Prof. Garage: intervista a Pino Scotto

Come sempre Pino Scotto non le manda a dire e si toglie più di un sassolino dalla scarpa nella nostra intervista. Un musicista davvero onesto e sincero. Qui di seguito le versioni podcast e inoltre è disponibile anche il player con la versione video.

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Intervista agli Atom Made Earth

Gli Atom Made Earth sono tornati con un nuovo album, Severance, (di cui abbiamo parlato a questa pagina) che ha definito una certa evoluzione nel sound della band. Sperimentali, progressive e alternativi: cifre stilistiche che accomunavano anche i precedenti lavori ma che in Severance vengono a galla in modo diverso. Per questo motivo abbiamo deciso di fare due chiacchiere con loro e farci raccontare un po’ il progetto direttamente dai loro protagonisti.

R.G.: Ciao ragazzi, presentatevi innanzitutto a chi tra i nostri lettori non vi conosce ancora.

A.M.E.: Ciao, siamo gli Atom Made Earth e facciamo psichedelia, ascoltate il nostro ultimo lavoro Severance.

R.G.: È stato un lavoro duro per noi approfondire tutte le sfumature del vostro sound e i generi musicali toccati. Al di là di quello che avete letto, anche tramite recensioni di altri magazine musicali, come potreste descrivere voi il vostro genere? Quali influenze incorporate?

A.M.E.: Il nostro sound è un calderone di musica psichedelica, fondamentalmente, cercare di etichettare il tutto sarebbe davvero un peccato. Le influenze che vengono coinvolte nel nostro modo di vedere il songwriting, sono una vasta fascia di generi e sottogeneri a cavallo tra gli anni ‘50 ed il wall of sound dell’ultimo ventennio. Il peccato mortale di questo discorso però è che appena viene individuato qualcosa di ispirazione dal passato o dal presente che sia, il lavoro viene associato quasi totalmente a quel tipo di audio, anche solo per uno sprazzo di pochi secondi in rapporto ad un disco intero, andando a contaminare purtroppo il giudizio globale del lavoro; avendo noi un sound molto variegato può capitare questo in alcuni casi, forse per orecchie meno esperte o ascolti un po’ troppo sbrigativi.

R.G.: Cosa vi ha spinto a creare un progetto come gli Atom Made Earth?

A.M.E.: Cercare di essere molto liberi e onesti con noi stessi nella composizione e nel gesto comunicativo nei confronti di chi ascolta, senza andare a forzare con preconcetti strutturali e sociali il contenuto dei lavori che scriviamo.

R.G.: Una curiosità che abbiamo fin dal primo vostro lavoro: come mai la scelta del nome Atom Made Earth? Ed è voluta la somiglianza con uno degli album di rock psichedelico più famoso della storia?

A.M.E.: Purtroppo è un nome che ha creato molti pregiudizi verso i nostri lavori, andando ad accostare qualsiasi cosa componessimo ai Pink Floyd, anche avessimo fatto death metal probabilmente. Non nascondiamo di ammirare molto la musica floydiana (come la stragrande maggioranza dei gruppi in ambito psichedelico) e di esserne ispirati tanto quanto con i Beatles e mille altri gruppi. Anche se l’ultimo lavoro ha veramente poco di floydiano, ma ognuno ci sente quel che può, ed è giusto e bello che sia così. Una parte dell’ispirazione deriva dalla poesia ‘X Agosto di Giovanni Pascoli che descrive il nido come riparo dalla vita dolorosa che ci attende là fuori, nel nostro caso il progetto musicale che ci ”protegge” dai dolori e ci fa raccontare tramite le composizioni il nostro modo di vedere il mondo (Atomo opaco del male). Altra ispirazione è il concetto di genesi della terra da parte dell’atomo, che in questo caso viene idealizzato come il principale “start”che dà il via alla creazione del pianeta; il concetto trattato è che da una cosa infinitamente piccola può nascere il tutto.

R.G.: Da poco avete pubblicato il nuovo album “Severance”. Quanto è stato difficile concepire e registrare un album come questo?

A.M.E.: Non difficile ma molto impegnativo, è un lavoro molto strutturato e con tante sfumature, l’unica cosa difficile è stata la transizione dai vecchi componenti ai nuovi, nel momento in cui l’album era in fase di scrittura.

R.G.: Di più o di meno dei vostri precedenti lavori?

A.M.E.: Più difficile dal punto di vista strutturale e da quello audio.

R.G.: Siamo nell’epoca delle “cose veloci”. Per certi versi c’è meno attenzione rispetto al passato ad approfondire, ad ascoltare con calma musica sovrastrutturata. Perché secondo gli Atom Made Earth è ancora importante proporre una certa visione sperimentale della musica?

A.M.E.: La cosa importante crediamo sia proporre quello che si è, che si pensa e che si vuole comunicare. Il nostro modo è questo, ed è la nostra visione sonora e umana del mondo, dello spazio, della psiche e di tutto quello che trattano le nostre canzoni. Poi il ”come si fa” è a discrezione dell’artista, tutto è lecito e tutto è interessante se ha un percorso di realizzazione ragionato, istintivo, o didattico; che sia diverso o simile al nostro è solo un fatto di strade percorse e di visione. Le “paraculate” e le scorciatoie sociali non ci interessano, abbiamo tutti un lavoro oltre la musica, chi fa design, chi studia, chi fa marketing…quindi in questo progetto si fa quel che si vuole fare.

R.G.: Qual è il messaggio che volete veicolare tramite la vostra musica?

A.M.E.: Che la vita è piena di significato, pur essendo colma di dolore.

R.G.: Preferite la dimensione in studio o quella dal vivo?

A.M.E.: Amiamo entrambe, anche se forse lo studio stimola più alcuni aspetti dal punto di vista concettuale, mentre i live alcune volte sono meno ricchi di spiritualità e sfoggiano un po’ di superficialità.

R.G.: Da poco ho pubblicato un mini libro che formalizza una critica sul fenomeno del crowdfunding applicato al mondo musicale. Voi che opinione avete a riguardo?

A.M.E.: Per esperienza personale ci sembra una gran minchiata, ma la nostra esperienza è limitata, dato che la musica che facciamo è spesso in posizioni di nicchia, quindi non avendo accesso alla totalità del pubblico, ”la massa”, il discorso diventa molto più limitato. In ambito pop probabilmente sarebbe molto diverso, questo non significa però funzionante.

R.G.: E che idea vi siete fatti della rivoluzione che internet ha comportato alla musica?

A.M.E.: Grande possibilità di comunicazione direttamente proporzionale ad un abbassamento della qualità e della quantità dell’ascolto, nonché del valore assegnato ad un lavoro preso singolarmente, molto penalizzante per chi fa musica leggermente fuori dal diagramma del mainstream o dell’easy listening, ma allo stesso molto utile e funzionante per chi è un musicofilo con gran curiosità.

R.G.: Avrete un 2020 profondamente impegnato nel far conoscere il vostro album tramite concerti vari. Avete già fissato qualche data?

A.M.E.: Abbiamo fatto un concerto di presentazione del lavoro, poi per il resto adottiamo lo stile Beatles del 1966, poco live, molto studio… forse.

R.G.: Grazie ragazzi per la chiacchierata, in bocca al lupo!

A.M.E.: Grazie a voi

Intervista agli Opeth

Dall’uscita del discusso Heritage, gli svedesi Opeth hanno proseguito album dopo album a migliorare il loro nuovo percorso verso i lidi del progressive rock, un sound che si è presentato un po’ acerbo seppur ricco di idee, un po’ vintage sì ma con classe. È passato quasi un decennio dalla loro svolta musicale e lo scorso settembre la band ha pubblicato la sua ultima fatica studio In Cauda Venenum, un disco realizzato per la prima volta in lingua svedese, tradotto anche in versione inglese. Che si ami o si odi questa loro seconda vita, l’album ci ha mostrato una band che ha ancora tante cose da dire e che è riuscita a raggiungere una nuova maturità stilistica. In occasione dell’unica tappa italiana del loro ultimo tour europeo abbiamo incontrato nel backstage dell’Alcatraz di Milano Joakim Svalberg, tastierista della band, per chiacchierare un po’ di questo e di altro, a voi il nostro resoconto.

R.G.: Buon pomeriggio Joakim, bentornati in Italia, come sta procedendo questo tour europeo?

O.: Grazie, il tour sta andando molto bene, ogni sera stiamo avendo dell’ottimo pubblico, un po’ di date sono andate sold-out.

R.G.: Una cosa che ho subito notato è stato il vostro tour plan, come mai solo così poche date in Europa? Sono solo 18 se non sbaglio.

O.: Sai, siamo stati tantissimo in tour negli scorsi anni e c’è da considerare che tre di noi hanno famiglia e quindi abbiamo optato di non intraprendere più tour lunghi, massimo della durata di tre settimane di fila, continueremo ad essere spesso in tour ma per periodi più brevi insomma. Abbiamo trascorso degli anni in cui eravamo per sei settimane in America e subito dopo per otto settimane in giro per l’Europa ed è stato pazzesco! Tutto ciò però non è il massimo per persone che hanno famiglia a casa che li aspetta. Io non ho famiglia, quindi posso star fuori quanto mi pare! (ride, ndr)

R.G.: Parliamo del vostro ultimo “In Cauda Venenum“che ha visto la luce lo scorso settembre, riusciresti a fare una breve introduzione al disco per i nostri lettori?

O.: E’ una domanda un po’ difficile a cui rispondere. Si tratta di un album che non è un vero e proprio concept ma in un certo senso lo è, ci sono diverse connessioni tra i brani anche se non esiste una vera e propria storia alla base del disco, come se fosse una sorta di vibrazione che alle volte ritorna nel corso delle canzoni, attraverso le melodie, che in qualche modo rende tutto connesso. Quest’ultima caratteristica viene anche scandita dall’ordine dei brani che riesce perfettamente a renderli naturalmente legati, dando un senso di continuità all’opera.

R.G.: Mi hai parlato di sensazioni legate alle melodie del disco, io ho notato inoltre che ci sono alcuni temi ricorrenti nei testi del disco e queste sono legate al tempo, ai ricordi…

O.: Voglio essere molto sincero e devo ammettere che io ascolto molto di più la versione svedese del disco, quella inglese effettivamente credo di averla ascoltata una volta o due e l’ho apprezzata ma so che è stato concepito in svedese, anche la demo era in svedese, quindi per me è naturale considerarlo tale, per questo motivo abbiamo deciso di proporre i brani in svedese anche durante i nostri live…

R.G.: Ok, ho apprezzato anche io maggiormente la versione svedese del disco, però giustamente per comprendere i vostri testi faccio riferimento sempre alla versione inglese. Ora fammi capire, sono così diversi i testi tra le due versioni?

O.: Sono un pochino diverse, soprattutto per quanto riguarda il flusso vocale, Mikeal (Akerfeldt, ndr) è stato grandioso nel tradurre tutti i testi perché il significato è rimasto invariato e sai, ha fatto tutto ciò talmente così in fretta che non saprei proprio come sia riuscito a farlo, si stava quasi uccidendo in studio per tutto il lavoro che c’era da fare (ride, ndr).

R.G.: Se tutti siamo d’accordo che la versione perfetta del disco sia quella svedese, allora da cosa è nata l’idea di doverla tradurre in inglese?

O.: Questo lo pensavamo tutti ma Mikeal credeva che le persone non avrebbero ascoltato il disco a causa della lingua e questo sarebbe stato un problema, così ha deciso di realizzarne una versione inglese affinché tutti possano apprezzarlo, anche coloro che non riescono ad ascoltare le band che cantano in altre lingue al di fuori dell’inglese.

R.G.: Ok, ora che è passato un mese dalla sua uscita e quindi avrete già avuto modo di notare il riscontro da parte del pubblico, dovremmo aspettarci di ascoltare un prossimo album ancora in svedese da parte vostra?

O.: Non lo sappiamo ancora, magari proveremo a fare un disco in swahili! (ride, ndr)

R.G.: “In Cauda Venenum“ rappresenta il terzo disco degli Opeth per te.

O.: In realtà sarebbe il quarto se contassimo anche l’introduzione del disco Heritage, quando sono entrato in formazione era l’unica canzone non ancora registrata da Per (Wiberg, ndr). Quindi praticamente ho fatto l’audizione per gli Opeth direttamente in studio, dove per la prima volta ho incontrato Axe (Martin Axenrot, ndr) quando ero già seduto davanti al piano per registrare.

R.G.: Quindi sono ormai passati quasi dieci anni da quando sei parte della band, come pensi sia cambiato il tuo contributo nel processo di scrittura nel corso di questi anni?

O.: Ti dirò, tutto viene composto principalmente da Mikeal tramite un programma che registra file midi tramite computer, lui ha tutte le idee ed è anche molto bravo in questo. Alle volte mi tocca dover cambiare qualcosa in ciò che scrive semplicemente perché ho solo dieci dita a disposizione (ride, ndr), lui non pensa a questa cosa, si concentra solo su come dovrebbe suonare ma ovviamente tutto deve essere suonabile e quindi cerco di adattarlo. Alle volte capita di improvvisare un po’, per esempio in Pale Communion è presente il brano Goblin, lo conosci?

R.G.: Sì, ovviamente, un chiaro tributo ai nostrani Goblin.

O.: Esattamente, lì è contenuto un solo di piano in cui Mikeal mi ha lasciato totalmente spazio di improvvisazione. Fondamentalmente è questa la scuola prog da cui io provengo, fatta buona parte di improvvisazioni, è molto diverso il mio ruolo da quando sono parte di questa band. Si tratta di un lavoro molto più ristretto rispetto a quando suono in altre band in cui ho molto più spazio per i miei soli di piano, con gli Opeth non siamo ancora giunti a fare queste cose, però non importa, quello che conta è produrre delle buone canzoni, quindi focalizzarsi su come devono suonare. Meglio così, non devo nutrire il mio ego! (ride, ndr) Mai dire mai però, può darsi che sul prossimo disco inseriremo più soli di piano oppure magari li inseriremo in qualche canzone live, vedremo.

R.G.: Ritornando ai testi del disco, mi sono reso conto che la parola ‘gioventù’ viene citata spesso, state per caso risentendo del tempo che scorre inesorabile sulle vostre vite e quindi vi sentite vecchi ormai?

O.: (ride,ndr) Io cerco di non pensarci, anche perché sono il più vecchio nella band! Questa è una domanda che andrebbe fatta a Mikeal ma penso che il disco sia fatto di canzoni che parlano di vita e di morte, questa parola viene ripetuta tra le varie canzoni perché rientra in questi territori: gioventù, vecchiaia, guardare al passato e al futuro…

R.G.: Ecco, parlando proprio di futuro. Per il momento cosa prevede il futuro degli Opeth?

O.: Saremo in tour a lungo per la promozione di questo album, dopo aver finito in Europa saremo in Asia e in Australia, ci fermeremo per Natale e riprenderemo a gennaio con tre date in Scandinavia, poi a marzo ci sposteremo in America e in Canada, poi in Sud America per aprile e poi ci dedicheremo ai festival estivi che saranno molti più rispetto a quelli fatti quest’anno, ovviamente per via del nuovo album. Poi sicuramente torneremo di nuovo in tour, credo che i nostri viaggi dureranno per almeno un anno.

R.G.: Avete già parlato di un nuovo album oppure dopo il lungo tour di promozione vi prenderete la pausa che avreste voluto già prendervi in precedenza?

O.: Non ne abbiamo ancora parlato di tutto ciò, sai ora è tempo di lavorare e quindi non ci pensiamo. Io credo che, dopo che avremo finito con questo album, Mikeal vorrà tornare presto di nuovo a comporre perché lui adora farlo, è una cosa che lo rende veramente felice ed ispirato. Mi sorprenderebbe se questo non accadesse! In effetti avevamo in programma di prenderci un anno di pausa che per diversi motivi però non abbiamo avuto, così Mikeal si è presentato un giorno in studio con l’album già scritto ed è stata una cosa positiva perché non ha avuto pressioni nel doverlo scrivere, con questo non voglio dire che i dischi precedenti suonino come se lui avesse avuto pressioni nel doverli scrivere perché ha sempre scritto buona musica, ma il modo in cui si è sentito nel corso della scrittura è stato diverso. Noi tutti abbiamo apprezzato ogni singola canzone scritta per questo disco, anche le bonus tracks, al punto che è stato molto difficile riuscire adecidere la tracklist perché avremmo voluto inserirle tutte.

R.G.: Ok grazie Joakim per la chiacchierata

O.: Grazie a voi!

Intervista ai Baroness

Nell’area parcheggio per i tourbus adiacente al Fabrique di Milano abbiamo incontrato Nick Jost, bassista dei Baroness. E a poche ore dall’evento, che ha visto sul palco anche Volbeat e Danko Jones, ci ha concesso un’intervista nella quale ci ha parlato di Gold & Grey, ultimo disco della band americana, e non solo.

R.G.: Ciao Nick, benvenuto su RockGarage! Pronto per stasera?

B.: Ciao e grazie per l’invito! Certamente!

R.G.: Lo scorso giugno avete pubblicato “Gold & Grey”, dopo quattro mesi che feedback avete ricevuto dai fan?

B.: Posso dire che il feedback è molto buono. La stampa e i media in generale ne parlano bene quindi è piaciuto molto. Ed ora che lo stiamo portando “on stage” posso dirti che anche la risposta dei fan è stata ottima; le nuove canzoni vengono mano a mano recepite e imparate ed è bello vedere il pubblico che le canta con noi. Soprattutto perché è un disco su cui abbiamo lavorato davvero tanto, quindi vedere questa risposta da parte di critica e fan è un’enorme soddisfazione.

R.G.: Ascoltando più volte il vostro ultimo album si ha la sensazione che con questo avete raggiunto il più alto livello di maturazione, concordi?

B.: Spero di no! (risate, ndr) Sicuramente siamo maturati, come persone e come musicisti, ma in futuro faremo sempre qualcosa di diverso e cercheremo di capire come crescere ancora per i prossimi dischi. Questo è l’obiettivo.

R.G.: Però rispetto ai precedenti dischi, questo è forse quello più “intimo”, giusto?

B.: Si sono d’accordo, il modo con cui John (Dyer Baizley, cantante-chitarrista) e Gina (Gleason, chitarrista) hanno scelto di cantare, il modo di eseguire i loro duetti rendono il disco molto, molto intimo. Ci sono anche dei momenti dove John trova maniere nuove e insolite di cantare e questo rafforza il concetto e la sensazione che dicevi poco fa, ovvero quello di rendere il tutto più intimo e personale.

R.G.: Siete ormai in tour da diversi mesi, come sta andando?

B.: Molto bene! Come ti dicevo poco fa i fan stanno piano piano imparando le nuove canzoni, e devo dire che stanno piacendo molto. All’inizio, quando suoni qualcosa di nuovo per la prima volta è divertente vedere le reazioni dei fan che ancora non conoscono i nuovi pezzi. Quando suonavamo per le prime volte il nostro singolo, o canzoni che ancora non erano state pubblicate, i fan reagivano come se dicessero “ma…mi piace o no questo nuovo brano?”. Ora però abbiamo notato che sono entusiasti del nuovo album, e ovviamente ne siamo felici.

R.G.: Vi ho visti per la prima volta lo scorso anno al Firenze Rocks, che ricordo hai di quel pomeriggio?

B.: Ah dai grande! Per noi è stato davvero un bel concerto, anche se la maggioranza del pubblico aspettava i Guns N’Roses.

R.G.: Si ricordo bene, e anche in quell’occasione avete suonato con i Volbeat, come farete stasera.

B.: Si esattamente! Ho sempre comunque ottimi ricordi di quando suoniamo qui in Italia, ci divertiamo sempre!

R.G.: E a proposito di questo, com’è condividere il palco con loro?

B.: E’ molto bello! Loro sono un bel gruppo di persone e si respira un clima di totale positività. Quasi tutte le sere facciamo sold out, ma è bello e stimolante per noi fare la parte degli “sconosciuti” perché ci motiva a conquistare anche il pubblico dei Volbeat, vogliamo portare i loro fan a domandarsi perché con loro suona una band prog metal!

R.G.: Visto che si parla di generi diversi mi viene spontaneo chiederti cosa pensi dell’attuale scena metal.

B.: Non sono un grande ascoltatore di musica metal anche se una delle mie band preferite sono i Meshuggah. Un altro gruppo che mi piace e che sto ascoltando parecchio ultimamente sono i King Gizzard & The Lizard Wizard; loro al momento sono il top, ed hanno appena fatto un disco pseudo thrash metal che è fantastico! Poi direi anche i Big Brave che vi consiglio assolutamente. Penso che ci siano tanti artisti interessanti ma che non saranno mai “pop”, e va bene così, resteremo nel nostro mondo!

R.G.: Nick, grazie per l’intervista e buon concerto per stasera!

B.: Grazie a te e a RockGarage!

Intervista ai Thunder Brigade

Presso il Parco di Villa Tittoni di Desio abbiamo incontrato i Thunder Brigade, trio milanese che da pochi mesi ha pubblicato il debut album Spirit Of The Night. Pochi minuti dopo la loro esibizione, per l’occasione in acustico, ci hanno raccontato delle loro origini, del disco e relativa accoglienza.

R.G.: Benvenuti su RockGarage! Inizierei parlando di come nascono i Thunder Brigade.

T.B.: Grazie! I Thunder Brigade nascono un po’ di tempo fa. Inizialmente eravamo un duo (Stefano Cascioli alla voce e Stefano Bigoni alla chitarra, ndr) dove ognuno dei due veniva da due generi diversi, uno punk rock e l’altro post-metal. Abbiamo deciso di metterci insieme con l’obbiettivo di creare qualcosa di originale, senza la pressione di dover per forza essere incasellati in un unico genere e ti dirò che è stato abbastanza semplice trovare la quadra per riuscire a realizzare qualcosa assieme. Per quanto riguarda i primi pezzi che abbiamo creato, abbiamo avuto un approccio da songwriter, ovvero voce più chitarra acustica. Da lì pian piano sono nati i primi brani, e di conseguenza anche le prime proposte per suonare dal vivo; il problema era però che non avevamo pezzi a sufficienza per un set live quindi abbiamo deciso di portare anche qualche cover, nella fattispecie di Johnny Cash, Eagles, Rolling Stones, dando a queste una sonorità un po’ più moderna, un po’ più “nostra”. Dopo un paio d’anni abbiamo deciso di trasformare il tutto in un set elettrico; fermo restando che non era il nostro obiettivo essere un duo acustico, abbiamo ampliato la line-up con Stefano Lecchi alla batteria, perché volevamo dare concretezza a quello a cui miravamo, considerato il nostro approccio da “band”.

R.G.: Due mesi fa è uscito il vostro album di debutto “Spirit Of The Night”, volete parlarcene?

T.B.: Sì, tieni conto che prima del disco ne abbiamo fatta di gavetta! Ma a un certo punto abbiamo deciso di realizzare qualcosa di ancor più concreto: ci siamo affidati a un amico, Stefano “Orkid” Santi e al suo SPVN Studios di Como; da lì abbiamo imparato molte cose, in particolare riguardo i tantissimi aspetti tecnici che riguardano la vera e proprio registrazione di un brano, studiando ogni minimo dettaglio. L’approccio che ci siamo dati era quello di entrare in studio e di suonare come se stessimo suonando dal vivo, e questo l’abbiamo imparato anche leggendo le interviste dei nostri artisti preferiti, in particolare quella dove i Metallica ricordavano come il loro produttore Fleming Rasmussen diede il medesimo consiglio per la registrazione di Master Of Puppets. E si arriva quindi a due mesi fa, quando esce Spirit Of The Night; pensa che il titolo esisteva già sin da prima di registrare questo album; un giorno eravamo a casa a scrivere e dissi “quando uscirà il nostro album vorrei titolarlo “Spirit Of The Night”, in quel periodo venne a mancare un nostro amico comune, ma il titolo non voleva essere un requiem o qualcosa del genere, voleva essere qualcosa di più spirituale. Non voleva neanche essere una sorta di omaggio, perché siamo dell’idea che questa persona è come se ci fosse ancora ed è per questo che nel disco ci sono molte sonorità “western”, che richiamano un po’ lo stile degli indiani d’America come i Navaho o i Cherokee. Poi sì, nel disco ci sono anche brani più grezzi, però il mood è quello descritto prima, abbiamo preso spunto anche dalla cultura orientale, dove vedono la morte non come una fine ma come una sorta di continuità.

R.G.: Che feedback avete avuto riguardo il disco? Intendevo più che altro riguardo le recensioni.

T.B.: Guarda, abbiamo letto diverse recensioni, tra queste ci sono quelle dove chi scrive ha capito il senso del disco, ma d’altro canto ci sono anche altre dove non è stato proprio recepito. Una che mi è rimasta impressa ci “accusava” di essere troppo altalenanti, che c’era troppa alternanza tra brani lenti e brani più sostenuti, e che si aspettava più brani “a cannone”. Un’altra diceva che abbiamo preso “troppo” da generi e influenze americane, cosa che non capisco anche perché, come abbiamo detto a inizio intervista, siamo stati tutti influenzati da genere che provengono da lì. Come se ci avessero accusati di essere poco italiani, ma non è questione di non amare la nostra terra anzi, per dire io adoro Max Pezzali! Ma non riesco proprio a scrivere in italiano. Noi abbiamo creato qualcosa che rispecchiasse noi, le nostre influenze; avremmo potuto diventare la brutta copia dei Blackberry Smoke, o dei Nickelback, ma noi non siamo questi. E siamo soddisfatti del lavoro fatto, perché lo sentiamo nostro, e, con tutta l’umiltà del mondo, siamo riusciti a creare qualcosa che ha una identità.

R.G.: C’è anche un pregiudizio “molto italiano” e soprattutto sbagliato verso chi, come voi, tende ad approcciarsi a sonorità più estere, concordi quindi?

T.B.: Certo anche, c’è un problema di “ricezione” nel nostro paese, ovvero la difficoltà di accettare qualcuno che non si attiene a questa sorta di conformismo musicale all’italiana; noi lo accettiamo anche, ma a 30 e passi anni è anche giusto decidere di fare quel cazzo che vogliamo, di fare quello che più ci sentiamo e che riteniamo più vicino a ciò che siamo. Questo problema esisteva già sin da quando eravamo ragazzini, quando suonavamo hardcore venivamo accusati di copiare questo o quell’altro artista; è un problema italiano e che si riflette su tutta la scena underground dove ad esempio i locali preferiscono far suonare le cover band perché garantiscono incassi. E’ un problema totalmente culturale. E internet, i social network, hanno distrutto tutto; per carità oggi nel 2019 servono, ma per contesti come quello di stasera avrebbe funzionato il classico passaparola che andava fino a 10-15 anni fa. Internet è tutt’altro che comunicazione, è un po’ come il centro commerciale che ha distrutto il negozietto di paese.

R.G.: Progetti futuri?

T.B.: Le idee ci sono, non abbiamo ancora iniziato a scrivere roba nuova ma l’obiettivo è quello. Ci concentriamo ora sulla promozione del disco, abbiamo fatto anche il video del brano Beat A Dead Horse, ma non abbiamo intenzione di farne altri al momento.

R.G.: Grazie ragazzi, alla prossima!

T.B.: Grazie a te e a RockGarage!