Intervista ai Baroness

Nell’area parcheggio per i tourbus adiacente al Fabrique di Milano abbiamo incontrato Nick Jost, bassista dei Baroness. E a poche ore dall’evento, che ha visto sul palco anche Volbeat e Danko Jones, ci ha concesso un’intervista nella quale ci ha parlato di Gold & Grey, ultimo disco della band americana, e non solo.

R.G.: Ciao Nick, benvenuto su RockGarage! Pronto per stasera?

B.: Ciao e grazie per l’invito! Certamente!

R.G.: Lo scorso giugno avete pubblicato “Gold & Grey”, dopo quattro mesi che feedback avete ricevuto dai fan?

B.: Posso dire che il feedback è molto buono. La stampa e i media in generale ne parlano bene quindi è piaciuto molto. Ed ora che lo stiamo portando “on stage” posso dirti che anche la risposta dei fan è stata ottima; le nuove canzoni vengono mano a mano recepite e imparate ed è bello vedere il pubblico che le canta con noi. Soprattutto perché è un disco su cui abbiamo lavorato davvero tanto, quindi vedere questa risposta da parte di critica e fan è un’enorme soddisfazione.

R.G.: Ascoltando più volte il vostro ultimo album si ha la sensazione che con questo avete raggiunto il più alto livello di maturazione, concordi?

B.: Spero di no! (risate, ndr) Sicuramente siamo maturati, come persone e come musicisti, ma in futuro faremo sempre qualcosa di diverso e cercheremo di capire come crescere ancora per i prossimi dischi. Questo è l’obiettivo.

R.G.: Però rispetto ai precedenti dischi, questo è forse quello più “intimo”, giusto?

B.: Si sono d’accordo, il modo con cui John (Dyer Baizley, cantante-chitarrista) e Gina (Gleason, chitarrista) hanno scelto di cantare, il modo di eseguire i loro duetti rendono il disco molto, molto intimo. Ci sono anche dei momenti dove John trova maniere nuove e insolite di cantare e questo rafforza il concetto e la sensazione che dicevi poco fa, ovvero quello di rendere il tutto più intimo e personale.

R.G.: Siete ormai in tour da diversi mesi, come sta andando?

B.: Molto bene! Come ti dicevo poco fa i fan stanno piano piano imparando le nuove canzoni, e devo dire che stanno piacendo molto. All’inizio, quando suoni qualcosa di nuovo per la prima volta è divertente vedere le reazioni dei fan che ancora non conoscono i nuovi pezzi. Quando suonavamo per le prime volte il nostro singolo, o canzoni che ancora non erano state pubblicate, i fan reagivano come se dicessero “ma…mi piace o no questo nuovo brano?”. Ora però abbiamo notato che sono entusiasti del nuovo album, e ovviamente ne siamo felici.

R.G.: Vi ho visti per la prima volta lo scorso anno al Firenze Rocks, che ricordo hai di quel pomeriggio?

B.: Ah dai grande! Per noi è stato davvero un bel concerto, anche se la maggioranza del pubblico aspettava i Guns N’Roses.

R.G.: Si ricordo bene, e anche in quell’occasione avete suonato con i Volbeat, come farete stasera.

B.: Si esattamente! Ho sempre comunque ottimi ricordi di quando suoniamo qui in Italia, ci divertiamo sempre!

R.G.: E a proposito di questo, com’è condividere il palco con loro?

B.: E’ molto bello! Loro sono un bel gruppo di persone e si respira un clima di totale positività. Quasi tutte le sere facciamo sold out, ma è bello e stimolante per noi fare la parte degli “sconosciuti” perché ci motiva a conquistare anche il pubblico dei Volbeat, vogliamo portare i loro fan a domandarsi perché con loro suona una band prog metal!

R.G.: Visto che si parla di generi diversi mi viene spontaneo chiederti cosa pensi dell’attuale scena metal.

B.: Non sono un grande ascoltatore di musica metal anche se una delle mie band preferite sono i Meshuggah. Un altro gruppo che mi piace e che sto ascoltando parecchio ultimamente sono i King Gizzard & The Lizard Wizard; loro al momento sono il top, ed hanno appena fatto un disco pseudo thrash metal che è fantastico! Poi direi anche i Big Brave che vi consiglio assolutamente. Penso che ci siano tanti artisti interessanti ma che non saranno mai “pop”, e va bene così, resteremo nel nostro mondo!

R.G.: Nick, grazie per l’intervista e buon concerto per stasera!

B.: Grazie a te e a RockGarage!

Intervista ai Thunder Brigade

Presso il Parco di Villa Tittoni di Desio abbiamo incontrato i Thunder Brigade, trio milanese che da pochi mesi ha pubblicato il debut album Spirit Of The Night. Pochi minuti dopo la loro esibizione, per l’occasione in acustico, ci hanno raccontato delle loro origini, del disco e relativa accoglienza.

R.G.: Benvenuti su RockGarage! Inizierei parlando di come nascono i Thunder Brigade.

T.B.: Grazie! I Thunder Brigade nascono un po’ di tempo fa. Inizialmente eravamo un duo (Stefano Cascioli alla voce e Stefano Bigoni alla chitarra, ndr) dove ognuno dei due veniva da due generi diversi, uno punk rock e l’altro post-metal. Abbiamo deciso di metterci insieme con l’obbiettivo di creare qualcosa di originale, senza la pressione di dover per forza essere incasellati in un unico genere e ti dirò che è stato abbastanza semplice trovare la quadra per riuscire a realizzare qualcosa assieme. Per quanto riguarda i primi pezzi che abbiamo creato, abbiamo avuto un approccio da songwriter, ovvero voce più chitarra acustica. Da lì pian piano sono nati i primi brani, e di conseguenza anche le prime proposte per suonare dal vivo; il problema era però che non avevamo pezzi a sufficienza per un set live quindi abbiamo deciso di portare anche qualche cover, nella fattispecie di Johnny Cash, Eagles, Rolling Stones, dando a queste una sonorità un po’ più moderna, un po’ più “nostra”. Dopo un paio d’anni abbiamo deciso di trasformare il tutto in un set elettrico; fermo restando che non era il nostro obiettivo essere un duo acustico, abbiamo ampliato la line-up con Stefano Lecchi alla batteria, perché volevamo dare concretezza a quello a cui miravamo, considerato il nostro approccio da “band”.

R.G.: Due mesi fa è uscito il vostro album di debutto “Spirit Of The Night”, volete parlarcene?

T.B.: Sì, tieni conto che prima del disco ne abbiamo fatta di gavetta! Ma a un certo punto abbiamo deciso di realizzare qualcosa di ancor più concreto: ci siamo affidati a un amico, Stefano “Orkid” Santi e al suo SPVN Studios di Como; da lì abbiamo imparato molte cose, in particolare riguardo i tantissimi aspetti tecnici che riguardano la vera e proprio registrazione di un brano, studiando ogni minimo dettaglio. L’approccio che ci siamo dati era quello di entrare in studio e di suonare come se stessimo suonando dal vivo, e questo l’abbiamo imparato anche leggendo le interviste dei nostri artisti preferiti, in particolare quella dove i Metallica ricordavano come il loro produttore Fleming Rasmussen diede il medesimo consiglio per la registrazione di Master Of Puppets. E si arriva quindi a due mesi fa, quando esce Spirit Of The Night; pensa che il titolo esisteva già sin da prima di registrare questo album; un giorno eravamo a casa a scrivere e dissi “quando uscirà il nostro album vorrei titolarlo “Spirit Of The Night”, in quel periodo venne a mancare un nostro amico comune, ma il titolo non voleva essere un requiem o qualcosa del genere, voleva essere qualcosa di più spirituale. Non voleva neanche essere una sorta di omaggio, perché siamo dell’idea che questa persona è come se ci fosse ancora ed è per questo che nel disco ci sono molte sonorità “western”, che richiamano un po’ lo stile degli indiani d’America come i Navaho o i Cherokee. Poi sì, nel disco ci sono anche brani più grezzi, però il mood è quello descritto prima, abbiamo preso spunto anche dalla cultura orientale, dove vedono la morte non come una fine ma come una sorta di continuità.

R.G.: Che feedback avete avuto riguardo il disco? Intendevo più che altro riguardo le recensioni.

T.B.: Guarda, abbiamo letto diverse recensioni, tra queste ci sono quelle dove chi scrive ha capito il senso del disco, ma d’altro canto ci sono anche altre dove non è stato proprio recepito. Una che mi è rimasta impressa ci “accusava” di essere troppo altalenanti, che c’era troppa alternanza tra brani lenti e brani più sostenuti, e che si aspettava più brani “a cannone”. Un’altra diceva che abbiamo preso “troppo” da generi e influenze americane, cosa che non capisco anche perché, come abbiamo detto a inizio intervista, siamo stati tutti influenzati da genere che provengono da lì. Come se ci avessero accusati di essere poco italiani, ma non è questione di non amare la nostra terra anzi, per dire io adoro Max Pezzali! Ma non riesco proprio a scrivere in italiano. Noi abbiamo creato qualcosa che rispecchiasse noi, le nostre influenze; avremmo potuto diventare la brutta copia dei Blackberry Smoke, o dei Nickelback, ma noi non siamo questi. E siamo soddisfatti del lavoro fatto, perché lo sentiamo nostro, e, con tutta l’umiltà del mondo, siamo riusciti a creare qualcosa che ha una identità.

R.G.: C’è anche un pregiudizio “molto italiano” e soprattutto sbagliato verso chi, come voi, tende ad approcciarsi a sonorità più estere, concordi quindi?

T.B.: Certo anche, c’è un problema di “ricezione” nel nostro paese, ovvero la difficoltà di accettare qualcuno che non si attiene a questa sorta di conformismo musicale all’italiana; noi lo accettiamo anche, ma a 30 e passi anni è anche giusto decidere di fare quel cazzo che vogliamo, di fare quello che più ci sentiamo e che riteniamo più vicino a ciò che siamo. Questo problema esisteva già sin da quando eravamo ragazzini, quando suonavamo hardcore venivamo accusati di copiare questo o quell’altro artista; è un problema italiano e che si riflette su tutta la scena underground dove ad esempio i locali preferiscono far suonare le cover band perché garantiscono incassi. E’ un problema totalmente culturale. E internet, i social network, hanno distrutto tutto; per carità oggi nel 2019 servono, ma per contesti come quello di stasera avrebbe funzionato il classico passaparola che andava fino a 10-15 anni fa. Internet è tutt’altro che comunicazione, è un po’ come il centro commerciale che ha distrutto il negozietto di paese.

R.G.: Progetti futuri?

T.B.: Le idee ci sono, non abbiamo ancora iniziato a scrivere roba nuova ma l’obiettivo è quello. Ci concentriamo ora sulla promozione del disco, abbiamo fatto anche il video del brano Beat A Dead Horse, ma non abbiamo intenzione di farne altri al momento.

R.G.: Grazie ragazzi, alla prossima!

T.B.: Grazie a te e a RockGarage!

Intervista ai Twilight Force

Al Rock’n’Roll di Milano abbiamo incontrato Alessandro Conti, che ha appena registrato alla voce il nuovo album degli svedesi Twilight Force,Dawn Of The Dragonstar, disponibile dal 16 agosto per Nuclear Blast. Alessandro è anche la voce degli italianissimi Trick Or Treat e quindi la chiaccherata fatta si è poi spostata su tematiche varie. Vediamo cosa ci ha raccontato.G

R.G.: Ciao Ale e benvenuto su Rockgarage.it. Come sei stato scelto dai Twilight Force?

A.C.: (sospira,nda) Sono stato scelto tra mille candidati… in realtà è stato molto semplice. Il loro cantante (Chrileon, nda) è andato via nel periodo in cui Luca (Turilli, chitarrista dei Luca’s Turilli Rhapsdoy di cui Alessandro era il cantante, nda) ha annunciato il reunion tour (dei Rhapsody, che ha visto tornare Fabio Lione dietro il microfono, nda) e parlando con lui abbiamo capito che non ci sarebbe stato un nuovo lavoro. Per cui essendo tutti sotto la stessa etichetta, la Nuclear Blast ha suggerito ai Twilight Force che potevo essere un valido sostituto. I ragazzi della band li conoscevo già da anni e conoscevo la loro stima nei miei confronti per cui è stata una cosa abbastanza liscia.

R.G.: Come ti trovi a realizzare un processo di registrazione e composizione a distanza?

A.C.: Con internet tutto funziona abbastanza bene. Le pre-produzioni vengono tutte realizzate in loco e poi inviate via web. Sono partito poi per la Svezia per 8 giorni per registrare il disco e sono tornato ieri da lì perché abbiamo registrato il video. Bisogna fare un po’ avanti e indietro ma oggi giorno si riesce a farlo abbastanza agevolmente. Un paio di voli e sei arrivato. Più difficile il discorso delle prove e della preparazione del live. Bisogna prepararsi tutto a casa e l’idea di trovarti pronto on stage mette un po’ di ansia. E’ una cosa tosta che fa parte del gioco.

R.G.: Hai partecipato alla composizione dei testi? Se si, quanta libertà hai avuto?

A.C.: No i testi e le musiche erano già tutte composte, come succedeva anche con Luca. Si è trattato solamente di eseguire ma ovviamente ho avuto libertà di arrangiamento. Scegliere le linee giuste, l’interpretazione giusta. Devo dire che loro si sono fidati molto e mi hanno lasciato spazio.

R.G.: Come ti sei trovato in questo frangente?

A.C.: Molto bene.

R.G.: In futuro cambierà questo aspetto? Sarai più partecipe anche nella composizione?

A.C.: Questo album era già almeno per metà scritto prima di sapere che sarei stato il loro cantante quindi era già pronto al 50%. Sicuramente in futuro ci sarà una collaborazione più stretta, anche se a livello di songwriting sono chitarristi e tastierista a fare tutto e penso che questo aspetto rimarrà invariato, anche per mantenere la linea stilistica.

R.G.: Hai modificato il tuo approccio ed il tuo modo di cantare in questo progetto?

A.C.: Si, ed una cosa che mi ha fatto piacere è stato portare avanti la tecnica che usavo con i Rhapsody diventando un po’ più lirico e teatrale rispetto a quello stile power metal tradizionale che utilizzo nei Trick Or Treat. Qui ci sono partiture più da musical, cose già sperimentate appunto con Luca Turilli e probabilmente è stato grazie a lui che ho raffinato ed anche imparato quel metodo di cantato. Sicuramente è uno stile vocale che non puoi utilizzare universalmente in tutte le band metal. Qui c’è un approccio tenorile e completo del canto.

R.G.: Ci sarà un tour per promuovere “Dawn Of The Dragonstar”?

A.C.: Abbiamo in programma alcuni festival. Sicuramente ci sarà una tournée ma ancora non è stato deciso nulla di definitivo. Vedremo anche dai responsi di vendite e critica ma i Twilight Force negli anni passati hanno fatto tour molto lunghi e quindi ci sarà da pedalare sicuramente.

R.G.: Come la vivi questa cosa? Nel senso che da italiano, non è così comune che un cantante o un musicista siano scelti da un gruppo straniero.

A.C.: Verissimo. Ci pensavo per la prima volta mentre prenotavo il volo per la Svezia e mentre viaggiavo. A me sembra normalissimo ma se ti guardi intorno non ci sono tanti cantanti italiani che lo fanno. C’è Fabio Lione che lo fa di consuetudine ormai, e devo dire che è un peccato che non ce ne siano altri perché secondo me ci sono un sacco di artisti che sono in grado di esprimersi a livello internazionale. Diciamo che forse il rock ed il metal italiano non hanno la credibilità fuori dai nostri confini, anche a livello di professionalità, per potere convincere etichette e band a dire: “Ok, é un soggetto preparato e credibile e quindi possiamo affidarci a lui”. La mia fortuna è stata lavorare con i Rhapsody, cosa che mi ha permesso di costruire una carriera ed una credibilità anche all’estero. Capisco comunque che non sia facile. Piano piano devo dire che qualcosa sta cambiando. Guarda Luppi nei Whitesnake (Michele Luppi, tastierista italiano, nda) è una cosa molto più grossa di quella che è capitata a me. Un po’ di nomi stanno venendo fuori. Ci vogliono tanti anni di gavetta, più che in altri Paesi. Se ci sono voglia, qualità e professionalità, prima o poi queste vengono riconosciute.

R.G.: Avete registrato le voci separatamente dalla musica. La band invece che approccio ha avuto? Ha registrato in presa diretta oppure separatamente?

A.C.: Tutto separatamente. Ognuno di loro ha un piccolo studio. Anche con i Trick Or Treat, nonostante la vicinanza, facciamo alla stessa maniera. Magari ci si scambiano idee e consigli, ma registrare così è molto più comodo.

R.G.: Te lo chiedevo perché molti prodotti ora vengono realizzati suonando tutti insieme per avere una resa su disco più simile al live, più di impatto e compatta.

A.C.: Sicuramente è una scelta che funziona e dà i suoi frutti, però in sede di produzione è una cosa meno modificabile, meno controllabile ed ovviamente molto più dispendiosa. Prima era il contrario: la presa diretta era vantaggiosa. Adesso invece guadagni più tempo a lavorare ognuno per sé.

R.G.: Tornando alla domanda precedente, perché secondo te, nonostante una scena forte ed ormai decennale l’Italia non riesce ad avere una considerazione importante all’estero? Tanto per farla semplice, se tu non fossi nato qui ma negli Usa o in Germania, avresti avuto un responso diverso da quello che hai qui?

A.C.: Personalmente non saprei…

R.G.: Prendiamo come metro di valutazione i Trick Or Treat.

A.C.: Sicuramente saremmo più conosciuti. Anche se molti dicono che in Italia si combina poco cantando in italiano. Re-Animated (album del 2018, nda) è un disco fatto esclusivamente per il mercato italiano ed i fan italiani ed è stato un successo incredibile ed inaspettato. Ai concerti trovi diverse generazioni, anche ragazzi molto giovani che non hanno nulla a che fare con il pubblico metal ma che vengono a vederci perché facciamo le sigle dei cartoni animati in versione metal. Bisogna anche sapersi ritagliare uno spazio. Siamo arrivati per due ragioni a sviluppare questo discorso: la prima è la passione per i cartoni animati, quella passione un po’ nerd, sviluppata crescendo con le sigle e quell’imprinting. La seconda è che con i Trick Or Treat eravamo giunti ad avere il massimo della fanbase che puoi avere nella scena metal in Italia già cinque anni fa e quando arrivi a quel punto poi non ti sviluppi più. Allora ci siamo detti: “Proviamo a fare qualcosa che non snaturi il nostro stile e che sia rispettoso anche verso la nostra linea musicale e personale”. Anche con il nuovo disco che stiamo facendo sui Cavalieri Dello Zodiaco l’impostazione sarà questa. Non perdere i nuovi fan, quelli che non fanno parte della scena metal, con musiche originali nostre ed accattivanti. Ci si prova, magari non si riesce. Però allargare la fanbase ed avere spirito di arrangiarsi è sicuramente qualcosa che bisogna fare. Ovviamente se nasci in un Paese dove ci sono già infrastrutture adatte, etichette professionali a livello di promozione e distribuzione, la credibilità in automatico aumenta ovunque. L’Italia ha un problema di deficit di infrastrutture. Ci sono molte band ed anche etichette, ma queste non sono abbastanza grandi e focalizzate nell’investire sugli artisti. Ad esempio però la scena metal italiana è cresciuta perché la Frontiers (casa discografica italiana, nda) ha investito qualcosa nelle band nostrane. Non parlo di quantità di investimento, perché non ne sono a conoscenza, ma basterebbero quattro o cinque realtà come la loro ed in 5 anni avremmo una scena che spacca. Non è detto che purtroppo succederà. A questo punto bisognerebbe trovare vie alternative, come il crowdfunding o altre soluzioni.

R.G.: Qual è la tua opinione in merito al fatto che la nostra generazione è così influenzata e legata nel profondo alle sigle dei cartoni animati?

A.C.: Ci ho pensato molte volte e la mia interpretazione è questa. Una ragione è da trovarsi nel boom economico italiano degli anni ’70-’80 che ha fatto sì che i nostri genitori fossero tutti a lavorare, con noi mollati davanti alla televisione che faceva da baby sitter. La televisione era l’amico, la mamma, il fratello maggiore e tutti i giorni le sigle sentite e risentite a iosa che introducevano cartoni di qualità ha fatto si che nella mente di un 40-35enne di oggi quelle musiche lì, ascoltate poi in un momento in cui il cervello è una spugna che assorbe tutto, suscitino ricordi e sensazioni piacevoli e bellissime. Si crea un ponte cognitivo dei tuoi pomeriggi sul divano a bere il succo e mangiare la merende, completamente spensierato. Mettici poi che i cartoni giapponesi ti educavano e preparavano all’età adulta, con storie tragiche e storie di onore con un grande senso della morale e si completa il tutto.

R.G.: Quali sono gli artisti che hanno avuto più influenza su di te?

A.C.: Kiske (Michael, cantante degli Helloween, nda) e Matos (Andre, cantante degli Angra e degli Shaman, da poco scomparso a causa di un infarto, nda) a livello tecnico vocale. Musicalmente Helloween, Angra, i primi Rhapsody e tutto il power metal teutonico. Ho iniziato ad ascoltare musica abbastanza tardi, verso i 16-17 anni. Per me queste band sono fondamentali. Adesso ascolto anche band nuove ma quelle band sono rimaste a livello sentimentale e molto penetrante. Anche se dopo puoi cambiare i tuoi gusti, le band con cui ti avvicini alla musica sono quelle che rimarranno per sempre le tue preferite.

R.G.: Come vedi il mercato musicale tra cinque anni, contando che ogni giorno la tecnologia modifica le possibilità degli emergenti e cambia l’approccio di chi già nell’ambiente ci è da tempo e magari ha anche una posizione salda e radicata?

A.C.: Sicuramente adesso il music business è molto più democratico perché tutti hanno la possibilità di registrare un disco in maniera economica e professionale rispetto agli anni ’80. Questo però rende tutto una sorta di giungla, perché tutte le band emergenti, avendo le stesse possibilità, si trovano davanti ad un pubblico che consuma musica alla velocità della luce. Il segreto è realizzare qualcosa di virale e che faccia parlare di sé senza scadere nel ridicolo, a meno che tu non voglia farlo di proposito. Il problema è che la viralità è fatta da cose che fanno ridere, intristiscono o sono completamente ridicole e sono caratteristiche in cui la musica non dovrebbe rientrare. Bisogna essere molto attenti a questi aspetti.

R.G.: Grazie Ale per il tempo che ci hai concesso.

A.C.: Grazie a voi. Un saluto a tutti i lettori di RockGarage.

Intervista agli Hangarvain

Subito prima dello show dei The Darkness al Carroponte di Sesto San Giovanni (MI) abbiamo incontrato gli Hangarvain che poco prima avevano aperto la serata, lasciando poi il palco ai Noise Pollution. Per noi si sono preparati Sergio Toledo Mosca (voce), Alessandro Liccardo (chitarra) e Alessandro Stellano (basso) e siamo riusciti a fare due chiacchiere in previsione della pubblicazione del loro nuovo album. Ecco cosa ci hanno raccontato.

R.G.: Ciao ragazzi, in questo periodo vi state esibendo dal vivo dopo un periodo intenso in sala di registrazione per i lavori del prossimo album, corretto?

A.L.: In realtà il disco è pronto. Abbiamo finito 20 giorni fa, abbiamo fatto un po’ di date di rodaggio questa estate per preparare la release che sarà in autunno.

R.G.: Ok, tra l’altro non è trascorso molto tempo dalla precedente release?

A.L.: Maggio 2018.

R.G.: Quindi praticamente un anno…siete ripartiti con il botto dopo la pausa di un paio di anni.

A.L.: Sì siamo stati fermi tutto il 2017 e metà 2018. Era doverosa questa pausa perché ognuno di noi si è dedicato ad altre cose, io personalmente alla Volcano Records che mi prende il 99,9% del mio tempo…però poi quando la vita ti assorbe e hai delle responsabilità quotidiane ti manca tutto questo. Quindi è diventato un pensiero fisso.

R.G.: In particolare come è stato il ritorno in attività, siete ripartiti dal punto in cui vi eravate fermati oppure nel frattempo vi siete evoluti e quindi sono cambiate un po’ di cose?

S.M.: Be’ noi avevamo già un album pronto quando ci siamo rotti tra virgolette, rimettendoci insieme abbiamo riscritto tutto però abbiamo fatto una prova, infatti Roots And Returns (la precedente uscita del 2018 ndr) è un EP. Facciamo un EP di prova e vediamo come va. Ed è stato un ponte di transizione anche musicalmente parlando, noi abbiamo la fortuna di essere persone che ascoltano, vivono ed assorbono la musica quindi abbiamo orecchie ovunque e questo ci fa crescere.

R.G.: Quindi il prossimo album è il primo full-lenght della reunion, possiamo dire? O è semplicemente un nuovo capitolo degli Hangarvain?

S.M.: Stasera stai parlando con tre persone che hanno formato gli Hangar, nemmeno a farlo apposta, Alessandro (Stellano, il bassista ndr) addirittura dall’Australia che non vedevamo da 4 anni sul palco…non c’è una reunion, gli Hangarvain alla fine siamo io ed Ale, non c’è mai stata una rottura tra me e lui e non c’è bisogno di una reunion quando non si rompe nulla. C’è stato un rimettersi in carreggiata, abbiamo fatto questa prova con Roots And Returns che a sua volta era già un ponte rispetto a Freaks, c’è un distacco serio rispetto a Freaks e quello che sarà dell’album nuovo che, non so se possiamo già svelare il titolo…

A.L.: No, no, non possiamo svelarlo.

R.G.: Però possiamo svelare qualcosa del nuovo album…

S.M.: Stasera il primo pezzo che abbiamo suonato è estratto dal nuovo album, che a questo punto ti diciamo come si chiama…

A.L.: No, no, non lo possiamo dire! (risate generali ndr)

R.G.: Ma quindi l’album si intitolerà “Non lo possiamo dire”? (altre risate ndr) Quando sarà la pubblicazione? Avete già in mente una data?

A.L.: Allora, noi siamo sotto label Volcano Records però stiamo valutando alcune proposte e stiamo approfondendo alcune opportunità. Dipende tutto da chi si siede al tavolo. Ci siamo dati come scadenza i primi di agosto per definire lo scenario, dopo di che se tutto va come programma e quindi Volcano gestisce per l’Europa, la pubblicazione avverrà la seconda settimana di ottobre. Noi abbiamo comunque già una serie di date live in programma, il treno è lanciato.

R.G.: Voi avete già aperto ai The Darkness in passato. Com’è esibirvi prima di loro?

S.M.: Mah loro sono tranquillissimi, anche una data precedente era con loro e i Noise Pollution…poi sai noi facciamo il nostro lavoro…

A.L.: A noi fa piacere suonare con band come i The Darkness perché sono rock ma abbastanza fruibile, abbastanza mainstream. Ci piace molto, perché noi non siamo assolutamente una band metal. Tante volte ci capita di vivere in un ecosistema underground dove la prevalenza del metal sul rock è importante…abbiamo fatto una data di recente con i Vision Divine, una band che stimiamo, è stato figo però…anche ieri sera, eravamo sul palco con i Destrage, fortissimi, però noi facciamo altro. Anche perché poi si crea quell’equivoco, pubblico nostro, pubblico loro…chiaramente con i The Darkness è quasi tutto pubblico loro.

R.G.: Un’altra domanda che volevo farvi riguarda il genere, visto che Alessandro ha aperto il tema rock / metal. Io faccio sempre fatica a incasellarvi più nel southern rock o più nel grunge, è difficile inserirvi nell’uno o nell’altro calderone. Detto comunque che una band non deve stare per forza di là o di qua…

S.M.: Ma tu sai benissimo che le etichette servono solo per gli scaffali nei centri commerciali…diciamoci la verità. Noi abbiamo questa fortissima base blues, Alessandro ha fatto una tesi sul blues, lo vista, l’ho letta…

A.L.: L’ha addirittura letta (risate generali ndr)

S.M.: Una volta John Lennon disse che il blues è la sedia su cui tutta la musica moderna si siede, quindi noi da quella sedia ci spostiamo dove più ci piace. Io ho il timbro che può ricordare Eddie Vedder, stimatissimo, ok…però…non ci etichettare… (altre risate ndr)

R.G.: Ok, ma tu hai appena detto che rispetto all’EP dell’anno scorso siete cambiati parecchio.

S.M.: Sì siamo cambiati parecchio, era molto improntato sul rhythm’n’blues e c’è stato questo forte impatto anche perché non è facilissimo dire “cambio tutto da zero” con la stessa formazione.

A.L.: Poi il disco precedente era andato molto bene, Freaks aveva venduto circa 1.000 copie che per noi sono numeri alti, poi aveva dei pezzi tipo Keep Falling che è stato molto ascoltato, quindi in seguito siamo usciti con questo EP completamente diverso ma dichiaratamente diverso, infatti già dal titolo si intuiva un ritorno alle origini. Il prossimo disco va in quella direzione però è sicuramente un passo avanti, è più elaborato, molto analogico, molto suonato, molto di pancia.

R.G.: Quindi anche scritto e pensato per un’esecuzione live diversa?

S.M.: Avremo…posso dirlo? Avremo il quinto elemento.

A.L.: Sì possiamo dirlo anche se non possiamo dire chi ha registrato le parti in studio.

S.M.: Sì, però ti diciamo che dal nuovo disco in poi, anche in sede live, saremo in 5. Io ad esempio nel ’93 non conoscevo i Nirvana, mi flagellerete, però conoscevo i Black Crows. Allora va bene per me fare un disco con una certa sonorità…tipo Rival Sons, su quel genere lì.

R.G.: Tra l’altro sta tornando un po’ anche questa sonorità…

S.M.: Sì, fortunatamente sì, meglio quello che certe cose che si sentono e non si capiscono (risate generali ndr).

A.L.: Noi ci siamo da sempre messi nel filone del post-grunge southern alla Black Stone Cherry, con questo disco ci allontaniamo un po’ dal post-grunge per andare nell’hard blues…c’è anche del gospel che a noi piace tanto. Noi vogliamo che si dica rock.

R.G.: Al di là dell’evoluzione artistica, ormai siete in attività da parecchio, siete riusciti a fare anche un programma che vada al di là del singolo album? Tipo da qui a 5 anni?

A.L.: No, 5 anni sono tanti per una band. Il prossimo sarà comunque un disco di transizione, anche perché pensa che con l’EP precedente abbiamo fatto 56 date live e molte di queste date a parte i festival estivi sono state date da headliner. Ci siamo persi una cosa che avevamo fatto prima cioè suonare con artisti più grossi, cosa che a noi serve come a tutte le band. Adesso l’idea è quella di fare entrambe le cose, a Milano torneremo a novembre al Rock’n’Roll ma anche fare date come questa con migliaia di persone.

S.M.: Però mentre noi fino al 2016 facevamo tour anche con persone con cui non eravamo molto in linea, adesso abbiamo già rifiutato 3 tour perché ora sappiamo dove dobbiamo andare a prendere il nostro pubblico. Bisogna anche saper dire di no per crescere.

R.G.: Voi avete fatto anche delle date all’estero…qual è il vostro feedback del live all’estero, sia come risposta del pubblico sia come organizzazione?

A.L.: Sì dall’Inghilterra, alla Spagna, all’Austria, all’Ucraina, alla Lettonia. Considera che noi abbiamo fatto date molto diverse, dal locale minuscolo infrasettimanale a 6.000 persone a Kiev, la data a Londra molto difficile a quella in Austria in un club bellissimo. Molto dipende anche dal grado di promozione che tu vai a fare, oggi in Ucraina noi abbiamo una fanbase importante perché abbiamo suonato più volte, in Lettonia è andata molto bene, so che si sta parlando di alcuni nuovi live. In Germania abbiamo rifiutato un tour di 15 date perché non eravamo in linea con la proposta dell’artista a cui dovevamo aprire.

R.G.: E sull’organizzazione che tipo di professionalità o non professionalità avete trovato all’estero?

A.L.: Questo è un po’ uno di quei luoghi comuni che all’estero funziona tutto, noi abbiamo fatto circa 100 date all’estero e abbiamo trovato situazioni molto diverse. Se becchi il promoter che non lavora bene ci sono 10 persone davanti al palco.

R.G.: C’è però un’altra concezione dello show. Noi in Italia siamo abituati a piazzarci sotto il palco e assistere al live, mentre all’estero è più visto come un evento.

A.L.: Sì, ma la nostra filosofia è prendere il pubblico e scuoterlo, coinvolgerlo. Noi trasciniamo il pubblico, lo facciamo stancare quanto noi quindi per noi non cambia molto. Anche se ci sono 5 persone…Il pubblico reagisce in percentuale sempre alla stessa maniera, stasera ce ne erano 1.000 e almeno 200 sotto il palco impazziti.

R.G.: Ok quindi inizio autunno nuovo album e poi tour. Ci sono già delle date che possiamo annunciare?

A.L.: A Milano saremo il 15 novembre al Rock’n’Roll di Rho, sicuramente a fine ottobre faremo un tour italiano con una band americana grossa che non possiamo annunciare…e poi tante occasioni per vederci dal vivo.

R.G.: Ok perfetto, allora ci aggiorniamo poi per l’uscita dell’album e per il tour. Intanto grazie per la chiacchierata e complimenti per lo show.

S.M.: Ok grazie a te!

A.L.: È sempre un piacere!

Intervista ai Ritmo Tribale

Poche ora prima del loro concerto, abbiamo incontrato i Ritmo Tribale nel parco di Villa Tittoni a Desio. Alex Marcheschi, batterista del gruppo, ci ha parlato di questo nuovo inizio del gruppo, del passato ma anche del futuro, e di quella scena rock italiana degli anni 90, dove, tra le tante band, c’erano anche i Ritmo Tribale.

R.G.: Ciao Alex, poco più di 2 anni fa siete tornati a suonare live, innanzitutto quali sono state le sensazioni?

R.T.: Guarda, è stato molto emozionante. Pensa che doveva essere una cosa diciamo estemporanea, nata dall’idea di un amico che ci aveva chiesto di fare un concerto con solo i pezzi di Bahamas (disco pubblicato nel 1999, ndr), una cosa fatta esclusivamente per amicizia. Noi ci siamo trovati da Dio, il concerto, svoltosi a Erba, è andato molto bene, c’era tantissima gente e noi abbiamo ritrovato una spinta che non immaginavamo minimamente. E da lì ne abbiamo fatto un altro, al Circolo Magnolia di Milano e così via, iniziando anche a pensare a qualcosa di nuovo.

R.G.: E vi aspettavate questo successo dopo tutti questi anni?

R.T.: Premesso che noi non ci siamo mai fatti problemi di questo tipo, neanche noi ci sapevamo cosa aspettarci. Nella nostra testa pensavamo che al massimo potevano venire dei vecchietti! Magari quelli che difficilmente escono di casa, mica i ragazzini che oggi ascoltano trap. E invece c’è stato uno strano connubio: c’erano sì i vecchietti ma anche ragazzi molto giovani, forse i nipoti! Ci siamo resi conto, in particolare nelle zone dove storicamente siamo sempre andati bene, che l’affluenza era notevole, ma allo stesso tempo avevamo comunque bisogno anche di pezzi nuovi, quindi abbiamo deciso che se dovevamo andare avanti, doveva essere anche con brani nuovi, altrimenti ce ne saremmo stati a suonare per conto nostro.

R.G.: E tra questi brani nuovi c’è anche Resurrezione Show, brano che avete pubblicato circa un mese fa, ce ne vuoi parlare?

R.T.: Sì, il brano è un riadattamento in italiano del pezzo dei Killing Joke The Death & Resurrection Show, che avevamo registrato circa un anno e mezzo fa, assieme a un altro riadattamento stavolta dei Nine Inch Nails. La nostra idea era quella di fare uscire questi 2 più altri 2 nuovi brani. Il problema è stato che non abbiamo ancora avuto l’autorizzazione riguardo quello dei Nine Inch Nails.

R.G.: Quindi la vostra strategia è quella di uscire con dei singoli una tantum?

R.T.: L’idea iniziale era quella di realizzare un EP con i 4 brani citati poco fa, ma come spiegato l’EP al momento non ci sarà. Abbiamo anche dei brani nuovi, non ancora registrati, in modo da poter aver qualcosa di più “corposo” ovvero un album, magari già in autunno.

R.G.: Voi siete figli di quella scena 90’s, scena che negli ultimi 2-3 anni, anche grazie a voi, viene rivalutata. Vi sentite parte di quel periodo? Quali sono i ricordi più belli di quegli anni?

R.T.: Noi siamo sempre stati molto trasversali, in realtà gli stessi giornalisti di quel periodo facevano fatica a catalogarci dentro una scena o un genere preciso. L’unica scena di cui possiamo dire di aver fatto parte, assieme ad altri musicisti, era quella legata al Jungle Sound Station, dove eravamo tante band di Milano, con cui si provava nello stesso studio, si facevano tour assieme, parlo di band come Casino Royale, Karma o Bluvertigo. Poi ti dirò, noi eravamo più legati al periodo di fine anni 80, più legati alla scena hardcore. La verità degli anni 90 sono state le major discografiche, che hanno investito molto, ma il fulcro vero c’era già da prima.

R.G.: E cosa ne pensate dell’attuale scena rock italiana? Ci sono artisti che ti hanno particolarmente colpito?

R.T.: Mi cogli in difficoltà! Premesso che io soffro molto l’assenza di chitarre, però una cosa interessante che ho ascoltato è Salmo coi Linea77. Guarda, ne parlavo recentemente, l’ultimo disco rock che mi è piaciuto davvero tanto è quello doppio dei Verdena, che è Wow, uscito circa 10 anni fa (2011, ndr). Della scena attuale faccio davvero fatica a trovare qualcuno che mi piace molto, perché è un linguaggio diverso, spesso sono cose che mi entrano ed escono subito. Ma non è una questione di essere chiuso anzi, ci provo davvero ad ascoltare ma non ho trovato ancora nulla che davvero mi abbia entusiasmato.

R.G.: E com’è stato rapportarsi coi nuovi canali di fruizione della musica (Spotify, social etc)?

R.T.: E’ un mezzo di comunicazione di oggi, come lo era anni fa il volantinaggio, ma molto più veloce. Sono mezzi anche molto più utili, ma allo stesso tempo molto più dispersivi. Una volta bastava mettere un manifesto in una qualsiasi piazza di Milano e col passaparola si creava automaticamente un’enorme cassa di risonanza. Sui social c’è l’enorme balla degli eventi Facebook, dove la gente è soddisfatta di sapere che c’è, di fingersi interessata perché poi realmente sono pochi quelli che vi partecipano. Logicamente sono mezzi più adatti alle nuove generazioni e non a “vecchi rockers” come noi, ma giustamente cerchiamo di approcciarci anche noi verso questo modo di comunicare.

R.G.: E a proposito di nuove generazioni, che consigli daresti a dei ragazzini che vogliono approcciarsi nella musica?

R.T.: Fregarsene di tutto, andare in sala prove e suonare, fregarsene dei social eccetera, addirittura anche di non andare troppo a lezione, suonare, suonare e suonare! Suonare intendo con altri, e non da soli davanti al computer. Trovare l’alchimia con gli altri e non intendo solo dal punto di vista artistico. Purtroppo siamo in un periodo dove l’apparire conta più dell’essere, e molti credono di essere arrivati solo grazie a un paio di foto su Instagram. Per certi versi bisognerebbe tornare alla cultura del provare “in garage”, come negli anni 70,80 e 90. Ma anche tornare a rivalutare il gusto del suono, che oggi viene percepito quasi esclusivamente attraverso gli smartphone. Me lo diceva recentemente un mio amico, che è un fonico molto conosciuto, che ormai è il telefono la prova se un brano o disco suona bene, non più le casse. E questo è assurdo!

R.G.: Siamo giunti alla conclusione, e pensa, senza aver chiesto nulla riguardo Edda! (ex-cantante della band, uscito dalla stessa più di 20 anni fa)

R.T.: Ma veramente! Non capita spesso credimi!

R.G.: Sinceramente, quanto, e se, vi infastidiscono le domande su Edda?

R.T.: No, guarda, ci infastidiva la solita cosa tipo “sì bravi i Ritmo Tribale, ma quando torna Edda?”, a me fa solo piacere parlare di lui anche se ci sentiamo poco. Ma poi ragazzi…sono vent’anni che suoniamo senza Edda! Te lo dico: c’è stato anche un breve periodo dove si era pensato di tornare assieme, è venuto anche a provare, ma attualmente non ci sono le condizioni, e poi lui ha la sua storia, fa le sue cose che restano quanto di più lontano possiamo fare noi. Ormai noi, da anni, abbiamo la nostra identità con Andrea (Scaglia, ndr) alla voce.

R.G.: Grazie dell’intervista Alex!

R.T.: Grazie a te e a RockGarage! A presto!

Intervista ai Sonata Arctica

Al Rock ‘N Roll di Milano abbiamo scambiato due chiacchiere con Elias Viljanen, chitarrista dei Sonata Arctica, band che vedrà uscire il nuovo album Talviyö il 6 settembre prossimo. Sentiamo cosa ha avuto da dirci sulla nuova opera e su altri temi.

R.G.: Ciao Elias e benvenuto a Milano e su RockGarage. Parliamo del vostro nuovo album che uscirà a settembre. Come è stato il processo di registrazione e composizione?

E.V.: Tony (Kakko, cantante dei Sonata Arctica, nda) ha composto tutto il materiale, come di consuetudine giusto un anno fa. Poi tutto il resto della band ha ascoltato i suoi demo registrati nello studio casalingo. Di solito non tutto il materiale viene approvato dal resto di noi e qualcosa non si sposa bene con il sound dei Sonata, ma stavolta eravamo tutti convinti che Tony avesse tirato fuori composizioni totalmente giuste, su cui poi abbiamo lavorato ed ognuno ha portato il suo contributo. Siamo entrati in studio lo scorso settembre. Per sei settimane abbiamo lavorato alla registrazione delle tracce base che comprendevano batteria, basso ed alcune linee di chitarra, il tutto eseguito live in studio. E’ la prima volta che registriamo simultaneamente come suonassimo dal vivo. Ovviamente se commettevamo degli errori il tutto veniva sistemato con il mix ed una nuova registrazione della porzione contenente l’errore. Penso che il risultato di questo processo sia molto più naturale e spero che giunga all’ascolto dell’album. Il produttore è stato Mikko Tegelman, che è anche il nostro ingegnere del suono sia in studio che in sede live, che ci ha posto la seguente domanda : “Come mai suonate così diversi quando siete in studio e sul palco? Perché durante i concerti siete molto più potenti”. E così, seguendo le sue osservazioni, abbiamo deciso di dare al nuovo prodotto un’impronta che riproducesse le sensazioni che diamo durante i nostri concerti. Dopo questa prima fase siamo partiti per una tournée di spettacoli acustici in giro per l’Europa, cosa che per i nostri fan era assolutamente una novità. Ed anche per noi visto che l’esperienza era stata fatta solamente in Finlandia. Uno show acustico è completamente differente dalla nostra solita dimensione dal vivo, ma è andato tutto bene ed è stata un successo, almeno nella mia opinione. Dopo questa piccola pausa siamo tornati in studio per registrare le voci di Tony, e tra mix e mastering ci è voluto poco più di un mese e l’album era pronto.

R.G.: Ci puoi dire qualcosa in merito all’artwork?

E.V.: Tony da tempo proponeva di usare una fotografia reale per una copertina piuttosto che un’immagine artificiale. Ha scoperto questo ragazzo finlandese che si chiama Onni Wiljami e che sta diventando abbastanza noto da noi come fotografo e grafico. Abbiamo trovato questa foto invernale e l’abbiamo contattato ed è stato molto contento di collaborare con noi. Dal suo portfolio abbiamo scelto dieci foto da cui poi è stata tratta quella di copertina. Originalmente lo scatto era di giorno e non notturno come lo vedete ora, con l’aggiunta della luna e delle stelle cadenti.

R.G.: Qual é il significato di “Talviyö”?

E.V.: Tradotto significa “notte d’inverno”.

R.G.: Quindi ti chiedo se il nuovo album è una sorta di concept oppure tutto è legato, copertina compresa, solamente ad un aspetto di sonorità e mood complessivo.

E.V.: Non è un concept sicuramente ma il mood complessivo lega il tutto. Soprattutto per quanto riguarda i testi molte canzoni affrontano temi veramente simili tra loro. La prima canzone (Message From The Sun, nda) è quella che riflette maggiormente lo spirito della copertina perché riguarda l’aurora boreale, le luci del Nordeuropa e tutto ciò che concerne l’inverno come tematiche.

R.G.: La sensazione che suscita il nuovo lavoro (noi lo abbiamo ascoltato in anteprima ndr) è qualcosa di veramente calmo e pacifico, che riflette l’interiorità e si distacca abbastanza dalle vostre precedenti produzioni ed il genere che proponete.

E.V.: Si, lo confermo ed è una sensazione che ho avuto anche io soprattutto all’inizio delle registrazioni. Sicuramente ci sono influenze diverse e nuove in questo lavoro, e come musicisti abbiamo trasferito questa sensazione e queste atmosfere “calme” in musica. Probabilmente sai è anche un fatto di età, siamo diventati solo più vecchi (risate,nda).

R.G.: Guardando la copertina e conoscendo il significato del titolo, abbinandolo alle sensazioni di pace che le canzoni suscitano, è davvero un prodotto completamente azzeccato.

E.V.: Si. Quando è inverno è tutto molto calmo e pacifico. Guardando la copertina hai la sensazione del silenzio. Con questo ambiente praticamente non senti alcun rumore quando la neve ha ricoperto tutto.

R.G.: Ci sarà un tour a supporto dell’album?

E.V.: Si. Inizieremo a settembre dall’America del Nord una tournée con i Kamelot ed i Battle Beast. Dopo sei settimane inizierà il tour europeo in novembre che durerà fino a dicembre inoltrato, le cui date saranno annunciate a breve. Inizierà da casa nostra per proseguire in Germania e poi le altre nazioni.

R.G.: Saranno previste anche date in Asia ed Oceania?

E.V.: L’anno prossimo avremo sicuramente delle date anche in queste location.

R.G.: Ci sarà una edizione di “Talviyö” anche in vinile e vinile limited edition?

E.V.: Si. Uscirà anche in vinile. Penso che la limited edition sarà realizzata in diverse colorazioni. Ne stiamo ancora parlando.

R.G.: Prima parlavi degli show acustici. Quanto è difficile trasferire la vostra musica in questa dimensione?

E.V.: Abbiamo dovuto cambiare parecchio gli arrangiamenti delle canzoni proposte ma non è stato un processo così complicato, è avvenuto tutto molto spontaneamente ed in maniera naturale. Quando abbiamo iniziato le prove per questi spettacoli poi sono venute fuori altre idee su come cambiare e riarrangiare e devo dire che è stato molto divertente. Di sicuro ci siamo trovati davanti ad un modo di suonare completamente differente da quando hai la spina attaccata. Mi sono molto divertito.

R.G.: Preferisci questa dimensione più intima oppure quella dei grandi palcoscenici?

E.V.: Sai, lo show acustico è molto più intimo, quando tutti sono seduti ad ascoltare le canzoni, e diventa molto più sentimentale, ad un livello emozionale differente. Se però diventa troppo intimo può diventare abbastanza terrorizzante (risate,nda) perché inizi a pensare che ogni errore viene ascoltato e capito dall’audience. Mi piace leggermente di più suonare davanti ad un pubblico vasto perché ti dà anche più adrenalina, che è fondamentalmente la droga di ogni musicista. Ma forse è solo perché sono molto timido (risate,nda).

R.G.: Sei entrato nella band nel 2007 ed i Sonata Arctica avevano già una lunga carriera alle spalle. Come ti sei trovato nell’amalgamarti con gli altri? E qual è stato il tuo approccio stilistico? Hai cambiato qualcosa?

E.V.: All’inizio ho cercato di avere uno stile il più possibile in linea con le sonorità della band, perché non volevo deludere i fan e proporre un qualcosa che non cambiasse completamente lo stile dei Sonata. Non volevo proprio creare casini (risate,nda). I ragazzi sono sempre stati, fin dall’inizio, davvero di supporto nei miei confronti. Il mio stile personale l’ho messo negli assoli, reinterpretandoli secondo il mio gusto e su questo sono stato sempre completamente libero. Ora non penso più a ciò che i fan possono dire o pensare. Anche con il resto dei ragazzi la linea di pensiero è questa: in primis deve esserci la nostra soddisfazione per quello che facciamo.

R.G.: Quali sono stati gli artisti che più ti hanno influenzato?

E.V.: Quando ero un adolescente ero un fan scatenato dei Metallica. Prima ancora impazzivo per i Kiss, ovviamente. Ho iniziato ad ascoltarli quando avevo 7 anni. Sono un’influenza importante per me a tutt’oggi. Ho sempre ascoltato diversi tipi di metal: Danzig, Morbid Angel, Joe Satriani, Steve Vai, Dream Theater. Adesso sono un grande ascoltatore di hard rock classico: AcDc, Rainbow. Li trovo molto familiari in questa fase della mia età.

R.G.: Chi ti ha spinto a suonare la chitarra?

E.V.: Mio padre. Non avevo nessun hobby quando avevo nove anni, passavo il tempo seduto in casa. Mio padre aveva questa chitarra acustica e tutti i tutorial in cassetta e su carta. Fondamentalmente mi ha obbligato a prendere in mano la chitarra anche se io non ne avevo voglia. Quando ho imparato le prime canzoni molto semplici, ho capito che avevo bisogno di una chitarra tutta mia. Poi già ascoltavo i Kiss e mi resi conto che se volevo essere quel tipo di supereroe come Gene Simmons o Paul Stanley dovevo suonare la chitarra visto che loro lo facevano. Era l’unico modo per essere come loro. E parzialmente ci sono riuscito (risate,nda).

R.G.: Ti faccio una domanda che mi assilla da anni. Come è possibile che in Scandinavia ci siano queste due anime musicali completamente opposte. Ci sono musicisti come voi o gli Stratovarius, tanto per citare un altro gruppo, che propongono musica positiva ed energica. E poi c’é il black metal, che è completamente negativo ed è come se fosse l’altra faccia della medaglia.

E.V.: Questa è una buona domanda, davvero interessante, visto che sono due stili che vengono dallo stesso posto. Penso che il primo fattore siano i lunghi inverni senza luce che ti costringono a stare in casa ed allora può scattare davvero una forte depressione. La musica diventa allora una sorta di sfogo a queste sensazioni. E’ davvero difficile rispondere a questa domanda perché poi alla fine siamo tutti uomini fatti dalle stesse sensazioni… le tematiche del black metal irritano parecchio molte persone e forse molti lo usano come stile per raggiungere attenzione. Ti dico che noi finlandesi come popolo siamo molto positivi ed ottimisti ma magari qualcuno pensa che lo siamo per finta visto dove abitiamo ed il clima che c’è. Posso dirti che molte band black metal che abbiamo incontrato durante i festival che abbiamo fatto sono persone gentili e con cui ci siamo trovati molto bene.

R.G.: Quindi pensi che quando tutto è partito alla base c’era uno spirito di ribellione punk piuttosto che la malvagità incarnata…

E.V.: Si. Sottoscrivo questa interpretazione.

R.G.: State per compiere il ventennale della carriera. Come vedi i Sonata Arctica nei prossimi vent’anni, soprattutto in un mercato discografico che sembra cambiare ogni giorno in maniera totale?

E.V.: Penso che l’unico modo di sopravvivere sia quello di fare album e tour e pensare a nuovi canali di distribuzione e comunicazione. Mi auguro tra vent’anni di essere dove sono ora. Mi accontento di questo.

R.G.: Grazie Elias della chiaccherata. I migliori auguri per la vostra carriera ed il nuovo album.

E.V.: Grazie a voi ed a tutti quelli che leggeranno questa intervista.

Intervista ai Madden

Abbiamo intervistato Madden di Isola del Liri (FR). In autunno uscirà il loro debut album che promette di essere una vera bomba e nel frattempo ne abbiamo approfittato per fare quattro chiacchiere e scoprire qualcosa di ciò che dovremo attenderci. Ecco cosa ci hanno raccontato.

R.G.: Che cosa significa il nome della vostra band?

M.: Madden è letteralmente “impazzire”. Una scelta di impatto perché è un nome che colpisce e suona bene ma che, al contempo, fa riferimento al nostro caos, all’amalgama dei nostri diversi stili e suggestioni musicali da cui è nata una nuova unica strada. Un po’ la storia del caos interiore che genera una stella danzante. Non esiste metafora più valida per la nostra band.

R.G.: Quali sono i vostri generi di riferimento e le vostre influenze musicali?

M.: Ci collochiamo nell’alveo di 3 generi essenzialmente: industrial rock, electro techno e alternative. Le band cui facciamo riferimento e che influenzano il nostro songwriting sono Rammstein, Nine Inch Nails, Linkin Park, Marylin Manson.

R.G.: Qual è lo scopo del vostro progetto? Perché vi siete messi in gioco?

M.: La molla principale che ci ha portati a scrivere canzoni è stata soddisfare la nostra voglia di esprimerci, di comunicare all’esterno, al pubblico, il nostro mondo interiore, la nostra energia, i nostri messaggi fatti di rock’n’roll all’ennesima potenza. E la pubblicazione del disco, che avverrà in autunno, sarà il coronamento di questo nostro mood già ben tangibile nei live che facciamo e intriso di un forte “voyeurismo musicale” che ci porta a volerci esporre al pubblico ogni qual volta sia possibile. Amiamo stare sul palco, dire la nostra, cercare un contatto continuo con chi ascolta, renderlo partecipe e farlo fondere con la nostra arte. Crediamo che la presenza del pubblico sia enormemente importante per la piena realizzazione della nostra musica. Abbiamo già all’attivo diversi live nei music club della zona e ne abbiamo in programma altri nei festival estivi che si terranno in Ciociaria. Ma la nostra vocazione è chiaramente internazionale. Infatti nello scorso aprile, dal 18 al 24, siamo stati protagonisti di un tour promozionale in Inghilterra che ci ha portati dal Galles a Londra facendo tappa in svariati music club. Un vero e proprio viaggio on the road, con tanto di pulmino, reso possibile da un tour manager inglese che ci ha invitati dopo aver ascoltato il materiale che gli avevamo mandato. E’ stata un’esperienza galvanizzante con un’accoglienza e calore di pubblico oltre le nostre aspettative. Abbiamo avuto modo di suonare in situazioni molto stimolanti, in particolare 2 live molto significativi li abbiamo fatti al Palladium vicino Londra e al The Pier Club situato a Ilfracombe. Abbiamo suonato, oltre ai nostri inediti, anche delle cover di Rammstein, Prodigy e Linkin Park. Dalla risposta del pubblico sembra che abbiamo convinto molto e la cosa ci ha caricati moltissimo. Ci hanno persino affibbiato un nomignolo “Punky Rammstein”.

R.G.: C’è per voi un brano emblematico? Una sorta di manifesto programmatico dell’album che sta per uscire?

M.: Di sicuro un ruolo cruciale nell’architettura dell’album è svolto da Enemy Machine Gun. Probabile title track, si presenta come una fusione di generi ed è intrisa di enfasi, rabbia e malinconia. Un pezzo che definiamo esplosivo e che abbiamo intenzione di far uscire come singolo. L’album è chiuso, ma dato il nostro continuo songwriting potremmo anche inserire altri pezzi.

R.G.:Chi è il leader della band? I ruoli e le sinergie?

M.: In realtà non c’è un vero e proprio leader. Siamo una sorta di famiglia con rapporti paritari e non gerarchici. Tutti scriviamo i pezzi, tutti diamo il nostro apporto al processo creativo. La creatività e il songwriting sono diffusi ed orizzontali. La nostra sinergia sta proprio in questo. Per quanto riguarda i ruoli specifici, alla voce c’è Joshua Raven, Lu Sardellitti al sintetizzatore, Lorenzo Mastracci al basso, Davide Giona alla chitarra e Manuel Bianchi alla batteria.

R.G.: Grazie ragazzi per questa chiacchierata ed in bocca al lupo per l’imminente album.

M.: Grazie a voi.

Intervista ai Neshamà

Interessante chiacchierata quella che abbiamo fatto con Carlo, mente, chitarra e voce dei Neshamà, una band che punta su tematiche e messaggi difficili da trovare in altri progetti musicali. La loro ispirazione è la spiritualità che viene messa in musica usando il rock ma anche tantissime altre sfumature. Ecco cosa ci hanno raccontato i Neshamà.

R.G.: Ciao Carlo, ti chiedo di presentarci i Neshamà. Parlaci del perché è nata questa band e cosa avevate in mente di comunicare.

N.: I Neshamà sono un power trio, difficile da definire a livello musicale, ultimamente ci presentiamo come una band dark prog rock. Siamo un trio, basso, batteria e chitarra, io suono la chitarra e canto. Il progetto nasce con ‘urgenza di esprimere concetti essenzialmente spirituali, il nostro motto è “tutto è uno” che è un motto esoterico e che riassume il senso dei Neshamà; noi approfondiamo tutte le dottrine sacre e vogliamo dimostrare il fatto che tutte le dottrine sacre trattano lo stesso argomento anche se con parole diverse in base al periodo storico, alle persone a cui si propongono.

R.G.: Un’ambizione forte…

N.: Diciamo che è velleitaria…c’è un motto indiano che diceva “tira la freccia, tirala verso il cielo, sicuramente non arriverà al cielo ma almeno supererà il cespuglio”. Me lo ricordo da quando ero piccolino e mi è rimasto in testa. E questa è l’idea, il nostro cammino.

R.G.: Sì, già ascoltando l’album, “Animante”, questo arriva. Chiaramente arriva molto di più in sede live, noi abbiamo potuto sperimentare, però la vena spirituale è molto evidente anche già solo ascoltando i brani. Questa è una caratteristica che vi distingue dalle altre band, come mai sentite questa necessità di usare la musica per trasmettere messaggi di spiritualità.

N.: La musica è un veicolo, è un veicolo emozionale principe. La musica è condivisione perché alla fine l’emozionalità porta a creare empatia tra persone e condividere. Lo scopo della spiritualità è la condivisione, l’unione e la relazione tra le persone, come dicono i pellerossa, infatti noi bruciamo la salvia sacra sul palco apposta per richiamare anche questi spiriti. A me sembrava naturalissimo legare la musica e la spiritualità.

R.G.: Va detto che non tutte le spiritualità o le religioni sono condivisione. Vi sono alcune fedi che sono vissute in maniera molto individuale. Tu dici che tutte le dottrine bene o male hanno un messaggio univoco ma come si incontra questo con il fatto che vi sono delle religioni molto individualiste ed altre protese alla condivisione?

N.: Ma in realtà l’eremita è la persona che più in assoluto a livello spirituale si dedica agli altri. È una persona che si isola dal mondo secondo l’esoterismo è colui che investe tutte le proprie energie per il mondo, perché per assurdo più sei vicino ad una persona e più ti vai a scontrare con dei meccanismi come le abitudini, i preconcetti, che ci portano a non comunicare. Quindi l’eremita si stacca da tutto per trovare la sorgente e si relaziona con il mondo senza nessuna barriera. È un compito difficile e profondo, l’asceta per assurdo è il massimo della relazione, può sembrare un controsenso ma è così. Non è un discorso di relazione tra persone, ma di energia.

R.G.: Però in quel caso, l’eremita in realtà ha come obiettivo quello di trascendere il sé, non come persona fisica ma come spirito. Quindi l’obiettivo è comunque legato a se stesso.

N.: Le nostre idee, i nostri pensieri non sono nostri. Già il linguaggio non è nostro, non lo abbiamo creato noi, è la parola che è il pensiero. Quindi se la parola non l’abbiamo creata noi, il pensiero non è il mio ma di qualcun altro. L’essere umano è come un’antenna, le persone ricevono in base al livello di vibrazione che scegliamo di adottare e percepiamo certe cose. Quindi più ti “alzi” e più percepisci certe cose. Si parlava prima dell’intervista di coincidenze, la coincidenza non esiste perché è un collegamento extra ordinario, più ti alzi ad un livello vibrazionale più vai a connetterti a qualcosa di più universale. L’asceta è colui che arriva a vibrare ad un livello molto elevato e si collega alla sorgente, alla origine e a tutto ciò che c’è dietro di noi. Io sono arrivato anche a rivalutare il cristianesimo che fin da fanciullo ho rinnegato, perché anche il cristianesimo si fonda su dei principi molto elevati; le suore di clausura lavorano nella loro idea proprio nella direzione dell’evoluzione della spiritualità intesa come spirito comune, cioè per gli altri.

R.G.: Torniamo al concetto che dicevi tu prima del “tutto è uno” indipendentemente dal tipo di religione. Puoi spiegarcelo maggiormente, anche magari per qualcuno che è lontano da queste tematiche?

N.: Bella domanda, cioè spiegarla non in termini spirituali. Tra due persone estranee è il limite, adesso c’è la cultura molto sportiva del “supera i tuoi limiti”, anche molto capitalista, del vincere, della competizione…”no limits” secondo me è un po’ una cagata perché non devi superare i limiti per diventare il superuomo di Nietzsche, ma è disinnescare i propri limiti. Se tu disinneschi un tuo limite, che è un confine, tu vai oltre e scopri cose nuove ciò che prima era estraneo da te ora diventa confidenziale, è empatia; più vado avanti in questa direzione, più abbatto confini e più mi convinco che le persone sono simili. Io sono convinto che se vai in quella direzione ti rendi conto che l’unica soluzione per il benessere è l’empatia, la condivisione.

R.G.: Un’altra cosa che ci incuriosiva era approfondire questo concetto del “tutto è uno”: come si differenzia tra la visione puramente occidentale del nostro credo e quella orientale?

N.: Il messaggio è lo stesso. Tu pensa agli indiani, secondo cui si crede al dahara, che è un puntino piccolissimo che all’interno del tuo cuore riesce ad entrare in una porticina microscopica che ti ricorda un po’ l’idea della cruna del lago, se ci pensi. Quella roba lì vale universalmente, come la tua anima che si può collegare con tutti. Lo stesso Cristo cercava di riunire il più possibile le persone…

R.G.: Be’ per certi versi anche dividere. Lui non portava un messaggio semplice, piuttosto un messaggio che avrebbe diviso. La parola che Lui ha portato non era sempre una parola di unione, a volte la parola creava dei nemici.

N.: Quello è fondamentale, distruggere per far spazio, l’unione non viene mai in pace e amore, infatti il nostro brani XI è anche distruzione, perché per creare prima dei fare spazio, quindi prima devi distruggere ed è fondamentale. Io lo trovo ad esempio nell’Islam che parla di guerra santa; Guénon, un grande studioso dell’Islam parla di “piccola guerra santa” che è quella che combatti fuori poi c’è la “grande guerra santa” che è quella che combatti contro te stesso. Comunque è sempre una guerra per arrivare a pulirti e poi…Cristo diceva tornate ad essere bambini, non diceva i bambini verranno a me, quindi vuol dire che tu devi fare il tuo percorso, poi devi distruggere tutto quello che hai fatto.

R.G.: In realtà questo è un messaggio anche orientale.

N.: Sì esatto, identico.

R.G.: Tu scrivi e canti “Tutto quello che so non lo so, ho tutti i vizi di Dio, ogni virtù uccide l’io, capire è morire“. Puoi spiegarci questo passaggio?

N.: Be’ le mie influenze sono socratiche, e questo mi sembra abbastanza palese, poi c’è molto di Jung in questa canzone. Ho voluto lanciare questa provocazione, “ho tutti i vizi di Dio”, perché noi vediamo i vizi come negazione e le virtù come positivo, ho fatto questo gioco…immagina Brama, che sarebbe la divinità massima, di lui non puoi dire nulla puoi solo negare Brama, tutte le negazioni sono Brama, sembra una follia. Questo serve semplicemente a scombussolare la razionalità, perché è fondamentale ingannare la nostra razionalità.

R.G.: Quindi nel discorso dei vizi è come se dicessi due negazioni che diventano un’affermazione…

N.: Sì, poi infatti dico “capire è morire” che è tratto proprio da Jung, lui alla fine era uno psicanalista che ha scritto un libro molto ambiguo, un po’ eretico, e in questo libro spara massime esoteriche che trascendono la spiritualità. Quindi in realtà arriverai a capire quanto morirai, questo è il primo senso. L’idea è che tutti pensiamo di morire, questa è una cosa che penso da tempo ma che forse non ho mai detto: secondo me la gente non muore ma si spegne pian piano o si spegne di colpo ma non muore. Morire è qualcosa di molto più nobile. Morire vuol dire chiudere un cerchio e io ho paura di spegnermi prima di morire, io devo morire. Perché chiudo il cerchio e questo si collega anche a Socrate e alla filosofia antica che era molto legata alla spiritualità degli orientali che hanno mantenuto. Noi l’abbiamo persa, noi la filosofia la studiamo ad un livello teorico e infatti si contraddicevano i filosofi di una volta perché erano degli esercizi spirituali che servivano ad aprire la mente, quindi a distruggere alcuni concetti, ed era il procediamo che era importante, non le massime.

R.G.: Questo però era un approccio filosofico più greco, più basato su meccanismi matematici, mentre invece la filosofia orientale è sempre stata meno legata alle logiche e più alla spiritualità.

N.: L’esercizio più pieno della filosofia tu sai che era esercitarsi alla morte, si doveva comunque arrivare a delle massime ma che contenevano tutto un mondo dietro. Le massime erano un simbolo, erano tue quando richiamavano tutto il lavoro che avevi fatto tu a livello iniziatico. Perché in realtà la filosofia orientale che sembra più sempliciotta è molto più complicata della nostra sotto certi aspetti perché hanno tantissime divinità, loro sono molto più celebrali, però la differenza è che noi siamo molto legati alla logica, i greci hanno sempre un esercizio mentale, mentre loro lavorano anche a livello fisico. Nel momento in cui concepiscono i chakra, cominciano ad usare l’energia del corpo e la mente non è più sovrana, iniziano a lavorare con gli stadi extra ordinari utilizzando il corpo. Se tu ci pensi tutte le tribù e le religioni un tempo si basavano sulle droghe, le droghe in fondo erano lo stordimento della razionalità affinché qualcosa che c’era dietro si rivelasse.

R.G.: Diciamo che erano un facilitatore per raggiungere dei concetti a cui la logica non ti permetteva di arrivare.

N.: Sì, diciamo per viverli. A me piace la meditazione, medito, ma l’idea è che quando arrivi a vivere una certa cosa è una figata. L’estasi arriva proprio quando arrivi a vivere una certa cosa. Gli orientali invece, anche usavano le droghe, ma lavoravano molto con il corpo e con il respiro perché è con il respiro che si può fare tutto, è questo il gioco. Ma è difficile arrivare a questi risultati per cui a volte serve una scorciatoia.

R.G.: Infatti la maggior parte delle sedute che vengono praticate per vivere delle esperienze legate alle proprie vite precedenti sono attivate da appositi esercizi di respirazione.

N.: Sì, è verissimo.

R.G.: Tu parli del Gesù che verrà e dici che sarà donna. Perché lo vedi come una donna?

N.: La nostra società si basa su un’idea capitalistica, l’uomo è il simbolo del costruire, del fare. Costruire significa che prendi una cosa, la distruggi e la trasformi in qualche altra cosa e questo creare in maniera materiale si basa sulla distruzione. Parte la competizione e tutto ciò che è negativo adesso. In questo momento invece l’idea deve essere conservativa, protettiva. Io non parlo di donna intesa come sesso femminile ma come energia femminile.

R.G.: L’energia femminile la vedi quindi come qualcosa protesa al conservare?

N.: Sì perché è l’energia passiva mentre l’energia maschile è quella attiva, esotericamente parlando. Poi nella materialità è diverso. Quindi l’energia femminile frenerà la smania attiva…noi siamo un missile che siamo arrivati in alto ma alla fine continui a spingere ma ad un punto dovremo iniziare a scendere; in questa discesa se lasciamo le redini all’energia maschile, cadiamo e non scendiamo mentre l’energia femminile conserva e protegge lungo la discesa. L’energia femminile ci rende anche più empatici, mentre l’energia maschile è incentrata sulla competizione.

R.G.: Be’ anche molte donne puntano alla competizione (risate generali ndr)…ma capisco cosa vuoi dire, parli di energia non di sesso. Un uomo può usare energia femminile e viceversa.

N.: Sì infatti l’emancipazione femminile le sta portando paradossalmente ad usare l’energia maschile. Questo è peggio perché quando la donna è spinta ad usare la sua energia maschile, contro la sua natura, diventa un mostro se ci pensi, diventa il grottesco dell’uomo. Come il transessuale che vuole essere donna, diventa una donna per eccesso, diventa eccessiva.

R.G.: Ok, adesso passiamo a parlare di musica. Parliamo delle esperienze che avete vissuto come band. È mai capitato che qualche altra band o qualcuno che lavora nella musica vi abbia un po’, come dire, bullizzati o sottovalutati per i temi che trattate?

N.: Di primo acchitto quando ti presenti alle band rimangono sempre un po’ straniti, però in realtà è il clima che si viene a creare. Abbiamo avuto sempre ottimi rapporti, gente che ci apprezza a livello umano e gente che capisce anche il nostro messaggio, ostacoli non ne ho mai avuti. Da dietro so che qualcuno ha detto qualcosa, io nei live arrivo vestito da prete e quindi qualcuno abbastanza bigotto ha detto qualcosa. Anni fa suonavamo al Legend e un ragazzo, secondo me un po’ bigotto, ha detto che non dovevo permettermi di vestirmi da prete…mi voleva menare anche se me l’hanno raccontato dopo.

R.G.: Avevi dato un brutto esempio da prete.

N.: Sì (risate generali ndr). Comunque va detto che non passiamo inosservati. O ci sono gli esaltati metallari che si esaltano ma travisano l’idea, o altri che capiscono l’idea e con loro si instaura un dialogo. Ci sono poi quelli che si divertono a livello goliardico e non interessa approfondire.

R.G.: Quindi il messaggio arriva.

N.: Sì arriva. I miei compagni di band all’inizio erano un po’ terrorizzati, mi dicevano “Carlo non puoi fare queste cose…rischiamo grosso…”. Anche perché noi solitamente distribuiamo le ostie, ripercorriamo il rito della comunione come rito della condivisione…ma quando lo abbiamo ripetuto un po’ di volte e abbiamo visto che andava e che funzionava allora si sono convinti. Poi dipende come lo fai, io lo faccio in maniera giocosa non in maniera seriosa. Una volta ad un concerto dopo che avevo spiegato diverse idee che sono alla base della nostra musica uno ha urlato “Dio Cane” ma alla fine ci abbiamo riso, io ho detto ben venga, noi accogliamo tutte le religioni, se il tuo Dio è un cane ben venga il tuo Dio Cane.

R.G.: Ma lì non è cane nell’accezione animale…

N.: Certo (risate ndr).

R.G.: Ma non potevi dire altro, altrimenti ti beccavi un secondo urlo con un altro animale, tipo il porco…

N.: Eh sì (altre risate ndr).

R.G.: Ma a livello musicale tu hai presentato la band come un progetto dark prog rock, ma quali sono le radici che hanno formato te e i musicisti della band? Perché noi abbiamo sentito alcune partiture progressive ma dire che siete una band progressive rock potrebbe essere fuorviante.

N.: Musicalmente è un gran casino. Sì non siamo assolutamente una band progressive rock, noi veniamo dal metal, il metal c’è, ma siamo prog anche perché ci piacciono i tempi dispari, ci piace spezzare le misure. Io ho studiato chitarra classica e principalmente ascolto musica classica, quindi risulta difficile dirti i generi che più ci influenzano tutti…per me Bach, Vivaldi sono i capisaldi del mio passato a livello emozionale anche se sono un chitarrista elettrico. Il batterista della band è mio fratello, siamo cresciuti insieme, il bassista viene da un passato punk…da ragazzini abbiamo avuto anche una band pop rock.

R.G.: Noi solitamente quando recensiamo un album cerchiamo sempre di coglierne la chiave di lettura; io personalmente cerco di fare anche un ulteriore esercizio per capire o ipotizzare una possibile evoluzione stilistica o concettuale della band, a volte ci becco altre volte no. Nel vostro caso è molto più difficile anche per la sostanza del messaggio di cui siete portatori. La domanda è se l’evoluzione del vostro progetto artistico sia anche legata all’evoluzione spirituale di cui voi state facendo esperienza e non solo all’evoluzione di voi come musicisti.

N.: Sì, il messaggio sarà comunque lo stesso anche in futuro. L’autenticità è importante, al di là delle cazzate per fare successo o non successo, alla fine io sono autentico, io dico quello che faccio, è il vestito che volente o nolente mi si addice. Poi sicuramente si possono usare parole più efficaci, quello potrebbe essere un punto di arrivo, essere più universali, più semplici ma profondi. E’ un ulteriore passo.

R.G.: Be’ il messaggio di base vostro è già universale.

N.: Sì però riuscire ad essere in termini di comunicazione più diretti…essere più universale. Questo è un obiettivo. E poi anche essere più teatrali. Noi abbiamo già collaborato con artisti, giocolieri…l’idea è spingerci molto di più verso la teatralità per riuscire ad essere…

R.G.: …diciamo unire una parte più visuale al vostro modo musicale di esprimervi?

N.: Sì, noi cerchiamo di mettere dei rituali in scena ma riuscire ad inserirli sempre di più, rituali che sono collegati all’energia, questo è un obiettivo.

R.G.: Ecco sul rituale io volevo chiederti di spiegarci il concetto da voi citato di “concerto-messa”.

N.: E’ proprio questo, secondo noi le canzoni sono i salmi, ci sono le omelie che sono certe cose che diciamo tra un brano e l’altro, dei messaggi, e poi ci sono dei rituali che sono dei gesti semplici che richiamo certe cose.

R.G.: Questi aspetti, secondo te, non potrebbero essere limitativi nel momento in cui tu pensi ad un album successivo? Cioè, il vostro album è un concept album che in versione live rappresenta una messa, un altro album futuro dovrebbe essere una messa diversa?!

N.: Tu pensa a quante maniere possono essere usate per esprimere lo stesso concetto. Yahweh aveva 72 nomi!! Il bello è quello, poi al di là della forma il concetto resta lo stesso. E’ una sfida, sicuramente.

R.G.: Avete già pensato quindi al nuovo album e al messaggio “nuovo”?

N.: Abbiamo già parecchi brani nuovi che hanno delle venature un po’ più…non commerciali…abbiamo smussato certe ruvidità. In passato l’urgenza di dire era poco filtrata, troppo ruvida, mentre adesso stiamo cercando di essere, appunto, più universali, per entrare con più dolcezza.

R.G.: E sarà sempre un concept album?

N.: Chissà quali di questi brani…poi anche l’idea dell’album…magari ci verrà in mente qualcosa di diverso…sarebbe bellissimo collaborare con qualcuno nel teatro che sposa le medesime intenzioni nostre. Le idee sono relative, ma alla fine le intenzioni possono unire.

R.G.: Bene dai, ti ringrazio Carlo per la disponibilità e la chiacchierata davvero molto interessante.

N.: Grazie a te!

Intervista a Turilli / Lione Rhapsody

Al RocknRoll di Milano abbiamo incontrato Luca Turilli, fondatore ed ex-membro dei Rhapsody Of Fire che, assieme a Fabio Lione, ha realizzato il disco Zero Gravity (Rebirth And Evolution), che uscirà il prossimo 28 giugno per Nuclear Blast. Ecco cosa ci ha raccontato.

R.G.: Ciao Luca, benvenuto su RockGarage!

L.T.: Ciao e grazie!

R.G.: A fine giugno uscirà il nuovo disco “Zero Gravity”, vuoi parlarcene un po’?

L.T.: Certo, è un disco particolarissimo perché rappresenta un nuovo inizio dopo 2 anni di tour a celebrare i successi dei Rhapsody. Avevo dunque voglia di qualcosa di nuovo; ti dirò, avevo anche pensato di lasciare l’heavy metal per sempre, però vedendo i riscontri ed il successo con questo tour ed essendomi trovato molto bene con Fabio (Lione, ndr) abbiamo pensato di far qualcosa di veramente nuovo. Ci siamo messi a tavolino e senza alcuna pressione abbiamo pensato di poter fare qualcosa che ci piaccia veramente, qualcosa che corrisponda a quanto ci piace ascoltare oggi. Ti racconto un aneddoto: all’inizio il nostro nome doveva essere “Zero Gravity”, proprio come il disco, però ci è stato suggerito da chi lavora per noi che per diversi motivi era meglio un nome che comunque richiamasse il nostro passato, perché come ben saprai, il business musicale funziona così attualmente. Però, come già ti ho detto, al di là del nome, volevamo creare qualcosa di lontano dai Rhapsody, volevo qualcosa di più moderno, quindi metal moderno ma senza trascurare le nostre influenze sinfoniche e dando tanto spazio a suoni più attuali. Essendo io compositore ascolto mille cose, tra le quali i Muse e Adele che al momento sono gli artisti che preferisco. Pensa che saranno 12-13 anni che non ascolto più nulla di metal! Questo concetto l’abbiamo voluto ribadire nel titolo dell’album Zero Gravity (Rebirth And Evolution), più chiaro di così! Dopo 3 mesi di lavoro in studio per noi era importante uscirne pienamente soddisfatti, e così è stato, tutto questo prima della campagna di crowdfounding.

R.G.: Ecco, te l’avrei chiesto più avanti ma dato che l’hai citata te…come mai questa scelta di affidarvi al crowdfounding?

L.T.: Guarda, non avendo più dei budget come in passato per i dischi dei Rhapsody, abbiamo chiesto aiuto ai nostri fan, che hanno risposto alla grande.

R.G.: Noi abbiamo avuto l’onore di ascoltarlo in anteprima e la prima cosa che risalta è una evoluzione, o meglio, un concetto di sperimentazione davvero forte, ad esempio per lunghi tratti sembra quasi un disco “prog”, sei d’accordo?

L.T.: Certo! D’altronde una delle mie band preferite sono i Dream Theater, che magari uno può pensare che mi abbiano influenzato anche in passato ma invece no, li ho scoperti non da molto. Pensa che quando portai i primi demo a Simone Mularoni, che poi si è occupato di registrazione, mixaggio e masterizzazione del disco, lui stesso mi ha detto che c’erano due brani che “suonavano molto Dream Theater”, io dissi che li conoscevo poco se non per l’unico disco che avevo in casa che era Images & Words, e quindi sono andato ad ascoltarmi anche gli ultimi loro lavori, rimanendone piacevolmente soddisfatto perché avevo scoperto qualcosa di veramente eccezionale. Ora sono talmente preso che mi sto comprando tutti i loro live in blue-ray perché voglio vedere anche la loro resa live, avendoli visti dal vivo solo una volta 20-25 anni fa.

R.G.: Olre al “prog” ho notato anche che ci sono tanti spunti di musica etnica, concordi?

L.T.: Guarda, praticando yoga e meditazione da 7 anni era prevedibile che certe sonorità potessero finire in ciò che creo musicalmente, cosa che anche Fabio ha apprezzato. Se con i Rhapsody non avevamo tanta libertà di spaziare, con questo nuovo progetto ho anche ritrovato questa stessa libertà, quella di poter spaziare e sperimentare a 360°.

R.G.: Considerate tutte queste novità, che reazioni ti aspetti? In particolare dai fan di vecchia data.

L.T.: Come dice il titolo, rinascita ed evoluzione, ho seguito ad esempio il cambio di sonorità che fecero i Nightwish da Wishmaster a Once, o anche i cambiamenti dei Within Temptation; sono cambiamenti dei quali devi mettere in conto di poter perdere qualche vecchio fan, ma anche di poterne acquisire dei nuovi.

R.G.: Come ti rapporti con la tecnologia attuale che riguarda la fruizione della musica? Mi spiego, sei un musicista che da sempre ha avuto una cura particolare per il suono, ma sai anche che i dischi oggi vengono per lo più ascoltati con gli smartphone e compagnia, non ti fa uno strano effetto?

L.T.: Hai fato un’ottima osservazione, ne parlavo proprio poco tempo fa con Simone; discutevamo del tanto lavoro e impegno che ci abbiamo messo, pur sapendo che il 90% della musica si ascolta tramite i telefonini, è paradossale, ma fa parte del progresso e non so quanto possiamo farci.

R.G.: Torno un attimo a una tua frase di poco fa, ovvero quella che non ascolti più metal da molti anni, non c’è proprio nulla che ti abbia incuriosito recentemente?

L.T.: Ma guarda, un gruppo che continua a piacermi sono i Within Temptation, perché mi piace il fatto che continuano a sperimentare. Ho ascoltato i nuovi pezzi dei Rammstein e mi sono piaciuti molto, non vedo l’ora di ascoltare il disco per intero. Sai, io mi ero totalmente stufato dei soliti accordi, gli stessi che continui a ripetere album dopo album, io come compositore e come musicista da band ho bisogno di cambiare, di nuovi stimoli, ad esempio ho un progetto di emotional-piano stile Ludovico Einaudi. Insomma ho un’età che vorrei sfruttare per poter finalmente fare ciò che mi piace, senza alcun vincolo.

R.G.: Parliamo dell’aspetto live, innanzitutto se ci sono già date in programma, e poi se dobbiamo anche aspettarci qualche sorpresa.

L.T.: Si, saremo in alcuni festival, dopodiché ci sposteremo in Asia verso fine anno, per poi ripartire con il un tour il prossimo anno.

R.G.: Un’ultima curiosità: hai ascoltato l’ultimo disco dei Rhapsody Of Fire?

L.T.: (ride, ndr) Guarda su questa cosa è nata una polemica sterile: rispondendo alla stessa domanda che mi era stata fatta da un tuo collega ho detto che ne avevo solo ascoltato un paio di minuti. Mi hanno dato dell’arrogante, ma io ho semplicemente detto la verità, non ascolto più quel genere, l’ho fatto per pura curiosità, per sentire in particolare le chitarre, perché considero Roberto (De Micheli, chitarrista dei Rhapsody Of Fire, ndr) un ottimo chitarrista, tutto qui. Purtroppo per colpa dei social viene spesso buttata benzina sul fuoco, fortunatamente io non ho né Facebook né Instagram né altri canali, vengo da un’altra generazione e sto bene così senza (ride, ndr).

R.G.: Grazie Luca e in bocca al lupo per il disco, vuoi salutare i lettori di RockGarage?

L.T.: Grazie a te e a RockGarage, a presto!

Conferenza stampa: Banco Del Mutuo Soccorso

Martedì 7 maggio, presso la sede di Sony Music a Milano, è stato presentato il nuovo album del Banco Del Mutuo Soccorso dal titolo Transiberiana. Un ritorno atteso da 25 anni, di cui l’anteprima con ascolto pre conferenza stampa aveva creato, palpabilmente, una grande elettricità fra i presenti in sala. Moderati dal direttore della rivista cartacea Prog Italia Guido Bellachioma, Vittorio Nocenzi (storico tastierista del Banco) , il chitarrista Filippo Marcheggiani ed il vocalist Tony D’Alessio, hanno risposto alle domande dei presenti, parlando del nuovo lavoro, ma non solo.

D.: Dopo l’ascolto del nuovo album, dobbiamo dire che oltre che essere bellissimo è anche portatore dell’impronta ed è un manifesto del progressive italiano. Come siete riusciti a mantenere, in tutti questi anni, questa continuità sonora senza che diventasse manierismo fine a se stesso?

V.N.: Hai centrato uno dei caposaldi del progetto. Uno dei primi traguardi che ci eravamo prefissati era quello di non fare il verso a noi stessi. Il rock progressivo nasce proprio come allergia al luogo comune, alle banalità, ai clichés, ai dejà-vu. Un pericolo grosso era proprio quello di fare il verso ai padri fondatori di questo genere, almeno in Italia, e cioè a noi stessi. Focalizzata questa cosa, ci siamo posti l’obiettivo che il disco doveva obbligatoriamente essere vero, non un disco alla… Davanti a questo concetto che sembra banale e semplice, ma in realtà non lo è, l’album doveva essere ispirato, credibile, che raccontasse chi siamo realmente e come la pensiamo. Oggi vorrei parlarvi di come la pensiamo nei confronti della vita in genere, perché, non per essere prolissi, ma è un tutt’uno con la musica che avete appena ascoltato. Crediamo che il lavoro di un artista deve sempre offrire una visione ed una tensione etica. In questo modo, qualunque arte tu frequenti ti uscirà più bella. Ci siamo anche domandati che significato avesse che il Banco Del Mutuo Soccorso, nel 2019, facesse un nuovo album, per di più un concept. Siamo partiti proprio da lì, con molta onestà verso noi stessi ed anche autocritica. Il significato stava in quello che , crediamo, vediamo tutti e sta davanti ai nostri occhi. Non è vero che la gente accetta passivamente tutta questa globalizzazione spenta, cinica, morta, miope, autodistruttiva. L’essere umano è anzitutto spirito, e lo dico da laico. L’uomo si nutre, ha bisogno anche di danaro per vivere la migliore vita possibile, ma non si può ridurre tutto solo ai soldi. Non è vero, è una falsità. E questa paccottiglia di falsi riferimenti ce l’abbiamo tutti davanti agli occhi. E’ ora di piantarla di guardarla come se fosse un film che ci scorre davanti. E’ il degrado del vivere contemporaneo. Il significato più vero di tornare ad incidere un disco è quello di dare una risposta a quanti la pensano come noi. Appartengo ad una generazione, non per scelta ma per motivi anagrafici, dove la musica era un veicolo importante di idee, di messaggi, di considerazioni. Il nostro ritorno coincide anche con questo, scrivendo qualcosa che avesse coerenza anche con questa caratteristica. Cosa c’è di più bello di un concept che ti dà la possibilità di una narrazione ampia? Altra domanda che mi sono posto. E mi avrebbe ispirato questo format? Mi avrebbe fatto tornare la voglia di scrivere musica l’idea di un disco con una canzone staccata l’una dall’altra? Sicuramente no. Un racconto più ampio, una narrazione che ti fa intravedere orizzonti ed utopie, il potere raccontare la vita, era una cosa che mi stimolava molto di più. Poi l’idea della Siberia, una terra che sta al limite del mondo vivibile da un essere umano. C’è un posto dell’estrema Siberia Nord dove si vive a -71° al giorno. E’ inconcepibile solo sentirlo raccontare. E queste condizioni estreme del vivere sono un’altra metafora di quello che secondo noi è l’estremismo del vivere a cui stiamo assistendo in questi giorni. Giorni senza ideali, senza una scala di riferimento dei valori. Soltanto soldi. Hai i soldi? Allora hai capito tutto. Non hai i soldi? Allora non capisci niente. Non è così! Allora lo scrivere certi testi con Paolo Logli (coautore delle lyrics, nda), scrivere un racconto sulla Transiberiana è estremamente autobiografico, perché comunque questa band ha una certa età ed è comunque bello che in questa fase della nostra carriera facessimo un’opera autobiografica, dando un ulteriore senso a quello che potevamo scrivere. Sotto questo punto di vista è stata una ulteriore fonte di ispirazione e di sensazioni. Anche l’idea di fare un disco su un racconto di viaggio, che tra l’altro è uno dei miei generi letterari preferiti, era molto affascinante. Anche se il concetto di verità era sempre il punto cardine su cui doveva reggersi il tutto. Allora ci siamo messi dei paletti, di cui uno era: “Ragazzi, un tempo dispari non fa rock progressivo”. Torniamo al discorso di non fare il verso al prog, altrimenti diventa una cosa grottesca ed incoerente. Una musica che nasce come anarchica agli schemi ed agli stilemi della musica tradizionale, che nasce dicendo che un brano può durare 13 secondi così come 18 minuti, che ingloba il ritorno ai temi musicali portanti di un’opera… sarebbe assurdo introdurre tempi dispari in una canzone solo per sottolineare che fai prog, o parlare dei massimi sistemi nei testi solo per dargli una levatura che sembra innalzare culturalmente il lavoro. Se hai fatto la seconda elementare, non puoi affrontare certi temi: prima li si deve studiare e poi se ne può parlare opportunamente. Molti dischi progressive del periodo d’oro sono stati scritti da bravissime persone ma sono stati una specie di caricatura del genere. Altro paletto era quello di essere coerenti con noi stessi, ma non per dimostrare qualcosa a qualcuno, anche perché penso che dopo 50 anni non dobbiamo dimostrare nulla a nessuno, ma per una necessità di andare controcorrente anche oggi. Non ci rispecchiamo nelle modalità della vita contemporanea, perché ci troviamo davanti ad una forbice che va dai fanatici integralisti agli ignoranti presuntuosi, che sono due abomini che viviamo tutti i giorni. Quella meravigliosa macchina che è internet consente anche a chi non è preparato su un tema a dire ad uno che invece è preparato di aprire un tavolo di discussione e dire: “Mi spiace, tu non ci capisci niente”. Contemporaneamente, i prodotti culturali vengono considerati degli inciampi e delle pesantezze che si presentano sulle nostre strade. Ed attenzione, per cultura io intendo la conoscenza, non il preside che si mette sul piedistallo dicendo adesso te lo dico io come stanno le cose. Transiberiana nasce dalla legacy edition di Io Sono Nato Libero (album del 1973,nda) che contiene un inedito intitolato La Libertà Difficile che per noi è la conoscenza. E la conoscenza è una cosa difficile, perché richiede impegno, tempo, esposizione in prima persona. Senza conoscenza non c’è libertà e siamo ridotti a marionette a cui tirano i fili ogni giorno. Il Banco è una scelta di vita perché il cantare di certe tematiche non si esaurisce nella buona prova sul palco perché dopo ti devi comportare coerentemente. Non puoi proporre certi argomenti e poi comportarti nella vita all’esatto contrario. Il nostro pubblico si è formato durante questi 50 anni anche per questo. Mi è capitato di incontrare persone che hanno deciso di vivere la loro vita in un certo modo ispirati dai nostri dischi e non mi sembra che sia una cosa così scontata. E’ stata una stagione dove la musica era ispirata, dove ascoltare certi artisti ti portava a fare certe scelte di vita. Fare un nuovo disco voleva anche dire far fronte a questo ed a queste aspettative, coerente con la nostra storia ed il nostro percorso artistico.

D.: 50 anni di carriera di cui 25 senza incidere nulla in studio. Avete mai riflettuto sullo scorrere di questi 25 anni, che questo disco poteva essere fatto con qualche anno di anticipo e di conseguenza sarebbe stato cantato da un’altra voce?

V.N.: Certo che sì. Però se non è accaduto ci sono dei motivi. La musica come ogni arte nasce direttamente dai tempi in cui vivi. E’ il contesto umano che ti ispira una canzone, una poesia, che ti fa girare un film. Ciò che ha ispirato Transiberiana è il vivere quotidiano e contemporaneo. Quello che non ha ispirato tutto il lavoro precedente. Evidentemente anche noi non avevamo ancora maturato tutta una serie di considerazioni che sono state scatenanti per la composizione. Poi abbiamo capito che era sbagliato aver dato troppo spazio e troppo tempo all’attività live a scapito dell’attività in studio. Infatti in questo momento non vedo l’ora di registrare il prossimo disco. Si tratta di bilanciare in modo adeguato i due contesti. Ci siamo sempre rifiutati di registrare dischi senza sentire il bisogno di farlo. Sennò sarebbe una produzione industriale che fa a pugni con il nostro modo di vedere la realizzazione della musica. Probabilmente ci voleva anche il dolore della perdita di due cari compagni di viaggio che stavano con noi (Francesco Di Giacomo, il cantante storico, scomparso nel 2014 a seguito di un incidente stradale e Rodolfo Maltese, chitarrista, scomparso nel 2015, nda) ma che sono ancora con noi in realtà, sulla Transiberiana, con il naso schiacciato sui finestrini a guardare fuori. Vi racconto un aneddoto per chiarire questo pensiero: Nicola (Di Già,attuale chitarrista,nda) e Filippo sono andati dalla moglie di Rodolfo per farsi dare le sue chitarre, ma lo lascio raccontare a Filippo direttamente.

F.M.: Abbiamo deciso di registrare con le chitarre acustiche di Rodolfo e vi assicuro che quelle chitarre sono possedute. Quando suono una sua chitarra mi rendo conto che non sono le mie dita a suonare. E’ una cosa incredibile. Ho avuto l’onore di condividere il palco con lui per 25 anni ed è stata una presenza importante e fondamentale per me, in primis dal punto di vista umano.

D.: Avete cambiato qualcosa nel vostro processo creativo? E quando è iniziato questo viaggio sulla Transiberiana?

V.N.: Sicuramente c’è un nesso profondo tra quello che ci è accaduto e la tematica che ha ispirato il nuovo concept. Non potevamo non parlare del viaggio che ognuno di noi fa, che è il vivere, che è un viaggio impegnativo spiritualmente, fisicamente e moralmente. Vivere, oggi più che mai, è una bella scommessa. Certamente l’accanimento con cui il destino è sembrato volersi scagliare su questa band… sapete, non vorrei sembrare infantile ma a febbraio viene a mancare Francesco, alla fine dell’estate io in emorragia cerebrale ed in coma, poi viene a mancare Rodolfo… sembrava che il destino avesse deciso di farci sparire. Quello che è accaduto ha a che fare con Transiberiana in toto. Forse il senso di una vita non sciupata e sciatta sta nel fatto di sapere trasformare in positivo ciò che ti accade negativamente. Momenti in cui vieni assalito dai lupi, proprio come nel pezzo del disco. Transiberiana ha in sé due risposte: la prima, una risposta verso il nostro pubblico, perché, e non lo dico per piacioneria, ma un artista non deve mai dimenticare che c’è qualcuno che lo ama, lo considera e lo rispetta. Non devi mai dimenticarlo perché la gente ha tanti di quei problemi nel vivere quotidiano che trovare il tempo per ascoltare un disco, entusiasmarsi e farti anche i complimenti non è una cosa così scontata. Quando una persona ti dona la parte di sé che è il fanciullo che ha dentro è un regalo meraviglioso che non va mai sottovalutato. Per questo dovevamo fare nuova musica. Il secondo motivo per cui andava fatto il nuovo disco è che il nostro lavoro proseguirà nell’affetto delle persone. Se ci fossimo fermati, Francesco e Rodolfo sarebbero venuti a mancare per la seconda volta e la dimostrazione sta nel fatto che ancora oggi stiamo parlando di loro, qui, con affetto, amicizia e tenerezza. Non è retorica ciò che sto affermando. Poi ognuno può vederla come gli pare.

D.: Tony, tu arrivi da una matrice ed un background prog? Vorrei anche capire come sei arrivato a partecipare a X-Factor e cosa ti ha lasciato questa esperienza.

T.D.A.: Io nasco rocker, i primi dischi che mi hanno influenzato sono stati quelli di prog metal. La mia passione per questo tipo di musica c’è sempre stata. Da piccolo ascoltavo il Banco in radio, poi mi sono avvicinato ai mostri sacri come Genesis, Area ed altri. Così come ci sono sempre stati il metal ed il rock. X-Factor è stata un’esperienza, un gioco in cui mi sono molto divertito, nel quale ho cercato di portare la mia visione, visto che è televisione più che musica. Quando l’ho fatto avevo 43 anni ed è stato un modo per dire: “Guardate che ci sono anch’io”. Volevo anche incuriosire gli spettatori sul mio personaggio, visto che sono sempre stato me stesso lungo tutta la durata del programma. Basti vedere le infradito che mi sono ostinato ad indossare fino alla fine.

D: Vittorio hai ascoltato il disco solista di Francesco? (“La Parte Mancante” uscito il 21 febbraio 2019, nda) Ti è spiaciuto, vista la grande amicizia che vi legava, non averci lavorato?

V.N.: Ho avuto il piacere di seguire la produzione artistica del suo primo album solista (Non Mettere Le Dita Nel Naso del 1989, nda) in cui tra l’altro suonammo e suonarono tutti i musicisti del Banco all’epoca. Ma era un disco solista, non di una band. Il piacere di lavorare ad un disco solista di Francesco era già avvenuto. Del nuovo album, di cui conoscevo il processo artistico perché lui me ne parlava, non mi ha sorpreso la qualità dei testi, perché per me lui era uno dei più grandi autori della musica italiana. Non mi ha fatto impazzire la sonorità generale, dal punto di vista tecnico, probabilmente per qualche difficoltà, presumo, a livello di mixaggio. Ma è un disco importante, che rispecchia il suo grande cuore.

D: Di tutti i rimandi fatti oggi a proposito della Transiberiana non abbiamo ancora parlato di Gianni (Nocenzi, tastierista del Banco dall’esordio fino al 1985 e fratello di Vittorio, nda)

V.N.: Gianni, più passa il tempo, più diventa bravo. Mio fratello soffre molto per la mediocrità culturale della nostra nazione e questo non è che sia la massima ispirazione che può spingere un artista a tornare. Lui in questo momento, dal punto di vista artistico e musicale, è felicemente single (risate, nda). Anche se non fa più parte della band ci guarda le spalle, incoraggiandoci e guardandoci da lontano.

D.: Abbiamo parlato di responsabilità, cultura, messaggio. Pensi, Vittorio, che la tua generazione abbia fallito nella trasmissione delle generazioni dopo? Avete mancato il ruolo di “maestri”?

V.N.: La mia generazione ha sicuramente fallito altrimenti non ci sarebbero tutte queste macerie intorno. C’è un degrado del buon gusto che è talmente insopportabile che io la sera mi addormento triste e mi sveglio triste. Abbiamo dimenticato la meraviglia della bellezza.

F.M.: Voglio dire qualcosa io che sono della generazione “di mezzo”. La generazione di Vittorio ci ha trasmesso tantissimo ma è successo qualcosa, soprattutto in questo paese, che ha creato una frattura totale con il passato. E’ un miracolo che il nostro nuovo disco sia in cima alle classifiche di prevendita dei maggiori siti internet perché rispetto al deserto totale che ci circonda è un risultato incredibile. Poi negli anni ’90 si è fatto di tutto, a livello mediatico, per cancellare la cultura musicale italiana. In Italia e nel mondo esiste ancora tanta gente affamata di cultura e non di banalità ma questa gente è stata messa da parte, insieme agli artisti, come se non facesse più prodotto interno lordo. Questo è quello che è successo. Si è persa di vista una parte incredibile dell’arte.

V.N.: Io mi prendo, come generazione, una parte di colpa nell’essere stato cattivo maestro. Ma i media devono prendersi anche la loro parte di colpa. I media hanno fatto dei danni pazzeschi e mi spiace dire questa cosa a voi. La società dei media ha aumentato esponenzialmente l’informazione creando però un grande equivoco che è quello di avere scambiato l’informazione con la conoscenza. La conoscenza è un’altra cosa. La conoscenza è l’elaborazione dell’informazione. Grazie a questa elaborazione ognuna si fa la sua idea ed in questo modo cresce. Siccome adesso abbiamo un’infinità di dati a disposizione, scambiamo l’informazione per conoscenza. Tu sei ignorante come ieri ma ti pare di sapere talmente tanto che hai bisogno di parlare di tutto su tutto. Aggiungiamo che la natura umana ti porta a saltare sul cavallo del vincitore, che in Italia è sport nazionale, e questo atteggiamento non fa bene a nessuno. Siamo stati cattivi maestri, perché abbiamo predicato bene e razzolato male.

D.: Vi state riferendo ai 20 anni di berlusconismo che ci siamo lasciati scivolare addosso?

F.M.: Non stavo facendo un discorso politico perché penso che anche la Sinistra abbia le sue responsabilità in questo azzeramento. Le ultime kermesse musicali di questo paese ne sono la dimostrazione. Sono il nulla.

V.N.: Dal 1995 mi sono inventato un format, il concerto didattico multimediale, che ha coinvolto 200.000 studenti delle scuole superiori di tutte le regioni italiane, le cui basi sono le immagini e la musica, che utilizzavo per parlare di tutto, dove la musica era la principale chiave di accesso per andare a parlare poi di pittura, arte ed attualità. Ho lavorato anche per le istituzioni politiche in alcuni progetti. Il problema è che poi la forza mediatica è mastodontica rispetto a quello che faccio io.

D.: Qual è il background culturale di “Transiberiana”? Ci sono letture, opere o film che hanno influenzato o ispirato in qualche modo il concept?

V.N.: Non abbiamo sicuramente una diretta esperienza del viaggio sulla Transiberiana però mi sono sentito un po’ come Emilio Salgari (scrittore italiano di romanzi d’avventura, nda) che scriveva di posti esotici da casa sua. Non volendo però fare un esercizio salottiero sono andato a leggermi libri sulla Siberia. Una terra difficile, con il grande problema dell’alcolismo che affligge uomini e donne, composta da 250 etnie che parlano lingue diverse, che hanno subito una russificazione pesantissima. Ci sono stati genocidi, in una terra dura e tosta. Queste letture però non hanno influenzato la decisione dell’argomento, sono state di approfondimento dopo la decisione della tematica del concept che era in primis la metafora del viaggio della vita.