Intervista agli Atom Made Earth

Gli Atom Made Earth sono tornati con un nuovo album, Severance, (di cui abbiamo parlato a questa pagina) che ha definito una certa evoluzione nel sound della band. Sperimentali, progressive e alternativi: cifre stilistiche che accomunavano anche i precedenti lavori ma che in Severance vengono a galla in modo diverso. Per questo motivo abbiamo deciso di fare due chiacchiere con loro e farci raccontare un po’ il progetto direttamente dai loro protagonisti.

R.G.: Ciao ragazzi, presentatevi innanzitutto a chi tra i nostri lettori non vi conosce ancora.

A.M.E.: Ciao, siamo gli Atom Made Earth e facciamo psichedelia, ascoltate il nostro ultimo lavoro Severance.

R.G.: È stato un lavoro duro per noi approfondire tutte le sfumature del vostro sound e i generi musicali toccati. Al di là di quello che avete letto, anche tramite recensioni di altri magazine musicali, come potreste descrivere voi il vostro genere? Quali influenze incorporate?

A.M.E.: Il nostro sound è un calderone di musica psichedelica, fondamentalmente, cercare di etichettare il tutto sarebbe davvero un peccato. Le influenze che vengono coinvolte nel nostro modo di vedere il songwriting, sono una vasta fascia di generi e sottogeneri a cavallo tra gli anni ‘50 ed il wall of sound dell’ultimo ventennio. Il peccato mortale di questo discorso però è che appena viene individuato qualcosa di ispirazione dal passato o dal presente che sia, il lavoro viene associato quasi totalmente a quel tipo di audio, anche solo per uno sprazzo di pochi secondi in rapporto ad un disco intero, andando a contaminare purtroppo il giudizio globale del lavoro; avendo noi un sound molto variegato può capitare questo in alcuni casi, forse per orecchie meno esperte o ascolti un po’ troppo sbrigativi.

R.G.: Cosa vi ha spinto a creare un progetto come gli Atom Made Earth?

A.M.E.: Cercare di essere molto liberi e onesti con noi stessi nella composizione e nel gesto comunicativo nei confronti di chi ascolta, senza andare a forzare con preconcetti strutturali e sociali il contenuto dei lavori che scriviamo.

R.G.: Una curiosità che abbiamo fin dal primo vostro lavoro: come mai la scelta del nome Atom Made Earth? Ed è voluta la somiglianza con uno degli album di rock psichedelico più famoso della storia?

A.M.E.: Purtroppo è un nome che ha creato molti pregiudizi verso i nostri lavori, andando ad accostare qualsiasi cosa componessimo ai Pink Floyd, anche avessimo fatto death metal probabilmente. Non nascondiamo di ammirare molto la musica floydiana (come la stragrande maggioranza dei gruppi in ambito psichedelico) e di esserne ispirati tanto quanto con i Beatles e mille altri gruppi. Anche se l’ultimo lavoro ha veramente poco di floydiano, ma ognuno ci sente quel che può, ed è giusto e bello che sia così. Una parte dell’ispirazione deriva dalla poesia ‘X Agosto di Giovanni Pascoli che descrive il nido come riparo dalla vita dolorosa che ci attende là fuori, nel nostro caso il progetto musicale che ci ”protegge” dai dolori e ci fa raccontare tramite le composizioni il nostro modo di vedere il mondo (Atomo opaco del male). Altra ispirazione è il concetto di genesi della terra da parte dell’atomo, che in questo caso viene idealizzato come il principale “start”che dà il via alla creazione del pianeta; il concetto trattato è che da una cosa infinitamente piccola può nascere il tutto.

R.G.: Da poco avete pubblicato il nuovo album “Severance”. Quanto è stato difficile concepire e registrare un album come questo?

A.M.E.: Non difficile ma molto impegnativo, è un lavoro molto strutturato e con tante sfumature, l’unica cosa difficile è stata la transizione dai vecchi componenti ai nuovi, nel momento in cui l’album era in fase di scrittura.

R.G.: Di più o di meno dei vostri precedenti lavori?

A.M.E.: Più difficile dal punto di vista strutturale e da quello audio.

R.G.: Siamo nell’epoca delle “cose veloci”. Per certi versi c’è meno attenzione rispetto al passato ad approfondire, ad ascoltare con calma musica sovrastrutturata. Perché secondo gli Atom Made Earth è ancora importante proporre una certa visione sperimentale della musica?

A.M.E.: La cosa importante crediamo sia proporre quello che si è, che si pensa e che si vuole comunicare. Il nostro modo è questo, ed è la nostra visione sonora e umana del mondo, dello spazio, della psiche e di tutto quello che trattano le nostre canzoni. Poi il ”come si fa” è a discrezione dell’artista, tutto è lecito e tutto è interessante se ha un percorso di realizzazione ragionato, istintivo, o didattico; che sia diverso o simile al nostro è solo un fatto di strade percorse e di visione. Le “paraculate” e le scorciatoie sociali non ci interessano, abbiamo tutti un lavoro oltre la musica, chi fa design, chi studia, chi fa marketing…quindi in questo progetto si fa quel che si vuole fare.

R.G.: Qual è il messaggio che volete veicolare tramite la vostra musica?

A.M.E.: Che la vita è piena di significato, pur essendo colma di dolore.

R.G.: Preferite la dimensione in studio o quella dal vivo?

A.M.E.: Amiamo entrambe, anche se forse lo studio stimola più alcuni aspetti dal punto di vista concettuale, mentre i live alcune volte sono meno ricchi di spiritualità e sfoggiano un po’ di superficialità.

R.G.: Da poco ho pubblicato un mini libro che formalizza una critica sul fenomeno del crowdfunding applicato al mondo musicale. Voi che opinione avete a riguardo?

A.M.E.: Per esperienza personale ci sembra una gran minchiata, ma la nostra esperienza è limitata, dato che la musica che facciamo è spesso in posizioni di nicchia, quindi non avendo accesso alla totalità del pubblico, ”la massa”, il discorso diventa molto più limitato. In ambito pop probabilmente sarebbe molto diverso, questo non significa però funzionante.

R.G.: E che idea vi siete fatti della rivoluzione che internet ha comportato alla musica?

A.M.E.: Grande possibilità di comunicazione direttamente proporzionale ad un abbassamento della qualità e della quantità dell’ascolto, nonché del valore assegnato ad un lavoro preso singolarmente, molto penalizzante per chi fa musica leggermente fuori dal diagramma del mainstream o dell’easy listening, ma allo stesso molto utile e funzionante per chi è un musicofilo con gran curiosità.

R.G.: Avrete un 2020 profondamente impegnato nel far conoscere il vostro album tramite concerti vari. Avete già fissato qualche data?

A.M.E.: Abbiamo fatto un concerto di presentazione del lavoro, poi per il resto adottiamo lo stile Beatles del 1966, poco live, molto studio… forse.

R.G.: Grazie ragazzi per la chiacchierata, in bocca al lupo!

A.M.E.: Grazie a voi

Intervista agli Opeth

Dall’uscita del discusso Heritage, gli svedesi Opeth hanno proseguito album dopo album a migliorare il loro nuovo percorso verso i lidi del progressive rock, un sound che si è presentato un po’ acerbo seppur ricco di idee, un po’ vintage sì ma con classe. È passato quasi un decennio dalla loro svolta musicale e lo scorso settembre la band ha pubblicato la sua ultima fatica studio In Cauda Venenum, un disco realizzato per la prima volta in lingua svedese, tradotto anche in versione inglese. Che si ami o si odi questa loro seconda vita, l’album ci ha mostrato una band che ha ancora tante cose da dire e che è riuscita a raggiungere una nuova maturità stilistica. In occasione dell’unica tappa italiana del loro ultimo tour europeo abbiamo incontrato nel backstage dell’Alcatraz di Milano Joakim Svalberg, tastierista della band, per chiacchierare un po’ di questo e di altro, a voi il nostro resoconto.

R.G.: Buon pomeriggio Joakim, bentornati in Italia, come sta procedendo questo tour europeo?

O.: Grazie, il tour sta andando molto bene, ogni sera stiamo avendo dell’ottimo pubblico, un po’ di date sono andate sold-out.

R.G.: Una cosa che ho subito notato è stato il vostro tour plan, come mai solo così poche date in Europa? Sono solo 18 se non sbaglio.

O.: Sai, siamo stati tantissimo in tour negli scorsi anni e c’è da considerare che tre di noi hanno famiglia e quindi abbiamo optato di non intraprendere più tour lunghi, massimo della durata di tre settimane di fila, continueremo ad essere spesso in tour ma per periodi più brevi insomma. Abbiamo trascorso degli anni in cui eravamo per sei settimane in America e subito dopo per otto settimane in giro per l’Europa ed è stato pazzesco! Tutto ciò però non è il massimo per persone che hanno famiglia a casa che li aspetta. Io non ho famiglia, quindi posso star fuori quanto mi pare! (ride, ndr)

R.G.: Parliamo del vostro ultimo “In Cauda Venenum“che ha visto la luce lo scorso settembre, riusciresti a fare una breve introduzione al disco per i nostri lettori?

O.: E’ una domanda un po’ difficile a cui rispondere. Si tratta di un album che non è un vero e proprio concept ma in un certo senso lo è, ci sono diverse connessioni tra i brani anche se non esiste una vera e propria storia alla base del disco, come se fosse una sorta di vibrazione che alle volte ritorna nel corso delle canzoni, attraverso le melodie, che in qualche modo rende tutto connesso. Quest’ultima caratteristica viene anche scandita dall’ordine dei brani che riesce perfettamente a renderli naturalmente legati, dando un senso di continuità all’opera.

R.G.: Mi hai parlato di sensazioni legate alle melodie del disco, io ho notato inoltre che ci sono alcuni temi ricorrenti nei testi del disco e queste sono legate al tempo, ai ricordi…

O.: Voglio essere molto sincero e devo ammettere che io ascolto molto di più la versione svedese del disco, quella inglese effettivamente credo di averla ascoltata una volta o due e l’ho apprezzata ma so che è stato concepito in svedese, anche la demo era in svedese, quindi per me è naturale considerarlo tale, per questo motivo abbiamo deciso di proporre i brani in svedese anche durante i nostri live…

R.G.: Ok, ho apprezzato anche io maggiormente la versione svedese del disco, però giustamente per comprendere i vostri testi faccio riferimento sempre alla versione inglese. Ora fammi capire, sono così diversi i testi tra le due versioni?

O.: Sono un pochino diverse, soprattutto per quanto riguarda il flusso vocale, Mikeal (Akerfeldt, ndr) è stato grandioso nel tradurre tutti i testi perché il significato è rimasto invariato e sai, ha fatto tutto ciò talmente così in fretta che non saprei proprio come sia riuscito a farlo, si stava quasi uccidendo in studio per tutto il lavoro che c’era da fare (ride, ndr).

R.G.: Se tutti siamo d’accordo che la versione perfetta del disco sia quella svedese, allora da cosa è nata l’idea di doverla tradurre in inglese?

O.: Questo lo pensavamo tutti ma Mikeal credeva che le persone non avrebbero ascoltato il disco a causa della lingua e questo sarebbe stato un problema, così ha deciso di realizzarne una versione inglese affinché tutti possano apprezzarlo, anche coloro che non riescono ad ascoltare le band che cantano in altre lingue al di fuori dell’inglese.

R.G.: Ok, ora che è passato un mese dalla sua uscita e quindi avrete già avuto modo di notare il riscontro da parte del pubblico, dovremmo aspettarci di ascoltare un prossimo album ancora in svedese da parte vostra?

O.: Non lo sappiamo ancora, magari proveremo a fare un disco in swahili! (ride, ndr)

R.G.: “In Cauda Venenum“ rappresenta il terzo disco degli Opeth per te.

O.: In realtà sarebbe il quarto se contassimo anche l’introduzione del disco Heritage, quando sono entrato in formazione era l’unica canzone non ancora registrata da Per (Wiberg, ndr). Quindi praticamente ho fatto l’audizione per gli Opeth direttamente in studio, dove per la prima volta ho incontrato Axe (Martin Axenrot, ndr) quando ero già seduto davanti al piano per registrare.

R.G.: Quindi sono ormai passati quasi dieci anni da quando sei parte della band, come pensi sia cambiato il tuo contributo nel processo di scrittura nel corso di questi anni?

O.: Ti dirò, tutto viene composto principalmente da Mikeal tramite un programma che registra file midi tramite computer, lui ha tutte le idee ed è anche molto bravo in questo. Alle volte mi tocca dover cambiare qualcosa in ciò che scrive semplicemente perché ho solo dieci dita a disposizione (ride, ndr), lui non pensa a questa cosa, si concentra solo su come dovrebbe suonare ma ovviamente tutto deve essere suonabile e quindi cerco di adattarlo. Alle volte capita di improvvisare un po’, per esempio in Pale Communion è presente il brano Goblin, lo conosci?

R.G.: Sì, ovviamente, un chiaro tributo ai nostrani Goblin.

O.: Esattamente, lì è contenuto un solo di piano in cui Mikeal mi ha lasciato totalmente spazio di improvvisazione. Fondamentalmente è questa la scuola prog da cui io provengo, fatta buona parte di improvvisazioni, è molto diverso il mio ruolo da quando sono parte di questa band. Si tratta di un lavoro molto più ristretto rispetto a quando suono in altre band in cui ho molto più spazio per i miei soli di piano, con gli Opeth non siamo ancora giunti a fare queste cose, però non importa, quello che conta è produrre delle buone canzoni, quindi focalizzarsi su come devono suonare. Meglio così, non devo nutrire il mio ego! (ride, ndr) Mai dire mai però, può darsi che sul prossimo disco inseriremo più soli di piano oppure magari li inseriremo in qualche canzone live, vedremo.

R.G.: Ritornando ai testi del disco, mi sono reso conto che la parola ‘gioventù’ viene citata spesso, state per caso risentendo del tempo che scorre inesorabile sulle vostre vite e quindi vi sentite vecchi ormai?

O.: (ride,ndr) Io cerco di non pensarci, anche perché sono il più vecchio nella band! Questa è una domanda che andrebbe fatta a Mikeal ma penso che il disco sia fatto di canzoni che parlano di vita e di morte, questa parola viene ripetuta tra le varie canzoni perché rientra in questi territori: gioventù, vecchiaia, guardare al passato e al futuro…

R.G.: Ecco, parlando proprio di futuro. Per il momento cosa prevede il futuro degli Opeth?

O.: Saremo in tour a lungo per la promozione di questo album, dopo aver finito in Europa saremo in Asia e in Australia, ci fermeremo per Natale e riprenderemo a gennaio con tre date in Scandinavia, poi a marzo ci sposteremo in America e in Canada, poi in Sud America per aprile e poi ci dedicheremo ai festival estivi che saranno molti più rispetto a quelli fatti quest’anno, ovviamente per via del nuovo album. Poi sicuramente torneremo di nuovo in tour, credo che i nostri viaggi dureranno per almeno un anno.

R.G.: Avete già parlato di un nuovo album oppure dopo il lungo tour di promozione vi prenderete la pausa che avreste voluto già prendervi in precedenza?

O.: Non ne abbiamo ancora parlato di tutto ciò, sai ora è tempo di lavorare e quindi non ci pensiamo. Io credo che, dopo che avremo finito con questo album, Mikeal vorrà tornare presto di nuovo a comporre perché lui adora farlo, è una cosa che lo rende veramente felice ed ispirato. Mi sorprenderebbe se questo non accadesse! In effetti avevamo in programma di prenderci un anno di pausa che per diversi motivi però non abbiamo avuto, così Mikeal si è presentato un giorno in studio con l’album già scritto ed è stata una cosa positiva perché non ha avuto pressioni nel doverlo scrivere, con questo non voglio dire che i dischi precedenti suonino come se lui avesse avuto pressioni nel doverli scrivere perché ha sempre scritto buona musica, ma il modo in cui si è sentito nel corso della scrittura è stato diverso. Noi tutti abbiamo apprezzato ogni singola canzone scritta per questo disco, anche le bonus tracks, al punto che è stato molto difficile riuscire adecidere la tracklist perché avremmo voluto inserirle tutte.

R.G.: Ok grazie Joakim per la chiacchierata

O.: Grazie a voi!

Intervista ai Baroness

Nell’area parcheggio per i tourbus adiacente al Fabrique di Milano abbiamo incontrato Nick Jost, bassista dei Baroness. E a poche ore dall’evento, che ha visto sul palco anche Volbeat e Danko Jones, ci ha concesso un’intervista nella quale ci ha parlato di Gold & Grey, ultimo disco della band americana, e non solo.

R.G.: Ciao Nick, benvenuto su RockGarage! Pronto per stasera?

B.: Ciao e grazie per l’invito! Certamente!

R.G.: Lo scorso giugno avete pubblicato “Gold & Grey”, dopo quattro mesi che feedback avete ricevuto dai fan?

B.: Posso dire che il feedback è molto buono. La stampa e i media in generale ne parlano bene quindi è piaciuto molto. Ed ora che lo stiamo portando “on stage” posso dirti che anche la risposta dei fan è stata ottima; le nuove canzoni vengono mano a mano recepite e imparate ed è bello vedere il pubblico che le canta con noi. Soprattutto perché è un disco su cui abbiamo lavorato davvero tanto, quindi vedere questa risposta da parte di critica e fan è un’enorme soddisfazione.

R.G.: Ascoltando più volte il vostro ultimo album si ha la sensazione che con questo avete raggiunto il più alto livello di maturazione, concordi?

B.: Spero di no! (risate, ndr) Sicuramente siamo maturati, come persone e come musicisti, ma in futuro faremo sempre qualcosa di diverso e cercheremo di capire come crescere ancora per i prossimi dischi. Questo è l’obiettivo.

R.G.: Però rispetto ai precedenti dischi, questo è forse quello più “intimo”, giusto?

B.: Si sono d’accordo, il modo con cui John (Dyer Baizley, cantante-chitarrista) e Gina (Gleason, chitarrista) hanno scelto di cantare, il modo di eseguire i loro duetti rendono il disco molto, molto intimo. Ci sono anche dei momenti dove John trova maniere nuove e insolite di cantare e questo rafforza il concetto e la sensazione che dicevi poco fa, ovvero quello di rendere il tutto più intimo e personale.

R.G.: Siete ormai in tour da diversi mesi, come sta andando?

B.: Molto bene! Come ti dicevo poco fa i fan stanno piano piano imparando le nuove canzoni, e devo dire che stanno piacendo molto. All’inizio, quando suoni qualcosa di nuovo per la prima volta è divertente vedere le reazioni dei fan che ancora non conoscono i nuovi pezzi. Quando suonavamo per le prime volte il nostro singolo, o canzoni che ancora non erano state pubblicate, i fan reagivano come se dicessero “ma…mi piace o no questo nuovo brano?”. Ora però abbiamo notato che sono entusiasti del nuovo album, e ovviamente ne siamo felici.

R.G.: Vi ho visti per la prima volta lo scorso anno al Firenze Rocks, che ricordo hai di quel pomeriggio?

B.: Ah dai grande! Per noi è stato davvero un bel concerto, anche se la maggioranza del pubblico aspettava i Guns N’Roses.

R.G.: Si ricordo bene, e anche in quell’occasione avete suonato con i Volbeat, come farete stasera.

B.: Si esattamente! Ho sempre comunque ottimi ricordi di quando suoniamo qui in Italia, ci divertiamo sempre!

R.G.: E a proposito di questo, com’è condividere il palco con loro?

B.: E’ molto bello! Loro sono un bel gruppo di persone e si respira un clima di totale positività. Quasi tutte le sere facciamo sold out, ma è bello e stimolante per noi fare la parte degli “sconosciuti” perché ci motiva a conquistare anche il pubblico dei Volbeat, vogliamo portare i loro fan a domandarsi perché con loro suona una band prog metal!

R.G.: Visto che si parla di generi diversi mi viene spontaneo chiederti cosa pensi dell’attuale scena metal.

B.: Non sono un grande ascoltatore di musica metal anche se una delle mie band preferite sono i Meshuggah. Un altro gruppo che mi piace e che sto ascoltando parecchio ultimamente sono i King Gizzard & The Lizard Wizard; loro al momento sono il top, ed hanno appena fatto un disco pseudo thrash metal che è fantastico! Poi direi anche i Big Brave che vi consiglio assolutamente. Penso che ci siano tanti artisti interessanti ma che non saranno mai “pop”, e va bene così, resteremo nel nostro mondo!

R.G.: Nick, grazie per l’intervista e buon concerto per stasera!

B.: Grazie a te e a RockGarage!

Intervista ai Thunder Brigade

Presso il Parco di Villa Tittoni di Desio abbiamo incontrato i Thunder Brigade, trio milanese che da pochi mesi ha pubblicato il debut album Spirit Of The Night. Pochi minuti dopo la loro esibizione, per l’occasione in acustico, ci hanno raccontato delle loro origini, del disco e relativa accoglienza.

R.G.: Benvenuti su RockGarage! Inizierei parlando di come nascono i Thunder Brigade.

T.B.: Grazie! I Thunder Brigade nascono un po’ di tempo fa. Inizialmente eravamo un duo (Stefano Cascioli alla voce e Stefano Bigoni alla chitarra, ndr) dove ognuno dei due veniva da due generi diversi, uno punk rock e l’altro post-metal. Abbiamo deciso di metterci insieme con l’obbiettivo di creare qualcosa di originale, senza la pressione di dover per forza essere incasellati in un unico genere e ti dirò che è stato abbastanza semplice trovare la quadra per riuscire a realizzare qualcosa assieme. Per quanto riguarda i primi pezzi che abbiamo creato, abbiamo avuto un approccio da songwriter, ovvero voce più chitarra acustica. Da lì pian piano sono nati i primi brani, e di conseguenza anche le prime proposte per suonare dal vivo; il problema era però che non avevamo pezzi a sufficienza per un set live quindi abbiamo deciso di portare anche qualche cover, nella fattispecie di Johnny Cash, Eagles, Rolling Stones, dando a queste una sonorità un po’ più moderna, un po’ più “nostra”. Dopo un paio d’anni abbiamo deciso di trasformare il tutto in un set elettrico; fermo restando che non era il nostro obiettivo essere un duo acustico, abbiamo ampliato la line-up con Stefano Lecchi alla batteria, perché volevamo dare concretezza a quello a cui miravamo, considerato il nostro approccio da “band”.

R.G.: Due mesi fa è uscito il vostro album di debutto “Spirit Of The Night”, volete parlarcene?

T.B.: Sì, tieni conto che prima del disco ne abbiamo fatta di gavetta! Ma a un certo punto abbiamo deciso di realizzare qualcosa di ancor più concreto: ci siamo affidati a un amico, Stefano “Orkid” Santi e al suo SPVN Studios di Como; da lì abbiamo imparato molte cose, in particolare riguardo i tantissimi aspetti tecnici che riguardano la vera e proprio registrazione di un brano, studiando ogni minimo dettaglio. L’approccio che ci siamo dati era quello di entrare in studio e di suonare come se stessimo suonando dal vivo, e questo l’abbiamo imparato anche leggendo le interviste dei nostri artisti preferiti, in particolare quella dove i Metallica ricordavano come il loro produttore Fleming Rasmussen diede il medesimo consiglio per la registrazione di Master Of Puppets. E si arriva quindi a due mesi fa, quando esce Spirit Of The Night; pensa che il titolo esisteva già sin da prima di registrare questo album; un giorno eravamo a casa a scrivere e dissi “quando uscirà il nostro album vorrei titolarlo “Spirit Of The Night”, in quel periodo venne a mancare un nostro amico comune, ma il titolo non voleva essere un requiem o qualcosa del genere, voleva essere qualcosa di più spirituale. Non voleva neanche essere una sorta di omaggio, perché siamo dell’idea che questa persona è come se ci fosse ancora ed è per questo che nel disco ci sono molte sonorità “western”, che richiamano un po’ lo stile degli indiani d’America come i Navaho o i Cherokee. Poi sì, nel disco ci sono anche brani più grezzi, però il mood è quello descritto prima, abbiamo preso spunto anche dalla cultura orientale, dove vedono la morte non come una fine ma come una sorta di continuità.

R.G.: Che feedback avete avuto riguardo il disco? Intendevo più che altro riguardo le recensioni.

T.B.: Guarda, abbiamo letto diverse recensioni, tra queste ci sono quelle dove chi scrive ha capito il senso del disco, ma d’altro canto ci sono anche altre dove non è stato proprio recepito. Una che mi è rimasta impressa ci “accusava” di essere troppo altalenanti, che c’era troppa alternanza tra brani lenti e brani più sostenuti, e che si aspettava più brani “a cannone”. Un’altra diceva che abbiamo preso “troppo” da generi e influenze americane, cosa che non capisco anche perché, come abbiamo detto a inizio intervista, siamo stati tutti influenzati da genere che provengono da lì. Come se ci avessero accusati di essere poco italiani, ma non è questione di non amare la nostra terra anzi, per dire io adoro Max Pezzali! Ma non riesco proprio a scrivere in italiano. Noi abbiamo creato qualcosa che rispecchiasse noi, le nostre influenze; avremmo potuto diventare la brutta copia dei Blackberry Smoke, o dei Nickelback, ma noi non siamo questi. E siamo soddisfatti del lavoro fatto, perché lo sentiamo nostro, e, con tutta l’umiltà del mondo, siamo riusciti a creare qualcosa che ha una identità.

R.G.: C’è anche un pregiudizio “molto italiano” e soprattutto sbagliato verso chi, come voi, tende ad approcciarsi a sonorità più estere, concordi quindi?

T.B.: Certo anche, c’è un problema di “ricezione” nel nostro paese, ovvero la difficoltà di accettare qualcuno che non si attiene a questa sorta di conformismo musicale all’italiana; noi lo accettiamo anche, ma a 30 e passi anni è anche giusto decidere di fare quel cazzo che vogliamo, di fare quello che più ci sentiamo e che riteniamo più vicino a ciò che siamo. Questo problema esisteva già sin da quando eravamo ragazzini, quando suonavamo hardcore venivamo accusati di copiare questo o quell’altro artista; è un problema italiano e che si riflette su tutta la scena underground dove ad esempio i locali preferiscono far suonare le cover band perché garantiscono incassi. E’ un problema totalmente culturale. E internet, i social network, hanno distrutto tutto; per carità oggi nel 2019 servono, ma per contesti come quello di stasera avrebbe funzionato il classico passaparola che andava fino a 10-15 anni fa. Internet è tutt’altro che comunicazione, è un po’ come il centro commerciale che ha distrutto il negozietto di paese.

R.G.: Progetti futuri?

T.B.: Le idee ci sono, non abbiamo ancora iniziato a scrivere roba nuova ma l’obiettivo è quello. Ci concentriamo ora sulla promozione del disco, abbiamo fatto anche il video del brano Beat A Dead Horse, ma non abbiamo intenzione di farne altri al momento.

R.G.: Grazie ragazzi, alla prossima!

T.B.: Grazie a te e a RockGarage!

Intervista ai Twilight Force

Al Rock’n’Roll di Milano abbiamo incontrato Alessandro Conti, che ha appena registrato alla voce il nuovo album degli svedesi Twilight Force,Dawn Of The Dragonstar, disponibile dal 16 agosto per Nuclear Blast. Alessandro è anche la voce degli italianissimi Trick Or Treat e quindi la chiaccherata fatta si è poi spostata su tematiche varie. Vediamo cosa ci ha raccontato.G

R.G.: Ciao Ale e benvenuto su Rockgarage.it. Come sei stato scelto dai Twilight Force?

A.C.: (sospira,nda) Sono stato scelto tra mille candidati… in realtà è stato molto semplice. Il loro cantante (Chrileon, nda) è andato via nel periodo in cui Luca (Turilli, chitarrista dei Luca’s Turilli Rhapsdoy di cui Alessandro era il cantante, nda) ha annunciato il reunion tour (dei Rhapsody, che ha visto tornare Fabio Lione dietro il microfono, nda) e parlando con lui abbiamo capito che non ci sarebbe stato un nuovo lavoro. Per cui essendo tutti sotto la stessa etichetta, la Nuclear Blast ha suggerito ai Twilight Force che potevo essere un valido sostituto. I ragazzi della band li conoscevo già da anni e conoscevo la loro stima nei miei confronti per cui è stata una cosa abbastanza liscia.

R.G.: Come ti trovi a realizzare un processo di registrazione e composizione a distanza?

A.C.: Con internet tutto funziona abbastanza bene. Le pre-produzioni vengono tutte realizzate in loco e poi inviate via web. Sono partito poi per la Svezia per 8 giorni per registrare il disco e sono tornato ieri da lì perché abbiamo registrato il video. Bisogna fare un po’ avanti e indietro ma oggi giorno si riesce a farlo abbastanza agevolmente. Un paio di voli e sei arrivato. Più difficile il discorso delle prove e della preparazione del live. Bisogna prepararsi tutto a casa e l’idea di trovarti pronto on stage mette un po’ di ansia. E’ una cosa tosta che fa parte del gioco.

R.G.: Hai partecipato alla composizione dei testi? Se si, quanta libertà hai avuto?

A.C.: No i testi e le musiche erano già tutte composte, come succedeva anche con Luca. Si è trattato solamente di eseguire ma ovviamente ho avuto libertà di arrangiamento. Scegliere le linee giuste, l’interpretazione giusta. Devo dire che loro si sono fidati molto e mi hanno lasciato spazio.

R.G.: Come ti sei trovato in questo frangente?

A.C.: Molto bene.

R.G.: In futuro cambierà questo aspetto? Sarai più partecipe anche nella composizione?

A.C.: Questo album era già almeno per metà scritto prima di sapere che sarei stato il loro cantante quindi era già pronto al 50%. Sicuramente in futuro ci sarà una collaborazione più stretta, anche se a livello di songwriting sono chitarristi e tastierista a fare tutto e penso che questo aspetto rimarrà invariato, anche per mantenere la linea stilistica.

R.G.: Hai modificato il tuo approccio ed il tuo modo di cantare in questo progetto?

A.C.: Si, ed una cosa che mi ha fatto piacere è stato portare avanti la tecnica che usavo con i Rhapsody diventando un po’ più lirico e teatrale rispetto a quello stile power metal tradizionale che utilizzo nei Trick Or Treat. Qui ci sono partiture più da musical, cose già sperimentate appunto con Luca Turilli e probabilmente è stato grazie a lui che ho raffinato ed anche imparato quel metodo di cantato. Sicuramente è uno stile vocale che non puoi utilizzare universalmente in tutte le band metal. Qui c’è un approccio tenorile e completo del canto.

R.G.: Ci sarà un tour per promuovere “Dawn Of The Dragonstar”?

A.C.: Abbiamo in programma alcuni festival. Sicuramente ci sarà una tournée ma ancora non è stato deciso nulla di definitivo. Vedremo anche dai responsi di vendite e critica ma i Twilight Force negli anni passati hanno fatto tour molto lunghi e quindi ci sarà da pedalare sicuramente.

R.G.: Come la vivi questa cosa? Nel senso che da italiano, non è così comune che un cantante o un musicista siano scelti da un gruppo straniero.

A.C.: Verissimo. Ci pensavo per la prima volta mentre prenotavo il volo per la Svezia e mentre viaggiavo. A me sembra normalissimo ma se ti guardi intorno non ci sono tanti cantanti italiani che lo fanno. C’è Fabio Lione che lo fa di consuetudine ormai, e devo dire che è un peccato che non ce ne siano altri perché secondo me ci sono un sacco di artisti che sono in grado di esprimersi a livello internazionale. Diciamo che forse il rock ed il metal italiano non hanno la credibilità fuori dai nostri confini, anche a livello di professionalità, per potere convincere etichette e band a dire: “Ok, é un soggetto preparato e credibile e quindi possiamo affidarci a lui”. La mia fortuna è stata lavorare con i Rhapsody, cosa che mi ha permesso di costruire una carriera ed una credibilità anche all’estero. Capisco comunque che non sia facile. Piano piano devo dire che qualcosa sta cambiando. Guarda Luppi nei Whitesnake (Michele Luppi, tastierista italiano, nda) è una cosa molto più grossa di quella che è capitata a me. Un po’ di nomi stanno venendo fuori. Ci vogliono tanti anni di gavetta, più che in altri Paesi. Se ci sono voglia, qualità e professionalità, prima o poi queste vengono riconosciute.

R.G.: Avete registrato le voci separatamente dalla musica. La band invece che approccio ha avuto? Ha registrato in presa diretta oppure separatamente?

A.C.: Tutto separatamente. Ognuno di loro ha un piccolo studio. Anche con i Trick Or Treat, nonostante la vicinanza, facciamo alla stessa maniera. Magari ci si scambiano idee e consigli, ma registrare così è molto più comodo.

R.G.: Te lo chiedevo perché molti prodotti ora vengono realizzati suonando tutti insieme per avere una resa su disco più simile al live, più di impatto e compatta.

A.C.: Sicuramente è una scelta che funziona e dà i suoi frutti, però in sede di produzione è una cosa meno modificabile, meno controllabile ed ovviamente molto più dispendiosa. Prima era il contrario: la presa diretta era vantaggiosa. Adesso invece guadagni più tempo a lavorare ognuno per sé.

R.G.: Tornando alla domanda precedente, perché secondo te, nonostante una scena forte ed ormai decennale l’Italia non riesce ad avere una considerazione importante all’estero? Tanto per farla semplice, se tu non fossi nato qui ma negli Usa o in Germania, avresti avuto un responso diverso da quello che hai qui?

A.C.: Personalmente non saprei…

R.G.: Prendiamo come metro di valutazione i Trick Or Treat.

A.C.: Sicuramente saremmo più conosciuti. Anche se molti dicono che in Italia si combina poco cantando in italiano. Re-Animated (album del 2018, nda) è un disco fatto esclusivamente per il mercato italiano ed i fan italiani ed è stato un successo incredibile ed inaspettato. Ai concerti trovi diverse generazioni, anche ragazzi molto giovani che non hanno nulla a che fare con il pubblico metal ma che vengono a vederci perché facciamo le sigle dei cartoni animati in versione metal. Bisogna anche sapersi ritagliare uno spazio. Siamo arrivati per due ragioni a sviluppare questo discorso: la prima è la passione per i cartoni animati, quella passione un po’ nerd, sviluppata crescendo con le sigle e quell’imprinting. La seconda è che con i Trick Or Treat eravamo giunti ad avere il massimo della fanbase che puoi avere nella scena metal in Italia già cinque anni fa e quando arrivi a quel punto poi non ti sviluppi più. Allora ci siamo detti: “Proviamo a fare qualcosa che non snaturi il nostro stile e che sia rispettoso anche verso la nostra linea musicale e personale”. Anche con il nuovo disco che stiamo facendo sui Cavalieri Dello Zodiaco l’impostazione sarà questa. Non perdere i nuovi fan, quelli che non fanno parte della scena metal, con musiche originali nostre ed accattivanti. Ci si prova, magari non si riesce. Però allargare la fanbase ed avere spirito di arrangiarsi è sicuramente qualcosa che bisogna fare. Ovviamente se nasci in un Paese dove ci sono già infrastrutture adatte, etichette professionali a livello di promozione e distribuzione, la credibilità in automatico aumenta ovunque. L’Italia ha un problema di deficit di infrastrutture. Ci sono molte band ed anche etichette, ma queste non sono abbastanza grandi e focalizzate nell’investire sugli artisti. Ad esempio però la scena metal italiana è cresciuta perché la Frontiers (casa discografica italiana, nda) ha investito qualcosa nelle band nostrane. Non parlo di quantità di investimento, perché non ne sono a conoscenza, ma basterebbero quattro o cinque realtà come la loro ed in 5 anni avremmo una scena che spacca. Non è detto che purtroppo succederà. A questo punto bisognerebbe trovare vie alternative, come il crowdfunding o altre soluzioni.

R.G.: Qual è la tua opinione in merito al fatto che la nostra generazione è così influenzata e legata nel profondo alle sigle dei cartoni animati?

A.C.: Ci ho pensato molte volte e la mia interpretazione è questa. Una ragione è da trovarsi nel boom economico italiano degli anni ’70-’80 che ha fatto sì che i nostri genitori fossero tutti a lavorare, con noi mollati davanti alla televisione che faceva da baby sitter. La televisione era l’amico, la mamma, il fratello maggiore e tutti i giorni le sigle sentite e risentite a iosa che introducevano cartoni di qualità ha fatto si che nella mente di un 40-35enne di oggi quelle musiche lì, ascoltate poi in un momento in cui il cervello è una spugna che assorbe tutto, suscitino ricordi e sensazioni piacevoli e bellissime. Si crea un ponte cognitivo dei tuoi pomeriggi sul divano a bere il succo e mangiare la merende, completamente spensierato. Mettici poi che i cartoni giapponesi ti educavano e preparavano all’età adulta, con storie tragiche e storie di onore con un grande senso della morale e si completa il tutto.

R.G.: Quali sono gli artisti che hanno avuto più influenza su di te?

A.C.: Kiske (Michael, cantante degli Helloween, nda) e Matos (Andre, cantante degli Angra e degli Shaman, da poco scomparso a causa di un infarto, nda) a livello tecnico vocale. Musicalmente Helloween, Angra, i primi Rhapsody e tutto il power metal teutonico. Ho iniziato ad ascoltare musica abbastanza tardi, verso i 16-17 anni. Per me queste band sono fondamentali. Adesso ascolto anche band nuove ma quelle band sono rimaste a livello sentimentale e molto penetrante. Anche se dopo puoi cambiare i tuoi gusti, le band con cui ti avvicini alla musica sono quelle che rimarranno per sempre le tue preferite.

R.G.: Come vedi il mercato musicale tra cinque anni, contando che ogni giorno la tecnologia modifica le possibilità degli emergenti e cambia l’approccio di chi già nell’ambiente ci è da tempo e magari ha anche una posizione salda e radicata?

A.C.: Sicuramente adesso il music business è molto più democratico perché tutti hanno la possibilità di registrare un disco in maniera economica e professionale rispetto agli anni ’80. Questo però rende tutto una sorta di giungla, perché tutte le band emergenti, avendo le stesse possibilità, si trovano davanti ad un pubblico che consuma musica alla velocità della luce. Il segreto è realizzare qualcosa di virale e che faccia parlare di sé senza scadere nel ridicolo, a meno che tu non voglia farlo di proposito. Il problema è che la viralità è fatta da cose che fanno ridere, intristiscono o sono completamente ridicole e sono caratteristiche in cui la musica non dovrebbe rientrare. Bisogna essere molto attenti a questi aspetti.

R.G.: Grazie Ale per il tempo che ci hai concesso.

A.C.: Grazie a voi. Un saluto a tutti i lettori di RockGarage.