Intervista ai Sem E Le Visioni Distorte

Il caldo estivo non ha fermato la nostra voglia di incontrare di persona musicisti della scena italiana e fare due chiacchiere con loro. Questa volta è stata l’occasione per incontrare un forte sostenitore di RockGarage: Samuele Torresani, in arte SeM, voce, basso e mastermind dei SeM E Le Visioni Distorte che anni fa ha prestato la sua voce per la RockGarage Radio. Il progetto di SeM è cresciuto, dopo due EP è giunto ad un full-lenght recensito da noi a questa pagina e quale migliore occasione per tirare le somme con lui e confrontarci anche sulla scena musicale attuale?! Qui il resoconto dell’intervista.

R.G.: Ciao SeM e grazie per aver accettato il nostro invito. Partiamo subito dalla prima domanda: raccontaci i riscontri dell’ultimo album visto che è passato un po’ di tempo dalla pubblicazione.
S.elV.D.: Dalla pubblicazione ad oggi ci sono stati un po’ di sviluppi interessanti. Il 20 aprile è uscito fisicamente il disco Viaggio Attraverso Lo Specchio di cui sono orgoglioso, chi lo ha sentito lo trova più organico rispetto ai lavori passati; penso che il messaggio sotteso nel disco arrivi. Abbiamo fatto un po’ di date, specialmente a giugno con spettacoli interessanti come la data ultima al Club 27 che rimane uno dei miei locali preferiti e alla fine della serata sono morto sul marciapiede (risate generali ndr)

R.G.: In che senso sei morto sul marciapiede?
S.elV.D.: Sì sono praticamente svenuto a fine serata…festa di chiusura, si fa un sacco di casino. Dicono “sesso, droga e rock’n’roll” io al posto della droga uso l’alcol ed è finita in maniera interessante (risate ndr). Però pubblico contento, io anche. Abbiamo fatto un paio di spettacoli all’aperto, dimensione divertente anche se io preferisco suonare nei club dove c’è un’atmosfera un po’ più intima. Il merchandising sta andando bene.

R.G.: Bene dai! Visto che hai parlato del messaggio del disco, parliamone! Siccome i brani sono scritti da te sicuramente il messaggio è collegato anche alle tue vicende personali e alle tue esperienze.
S.elV.D.: Assolutamente sì, anche perché questo album ha due anni di gestazione e quindi nelle nuove tracce vi sono esperienze che ho vissuto in prima persona in questo lungo periodo; buona parte del disco l’ho scritta mentre fui migrante in Inghilterra. Sommariamente il disco si divide in tre parti. Il tema, come si intuisce dal titolo, è il viaggio è c’è questo rimando ad Alice nel Paese delle Meraviglie. Il viaggio viene declinato in tre dimensioni: il viaggio fisico, il viaggio metafisico e il viaggio verso il futuro, ciascuna dimensione scandita da tre brani ciascuno. Le prime tre tracce riguardano il viaggio fisico cioè proprio quando qualcuno parte come me che ho fatto un salto nel vuoto mollando tutto e andando via, le tracce 4, 5 e 6 per il viaggio metafisico che rappresenta quello che la mente può portarti a vedere, non solo grazie a sostanze chimiche ma anche grazie all’immaginazione e queste sono le tracce un po’ più cupe e riflessive, infine nelle ultime tre tracce si ritorna nel mondo materiale, reduci dell’esperienze vissute e proiettati verso ciò che si vuole fare.

R.G.: Hai citato del tuo viaggio in Inghilterra che noi abbiamo ritrovato in Le Vie Dei Diversi.
S.elV.D.: Esatto, bravo. Vedo che abbiamo ascoltato attentamente l’album (risate ndr). Questo brano credo sia quello che va più in controtendenza rispetto allo stile della band, noi siamo partiti come trio “incazzato” e qui invece c’è un brano acustico…può sembrare una scelta bizzarra. In realtà il brano originariamente lo avevo scritto in inglese, quando suonavo con un gruppettino in Inghilterra appunto in acustico. Arrivato in UK non avevo strumenti con me e quindi con il primo stipendio che ho incassato, prima di pagare l’affitto, sono andato a comprare una chitarra acustica usata per strimpellare. Quella chitarra è durata per tutta la mia permanenza all’estero e in un momento particolare è uscito il pezzo.

R.G.: Raccontaci questo momento.
S.elV.D.: Sì, io vivevo in un paesino molto tranquillo del Kent, molto bello e carino da girare. Una sera tornavo a casa, vivevo da solo, e ho avuto un momento un po’ di solitudine in cui mi sono sentito straniero in terra straniera…

R.G.: Strangers In A Strange Land…come diceva qualcuno.
S.elV.D.: Esatto! (altre risate ndr) E ho riflettuto sulle mie sensazioni in quel momento, sulla lontananza con le persone che conosci e a cui vuoi bene ma che sono distanti…non mi sentivo integrato al 100% sia per una questione linguistica che per la scommessa sul futuro che avevo fatto…metti in discussione un po’ tutto quello che fai. Ho provato questa strada trovando subito lavoro, cosa che in Italia non c’era, ma ho iniziato a chiedermi dove quello che avevo trovato mi stava portando. Diciamo tutto il tema dello smarrimento che è tipico di un migrante e che è diventato poi un tema tremendamente attuale.

R.G.: Queste difficoltà che hai incontrato frutto di riflessioni sulla vita noi le abbiamo trovate anche in altre tracce come nell’opener in cui tu fai riferimento a tutte quelle difficoltà che ognuno di noi affronta quotidianamente. Sono riallacciate a quel periodo?
S.elV.D.: Ancora Sulla Strada è secondo me davvero perfetta come traccia d’apertura. Rappresenta sì un po’ tutte queste cose, l’ho scritta quando riflettevo su tutta la transizione che ho vissuto, compreso il viaggio in Inghilterra. Quando ero in Italia ero in un periodo particolare, le cose andavano bene ma tutto ad un tratto le mie certezze sono crollate: la riflessione era riferita a questo vuoto creato in me ma nonostante tutto, come dice il brano, “sono ancora sulla strada”. Dopo tutte le difficoltà non bisogna mollare, riprendiamo a sanguinare e sudare e cerchiamo di trovare una nuova rotta, come dico nel ritornello.

R.G.: Punto di vista infatti che cambia subito nella seconda traccia dell’album dove invece si parla del presente come un dono, quindi l’approccio è positivo.
S.elV.D.: Sì, Il Tempo Dell’Addio è una traccia particolare, quello è il momento in cui saluti e parti. Il presente è un dono riprendendo anche il ritornello della precedente traccia: vero che sei ancora sulla strada ma il momento che vivi è l’attimo a cui devi dare importanza, non puoi restare ancorato al passato.

R.G.: Più in generale questa è la prima volta della storia della band che arrivate ad una formazione a quattro. È stata una scelta ponderata o la band si è evoluta un po’ per caso in questa direzione?
S.elV.D.: A voler fare i pignoli il disco è comunque registrato a tre ma con l’idea di una formazione a quattro. Rispetto al passato infatti ci sono più parti strumentali e una resa sonora che richiede una formazione a quattro. Il problema di essere un power trio è che in alcuni punti si svuota il sound…

R.G.: Banalmente durante gli assoli manca la chitarra ritmica…
S.elV.D.: Esattamente e infatti nei dischi precedenti era molto più palese. Infatti nell’album sono state registrate da Davide anche le ritmiche degli assoli e poi è stato inserito il quarto elemento.

R.G.: Quindi anche per il futuro vedi più in linea una band a quattro membri?
S.elV.D.: Assolutamente sì e in più con la formazione attuale c’è la fortuna di avere una chitarrista ritmica che non vuole diventare solista, generalmente i chitarristi tendono a voler essere solisti, noi invece abbiamo trovato l’equilibrio con i due chitarristi in cui ciascuno ha il suo ruolo.

R.G.: Un equilibrio con tutti i membri nuovi e un album già scritto…situazione incredibile!
S.elV.D.: Sì diciamo che quest’anno la formazione è completamente diversa rispetto al passato e tra poco cambierà il batterista, aggiungeremo una quota rosa alla band e diventerà interessante. Le presentazioni le faremo a settembre ma è già ufficiale.

R.G.: Inoltre un altro aspetto che abbiamo notato è che a differenza di “Dal Cilindro” qui ci sono molte code vocali, cioè molte parti in diverse canzoni in cui si sentono dei prolungamenti vocali come se tu avessi voluto dare più enfasi melodica. È vero? E se sì come mai?
S.elV.D.: Ti dirò che in realtà non ci avevo fatto molto caso però ora che ci penso è vero, penso che sia frutto di una evoluzione stilistica naturale, una maggiore consapevolezza del cosa vuoi fare e del cosa vuol dire. Ho ricevuto diverse critiche e consigli ma alla fine, cosa vuoi, non va mai bene un cazzo di quando registro! (risate ndr) A differenza del primo EP in cui c’erano un sacco di parole tutte attaccate cantante velocemente perché dovevo dire mille cose tutte insieme, qui c’è più un ragionamento di come deve essere fatta una strofa e un ritornello anche in termini di musicalità.

R.G.: Dal tuo punto divista, questo elemento vocale di cui parlavamo e il fatto che siete ormai una band a tutti gli effetti a quattro, sono gli unici aspetti nuovi rispetto ai precedenti due EP o c’è dell’altro che si è sviluppato ed è maturato?
S.elV.D.: È un po’ cambiato lo stile esecutivo e compositivo. Prima erano brani molto d’impatto e istintivi ora invece sono più strutturati. Un’evoluzione naturale come dicevo prima che però rispecchia anche le tematiche del disco sicuramente più ricercate. La cosa bella che ho notato è che c’è tanta naturalezza nel suonare i nuovi brani nonostante adesso i musicisti siano nuovi, hanno tutti un approccio molto naturale e secondo me è una cosa bella e non del tutto scontata.

R.G.: Forse è anche perché ci sei tu che fai da fulcro.
S.elV.D.: Mah diciamo che uno dei requisiti per far parte dei Sem E Le Visioni Distorte, oltre al livello di sopportazione del sottoscritto, è che le canzoni ti piacciano. L’unica cosa che ho sempre chiesto alle persone che suonavano con me è di avere sempre voglia di suonare rock’n’roll, sempre e comunque e di farlo divertendosi. Se manca questa cosa ci si separa, in amicizia.

R.G.: Ok quindi a settembre si ripartirà con altre date?
S.elV.D.: Sì, ci stiamo sbattendo come tutte le band che hanno voglia di suonare, per trovare più occasioni possibili nelle peggio bettole dell’Italia perché è proprio lì che si coltiva il rock’n’roll.

R.G.: E poi soprattutto nel 2019 tornare con un nuovo album…
S.elV.D.: E qui tocchiamo un discorso più complesso, anche perché guardando i tempi attuali non so più nemmeno io se ha senso fare un disco. Viviamo in un mondo che è sempre più spostato sul digitale, ogni giorno escono canzoni e video nuovi, tutti i contenuti sono sempre più immediati e sto ragionando se cambiare anche il mio approccio circa la produzione dei dischi.

R.G.: Beh al di là del formato comunque il progetto si concentrerà su nuova musica scrivendo pezzi inediti.
S.elV.D.: Sì quello è certo, in questo periodo sto volutamente accantonando la fase di scrittura perché penso che questo disco abbia tanto da dire e debba essere suonato tanto. Anche rispetto alla situazione attuale penso a che cosa voglia dire viaggiare, spostarsi, l’accettazione degli altri e prima di se stessi, siano tutti elementi importanti e di cui non si parlerà mai abbastanza. Vorrei fare almeno un altro paio di video, vorrei rifarli con la stessa regista che ha diretto il video della tracklist, secondo me ha fatto un lavoro egregio…sì faremo inediti, la musica e il suonare le mie canzoni sono la forma di espressione tramite la quale io sono al 100% nudo, quindi avrò sempre bisogno di scrivere nuovo materiale. Sulla modalità di uscita, anche memore di una frase che mi dicesti tu e cioè che i “Sem E Le Visioni Distorte sono una live band”, sto pensando di abbandonare il concetto di disco classico in formato fisico.

R.G.: Magari un’idea potrebbe essere, come facevano gli Elio, il CD brulé.
S.elV.D.: Mi piacerebbe un sacco, ci ho pensato tante volte anche perché come ti dicevo prima nessuno è mai contento di come sono le registrazioni dei miei dischi, ma generalmente tutti quelli che ci sentono suonare dal vivo dicono che spacchiamo. L’impatto che abbiamo live è un’altra cosa e stavo pensando di virare per un album registrato in presa diretta.

R.G.: Quindi ci saranno altre date live da settembre e dal 2019 si vedrà.
S.elV.D.: Esatto, per ora l’intenzione è suonare tanto dal vivo. In questo momento io sono fermamente convinto che il rock’n’roll vada riportato alla classe popolare quindi penso che abbiano molto più senso tanti live in locali piccoli in cui sei a contatto con la gente piuttosto che fare due live giganteschi. Il nostro è uno spettacolo e vogliamo portato comunque alle persone.

R.G.: Ma qual è il messaggio del rock’n’roll?
S.elV.D.: Il rock’n’roll non è soltanto il tuo abbigliamento o la musica che ascolti ma il fatto che vai avanti, combatti, anche se la vita non era esattamente come te l’aspettavi, fai in modo di lottare per far sì che diventi quanto più vicino possibile a ciò che hai in mente. Non importa quanto tu sia stanco o quanto le cose vadano male, c’è da stringere i denti…e poi il rock’n’roll è anche festa e il messaggio è anche stare insieme, creare comunità, è una bella magia per cui durante un concerto ti dimentichi del resto del mondo ed è tutto rock’n’roll!

R.G.: E tutto questo è anche in realtà la tua filosofia e quella del tuo progetto.
S.elV.D.: Sì esatto, è da quando ho incominciato a suonare il basso che mi immagino di fare la rock star da grande, la rock star è quella che scrive, suona, va in giro per concerti e si dedica alla musica completamente. In questo momento non è assolutamente così, ho un lavoro normale, ma nonostante tutto, nonostante io veda tante persone che conosco che iniziamo a mettere su casa e famiglia e ad accomodarsi, io non accetto questa cosa perché sento di voler combattere e fare in modo che ci sia ancora questo messaggio, ci sia la voglia di stare insieme e di fare festa e ci sia ancora la voglia di veicolare la rabbia attraverso la musica, di protestare per quello che è sbagliato, per creare un mondo migliore. Da qui l’ultima canzone dell’album, Io Sono Il Rock’n’Roll, perché faccio queste cose, non sono ovviamente l’unico, ci sono tantissime persone che lo sono molto più di me e che lo fanno molto più di me; in realtà la canzone non parla solo di me ma di tutti quelli che credono e si sbattono per questa cosa qua, da chi si apre la webzine per portare avanti questi messaggi a chi cerca di tirare su un locale per far suonare a chi partecipa ai cortei per dire di no all’odio…tutti messaggi chiari.

R.G.: Ok grazie SeM per la chiacchierata. Allora da settembre invitiamo tutti a seguirvi in modo da consultare i nuovi appuntamenti live che ufficializzerete.
S.elV.D.: Assolutamente sì, anche perché è dal vivo che potete conoscerci e possiamo conoscerci, magari davanti ad una birra o ad un whiskey. Grazie a te e a RockGarage.

Intervista ai NaGa

Avevamo segnato questa data nel nostro calendario da mesi, una serata che vedeva molte band davvero notevoli esibirsi sul medesimo palco, quello del Legend Club di Milano. In particolare c’erano i NaGa di cui avevamo già ascoltato e presentato il nuovo album Distanze (a questa pagina potete leggere la recensione) e non ci siamo persi l’occasione di fare due chiacchiere con loro. Ecco il resoconto della chiacchierata.

R.G.: Ciao ragazzi iniziamo a parlare del nuovo album, raccontateci cosa è accaduto dalla gestazione fino alla pubblicazione.

N.: La cosa particolare è che siamo partiti da tanti brani, erano circa una ventina, alcuni erano in cantiere da tempo, altri erano più nuovi, altri erano un po’ più particolari. Li abbiamo registrati, abbiamo fatto un demo, li abbiamo fatti sentire ad una trentina di amici fidati e ci siamo fatti inviare i loro voti e da lì abbiamo scelto.

R.G.: Praticamente delle recensioni?

N.: (risate generali ndr) Sì, abbiamo fatto una classifica e abbiamo inserito quelli che erano più piaciuti.

R.G.: Molto bello!! In pratica i vostri amici hanno deciso i pezzi che andavano sull’album?

N.: Sì diciamo che dalle scelte abbiamo capito quali potevano piacere di più, quali no. Una delle cose più difficili è giudicare il proprio lavoro, quindi un orecchio esterno è molto interessante.

R.G.: E gli altri pezzi? Quelli esclusi? Che fine hanno fatto?

N.: Ci sono altri pezzi che sono stati esclusi ma che sono molto interessanti. Sono lì. C’è da dire che negli ultimi anni abbiamo avuto tante cose che sono accadute anche nelle vite private di ciascuno di noi, sono nati tre bambini e anche lavorativamente è accaduto tanto. Tutto questo ha rallentano i ritmi nostri. Il materiale però è lì.

R.G.: Quindi tutto questo tempo che è trascorso dal precedente “Voglie Diverse” fino a “Distanze” non è stato legato solo alla scrittura dei brani?

N.: Sì il tempo come NaGa è poco. Lavoriamo tutti con la musica e alla fine per poter vivere dobbiamo fare tante cose.

R.G.: Invece parliamo dei riscontri del precedente album. Come sono stati?

N.: Sono stati positivi, infatti ci hanno portato anche un contratto, una collaborazione con l’etichetta che era la Locomotiva. Avevamo l’accordo per l’aspetto discografico e il management, ora abbiamo preferito lavorare un po’ più per conto nostro. A distanza di tempo devo dire che il precedente disco a me piace molto (parla Claudio ndr) però ha un suono leggermente un po’ troppo pesante, è un po’ più di impatto. Diciamo che la cosa che ci ha sempre messo in difficoltà, tra virgolette, è che non si riesce ad identificarci con un genere specifico, del tipo “fanno indie”, “fanno rock”…cosa fanno i NaGa? Questo per noi è un valore aggiunto perché abbiamo un nostro stile ma da un altro punto di vista diventa difficilmente piazzabile e quindi c’è sempre un po’ questo conflitto.

R.G.: Interessante, su questo ci torniamo. La domanda sui riscontri era post-pubblicazione dell’album. Dalla pubblicazione fino alla fine del periodo di promozione dell’album, se c’è stata una fine di quel periodo, e quando avete pensato ai pezzi nuovi.

N.: (parla Lela ndr) Diciamo che da quando è iniziato il lavoro del management noi abbiamo già iniziato a pensare all’album successivo. Loro hanno lavorato su Voglie Diverse e noi avevamo già ingranato la marcia per il dopo.

R.G.: A proposito del genere musicale, visto che effettivamente nella vostra musica ci sono tante influenze, noi notiamo che ci sono queste due anime, una è un po’ più rock, cioè più elettrica e l’altra più pop ovvero più melodica. Ma se voi doveste scegliere una delle due che rispecchia di più il sound NaGa quale scegliereste? Quale vi rappresenta di più?

N.: Dipende con chi di noi parli! (risate generali ndr) Perché fondamentalmente Claudio (il chitarrista ndr) è l’anima un po’ più emotiva della band, io (Lela ndr) ascolto anche molta musica rock però la mia vocalità è molto pop soul, quindi poi alla fine quando uno ascolta i NaGa sente tutte le personalità che vengono fuori. E’ come (parla Marco il batterista ndr) quanto tu conosci una persona: se vedi solo un lato del suo carattere dopo un po’ ti annoi, se invece scopri più aspetti diventa interessante.

R.G.: Sì vero, non a caso da una decina di anni a questa parte ma anche più nascono sempre band che cercano di fondere generi diversi. Parliamo ora del singolo, Salutami Damasco, il primo singolo dell’album che è molto legato alla questione siriana. Come mai questa scelta?

N.: Sì il singolo è uscito prima dell’album, lo ha anticipato. Il brano rientra nelle canzoni scelte su quei venti brani, mi ricordo (parla Claudio ndr) che ci fu una riunione con il nostro discografico e il manager e loro subito hanno scelto questo brano da pubblicare. La cosa interessante è che da loro è uscita l’idea di collaborare con musicisti siriani che è stata una cosa molto bella. Ci hanno messo in contatto con questi due musicisti siriani che ormai vivono in Europa e abbiamo iniziato a parlare con loro e la prima cosa che loro hanno voluto capire è che non fosse un’operazione commerciale ma genuina. Io gli ho raccontato che la canzone era nata da una mia esperienza personale, ero in viaggio in Siria sei mesi prima che scoppiasse la guerra e infatti il testo che ho scritto io di getto racconta un po’ la suggestione di quello che può essere il confronto tra chi come me è andato lì per fare il turista e non ha percepito nulla della catastrofe imminente e se n’è tornato a casa mentre lì è scoppiato il finimondo. E’ impressionante il fatto che dopo poco è accaduta la guerra e io non avevo percepito nulla. Infatti il testo spiega molto questa distrazione, come una persona possa vagare senza cogliere bene le cose, che è un po’ il male del turismo di massa.

R.G.: A me ha colpito molto il fatto che si tratta di un tema attuale ma che è molto poco affrontato nella musica di oggi. Proprio la questione siriana non è presente abbastanza nella musica, quasi come se fosse una guerra di serie B, se fosse avvenuta in un Paese più importante sarebbe stata seguita di più.

N.: Ci sono delle guerre che sono di serie A e altre di serie B. Sì questo è vero. L’aggiunta di loro due è stata una cosa bellissima, facevamo le prove su Skype e loro sono molto bravi. Shadi e Majen hanno lavorato benissimo. Tra l’altro Shadi è un cantante lirico, conosce l’italiano benissimo e canta in italiano con una pronuncia quasi perfetta. Lui non voleva cantare in inglese, non voleva cantare nella sua lingua, era tanto scottato di quella condizione in cui vive la Siria. Ha ancora la famiglia a Damasco. Si è stupito che parlavamo di Damasco perché a Damasco non c’è distruzione ma per noi Damasco è simbolica, poteva essere un’altra città in cui c’è una guerra, il messaggio era lo stesso.

R.G.: Ok, cambiano argomento. A differenza del primo album in cui c’era un’etichetta ora siete autoprodotti. Come mai questa scelta e che idea vi siete fatti dell’autoproduzione e dell’avere una label?

N.: Fatica?! Se ti autoproduci ti devi fare il mazzo, semplicemente, devi essere molto convinto di quello che vuoi fare e devi far tutto. Il punto è che arrivi ad un certo momento in cui ti dici: “ok io faccio il cantante o il musicista ma tutto quello che sto facendo non è musica”. Perché ti stai occupando della copertina del CD, dei social, del video…quindi poi alla fine il fare musica si riduce a pochissimo.

R.G.: Invece nel primo album non pensavate a tutte le altre attività?

N.: In realtà sì, il contratto è arrivato dopo la pubblicazione.

R.G.: Quindi non è cambiato nulla per voi?

N.: Di fatto no, perché l’etichetta ci ha prodotto un singolo e il video e ci ha aiutato nella collaborazione con Alberto Radius. Quindi è stato un po’ in mezzo ai due dischi. Però si fa da soli, anche perché non si parla di major, forse per loro non siamo interessanti perché non siamo radiofonici.

R.G.: Non siete radiofonici? Avrei detto il contrario. Anche per le radio?

N.: Sì, questo è sempre stato un po’ il nostro punto debole. Siamo una via di mezzo che non accontenta le radio e le major. A volte diventa anche difficile piazzare i live.

R.G.: Ecco, questo è un altro aspetto che volevamo affrontare con voi. Perché fate concerti ma non avete tantissime date. Questo perché cercate di concentrarvi di più sui brani e sulla parte più discografica del vostro lavoro o perché avete poche occasioni per esibirvi?

N.: Il mercato del live è piuttosto complesso, bisognerebbe spenderci ulteriori energie e per noi che non siamo proprio dei ragazzini di primo pelo e facciamo tanti live in altre situazioni chiaramente accettare certe condizioni alle volte è faticoso. Conosciamo molto bene le regole che stanno dietro ad un live, a volte accettiamo alcune opportunità ma fino ad un certo punto. Al momento non sgomitiamo perché non vogliamo insistere per fare un live in più a tutti i costi, ci interessa fare più live di qualità che di quantità.

R.G.: Quindi in sostanza dite che di occasioni live ci sono.

N.: Sì assolutamente sì ma ci sono condizioni un po’ misere. Non parliamo a livello economico sia chiaro, ma di dove ti mettono a suonare, davanti a che pubblico, su quale palco. A volte ti ritrovi in un locale sperduto nella provincia di chissà dove in cui il pubblico è fatto di poche persone anche perché non abbiamo molto seguito al di fuori della nostra provincia…e ti dici: “ok io cosa sto raccogliendo?”. Ci mettiamo tante energie, facciamo la strada, la mia performance, il guadagno è modesto, non vendiamo un disco in quelle date…

R.G.: Non è comunque un modo per farvi conoscere da un pubblico che sicuramente non vi conosceva prima, essendo una zona fuori dalla vostra provincia come dite voi?

N.: Se ci fosse pubblico sì! Ci sono dei locali che sono frequentati da un pubblico e quindi sai che c’è gente che ti ascolta. Lì ha senso, tu vai e fai la tua serata. Ma ci sono tanti locali che invece usano le band per riempirsi e a noi non interessa.

R.G.: Ok, parliamo di altre band. Seguite la scena italiana o anche straniera, avete delle preferenze? Delle band con cui volete collaborare?

N.: Per esempio i Gambardellas mi piacciono molto (parla Claudio ndr), sono uno dei gruppi che più mi ha colpito.

R.G.: Loro suonano tantissimo in giro

N.: (risate generali ndr) Sì, hanno anche un impatto diverso, infatti oggi è la prima volta che suoniamo con loro e capisco cosa vuol dire suonare prima di loro, perché noi abbiamo un lato molto più introspettivo. Li conoscevamo già. A me (parla Leila ndr) piacciono i Lost In Paradise con cui abbiamo suonato e a me piacciono anche i Black Beat Movement ma loro non sono rock. Ci piace anche molta musica al di fuori del rock.

R.G.: Chi lo sa, magari un domani fate una data con una band al di fuori del rock o del pop…

N.: Magari, perché no…siamo sempre stati molto aperti da questo punto di vista.

R.G.: Ok, ultima domanda. Programmi per il prossimo album? Ci state pensando o no? E’ presto?

N.: Sì ci stiamo pensando, dobbiamo un attimo fermarci e rimetterci un po’ nel pieno delle attività, Roby ad esempio è sempre a suonare in giro per il mondo…a livello personale come ti dicevo sono accadute tante cose, quindi ci vorrà tempo.

R.G.: Ci sarà quindi un’evoluzione?

N.: Sì dobbiamo solo capire in quale direzione. Fino a quando ci sarà qualcosa da dire noi comunque continueremo.

R.G.: Bene, grazie mille ragazzi e in bocca al lupo per il live.

N.: Grazie a voi.

Intervista ai Tribulation

Tra cinema horror e musica metal c’è da sempre stato un legame ben saldo, ci sono scene che non potrò mai dimenticare come per esempio il finale di Phenomena di Dario Argento il cui orrore viene accompagnato dalle note di Flash Of the Blade degli Iron Maiden. Se dovessi pensare a questo legame, oggi credo che Tribulation sia il primo nome che mi verrebbe in mente, giovane band svedese che si è fatta largo nel genere grazie al loro personalissimo e unico sound dato dalla mescolanza di death, heavy, gothic, black metal e sinistre atmosfere horror dalla tradizione più classica. Down Below, ultima release della band, ha visto luce lo scorso gennaio e sembra abbia proprio subìto un enorme influenza dal cinema horror nostrano, da grande appassionato del genere ed estimatore della band svedese era inevitabile per me voler fare quattro chiacchiere con il frontman Johannes Andersson e chiacchierare anche di questo argomento a me tanto caro. Così, nel corso dell’ultimo tour europeo della band, a qualche ora dal loro concerto milanese, abbiamo avuto l’opportunità di incontrare il ghoul e provare a scavare sotto il make-up della band.

R.G.: Ciao Johannes, siete tornati in Italia in tour per la seconda volta in promozione del vostro ultimo “Down Below“, innanzitutto come sta procedendo questo viaggio per voi?
T.: Be’ il tour sta procedendo bene, si sta verificando anche più grande di quanto io pensassi perché non conoscevo così bene gli Insomnium prima della partenza ma sto notando che richiamano molta più gente di quanto io pensassi, spero che anche noi stiamo contribuendo a far avvicinare il pubblico di queste date. Procede molto bene, come al solito ho preso il raffreddore e ora come ora sto bevendo un ginger lemon tea ma questa è una cosa che capita sempre, almeno uno di noi prenda il raffreddore o comunque cada malato nel corso del tour. Ciò che ho potuto constatare è che stiamo richiamando un buon pubblico, sì tra date buone e altre meno buone, per esempio la data di Atene è stata sorprendente, è stata la nostra prima data lì e abbiamo avuto il piacere di suonare davanti a seicento persone.

R.G.: Quindi come è nata la decisione di essere in tour con gli Insomnium? Come mai avete accettato l’offerta dato che credevi si trattasse di un tour più piccolo? In fondo si tratta del vostro secondo giro promozionale in Europa.
T.: Perché principalmente c’erano date in città in cui non avevamo ancora suonato oppure dove non abbiamo suonato per diversi anni, il programma rientrava perfettamente negli impegni da noi già programmati e poi si trattava di un tour formato da solo due band che noi preferiamo di gran lunga rispetto ad uno formato da quattro band, credo che sia molto più semplice. Quindi con il tour precedente di spalla agli Arch Enemy, più direzionato verso un mercato di “serie A” e il presente per un mercato di “serie B”, abbiamo cercato di coprire quanto più possibile tutta l’Europa.

R.G.: Il mio interrogativo voleva arrivare proprio qui, ci saremmo appunto aspettati che dopo un tour di supporto ad una band di “serie A“ magari sareste tornati a viaggiare in vesti di headliner.
T.: In realtà non sappiamo neanche noi risponderti a questo quesito, certamente saremmo potuti tornare come headliner promuovendo questo nuovo album, ma abbiamo pensato che non fosse ancora il momento giusto per farlo, vorremmo che la gente ascoltasse l’album bene e più volte affinché tutti conoscano le nuove canzoni così magari avrebbe più senso per noi partire per un tour del genere. Quindi la nostra idea è stata quella di coprire tutta l’Europa per poter avere nuovi fan in posti in cui non avevamo ancora suonato con questo tour e far ascoltare i nuovi brani ad un pubblico maggiore con il tour di supporto agli Arch Enemy affinché il nostro eventuale tour da headliner possa riscontrare un buon successo.

R.G.: Quindi da ciò che avete avuto modo di notare dai vostri live, siete soddisfatti dal risultato ottenuto da “Down Below“?
T.: Per il momento ho visto tante buone recensioni sul web, sembra che le cose si stiano muovendo per il verso giusto, come è accaduto anche per il precedente The Children Of The Night con le sue buone recensioni e sono veramente fiero di questo. Poi ho anche notato che dal vivo, ogni sera, un buon numero di persone nel pubblico canta insieme a noi i brani nuovi, quindi ciò mi lascia sperare che la gente abbia apprezzato il nostro lavoro e che l’album venga acquistato (Ride, ndr).

R.G.: I vostri dischi, pur mantenendo un timbro personalissimo risultano tutti diversi tra loro e, con l’ultimo “Down Below“ sembra che vi stiate allontanando sempre più da ciò che potrebbe essere etichettato come metal. Per te quali sono le principali differenze tra il vostro ultimo disco e il precedente “The Children Of The Night“?
T.: Prima di tutto è diverso perché volevamo cambiare genere, il nostro intento è di esplorare fino a che non moriremo (ride, ndr), non vogliamo rimanere bloccati in un genere, altrimenti il pubblico si aspetterebbe ogni volta un album che suoni allo stesso modo o quasi, come per esempio accade per band come AC/DC o Iron Maiden ma noi non siamo così grandi! Quando abbiamo realizzato The Horror eravamo molto giovani, è stato il nostro primo album e al tempo eravamo molto più fissati con il death metal. Quando invece invecchi diciamo che maturano anche i tuoi gusti musicali e per esempio oggi noi ascoltiamo di tutto, dai The Beatles fino ai Morbid Angel. Forse il motivo principale per cui cambiamo il nostro sound è per sfidare noi stessi, provando a creare un nuovo stile ogni volta. Io personalmente mi ritrovo in pieno nel sound del nostro ultimo album, non credo che abbiamo fatto grandissimi cambiamenti da The Children Of The Night. Direi che il nuovo album sia più pesante nel sound rispetto al precedente e risente di una massiccia influenza “italiana” come l’utilizzo delle melodie di piano che ricordano molto i film horror di Dario Argento, quindi c’è sempre una componente horror nel sound ma in chiave diversa rispetto al passato.

R.G.: Mentre sul precedente avevate fatto un tributo ai primi film horror come Nosferatu e le sue melodie sinistre…Ma dato che hai citato l’orgoglio nostrano Dario Argento, sei fan dei film horror italiani?
T.: Sì, sono un fan dei film horror in generale, io e Adam guardiamo un sacco di film horror e uno dei primi film horror visti insieme è stato proprio uno italiano. Credo che nel cinema horror italiano ci siano più mostri rispetto a quello americano e tutto viene curato nei minimi dettagli, soprattutto l’ambiente affinché tu possa sentirti realmente all’interno dell’orrore. Queste sono sensazioni che non riesci ad avvertire attraverso la visione di titoli di Hollywood ma che invece riesci a sentire con un film italiano, spagnolo o per esempio polacco.

R.G.: Quindi come è nata l’idea di rendere omaggio a questo tipo di cinema attraverso il vostro ultimo disco?
J. A. : Sai, è molto difficile spiegare come sia andato il processo di composizione, ci facciamo semplicemente trasportare dalla musica senza avere alcun programma, non pensiamo a come dovrà essere un disco prima della sessione in studio. Quando arriviamo alla fine della sessione studio restiamo stupiti dal risultato ottenuto, il passo successivo è pensare a come confezionarlo, quindi tra le altre cose ci dedichiamo alla parte dell’artwork che in questo caso è stato di stile gotico: il Gargoyle di pietra, il colore rosso acceso, la città di Stoccolma sullo sfondo. Quindi Down Below è stato un lavoro musicalmente spontaneo, mentre per quanto riguarda la scelta dei titoli dei brani, ci lavoriamo pensandoli singolarmente ma è molto strano perché il grande feeling a livello artistico che c’è tra noi membri spesso ci fa ritrovare a pensare nomi molto simili, quindi non è difficile questo passo.

R.G.: Quindi sì il vostro sound nascerà anche spontaneo ma secondo voi quale è il marchio che contraddistingue la vostra musica? Il vostro è un sound unico come per esempio quello dei Katatonia o Opeth. Quale pensi sia la particolarità marchio di fabbrica dei Tribulation?
T.: Credo che esistano elementi comuni che collegano tutti i nostri dischi da The Horror fino a Down Below e penso che si possa riscontrare nelle atmosfere, gli elementi horror e se volessimo invece parlare dalle nostre produzioni più recenti credo che questo sia dato dal nostro sound vero e proprio. Penso che sia il mescolare il gotico con tutto quello che sentiamo e proviamo a sperimentare. È veramente difficile riuscire a catalogare la nostra formula, io credo che si tratti di un hard rock con influenze death metal, gothic e tutto il resto! (Ride, ndr)

R.G.: La prima volta che ho ascoltato il vostro ultimo “Down Below“ è stato il giorno dopo aver visto al cinema La Forma Dell’Acqua, ultimo film di Guillermo Del Toro, ascoltando la strumentale Purgatorio del vostro disco ho pensato che fosse proprio la colonna sonora del film, l’ho associata proprio a quell’atmosfera fiabesca e sinistra. Avete mai pensato di scrivere una colonna sonora per un film horror?
T.: A noi piacerebbe tantissimo poter fare una cosa del genere, credo che la nostra musica possa essere perfetta per accompagnare un film horror e registi come Guillermo Del Toro credo che siano capaci di realizzare la giusta atmosfera sinistra. Io sono l’unico della band ad aver visto il film, di noi io sono quello che vede più film, soprattutto gli ultimi usciti, penso che anche Il Labirinto Del Fauno contenga la stessa oscurità molto affine al nostro sound. Del Toro credo che abbia realizzato molti bei film, alcuni anche più divertenti come Hellboy, è un regista che riesce ad essere tanto serio quanto divertente. Ma ti ripeto, sarà per le sue atmosfere particolari, affascinanti, sinistre, non reali, per le sue creature e per il concetto di paura dell’ignoto credo che sia molto affine al nostro concetto di horror.

R.G.: E se tu dovessi scegliere un regista in attività con cui lavorare per un’ipotetica colonna sonora di un film, chi sceglieresti?
T.: Il mio regista preferito in assoluto è Ridley Scott, sarà anche una risposta noiosa, però i suoi primi lavori sono fantastici, prendi per esempio il primo Alien, uno dei miei film preferiti, che tra l’altro è anche un film horror. In Alien l’oscurità è spaventosa, il modo in cui è stato realizzato il film, affinché non si veda l’alieno fino alla fine rappresenta in modo perfetto la paura dell’ignoto ed è proprio ciò che mi affascina di più. Quindi lavorare con Ridley Scott sarebbe un sogno ma anche lavorare con Dario Argento se fosse ancora in attività o magari lavorare con sua figlia e ciò sarebbe anche fare qualcosa di nuovo. Sì, credo che lavorare per un film horror italiano sarebbe bellissimo.

R.G.: Cosa dovremmo aspettarci dal vostro futuro?
T.: A livello musicale non saprei dirtelo, può darsi che continueremo su questa nostra linea stilistica come potremmo sperimentare ulteriormente e lasciarci influenzare da altri stili, nessuno può saperlo. Per quanto riguarda il futuro più vicino posso dirti che avremo un gran da fare: visiteremo il Sud America per la prima volta come anche la Turchia, poi ritorneremo ancora negli States e poi vedremo, quando l’interesse del pubblico scenderà nei confronti di questo ultimo album allora ne registreremo un altro e daremo vita ad un nuovo capitolo nella storia dei Tribulation.

R.G.: Grazie di tutto Johannes!
T.: Grazie a voi!

Intervista a Ozzo

Siamo al Rock’n’Roll di Rho (MI) per il release-party di Ozzo, poliedrico artista con in passato esperienze con Mellowtoy e soprattuto Audrey, che presenta #Past Is Lost, suo EP d’esordio di questo nuovo progetto solista. Lo abbiamo incontrato per farci raccontare cosa lo ha spinto in questa nuova direzione musicale.

R.G.: Ciao Ozzo e bentornato su RockGarage!
O.: Ciao e bentrovati a voi!

R.G.: Eravamo rimasti agli Audrey, cosa è successo in questo periodo?
O.: Guarda, in questi anni ci sono state diverse sensazioni; inizialmente ho avuto un periodo di totale rifiuto della musica, nel senso che proprio non volevo più saperne. C’era il progetto Audrey, che stava andando molto bene nei parametri che riguardano l’underground, ma quella magia che si era creata tra di noi iniziava a mancare, e si faceva fatica ad andare avanti. Ho aspettato ma niente. Poi un anno e mezzo fa mi sono regalato per il mio compleanno l’uscita di Nothing But You, un mio pezzo che ho presentato facendo dj set qui al Rock’n’Roll di Rho, convinto da amici che lavorano qui che mi pregavano di non rimanere fuori dall’ambiente musicale. Il pezzo ebbe un pessimo riscontro su Youtube e simili, ma il caso ha voluto che è stato preso per una pubblicità. Questo mi ha fatto riflettere, fino a che parlando con Alessio (Corrado, voce del progetto ndr) che si è proposto per cantare i miei brani. Gli dissi che, al momento, avevo solo quel brano, ma è proprio lì che inizia la genesi di #Past Is Lost, il mio EP che presento stasera.

R.G.: Allora direi che è giunto il momento di parlarcene, no?
O.: Questo EP ha un filo conduttore, nel senso che arrivano quei momenti dove quando stai per esplodere devi sfogarti e devi in qualche modo “confessarti”. La musica per me è sempre stata una valvola di sfogo, sin dalla scomparsa di mio padre, e questo EP non è altro che uno sfogo, figlio di anni passati lontani dalla musica, e di alcuni errori che ho fatto. Il filo conduttore principale di questo lavoro è quello di capire se tutto ciò che ti trascini ti porta ad un’evoluzione, un cambiamento, ma correndo il rischio di tornare anche al passato.

R.G.: Ho notato che l’EP esce con diverse copertine, come mai questa scelta?
O.: Diciamo che questa scelta è dettata da un vezzo personale; io lavoro nel campo della grafica da diversi anni e questo mi ha consentito di “giocare” un po’ su questo aspetto, le copertine che vedi sono semplicemente dei fotogrammi tratti dal mio video As Fast As You Can, che rappresentano lo stato, la catarsi e la paura.

R.G.: La scelta di realizzare un EP piuttosto che un full-lenght è dovuta al numero dei pezzi che avevi a disposizione?
O.: Oltre ai sei brani presenti nel disco avevo altri pezzi a disposizione, ma ho preferito ragionare sul pubblicare poco alla volta. Sono dell’idea che è già un azzardo aver scelto questa strada, considerato il mondo da cui vengo. Vi confesso: mi piace l’elettronica, la dance, e mi piace far “muovere i culi”, cose che nelle precedenti band in cui ho suonato non potevo fare. Ci tengo poi a sottolineare che questo, nonostante porti il mio nome, non è un progetto solista. Alessio mi ha consigliato di tenere il nome Ozzo, che è quello che ho da anni in questo ambiente, ho anche una linea di abbigliamento con questo nome. Gli altri che suoneranno con me hanno diverse esperienze alle spalle: Riccardo, il batterista, ha fatto con me alcuni live con gli Audrey, Picci, il bassista, lo conosco dai tempi dei Mellowtoy.

R.G.: I riferimenti musicali, anche da quello che ci dici, sono tanti, ma come ti definiresti se vogliamo parlare di generi?
O.: Bella domanda! Io adoro la dubstep e tutto ciò che è trap. Il problema è che se oggi dici trap in Italia la gente pensa a Sfera Ebbasta, però io questi generi li ascolto da tantissimi anni, e sono generi e stili che mi hanno sempre affascinato.

R.G.: E a che genere di pubblico ti rivolgi con questo nuovo progetto?
O.: Guarda, solo un curioso può avvicinarsi a questo sound, probabilmente in Italia neanche c’è un pubblico per questo genere, e sicuramente non è neanche il pubblico che avevo con i miei precedenti progetti musicali. Lo scoprirò probabilmente dopo il live di stasera. I riscontri sono stati diversi, As Fast As You Can è stata comprata da una multinazionale straniera come colonna sonora di una pubblicità, cosa che non sarebbe potuta avvenire in Italia per via di queste sonorità. Nei primi approcci che ho avuto con alcune radio, le stesse mi hanno detto che non sono interessate perché non riuscirebbero a giustificare la “pesantezza” del mio sound. Io punto sulla curiosità, sperando di suscitarla a chi mi ascolta.

R.G.: E con questo nuovo genere secondo te avrai più o meno difficoltà nella ricerca di date e spazi dove esibirti?
O.: Secondo me lo scopro stasera. Inizialmente pensavo di portar sul palco una batteria elettronica, ma mancandomi da tanto il palco, mi manca anche una batteria che spinge da dietro, quindi abbiamo deciso, non di ri-arrangiare, ma di suonare i pezzi. E devo dire che i pezzi suonano come se fossero nu metal. Quindi vedremo!

R.G.: Musicista, dj, fotografo, video maker, grafico..c’è qualcosa che vorresti ancora sperimentare in questo ambito?
O.: Guarda, con questo progetto credo di, perdona il concetto, di “averla fatta fuori dal vaso”. Ti dirò, avrei voluto esasperare lo show di stasera, magari suonando alcuni pezzi da dj assieme al batterista togliendo live le tracce, ma forse mi è mancato il coraggio di arrivare fino in fondo. Avevo anche l’idea di fare degli intermezzi di dj set tra un brano e l’altro ma non ho voluto esagerare perché questo di stasera non credo sia il target adatto, però posso dirvi che ci sarà un intro di 3 minuti, dove ho remixato un pezzo dei Prodigy.

R.G.: E quindi cosa ti aspetti dallo show di stasera?
O.: Che la gente abbia voglia di ballare!

R.G.: Grazie dell’intervista e buon concerto!
O.: Grazie a voi!

Intervista ai Dimmu Borgir

Sono passati ben otto anni da quando i norvegesi Dimmu Borgir hanno rilasciato Abrahadabra, disco che ha mostrato un cambiamento drastico nel sound della band nordica, mantenendo il loro stile ma muovendosi su lidi più epici con una buona dose di elettronica, adottando un songwriting differente rispetto a quello a cui tutti noi eravamo stati abituati fino al precedente In Sorte Diaboli. Oggi siamo nel 2018 e la band ha deciso finalmente di rilasciare un nuovo capitolo discografico, il suo titolo è Eonian e vedrà la luce proprio in questi giorni, un disco complesso e molto ispirato che segue la scia del precedente ma con cui la band pare sia riuscita a mettere in risalto in maniera decorosa tutte le idee sviluppate nel corso degli ultimi anni. Dopo aver gustato per bene l’ascolto di Eonian, in occasione di un promo day in Italia, abbiamo avuto l’occasione di incontrare Shagrath, frontman della band, con cui si è chiacchierato su presente, passato e futuro della sua band.

R.G.: Il quattro maggio uscirà “Eonian“, riusciresti ad introdurre questo nuovo album ai nostri lettori?
S.: Si tratta di un disco basato sulla storia della band, per spiegarvi meglio, ha molti collegamenti a determinate aree della band sviluppate nel corso dei nostri venticinque anni di storia, come una sorta di celebrazione di questo lungo periodo di esistenza. Si tratta di un prodotto che contiene molti elementi di varia natura, frutto dei Dimmu Borgir dell’ultimo periodo, di sperimentazione combinato a qualche elemento del nostro passato confezionato con un songwriting di alta qualità secondo me. E’ ricco di elementi interessanti, probabilmente è un prodotto che non verrà apprezzato a primo ascolto ma che richiede cinque ascolti, magari per potervi aprire sempre più porte.

R.G.: Sì, sicuramente il disco non è facile da assimilare ma personalmente credo che si tratti del disco migliore che avete realizzato in questo ultimo vostro periodo di sperimentazione stilistica.
S.: Credo che questo disco, ciò che dirò può essere un cliché, ma questo disco si tratta di una pietra miliare nella nostra storia: è stato pensato e studiato nei minimi particolari e sviluppato in tutti i suoi dettagli. Se io volessi menzionare tre aree importanti della nostra carriera sarebbero Enthrone Darkness Triumphant, Death Cult Armageddon e Eonian. Credo che questi siano tre pilastri fondamentali nella nostra carriera.

R.G.: Ed è da questo che nasce il titolo “Eonian“, ovvero qualcosa realizzato per rimanere in eterno?
S.: Eterno, illusione del tempo, costante, indefinito. Insomma abbiamo pensato fosse una buona parola per poter rappresentare, questo non puramente concept album, penso che sia la parola chiave per molti contenuti nei testi dei suoi brani, che trattano di concetti metafisici. Scavando a fondo tra i testi del disco ci sono molti elementi interessanti da scoprire come per esempio il concetto di ‘tempo’ che di per sé non esiste perché in un’altra dimensione, pensando agli universi paralleli, il tempo non esiste, e questo è solo un esempio tra i vari soggetti dei testi del disco.

R.G.: Con questa nuova strada è come se il satanismo e l’oscurità dei vostri testi siano mutati in qualcosa di nuovo.
S.: Diciamo che non è che siano proprio mutati, si può dire che siano ancora tutt’ora presenti ma un po’ più camuffati, bisogna interpretarli per comprendere. Mentre in passato, in alcuni album, eravamo più diretti, impossibile non citare quel ‘hail Satan!’ del lontano novantasei (ride, ndr) oggi l’oscurità esiste, è ancora ben presente nella nostra musica.

R.G.: Ma facciamo un passo indietro e parliamo di “Abrahadabra“, il disco precedente con cui avete intrapreso questa nuova strada. Ormai sono passati otto anni dalla sua uscita, personalmente non l’ho ritrovato proprio brillante come disco, però oggi capisco quanto sia stato un tassello importante per voi, intraprendendo la strada della sperimentazione che vi ha portati a realizzare “Eonian“. Cosa ne pensi oggi del vostro precedente lavoro?
S.: Ognuno ha una diversa opinione a riguardo ma per me resta ancora un grande album e un buon successo nella storia dei Dimmu Borgir: le canzoni sono state ben scritte, il concept è fantastico e come pacchetto credo sia veramente unico se paragonato ad altre band del genere. Se oggi potessi tornare indietro e cambiare qualcosa forse lo farei nel processo di missaggio però sai, spesso non si ha disposizione tutto il tempo e il giusto budget per poterci ragionare su alla perfezione e quindi è stata una grande sfida per noi riuscire a sistemare un’orchestra di cento elementi su un album. Sai, hai sei persone in una band e un’orchestra e ti ritrovi a mixare tutto questo in uno studio. Il lavoro svolto insieme a Andy Sneap in Inghilterra non è stato affatto semplice, ha rappresentato una vera e propria sfida, certamente abbiamo fatto del nostro meglio e sperato che andasse tutto per il meglio. Non si è trattato del disco più venduto della nostra carriera ma rappresenta comunque un grande successo nel nostro libro e lo stesso vale per il presente Eonian, io e Silenoz, una volta completato, ci siamo guardati in faccia e abbiamo entrambi pensato di aver fatto un gran lavoro, il meglio che potessimo fare. Per noi è molto importante progredire, fare qualcosa di fresco e nuovo da rilasciare sul tavolo ogni qualvolta realizziamo un disco, non vogliamo essere ripetitivi né tanto meno tornare indietro nel tempo in un certo episodio solo perché è stato un successo. Prendiamo per esempio Enthrone Darkness Triumphant che è stato un ottimo successo per noi e anche per le vendite, non avrebbe alcun senso per noi tornare indietro a quelle sonorità e realizzare un “Enthrone parte seconda”, potrebbe essere molto facile per noi ma non lo facciamo perché non è una cosa che verrebbe dal cuore, noi vogliamo evolverci in nuovi territori.

R.G.: E quindi, come è nata l’idea di realizzare nuovamente “Stormblåst“ qualche anno fa?
S.: E’ stata una cosa molto importante per me e Silenoz ri-realizzare quel disco e adattarlo ad un sound migliore perché all’epoca avevamo troppo poca esperienza in studio e l’ingegnere del suono che ha lavorato con noi al tempo non aveva alcun interesse nella buona riuscita dell’album. Io credo che si trattasse di un grande disco, conteneva molti approcci chitarristici differenti rispetto a molte altre band all’epoca, quindi la musica era ottima ma la produzione era veramente pessima, quindi non rendeva giustizia all’opera. Per questo motivo per noi è stato molto importante rifare il disco successivamente con un suono migliore e migliorandolo in alcuni dettagli, per essere così un disco completo.

R.G.: Quindi eravate pienamente soddisfatti del risultato del vostro debut “For All Tid“?
S.: Se oggi rilasciassimo un disco come For All Tid a nessuno importerebbe (ride, ndr) ma per l’epoca ha rappresentato un gran bel disco, molto importante per la nostra storia, diverso dalle proposte delle band del genere e conteneva delle atmosfere interessanti seppur amatoriali ed eravamo più contenti del suo risultato rispetto al successore. Stormblåst venne realizzato in un altro studio, con un ingegnere del suono diverso e si sentiva troppo la mancanza delle giuste atmosfere nella versione originale e questa è una cosa che ci è sempre pesata molto nel corso degli anni. Quindi, quando abbiamo avuto il tempo per farlo, nel 2005, abbiamo lavorato insieme a Peter Tägtgren nei suoi Abyss Studio e siamo molto più contenti di quest’ultima versione. Molte persone ci hanno detto di preferire la versione originale, io rispetto la loro opinione ma noi preferiamo la nuova versione.

R.G.: Con “Abrahadabra“ avete dato inizio a questa vostra nuova era, poi, dopo circa otto anni di silenzio discografico siete ritornati con “Eonian“, cosa è successo nel corso di questo periodo?
S.: Questa forse è la vostra prospettiva! (ride, ndr) Sì, forse per voi esperti del settore e per i nostri fan questo è stato un lungo periodo di attesa per un nuovo disco ma non siamo stati pigri e abbiamo lavorato costantemente dal 2010, quando è uscito Abrahadabra. Abbiamo girato per tutto il mondo in tour per quattro anni per la promozione di quel disco, quindi diciamo che abbiamo avuto quattro anni di tempo perché non componiamo quando siamo on the road. La musica dei Dimmu Borgir è molto complicata e non viene scritta semplicemente sedendosi a tavolino, necessita di mesi per poter avere una canzone completa. Quindi abbiamo passato questi quattro anni tra festival e tour vari, poi ci siamo dovuti prendere del tempo per riflettere sulla direzione che avremmo voluto prendere con la band e cosa volessimo fare, abbiamo anche dovuto cambiare qualche partner lavorativo, prendere nuovi accordi discografici e necessita tempo per sbrigare tutto ciò. Sai, abbiamo passato un periodo molto intenso, siamo stati alle prese sempre con vari impegni legati ai Dimmu Borgir, tutto scorre molto velocemente con la nostra band: studio, live. Fare entrambe le cose costantemente può essere molto stressante e quindi avere sempre una deadline può essere evidente all’interno del disco, che questa scadenza sia incisiva sulla qualità di ciò a cui stai lavorando. Quindi questa volta è nato tutto dalla nostra scelta di voler fare un nuovo disco, decisione presa tre anni fa e credo che, ascoltando le canzoni del disco, si possa notare quanto ci siamo dedicati a curarle in tutti i dettagli, non esiste altro album così pieno come Eonian, si tratta di dieci fortissimi brani. Questo secondo me è stato frutto della nostra decisione di non avere delle scadenze, abbiamo avuto tutto il tempo a nostra disposizione per poter realizzare i brani dettagliatamente nella fase di pre-produzione, tutto era già pronto quando abbiamo deciso di prenotare lo studio e quindi iniziare a sentire la pressione di completare il lavoro. Questo è stato il modo giusto di lavorare secondo noi, perché le cose sono state molto più frettolose in passato.

R.G.: Una cosa che ho subito notato dal primo ascolto è che fondamentalmente siete tornati ad essere concettualmente una band black metal, in questo disco esiste la presenza dell’epicità di cui era ricca il precedente ma avete lavorato su basi differenti.
S.: Sì, possiamo dire che le sessioni per comporre Abrahadabra siano state basate principalmente su un lavoro di tastiere e quindi strutture realizzate su questo tipo di base che successivamente sono diventate parti sinfoniche, mentre per Eonian la struttura delle canzoni è stata realizzata principalmente da un lavoro di chitarre. Quindi si tratta di un prodotto nato tramite un lavoro chitarra ma ci sono lo stesso degli elementi orchestrali all’interno dei brani. Generalmente, ascoltando l’opera completa puoi renderti conto di quanto questa volta sia stata orientata dalle chitarre. Credo che, dopo l’uscita di Forces Of The Northern Night che è stato proprio il vero e proprio nostro capitolo orchestrale, abbiamo pensato fosse il momento giusto per ritornare alla band e realizzare brani in questo modo e a realizzare noi stessi le orchestrazioni di cui avevamo bisogno. Oggi i suoni campionati hanno una buona resa al punto di riuscire quasi ad emulare il suono di una vera e propria orchestra, quindi questo è quello che abbiamo fatto, cercando di accontentare tutti i nostri gusti e di mettere in pratica le nostre idee. Sai, mettere d’accordo sei persone con opinioni differenti non è semplice ma è importante fare qualcosa che soddisfi a pieno tutti noi. Abbiamo inoltre cercato di imparare dai nostri errori commessi in passato quando siamo stati in studio, quindi cercato di pianificare tutti i dettagli del suono: dagli amplificatori da utilizzare, corde di basso e chitarre, pelli della batteria. Tutte queste cose sono state ben pensate in base alla resa sonora desiderata, per questo credo che, essendo andati così a fondo nello studio dei particolari che siamo riusciti ad ottenere un buon risultato questa volta. Quindi per noi puoi capire quanto questo disco sia già un grande successo, siamo veramente felici del risultato ottenuto, i Dimmu Borgir non confezionano musica, noi facciamo musica perché ne siamo appassionati, se siamo in giro da venticinque anni è proprio per questo motivo, è la passione che ci spinge a farlo. Sì, è ovvio che speriamo che alla gente piaccia ciò che noi scriviamo ma non a tutti può piacere, nel caso non vi piacesse vi suggerirei quindi di ascoltare qualche altra cosa ma questo è ciò che noi facciamo! Per noi rappresenta qualcosa di autentico e cerchiamo sempre di realizzare qualcosa di nuovo e fatto con il cuore.

R.G.: Ma parliamo anche dei Chrome Division, il tuo side-project con cui sei anche stato concentrato negli ultimi anni.
S.: Sì, abbiamo già un nuovo album pronto, che sarà il quinto album della nostra carriera che verrà rilasciato da Nuclear Blast probabilmente alla fine di quest’anno. Il disco è pronto, già registrato e necessita soltanto di essere mixato. Abbiamo bisogno di tempo per ultimarlo dato i nostri attuali impegni: io con i Dimmu Borgir e gli altri membri con il loro lavoro e chi con le loro band. Si tratta di un progetto parallelo perché amiamo il rock’n’roll e per me ogni tanto è rinfrescante lavorare con altri musicisti e realizzare musica più semplice, è come se fosse quasi una terapia (ride, ndr) per fare qualcosa di diverso e trovare poi la carica per ritornare a lavorare con i Dimmu Borgir. Si tratta di musica più grezza, semplice, quasi primitiva, è divertente potersi ritrovare in sala prove e riuscire a scrivere una canzone tutti insieme nel corso di un giorno o anche solo quattro ore. Qualcosa di più spontaneo insomma, mentre il lavoro con i Dimmu Borgir è molto diverso ma mi piacciono entrambe le cose. Sono un grande appassionato di rock’n’roll e non voglio inserire questo stile di musica all’interno dei lavori con i Dimmu Borgir perché credo stonerebbe e lo stesso vale per Silenoz e il death metal che invece sfoga nel suo progetto Insidious Disease perché crediamo entrambi che sarebbe sbagliato inserire parti di questi generi nel nostro sound. Ecco perché abbiamo deciso di avere questi progetti separati.

R.G.: Ascoltando il vostro album però ho pensato che il riff portante di Ætheric fosse appunto stato partorito dalla parte più rock’n’roll di te.
S.: Non credo che quel riff sia propriamente rock’n’roll, lo definirei più catchy metal (ride, ndr) sì comunque credo che in questo caso ci siano dei riff che si avvicinano molto al rock ma è stata merito di Galder (ride, ndr).

R.G.: Quindi per il momento dietro il nome Dimmu Borgir restano ufficialmente tre componenti, giusto?
S.: E’ stato importante per noi far capire al pubblico che esistono tre membri principali della band che si occupano di scrivere la parte principale della musica perché è sempre stato così: Silenoz è al mio fianco da venticinque anni e Galder invece è arrivato qualche tempo dopo ma siamo i principali songwriters. Attualmente abbiamo la line-up più duratura nella storia dei Dimmu Borgir, Daray alla batteria suona con noi da otto o nove anni e anche Gerlioz alla tastiere e hanno anche dato un’impronta su questo disco inserendo dei loro elementi ma la struttura principale dei brani è stata realizzata da noi tre. Ora è giunto il momento di inserirli un po’ di più nella band, quindi nelle foto e nel concept del disco. Non so come spiegartelo ma bisogna iniziare da qualche parte, migliorarsi e crescere e questo vale per qualsiasi tipo di business al mondo: se tu iniziassi a lavorare per uno studio di avvocati partiresti servendo i caffè, facendo un buon lavoro acquisiresti mansioni migliori da svolgere. Con i Dimmu Borgir siamo stati molto attenti nella scelta di aggiungere nuovi membri alla band perché abbiamo avuto molti cambi di line-up nel corso degli anni ma abbiamo avuto modo di notare l’ottimo lavoro da loro svolto, tutta la passione che ci mettono e siamo diventati anche molto amici. Una cosa molto importante che la gente dovrebbe capire è quando si pensa ad una band: essere un musicista o suonare molto bene uno strumento è solo una piccolissima parte di quello che vuol dire suonare in una band. Questa è una cosa che molte persone dovrebbero capire, pensandola in quel modo è come se dimenticassero alcuni aspetti di una band. Alcune persone dovrebbero capire che questi cambiamenti in line-up sono stati fatti per determinate motivazioni che solo guardando dalla nostra prospettiva riuscirebbero ad essere chiare. Se non avessimo fatto dei cambiamenti forse la band non sarebbe più esistita, abbiamo dovuto fare in modo che la band potesse andare avanti.

R.G.: Con questa tua risposta mi hai voluto un po’ parlare del vostro passato, quindi la mia curiosità mi spinge a chiedere se avete sempre lavorato in questo modo oppure in passato lavoravate in maniera differente. Quanto contributo hanno dato alla vostra musica i vostri ex-membri come Mustis o ICS Vortex?
S.: Sì, la band esiste da molto più tempo prima che Mustis o Vortex abbiano iniziato a comparire nelle foto della nostra line-up (ride, ndr). Mustis ha fatto molto lavoro addizionale ma non è mai stato uno dei principali songwriter, come tutti i nostri ex-membri hanno dato molti input e quindi influenzato la nostra musica, d’altronde se fossimo stati sempre io e Silenoz a scrivere, i brani avrebbero avuto tutto un altro sound. Certamente noi diamo credito a questi personaggi per aver dato il contributo dato alla nostra musica ma siamo stati sempre noi il centro principale della band, mi viene difficile da spiegarlo ma spero che sia stato chiaro.

R.G.: Quindi, per concludere, dove potremmo ascoltare questo vostro nuovo album dal vivo prossimamente?
S.: Stiamo programmando tutto in questi giorni, inizieremo con una manciata di esibizioni presso alcuni festival selezionati, il primo sarà a Montréal, Canada, rappresenterà lo show di debutto in supporto a Eonian e successivamente qualche altro festival, poi partiremo alla volta di un tour europeo e cercheremo di essere ovunque vorremo essere!

R.G.: Ok grazie Shagrath.
S.: Grazie a voi!

Intervista ai Wolf Theory

Nati dalle ceneri di precedenti progetti, tra cui Mellowtoy ed Exilia, abbiamo incontrato i Wolf Theory, band nata pochi mesi fa, ma che ha già realizzato un EP, intitolato Hate & Love (recensito da noi a questa pagina). Seduti ad un tavolo del Rock’n’Roll di Rho (MI), Emi Camellini (cantante), Elio (chitarrista) e Random (bassista) ci hanno raccontato di questo nuovo progetto, dai primi passi, fino agli obiettivi futuri.

R.G.: Ciao e benvenuti, o bentornati, su RockGarage!
W.T.: Ciao e grazie!!

R.G.: Emi, partiamo da una data: 23 dicembre 2016, cosa ti viene in mente?
W.T.: 23 dicembre 2016…sì, l’ultima data con i Mellowtoy.

R.G.: Il mattino dopo che pensieri, sensazioni o sentimenti provavi?
W.T.: Una sensazione molto strana, ma allo stesso tempo ero sereno, perché la fine dei Mellowtoy è arrivata senza alcun conflitto tra di noi; con alcuni degli altri membri ci vediamo sempre: con Titta (ex-chitarrista dei Mellowtoy ndr) ci lavoro, Picci (ex-bassista dei Mellowtoy ndr) suonerà dopo di noi stasera. Tra di noi non ci sono stati grossi problemi, evidentemente il periodo dei Mellowtoy doveva finire lì.

R.G.: Ora però ci sono i Wolf Theory. Raccontaci un po’ la nascita di questo nuovo progetto.
W.T.: I Wolf Theory nascono quasi per caso; il progetto nasce da Elio e Random. Un giorno ci siamo incontrati per caso in una sala prove, io ero con Teo (fratello di Emi, nonché batterista dei Wolf Theory ndr) e Gabriel dei Destrage per un’altra idea musicale, ci siamo messi a parlare dei nostri progetti musicali davanti alla macchinetta del caffè ed il giorno dopo Elio mi ha chiamato per chiedermi di incontrarlo. Considerato che faccio anche l’agente booking ho pensato che il motivo fosse legato a questo lavoro, ed invece Elio mi ha parlato di questa nuova idea, proponendo dei pezzi sia a me che a mio fratello Teo, io ovviamente gli ho chiesto del tempo per ascoltare e valutare, anche perché si trattava del mio primo progetto come cantante solista dato che coi Mellowtoy ho sempre cantato assieme ad un altro vocalist. Nonostante avevo promesso a me stesso che per un bel po’ di tempo non avrei fatto niente di questo tipo, la cosa mi stimolò sin da subito.

R.G.: Ma nonostante l’entusiasmo iniziale, presumo che vi sarete confrontati sugli obiettivi di questo nuovo progetto.
W.T.: Ovviamente, non siamo degli sprovveduti, come dicevo prima il tutto nasce quasi casualmente ma non l’abbiamo preso totalmente come fosse un gioco. Allo stesso tempo ci abbiamo lavorato con serenità, senza alcuna ansia da prestazione. Ci siamo detti “proviamoci”, “lavoriamoci” e “proponiamo agli addetti ai lavori”; difatti in realtà su di noi in rete troverai solo un video del nostro pezzo Joker ma con l’immagine fisse della copertina del nostro EP. Per nostra scelta non troverai nulla su Spotify o su altri portali, anche perché stiamo valutando alcune proposte che ci sono arrivate, ma che per il momento preferisco non svelare.

R.G.: Ma queste proposte al momento condizionano il vostro percorso? O meglio: vi siete posti degli obiettivi, ad esempio, da qui a un anno?
W.T.: Ci condizionano ma in parte; ho sempre lavorato nella musica, è sempre stata la mia passione, e per me è un immenso piacere lavorare con Elio e Random. Se abbiamo fatto un determinato tipo di mosse è proprio perché vogliamo avere un certo tipo di riscontro, che magari arriverà tra un anno o due questo non so dirtelo. Se poi non succede nulla andremo avanti comunque, anche se devo dire che le date che abbiamo fatto finora sono andate davvero bene a livello di pubblico; mi fa davvero piacere ritrovare un pubblico che ha la curiosità di venire a vedere e ascoltare qualcosa di nuovo ed è una cosa che ci dà ancora più carica.

R.G.: Parliamo ora del vostro EP “Hate & Love”, se ho ben capito i pezzi erano già in fase di gestazione prima che nascessero i Wolf Theory giusto?
W.T.: (risponde Elio ndr) Sì più o meno, c’era una sorta di figura del brano, ma che poi ovviamente è stata modellata da tutti e quattro, perché sono dell’idea che in una band non può esistere un unico membro a fare tutto; il nostro è stato un lavoro condiviso al 25% per uno nonostante ci fosse già una base di partenza. (risponde Emi ndr) Elio ci ha regalato delle perle musicalmente parlando, il grosso del materiale l’ha fornito lui, poi ovviamente noi ci abbiamo lavorato tutti assieme.

R.G.: Immagino che con il genere di sound proposto stiate guardando anche oltre i confini italiani, parlo sia per il disco che per concerti.
W.T.: (risponde Random ndr) Per quanto riguarda il mercato discografico ci stiamo accorgendo, vuoi per l’esperienza che noi tutti abbiamo dai nostri precedenti progetti, che il mercato italiano non fa per noi, purtroppo in Italia gli spazi sono pochi e il grosso della visibilità viene surclassato dai talent show e roba simile. (risponde Emi ndr) Riguardo future date, stiamo lavorando sull’estero per la prossima stagione invernale. Gli U.S.A. sono un obiettivo che noi ci poniamo, non so quanto realizzabile, ma quello che proponiamo guarda verso quella direzione, guarda anche verso l’Europa ma fino a un certo punto, di sicuro non guarda verso il mercato italiano.

R.G.: E questo vi ha condizionato in fase di composizione?
W.T.: (risponde Random ndr) Io sono uno che vive 24 ore al giorno di musica, ascolto di tutto, io penso che oggi in ambito rock/metal i brani devono avere delle melodie molto dense, ritornelli che aprono, e non mi riferiscono solo al territorio italiano ma in generale. Se ascolti ad esempio band come i Bring Me The Horizon senti i ritornelli che sono molto melodici e ti rimangono in testa ed è questa la direzione che noi stiamo prendendo, o meglio, che abbiamo preso.

R.G.: Emi, prima hai accennato anche al tuo lavoro come agente booking, oltre ad essere responsabile di un’agenzia come la Jack Music Agency. In generale che idea ti sei fatto della situazione attuale su questo argomento?
W.T.: Purtroppo è una m…a! C’è poca attenzione, non ci sono canali di diffusione della musica. Con l’età che ho, posso dire di aver vissuto l’epoca di MTV, che era una possibilità. Quand’ero ragazzino adoravo guardare da mezzanotte Brand New che per 2-3 ore ti proponeva musica nuova e ti dava la possibilità di scoprire nuovi artisti. Pensa che noi come Mellowtoy andavamo in “heavy rotation” su MTV il pomeriggio. Una band metal oggi non ha più questa possibilità; le radio web fanno fatica ad affermarsi, le radio tradizionali, tolte alcune rare eccezioni, non proporranno mai questo genere. Il mercato purtroppo è gestito da grossi network che ti dettano quello che tu devi ascoltare. C’è anche da dire che è cambiato il pubblico, ma principalmente sono cambiati i modi per accedere alla musica; il giovane artista ha un pubblico molto giovane e la musica la ascolta da qui (indicando il suo smartphone ndr).

R.G.: E alla luce di questo, con la tua esperienza nel settore e con il tuo lavoro, che consigli daresti ad un ragazzo/a che vorrebbe diventar musicista?
W.T.: Divertirsi senza crearsi troppe aspettative, questo è il primo consiglio. Non avere mai ansie da prestazione, ed approcciarsi verso questa arte divertendosi, senza l’assillo di diventar famoso a tutti i costi, ma dando sfogo alla tua personalità.

R.G.: Grazie ragazzi e buon concerto!
W.T.: Grazie a voi e a RockGarage!

Intervista ai Foredawn

Siamo al Rock’n’Roll di Rho (MI) e a poche ore dal loro concerto abbiamo incontrato i Foredawn, alternative metal band lombarda che da poco ha pubblicato il debut album omonimo. Ai nostri microfoni si sono presentati la cantante Irene Franco e il chitarrista Riccardo Picchi, che hanno risposto così alle nostre domande.

R.G.: Ciao e benvenuti su RockGarage! Direi di iniziare con le presentazioni.
F.: Ciao e grazie! Noi siamo i Foredawn, ci siamo formati lo scorso anno, anche se io (Irene ndr), Riccardo e Mattia (chitarrista ndr) suonavamo assieme precedentemente in un altro progetto, oltre a conoscerci da circa 4 anni. In seguito si è aggiunto mio fratello Ivan (batterista ndr), e così, con questa formazione, sono nati i Foredawn.

R.G.: Formazione che ha portato anche alla realizzazione di un disco, volete parlarcene?
F.: Certo! Sì è nato un disco omonimo, che stiamo promuovendo con tanto orgoglio. Una domanda alla quale ci risulta sempre difficile rispondere è quella legata al genere che proponiamo: se vogliamo proprio definirci in un solo genere diciamo che siamo una band alternative metal, ma con svariate influenze.

R.G.: Come è avvenuto il processo di realizzazione di questo disco?
F.: Innanzitutto i testi li scrivo io, mentre riguardo la parte musicale/strumentale sono Mattia e Riccardo ad occuparsene. Per questo album abbiamo lavorato dando la precedenza alla parte musicale, sulla struttura in generale, successivamente ho lavorato io alle linee vocali e ai testi.

R.G.: Ed i testi si possono definire autobiografici?
F.: Diciamo che più che autobiografici, parlano delle nostre esperienze. Quando scrivo parlo sì di me, ma cercando sempre di prendere spunto anche da fattori esterni, che possono essere, ad esempio, una frase che mi ha particolarmente colpito tratta da un libro. Un altro esempio che posso farti riguarda la nostra canzone Signs, la cui ispirazione viene da una galleria fotografica che mi colpì molto, in particolare le foto di una ragazza vittima di anoressia sfociata poi in autolesionismo.

R.G.: Prima accennavate alle tante influenze che caratterizzano il vostro sound, fateci magari qualche esempio.
F.: Io ti dico il pop, ma non quello italiano, sono principalmente attratta dal pop americano, Lady Gaga ad esempio, alla fine le mie linee vocali sono molto pop! Per riguarda me (Riccardo ndr) ho iniziato a suonare ascoltando molto metal anni 80, mentre Mattia è più sul rock inglese dei 70’s.

R.G.: Ecco allora come nasce la cover di You Spin Me Round dei Dear Or Alive, insolita per un gruppo giovane come il vostro.
F.: Quella è stata un’idea di Mattia, ce l’ha proposto perché ce l’aveva in mente da tempo e così è nata.

R.G.: Prima avete detto che siete in fase di promozione del disco, come sta andando innanzitutto, e in particolare a livello organizzativo come vi state trovando?
F.: Noi al momento stiamo lavorando con l’agenzia Jack Music Agency e con loro cerchiamo di promuovere al meglio il disco oltre che noi stessi, quindi, attraverso anche l’ufficio stampa che ci segue, ci piace rilasciare interviste che riteniamo un ottimo strumento per promuoverci, ma l’obiettivo principale rimane sempre quello di suonare live il più possibile. C’è stato il nostro release party al Legend Club di Milano lo scorso 24 marzo che è andato davvero alla grande, stasera siamo qui e per le prossime date non dovete far altro che consultare i nostri canali social.

R.G.: Qual è stata la difficoltà maggior che avete riscontrato tra il concepimento dei brani e la pubblicazione del disco?
F.: (risponde Mattia ndr) I nostri brani nascono diverso tempo fa e la difficoltà maggiore credo sia stata quella di farli assimilare ai componenti passati della band, fino a quelli attuali, è stato un percorso inizialmente difficile trattandosi anche, per alcuni, di 5-6 anni fa.

R.G.: E c’è stato un momento in cui avete pensato di non farcela e di mollare tutto?
F.: Sì ad un certo punto arrivi a quel bivio dove o molli o ti rimbocchi le maniche e vai avanti; noi abbiamo optato per la seconda e siamo totalmente soddisfatti, oltre che felici!

R.G.: Con voi ha suonato al basso anche Gabriel dei Destrage, ma attualmente siete alla ricerca di un bassista?
F.: Sì siamo in cerca di un bassista, è molto difficile però trovare un componente che possa dedicarsi al 100% ai Foredawn come stiamo facendo noi, ad ogni modo lo stiamo cercando, magari capita che un bassista legge quest’intervista e ci contatta…chissà!

R.G.: Un ultima domanda per Irene, da donna in un ambiente prevalentemente maschile, pensi che si possa parlare ancora di maschilismo oggi in questo ambito?
F.: Il maschilismo c’è, ma purtroppo, e lo dico da donna, spesso sono le stesse donne ad alimentarlo; perché tante volte si perde di vista quella che è l’aspetto primario cioè la musica per concentrarsi su tutt’altro, che può essere l’immagine, fattore che va per la maggiore soprattutto sui social network, che, con il loro impatto mettono in secondo piano la musica. Per questo io invito sempre tutti ad andare ai live, alzare il culo dal divano e andare nei locali. L’underground è ricco di artisti di ogni genere, ce ne sono centinaia!

R.G.: L’invito che hai appena fatto lo supportiamo totalmente, grazie dell’intervista e buon concerto!
F.: Grazie a voi e a RockGarage!

Intervista ai Gecofish

È tardo pomeriggio e ci troviamo all’Arci Area di Carugate (MI), a farci compagnia ci sono i Gecofish, band originaria di Cantù che, a poche ore dal suo concerto, ci ha concesso un’intervista. Tra un sorso di prosecco e l’altro, hanno risposto così alle nostre domande.

R.G.: Ciao ragazzi e benvenuti su RockGarage! Raccontateci un po’ il vostro progetto.
G.: Ciao e grazie! Che dire, noi siamo i Gecofish, ci definiamo un power-trio, esistiamo dal 2012 e all’attivo abbiamo un album, Nonostante Tutto, uscito un paio di anni fa e lo scorso febbraio abbiamo pubblicato un nuovo EP, intitolato Motivi Per Uscire.

R.G.: Ed a proposito dell’EP, volete raccontarci un po’ la genesi di questo lavoro?
G.: L’EP è composto da 4 pezzi, 3 nostri ed una cover che è Una Giornata Uggiosa di Lucio Battisti.

R.G.: Come mai avete optato per un EP?
G.: E’ stata più che altro una scelta dovuta al fatto di poter proporre qualcosa di nuovo in ambito live, tenendo conto che al giorno d’oggi, almeno per noi, ma pensiamo anche in generale, l’aspetto live sia prioritario.

R.G.: Poco fa avete citato Una Giornata Uggiosa di Lucio Battisti, come mai avete scelto di inserire questo brano nell’EP?
G.: E’ un pezzo che facevamo live anche prima dell’uscita dell’EP e, sembrerà una battuta, la facevamo anche per allungare i nostri live! Che poi, noi siamo anche abbastanza contro le cover in generale, ma su questo brano ci siamo trovati tutti d’accordo. Aggiungici che quest’anno è il ventennale della morte di Lucio Battisti, quindi abbiamo pensato che fosse quasi doveroso omaggiarlo inserendo un suo brano nel nostro disco.

R.G.: Quali sono le vostre influenze musicali?
G.: Tutti e tre abbiamo diverse influenze musicali, che poi forse è un bene per il gruppo. C’è chi è cresciuto con Nirvana, Verdena e alternative italiana e c’è chi, influenzato dai genitori, è cresciuto con il prog rock. Attualmente invece ascoltiamo parecchia musica italiana.

R.G.: Prima accennavate al discorso dell’attività live: a questo proposito che idee vi siete fatti riguardo l’attuale situazione generale e i vari aspetti che può trovare una band underground nel cercar spazi, visibilità eccetera?
G.: Per quanto ci riguarda noi non possiamo lamentarci, visto che abbiamo in programma diversi concerti. Siamo dell’idea che se una band, un artista si fa il mazzo, i risultati arrivano, ma tutto deve partire dalle band o dagli artisti. Perché se poi non ci si impegna, sia nella fase di realizzazione di un disco, sia nel cercare date come si dice, diventa troppo facile poi lamentarsi. Fortunatamente noi non siamo così. Difatti lo scorso anno abbiamo fatto circa 70 concerti. Anni fa, quando avevamo qualche anno in meno, meno contatti, e perché no, meno soldi da investire, per suonare non uscivamo dalla provincia di Como. Con impegni, sforzi, sacrifici possiamo tranquillamente dire che dei risultati li abbiamo ottenuti.

R.G.: Avete molte date in programma, in questo periodo continuate a scrivere o vi dedicate esclusivamente ai concerti?
G.: Ora siamo presissimi dai live! Anzi, in realtà facciamo fatica anche a trovarci per provare!

R.G.: Se doveste descrivervi attraverso una vostra canzone, quale scegliereste?
G.: Domanda molto difficile…forse Perditi, io che scrivo tutti i testi (parla Vittorio Massa ndr) le sceglierei tutte in egual maniera.

R.G.: Vi siete posti degli obiettivi?
G.: Il vero obiettivo resta sempre quello di divertirci e soprattutto di migliorarci, poi non siamo persone che si pongono delle scadenze, vedremo passo dopo passo, però…ma sì, diventare milionari con la musica ecco! (risate).

R.G.: Ve lo auguriamo ovviamente! Intanto grazie per l’intervista e in bocca al lupo per stasera!
G.: Grazie a te e a RockGarage! Seguiteci sulla nostra pagina Facebook dove potrete leggere le nostre prossime date e venite ai concerti!

Intervista agli Highly Suspect

Tra i nomi più fortunati del rock di questi ultimi anni spicca quello degli statunitensi Highly Suspect: due album pubblicati e ben tre nomination ai Grammy’s. Il giovane trio dedito ad un sound alternative moderno è stato di recente in tour qui in Europa e in occasione del loro esordio live in Italia abbiamo incontrato il batterista Ryan Meyer. Così il backstage dell’Alcatraz di Milano ci ha ospitati per saperne di più della band e del successo ottenuto, questo è ciò che abbiamo avuto modo di scoprire.

R.G.: Ciao Ryan! Questo vostro primo, vero, tour europeo sta giungendo al termine, sono rimaste poche date ormai in programma quindi sarebbe già possibile tirare le somme. Siete soddisfatti del risultato ottenuto?
R.M.: Sì, siamo assolutamente soddisfatti. È la prima volta che abbiamo un tour bus, quindi sì, non è stata proprio la nostra prima volta qui in Europa ma di sicuro il più grande tour europeo al momento. Abbiamo visitato la Repubblica Ceca, siamo qui in Italia per la prima volta e abbiamo suonato più date in Germania. Come dicevo qui in Europa avevamo già suonato, infatti ieri abbiamo suonato a Monaco di Baviera nella stessa location della scorsa volta. Non è andata affatto male!

R.G.: L’intento di questo tour era di farvi conoscere meglio dal pubblico europeo o mi sbaglio? Quindi come mai avete scelto di intraprendere questo viaggio da headliner? Sarebbe stata una decisione più conveniente essere in tour come supporto per una band maggiore, non credi?
R.M.: Noi preferiamo essere headliner, forse per una questione di abitudine. Lo siamo stati per diversi anni negli Stati Uniti, anche perché io adoro creare una sorta di community con i fan, quindi questa scelta prevede un lavoro maggiore ma a lungo andare queste persone hanno la possibilità di relazionarsi al meglio con noi avendo la possibilità di vederci suonare in piccoli club. Dico, tipicamente i piccoli club permettono più contatto tra fan e artisti, diamo loro la possibilità di vederci chiaramente, di sentire il nostro sudore, le nostre espressioni mentre suoniamo. Altre band prediligono la strada più semplice, quindi acquistano subito visibilità, grazie anche solo ad un tour di supporto a band più grandi, suonando in arene ma non pensano al contatto con il pubblico perché si tratta di ambienti dispersivi. Per questo ti dicevo che è la strada più faticosa quella da noi scelta ma vorremmo creare una vera e propria famiglia dove saremo sicuri di poter sempre tornare.

R.G.: Secondo te, esistono delle forti differenze tra il pubblico americano e quello europeo?
R.M.: Sì, assolutamente. Le differenze sono numerose come per esempio la cultura del bere qui in Europa e nel Regno Unito, la gente beve in maniera diversa in America, oppure la personalità data da un diverso sistema di studio, le tradizioni sono diverse. Come dicevo per la tradizione del bere, in Inghilterra cantano tutti a squarciagola bevendo tanta birra, è un party e tutti cantano insieme. Qui in Europa durante i concerti il pubblico non vede l’ora di cantare le nostre canzoni, conosce i nostri testi e canta insieme a noi ed è una bellissima sensazione sentire la platea così rumorosa che quasi non ci sia bisogno di dover cantare sul palco. Diciamo in via generale la gente qui in Europa tende a godersi maggiormente il concerto. Diversamente l’America sembra sia più che satura: la TV è di buona qualità, tantissimi film, tantissima musica, l’America è la casa dell’intrattenimento, quindi il pubblico si gode il concerto ma alle volte è come se stesse vedendo un film più che un concerto e questa è una sensazione che non ho mai avvertito qui in Europa! Con ciò non vorrei dire che il pubblico europeo sia migliore di quello americano, semplicemente sono diversi. Alle volte il pubblico americano diciamo che fa più attenzione a ciò che sta succedendo sul palco e non si lascia trasportare dalla musica e fare casino. Sai, la nostra musica è capace di creare casino nel pubblico, quindi non lasciandosi trasportare da essa fanno in modo che l’energia si disperda e ciò rende più duro il nostro lavoro per riportarla su affinché si possa avere un pubblico che simuli di suonare la chitarra mentre noi suoniamo. In fondo it’s fucking rock’n’roll man!

R.G.: “Mr. Asylum” e “The Boy Who Died Wolf”, due album così diversi tra loro: il primo molto più hard rock, mentre il secondo un po’ più melodico, con qualche inserto di elettronica…
R.M.: Sì vero, sono diversi ma per molti punti il secondo risulta più soft mentre in altri è più pesante come per esempio nel contenuto delle liriche. Il primo è più hard rock perché quando lo abbiamo scritto vivevamo tutti a New York, eravamo giovani, carichi di rabbia, sotto pressione, così abbiamo deciso di seguire i nostri istinti e sfogarli sotto forma di musica. Ora siamo persone diverse, stiamo cambiando, veniamo influenzati da cose diverse e vogliamo essere onesti con la nostra musica.

R.G.: Ma nonostante queste differenze sono stati due grandi successi che vi hanno portato ad essere ben tre volte nominati per i Grammy’s… Quindi quale credi sia la formula del vostro successo?
R.M.: (ride, ndr) Credo che il successo sia dato dalla combinazione data dalla fortuna e tanto duro lavoro, se tu sei fortunato la gente apprezza la tua musica e se lavori duramente allora la tua musica continuerà ad essere apprezzata. Se tu non dovessi avere entrambe queste cose allora non potrai mai raggiungere il successo. Come ti dicevo prima, noi vogliamo essere onesti con la nostra musica quindi non partiamo dall’idea di dover creare qualcosa che dovrà essere suonata in tutte le radio, quindi realizzato per essere diffuso, bensì qualcosa che venga fuori dal cuore e che possa colpire le persone, che si avvicini a loro, qualcosa in cui possano rispecchiarsi. Il mix perfetto sarebbe quindi una canzone che risulti pop ma che nasca dal cuore. Come concetto è molto simile a quello di un pittore che deve realizzare un dipinto per se stesso oppure un dipinto su commissione.

R.G.: Quindi cosa dovremmo aspettarci dal vostro terzo album?
R.M.: Non lo sappiamo nemmeno noi ancora, abbiamo iniziato a scrivere della nuova musica, io ho qualche mia idea ma ancora nulla di definito. Ci lavoreremo su ma non abbiamo intenzione di darci una deadline perché lo abbiamo fatto già per il secondo disco ed è stato molto duro per noi, abbiamo sopportato un periodo veramente stressante. Abbiamo sentito troppo la pressione delle scadenze ed è una cosa che non vorremmo più, è stato realmente troppo per noi e questa volta vorremmo goderci il processo di creazione dell’album affinché al momento dell’ascolto tutti potranno avvertire quanto ci siamo divertiti a comporlo.

R.G.: Forse è anche per questo motivo che avete deciso di non essere sotto contratto con una major ?
R.M.: Credo che abbiamo fatto la scelta ottimale per l’etichetta, o meglio credo che sia quella ideale per noi. Musicisti che lavorano per etichette più grandi spesso riscontrano problemi di comunicazione con la loro etichetta, mentre essere sotto contratto con una label indipendente è diverso. Abbiamo la vita più semplice, per esempio ora davanti a te potrei mandare un messaggio al capo della mia, che è un uomo molto potente, quindi ho la possibilità di comunicare direttamente con lui e la mia richiesta si avvererebbe in un istante. Credo che la vivrei in maniera molto negativa se non potessi comunicare direttamente con la persona per cui lavoro.

R.G.: Come avviene la fase di scrittura di un vostro disco?
R.M.: Non esiste una fase del genere! Non esiste un vero e proprio momento in cui pensiamo tutti insieme come dovrebbe essere il nostro disco, quello che facciamo è… Sbronzarci e basta! (ride, ndr) Praticamente raccogliamo le idee mentre ci divertiamo, nel corso dei nostri party, suoniamo tutti insieme e poi il giorno dopo, a mente lucida riascoltiamo cosa abbiamo registrato e spesso ritroviamo ottimi spunti per quanto riguarda i riff da usare, sì magari suonati male ma si tratta comunque di qualcosa su cui poter iniziare a lavorare. Così facciamo praticamente uscire i nostri istinti più puri e cerchiamo poi di dargli un senso compiuto.

R.G.: Credo che sia molto strano come concetto, lontano magari da quello di essere veri e propri musicisti ma bensì semplicemente tre amici a cui piace suonare insieme…
R.M.: Ma non è proprio così che si possa definire una band!?! Noi abbiamo vissuto insieme per 12 anni, siamo amici, fratelli, come lo sono alcune tra le più grandi band al mondo, prendi per esempio i The Rolling Stones, anche loro hanno vissuto insieme.

R.G.: So che siete stati a Bogotà, in Colombia, per registrare il vostro secondo album, come mai avete scelto proprio questa nazione?
R.M.: Avevamo la possibilità di registrarlo lì, quindi perché non farlo?!? Tutto è nato perché il nostro produttore Joel Hamilton ha lavorato soprattutto lì negli ultimi dieci anni, quindi noi conoscevamo già tutti lì, conoscevamo lo studio, gli ingegneri del suono, l’equipment ed era un posto adorabile. Bogotà è una città magica, dove tutto ciò che potresti immaginare si avvera, è una cosa difficile da spiegare ma se tu andassi a visitare la città percepiresti questa sensazione, lì accadono le cose più pazze che tu possa immaginare. È stato un periodo molto intenso per noi, ho suonato la batteria per otto ore al giorno fino a rimanere senza ossigeno, nel frattempo abbiamo imparato anche lo spagnolo andando così in giro per la città e ogni tanto, nei days off ci siamo anche divertiti. Prima che partissimo per Bogotà credevamo che avremmo avuto molto più tempo per poterci divertire, in realtà è andata diversamente, anche perché si tratta di una città molto pericolosa e anche quando uscivamo a bere qualcosa avevamo sempre la nostra sicurezza con noi che si metteva in un angolino a controllare l’ambiente. Sai, in Colombia sono molto frequenti i sequestri di persona, vieni preso con la forza, portato su un furgone e viene subito richiesto il riscatto alla tua etichetta di quarantamila dollari, se l’etichetta paga tu vieni rilasciato, si tratterà anche una piccola cifra per noi ma non lo è per chi vive in Colombia. Quindi tra i pericoli e il tanto lavoro da svolgere non abbiamo avuto modo di girare così tanto, abbiamo più che altro lavorato. Dopotutto credo sia stata la scelta migliore per noi, se fossimo rimasti a Los Angeles avremmo preso le cose con molta più calma, avremmo avuto priorità diverse rispetto al disco, mentre noi dovevamo essere concentrati sul nostro lavoro. (ride, ndr) Non pensavamo fosse così prima di partire, credevamo che ci sarebbe stato molto divertimento in Sud America, spero di poterci rifare suonando al Lollapalooza Festival, anche perché i rocker colombiani sono molto fieri di averci ospitati per le registrazioni del disco, quindi spero che avremo l’occasione di essere su quel palco, questo ci aiuterebbe sicuramente per quanto riguarda il mercato discografico nel Sud America. Nonostante ci sia stato poco divertimento per noi, abbiamo viaggiato e conosciuto culture e tradizioni differenti e questo credo che sia il senso di viaggiare, ciò che indelebilmente ti fa crescere come persona.

R.G.: Quali sono quindi i piani futuri che vi attenderanno?
R.M.: Molto semplicemente ci dedicheremo al prossimo disco ma non aspettatevi nulla di così vicino nel tempo, ci piacerebbe suonare a qualche festival europeo ma al momento non abbiamo ancora ricevuto offerte per questo. Quando torneremo a Los Angeles ci dedicheremo alla scrittura del disco che è una delle parti che io preferisco, gli show sono fantastici ma in studio è diverso. In studio scavi dentro di te scoprendo aspetti della tua persona che non conoscevi prima, sei creativo. Credo che abbiamo bisogno di entrambe le cose ma la fase creativa non arriva così spesso come quella on the road e quando arriva sono più eccitato di quando mi capita di realizzare uno degli show più adrenalinici.

R.G.: Ok grazie Ryan!
R.M.: Grazie a voi di RockGarage!

Intervista ai Punkreas

Sin dai loro esordi, nel lontano 1990, i Punkreas si sono contraddistinti come una delle band più importanti della scena punk italiana. Ora di certo sono uno dei gruppi riconosciuti come capostipiti e tra i leader indiscussi del genere. Abbiamo incontrato tre di loro nella sala prove che hanno nella provincia di Milano. Paletta (basso), Noyse (chitarra) e Gagno (batteria) si sono concessi ai nostri microfoni. Sentiamo cosa ci hanno detto

R.G.: Buongiorno ragazzi e grazie per la disponibilità nel concederci questa intervista. Partiamo subito parlando del vostro ultimo lavoro, “In Equilibrio”, (che uscirà il 23 marzo, ndr). Si tratta di un EP e non di un full length. Come è maturata questa decisione?
N.: L’idea è venuta alla nostra etichetta, Garrincha, in quanto in questo particolare periodo storico, il periodo del digitale, pare che la soglia di attenzione media verso i dischi sia molto bassa e con la presenza delle playlist, degli skip ed affini, le release vengono bruciate molto velocemente, non come quelli della nostra generazione che amavano avere il supporto fisico intero. Addirittura la casa discografica voleva realizzare solo singoli e poi alla fine fare uscire l’album nella sua interezza. Abbiamo trovato una via di mezzo tra il modo di intendere la musica della nostra generazione e il periodo attuale, decidendo per l’EP. Questa è una delle ragioni ma non solo: questa forma di pubblicazione è idonea alle canzoni che abbiamo composto, che per noi rappresentano tutte una sorta di piccolo percorso e pubblicarle a puntate farà rivivere all’ascoltatore proprio questa sorta di cammino. La prima parte che si intitolerà In Equilibrio rispecchia il periodo storico che stiamo vivendo. Infatti sotto vari punti di vista ci troviamo tutti in un equilibrio precario. Economico in primis: il sistema liberista sta mostrando di essere alla corda, la famosa mano invisibile che doveva distribuire ricchezze a tutti già non funziona più ed è un riferimento che sta cadendo. Stessa cosa per i vecchi pensieri politco-ideologici che sembra non riescano più ad interpretare la realtà e si trovano perciò in grande crisi. Allora abbiamo deciso di eseguire un’analisi, di affrontare un percorso di autocoscienza in quanto c’è bisogno di trovare strade nuove, risposte nuove e strategie nuove. Il tutto si sviluppa su tre domande: cosa eravamo, cosa siamo oggi e cosa vogliamo essere in futuro. Questo è il percorso che affrontiamo nelle nostre canzoni. Un percorso che parte dal soggettivo per andare al collettivo, perchè prima o poi tutti dovremo intraprendere un cammino di analisi della situazione.

R.G.: Ci troveremo quindi di fronte ad un lavoro in stile prettamente Punkreas classico o saranno presenti elementi di innovazione nel sound? O quantomeno alcune caratteristiche che si discostano dal vostro stile identificativo?
N.: Come dicevo, si tratta di un percorso. Quindi nel primo EP ci troveremo davanti ad un sound molto classico, non esattamente uguale ad alcuni nostri dischi ma partendo dall’idea iniziata con Il Lato Ruvido (ultimo lavoro della band,del 2016, ndr) dove siamo riusciti a recuperare un modo di scrivere le canzoni che era presente agli esordi, connotato dall’entusiasmo che c’è all’interno ed attorno alla band, coniugandolo con tutta l’esperienza artistica che ci ha accompagnati durante questi anni. Nel secondo EP ci saranno delle soluzioni un po’ più varie ed azzardate.
P.: Anche se comunque rimarrà chiaro all’ascolto che si tratta di noi perchè il tessuto del sound non verrà stravolto.
N.: Lavorando con Olly (Riva, leader degli Shandon, ndr) nella veste di produttore è stato lui a fare da custode all’essenza Punkreas quasi più di noi stessi. Infatti mentre noi tentavamo alcune strade lui, conoscendoci benissimo, ci sconsigliava di intraprenderle. E’ per questo che ti dico che, anche negli esperimenti musicali che abbiamo intrapreso, il nostro sound classico è rimasto presente senza essere stravolto.

R.G.: Visto che hai parlato di questo, vi faccio la domanda in maniera generale. Come è stato lavorare con Olly in veste di produttore?
N.: Lavorare con lui è stato meraviglioso ed è stata una sorpresa annunciata. Ci conosciamo da anni ed un paio di volte si era parlato di fare un disco insieme. Non so perchè, ma penso sia molto umano, avere l’idea che per fare la produzione perfetta sia necessario faticare e cercare soluzioni lontane quando in realtà avevamo la soluzione in casa e sotto il naso. La soluzione migliore era proprio quella di avere un eccellente produttore che è cresciuto con noi e ci conosce alla perfezione.
P.: L’apporto di Olly è stato fondamentale per limare alcuni aspetti che emergono quando si fanno le cose da soli, dove si tende a mettere dentro un po’ tutto e sembra vada tutto bene. Lui è riuscito a vedere sfaccettature che a noi dall’interno sfuggivano.
N.: E’ abbastanza naturale che quando si inizia a comporre una canzone si trovano soluzioni a cui ci si affeziona semplicemente perchè le hai sentite talmente tante volte che ti sembra impossibile ci siano altre strade da percorrere. Per questo è importante che ci sia un orecchio vergine a vigilare ed Olly, oltre ad avere svolto questa funzione, ha anche il pregio di conoscerci in maniera perfetta.

R.G.: Parliamo dell’artwork. Come avete scelto la cover del disco?
N.: La copertina è un lavoro sviluppato da Cippa (cantante della band, ndr) e da Marcello di Myoopia, il nostro grafico (anche batterista dei Black Banana, ndr). Anche qui, essendo un percorso a tappe, stanno uscendo diverse grafiche: una per ogni canzone. Poi c’è la copertina del primo EP,una mano aperta con dei fili annodati alle dita, che tengono in equilibrio…vedremo cosa in futuro perchè anche qui le copertine saranno divise ma collegate tra loro.
P.: E’ la prima volta che usiamo così tante grafiche per ogni cosa che facciamo. Tutte collegate tra loro che andranno a comporre un artwork che farà da copertina globale al lavoro.
N.: Al momento non vogliamo svelare nulla sull’artwork complessivo finale.

R.G.: Come sono andate le vostre recenti date all’estero?
P.: Benissimo. E’ stata un’esperienza fantastica. Primo perchè sono state le prime date fuori dall’Italia che abbiamo fatto. Avevamo organizzato anni fa una mini tournèe in Germania ma era stata una cosa molto raffazzonata mentre in questo caso è stato strutturato il tutto in maniera professionale, in tre città importanti come Londra, Amsterdam e Bruxelles. E’ stato bellissimo, a partire dal viaggio in furgone da Parabiago a Londra fino alle tre date che sono state completamente sold out. A Londra la maggior parte del pubblico era italiana mentre nelle altre due location c’era pubblico del luogo. La sensazione piacevole di Londra è stato ritrovare gente che ci veniva a vedere agli inizi nei centri sociali e che poi si è traferita lì e si è trovata i Punkreas a casa loro. Si sono precipitati a vederci ed infatti i biglietti sono andati esauriti in una settimana.
N.: La sensazione è stata come quella che prova un bambino quando riceve finalmente il giocattolo che desiderava da una vita. C’è un bel video che documenta il tutto e che trovate su internet che fotografa in maniera perfetta l’atmosfera e le sensazioni provate.
P.: Un’esperienza sicuramente da ripetere, includendo la Spagna, dopo le date italiane che faremo a supporto del nuovo lavoro.

R.G.: Ed invece essere la band spalla principale degli Offspring a Barolo? (27 luglio 2017, ndr)
P.: Anche quella è stata un’esperienza entusiasmante. Abbiamo fatto un sacco di festival ed aperto ad un sacco di band: Rage Against The Machine,Primus,Metallica, Nofx,Sex Pistols…ma la caratteristica principale è che qui aprivamo effettivamente lo show agli Offspring, a differenza dei festival passati in cui suonavamo a metà pomeriggio. Sono una sensazione ed un clima completamente diversi. E vedere tutte quelle persone che conoscevano le nostre canzoni benissimo…
G.: E’ stato bello anche dopo il concerto parlare con gli organizzatori e ricevere i complimenti per l’educazione mostrata dal nostro pubblico, visto che a Barolo era la prima volta che avevano esperienze con il punk.

R.G.: C’è stata e c’è una scena punk italiana, intesa come un insieme di gruppi coesi che portano avanti un discorso musicale, oppure ognuno va per i fatti suoi con episodi di invidie e rivalità?
N.: Sarò molto sincero: a metà anni ’90 la scena in Italia ha avuto il suo momento d’oro sulla scia dell’esplosione del punk californiano a livello internazionale. In quel momento tutti suonavano punk. Quando abbiamo iniziato noi, in un periodo in cui tirava moltissimo il metal, eravamo in pochi a cimentarci con questo genere. Quando poi tutto è imploso, le band che sono rimaste sono proprio quelle che avevano iniziato. Perché i presupposti sono sempre stati fare qualcosa che ti piaceva e ti piace, divertendosi e potendo dire quello che si voleva nel modo e nei toni giusti. Quelli che sono arrivati con l’ondata di successo sono partiti con basi poco solide, con il ragionamento del: “Funziona, facciamolo”. Come quelli che partono ora dal web, pensando ai like, alle visualizzazioni, con un’idea di marketing che viene prima della musica. Devo dire che quella scena era molto forte. Purtroppo moltissime band non hanno capito l’importanza della coesione tra musicisti, cosa che è fondamentale perché se ci sono uno o due gruppi leader che trascinano tutto, di conseguenza ne guadagnano anche gli altri. Quello che appunto si intende come scena in ambito musicale. Cosa che, invece, è stata capita alla perfezione dai nostri artisti rap. La dispersione di tutto è dovuta ai motivi che ti ho elencato sopra. Non c’è stata capacità di fare rete e connessione tra i gruppi seminali e quelli nuovi. A quei tempi chi riscuoteva un minimo di successo si trincerava a difendere il proprio orto. L’unica scena, se così la si può definire, è quella accomunata dal discorso politico che travalica i generi che vede oltre a noi, i Derozer nel punk ed i 99 Posse, i Modena City Ramblers e gli Africa Unite per quanto concerne altri generi.

P.: C’è da dire che sono venuti a mancare anche molti posti dove fare concerti, con la chiusura di moltissimi centri sociali dove si poteva suonare.
N.: Venuti a mancare perché poi è venuto a mancare il capitale umano, nel senso che moltissima gente ha smesso di andare a vedere i live.

R.G.: Partecipereste mai al Festival di Sanremo come concorrenti?
N.: Lui no (indicando Paletta, ndr) io sì.
P.: Dipende da come lo faresti. Ci vogliono i presupposti e l’atmosfera giusta.
N.: A parte tutto, è un discorso complicato da affrontare. Molte persone si identificano in quello che sono i Punkreas e sicuramente non capirebbero questo tipo di scelta. Chi si identifica in noi è quel tipo di persone che si sente emarginato dalla comunità in cui vive e che ha un tipo di pensiero diverso dal cosiddetto mainstream. Per cui vederci a Sanremo sicuramente rappresenterebbe qualcosa che non fa parte di quel mondo. Io farei il Festival solo se avessimo le idee, la canzone e la forza per sovradeterminare Sanremo. E questo non potrebbe mai accadere. Ed è anche il motivo per cui noi non abbiamo mai firmato direttamente con una major. Se non possiamo esprimere liberamente le nostre idee ed essere noi stessi, è inutile fare le cose. Ed il rischio sarebbe comunque quello di essere fatti passare per delle macchiette, cosa che poi farebbe il gioco degli organizzatori senza che arrivi completamente il messaggio che si vuole lanciare.

R.G.: E’ lo stesso motivo per cui rifiutaste il Festivalbar?
N.: Esattamente. Al Festivalbar declinammo, oltre che per questo motivo, per il fatto che tutto veniva registrato. E quindi avrebbero tagliato ed editato qualsiasi cosa non fosse stata in linea con l’editore, se l’avessimo fatta.

R.G.: E se vi venisse offerto di fare il giudice ad un talent? Visto che ormai va di moda prendere personaggi che non fanno propriamente parte del mercato musicale mainstream?
P.: I talent sono la rovina della musica, sono dei distruttori di talento e non creano niente, se non illusioni assolute in chi vi partecipa.
N.: Completamente d’accordo con Paletta. Il problema è anche nel pubblico che alimenta questi show. I talent esistono perché c’è una generazione che li guarda ed ha abbandonato l’interesse nello spulciare l’underground per trovare materiale valido. Queste persone non vanno nemmeno ai concerti.

R.G.: E’ uscita la notizia che chiuderà l’ultima fabbrica di CD nel mondo. Mentre c’è un ritorno prepotente del vinile nell’epoca in cui la musica è per la maggior parte fruita in streaming e senza supporti. Insomma, anche qui c’è uno squilibrio, se vogliamo ricollegarci alle tematiche che affronterete nel vostro nuovo EP. Il CD, che 30 anni fa era presentato come il futuro della musica, ora nell’era ipertecnologica è stato surclassato dal vinile, di cui doveva essere l’assassino.
N.: Il problema principale è che sono scomparsi i supporti! (risate,nda) Nel senso che se prima un supporto fisico ne sostituiva un altro, ora invece si sostituiscono tra loro cose intangibili. E allora chi è della vecchia generazione deve aggrapparsi a qualcosa di fisico che ora è rappresentato dal vinile.
P.: La cosa più sconcertante è che la tecnologia ha abbreviato la vita media di ogni tipo di supporto, fino a farlo completamente sparire.
N.: E questo è il motivo per cui sono entrate in crisi le case discografiche. Non vendendo più dischi, non investono nemmeno più per produrli come prima. E per risparmiare hanno quasi totalmente eliminato i costi di realizzazione dei supporti. E’ una cosa che riguarda tutti quanti, nel senso che anche i grandi nomi si sono visti le vendite dei supporti veri e propri più che dimezzate.

R.G.: E qui entra in gioco l’importanza del live come fonte di guadagno.
N.: Assolutamente. E’ parossistico ma la dimensione live ci ha guadagnato. Perché un artista fake che vendeva tanto e che prima poteva permettersi di non esibirsi, ora è costretto a farlo. E quindi la qualità dei concerti dal vivo è notevolmente migliorata.

R.G.: Ascoltate qualcosa che esula dal vostro genere o comunque in generale dal rock?
P.: Devo dire che ascolto molto reggae.
N.: Io se non c’è una chitarra elettrica divento insofferente. L’unico ascolto al di fuori del genere è Caparezza.
G.: No. Ma mi spiace non essere riuscito a vedere Michael Jackson dal vivo.

R.G.: C’è una band a cui sognate di aprire come spalla principale?
N.: I Clash ma ormai non se ne può far nulla (risate,nda).
P.: Gli Iron Maiden, assolutamente.

R.G.: Grazie ragazzi per averci concesso questa intervista.
P.: Grazie a voi. Ne approfittiamo per salutare tutti i lettori ed i nostri fan.