrare un nuovo album in Svizzera, stesso luogo dove si stava tenendo un concerto dei Frank Zappa and the Mothers of Invention. Durante l’evento uno spettatore aveva lanciato un razzo che, incontrollato, aveva incendiato il noto casinò locale, dal quale si era levata una fitta coltre di “fumo sull’acqua e di fuoco nel cielo”.

Si calcola che la band abbia venduto ufficialmente più di 100 milioni di copie in tutto il mondo, senza contare i bootleg. Nel 2016 sono entrati a far parte della Rock and Roll Hall of Fame di Cleveland. I Deep Purple sono inoltre rientrati nel Guinness dei primati come la band più rumorosa del mondo, questo a causa di un memorabile concerto al Rainbow Theater di Londra, spettacolo durante il quale il volume della musica raggiunse i 117 db e tre spettatori arrivarono a perdere coscienza. Quella del Bologna Sonic Park sarà molto probabilmente l’unica data italiana dei Deep Purple, almeno per ora. Come già accennato, la seconda edizione del festival potrebbe essere anche l’ultima. Il 31 luglio 2020 scadrà la gestione dell’Arena Joe Strummer affidata a Publieventi. Si attende un nuovo bando comunale per scoprire quali prospettive si apriranno in merito alla gestione di questo spazio molto significativi per la musica live in Italia. 

Reunion: il ricordo delle mezze stagioni rock

La notizia bomba di questi giorni è la reunion dei Rage Against The Machine, o meglio, di Zack De La Rocha e gli altri componenti dei Rage Against The Machine. Sì, perché mentre Zack, dopo la prima separazione, ha portato avanti il suo attivismo politico cantautorale, gli altri tre membri dei R.A.T.M. sono rimasti insieme formando prima gli Audioslave e poi il supergruppo rap metal Prophets Of Rage. Negli anni ’90, se da una parte i Rage Against The Machine diedero maggiore visibilità al genere rap metal, dall’altra, purtroppo, influenzarono la crescita di gruppi come Korn, Limp Bizkit e Linkin Park ed il conseguente sviluppo di quell’abominio musicale denominato nu metal. Sappiamo bene che le etichette di genere lasciano il tempo che trovano; identificano e contestualizzano un trend modaiolo e commerciale che spesso è l’unico comun denominatore tra gruppi musicalmente dissimili tra loro. Quantomeno, la storia ci dice questo. Dall’avvento del nuovo millennio, la musica rock, in ogni sua forma e contaminazione, sembra aver esaurito la sua spinta creativa e non è stata più in grado di sfornare nuove band capaci di lasciare un segno importante. Il dato oggettivo è che il rock non è più un genere popolare: è stato, ormai da tempo, declassato ad un livello underground e suona vecchio per i giovani di oggi.

Se cercate accordi e melodie innovative, vi consiglio di metterci serenamente una pietra sopra: è stato già fatto tutto e di più. Se cercate, oggi giorno, suoni davvero innovativi, bé, allora il genere rock non fa per voi. A questo punto la domanda da un milione di dollari è: quali sono le cause di questa preoccupante ed irreversibile situazione? Da una immediata analisi possiamo affermare, in maniera incontrovertibile, che, contestualmente e gradualmente, il segmento commerciale più appetibile ed influenzabile dal music business, ossia gli adolescenti, non è più lo stesso rispetto a qualche decennio fa. Gli adolescenti di quel periodo storico, sottoscritto compreso, non hanno avuto il loro ricambio generazionale. Sono cambiati i gusti, la società e la cultura di massa è diventata sempre più sovraesposta, iperconnessa e di conseguenza sottomessa all’egemonia di internet. Tutto è diventato one shot ed effimero. Le nuove star della musica moderna sono diventate splendide farfalle, con vita intensa e breve. Ma va detto che, concettualmente, lo status quo attuale abbraccia tutti i settori della nostra misera esistenza.

E allora l’unica àncora di salvezza, o sopravvivenza, per i fan della vecchia guardia, aggrappati ai patetici ricordi delle mezze stagioni, è rappresentata dalle reunion di gruppi storici dei tempi d’oro del rock. Un modo come un altro per tornare agli anni in cui avevamo una folta chioma e pensavamo di essere invincibili, un comportamento alternativo per non pensare all’ecografia alla prostata, alla mammografia, alle guerre legali post separazione e a quegli esseri diabolici cosiddetti figli. Alla fine, tutti i revival hanno qualcosa di artefatto e anacronistico. Tutte le generazioni, e le loro ondate di mode e movimenti, hanno i lori lati oscuri. C’è chi nel suono ibrido e nichilista del nu metal ci ha messo l’anima, per farlo, per ascoltarlo e per viverlo. C’è chi grazie al crossover degli anni ’90 si è avvicinato a sottogeneri che, probabilmente, non avrebbe mai ascoltato. Dall’altra parte, c’è anche chi ricorda quel periodo con meno traumi, perché magari ha analizzato l’evoluzione delle cose ed è arrivato alla conclusione che cambiano i gusti e i sistemi di comunicazione ma certe dinamiche no, compreso lo spocchioso esibizionismo critico e la classica generalizzazione.

Metallica & San Francisco Symphony: S&M2

Metallica, what else? La band che ha infranto qualsiasi record di vendita è tornata al cinema (sì, al cinema) con un film-concerto che ha fatto la gioia dei fan dei “four horsemen”. Sei anni dopo Metallica 3D Through the Never, per la regia di Nimród Antal, in occasione del 20° anniversario del loro spettacolo S&M (abbreviazione di Symphony & Metallica) al Berkeley Community Theatre – nonché dell’uscita dell’omonimo album live (e dvd) del 20/21 aprile 1999 S&M (direttore d’orchestra, il compianto Michael Kamen, scomparso nel 2003), vincitore del Grammy – i Nostri (attualmente in tour con WorldWired, iniziato nel 2016 e in agenda fino al 2020) hanno fatto di nuovo capolino sul grande schermo con un evento unico riservato alle sale cinematografiche (“Vogliamo tentare qualcosa di nuovo. Se la cosa fallisce, possiamo affermare di averci provato. Ma se funziona è fantastico”, le parole di James Hetfield, voce e chitarra ritmica). Lo scorso 18 ottobre i cinema di tutto il mondo hanno accolto la proiezione di Metallica & San Francisco Symphony: S&M2, diretto da Wayne Isham.

Tradotto: la heavy/thrash metal band composta da Hetfield, Kirk Hammett (chitarra solista), Robert Trujillo (basso), Lars Ulrich (batteria), che ha venduto quasi 120 milioni di dischi in tutto il globo, si è riunita con la San Francisco Symphony per un nuovo ed inedito live. A fare da cornice al grande appuntamento registrato lo scorso 7 settembre – con l’orchestra diretta prima dall’ottimo Edwin Outwater e poi dal mitico Michael Tilson Thomas – il nuovo Chase Center di San Francisco (arena da oltre 18.000 posti e campo da gioco della squadra di basket dei Golden State Warriors). Distribuito nei cinema italiani da Nexo Digital, Metallica & San Francisco Symphony: S&M2 è stata l’occasione, per i fan di casa nostra, di festeggiare la band formatasi nel 1981 – che qui veste completi eleganti, rigorosamente total black – e che, nonostante varie vicissitudini (alcune ben certificate nel documentario Some Kind Of Monster del 2004, co-diretto da Joe Berlinger e da Bruce Sinofsky) è ancora tra le numero uno, fonte di ispirazione per tanti gruppi e venerata dai fan nei sette continenti.

Il rischio di esagerare con le lodi è dietro l’angolo, ragione per cui è giusto concentrarsi sulla proiezione. Senza prescindere da una premessa: assistere ad un concerto seduti comodamente in sala è un’esperienza curiosa, differente dalla dimensione live dove l’impatto emotivo sovrasta tutto il resto. Ciò nonostante, Metallica & San Francisco Symphony: S&M2 ha offerto sul palco – o meglio, sul grande schermo – la fusione di due universi distanti, quello dell’heavy metal e della musica classica. Suoni roboanti e avvolgenti sposano brani come For Whom the Bell Tolls, One, Wherever I May Roam, Master Of Puppets, Nothing Else Matters, Enter Sandman The Unforgiven III, All Within My Hands. La setlist comprende 20 tracce – un vero peccato l’assenza di Fade To Black – che scorrono via tanto veloci quanto intense. In una scena del film Ogni Maledetta Domenica, un giocatore di football (assai invasato, per la verità) fa partire a tutto volume Motorbreath dal suo stereo. “I Metallica sono un mito, Hetfield è dio”, urla. Non arriviamo a tanto, però…

Musica rock: pop o di nicchia

La distinzione tra musica pop o di nicchia dipende, in maniera imprescindibile, dal target commerciale di pubblico a cui è destinato un determinato prodotto discografico. Sebbene possa sembrare paradossale, si può affermare, oggettivamente, che la musica non si è estinta come l’Uomo di Neanderthal proprio perché si è adeguata al cambiamento, fino a raggiungere una dimensione pop e da intrattenimento. Del resto, la musica è, insindacabilmente, una forma d’arte che imita la vita e mai il contrario, nonché riflesso della società in cui si manifesta. Ergo, se pensate che un genere musicale, come ad esempio la trap o il metal pop degli anni ’80, sia stupido o privo di contenuti, di conseguenza viene da chiedersi se sia normale considerare allo stesso modo tutti coloro che lo ascoltano. Sarebbe veramente un’equazione perfetta? Detto questo, non significa che musica pop sia sempre sinonimo di spazzatura, ma sicuramente è razionalmente plausibile che abbia una filosofia di partenza incompatibile con quella che spinge altre realtà musicali più elitarie e meno vendibili mediaticamente. Alla fine, nella musica, così come nella vita di tutti i giorni, c’è chi cerca qualcosa che rappresenti una via di fuga spensierata dalla pesante routine quotidiana e chi, invece, cerca qualcosa che sia una risposta più intellettuale e profonda all’irrequietezza di una minoranza arrabbiata. È come tornare a casa dopo una lunga giornata di lavoro e decidere se guardare Maria De Filippi o Alberto Angela. Sebbene ci siano state eccezioni come il Maestro Franco Battiato, il quale è riuscito a far coesistere scrittura intellettuale e sonorità pop, benché ricercate.

In generale, come disse un famoso pensatore del passato: “Il mondo si divide tra la massa che pensa a scopare e una frangia di sfigati che invece trascorre il tempo a meditare sull’alienazione della società moderna.” Sta di fatto che un aspetto fondamentale della musica pop è che il consumatore, col tempo, è diventato più importante del prodotto stesso. In passato, Billy Corgan degli Smashing Pumpkins disse che i Van Halen erano cento volte meglio dei Sonic Youth, per il semplice fatto che la musica dei Van Halen era per tutti. Che è sì una estremizzazione, ma definisce un valore culturale e sociale di un contesto specifico. Come dire che un fan di Jovanotti è migliore di un fan dei Diaframma? Così come i delfini vengono ritenuti i mammiferi più belli e intelligenti, soltanto perché ammaestrabili con mediocri numeri da circo destinati ad un vasto bacino di pubblico. C’è una grossa fetta di pubblico che ascolta Nothing Else Matters, ma non è fan dei Metallica, c’è chi segue Eddie Vedder e i Pearl Jam ma non per forza ama il grunge, oppure chi impazzisce per i Greta Van Fleet, ma non conosce i Led Zeppelin.

Eppure, in conclusione: è possibile pensare che due persone apprezzino i Marlene Kuntz e Ligabue, oppure i Beatles e i Mötley Crüe, per ragioni completamente opposte e allo stesso tempo per motivi identici. Ma, in questo caso, parliamo di un sentimento che è strettamente soggettivo e che risentirà inevitabilmente del fattore tempo. Scrivere musica rock per persone normali e che gli intellettuali disprezzano: questo è fare musica rock pop. Chiedetelo ai fan della prima ora dei Litfiba.