The Offspring + Pennywise + Good Riddance@Market Sound (MI)

C’era molta attesa attorno al Punk Rock Summer Nationals 2016, evento che quest’anno ha toccato due location nostrane (Milano e Rimini) e con un bill di tutto rispetto: Good Riddance, Pennywise e The Offspring. Parliamo di nomi altisonanti per quanto riguarda il punk hardcore californiano, band che da più di vent’anni calcano i palchi di tutto il mondo, tenendo alta la bandiera di un genere e soprattutto di uno stile. Anche gli Offspring, da anni sdoganati verso un pubblico più ampio ma, checché ne dicano i puristi del punk, parliamo di una band che ha sfornato dischi capolavoro come Ignition e Smash. Noi eravamo presenti alla data svoltasi nel capoluogo lombardo, presso l’area del Market Sound, rassegna giunta alla seconda edizione e che accompagnerà l’estate milanese proponendo eventi che spaziano su generi diversi tra loro. E’ andata più o meno così.

La scaletta vede i Good Riddance aprire le danze. Ma purtroppo incorriamo sin da subito in un problema organizzativo: la band capitanata da Russ Runkin doveva iniziare alle 19:50, e, sempre leggendo il timing, l’orario d’apertura dei cancelli della venue era previsto per le 19:00. E le 19:00 sono state, peccato che c’era un unico ingresso, congestionato da chi possedeva già il biglietto, da chi doveva ancora acquistarlo e da chi doveva ritirare accrediti. Un’unica fila per migliaia di persone, con la conseguenza che il deflusso del pubblico è stato lento, tant’è che la maggioranza purtroppo si è persa lo show dei Good Riddance.  “Fortunatamente” (e le virgolette non sono casuali) riusciamo a raggiungere l’area concerti quando i Good Riddance hanno iniziato da una ventina di minuti, e mentre arriviamo stanno eseguendo A Credit To His Gender. I quattro appaiono in buona forma e riescono ad offrire ai non molti presenti per i motivi citati poc’anzi, uno show più che apprezzabile. Non essendo un tour promozionale per l’uscita di un nuovo album, Russ e compagnia ci propongono una scaletta più che soddisfacente, offrendoci perle tratte dal loro repertorio come Salt, Weight Of The World, Libertine o Shadow Of Defeat. Un concerto indubbiamente positivo per la band californiana, apparsa in discreta forma, e complice anche un’acustica soddisfacente, cosa rara per quanto riguarda gli impianti e le location all’aperto di Milano e dintorni. Peccato che sia stato uno show che non tutti hanno avuto la possibilità di goderselo appieno. Sarebbe semplicemente bastato anticipare di un’ora l’apertura delle porte.

Torniamo a parlare di musica ed è quella dei Pennywise che stiamo aspettando. Il tempo necessario per il cambio dell’attrezzatura e delle scenografia sul palco ed ecco i quattro di Hermosa Beach presentarsi davanti a pubblico milanese. Anche loro non sono nel corso di un tour promozionale, e quindi è lecito attendersi una scaletta che attinge da un po’ tutti i loro dischi. Per la gioia dei fan di vecchia data come chi vi scrive, la setlist ha toccato soprattutto i primi dischi: partenza a razzo con Peaceful Day, seguita da Rules, tratta dall’omonimo disco del 1991 e che difficilmente propongono in sede live ed a sua volta seguita da My Own Country. I Pennywise assumono sin da subito le sembianze di rulli compressori e l’inevitabile conseguenza infatti è quella di un pubblico assolutamente travolto dalla potenza e dalla energia di Jim Lindberg e compagnia. Lo show tira dritto come un fulmine ignorando la conoscenza del verbo “frenare” o “rallentare”. Perfect People, Same Old Story, Society e Alien sono alcune delle perle proposte dai Pennywise, accompagnate da due cover: Fight For Your Right dei Beastie Boys, e la consueta Stand By Me di Ben E. King, con l’aggiunta di un accenno di TNT degli AC/DC, cantata dal chitarrista Fletcher. Ovviamente il loro show si conclude con Bro Hymn, loro brano storico che non ha bisogno di presentazioni. Uno show impeccabile quello dei Pennywise, ma stiamo parlando di un gruppo che raramente fallisce quando si ritrova su un palco e con davanti un pubblico, che sia un piccolo club, o un’area più ampia. Macchine da guerra erano e macchine da guerra rimangono. C’è altro da aggiungere?

Ed arriviamo ai The Offspring. L’attesa per l’ultimo gruppo è un po’ più lunga, e finalmente, quando sono circa le 22:40, Dexter ed il resto della band si presentano sul palco del Market Sound ed aprono lo show con You’re Gonna Go Far, Kid. Parliamoci chiaro: negli ultimi anni gli Offspring non hanno offerto delle prestazioni “live” indimenticabili, e questo costituiva una ragione in più per esser curiosi della loro esibizione, oltre ovviamente al gusto personale. Dexter ci mette del suo come impegno, pur non essendo mai stato un fulmine di guerra sul palco, e, assieme a Noodles ed al resto della band offrono un’apprezzabile show, regalando una setlist che attinge molto da Americana (1998), quindi brani come Have Your Ever, Staring At The Sun e soprattutto le hit Pretty Fly, The Kids Aren’t Alright e Why Don’t You Get A Job?, ma che non trascura il loro capolavoro Smash (1994), da cui vengono tratte Come Out And Play, Bad Habit e Gotta Get Away. Lo show degli Offspring, pur con alcuni difetti, come, ad esempio i suoni lievemente più bassi rispetto alle band precedenti, assomiglia molto ad una sorta di “greatest hits” in versione live. E proprio per questo non mancano altri brani arci-noti quali Gone Away, All I Want ed il singolo di Splinter Hit That. Lo show degli Offspring volge alla sua conclusione ed il punto conclusivo spetta ad un’altra pietra miliare del loro repertorio, ovvero Self Esteem, anticipata negli encore da Americana. L’esibizione degli Offspring raggiunge una sufficienza sì piena ma senza lodi, tenendo conto anche dalle aspettative non altissime riguardo l’aspetto live. Ciò non toglie che è sempre un piacere riascoltare dal vivo brani che hanno in qualche maniera segnato la tua adolescenza, e perdonatemi questa chiosa mielosa.

Lo show giunge al termine e con esso tutto l’evento. Evento tutto sommato che poteva essere organizzato in maniera migliore, soprattutto riguardo alle problematiche raccontate prima, che tra l’altro hanno creato non poche difficoltà a chi era lì non solo come appassionato, ma anche per motivi lavorativi. Vogliamo però essere certi che le lamentele e le osservazioni poste nei vari canali social portino a dei miglioramenti a riguardo. Vogliamo decretare i migliori della serata? Senza ombra di dubbio i Pennywise. Ma non avevo dubbio alcuno.

Live del 13 giugno 2016

Zakk Wylde@Teatro degli Arcimboldi (MI)

Due ore di musica e un milione e mezzo di note almeno. Sudore e passione. Zakk Wylde al Teatro degli Arcimboldi di Milano non si è certo risparmiato. Scenografia fissa, minimale, un albero spoglio e qualche teschio. Un piedistallo al centro, dove il chitarrista si mostra quando non è al microfono e niente più. Zakk apre il concerto con Sold My Soul dal primo album, e scende subito dal palco per avvicinarsi ancora di più al pubblico. La distanza sembra pesare ma presto sarà colmata dalle note della sua chitarra. La setlist procede con pezzi del freschissimo Book Of Shadows II e ogni canzone è un trionfo di note e assoli emozionanti. Zakk Wylde si dona al suo pubblico, composto ovviamente da fan dei Black Label Society, e lo fa aprendo i due libri della sua carriera solista. Intimista e romantico, a tratti malinconico. Le melodie che nascono dalle sue chitarre sono qualcosa di incredibile e non è raro rimanere incantati ad ascoltare in religioso silenzio. Purtroppo tra il pubblico c’è chi non è abituato agli spettacoli teatrali o forse semplicemente manca un pochino di educazione e rispetto. L’entusiasmo è comunque comprensibile anche se il tenore delle canzoni dovrebbe indurre a momenti di estasi musicale più che di scene da groupie.

Quando Zakk decide di oltrepassare la balaustra e andare a suonare tra le poltrone della platea, purtroppo viene circondato dalla folla che non permette di godere a pieno delle note. Le cose importanti, come ormai di consueto, sembrano essere foto e video con il telefonino che però non rendono giustizia al sudore che cade dalle possenti braccia, dalla fronte e dalla barba del nostro vichingo. L’emozione continua anche dietro le tastiere di Road Back Home e nei successivi pezzi; la scaletta prevede esclusivamente brani dai due album da solista. Niente Black Label Society né tantomeno Black Sabbath, nonostante l’influenza di Ozzy si senta parecchio, nelle melodie e nel cantato. Voce che, se vogliamo dirla tutta, è un po’ troppo penalizzata da un’acustica strana o semplicemente da un settaggio dei suoni particolare da risultare poco chiara o comunque troppo impastata con il suono generale. Cosa che invece non era successa durante le esibizioni di Chris Cornell e dei Dream Theather. Ma quando è solo la chitarra a parlare, lo fa in un modo eccezionale.

La band è completamente al suo servizio, una cornice, ma è bello vedere quanta complicità ci sia e quanto affetto; ogni cambio di chitarra è un abbraccio con i tecnici, ogni inizio canzone è un “bro fist” con il batterista. Tutti vestono i colori e le toppe dei Black Label Society, e Zakk li presenta con uno stile tra wrestling e notte degli Oscar dando a loro il meritatissimo momento di gloria. Poi è la volta di Lost Prayer e Sleeping Dogs, singolo trainante dell’album, per chiudere le due ore di magia.

Setlist Zakk Wylde:

1. Autumn Changes
2. Tears of December
3. Lay Me Down
4. Road Back Home
5. Yesterday’s Tears
6. Between Heaven and Hell
7. Darkest Hour
8. Throwin’ It All Away
9. Dead as Yesterday
10. Eyes of Burden
11. Way Beyond Empty
12. The King
13. Lost Prayer
14. Sleeping Dogs

Live del 09 giugno 2016

Juliette & The Licks@Circolo Magnolia (MI)

Juliette Lewis è Wonder Woman. No, non sarà la nuova protagonista del film tratto dal fumetto della DC comics, lei lo è veramente. E non solo perché sul palco del Magnolia si presenta con una tutina a stelle e strisce e microfono coordinato. Lei è un’icona. Attrice ma soprattutto grande performer. Non importa se sia il grande palco di un festival internazionale o il piccolo second stage del Magnolia, se lei vuole prendersi il pubblico se lo prende. Perché è vero che parliamo di un’attrice ma la musica live e il rock’n’roll scorrono in modo massiccio nelle vene di Juliette. Non ha mai smesso di recitare ma è chiaro che il palco è qualcosa di completamente diverso, più energico e vero. Queste solo le parole che meglio riassumono il suo live. Sì perché sarà anche un’attrice ma risulta molto più vera ed energica di tantissime altre band. Voglia di suonare, di divertirsi, di emozionare. Voglia di rock. Juliette Lewis aveva “abbandonato” la scena qualche anno fa, dopo la parentesi con i New Romantics e l’unico album Terra Incognita. Qualche film ma la musica chiamava. La voglia di avere una band che spaccasse, l’idea di rimettere in piedi i The Licks, con i quali aveva calcato palchi importanti e fatto buone cose.

La reunion, se così la possiamo chiamare, il tour e probabilmente il nuovo album, dieci anni dopo Four On The Floor. Un live infuocato. Breve ma intenso, come un amore passionale. Juliette è una frontman eccezionale. Balla e si muove con una sensualità tutta sua, movenze particolari e le poche volte che resta ferma lo fa con le sue pose tipiche. Un’icona di erotismo rock non volgare, senza bisogno di grandi forme né di scollature o gonne corte. La musica al centro. Dall’hard rock, con la classica cover di Dirty Deeds Done Dirt Cheap degli Ac/Dc, al blues, al pop dance del nuovo singolo Hello Hero, a un’incredibile versione di Proud Mary dei Creedence Clearwater Revived. Juliette Lewis vocalmente è molto in forma, ottimo cantato anche a cappella e su note alte e lunghe. La sua voce è roca al punto giusto e sui pezzi più soft e blues richiama Janis Joplin. Azzardando un parallelo, l’atmosfera era un po’ in stile woodstock. Chitarre suonate con la bocca, chitarristi sdraiati per terra, sudore e sorrisi. Passione. I The Licks sono una grande band. Le due chitarre si alternano egregiamente alla conduzione ed entrambi i chitarristi si dimostrano, come detto, abili e virtuosi in assoli e improvvisazione. La parte più ritmica segue e si prende qualche piccola piacevole finestra. Uomini e donne sono affascinati e innamorati, ma lei è “semplicemente” un animale da palco alla costante ricerca di contatto con il suo pubblico.

Certo, Juliette Lewis è un’attrice famosa e per questo attira gente, il prezzo un po’ alto invece allontana ingiustamente i curiosi. La verità è che è brava e carismatica come poche altre, dalla quale tante cantanti dovrebbero imparare e ha ricevuto anche la benedizione di Nostro Signore Dave Grohl “Io do a voi, voi date a me; è così che funziona” spiega dal palco. E forse verso la fine anche il solito pubblico freddino milanese riesce a “parlare la sua lingua”.

Live del 6 giugno 2016

Dan Logoluso ft. John Macaluso@Dundee Pub (MI)

RockGarage da sempre pone la sua attenzione verso la scena underground nostrana. E di questa scena fa parte anche Dan Logoluso, chitarrista originario della provincia di Milano che, presso il Dundee Pub di Caleppio di Settale, alle porte del capoluogo milanese, ha presentato il suo primo disco da solista, intitolato Back From A Journey. Alla realizzazione dell’album abbiamo un vero e proprio special guest: John Macaluso, batterista italo-americano che vanta nel suo curriculum collaborazioni, tra gli altri, con James LaBrie, Yngwie Malmsteen e Symphony X.

Ad accompagnare Dan ed il suo special guest ci sono i Dead Behind The Scenes, gruppo della provincia milanese che, alle 22:00, dà il via alla serata. La giovane band propone un rock dalle numerose contaminazioni che vanno dal prog al post-punk, passando per un semplice ma incisivo hard rock. Nonostante la giovane età media, la band mostra una più che apprezzabile personalità, sentendosi a proprio agio sul piccolo palco del locale e soprattutto riuscendo a catturare l’attenzione, e di conseguenza, il consenso di buona parte dei presenti nella venue. Lo show dei Dead Behind The Scenes dura circa 45 minuti e termina tra i sinceri applausi del pubblico, con la certezza che tanti di essi continueranno a seguire questa giovane realtà. Noi per primi.

Giusto il tempo per sistemare il palco ed arriva il momento di Dan Logoluso. Accompagnato alle bacchette da Macaluso ed al basso dall’ottimo Andrea Dominoni, lo show inizia e le note di Dan ci portano subito ad Outdoor, open-track anche del disco presentato in questa serata. L’esibizione dei tre, con Dan come protagonista, ci portano lungo la tracklist di Back From A Journey e lo stesso Dan, nonostante la comprensibile leggera emozione, dà sfogo a tutta la sua tecnica alla chitarra, eseguendo ogni singola parte dei brani con precisione, scioltezza, trasportando il pubblico in questo viaggio a tratti emozionante. Macaluso si diverte, abituato a palchi ben più rilevanti (senza nulla togliere all’ottimo Dundee Pub) accompagna il nostra Dan in questo viaggio, sfoggiando con le sue bacchette un misto tra tecnica elevata e sano divertimento, in particolare nel drum-solo che ha regalato al pubblico a metà concerto.

Lo show volge al suo termine ed a Dan non resta che ringraziare i presenti, e chi l’ha supportato in quest’avventura. Il pubblico ha certamente gradito la serata e gli artisti presenti, tesi dimostrata dal fatto che parecchi, al termine dello show, si sono avvicinati al banchetto del merchandising per l’acquisto del disco, di cui presto pubblicheremo la recensione. La serata si conclude con volti felici, sia degli artisti che del pubblico…proprio nel migliore dei modi.

Live del 13 maggio 2016

Muse@Mediolanum Forum (MI)

Un grande show multisensoriale di due ore. Un blu-ray dal vivo. Questi sono i Muse live, alla seconda delle sei date di Milano. Giochi di luci e ombre, immagini proiettate su schermi trasparenti che creano scenari virtuali, grandi palle giganti radiocomandate, cannoni lancia coriandoli e ovviamente musica. Rumori, suoni e distorsioni. Se negli ultimi anni ci si sta chiedendo chi sarà in grado di sostituire i grandi della musica, sicuramente il trio inglese è tra questi; insieme a Foo Fighters e pochi altri. Non si parla di musica fine a se stessa ma di spettacolo. Di esperienza live. Se per la band di Dave Grohl il discorso è puramente di classico concerto rock, i Muse sono allora gli eredi naturali di band come U2, anche se forse hanno addirittura qualcosa di più, e dei Rolling Stones. Pochi come loro hanno imparato la lezione di Bono e soci: che la musica dal vivo deve essere un’esperienza che va oltre le canzoni e gli album. La differenza con la band irlandese forse sta nel fatto che Matt Bellamy non è Bono, né tantomeno Mick Jagger, in fatto di espansività sul palco ma, a suo favore, ha una capacità musicale davvero sopra la norma che può bastare a coprire il suo lato “social” un po’ debole. Si presentano con un palco centrale, rotante. Loro fermi ma in continuo movimento, un carillon per mostrarsi a tutto il pubblico. Una disposizione moderna e generosa ma allo stesso tempo autocelebrativa. I Muse si mettono al centro dello show e tutto il resto è contorno. Il fulcro di tutto, il nucleo, sono loro. Le sfere che girano intorno al palco sono pianeti, il resto dell’universo, la galassia che gira intorno ai Muse, che sono il sole che dà la vita e l’energia.

I suoni di Drones riecheggiano nel buio del forum, dal soffitto sfere radiocomandate scendono sul pubblico; bolle d’aria illuminate e fantascientifiche. Le loro canzoni parlano di vita, universo, dischi volanti e androidi, apocalisse, guerre e politica, fino alla religione che nel loro ultimo lavoro si fanno ancora più espliciti. Sorveglianza al fine di raggiungere la sicurezza o controllo degli individui e della società? Fare la guerra per conquistare la pace. Lo spettacolo portato in scena vede i brani dell’ultimo disco, e di quello precedente, tra i grandi protagonisti, con l’aggiunta di qualche classico che non può certo mancare. Volumi alti, strumenti distorti e spesso volutamente ruvidi. In alcuni tratti sonorità grunge. Il ritorno al rock più puro iniziato in studio continua anche dal vivo. Matt Bellamy si conferma un alieno da palco con la sua chitarra e anche nel cantato, nonostante la voce non sia la sua arma migliore. Straordinario anche quando lascia la sei corde in favore del pianoforte, la sua interpretazione di Feeling Good è davvero emozionante. Dominic Howard pesta sulla batteria che è una meraviglia, in un mix di tecnica e potenza pura. Chris Wolstenholme si aggira con il suo basso illuminato. E poi giochi di luce. Raggi laser, teli che diventano schermi per immagini apocalittiche e luoghi extraterrestri. Uno show forte ma allo stesso tempo non inquietante, anzi.

C’è una voglia di credere che un giorno sarà tutto migliore, nonostante le telecamere, la politica, le guerre; l’illuminazione a giorno durante le esplosioni di coriandoli su Mercy in coda al concerto sono la metaforica liberazione da quel senso di oppressione e controllo messo in scena per tutto lo show. Lo troviamo nei droni illuminati che girano sopra la gente, nelle parole di JFK nel famoso discorso del 1961 al Waldorf-Astoria di New York (da molti considerato come una delle cause che portò al suo assassinio) proiettato sui videowall, nelle mani robotiche che “muovono” Matt e Chris come marionette su The Handler. Mentre The Globalist viene addirittura suonata all’interno di teli che mostrano una città in distruzione, con un aereo che sorvola minacciosamente il palco. Oltre ai brani di Drones, le più cantate sono sicuramente Supermassive Black Hole, Starlight, Resistance e Time Is Running Out. Ancora esclusa Neutron Star Collision che, dopo il tour del 2010 (che toccò anche San Siro) è stata messa fuori scaletta dal gruppo inglese. Una cosa da non perdere è Chris che suona la sua Status Kitara Doubleneck su Madness per sentire quel “suono figo strano” fatto dal vivo: ipnotico. Emozionante anche il suo intro di armonica di Morricone su Knights Of Cydonia, canzone che chiude lo spettacolo.

Uno show a 360 gradi, un successo annunciato e un pubblico eterogeneo, dai ragazzini ai non più giovanissimi, dal pop al metal. I tre Muse non arrivano ancora a 40 anni ma più di 20 li hanno passati sul palco. Sono il presente e anche il futuro. Tanto visual, tanta immagine, ma anche tanta musica suonata. E bene. I Muse sono uno spettacolo tutto da guardare, ascoltare e godere, senza genere e senza categorie. Stop.

Setlist Muse:
Psycho
Reapers
Resistance
Dead Inside
Supremacy
The 2nd Law: Isolated System
The Handler
Supermassive Black Hole
Prelude
Starlight
Feeling Good
Munich Jam
Madness
Revolt
Stockholm Syndrome
Time Is Running Out
Uprising
The Globalist
[Drones]

Encore:
Mercy
Knights of Cydonia

Live del 15 maggio 2016

Wolfmother + Electric Citizen@Alcatraz (MI)

L’8 maggio era una data che avevamo segnato in agenda da un bel po’. Innanzitutto perché avremo avuto la possibilità di fare due chiacchiere di persona con il frontman dei Wolfmother, Andrew Stockdale (l’intervista completa sarà pubblicata sulle nostre pagine nelle prossime settimane), ma anche perché avremo visto dal vivo l’energia di questo nuovo trio alla luce del nuovo (quarto) album da poco pubblicato dal titolo Victorious. Chiamarla band può risultare discutibile, visto che i Wolfmother hanno cambiato spesso pelle e Andrew ha dovuto ricostruire la formazione, tanto che oggi si può dire che lui rappresenti i Wolfmother, autore di quasi tutti i brani pubblicati negli ultimi anni. Eppure noi preferiamo ancora vederli come una formazine tout-court e dobbiamo dire che dal vivo lo hanno dimostrato senza alcun dubbio. Ma andiamo con ordine.

L’Alcatraz è stato assalito dai fan fin da prima dell’orario di apertura, segno che non eravamo gli unici ad attendere con ansia questa data. Il quasi sold-out fatto registrare ci ha convinti del seguito che i Wolfmother hanno maturato negli anni e l’accoglienza che hanno ricevuto una volta saliti sul palco è stata a dir poco da stadio. Eppure, se ci si sofferma a pensare, Andrew & Co. sono attivi discograficamente da circa 10 anni, lungi quindi dall’essere una band cosiddetta “storica”. Prima del loro ingresso il palco è stato messo a disposizione degli Electric Citizen, quintetto (se contiamo anche la tastierista) di Ohio che punta direttamente alle radici dell’heavy metal. L’opener dello show, Beggar’s Need, ci ha rilanciati direttamente all’epoca dei Mercyful Fate on stage, gloriosi e funerei nei loro show pieni di oscurità; nelle successive tracce lo stile si è avvicinato ai presentissimi Black Sabbath (in termini di influenze) e agli Iron Maiden (in quanto a strutture ritmiche), saltellando da una citazione all’altra con molta agilità. La singer Laura Dolan è riuscita a coinvolgere bene il pubblico ed è stata all’altezza di un sound potente e nero, irrobustito da una chitarra (Iommi apprezzerebbe) tecnica e talentuosa. La loro esibizione è stata indubbiamente diretta e coinvolgente anche se a nostro parere i ragazzi dovrebbero inserire una maggiore personalità nel sound proposto.

Ore 21:15 circa e i Wolfmother sono saliti sul palco dell’Alcatraz. Per l’apertura è stato scelta proprio la titletrack del nuovo album che ha eccitato a sufficienza il pubblico per prepararlo ad una scarica di adrenalina con la potente New Moon Rising. Non c’è stato un attimo di respiro e noi presenti ci siamo trovati nel bel mezzo di una bolgia infernale prima sotto le note di Woman, poi con “I Ain’t Got No” dai suoni settantiani, elemento questo che non tutta la critica apprezza dei Wolfmother, essendo additati spesso di eccessive somiglianze musicali con formazioni storiche. I ragazzi hanno continuato a pescare dal debut album proponendo Apple Tree che ha rappresentato una bomba esplosa lì sotto al palco, spingendo il pubblico in un pogo costante, mentre del nuovo album sono stati presentati vari momenti come The Love That You Give o la bellissima Gypsy Caravan. I suoni erano davvero ben calibrati e nonostante la distorsione sprigionata dagli amplificatori di Andrew, il tutto arrivava al pubblico senza intermediazioni di sorta, anche il lavoro di Ian Peres, che si è diviso tra organo e basso, è stato egregio e ha aiutato a far risultare più coinvolgente il tutto.

A parte qualche momento in cui Andrew Stockdale ha presentato qualcosa di suo, lo show è filato dritto senza nessuna pausa, senza intrattenimento con il pubblico e privo anche di sbavature. I Wolfmother sono andati dritti come un treno ad alta velocità, proponendo lo stile che li ha resi famosi, pescando democraticamente dai quattro album pubblicati e nel giro di 70 minuti circa il pubblico è rimasto completamente dopato dai 19 brani proposti. Nell’encore c’è stato spazio per due tracce, ancora pescate dal loro fortunato esordio: la stoppata Colossal ma soprattutto l’amatissima Joker & The Thief che ha suscitato un’enorme gioia tra i fan e ha acceso la miccia di una dinamite una volta partito il riff principale.

I Wolfmother con il loro stile essenziale e un sound che ricorda i mostri sacri del rock settantiano non hanno solo conquistato il pubblico di Milano ma hanno scritto le regole per poter rendere immortale il rock.

Setlist Wolfmother:
1. Victorious
2. New Moon Rising
3. Woman
4. “I Ain’t Got No”
5. Apple Tree
6. The Love That You Give
7. White Unicorn
8. The Simple Life
9. Long Way to Go (Andrew Stockdale solista)
10. Love Train
11. White Feather
12. How Many Times
13. Dimension
14. Gypsy Caravan
15. Where Eagles Have Been
16. Pyramid
17. Keep Moving (Andrew Stockdale solista)
18. Vagabond
19. Mind’s Eye

Encore:
20. Colossal
21. Joker & The Thief

Live dell’8 maggio 2016

Chris Cornell@Teatro Arcimboldi (MI)

Si presenta in un modo intimo, quasi spoglio, sul palco del teatro degli Arcimboldi. Un tappeto, un tavolino con un vecchio telefono, un giradischi, qualche chitarra, un paio di sedie e strumentazione ridotta al minimo. Poco più dietro una scenografia essenziale, un pannello con vecchi disegni astrologici tra i quali una sfera armillare con al centro, al posto della Terra (o del Sole), un grande cuore. Il cuore di Chris Cornell, pronto a aprire la porta del suo mondo, della sua vita. Una fotografia in perfetta armonia con le canzoni del nuovo lavoro, Higher Truth, uscito pochi mesi fa e che proprio su questi argomenti, “cuore”, sole, luna e natura in generale, è incentrato.

Dopo aver bruscamente interrotto un vinile che girava sul piatto, Chris Cornell inizia lo show con Before We Disappear, dedicata alla moglie e all’amore in generale, come molte delle canzoni dell’ultimo disco e dello spettacolo. Nonostante l’assetto acustico, il frontman di Seattle non perde di potenza e soprattutto di calore. Un balzo temporale riporta al primo album solista, Euphoria Morning, con una bellissima Can’t Change Me e una simpatica rivisitazione di Times They Are A Changin’ di Bob Dylan, al quale Chris ha modificato il testo, ribattezzata Times They Are A Changin’ Back. Semplicità; chitarra, armonica a bocca e una voce che non può non emozionare. Questo è ciò che vuole dare alla platea e questo è esattamente ciò che riesce a trasmettere. Una serata intorno al fuoco, la spensieratezza delle canzoni cantate in coro, con l’aggiunta di un pensiero grande e profondo dedicato alla natura e alla vita.

Una scaletta equamente divisa lungo il percorso personale di Chris, senza rinnegare nulla, dagli inizi grunge di Seattle alla main track di 007 Casino Royale, passando per rivisitazioni acustiche e ai tanti omaggi che non si possono chiamare semplici cover. Thank You dei Led Zeppelin, in fatto di emozioni, non ha nulla da invidiare all’originale mentre Billie Jean è quasi addirittura più bella di quella di Michael Jackson. Due pezzi dei Temple Of The Dog, a pochi giorni dal 25° anniversario dell’uscita dell’unico incredibile album omonimo, Say Hello 2 Heaven, dedicata all’amico Andrew Wood, leader dei Mother Love Bone, scomparso nel 1990, e Hunger Strike. Due pezzi degli Audioslave, Doesn’t Remind Me e I Am The Highway. E poi, come già detto e ovvio, Soundgarden. Fell On Black Days e Blow Up The Outside World, la travolgente Black Hole Sun e una versione strepitosa di Rusty Cage, suonata alla Johnny Cash (che ne fece una cover country nel 1996 nel suo album Unchained). Dal reportorio solista anche Cleaning My Gun, When I’m Down e You Know My Name, la famosa soundtrack di James Bond. Abbattere la distanza tra artista e pubblico, entrare in intimità; racconti tra una canzone e l’altra e pezzi suonati ai piedi del palco. Verso la fine ecco arrivare Imagine di John Lennon che sfocia poi in A Day In The Life dei Beatles. Al rientro sul palco un’altra canzone dedicata alla moglie, Josephine, che fa capolino da dietro le quinte, e il gran finale con Higher Truth.

Aspettarsi più dell’era Soundgarden era lecito ma forse non così giusto. La sensazione è che questo spettacolo sia proprio un percorso non solo della sua carriera ma del Chris Cornell uomo prima che artista. Questo è ciò che esce anche dalle canzoni più recenti e dall’intero bellissimo album che sta portando nei teatri di tutto il mondo; il singolo Nearly Forgot My Broken Heart e Let Your Eyes Wander sono la conferma dell’invito fatto dallo stesso Chris a non dare mai nulla per scontato; l’amore, la natura, la vita. Elementi fondamentali e forse per questo spesso considerati banali o dovuti. Ecco che allora quel cuore, incastonato nella sfera armillare, rappresenta il centro di ognuno di noi; i cerchi intorno sono ciò che ci circonda e contribuisce a costituire la nostra sfera e il mondo in generale che cambia in base a come lo guardiamo, al momento e a come viene illuminato. Proprio come quel pannello della scenografia. La rotazione di tutti questi elementi è la vita, e con essa, il tempo che passa. E sopra a qualsiasi cosa c’è questa “verità superiore” e la colonna sonora perfetta è quella di Chris Cornell.

 
Setlist Chris Cornel:
Before We Disappear
Can’t Change Me
Times they are A changin’… back
Cleaning My Gun
Nearly Forgot My Broken Heart
Fell on Black Days (Soundgarden)
Thank You (Led Zeppelin)
Doesn’t Remind Me (Audioslave)
Say Hello 2 Heaven (Temple of the Dog)
Blow Up the Outside World (Soundgarden)
Let Your Eyes Wander
You Know My Name
Billie Jean (Michael Jackson)
Black Hole Sun (Soundgarden)
Rusty Cage (Soundgarden)
When I’m Down
I Am the Highway (Audioslave)
Hunger Strike (Temple of the Dog)
Imagine (John Lennon)
A Day in the Life (The Beatles)

Encore:
Josephine
Higher Truth

Live del 19 aprile 2016

Diamond Beast@Fuorionda (PV)

Le cover band in circolazione sono davvero tante e quando si parla di heavy metal lo spessore tecnico dei musicisti non può essere un elemento irrilevante. Stavolta però ci siamo trovati dinanzi una formazione per certi versi unica. Le Diamond Beast si presentano come “European all female Iron Maiden tribute band” e questi titolo parla più di mille parole; se aggiungiamo che le ragazze hanno un fan club a loro dedicato (fenomeno abbastanza raro per una cover band) capirete che si tratta di una realtà non certo piccola. Ma le Diamond Beast lo hanno dimostrato sul palco, senza mezze misure, in occasione del live al Fuorionda snocciolando una serie di capolavori della “Vergine di Ferro” scegliendo tra i pezzi più noti, e non tra quelli meno complessi da eseguire, tecnicamente parlando. In questo le ragazze (eccezionalmente in quella occasione con un batterista in sostituzione della drummer Verdiana Gariboldi) sono state formidabili, hanno ripercorso i “golden years” ma anche gli album a seguire di Steve Harris & Co. eseguendo in maniera fedele anche gli assoli che da sempre hanno caratterizzato il sound degli Iron Maiden.

Flight of Icarus e The Trooper sono stati i momenti più energici di un set che ha toccato diversi periodi dei loro (e nostri) paladini proponendo tra gli altri 2 Minutes to Midnight (da Powerslave), Fear Of The Dark (dall’omonimo album), 22, Acacia Avenue, Run To The Hills e l’immancabile The Number Of The Beast (estratti dall’immortale album che prende il nome da quest’ultima traccia) e saltando indietro nel tempo al debut album pescando Phantom Of The Opera e Running Free. Buona la presenza scenica della frontwoman Irma De Carli, anche se risulta molto difficile eguagliare Mr. Bruce Dickinson nelle sue doti di coinvolgimento del pubblico; ottima la prestazione musicale dei restanti membri, uno show quindi che ha risposto alle aspettative date dal nome. Nessun brano delle ultimissime pubblicazioni discografiche, scelta probabilmente voluta e consona per uno show che vuole omaggiare una delle formazioni più importanti dell’heavy metal e sicuramente il principale esponente della NWOBHM.

Live del 9 aprile 2016

Soltanto@Teatro Leonardo (MI)

Soltanto è il nome d’arte di Matteo Terzi e lui è più di un musicista. Matteo è la dimostrazione che per affermarsi nel paludoso mondo musicale c’è anche una via più naturale, non per questo più facile, ma scevra da logiche pubblicitarie o promozionali che tanto vanno in voga nei fenomeni (presunti “talent” ma anche altro) odierni. Lui ha mollato tutto, ha lasciato il lavoro e ha cambiato radicalmente la sua vita per dedicarsi totalmente alla musica. Nasce come artista di strada ed è lì, in quel suo habitat naturale, che lo abbiamo conosciuto anni fa. Con la sua chitarra, spesso a piedi scalzi, reinterpretando grandi capolavori e anche proponendo qualche brano suo. La sua dimensione però con il tempo si è allargata, ha girato l’Europa tra autostop e posti letto disponibili tramite siti web per girovaghi, in questo modo ha portato la sua musica oltre la nostra penisola. Quello che ci ha sempre colpito di questo giovane ragazzo è che offre la propria musica al di là di presupposti puramente commerciali: lui non è partito per far sentire la sua voce e la sua chitarra a più persone possibili, bensì per condividere le proprie emozioni con il prossimo.

Abbiamo partecipato al suo live al Teatro Leonardo di Milano e ci è rimasto impresso il suo entusiasmo nei confronti di cose che molte persone ritengono scontate. Viaggiare, trovarsi in una casa di un ragazzi italiano in Erasmus, essere riconosciuto per strada o sentire qualcuno cantare i suoi brani, coltivare i rapporti con le persone ovunque andasse. Questo suo “darsi” alle persone ha prodotto anche dei ritorni: se alle persone è arrivato qualcosa, loro sono state disponibili a contraccambiare. Per questo il suo crowdfunging finalizzato alla registrazione di un album ha raggiunto cifre inattese ma più dei semplici soldi gli ha dato fiducia. Quella che lui ripone nella musica e nella sua amicizia con Andrea Brussolo, chitarrista che lo accompagna e arrangiatore dei suoi pezzi. Così da poco si è affacciato sul mondo discografico (ambiente che chissà se lo fa sentire a suo agio) con un nuovo album dal titolo Skye i cui pezzi sono stati testati proprio al Teatro Leonardo, in una veste non naturalissima per lui, con una band al completo. Il singolo Fermi Il Tempo (e la storia sul perché sia stato scelto proprio quel brano come singolo), il brano Tutta La Vita Davanti così come altri brani sono stati regalati al pubblico in una forma completa, come se fossero vestiti a festa, mentre nella testa di Matteo erano stati scritti con vestiti di tutti i giorni.

Ci è sembrato molto emozionato, anche oltre le parole usate, tanto da arrivare in alcuni frangenti a non tenere il giusto tempo con la sua sei corde ma sempre con una massima resa canora. Perché a nostro parere il valore aggiunto di Soltanto sta nella sua interpretazione vocale: più che come musicista ci è apparso come un grandissimo autore e interprete, capace di arrivare con parole semplici ma molto emotive. E’ da qui che parte non solo per presentare il suo nuovo album ma anche per un nuovo cammino e noi gli auguriamo che la sua fiducia nella musica sia sempre ripagata perché se lo merita.

Live dell’8 aprile 2016