Intervista agli Epica

Siamo all’Alcatraz, noto locale di Milano e gli Epica hanno da pochi minuti terminato il loro sound check in vista della serata che, assieme ai Labyrinth e ai Rhapsody, li vede protagonisti sullo stage del locale milanese. In un’area appartata ci raggiunge Isaac Delahaye, chitarrista approdato nel gruppo olandese nel 2009. Ci ha parlato soprattutto di The Holographic Principle, disco che gli Epica hanno pubblicato nel settembre scorso, ma anche di altre cose, soprattutto del lungo tour che li attende.

R.G.: Ciao Isaac e benvenuto su RockGarage! Come stai? Pronto per stasera?
E.: Ciao a grazie! Sono nato pronto lo sai! Quindi sono carico e non vedo l’ora di salire sul palco!

R.G.: Lo scorso settembre avete pubblicato “The Holographic Principle”, vostro ultimo disco, che è stato accolto direi molto bene sia dai fan che dalla critica, immagino sarai parecchio soddisfatto vero?
E.: Siamo veramente contenti dei risultati ottenuti da questo disco. Col disco precedente segnammo una sorta di nuovo inizio e per questo motivo per il nuovo album abbiamo deciso di mantenere la stessa squadra riguardo la produzione. E se i risultati del disco passato furono soddisfacenti, possiamo dire lo stesso di questo, ed è inutile dire quanto siamo contenti che ai fan sia piaciuto molto. Sono altresì sempre più convinto della resa che i nuovi brani hanno dal vivo e ne daremo dimostrazione anche stasera.

R.G.: Infatti proprio alla resa live dei pezzi stavo arrivando, e so che i risultati sono stati davvero grandiosi. Tornano al disco, è cambiato qualcosa a livello di lavorazione o semplicemente di approccio?
E.: Esatto. Con questo nuovo album abbiamo anche cambiato l’approccio, ti spiego: in passato componevamo musica orchestrale per poi aggiungerci le sonorità metal, ma la parte orchestrale restava sempre in primo piano. Questa volta però siamo partiti dalla base metal, ovvero chitarra, basso e batteria, aggiungendo successivamente le parti orchestrali. Ma la base di partenza doveva, ed è stata, essere già di per sé pronta soddisfacente, almeno da avere, a prescindere dalle parti orchestrali, un bel disco metal.

R.G.: In ogni caso le parti orchestrali saranno sempre un vostro punto di forza, ma dici che sarà possibile un giorno vedervi su un palco accompagnati da un’orchestra reale?
E.: E’ difficile per tanti motivi. Innanzitutto vorremmo crescer ancora come band per poterci poi permettere un salto di questo tipo. C’è poi anche un discorso logistico da affrontare per poter condividere il palco con una vera e propria orchestra. In più un’orchestra è formata da decine e decine di elementi, che giustamente dovranno essere pagati (risate)! Insomma, è dura, difficile, ma mai dire mai!

R.G.: I risultati si vedono e a proposito: possiamo considerare questo disco come uno dei punti più alti della vostra carriera?
E.: Penso tu abbia ragione. Sono d’accordo con te, ma d’altro canto sono anche d’accordo con chi preferisce il disco precedente o il primo disco degli Epica. Ragionavo anche io quand’ero più giovane e ascoltavo i dischi dei miei artisti preferiti. Io, anzi, noi siamo totalmente soddisfatti, i fan pure, e se mi dici che questo è il nostro miglior disco per me va benissimo!

R.G.: Stasera condividerete il palco con Rhapsody e Labyrinth, sono gruppi che ti piacciono?
E.: Assolutamente! Ascoltavo i Rhapsody sin da quando avevo 16-17 anni e ho ancora alcuni dei loro dischi. Sono gruppi che stimo tantissimo, soprattutto un personaggio come Fabio (Lione, cantante dei Rhapsody ndr) che ho seguito lungo la sua carriera anche quando ha cantato per altri gruppi. Sarà un piacere e un onore suonare sul loro stesso palco.

R.G.: E direi che il pubblico sta rispondendo bene visto che già dal pomeriggio c’è una discreta coda all’ingresso del locale ancora prima dell’orario d’apertura delle porte.
E.: Ah sì? Allora li voglio subito tutti dentro!

R.G.: Ho letto che avete un lungo tour davanti a voi, ci sono altri progetti che avete in mente nel frattempo?
E.: Sì fortunatamente stiamo suonando davvero molto; siamo partiti poco dopo l’uscita del disco e fino alla fine dell’estate del 2018 saremo in tour. Saremo un po’ in tutto il mondo: oltre in Europa andremo nel Nord America, poi torneremo nuovamente in Europa, per poi ripartire verso il Sudamerica e forse anche Giappone. Per finire appunto dopo i festival estivi del 2018. Nel frattempo però lavoreremo anche su quello che sarà il nostro prossimo disco.

R.G.: Isaac grazie del tempo che ci hai concesso, vuoi fare un salute ai lettori di RockGarage?
E.: Grazie a te! Sono molto felice di essere qui, e suonare in Italia è sempre molto piacevole, qui c’è un pubblico che mette davvero tanta passione quando viene a vederci suonare, e per noi questo è importante. Sono sicuro che anche stasera sarà così, e poi mi piace molto Milano, siamo stati anche fortunati a trovare questo bel sole!

Intervista a Federico Fiumani (Diaframma)

Il 18 maggio c’è stato uno splendido concerto acustico del Fiumani a Venezia, nel locale più alternativo della città: i Biliardi. Federico ha dimostrato di essere in grandissima forma suonando molti dei suoi pezzi più famosi con una chitarra acustica un po’ malconcia ma grintosa. Sentire pezzi come Gennaio o Tre Volte Lacrime senza la dimensione elettrica a cui ero abituato mi ha colpito. Canzoni cantate a gran voce, col cuore in mano e i finali crudi senza troppi abbellimenti: questo rispecchia perfettamente il carattere di Federico Fiumani e in acustico tutto questo arriva forse con più forza. Dopo il concerto abbiamo avuto l’occasione di fargli un po’ di domande sul suo passato ma anche sui progetti cui sta lavorando:

R.G.: Ciao Federico è la prima volta che vieni a suonare nel centro storico di Venezia?

F.: No, avevamo già suonato una volta negli anni ’90. Però la situazione era completamente differente perché ero con il gruppo e sul palco di una piazza.

R.G.: Tra tutti i dischi che hai fatto, qual è quello a cui ti senti più legato?

F.: Sicuramente è Siberia, il nostro primo album. Anche per tutta la storia che ha avuto a posteriori, i gruppi che ha influenzato e per il periodo storico in cui è nato.

R.G.: C’è un decennio che vorresti rivivere?

F.: Sicuramente gli anni ’80 rappresentano il decennio che mi appartiene di più. Abbiamo contribuito a un rinnovamento della musica italiana, poi negli anni successivi questo ha dato i suoi frutti. Coniugare l’italiano al linguaggio rock non era così scontato negli anni ’80 quando lo facevamo noi.

R.G.: È una mia impressione o negli ultimi anni stai vivendo una seconda giovinezza?

F.: Sì c’è un nuovo interesse da parte del pubblico, le cose vanno molto bene. Però ci tengo a dire che io ho sempre avuto grande tenacia, ho sempre tenuto duro anche quando le cose non andavano bene. Anche il fatto di essere stato invitato a Venezia e che sia andato bene il concerto mi rende felice…anche perché Venezia è una città un po’ particolare.

R.G.: C’è una canzone che stasera non hai fatto eppure mi ha sempre divertito. Mi riferisco ad Andrea Torna Al Rock. Mi spieghi com’è nata?

F.: Andrea (Chimenti ndr) è un vecchio amico. È sempre la nostalgia a fare da asse portante alle mie canzoni, quindi racchiude la nostalgia di quel periodo bello in cui tutti suonavamo rock. Poi siccome Andrea ha avuto un periodo più cantautorale, forse un po’ troppo, allora ho pensato di fare un invito scanzonato e scherzoso che lo inducesse a tornare a sonorità più decise! Poi dopo negli anni duemila l’ho invitato a un nostro concerto al Viper dove abbiamo suonato assieme una cover di David Bowie e lui ha reinterpretato un pezzo mio, Labbra blu.

R.G.: Hai scritto dei pezzi nuovi?

F.: Ne ho scritto uno che uscirà ad ottobre per un best dei Diaframma e spero di continuare a lavorare a dei pezzi nuovi che potrebbero essere pubblicati già l’anno prossimo in nuovo album.

R.G.: Complimenti, le notizie che speravo di sentirti dire!

F.: Ci provo!

R.G.: Detto questo ti compro “Tre Volte Lacrime”! Grazie per la chiacchierata.

F.: Grazie a voi!

Intervista alle Killin’ Baudelaire

Poche ore prima del loro ingresso sul palco del Legend Club di Milano, abbiamo incontro le Killin’ Baudelaire, gruppo composto totalmente da ragazze che, nonostante siano attive solo da poco più di due anni, stanno ricevendo la giusta visibilità e soprattutto un meritato consenso. Attraverso la voce della chitarrista, nonché co-fondatrice del gruppo, Martina, accompagnata dalla nuova cantante Helly, le Killin’ Baudelaire ci hanno concesso questa intervista nella quale hanno ripercorso la loro, al momento, breve carriera, fino a svelarci anche qualche progetto futuro.

R.G.: Ciao ragazze e benvenute su RockGarage, cariche per stasera?
K.B.: Ciao e grazie a voi! Assolutamente sì!

R.G.: La vostra storia è in continuo sviluppo, ma raccontateci un po’ come, e quando, sono nate le Killin’ Baudelaire.
K.B.: Ci siamo formate più di due anni fa, esattamente nella primavera del 2015. All’inizio non è che ci ponevamo chissà quali obiettivi, se non quello di divertici suonando assieme. Io venivo da un gruppo di cover, e con la batterista, Martina, abbiamo deciso di iniziare a lavorare per lo più su inediti, magari su qualcosa di tosto, cercando però di capire innanzitutto se eravamo in grado di farlo. Prima però degli inediti abbiamo realizzato due cover, Fight Song di Marylin Manson e Adrenalize degli In This Moment, giusto per capire se ci trovavamo bene a suonare assieme. Dopo di che abbiamo iniziato a lavorare su pezzi nostri, forti del fatto che le idee non mancavano affatto. Adesso siamo arrivate ad avere otto brani nostri, compresa la cover di Lana Del Rey Summertime Sadness. Di recente poi ci sono stati due cambi nella line-up: siamo rimaste io e Martina, mentre sono arrivate Helly alla voce e Alice al basso.

R.G.: E come nacque l’idea della cover di Lana Del Rey? Considerato che è un genere abbastanza lontano dal vostro.
K.B.: L’ho scelta io (Martina ndr), era un periodo in cui ascoltavo molto Lana Del Rey, e mi piaceva particolarmente Summertime Sadness, che, secondo me, ha comunque delle sonorità alternative e, tra le altre, è quella che si sarebbe meglio prestata in una chiava più elettrica e più ritmata.

R.G.: Tornando alla band invece, hai parlato di questi cambiamenti nella formazione; vi conoscevate già da prima con le nuove arrivate?
K.B.: No non ci conoscevamo. E come ho detto in altre interviste, bisogna spezzare una lancia in favore di Facebook che ci ha permesse di trovarle. Siamo anche state aiutate dal nostro manager Titta Morganti (chitarrista dei Mellowtoy) che ci ha aiutate nella ricerca; la prima ad arrivare è stata Alice, mentre dopo, con un po’ di fatica per quanto riguarda la ricerca, è arrivata anche Helly.

R.G.: Con fatica nel senso che è difficile trovare ragazze che vogliono suonare, a prescindere dallo strumento intendo?
K.B.: Prima noi suonavamo con due chitarre, mentre con questa nuova formazione ce ne sarà una sola. Sinceramente pensavo che la difficoltà sarebbe stata trovare una bassista, o ancora ancora una cantante, pensando di trovare una chitarrista in due secondi. Sai che non siamo riuscite a trovare una chitarrista? Mi sono accorta che, in ambito femminile, oggi sembra sia molto più facile trovare bassiste.

R.G.: Ad ogni modo l’idea è sempre stata quella di rimanere una band totalmente femminile giusto?
K.B.: Si è sempre stata la nostra idea, per una questione semplice che riguarda il nostro stile: non avrebbe avuto senso cambiare e integrare elementi maschili. Poi sai, io ho sempre suonato con donne, mai con uomini, e a pensarci sarebbe stato molto strano per me fare un cambio così radicale.

R.G.: Con una formazione nuova per metà, immagino che abbiate in progetto un nuovo disco. Ci potete anticipar qualcosa?
K.B.: (Interviene Helly) Sì abbiamo in mente un nuovo album, ma sicuramente uscirà il prossimo anno. Per quest’anno preferiamo dedicarci al tour, alle date in programma, e a suonare il più possibile anche per rafforzare questo nuovo amalgama che si è creata, soprattutto per quanto riguarda me e Alice che siamo le nuove arrivate.

R.G.: Ed anche per questo nuovo disco state pensando di inserire una cover?
K.B.: Si mi piacerebbe ed è una cosa alla quale stiamo pensando. Al momento un’altra cover che facciamo dal vivo è Territorial Pissing dei Nirvana, ma non credo che sarà presente nel prossimo album.

R.G.: Ed a proposito di date, abbiamo visto che avete annunciato anche un tour in Inghilterra di cinque date per il prossimo settembre.
K.B.: Sì e non vediamo l’ora! Suonare all’estero, fuori dai propri confini e sempre stimolante e meraviglioso per una band!

R.G.: Oltre alla data di stasera, e quelle già citate in Inghilterra, ne avete altre in programma?
K.B.: Sì suoneremo in qualche festival e presto ne saranno comunicate altre, ma ti dirò alla fine non suoneremo poi così tanto, perché vorremmo dedicarci anche al disco, che uscirà attraverso Bagana Rock. Puoi benissimo immaginare che le parti di composizione e arrangiamenti di certo ci occuperanno parecchio tempo, quindi ci sarà molto da lavorare

R.G.: In un genere come quello che proponete voi, è stato difficile imporsi per una band composta completamente da ragazze?
K.B.: Un po’ come c’è in ogni cosa. A prescindere dal fatto d’essere una band totalmente al femminile ci sarà sempre un hater che parlerà male di te, ma l’importante è andare avanti e fregarsene totalmente. L’ambiente rock underground è composto molto più da uomini che da donne, e quindi una band di donne suscita sempre quell’aspettativa, quella curiosità in più. Perché come può arrivare quello che ci dice “Che fighe!”, ci sarà anche quello che dirà “Si brave, carine, ma non suoneranno mai come una band di uomini”, ed il nostro “compito” è quello di farci valere come musiciste, non semplicemente in quanto donne. Gli haters ci saranno sempre e ci faranno tanta compagnia! (ridendo)

R.G.: Grazie dell’intervista, e ci vediamo più tardi per il vostro show!
K.B.: Grazie a te! E a dopo!

Intervista ai Gambardellas 2017

In apertura agli Alvarez Kings abbiamo incontrato i Gambardellas, nostra vecchia conoscenza già ai tempi delle loro due precedenti pubblicazioni. C’è da riconoscere che i ragazzi ne hanno fatta di strada e la curiosità circa un loro nuovo album, vista l’assenza dallo studio negli ultimi anni, era tanta. Non ci siamo fatti per nulla sfuggire questa occasione: ecco cosa ci hanno raccontato in merito al loro presente ma soprattutto circa il loro futuro.

R.G.: Ciao ragazzi! Parliamo subito del nuovo singolo Won’t Give Up. Lo abbiamo ascoltato e ci è sembrato molto diverso rispetto al sound delle vostre precedenti pubblicazioni. E’ vero che sono trascorsi diversi anni però come potete spiegarci questa “rivoluzione sonora“?

G.: Sì, è vero. E’ assolutamente cambiato, noi abbiamo avuto sempre un’evoluzione come band. Siamo partiti nel 2013 con un disco che ho registrato io da solo (Mauro) e la band si è formata in corso d’opera. Per cui, tutto il periodo in cui solitamente si sta in saletta a cercare un proprio sound in realtà è stato spostato in seguito. Il primo disco è stato un po’ un progetto a sé, anche se è stato un po’ l’inizio di tutto. Ashes è stato un secondo passaggio che era un EP, non abbiamo optato per un LP proprio perché non eravamo ancora pronti come sound. Credo che invece adesso abbiamo raggiunto quello che volevamo ottenere, il sound è molto più personale è più potente; abbiamo avuto modo di lavorare molto in studio in modo da capire fin dove spingerci.

R.G.: Quindi tutto il nuovo album avrà questo sound che abbiamo già ascoltato con il singolo?

G.: Assolutamente sì. Abbiamo lavorato proprio per non avere né vincoli né preconcetti, volevamo far qualcosa di completamente diverso sia da quello che abbiamo fatto noi, sia da quello che si sente in giro. Won’t Give Up è stata una di quelle composizioni nate creando strati su strati di suoni e improvvisando al computer. Inizialmente eravamo anche un po’ spaesati, ci siamo chiesi se veramente ci piacesse il risultato di questo approccio compositivo, però poi tutto ha preso forma ed è diventato quello che è, cioè uno dei pezzi che poi ci ha indicato la nuova direzione.

R.G.: Io però mi ricordo che, sempre ai tempi di Ashes, in occasione della nostra precedente intervista ci svelaste che i pezzi per il nuovo album erano già pronti. Ma in realtà sono trascorsi tre anni. Come mai?

G.: Sì è vero, li avevamo già scritti. Però in realtà noi abbiamo sempre suonato tantissimo e come ogni band che suona molto ci si amalgama sempre di più con il tempo, con i live e con i viaggi insieme. Si cresce. Quando ci avevate intervistato noi effettivamente avevamo un altro disco già pronto, che però possiamo dire che abbiamo quasi buttato via, nel senso che abbiamo recuperato solo due brani, ma abbiamo volutamente deciso di abbandonare tutto però non ci sembrava abbastanza maturo rispetto a quello che volevamo ottenere. Quindi abbiamo ricominciato da zero e ripensato tutto. Inoltre, nel frattempo, abbiamo continuato a suonare in giro ed ecco che sono trascorsi tre anni.

R.G.: Ecco, questa è un’altra vostra caratteristica nel senso che i Gambardellas sono più una live band. Questa è una scelta legata alla vostra esigenza di esprimervi come artisti o perché oggi la musica vive più dal vivo che rinchiusa in un formato fisico che poi si fa fatica a vendere?

G.: Non è una scelta stilistica, crediamo che questo sia il percorso che le band oggi devono imboccare. Pubblichi un disco e poi cerchi di portare il disco più lontano possibile. Anche perché, come sai bene anche tu, gli spazi dove si può promuovere la propria musica diminuiscono sempre più…fortunatamente c’è RockGarage che cresce. Però ci sono meno spazi, devi guadagnarti sempre più a fatica l’interesse delle persone e quindi suonare è sempre la prima fonte di promozione per una band, oltre che fonte economica per coprire le spese. A noi piace, abbiamo suonato tanto, adesso vedremo se mantenere lo stesso ritmo ma finora ci siamo sentiti di fare così.

R.G.: Hai parlato di promozione che è un argomento interessante. Dal punto di vista live avete il grande merito di esservi sempre attrezzati autonomamente per cercare date e questo non è da tutti, mentre sulla promozione voi come band vi siete rivolti negli anni a molte agenzie diverse. Vi sarete fatti un’idea dei professionisti di questo settore. C’è del reale supporto per le band emergenti o a volte è meglio far tutto da sé?

G.: Un ufficio stampa è assolutamente utile, noi consigliamo a band emergenti di affidarsi a dei professionisti, anche perché ognuno sa fare il proprio mestiere. Soprattutto però affidarsi a delle persone che credono nel proprio progetto e che hanno voglia di spingerlo tanto quanto lo vuoi tu. Trovare queste persone ti motiva sicuramente, quindi il consiglio è di cercare un supporto come ufficio stampa, nei passaggi radiofonici, nelle interviste; queste cose servono, il seguito cresce e la band si amalgama sempre di più.

R.G.: Voi avete trovate sempre persone che hanno creduto in voi?

G.: Sì, siamo stati abbastanza fortuna. Abbiamo sempre trovato persone a cui il nostro materiale piaceva. Certo, a noi è andata bene ma ci è capitato di sentire altre band che non hanno avuto la stessa fortuna. Il consiglio che diamo è che se si trovano persone che non credono abbastanza nel progetto è meglio cercare qualcun altro. Meglio ancora fare un periodo in autonomia e poi cercare un supporto. Noi ad esempio abbiamo sempre ricercato le persone giuste, non ci siamo mai accontentati della prima proposta. Purtroppo notiamo sempre più spesso, parlando con altre band o amci, che spesso c’è un po’ di “pigrizia”, nel senso di accontentarsi della prima proposta e “vedere come va”. Allora forse conviene aspettare magari un mesetto, che non cambia nulla, e valutare delle proposte migliori. Noi siamo stati sì fortunati ma anche bravi nel puntare adesso e trovare una struttura come Bagana che crede molto in noi e che ci aiuta in tutti gli aspetti. Siamo molto contenti.

R.G.: Ok quindi stavolta la parte live non la curerete voi in autonomia, ma sarete supportati dai ragazzi della Bagana?

G.: Sì esattamente. Ma per la parte live il discorso è diverso. Secondo noi le band all’inizio devono organizzarsi da sole per cercare date, perché una band non è conosciuta e magari suona con cachet molto molto bassi ed è difficile trovare un booking che possa lavorare con te. Noi all’inizio non ci siamo mai posti l’obiettivo di cercare un’agenzia di booking fino a poco tempo fa, perché abbiamo creduto che fosse un nostro compito e lo abbiamo sempre condotto con il nostro tempo. Ora siamo nella fase in cui sentivamo l’esigenza di avere una struttura più professionale che potesse farci fare un salto in avanti.

R.G.: Parliamo di estero. Il vostro sound è sicuramente più esterofilo che italiano. Questo credo sia un dato di fatto, non a caso vi siete esibiti anche oltre le Alpi. Come vedete la situazione della musica oltre i nostri confini? Non solo dal punto di vista del pubblico ma anche dei meccanismi di promozione e di organizzazione live, se li conoscete.

G.: Guarda, ne parlavamo proprio oggi in macchina! Senza dubbio all’estero c’è un’attenzione maggiore. Noi abbiamo suonato ad esempio in Paesi dell’Est Europa e lì c’è tanta “fame”, tanta curiosità di cose nuove e la risposta è stata clamorosa. Ogni volta che si suonava era un vero evento, una cosa pazzesca. Stiamo lavorando per cercare di suonare in Germania, Inghilterra e altri Paesi; lì sono sicuramente mercati più pieni ma ci sono meccanismi, come dicevi tu, che aiutano: c’è più attenzione, ci sono più strutture adeguate, più professionisti. Da noi c’è sempre un po’ di “arrangiamento”: siamo fortissimi in questo, però a volte è un po’ un limite.

R.G.: Forse c’è anche un po’ di curiosità maggiore dal punto di vista del pubblico.

G.: Sì anche quello. E’ vero che abbiamo fatto delle date bellissime anche in Italia, però noi abbiamo fatto così tante date nel nostro Paese che abbiamo visto di tutto, dalle date piccoline a quelle più grandi. All’estero invece ne fai poche e sono per lo più grandi quindi è ovvio che il feedback sia positivo. Dovresti farne 50 all’estero e poi trarne delle conclusioni. Una cosa che noi abbiamo notato è che nella nostra label research all’estero c’è una maggiore attenzione dell’etichette: ascoltano il materiale, ti rispondono…abbiamo ricevuto risposte di label che non ci immaginavamo nemmeno che si sarebbero scomodate per ascoltare il nostro disco. Magari ci dicono di no, che il momento per loro non è quello giusto, però ci dicono che siamo piaciuti o ci danno delle indicazioni. Da noi è diverso perché è difficile spesso avere delle risposte.

R.G.: Quindi mi stai dicendo che il prossimo album non uscirà per BigWave Records?

G.: BigWave Records è sempre stata una realtà che ci ha supportato ma per noi è arrivato il momento di cercare una struttura più consolidata. Stiamo cercando principalmente all’estero ma non escludiamo niente anche qui in Italia. Vedremo.

R.G.: Tornando ai tempi della nostra precedente intervista, quando uscì “Ashes”, ci diceste che il titolo scelto non aveva un significato particolare. Per il nuovo album c’è un tema principale o delle argomentazioni che vi hanno spinto a scrivere e a raccontarvi?

G.: Sì, in questo caso ci fa piacere darvi l’anteprima: c’è un tema principale. E’ successo un po’ per caso ma è uscita fuori una tematica che ci accomuna tutti. Non sarà un concept album però da un punto di vista di testi è uscito un tema molto univoco. Tutto è stato molto studiato e voluto, ne è uscito fuori un risultato molto compatto. Siamo molto molto contenti, abbiamo lavorato con Ugo Poddigen negli Up Studios di Certosa di Pavia, uno studio pazzesco in mezzo alle risaie. Un luogo incredibile, lui è un tecnico che ha studiato negli USA e ha costruito questo studio che forse è uno dei migliori luoghi che abbiamo in Italia. Ci abbiamo lavorato sei mesi, che è un periodo infinito per le band emergenti. L’altro giorno ho sentito che Nevermind lo registrarono in 16 giorni.

R.G.: Be’ ma erano anche altri tempi! Ed un altro genere rispetto al vostro…

G.: Certo, erano altri tempi e tra l’altro saltò fuori che loro avevano comunque provato per sei mesi il disco prima di entrare in studio. Comunque sì, ci sarà una tematica precisa.

R.G.: Qualche anticipazione sulla tematica si può dare? Siamo curiosi…

G.: Per il momento non possiamo sbilanciarci, perché in questo momento vogliamo dare accento al nostro Won’t Give Up. E’ un cambiamento forte per noi, non è solo un singolo, è l’inizio di un nuovo percorso. Abbiamo voluto fare un lavoro su questo brano che è quasi paragonabile ad un disco e preferiamo aspettare un attimo per parlare dell’album.

R.G.: Forse è ancora in divenire?

G.: Noi abbiamo le idee molto chiare, dobbiamo essere onesti, però non vogliamo che passi inosservato il singolo e che si parli dell’album. In realtà non c’è ancora una data di uscita dell’album, oggi c’è il singolo e ci saranno delle date per promuovere il singolo, nel tour che ci vede impegnati adesso proponiamo già dei brani nuovi oltre il singolo e i brani storici, così testiamo un po’ il tutto. E’ un periodo intermedio ma comunque importante, perché da qui si capirà anche quello che succederà poi dopo.

R.G.: Grazie ragazzi e in bocca al lupo per il concerto!

G.: Grazie a voi!

Intervista ai Razzi Totali

Anni 90, lunghe pause, un nuovo album e scena punk rock. Sono questi alcuni degli argomenti saltati fuori nel corso dell’intervista che ci hanno concesso i Razzi Totali, punk rock band di Trento che, a qualche ora dalla loro esibizione sul palco del Live Music Club di Trezzo sull’Adda si sono aperti ai microfoni di RockGarage.

R.G.: Ciao ragazzi, presentatevi a chi ancora non vi conosce.
R.T.: Ciao! Come gruppo siamo nati una ventina di anni fa: quattro disgraziati che non sapevano come passare il tempo. Nel frattempo ci sono stati un paio di cambi nella formazione. Abbiamo fatto quattro album in studio compreso l’ultimo La Città Del Niente. Nel 2007 ci siamo fermati perché sono nati i nostri figli, ma anche perché dalle nostre parti, Trento e provincia, la scena stava morendo, mancavano i locali e gli spazi dove suonare. Dopo di che abbiamo deciso di ritornare iniziando a lavorare proprio sul disco che è uscito da poco.

R.G.: Ed a proposito del vostro nuovo disco “La Città Del Niente”, raccontateci un po’ la genesi di questo lavoro. 21 brani in un solo disco è una scelta insolita, com’è nata questa idea?
R.T.: E pensa che volevamo metterne 30-35 ma ci siamo detti: non sarà forse troppo? Seriamente, te lo dico in maniera schietta e sincera: non ci è per nulla interessato il fatto che 21 pezzi potessero essere troppi, forse in realtà volevamo puntare al doppio vinile! I pezzi inizialmente erano 16, ma le idee fortunatamente non mancavano e quindi abbiamo continuato a scriverne altri, fino ad arrivare a questo punto. Se poi ci si fa caso, nella tracklist ci sono pezzi fatti e finiti, ma anche altri che fungono un po’ da collegamento tra due brani.

R.G.: Nel disco parlate molto di degrado e malcontento, da dove arrivano le vostre tematiche?
R.T.: (risponde Andrea, il cantante ndr): Prima che ritornassimo a suonare, ho attraversato un periodo nel quale vedevo solamente merda. Venivamo dagli anni 90, in cui si poteva dire di stare bene, tant’è che nei nostri testi all’inizio parlavamo di cose leggere e frivole. Ne La Città Del Niente volevo far risaltare lo schifo che avevo attorno e quindi ho cercato di raccontare una storia.

R.G.: Anche se in parte avete risposto prima, mi viene da chiedervi, magari più nel dettaglio, come mai sono passati 10 anni dal disco precedente?
R.T.: Oltre alle questioni familiari, ovvero tutti noi siamo diventati papà, e di conseguenza le nostre energie sono andate tutte verso i nostri bambini, la scena stava totalmente decadendo: una volta bastava mettere un paio di locandine in giro ed i locali si riempivano. Un po’ è dovuto al ricambio generazionale: i giovani escono sempre meno di casa. Ma anche un po’ nell’organizzazione dei live: noi non abbiamo mai avuto booking e quindi ci chiamavano sempre i gestori dei locali per suonare. Attualmente la scena della nostra zona è morta; nonostante ci siano stati e magari ci sono ancora gruppi giovani validi, mancano gli spazi. C’è anche però un problema che riguarda diciamo le nuove “leve”: i ragazzini di adesso tecnicamente sono quasi dei professionisti e si comportano da musicisti navigati chiedendo chissà quale cachet o altro. Manca la classica gavetta. Noi abbiamo suonato in posti anche lontani da casa senza neanche avere un rimborso della benzina, ma l’abbiamo fatto per passione, per amore verso ciò che facciamo, anche in cambio di due semplici birrette. Il degrado che raccontiamo nel nostro ultimo album deriva anche da tutto questo.

R.G.: E quindi cosa vi sentite di consigliare ai gruppi nuovi?
R.T.: Suonare, suonare e suonare! Provare tanto! E soprattutto divertirsi! Cercare di creare qualcosa di proprio senza emulare o addirittura tirare su cover band che stanno intasando tutti i locali! Ok una cover, un omaggio, tipo noi che stasera faremo I Fought The Law dei The Clash, ma non tutte queste cover band che stanno occupando locali ed eventi. C’è anche una carenza di vere rock band qua in Italia, nella cosiddetta scena manca un gruppo come magari sono stati i Litfiba negli anni 90. Ma il problema maggiore resta sempre che la gente fatica a muoversi da casa, perché magari in TV ci sono i talent show, altra cosa che sta uccidendo la musica in Italia e non solo.

R.G.: Tempi Cupi sarà il vostro unico videoclip?
R.T.: Se avessimo soldi ne faremmo anche un altro! Ci piacerebbe far un videoclip del pezzo Babilonia Brucia, ma vorremmo mettere un casino di effetti speciali e quelli costano! (ridendo)

R.G.: Quali sono i vostri piani futuri?
R.T.: In estate suoneremo spesso in Veneto e ci piace molto perché è una zona dove almeno la gente interessata non manca e soprattutto esce di casa! Le date non sono ancora ufficiali ma lo saranno presto e le troverete sulla nostra pagina Facebook.

R.G.: Ok grazie ragazzi a presto!
R.T.: Grazie a voi di RockGarage! Ciao!

Intervista ai Derozer

A poche ore dal concerto che apre il loro tour, i Derozer ci hanno concesso un’intervista. Nel backstage del Live Club di Trezzo sull’Adda, attraverso la voce del cantante e leader Seby, ci hanno raccontato del loro nuovo album Passaggio A Nordest e dei risultati che sta ottenendo, ma anche un po’ di questo particolare momento della loro carriera e di tanto altro. Ecco l’estratto della nostra chiacchierata con loro.

R.G.: Ciao ragazzi, bentornati su RockGarage, ci troviamo un anno dopo l’intervista dello scorso anno, come state?
D.: Ciao e grazie! Come stiamo? Stanchi ma molto felici, siamo molto soddisfatti del lavoro che abbiamo fatto riguardo al nuovo disco. Stanchi sarà perché stiamo diventando vecchi! Ma scherzi a parte siamo davvero contenti del risultato.

R.G.: Un anno fa ci parlavate del progetto di un nuovo disco, ed infatti ecco “Passaggio A Nordest”.
D.: L’abbiamo finito credo in una decina di giorni! Sì tante canzoni erano già scritte, le abbiamo ri-arrangiate, ma le registrazioni sono state davvero velocissime.

R.G.: Il titolo è un omaggio alla vostra terra d’origine?
D.: Allora, al contrario di quanto si possa pensare, non è un omaggio alla nostra terra (il Veneto nda) anche se è inutile dire quanto siamo legati al nostro territorio. In realtà il titolo del disco richiama un altro argomento: il “passaggio a Nord-Est” era una rotta che cercavano i navigatori del 1500 dopo la scoperta dell’America, quando cercavano di andare in Asia a commerciare senza circumnavigare l’Africa. Quindi cercavano questa rotta, che era difficilissima dato che si andava incontro ai ghiacci. Per noi, dopo tanti anni, rimetterci in gioco dopo i tanti problemi che abbiamo avuto, era una sfida difficile, e quindi abbiamo scelto questo titolo proprio come una metafora del momento che stavamo attraversando.

R.G.: Il disco, sin dalle prime note, sembra piuttosto “arrabbiato”, soprattutto per quanto riguarda la liriche, personalmente mi ricorda il sound di “Chiusi Dentro”, cosa ne pensate?
D.: Musiche e testi sono miei, mentre gli arrangiamenti sono di Spazza (chitarrista nda), è un disco vero ed il paragone che fai tu con Chiusi Dentro ci può stare. Viviamo oggi in un momento complicato sotto vari aspetti, sociali ed economici, quindi se vuoi parlare della realtà o fai un disco di un pessimismo cosmico, oppure cerchi di dare una sferzata; noi abbiamo seguito la seconda possibilità dicendo “sì ok siamo nella merda, ma almeno cerchiamo di venirne fuori, senza appiattirci davanti a queste situazioni”.

R.G.: “Passaggio A Nordest” è stato anticipato dal singolo Vecchio Punk. Il testo può esser considerato autobiografico?
D.: Sicuramente è autobiografico. Quando ormai sei alla soglia dei 50 anni, la vecchia compagnia l’hai persa da molto e spesso si fa fatica ad organizzare le macchinate di una volta sia per andare ai concerti o per andar semplicemente a bere qualcosa. Quando vado a concerti di gruppi di ragazzi giovani mi capita d’esser scambiato per uno della Digos o per il padre di uno della band, vengo guardato male come se fossi veramente uno delle forze dell’ordine. Nella nostra cultura ci sono tipo delle gabbie, delle teorie nelle quali c’è scritto che ad una certa età non puoi più fare alcune cose, e questa cosa non l’abbiamo raccontata anni fa quando scrivemmo Alla Nostra Età. Noi siamo quelli che siamo ed andremo avanti sempre così. Una cosa che ci fa sempre piacere è vedere un po’ di nuove generazione nel nostro pubblico, magari vecchi nostri fan con i figli!

R.G.: Recensioni positive, posizioni importanti nella classifica iTunes…ve lo aspettavate?
D.: Sinceramente no, ed è stato davvero bello! Trovarsi a 50 anni e festeggiare, qualcuno anche troppo, un tuo disco in classifica era una cosa che non ci aspettavamo. Siamo stati credo quinti nella classifica di iTunes, a poca distanza dai Depeche Mode e dai Coldplay, quindi non proprio in cattiva compagnia. Siamo anche molto contenti delle recensioni, tutte positive come forse mai abbiamo ricevuto, questo per noi è importante, perché siamo riusciti a fare la cosa giusta, ovvero dare la possibilità a chi ci ascolta di “leggere” il disco come nella stessa maniera con cui noi abbiamo voluto raccontarlo.

R.G.: Da qualche anno sembra sia tornato in voga il vinile: non avete pensato di realizzare un vinile dell’ultimo album o magari anche di quelli passati?
D.: Sì certo, tant’è che per settembre/ottobre è prevista l’uscita in vinile di Passaggio A Nordest. La nostra etichetta tedesca ci ha proposto di farlo uscire sin da subito, ma abbiamo preferito aspettare un po’, tanto siamo giovani non abbiamo fretta! (risate collettive nda)

R.G.: La vostra formazione ufficiale continuerà a rimanere senza bassista?
D.: Sì ufficialmente siamo sempre in tre, Zamu (cantante dei Duracel e bassista dei Derozer nei live) ovviamente resterà sempre il nostro “quarto uomo”, ormai fa parte della nostra famiglia, è stata la nostra prima scelta come bassista perché lo conoscevamo da tempo, e abbiamo spesso suonato con i Duracel. Oltre ad essere umanamente speciale è anche un ottimo musicista.
Interviene Zamu: la mia è stata una scelta davvero dura, c’ho messo tipo 5 secondi a dire di sì quando i Derozer mi hanno chiesto di suonare in tour con loro (risate collettive nda)

R.G.: Al momento il tour prevede date fino ad aprile, c’è possibilità di vedervi su qualche palco in estate?
D.: Al momento sono ufficiali le date che potete trovare sul nostro sito e sui nostri social. Posso dirti che abbiamo già fissato anche delle date per quest’estate ma non voglio ancora rivelarti nulla a riguardo. La cosa che ci ha maggiormente sorpreso è la quantità di richieste che abbiamo avuto per suonare; quindi ora ci sarà la fase dei locali e poi ci dedicheremo all’estate. Come sai abbiamo scelto di fare poche date e scelte in maniera precisa ed accurata, in modo tale che ogni concerto sia una festa. Con questo metodo, l’anno scorso abbiamo fatto credo il più bel tour da quando sono nati i Derozer, tour che tra l’altro partì proprio da qui.

R.G.: Stasera sul palco con voi ci saranno come ospiti i Punkreas. Per le altre date dobbiamo aspettarci sorprese?
D.: No, anche perché non siamo particolarmente amanti di queste cose; con i Punkreas è diverso perché ci lega una forte amicizia da più di vent’anni, pensa che la prima data con loro fu nel 1994 a Firenze, per noi sono come dei fratelli. Stasera sarà quindi l’unica data nella quale avremo ospiti. Anche perché tieni conto che suoneremo i pezzi del nuovo disco, e diventerebbe impegnativo coinvolgere altri musicisti.

R.G.: Una curiosità: sapete se Mendez (ex-bassista storico del gruppo) ha ascoltato il disco?
D.: Sinceramente non ne abbiamo la più pallida idea, non lo sappiamo.

R.G.: Grazie ragazzi e a più tardi per il concerto!
D.: Grazie a te, a presto!

Intervista ai Sepultura

In occasione della data live dei Sepultura a Trezzo sull’Adda a supporto del nuovo album Machine Messiah, abbiamo incontrato Paulo Jr, storico bassista della band brasiliana e membro fondatore dal lontano 1984, quando fondò il gruppo insieme ai fratelli Cavalera. Sentiamo cosa ha detto ai nostri microfoni.

R.G.: Buongiorno Paulo e benvenuto in Italia e su RockGarage

P.J.: Buongiorno a voi e a tutti i vostri lettori!

R.G.: Iniziamo parlando del vostro nuovo album “Machine Messiah”. Come si è svolto il processo di composizione ed il lavoro di registrazione?

P.J.: Le cose basilari sono state realizzate nel nostro studio a San Paolo e fondamentalmente è stato il classico processo di lavorazione che facciamo sempre in occasione di un nuovo disco. E’ cambiata la composizione nel senso che questa volta abbiamo realizzato molte idee in solitaria per poi inviarcele e rispedircele tramite internet. In studio abbiamo lavorato come sempre a parte per le sessioni di batteria che sono state registrate in Svezia negli studi di Jens Bogren, a Stoccolma e Örebro. La ragione di questa scelta è stata dettata dal fatto di uscire dal Brasile per cogliere diverse vibrazioni rispetto a quelle di casa nostra, in un posto calmo e tranquillo. E la Svezia era il luogo perfetto.

R.G.: Puoi parlarci delle tematiche trattate nei testi?

P.J.: La maggior parte delle canzoni parla della robotizzazione a cui siamo andati ed andremo incontro, specialmente in questi ultimi anni che ci siamo lasciati alle spalle. Le persone sono sempre più dietro le quinte dei software invece che esporsi personalmente e la dipendenza dalla tecnologia è sempre più palese e quasi inevitabile. Sembra che ci sia una sorta di dipendenza che diventerà sempre più forte e sarà molto difficile poi tornare indietro. Questo è il tema che ha portato a Machine Messiah.

R.G.: E’ una sorta di concept o le canzoni sono slegate nonostante la tematica comune?

P.J.: Diciamo che non doveva esserlo ma poi il tema comune della robotizzazione l’ha trasformato in una sorta di concept.

R.G.: Devo dirti che la copertina assomiglia molto a quella di Arise (uscito nel 1991 e diventato caposaldo del thrash nda) con queste chele che reggono il cervello e la struttura che ricorda molto quella del castello sulla cover del vostro storico album. E’ una cosa voluta oppure è del tutto casuale?

P.J.: Ti dirò, è una sorta di coincidenza. Quando Andreas (Kisser, chitarrista della band, nda) stava facendo ricerche sul concetto del Deus Ex Machina ha visto in internet il quadro di Camille Dela Rosa, pittrice filippina, ha deciso che sarebbe stata un’ottima copertina, per il fatto di vedere rappresentato il Messia dentro una macchina, un essere umano che nasce da un aggeggio artificiale che gli dona il sangue e la vita. Non c’è stata una decisione di fare e modernizzare un vecchio artwork. Siamo rimasti convinti dal soggetto del quadro che rifletteva la tematica dell’album e da tutti i dettagli presenti nel dipinto, che contiene caratteristiche moderne ma anche old school. Vedendo quell’immagine mi sono venute in mente le copertine degli anni ’70, tipo quelle dei King Crimson o degli Yes. Queste sono le prime sensazioni che mi hanno riguardato nel vedere quell’immagine. E poi è altamente comprensibile a tutti.

R.G.: Rimanendo sull’argomento della tecnologia, qual è la tua opinione in merito al cambiamento che ha portato nel modo di fruire la musica e nel mondo del mercato musicale? E se c’è stato, è stato un cambiamento positivo o negativo?

P.J.: La tecnologia ha completamente cambiato il modo di fruire della musica. Può essere una cosa altamente positiva, come sempre quando si parla di evoluzione. Il problema è che ancora non si è trovato un equilibrio tra le due facce della medaglia. Ad esempio, è vantaggioso il fatto di poter cercare musica in ogni momento e che sia accessibile in tutto il mondo. Ad esempio, negli anni ’80 in Brasile per avere un disco che non fosse di quella nazione ci volevano anche tre mesi dall’uscita prima di poterne entrare in possesso. E quando arrivava si facevano copie in cassetta in quantità industriali perché non tutti se lo potevano permettere. Preferisco sicuramente i vecchi supporti e la vecchia industria, ma è innegabile che sia positivo potere acquistare in tempi brevissimi tutto quello che vuoi. E poi qui (mostra lo smartphone, nda) puoi portarti anche mille dischi in viaggio. Mi ricordo di quando andavo in tour o in viaggio e mi dovevo portare un borsone con dentro le cassette o i cd. Penso che nella scena heavy metal e rock l’impatto sia stato minore nel senso che i veri fan e gli appassionati sono ancora molto attaccati al supporto fisico. E’ un comportamento unico e molto old school. Quando ci siamo messi a comporre Machine Messiah l’abbiamo fatto con l’idea del vinile: intro, pezzo strumentale e tracklist studiata con l’idea che uscisse su vinile come supporto primario, mantenendo le vibrazioni e le tradizioni della vecchia scuola.

R.G.: Nell’ultimo DVD degli Annihilator (da noi recensito a questa pagina) Dave Ellefson (bassista dei Megadeth, nda) afferma in un’intervista che il Big Four ha due estensioni: una a nord, gli Annihilator appunto, ed una a Sud, che sono i Sepultura. Cosa pensi di questa dichiarazione?

P.J.: Non saprei proprio (ride, nda). Potrebbe essere. Siamo nel giro da tantissimo e rispettiamo molto le band storiche, quelle che ascoltavamo da ragazzi e penso che loro rispettino altrettanto noi. Quindi, perché no?

R.G.: Allora sarebbe il caso di mettere in piedi un bel Big Six, che dici?

P.J.: Lo spero! (ride,nda) Perché no? Sarebbe fichissimo suonare con questi ragazzi!

R.G.: Puoi parlarci dei tuoi primi anni da musicista? Cosa ti ha spinto ad imbracciare uno strumento da adolescente? E’ stato difficile in un Paese come il Brasile?

P.J.: Sono molto sincero: non mi ricordo minimamente il perché ho iniziato! (risate, nda) Gli inizi sono sempre molto difficili. Eravamo giovanissimi e non era facile suonare un certo genere e affrontare certe tematiche a Belo Horizonte (metropoli brasiliana dove i Sepultura si formarono, nda) città ultra cattolica. A noi interessava suonare e tutti gli aspetti riguardavano soltanto la musica. E’ stato basilare avere il supporto delle nostre famiglie. Senza di loro non saremo qui oggi. Comunque era durissima : non si trovavano gli strumenti giusti, gli amplificatori giusti, degli studi all’altezza. Inoltre noi eravamo senza alcuna esperienza. Abbiamo davvero imparato tanto quando abbiamo iniziato a viaggiare, a fare tournée. Allora in Brasile hanno potuto vedere i nostri progressi tecnici e gli studi hanno iniziato ad interessarsi ed a riadattarsi per potere competere con il resto del mondo, modernizzandosi. Ora la tecnologia ha azzerato tutto e puoi farti uno studio ed un album in casa. E’ cambiato davvero completamente lo scenario. Ora è molto più facile e meno dura, ma quando ripenso a quei giorni non sono dispiaciuto. Anzi. Sono affascinato dai vecchi tempi.

R.G.: Ti piace quello che Antichrist (Wagner Lamounier, primo cantante della band,nda) ha realizzato con i Sarcófago (band black metal che influenzerà moltissimo la scena, nda)?

P.J.: No. Gli stili così radicali non mi sono mai piaciuti. Fondamentalmente le mie basi sono rock’n’roll. Ho parlato non con lui, ma con chitarrista e bassista della band, con cui eravamo molto amici in passato e con i quali non avevo rapporti da anni. Non ci siamo rivisti ancora di persona. Ma il giorno che lo faremo potrete vedere le foto sull’Instagram ufficiale dei Sepultura! (ride di gusto, nda)

R.G.: Quali sono le tue maggiori influenze musicali?

P.J.: Le mie maggiori influenze sono state i Venom, i Kreator, i Black Sabbath, i Queen, i Metallica e tutta la scena thrash. Penso che siano poi le band che influenzano anche la scena attuale in cui ci sono molte proposte valide, come Danko Jones ed i Clutch. Poi sai il discorso non è così settario perché per me la musica, indipendentemente dal genere, o è buona o è cattiva. Io la divido così, non per generi.

R.G.: C’è un artista o una band con cui non hai mai suonato e sogni di poterlo fare un giorno?

P.J.: Rush! (risate, perché non facciamo nemmeno in tempo a finire la domanda, nda). Li ho visti, li ho incontrati ma non ho mai avuto l’onore di suonarci assieme. Penso che sarebbe molto carino suonare anche con i Pink Floyd. Abbiamo suonato con grandissimi artisti ma il mio sogno proibito sono in assoluto i Rush.

R.G.: Grazie Paulo per la tua disponibilità ed in bocca al lupo per lo show di questa sera!

P.J.: Un saluto a tutti i lettori ed a tutti i nostri fans italiani!

Intervista a Danko Jones

A pochi giorni prima dell’uscita del nuovo disco, intitolato Wild Cat, presso un hotel milanese, durante il suo promo day, abbiamo incontrato Danko Jones, cantante e leader dell’omonima band canadese, che ci ha raccontato non solo la genesi del nuovo album ma anche la sua su diversi argomenti che gravitano attorno alla musica in generale.

R.G.: Ciao Danko e benvenuto su RockGarage, allora come stai?
D.J.: Grazie! Si sto molto bene direi!

R.G.: A breve uscirà il vostro nuovo disco, “Wild Cat”, parlacene un po’.
D.J.: Sì, Wild Cat è il nostro ottavo album in studio, il primo con l’etichetta AFM Records, ed anche questo è stato prodotto da Eric Ratz. Si tratta del primo album che rispetto al suo precedente non ha nessun cambiamento: stesso produttore, stesso studio, stessa line-up. Il processo è stato semplice ma comunque dettagliato e molto accurato. Abbiamo iniziato a lavorarci su da gennaio dello scorso anno, ed abbiamo finito nella scorsa estate. Lavorando con Eric, con lo stesso studio, e con le stesse persone che conosciamo da tempo il tutto è divenuto più semplice e naturale. Prima di entrare in studio abbiamo lavorato in maniera molto accurata su ogni singolo pezzo, curandone ogni minimo particolare, e quando i brani erano pronti, siamo entrati in studio. Tieni conto che su circa 40 brani che avevamo preparato, “solo” 11 sono stati inseriti nell’album. E’ stato molto bello lavorare così, e siamo molto soddisfatti del risultato, nonostante siamo una band che da anni è stata spesso sottoposta a cambiamenti dovuti a fattori interni ed esterni a noi.

R.G.: A proposito di questo; dici appunto i cambiamenti, ma se c’è una cosa che non è mai cambiata nel corso della vostra carriera è il vostro sound.
D.J.: Sì, noi ci consideriamo una band hard rock e nei nostri dischi, sia questo ma anche quelli che abbiamo pubblicato in passato, le differenze ci sono perché sono presenti diversi musicisti, sono diverse le produzioni, e sono anche diversi gli studi dove abbiamo lavorato. Ma se c’è una cosa che ci caratterizza è che ci siamo sempre concentrati sulla musica. Se c’è una cosa che non mi piace è sostenere che questo sia il nostro miglior disco, perché, come carattere, sono uno a cui piace guardare sempre avanti, e quindi sostenere che il nostro miglior disco sia il prossimo, ed il prossimo ancora. Ogni volta che mettiamo a punto un album ho sempre la sensazione di essere nervoso, una sorta di pressione per ogni volta che esce un nuovo album; ma sono anche nervoso per il fatto di non sapere come potrebbe risultare agli altri. Io ho amato tutti gli album, ognuno per motivi diversi ma Wild Cat è un album che mi dà tranquillità.

R.G.: Quindi questo è un album che non ti ha generato nervosismo. Come mai? Cosa c’è di diverso in “Wild Cat”?
D.J.: Be’ Fire Music era un album molto arrabbiato che parlava di persone uccise, mentre questo è un periodo molto armonioso e questo si riflette in Wild Cat. Probabilmente questo è il segreto del nuovo album, non ci sono tensioni, c’è armonia all’interno della band, sia sul palco che giù dal palco.

R.G.: A marzo partirà il vostro tour europeo, ma al momento non sono previste date in Italia, sai dirci il perché?
D.J.: Sì purtroppo al momento non è previsto alcun concerto qui da voi, e mi dispiace dato che ho dei bei ricordi dei nostri show in Italia. E’ solo una questione di date da fissare. Non si possono fissare date in tutti i Paesi fin dall’inizio. La nostra speranza è quella di riuscire a venire in occasione di qualche festival estivo, o comunque entro il prossimo inverno.

R.G.: Siete una band canadese che si è esibita in tutto il mondo. Quali sono le principali differenze che riscontrare in Europa tra i diversi Paesi? Non solo a livello live ma anche a livello discografico.
D.J.: Noi andiamo molto bene nei Paesi scandinavi ma anche in Italia andiamo bene eppure solitamente suoniamo solo a Milano. Ed è una cosa che non capisco. Ci sono alcuni Paesi europei in cui suoniamo quasi sempre, Germania, Benelux…lì andiamo bene e sono quelle le date che ci propongono. Ma in altri Paesi dovremo suonare in molte altre città. In Italia non c’è solo Milano, c’è anche Roma ed altri luoghi.

R.G.: Sì infatti, in Italia ci sono anche tantissime città al Sud. Forse è una questione economica? E’ troppo costoso portare un live lì?
D.J.: Non lo so onestamente. Può darsi che dipenda dalle politiche delle città o dal fatto che i locali chiudono, o forse dal promoter locale o dal fatto che in alcuni posti si suona di più rock o di più metal…ci sono così tanti fattori. Difficile dirlo con precisione.

R.G.: Cosa ne pensi delle attuali piattaforme come Spotify o Deezer? E’ solo cambiato il modo d’ascoltar musica, oppure c’è poca “educazione” all’ascolto?
D.J.: Penso che il mondo vada avanti, ed anche la musica, o meglio l’ascoltare musica vada pari passo con tutto il progresso tecnologico che il mondo attraversa al giorno d’oggi. Certo, noi siamo cresciuti ascoltando i vinili o i CD grazie agli stereo, stereo intendo quelli con le casse. Il risultato del progresso tecnologico è che oggi questo (indicando lo smartphone ndr) venga considerato come stereo; è come se io dicessi “questa è la toilette!” (indicando il tavolo ndr). Ma pensandoci non è poi proprio una questione odierna, già con l’arrivo dei CD la gente, quando giudicava un disco, iniziò a dire “sì il disco è bello, le mie preferite sono la 4, la 7 e la 10”, senza ricordarsi i titoli dei singoli pezzi.

R.G.: Forse è anche una questione di fruizione: oggi la musica si ascolta mentre si guarda la televisione o mentre si gioca al tablet. In passato la si ascoltava con i testi del booklet in mano e concentrandosi al massimo solo sull’ascolto. E’ una questione di “educazione”.
D.J.: Certo, è così. Quando io ero ragazzo e compravo una cassetta io avevo la mia completa attenzione sull’ascolto dell’intera cassetta. Ed ero interessato ad ascoltarla per intero. Oggi invece su Youtube puoi trovare qualsiasi album per intero…è pazzesco! Posso trovarlo ed ascoltarlo! Non potrei comprare qualsiasi album e su Youtube posso trovare album che non troverei al negozio. Ci sono lati positivi e lati negativi.

R.G.: Qualche anno fa abbiamo assistito al vostro show durante lo Sziget Festival in Ungheria; ricordo che dal palco dicesti “qui ci sono tante band che dicono di suonare indie, prog metal, death metal, metalcore…noi invece suoniamo hard rock!”. E’ cambiato qualcosa da quel momento? O meglio, pensi che nel futuro ci potranno essere nuove influenze musicali nel sound dei Danko Jones?
D.J.: Non credo, siamo una hard rock band. Se succedesse saremo un altro tipo di band. Non possiamo considerarci al livello di band come, ad esempio AC/DC, Slayer o Ramones, che hanno un’unica impronta musicale e che l’hanno portata avanti per tutta la loro lunga carriera. Prendi però gli AC/DC, hanno uno stile unico ma è logico che c’è differenza tra Back In Black o Highway To Hell. La stessa cosa capita a noi, noi abbiamo sempre suonato hard rock ma se ci ascolti bene ogni album ha delle particolarità: Fire Music era incazzato, Wild Cat è più celebrativo, Never Too Loud era super prodotto, Below The Belt è stato un ritorno alle origini…quindi se non conosci bene i Danko Jones ti sembrano tutti uguali. Noi non suoniamo come abbiamo fatto in passato.

R.G.: Una nostra curiosità: sappiamo che non dipende da voi, ma come mai i Danko Jones hanno cambiato spesso il batterista?
D.J.: Ok, non bisogna vedere il “di fronte”, ma bisogna vedere il “dietro le quinte”. Dietro le quinte non ci siamo solo io e J.C., noi abbiamo lo stesso management, lavoriamo con le stesse persone all’interno dell’etichetta o del management dal 2001 e con gli stessi organizzatori di concerti e siamo una vera e propria crew che lavora insieme. Tu non lo vedi questo, tu vedi solo che cambiamo batterista di nuovo, ma questo è sbagliato. Non vedi tutte le relazioni che ci sono dietro e che continuiamo ad avere. Quando un membro va via, un batterista va via, ovviamente è un dispiacere per me e J.C.. E ovviamente quando arriva un nuovo batterista lui è preoccupato, deve imparare, deve conoscerci e dobbiamo conoscerlo e passano circa 6 mesi prima di rodare. Non voglio parlare dei singoli membri e del perché hanno deciso di andare via, ogni batterista che è andato via è stato per motivi diversi, mi piacerebbe parlarne a lungo perché mi piacerebbe che le persone sapessero, ma in alcuni casi è così che vanno le cose. Ci sono alcuni comportamenti che non sono andati bene, le persone non tendono a lasciare a meno che non tu sia uno stronzo. Certo, se con le persone non condividi lo stesso bus, se ognuno sta nella propria camera d’albergo è molto più semplice restare insieme a lungo, ma noi viviamo sempre insieme, quindi c’è bisogno di rispetto reciproco. Quando un nuovo membro entra nella band, deve essere se stesso e deve sentirsi a suo agio come fosse il miglior batterista che abbiamo mai avuto. C’è bisogno di un rispetto reciproco. Se vuoi un segreto per restare insieme questo è “non essere un cazzone”. Ecco questo può essere il segreto.

R.G.: Grazie dell’intervista Danko, vuoi salutare i vostri fan italiani?
D.J.: Grazie a voi! Certamente, mi raccomando continuate a seguirci e speriamo di poter venir presto qui a suonare in Italia.