Intervista ai Mudhoney

Siamo al Santeria Social Club di Milano, esattamente nel backstage, dove abbiamo incontrato Steve Turner, storico chitarrista dei Mudhoney. Con lui abbiamo parlato del loro ultimo album Digital Garbage, di politica e soprattutto di grunge. Ecco l’intervista.

R.G.: Benvenuto a Milano, sei carico per stasera?
S.T.: Grazie! Sì sono assolutamente carico, come sempre d’altronde!

R.G.: Come sono andati i concerti di Roma e Bologna? Vi siete divertiti?
S.T.: Sono stati entrambi due ottimi show, molto divertenti, anche il pubblico credo si sia parecchio divertito.

R.G.: Siete in tour per promuovere “Digital Garbage” il vostro ultimo disco; che riscontri avete avuto a riguardo?
S.T.: Al pubblico sta piacendo! È un disco direi molto “impegnato”, Mark (Arm, cantante dei Mudhoney, ndr) si sente molto coinvolto dalla direzione che sta prendendo il nostro paese da quando c’è Trump, e questo ha parecchio influenzato la sua scrittura. Come dicevo, è un disco impegnato, ed è proprio questo il feedback principale che abbiamo ricevuto.

R.G.: “Digital Garbage” è pieno di rabbia, quindi, da quanto mi hai anticipato, è figlio dell’aria che attualmente si respira negli U.S.A.?
S.T.: Assolutamente sì! Innanzitutto f**k Trump, sempre! Sai che è una cosa imbarazzante tutto questo? Non è facile parlare di ciò che sta accadendo a casa nostra, lo stato in cui si trova il mio Paese è scioccante, deludente…imbarazzante!

R.G.: Nel disco ci sono anche forti critiche riguardo l’uso sproporzionato dei social network; tu, o comuqnue voi Mudhoney, come vi rapportate con questi?
S.T.: Sai, Mark ad esempio non è su nessun social network, io invece sì, sia su Facebook che su Instagram, li uso per mantenere i contatti con amici e familiari più lontani, ma sinceramente sto pensando di eliminare il profilo Facebook per via degli scandali usciti fuori ultimamente riguardo il loro modus operandi soprattutto su questioni politiche che riguardano gli U.S.A.. Comunque tornando alla tua domanda nel disco parliamo anche di questo, in particolare nel brano Kill Yourself Live.

R.G.: Sei quindi d’accordo sul fatto che la musica può essere ancora oggi una potente forma di protesta?
S.T.: Certamente! Magari non potrà portare a un cambiamento immediato, ma di certo fa sentire le persone meno sole. Mi è sempre piaciuta la musica fortemente politicizzata, in particolare il punk rock o il folk, ma per quanto riguarda i Mudhoney alla fine non è che stiamo facendo qualcosa di nuovo, anche ripensando alla nostra primissima band quando nel 1982 scrivevamo molti testi politici, anche se facevamo hardcore!

R.G.: 30 anni di Mudhoney…l’avresti mai detto?
S.T.: Assolutamente no! In realtà, dopo 10 anni dalla nostra nascita ho pensato “beh, a questo punto proviamo ad andare avanti!”, ero molto sorpreso in quel momento e così abbiamo continuato, semplicemente, e da lì non è sembrato più strano, anzi.

R.G.: Voi venite dalle radici del grunge, l’ultima vera “scena” musicale; che ricordi hai di quel periodo?
S.T.: Beh di ricordi ne ho tantissimi, il grunge fu un gran movimento e da allora non ho mai più visto niente di simile. Anche se però devo dire che magari non è che ne facevamo parte, la storia la fecero soprattutto Nirvana e Pearl Jam, assieme erano come un gigante con due teste! È stato bello e divertente far parte di questa scena, vedere il nostro nome abbinato a tutto questo, e soprattutto vedere tanti amici che hanno poi avuto un grande successo, anche se noi non è che ce la passavamo male sia chiaro. Però vedere quello che poi hanno passato i Pearl Jam e soprattutto i Nirvana mi fece pensare “No cazzo! Io non ho firmato per avere questo, voglio semplicemente suonare in una band!”.

R.G.: E invece attualmente cosa ascolti?
S.T.: Tanta musica! Ancora oggi mi piace collezionare dischi punk underground, ieri eravamo a Roma e ne ho approfittato per andare in un negozio che si chiama Radiation Records; ho comprato tantissimi singoli punk degli anni 70, Mark invece si è comprato una maglietta dei The Users. Tieni conto anche che io lavoro in una ditta che stampa dischi a Portland; molti miei colleghi che hanno più o meno la tua età suonano ancora in gruppi hardcore, quindi sto ascoltando molto più hardcore rispetto a una volta. Tardo hardcore, anni 90/2000. Uno dei ragazzi con cui ho lavorato suona in una band chiamata Tragedy, non li avrei mai conosciuti se non avessi iniziato a lavorare li…e sono bravi!

R.G.: Deduco quindi che vi piaccia molto venire in Italia a suonare; ma ti ricordi il vostro primissimo show qui da noi?
S.T.: Sì! Credo che il nostro primo show in Italia fu a Rimini…o Bologna? Credo Rimini ma non ci giurerei. Ricordo però quel concerto a Bologna, fu memorabile perché era in uno squat, molto punk rock come situazione! Inoltre era pieno di belle ragazze, e noi eravamo anche molto giovani (ride, ndr).

R.G.: Grazie per l’intervista Steve! Vuoi mandare un salute ai lettori di RockGarage?
S.T.: Grazie a te! Saluto i fan di RockGarage e vi aspetto ai nostri prossimi show italiani!

Intervista agli Hatesphere

La scena metal underground è sempre stata ricca di band che con il tempo sono riuscite ad affermarsi e ad emergere dalla loro natura di band di nicchia affacciandosi sul mercato mainstream (Behemoth e Gojira possono essere due nomi rappresentativi), altre invece hanno abbandonato la scena per svariati motivi e invece esistono band come i danesi Hatesphere che continuano a portare l’etichetta di band underground con orgoglio, non lasciandosi deteriorare dal tempo e sempre carica e pronta a sfornare nuova rabbia messa in musica. Infatti dopo quasi due decadi sotto questo nome dalla release dell’omonimo debutto, uscito per la nostrana Scarlet Records, la band nel mese di ottobre è ritornata sulla scena con Reduced To Flesh, decimo album della loro carriera, rientrando nella scuderia della loro etichetta di origine. In occasione dell’unica data italiana che li ha visti accompagnare i Sinsaenum in tour per l’Europa abbiamo avuto modo di chiacchierare con Pepe, mastermind dei riff del combo danese per farci raccontare qualcosa in più sul loro nuovo disco.

R.G.: Ciao Pepe, bentornato in Italia, innanzitutto come sta procedendo l’attuale tour?
P.: Bene grazie, stiamo coprendo un bel po’ di nazioni: Inghilterra, Finlandia, oggi siamo in Italia, il programma prevede di coprire gran parte del territorio europeo lasciando fuori Spagna, Portogallo e tutto l’est Europa.

R.G.: Il vostro ultimo “Reduced To Flesh“ uscirà tra una settimana circa (al momento dell’intervista ndr) ed è strano vedervi in tour prima della sua release, come mai avete preso questa decisione?
P.: Effettivamente la situazione ideale sarebbe stata se l’album fosse uscito poco prima che partissimo in tour ma purtroppo in questo caso è stato impossibile. Comunque credo che suonare per un pubblico nuovo sia sempre un’ottima cosa perché se la tua musica sarà apprezzata dal vivo allora sicuramente ci sarà qualcuno che acquisterà il nuovo disco quando gli sarà possibile farlo. Subito dopo questo tour saremo in compagnia dei Decapitated, il nostro nuovo disco sarà già disponibile in vendita e andremo a coprire gran parte dell’est Europa con Repubblica Ceca, Slovacchia, Austria e Turchia, tutte nazioni che non saranno toccate durante questo tour.

R.G.: Dalle anticipazioni del disco sembrerebbe quasi che avremo modo di gustarci un disco più politico per quanto riguarda i testi del singolo Corpse Of Mankind o comunque dati i titoli dei brani contenuti in esso.
P.: Sì può darsi che Reduced To Flesh sia un disco più politico per quanto riguarda le tematiche dei testi, direi più che si tratta di un misto tra politica ed esperienze personali, penso che Esben (voce della band ndr) sia stato carico di rabbia per i testi proposti in questo nuovo disco.

R.G.: Ma innanzitutto, raccontaci un po’ dell’album in generale.
P.: Musicalmente si tratta di un disco molto old school, thrash metal sempre in chiave Hatesphere ma con aggiunta di una dose massiccia di death metal e di atmosfera data dalle parti orchestrali che hanno arricchito l’album di parti sinistre e oscure, soprattutto per quanto riguarda gli intermezzi. Questo è stato frutto della collaborazione con l’inglese Jon Phipps che aveva già collaborato per gli ultimi lavori di Moonspell e Amorphis tra gli altri. Non è stato semplice vederci in questo tipo di collaborazione e non sapevamo cosa ne sarebbe venuto fuori ma una volta registrato e mixato il tutto, il risultato è stato soddisfacente. Credo che sia un disco spaventoso in alcuni frangenti.

R.G.: Nella vostra ormai quasi ventennale carriera siete stati sempre molto impegnati in tour ma ho notato che per la promozione del precedente “New Hell“ non avete viaggiato moltissimo rispetto ai vostri standard, avete preferito ritagliarvi un po’ più di tempo per la realizzazione del nuovo album?
P.: Dopo la release di New Hell siamo stati in tour con i Soilwork e abbiamo suonato anche qui in Italia, successivamente siamo partiti per la Cina per un tour da headliner durato due settimane, poi siamo stati di nuovo in tour per l’Europa da headliner per un breve periodo. Lo scorso anno abbiamo suonato con i Metallica in Danimarca, fatto qualche data insieme ai Crowbar e abbiamo partecipato ad alcuni festival estivi, poi abbiamo iniziato a scrivere l’album nuovo. Sì, hai ragione, rispetto ai nostri canoni non abbiamo trascorso molto tempo in tour lo scorso anno e sì, abbiamo preferito concentrarci e lavorare sul nostro disco, inoltre agli inizi di quest’anno siamo tornati in Cina e abbiamo anche suonato in Giappone.

R.G.: Wow, ormai suonate spesso nel continente asiatico quindi! Esiste molta differenza tra il pubblico asiatico e quello europeo?
P.: Sì, devo ammettere che il pubblico giapponese è molto attivo durante i nostri show, come popolo sembra pacato e tranquillo eppure sanno come divertirsi durante i concerti metal!

R.G.: Ritorniamo su Reduced To Flesh, cosa ritroveremo di diverso in quest’ultimo rispetto alle vostre ultime produzioni?
P.: Rispetto ai nostri ultimi due album credo che si tratti di un lavoro più sporco e grezzo come lo era in passato, la differenza principale si può riscontrare nelle orchestrazioni che rendono l’opera più sinistra ma soprattutto questa volta abbiamo voluto provare a concentrarci maggiormente sugli intermezzi dei brani provando a svilupparli meglio, rendendoli più lunghi. Abbiamo sempre voluto suonare thrash metal ma il nostro intento è quello di inserirci nuovi elementi al suo interno rendendolo più complesso come parti più melodiche tendenti al rock o come anche altre più groove, alternando attimi più veloci ad altri più lenti. L’obiettivo finale è quindi di non proporre mai qualcosa che sia sempre e solo veloce o sempre e solo lento ma il giusto mix di tutto. Abbiamo composto delle ottime canzoni senza mai dimenticare la nostra identità di band.

R.G.: Credo che sia proprio questa la vera forza degli Hatesphere, il marchio di fabbrica che vi ha reso famosi fin dai tempi dal debutto e in cui perseverate ancora oggi. Sono molte le band che hanno cambiato il genere proposto nel corso della loro carriera, alcune ricreandosi e ottenendo comunque successo. A ciò però si contrappone la perseveranza che credo sia anche una forma d’arte. Quindi chiedo a te che sei il principale compositore, quale è la formula per mantenere l’identità degli Hatesphere nel corso di questi quasi venti anni di carriera?
P.: Io penso che il fatto di essere il compositore della band abbia facilitato questa nostra fedeltà in quanto a sound nel corso dei dischi. Non è una cosa che faccio intenzionalmente, a me piace scrivere la musica che scrivo ma ogni volta che scrivo qualcosa di nuovo voglio che suoni realmente come qualcosa di nuovo per me, le sensazioni non devono essere uguali ad altre canzoni. Noi suoniamo come gli Hatesphere, ascoltando la nostra musica non ci paragoneresti a nessuna altra band se non a noi stessi.

R.G.: Toglimi una curiosità, che sensazioni hai avuto scrivendo i brani del vostro ultimo album?
P.: (ride, ndr) Non lo so, semplicemente ero seduto nel mio seminterrato e ho provato a scrivere nuovi riff e così ho scritto qualche parte melodica e qualche parte più dark, mentre altre erano idee che già avevo in mente da un po’ di tempo e che dovevo solo perfezionare, così le ho registrate e ho pensato che sarebbero state perfette per le canzoni che stavo scrivendo. E’ difficile spiegartelo perché ogni volta non penso a come dovrebbe suonare il prodotto finito, bensì scrivo canzoni che vorrei scrivere in quel preciso momento della mia vita. Ascoltando il disco con tutte le sue sfaccettature mi ritrovo pienamente soddisfatto del lavoro da me svolto.

R.G.: Cosa ne pensi invece della risposta del pubblico di questo tour per i nuovi brani proposti?
P.: Non te lo saprei dire ancora perché fino ad ora, in questo tour, abbiamo proposto solo Corpse Of Mankind, primo singolo estratto dal disco e il responso dal pubblico è più che positivo. Forse da stasera inseriremo qualche altro brano nuovo in scaletta e vedremo.

R.G.: Quali saranno i vostri progetti futuri dopo questo tour?
P.: Dopo il tour con i Decapitated ci prenderemo un po’ di tempo per noi, riprenderemo l’attività live a marzo con il tour danese e poi saremo ospiti di qualche festival estivo. Spero che avremo l’occasione di tornare a suonare in Giappone perché Reduced to Flesh sarà pubblicato anche lì.

R.G.: Ok grazie mille!
P.: Grazie a voi!

Intervista alla Mr Vertigo Vinyl Records

Abbiamo scambiato 4 chiacchiere con gli amici di Mr Vertigo Vinyl Records, start-up di Isola del Liri (FR), che si occupa fondamentalmente di registrazione e stampa di vinili. Di seguito un po’ di informazioni e curiosità su questa loro attività innovativa che strizza l’occhio al passato.

R.G.: Ciao ragazzi! Come è nata questa vostra idea di intraprendere questo tipo di attività?

Mr.V.V.R.: E’ nato tutto nel 2015 dalla necessità di stampare il nostro disco (trattasi di musicisti, oltre che di produttori di vinili n.d.r.). Abbiamo svolto una serie di ricerche sospinti sia dalla fretta di trovare una soluzione sia dalla curiosità e abbiamo scoperto questo mercato, ancora semi vergine e in espansione. Quindi abbiamo deciso di buttarci dentro questa avventura mettendo su quest’attività.

R.G.: Ci sono stati, quindi, progetti simili da cui avete preso spunto o ispirazione?

Mr.V.V.R.: La nostra ispirazione principale ci è stata data da varie realtà europee. Poi, naturalmente, ci siamo mossi ed evoluti in modo autonomo ed originale andando a coprire tutti i formati di vinile e includendo tutte le varie fasi/attività di produzione nella nostra attività. Ad esempio siamo stati i primi in Italia a lanciare la personalizzazione on line del disco.

R.G.: Descrivetemi brevemente in cosa consiste la vostra attività, cosa producete nello specifico, per chi, come si articola il vostro lavoro anche nelle sue sotto attività o attività collaterali.

Mr.V.V.R.: Stampiamo ogni supporto audio, quindi CD, vinili, musicassette, anche se la nostra specializzazione è sui vinili quindi logicamente il 90% delle richieste che riceviamo riguarda il vinile. A richiedere il vinile sono semplici privati che vogliono stampare una o più copie per un’idea regalo o per un uso personale. Poi ci sono i musicisti che vogliono questo tipo di supporto per diffondere/vendere il loro prodotto, vuoi perché affascinati dal calore del vinile vuoi perché hanno compreso quanto esso stia “tornando di moda”. Paradossalmente a riportare al vinile sono stati proprio gli mp3 e gli altri formati digitali. Infatti la musica “liquida” ha mostrato i limiti del supporto CD, che ormai spadroneggiava da più di 2 decenni, orientando verso la riscoperta dei formati e dei suoni analogici quali appunto quelli del vinile e poi anche delle musicassette. Inoltre produciamo anche per le etichette discografiche. L’altra nostra attività peculiare, come accennato prima, è l’innovativo servizio di personalizzazione on line del disco. Sul nostro sito web a questa pagina, mettiamo a disposizione una piattaforma dal semplice utilizzo per ordinare il proprio vinile completo di grafica e file audio. Ci occupiamo, inoltre, su richiesta, di progettazione grafica, missaggio e mastering. Infine offriamo un servizio di cutting, ossia di taglio delle lacche per dischi in cera lacca, per gli impianti di pressaggio interessati ad esternalizzare questa fase di produzione. In particolare lavoriamo con la PPM (nuova realtà nella provincia di Lodi) con cui abbiamo un rapporto di esclusiva e di scambio reciproco. Infatti per le tirature alte esternalizziamo il pressaggio, mantenendo invece l’attività di incisione, delegandolo proprio alla PPM come è accaduto per la produzione del nuovo disco di Bugo.

R.G.: In quanti siete a far parte di questo progetto? Avete una divisione/gerarchia di ruoli?

Mr.V.V.R.: Siamo in due, Davide Saccucci e Alessandro Ferrante, ed entrambi ci occupiamo di ogni fase di progettazione e produzione senza alcuna divisione di ruoli.

R.G.: Avete finora raggiunto buoni risultati in termini di quantità di lavoro e di profitti? Mirate a crescere e a diventare competitivi sul mercato?

Mr.V.V.R.: In 3 anni siamo cresciuti in modo assolutamente soddisfacente. Miriamo a diventare sempre più competitivi ricercando una continua ottimizzazione della produzione aumentando la velocità senza che ciò avvenga a discapito della qualità. Trattandosi di una produzione artigianale, e non industriale, la qualità è lo standard irrinunciabile. Ed i prezzi dei nostri prodotti sono, naturalmente, calibrati sul costo di un lavoro che cura ogni fase con estrema precisione e accuratezza.

R.G.: Ok grazie mille ragazzi!

Mr.V.V.R.: Grazie a voi.

Intervista a Diego DiDi Cavallotti (Lacuna Coil)

Non potevamo non approfittare di una pausa dei Lacuna Coil dal loro tour per incontrare il loro chitarrista, Diego DiDi Cavallotti, e fare quattro chiacchiere con lui. Fresco di rientro da una serie di date live importanti all’estero, Diego ci ha spiegato come funziona la macchina Lacuna Coil e ci ha raccontato alcuni suoi progetti personali in partenza proprio in questi giorni. Ecco il resoconto della chiacchierata.

R.G.: Ciao Diego, approfittiamo di questa pausa dai live dei Lacuna Coil per fare due chiacchiere. Innanzitutto come sono andati gli ultimi concerti.

D.C.: L’ultima estate è andata da dio, abbiamo fatto tanti festival in giro per l’Europa, sono andati molto bene, abbiamo toccato anche posti in cui non andiamo spesso. Abbiamo avuto anche un buon riscontro di pubblico, quindi siamo soddisfatti. Adesso stiamo preparando l’ultima tranche di tour di due settimane tra Belgio, Olanda, Germania e Italia e poi ci dedicheremo alla scrittura del disco nuovo.

R.G:: A partire da quando inizierete a scrivere i nuovi pezzi?

D.C.: Io penso da novembre/dicembre inizieremo la stesura.

R.G.: Quindi queste sono proprio le ultimissime date.

D.C.: Sì esatto, dal Lucca Comics fino al 15 novembre siamo operativi live e poi saremo in studio fino a quando sarà.

R.G.: Tu hai suonato anche con molte band prima di entrare nei Lacuna. Seguivi ai tempi i Lacuna Coil come fan?

D.C.: Sì, io ho sempre seguito i Lacuna tramite i singoloni che passavano in radio o su internet. Non posso definirmi il fan numero 1 però non mi sono mai dispiaciuti. Adesso ho scoperto che ci sono delle canzoni che adoro, molto più di quelle che conoscevo.

R.G.: Quindi hai iniziato a scoprire la discografia dopo che sei entrato in line-up…e contemporaneamente dovevi imparare i pezzi!

D.C.: È chiaro! (risate generali ndr) Un lavoraccio.

R.G.: Però rispetto alle tue esperienze precedenti, come quella nei Mellowtoy o di altre band, quali sono i principali cambiamenti che hai vissuto? Al di là del fatto che suonate davanti ad un pubblico molto più grande.

D.C.: Sono cambiate un sacco di cose, la mia vita è cambiata totalmente. Mi sono licenziato dal lavoro che avevo per dedicarmi completamente a loro. È diventato un lavoro a tempo pieno, passare dal fare l’operario a fare il musicista in giro per il mondo non capita tutti i giorni. È un cambiamento enorme già quello. Un altro cambiamento riguarda l’opportunità di vedere posti, di conoscere persone, suonare con i miei idoli, band di cui avevo il poster in camera, o bere la birra insieme a loro…di questo ne sono orgoglioso. È figo. Ci sono comunque i pro e i contro chiaramente, sei via di casa per tanto tempo anche se per me non è un peso. È sempre questo quello che volevo fare.

R.G.: C’era qualche vantaggio anche prima, ad esempio la dimensione piccola dei live, che magari oggi ti manca?

D.C.: Abbiamo suonato con i Lacuna anche davanti a posti con 200 paganti, perché ci sono luoghi come il Nord Europa in cui ci conoscono di meno, quindi ci troviamo anche dinanzi a quelle situazioni in cui sentivo di essere tornato al passato.

R.G.: Sono queste le situazioni in cui ti senti più a tuo agio?

D.C.: Dipende, è sempre una questione di suonare pezzi che non sono miei. Io cerco sempre di fare le cose fatte bene, quindi un po’ di ansia l’ho sempre prima di suonare, spero sempre che il concerto vada bene, che non si rompano corde, che non faccia errori…però ogni tanto sono talmente teso che qualche piccolo errore lo commetto. È normale.

R.G.: Tra l’altro tu dici “pezzi non miei” che vuol dire parti non scritte da te. È una cosa complicata doversi adattare allo stile di un altro chitarrista?

D.C.: Sì, la band mi ha lasciato carta bianca per quanto riguarda l‘interpretazione dei pezzi, alcuni assoli li ho rivisitati perché giustamente in quei 10-20 secondi suono io e voglio metterci qualcosa di mio. Questa è un cosa che si approfondirà sul prossimo disco dove ci sarò io finalmente (a livello compositivo ndr) e avrò modo di esprimermi. In Delirum ho fatto due assoli in due pezzi diversi ed è diverso rispetto a suonare pezzi di altri.

R.G.: Al di là dei Paesi in cui non siete molto famosi, credo che però gran parte dei live sia nei luoghi tipo USA dove i Lacuna Coil hanno molto seguito…secondo te in questa dimensione in cu i numeri sono molto alti la band ha meno opportunità di avere un contatto diretto con il pubblico o il rapporto con i fan non cambia nemmeno lì?

D.C.: No, questa è una cosa di cui vado davvero orgoglioso. I Lacuna tengono tanto alla loro fanbase, sono molto fedeli a chi li segue, ma da anni. Ci sono fan italiani che sono venuti a seguirci all’estero e loro ma anche io siamo sempre disponibili ad incontrarli, dopo un concerto, anche quando siamo stanchi e incazzati. Alla fine se ci sono 10 ragazzi che ci aspettano fuori al portone noi usciamo sempre.

R.G.: Tu sei in formazione da circa due anni e hai vissuto in pieno il periodo in cui Cristina ha partecipato al famoso talent con tutto il fenomeno mediatico che ne è derivato. Dal tuo punto di vista, quindi dall’interno, sono cambiate alcune dinamiche rispetto a quanto si vede all’esterno?

D.C.: Sicuramente all’interno della band non è cambiato nulla, noi siamo felici che Cristina abbia accettato questo incarico, lei si è voluta mettere alla prova ed è andata bene. Inoltre ha anche portato una fetta nuova di persone che non ci conoscevano quindi ha giovato alla band.

R.G.: Be’ sicuramente avete avuto dei feedback negativi a fronte di questa decisione di Cristina?

D.C.: I feedback negativi ci sono sempre, quando fai qualsiasi cosa. Noi ce ne freghiamo. Fin quando siamo felici di fare le cose che facciamo e la gente apprezza perché resti genuino e umile, noi non abbiamo nulla di cui preoccuparci. Poi alcuni parleranno sempre male…le accettiamo le critiche.

R.G.: In questo periodo per così dire di pausa di cosa ti stai occupando?

D.C.: Mi sto occupando del mio nuovo progetto. Ho creato un brand di birra artigianale in collaborazione con il pub in cui lavoro quando non sono in tour con i Lacuna Coil, Il Porco. La storia di come è nata la birra è curiosa. Un anno fa eravamo alla grigliata di ferragosto al locale, io ero un attimino alticcio e ho deciso di fare uno scherzo. Eravamo tutti fuori, sono entrato ho cancellato il nome di una birra sulla lavagna e ho inventato la “Drink ‘em all” scrivendola lì con tutte le info, gradazione alcolica…ho inventato tutto! È rimasta lì e la gente ha iniziato a chiederla. Le prime volte il proprietario del locale ha spiegato che era uno scherzo, ma capitava spesso che la chiedessero. Quindi è nata l’idea di farla. Ne abbiamo parlato con calma, io ho dato le mie specifiche, ho sempre voluto una birra alla portata di tutti, non c’era bisogno di essere dei mastri birrai per apprezzarla. Una volta impostate le caratteristiche ci siamo affiancati al birrificio The Wall e gli abbiamo presentato il progetto che è piaciuto. È stata presentata una bozza di ricetta ed è partita la produzione. Il risultato finale secondo me è ottimo, poi sono le persone che giudicheranno. È nato quindi tutto per scherzo ma poi è diventata una realtà.

R.G.: E questa birra dove si venderà?

D.C.: Andrà solamente su ordinazione via e-mail oppure in alcuni locali che sto visitando io e che hanno manifestato interesse a venderla.

R.G.: Ufficialmente a partire da quando sarà disponibile?

D.C.: Sarà disponibile dal 12 ottobre, faremo la presentazione all’HT Factory a Seregno in occasione del festival che si chiamerà proprio Drink ‘em All Festival e poi da lì sarà presente nei pub che la richiederanno.

R.G.: Festival che è organizzato da te?

D.C.: Sì da me e da tante altre persone. Si tratta di un festival creato per far conoscere la birra anche se io, essendo un musicista, volevo inserire anche delle band…delle band emergenti per aiutarle. Abbiamo deciso per 5 band e un dj set così tra birra e musica l’evento è per tutti. E così abbiamo organizzato il tutto.

R.G: Le band le hai scelte tu?

D.C.: Allora alcune me le hanno proposte e altre le ho scelte io. Io avevo delle idee, alcune band non erano disponibili quindi automaticamente abbiamo dovuto fare un gioco ad incastro. Le band scelte sono secondo me supervalide, non sono tutte del milanese, c’è anche una band che viene dal salento ad esempio. Vedremo questa prima edizione come andrà.

R.G: Sarà quindi una vera e propria festa.

D.C.: Sì esatto! E sarà ad ingresso gratuito. Quindi non ci si può lamentare che non c’è mai niente…

R.G.: Ma è vera questa cosa secondo te che c’è gente che si lamenta che non ci sono concerti, non ci sono band valide…

D.C.: Sì, io mi baso su quello che viene detto in giro, spesso si dice e si scrive che non c’è mai niente in Italia, però poi quando c’è qualcosa di interessante si dice che è roba di merda o la si sminuisce.

R.G: Sì è quello che dicevamo prima. Molti si lamentano a prescindere. Band ce ne sono tantissime così come i locali…

D.C.: Esatto, ci sono band stravalide. Secondo me in Italia manca quell’attitudine che all’estero c’è. Ad esempio all’estero spesso il pubblico non conosce le band che suonano però vanno lo stesso ad un concerto per curiosità. In Italia non succede. Io in passato, anche nelle altre band, sono andato a suonare in Germania, Estonia, Lettonia, Lituania e la gente si interessava perché vedeva la realtà straniera. Qui invece non capita di vedere una band emergente, italiana e non, con un pubblico grande ed interessato davanti. Almeno a me non è capitato spesso.

R.G.: Quello che vedo io è che ci si muove per filoni musicali particolari, quindi magari per una band, italiana o straniera, di un certo genere c’è un mare di gente, per un’altra di un genere meno di moda non se la fila nessuno.

D.C.: Sul trend non ci puoi fare niente, è una cosa che non puoi controllare. Dieci anni fa c’era il boom del metalcore, tutte le band suonavano metalcore, io stesso suonavo metalcore, e poi è andato un po’ a scemare. Ci sono band che proseguono imperterriti sulla loro strada ma non c’è più quel seguito intorno a quel genere.

R.G.: A noi capita spesso di imbatterci in formazioni che propongono sempre metalcore ma contaminato con altri suoni, ad esempio con l’elettronica o soluzioni diverse. Una cosa che tipo dieci anni fa non accadeva.

D.C.: Le contaminazioni sono ben accette anche perché la musica è in continua evoluzione. Poi le generazioni cambiano e di conseguenza cambiano anche i gusti.

R.G.: Questo secondo te per i Lacuna Coil che hanno uno stile “riconoscibile” è un lato positivo o negativo?

D.C.: Sicuramente positivo perché una volta che una band si riconosce per il suo stile vuol dire che ha fatto centro.

R.G.: Sì io intendevo in funzione del fatto che i gusti si evolgono…

D.C.: Sì ma ci evolviamo anche noi. I nostri album non sono tutti uguali, l’evoluzione ci sta sempre. Inoltre i Lacuna vanno avanti da venti anni, sono sempre attivi quindi è normale che crescano.

R.G.: Ultima domanda: in questa tua piccola esperienza di un organizzatore di un festival avrai visto delle logiche che prima non conoscevi…

D.C.: Eh sì, mi sono scontrato con la realtà dei fatti. L’idea che mi sono fatto è che è difficile però se lo fai con testa, con cuore allora il tutto va.

R.G.: Ma intendi la parte dell’organizzazione o la riuscita?

D.C.: La riuscita posso dirtela il 13 ottobre (risate generali ndr). Per quanto riguarda l’organizzazione sì non è semplice, se tu vuoi fare le cose fatte bene ci vuole tanto tempo…non puoi fare le cose a cazzo perché poi arriva il momento in cui ti arriva tutto indietro. Io di errori ne ho fatti tanti ma spero di non farne più, ora che ho capito come funzionano le cose.

R.G.: Ok grazie Diego allora invitiamo tutti il 12 ottobre al Drink ‘em All Festival e in bocca al lupo per i tuoi tanti progetti.

D.C.: Grazie mille e un saluto a voi.

Intervista ai Sem E Le Visioni Distorte

Il caldo estivo non ha fermato la nostra voglia di incontrare di persona musicisti della scena italiana e fare due chiacchiere con loro. Questa volta è stata l’occasione per incontrare un forte sostenitore di RockGarage: Samuele Torresani, in arte SeM, voce, basso e mastermind dei SeM E Le Visioni Distorte che anni fa ha prestato la sua voce per la RockGarage Radio. Il progetto di SeM è cresciuto, dopo due EP è giunto ad un full-lenght recensito da noi a questa pagina e quale migliore occasione per tirare le somme con lui e confrontarci anche sulla scena musicale attuale?! Qui il resoconto dell’intervista.

R.G.: Ciao SeM e grazie per aver accettato il nostro invito. Partiamo subito dalla prima domanda: raccontaci i riscontri dell’ultimo album visto che è passato un po’ di tempo dalla pubblicazione.
S.elV.D.: Dalla pubblicazione ad oggi ci sono stati un po’ di sviluppi interessanti. Il 20 aprile è uscito fisicamente il disco Viaggio Attraverso Lo Specchio di cui sono orgoglioso, chi lo ha sentito lo trova più organico rispetto ai lavori passati; penso che il messaggio sotteso nel disco arrivi. Abbiamo fatto un po’ di date, specialmente a giugno con spettacoli interessanti come la data ultima al Club 27 che rimane uno dei miei locali preferiti e alla fine della serata sono morto sul marciapiede (risate generali ndr)

R.G.: In che senso sei morto sul marciapiede?
S.elV.D.: Sì sono praticamente svenuto a fine serata…festa di chiusura, si fa un sacco di casino. Dicono “sesso, droga e rock’n’roll” io al posto della droga uso l’alcol ed è finita in maniera interessante (risate ndr). Però pubblico contento, io anche. Abbiamo fatto un paio di spettacoli all’aperto, dimensione divertente anche se io preferisco suonare nei club dove c’è un’atmosfera un po’ più intima. Il merchandising sta andando bene.

R.G.: Bene dai! Visto che hai parlato del messaggio del disco, parliamone! Siccome i brani sono scritti da te sicuramente il messaggio è collegato anche alle tue vicende personali e alle tue esperienze.
S.elV.D.: Assolutamente sì, anche perché questo album ha due anni di gestazione e quindi nelle nuove tracce vi sono esperienze che ho vissuto in prima persona in questo lungo periodo; buona parte del disco l’ho scritta mentre fui migrante in Inghilterra. Sommariamente il disco si divide in tre parti. Il tema, come si intuisce dal titolo, è il viaggio è c’è questo rimando ad Alice nel Paese delle Meraviglie. Il viaggio viene declinato in tre dimensioni: il viaggio fisico, il viaggio metafisico e il viaggio verso il futuro, ciascuna dimensione scandita da tre brani ciascuno. Le prime tre tracce riguardano il viaggio fisico cioè proprio quando qualcuno parte come me che ho fatto un salto nel vuoto mollando tutto e andando via, le tracce 4, 5 e 6 per il viaggio metafisico che rappresenta quello che la mente può portarti a vedere, non solo grazie a sostanze chimiche ma anche grazie all’immaginazione e queste sono le tracce un po’ più cupe e riflessive, infine nelle ultime tre tracce si ritorna nel mondo materiale, reduci dell’esperienze vissute e proiettati verso ciò che si vuole fare.

R.G.: Hai citato del tuo viaggio in Inghilterra che noi abbiamo ritrovato in Le Vie Dei Diversi.
S.elV.D.: Esatto, bravo. Vedo che abbiamo ascoltato attentamente l’album (risate ndr). Questo brano credo sia quello che va più in controtendenza rispetto allo stile della band, noi siamo partiti come trio “incazzato” e qui invece c’è un brano acustico…può sembrare una scelta bizzarra. In realtà il brano originariamente lo avevo scritto in inglese, quando suonavo con un gruppettino in Inghilterra appunto in acustico. Arrivato in UK non avevo strumenti con me e quindi con il primo stipendio che ho incassato, prima di pagare l’affitto, sono andato a comprare una chitarra acustica usata per strimpellare. Quella chitarra è durata per tutta la mia permanenza all’estero e in un momento particolare è uscito il pezzo.

R.G.: Raccontaci questo momento.
S.elV.D.: Sì, io vivevo in un paesino molto tranquillo del Kent, molto bello e carino da girare. Una sera tornavo a casa, vivevo da solo, e ho avuto un momento un po’ di solitudine in cui mi sono sentito straniero in terra straniera…

R.G.: Strangers In A Strange Land…come diceva qualcuno.
S.elV.D.: Esatto! (altre risate ndr) E ho riflettuto sulle mie sensazioni in quel momento, sulla lontananza con le persone che conosci e a cui vuoi bene ma che sono distanti…non mi sentivo integrato al 100% sia per una questione linguistica che per la scommessa sul futuro che avevo fatto…metti in discussione un po’ tutto quello che fai. Ho provato questa strada trovando subito lavoro, cosa che in Italia non c’era, ma ho iniziato a chiedermi dove quello che avevo trovato mi stava portando. Diciamo tutto il tema dello smarrimento che è tipico di un migrante e che è diventato poi un tema tremendamente attuale.

R.G.: Queste difficoltà che hai incontrato frutto di riflessioni sulla vita noi le abbiamo trovate anche in altre tracce come nell’opener in cui tu fai riferimento a tutte quelle difficoltà che ognuno di noi affronta quotidianamente. Sono riallacciate a quel periodo?
S.elV.D.: Ancora Sulla Strada è secondo me davvero perfetta come traccia d’apertura. Rappresenta sì un po’ tutte queste cose, l’ho scritta quando riflettevo su tutta la transizione che ho vissuto, compreso il viaggio in Inghilterra. Quando ero in Italia ero in un periodo particolare, le cose andavano bene ma tutto ad un tratto le mie certezze sono crollate: la riflessione era riferita a questo vuoto creato in me ma nonostante tutto, come dice il brano, “sono ancora sulla strada”. Dopo tutte le difficoltà non bisogna mollare, riprendiamo a sanguinare e sudare e cerchiamo di trovare una nuova rotta, come dico nel ritornello.

R.G.: Punto di vista infatti che cambia subito nella seconda traccia dell’album dove invece si parla del presente come un dono, quindi l’approccio è positivo.
S.elV.D.: Sì, Il Tempo Dell’Addio è una traccia particolare, quello è il momento in cui saluti e parti. Il presente è un dono riprendendo anche il ritornello della precedente traccia: vero che sei ancora sulla strada ma il momento che vivi è l’attimo a cui devi dare importanza, non puoi restare ancorato al passato.

R.G.: Più in generale questa è la prima volta della storia della band che arrivate ad una formazione a quattro. È stata una scelta ponderata o la band si è evoluta un po’ per caso in questa direzione?
S.elV.D.: A voler fare i pignoli il disco è comunque registrato a tre ma con l’idea di una formazione a quattro. Rispetto al passato infatti ci sono più parti strumentali e una resa sonora che richiede una formazione a quattro. Il problema di essere un power trio è che in alcuni punti si svuota il sound…

R.G.: Banalmente durante gli assoli manca la chitarra ritmica…
S.elV.D.: Esattamente e infatti nei dischi precedenti era molto più palese. Infatti nell’album sono state registrate da Davide anche le ritmiche degli assoli e poi è stato inserito il quarto elemento.

R.G.: Quindi anche per il futuro vedi più in linea una band a quattro membri?
S.elV.D.: Assolutamente sì e in più con la formazione attuale c’è la fortuna di avere una chitarrista ritmica che non vuole diventare solista, generalmente i chitarristi tendono a voler essere solisti, noi invece abbiamo trovato l’equilibrio con i due chitarristi in cui ciascuno ha il suo ruolo.

R.G.: Un equilibrio con tutti i membri nuovi e un album già scritto…situazione incredibile!
S.elV.D.: Sì diciamo che quest’anno la formazione è completamente diversa rispetto al passato e tra poco cambierà il batterista, aggiungeremo una quota rosa alla band e diventerà interessante. Le presentazioni le faremo a settembre ma è già ufficiale.

R.G.: Inoltre un altro aspetto che abbiamo notato è che a differenza di “Dal Cilindro” qui ci sono molte code vocali, cioè molte parti in diverse canzoni in cui si sentono dei prolungamenti vocali come se tu avessi voluto dare più enfasi melodica. È vero? E se sì come mai?
S.elV.D.: Ti dirò che in realtà non ci avevo fatto molto caso però ora che ci penso è vero, penso che sia frutto di una evoluzione stilistica naturale, una maggiore consapevolezza del cosa vuoi fare e del cosa vuol dire. Ho ricevuto diverse critiche e consigli ma alla fine, cosa vuoi, non va mai bene un cazzo di quando registro! (risate ndr) A differenza del primo EP in cui c’erano un sacco di parole tutte attaccate cantante velocemente perché dovevo dire mille cose tutte insieme, qui c’è più un ragionamento di come deve essere fatta una strofa e un ritornello anche in termini di musicalità.

R.G.: Dal tuo punto divista, questo elemento vocale di cui parlavamo e il fatto che siete ormai una band a tutti gli effetti a quattro, sono gli unici aspetti nuovi rispetto ai precedenti due EP o c’è dell’altro che si è sviluppato ed è maturato?
S.elV.D.: È un po’ cambiato lo stile esecutivo e compositivo. Prima erano brani molto d’impatto e istintivi ora invece sono più strutturati. Un’evoluzione naturale come dicevo prima che però rispecchia anche le tematiche del disco sicuramente più ricercate. La cosa bella che ho notato è che c’è tanta naturalezza nel suonare i nuovi brani nonostante adesso i musicisti siano nuovi, hanno tutti un approccio molto naturale e secondo me è una cosa bella e non del tutto scontata.

R.G.: Forse è anche perché ci sei tu che fai da fulcro.
S.elV.D.: Mah diciamo che uno dei requisiti per far parte dei Sem E Le Visioni Distorte, oltre al livello di sopportazione del sottoscritto, è che le canzoni ti piacciano. L’unica cosa che ho sempre chiesto alle persone che suonavano con me è di avere sempre voglia di suonare rock’n’roll, sempre e comunque e di farlo divertendosi. Se manca questa cosa ci si separa, in amicizia.

R.G.: Ok quindi a settembre si ripartirà con altre date?
S.elV.D.: Sì, ci stiamo sbattendo come tutte le band che hanno voglia di suonare, per trovare più occasioni possibili nelle peggio bettole dell’Italia perché è proprio lì che si coltiva il rock’n’roll.

R.G.: E poi soprattutto nel 2019 tornare con un nuovo album…
S.elV.D.: E qui tocchiamo un discorso più complesso, anche perché guardando i tempi attuali non so più nemmeno io se ha senso fare un disco. Viviamo in un mondo che è sempre più spostato sul digitale, ogni giorno escono canzoni e video nuovi, tutti i contenuti sono sempre più immediati e sto ragionando se cambiare anche il mio approccio circa la produzione dei dischi.

R.G.: Beh al di là del formato comunque il progetto si concentrerà su nuova musica scrivendo pezzi inediti.
S.elV.D.: Sì quello è certo, in questo periodo sto volutamente accantonando la fase di scrittura perché penso che questo disco abbia tanto da dire e debba essere suonato tanto. Anche rispetto alla situazione attuale penso a che cosa voglia dire viaggiare, spostarsi, l’accettazione degli altri e prima di se stessi, siano tutti elementi importanti e di cui non si parlerà mai abbastanza. Vorrei fare almeno un altro paio di video, vorrei rifarli con la stessa regista che ha diretto il video della tracklist, secondo me ha fatto un lavoro egregio…sì faremo inediti, la musica e il suonare le mie canzoni sono la forma di espressione tramite la quale io sono al 100% nudo, quindi avrò sempre bisogno di scrivere nuovo materiale. Sulla modalità di uscita, anche memore di una frase che mi dicesti tu e cioè che i “Sem E Le Visioni Distorte sono una live band”, sto pensando di abbandonare il concetto di disco classico in formato fisico.

R.G.: Magari un’idea potrebbe essere, come facevano gli Elio, il CD brulé.
S.elV.D.: Mi piacerebbe un sacco, ci ho pensato tante volte anche perché come ti dicevo prima nessuno è mai contento di come sono le registrazioni dei miei dischi, ma generalmente tutti quelli che ci sentono suonare dal vivo dicono che spacchiamo. L’impatto che abbiamo live è un’altra cosa e stavo pensando di virare per un album registrato in presa diretta.

R.G.: Quindi ci saranno altre date live da settembre e dal 2019 si vedrà.
S.elV.D.: Esatto, per ora l’intenzione è suonare tanto dal vivo. In questo momento io sono fermamente convinto che il rock’n’roll vada riportato alla classe popolare quindi penso che abbiano molto più senso tanti live in locali piccoli in cui sei a contatto con la gente piuttosto che fare due live giganteschi. Il nostro è uno spettacolo e vogliamo portato comunque alle persone.

R.G.: Ma qual è il messaggio del rock’n’roll?
S.elV.D.: Il rock’n’roll non è soltanto il tuo abbigliamento o la musica che ascolti ma il fatto che vai avanti, combatti, anche se la vita non era esattamente come te l’aspettavi, fai in modo di lottare per far sì che diventi quanto più vicino possibile a ciò che hai in mente. Non importa quanto tu sia stanco o quanto le cose vadano male, c’è da stringere i denti…e poi il rock’n’roll è anche festa e il messaggio è anche stare insieme, creare comunità, è una bella magia per cui durante un concerto ti dimentichi del resto del mondo ed è tutto rock’n’roll!

R.G.: E tutto questo è anche in realtà la tua filosofia e quella del tuo progetto.
S.elV.D.: Sì esatto, è da quando ho incominciato a suonare il basso che mi immagino di fare la rock star da grande, la rock star è quella che scrive, suona, va in giro per concerti e si dedica alla musica completamente. In questo momento non è assolutamente così, ho un lavoro normale, ma nonostante tutto, nonostante io veda tante persone che conosco che iniziamo a mettere su casa e famiglia e ad accomodarsi, io non accetto questa cosa perché sento di voler combattere e fare in modo che ci sia ancora questo messaggio, ci sia la voglia di stare insieme e di fare festa e ci sia ancora la voglia di veicolare la rabbia attraverso la musica, di protestare per quello che è sbagliato, per creare un mondo migliore. Da qui l’ultima canzone dell’album, Io Sono Il Rock’n’Roll, perché faccio queste cose, non sono ovviamente l’unico, ci sono tantissime persone che lo sono molto più di me e che lo fanno molto più di me; in realtà la canzone non parla solo di me ma di tutti quelli che credono e si sbattono per questa cosa qua, da chi si apre la webzine per portare avanti questi messaggi a chi cerca di tirare su un locale per far suonare a chi partecipa ai cortei per dire di no all’odio…tutti messaggi chiari.

R.G.: Ok grazie SeM per la chiacchierata. Allora da settembre invitiamo tutti a seguirvi in modo da consultare i nuovi appuntamenti live che ufficializzerete.
S.elV.D.: Assolutamente sì, anche perché è dal vivo che potete conoscerci e possiamo conoscerci, magari davanti ad una birra o ad un whiskey. Grazie a te e a RockGarage.

Intervista ai NaGa

Avevamo segnato questa data nel nostro calendario da mesi, una serata che vedeva molte band davvero notevoli esibirsi sul medesimo palco, quello del Legend Club di Milano. In particolare c’erano i NaGa di cui avevamo già ascoltato e presentato il nuovo album Distanze (a questa pagina potete leggere la recensione) e non ci siamo persi l’occasione di fare due chiacchiere con loro. Ecco il resoconto della chiacchierata.

R.G.: Ciao ragazzi iniziamo a parlare del nuovo album, raccontateci cosa è accaduto dalla gestazione fino alla pubblicazione.

N.: La cosa particolare è che siamo partiti da tanti brani, erano circa una ventina, alcuni erano in cantiere da tempo, altri erano più nuovi, altri erano un po’ più particolari. Li abbiamo registrati, abbiamo fatto un demo, li abbiamo fatti sentire ad una trentina di amici fidati e ci siamo fatti inviare i loro voti e da lì abbiamo scelto.

R.G.: Praticamente delle recensioni?

N.: (risate generali ndr) Sì, abbiamo fatto una classifica e abbiamo inserito quelli che erano più piaciuti.

R.G.: Molto bello!! In pratica i vostri amici hanno deciso i pezzi che andavano sull’album?

N.: Sì diciamo che dalle scelte abbiamo capito quali potevano piacere di più, quali no. Una delle cose più difficili è giudicare il proprio lavoro, quindi un orecchio esterno è molto interessante.

R.G.: E gli altri pezzi? Quelli esclusi? Che fine hanno fatto?

N.: Ci sono altri pezzi che sono stati esclusi ma che sono molto interessanti. Sono lì. C’è da dire che negli ultimi anni abbiamo avuto tante cose che sono accadute anche nelle vite private di ciascuno di noi, sono nati tre bambini e anche lavorativamente è accaduto tanto. Tutto questo ha rallentano i ritmi nostri. Il materiale però è lì.

R.G.: Quindi tutto questo tempo che è trascorso dal precedente “Voglie Diverse” fino a “Distanze” non è stato legato solo alla scrittura dei brani?

N.: Sì il tempo come NaGa è poco. Lavoriamo tutti con la musica e alla fine per poter vivere dobbiamo fare tante cose.

R.G.: Invece parliamo dei riscontri del precedente album. Come sono stati?

N.: Sono stati positivi, infatti ci hanno portato anche un contratto, una collaborazione con l’etichetta che era la Locomotiva. Avevamo l’accordo per l’aspetto discografico e il management, ora abbiamo preferito lavorare un po’ più per conto nostro. A distanza di tempo devo dire che il precedente disco a me piace molto (parla Claudio ndr) però ha un suono leggermente un po’ troppo pesante, è un po’ più di impatto. Diciamo che la cosa che ci ha sempre messo in difficoltà, tra virgolette, è che non si riesce ad identificarci con un genere specifico, del tipo “fanno indie”, “fanno rock”…cosa fanno i NaGa? Questo per noi è un valore aggiunto perché abbiamo un nostro stile ma da un altro punto di vista diventa difficilmente piazzabile e quindi c’è sempre un po’ questo conflitto.

R.G.: Interessante, su questo ci torniamo. La domanda sui riscontri era post-pubblicazione dell’album. Dalla pubblicazione fino alla fine del periodo di promozione dell’album, se c’è stata una fine di quel periodo, e quando avete pensato ai pezzi nuovi.

N.: (parla Lela ndr) Diciamo che da quando è iniziato il lavoro del management noi abbiamo già iniziato a pensare all’album successivo. Loro hanno lavorato su Voglie Diverse e noi avevamo già ingranato la marcia per il dopo.

R.G.: A proposito del genere musicale, visto che effettivamente nella vostra musica ci sono tante influenze, noi notiamo che ci sono queste due anime, una è un po’ più rock, cioè più elettrica e l’altra più pop ovvero più melodica. Ma se voi doveste scegliere una delle due che rispecchia di più il sound NaGa quale scegliereste? Quale vi rappresenta di più?

N.: Dipende con chi di noi parli! (risate generali ndr) Perché fondamentalmente Claudio (il chitarrista ndr) è l’anima un po’ più emotiva della band, io (Lela ndr) ascolto anche molta musica rock però la mia vocalità è molto pop soul, quindi poi alla fine quando uno ascolta i NaGa sente tutte le personalità che vengono fuori. E’ come (parla Marco il batterista ndr) quanto tu conosci una persona: se vedi solo un lato del suo carattere dopo un po’ ti annoi, se invece scopri più aspetti diventa interessante.

R.G.: Sì vero, non a caso da una decina di anni a questa parte ma anche più nascono sempre band che cercano di fondere generi diversi. Parliamo ora del singolo, Salutami Damasco, il primo singolo dell’album che è molto legato alla questione siriana. Come mai questa scelta?

N.: Sì il singolo è uscito prima dell’album, lo ha anticipato. Il brano rientra nelle canzoni scelte su quei venti brani, mi ricordo (parla Claudio ndr) che ci fu una riunione con il nostro discografico e il manager e loro subito hanno scelto questo brano da pubblicare. La cosa interessante è che da loro è uscita l’idea di collaborare con musicisti siriani che è stata una cosa molto bella. Ci hanno messo in contatto con questi due musicisti siriani che ormai vivono in Europa e abbiamo iniziato a parlare con loro e la prima cosa che loro hanno voluto capire è che non fosse un’operazione commerciale ma genuina. Io gli ho raccontato che la canzone era nata da una mia esperienza personale, ero in viaggio in Siria sei mesi prima che scoppiasse la guerra e infatti il testo che ho scritto io di getto racconta un po’ la suggestione di quello che può essere il confronto tra chi come me è andato lì per fare il turista e non ha percepito nulla della catastrofe imminente e se n’è tornato a casa mentre lì è scoppiato il finimondo. E’ impressionante il fatto che dopo poco è accaduta la guerra e io non avevo percepito nulla. Infatti il testo spiega molto questa distrazione, come una persona possa vagare senza cogliere bene le cose, che è un po’ il male del turismo di massa.

R.G.: A me ha colpito molto il fatto che si tratta di un tema attuale ma che è molto poco affrontato nella musica di oggi. Proprio la questione siriana non è presente abbastanza nella musica, quasi come se fosse una guerra di serie B, se fosse avvenuta in un Paese più importante sarebbe stata seguita di più.

N.: Ci sono delle guerre che sono di serie A e altre di serie B. Sì questo è vero. L’aggiunta di loro due è stata una cosa bellissima, facevamo le prove su Skype e loro sono molto bravi. Shadi e Majen hanno lavorato benissimo. Tra l’altro Shadi è un cantante lirico, conosce l’italiano benissimo e canta in italiano con una pronuncia quasi perfetta. Lui non voleva cantare in inglese, non voleva cantare nella sua lingua, era tanto scottato di quella condizione in cui vive la Siria. Ha ancora la famiglia a Damasco. Si è stupito che parlavamo di Damasco perché a Damasco non c’è distruzione ma per noi Damasco è simbolica, poteva essere un’altra città in cui c’è una guerra, il messaggio era lo stesso.

R.G.: Ok, cambiano argomento. A differenza del primo album in cui c’era un’etichetta ora siete autoprodotti. Come mai questa scelta e che idea vi siete fatti dell’autoproduzione e dell’avere una label?

N.: Fatica?! Se ti autoproduci ti devi fare il mazzo, semplicemente, devi essere molto convinto di quello che vuoi fare e devi far tutto. Il punto è che arrivi ad un certo momento in cui ti dici: “ok io faccio il cantante o il musicista ma tutto quello che sto facendo non è musica”. Perché ti stai occupando della copertina del CD, dei social, del video…quindi poi alla fine il fare musica si riduce a pochissimo.

R.G.: Invece nel primo album non pensavate a tutte le altre attività?

N.: In realtà sì, il contratto è arrivato dopo la pubblicazione.

R.G.: Quindi non è cambiato nulla per voi?

N.: Di fatto no, perché l’etichetta ci ha prodotto un singolo e il video e ci ha aiutato nella collaborazione con Alberto Radius. Quindi è stato un po’ in mezzo ai due dischi. Però si fa da soli, anche perché non si parla di major, forse per loro non siamo interessanti perché non siamo radiofonici.

R.G.: Non siete radiofonici? Avrei detto il contrario. Anche per le radio?

N.: Sì, questo è sempre stato un po’ il nostro punto debole. Siamo una via di mezzo che non accontenta le radio e le major. A volte diventa anche difficile piazzare i live.

R.G.: Ecco, questo è un altro aspetto che volevamo affrontare con voi. Perché fate concerti ma non avete tantissime date. Questo perché cercate di concentrarvi di più sui brani e sulla parte più discografica del vostro lavoro o perché avete poche occasioni per esibirvi?

N.: Il mercato del live è piuttosto complesso, bisognerebbe spenderci ulteriori energie e per noi che non siamo proprio dei ragazzini di primo pelo e facciamo tanti live in altre situazioni chiaramente accettare certe condizioni alle volte è faticoso. Conosciamo molto bene le regole che stanno dietro ad un live, a volte accettiamo alcune opportunità ma fino ad un certo punto. Al momento non sgomitiamo perché non vogliamo insistere per fare un live in più a tutti i costi, ci interessa fare più live di qualità che di quantità.

R.G.: Quindi in sostanza dite che di occasioni live ci sono.

N.: Sì assolutamente sì ma ci sono condizioni un po’ misere. Non parliamo a livello economico sia chiaro, ma di dove ti mettono a suonare, davanti a che pubblico, su quale palco. A volte ti ritrovi in un locale sperduto nella provincia di chissà dove in cui il pubblico è fatto di poche persone anche perché non abbiamo molto seguito al di fuori della nostra provincia…e ti dici: “ok io cosa sto raccogliendo?”. Ci mettiamo tante energie, facciamo la strada, la mia performance, il guadagno è modesto, non vendiamo un disco in quelle date…

R.G.: Non è comunque un modo per farvi conoscere da un pubblico che sicuramente non vi conosceva prima, essendo una zona fuori dalla vostra provincia come dite voi?

N.: Se ci fosse pubblico sì! Ci sono dei locali che sono frequentati da un pubblico e quindi sai che c’è gente che ti ascolta. Lì ha senso, tu vai e fai la tua serata. Ma ci sono tanti locali che invece usano le band per riempirsi e a noi non interessa.

R.G.: Ok, parliamo di altre band. Seguite la scena italiana o anche straniera, avete delle preferenze? Delle band con cui volete collaborare?

N.: Per esempio i Gambardellas mi piacciono molto (parla Claudio ndr), sono uno dei gruppi che più mi ha colpito.

R.G.: Loro suonano tantissimo in giro

N.: (risate generali ndr) Sì, hanno anche un impatto diverso, infatti oggi è la prima volta che suoniamo con loro e capisco cosa vuol dire suonare prima di loro, perché noi abbiamo un lato molto più introspettivo. Li conoscevamo già. A me (parla Leila ndr) piacciono i Lost In Paradise con cui abbiamo suonato e a me piacciono anche i Black Beat Movement ma loro non sono rock. Ci piace anche molta musica al di fuori del rock.

R.G.: Chi lo sa, magari un domani fate una data con una band al di fuori del rock o del pop…

N.: Magari, perché no…siamo sempre stati molto aperti da questo punto di vista.

R.G.: Ok, ultima domanda. Programmi per il prossimo album? Ci state pensando o no? E’ presto?

N.: Sì ci stiamo pensando, dobbiamo un attimo fermarci e rimetterci un po’ nel pieno delle attività, Roby ad esempio è sempre a suonare in giro per il mondo…a livello personale come ti dicevo sono accadute tante cose, quindi ci vorrà tempo.

R.G.: Ci sarà quindi un’evoluzione?

N.: Sì dobbiamo solo capire in quale direzione. Fino a quando ci sarà qualcosa da dire noi comunque continueremo.

R.G.: Bene, grazie mille ragazzi e in bocca al lupo per il live.

N.: Grazie a voi.

Intervista ai Tribulation

Tra cinema horror e musica metal c’è da sempre stato un legame ben saldo, ci sono scene che non potrò mai dimenticare come per esempio il finale di Phenomena di Dario Argento il cui orrore viene accompagnato dalle note di Flash Of the Blade degli Iron Maiden. Se dovessi pensare a questo legame, oggi credo che Tribulation sia il primo nome che mi verrebbe in mente, giovane band svedese che si è fatta largo nel genere grazie al loro personalissimo e unico sound dato dalla mescolanza di death, heavy, gothic, black metal e sinistre atmosfere horror dalla tradizione più classica. Down Below, ultima release della band, ha visto luce lo scorso gennaio e sembra abbia proprio subìto un enorme influenza dal cinema horror nostrano, da grande appassionato del genere ed estimatore della band svedese era inevitabile per me voler fare quattro chiacchiere con il frontman Johannes Andersson e chiacchierare anche di questo argomento a me tanto caro. Così, nel corso dell’ultimo tour europeo della band, a qualche ora dal loro concerto milanese, abbiamo avuto l’opportunità di incontrare il ghoul e provare a scavare sotto il make-up della band.

R.G.: Ciao Johannes, siete tornati in Italia in tour per la seconda volta in promozione del vostro ultimo “Down Below“, innanzitutto come sta procedendo questo viaggio per voi?
T.: Be’ il tour sta procedendo bene, si sta verificando anche più grande di quanto io pensassi perché non conoscevo così bene gli Insomnium prima della partenza ma sto notando che richiamano molta più gente di quanto io pensassi, spero che anche noi stiamo contribuendo a far avvicinare il pubblico di queste date. Procede molto bene, come al solito ho preso il raffreddore e ora come ora sto bevendo un ginger lemon tea ma questa è una cosa che capita sempre, almeno uno di noi prenda il raffreddore o comunque cada malato nel corso del tour. Ciò che ho potuto constatare è che stiamo richiamando un buon pubblico, sì tra date buone e altre meno buone, per esempio la data di Atene è stata sorprendente, è stata la nostra prima data lì e abbiamo avuto il piacere di suonare davanti a seicento persone.

R.G.: Quindi come è nata la decisione di essere in tour con gli Insomnium? Come mai avete accettato l’offerta dato che credevi si trattasse di un tour più piccolo? In fondo si tratta del vostro secondo giro promozionale in Europa.
T.: Perché principalmente c’erano date in città in cui non avevamo ancora suonato oppure dove non abbiamo suonato per diversi anni, il programma rientrava perfettamente negli impegni da noi già programmati e poi si trattava di un tour formato da solo due band che noi preferiamo di gran lunga rispetto ad uno formato da quattro band, credo che sia molto più semplice. Quindi con il tour precedente di spalla agli Arch Enemy, più direzionato verso un mercato di “serie A” e il presente per un mercato di “serie B”, abbiamo cercato di coprire quanto più possibile tutta l’Europa.

R.G.: Il mio interrogativo voleva arrivare proprio qui, ci saremmo appunto aspettati che dopo un tour di supporto ad una band di “serie A“ magari sareste tornati a viaggiare in vesti di headliner.
T.: In realtà non sappiamo neanche noi risponderti a questo quesito, certamente saremmo potuti tornare come headliner promuovendo questo nuovo album, ma abbiamo pensato che non fosse ancora il momento giusto per farlo, vorremmo che la gente ascoltasse l’album bene e più volte affinché tutti conoscano le nuove canzoni così magari avrebbe più senso per noi partire per un tour del genere. Quindi la nostra idea è stata quella di coprire tutta l’Europa per poter avere nuovi fan in posti in cui non avevamo ancora suonato con questo tour e far ascoltare i nuovi brani ad un pubblico maggiore con il tour di supporto agli Arch Enemy affinché il nostro eventuale tour da headliner possa riscontrare un buon successo.

R.G.: Quindi da ciò che avete avuto modo di notare dai vostri live, siete soddisfatti dal risultato ottenuto da “Down Below“?
T.: Per il momento ho visto tante buone recensioni sul web, sembra che le cose si stiano muovendo per il verso giusto, come è accaduto anche per il precedente The Children Of The Night con le sue buone recensioni e sono veramente fiero di questo. Poi ho anche notato che dal vivo, ogni sera, un buon numero di persone nel pubblico canta insieme a noi i brani nuovi, quindi ciò mi lascia sperare che la gente abbia apprezzato il nostro lavoro e che l’album venga acquistato (Ride, ndr).

R.G.: I vostri dischi, pur mantenendo un timbro personalissimo risultano tutti diversi tra loro e, con l’ultimo “Down Below“ sembra che vi stiate allontanando sempre più da ciò che potrebbe essere etichettato come metal. Per te quali sono le principali differenze tra il vostro ultimo disco e il precedente “The Children Of The Night“?
T.: Prima di tutto è diverso perché volevamo cambiare genere, il nostro intento è di esplorare fino a che non moriremo (ride, ndr), non vogliamo rimanere bloccati in un genere, altrimenti il pubblico si aspetterebbe ogni volta un album che suoni allo stesso modo o quasi, come per esempio accade per band come AC/DC o Iron Maiden ma noi non siamo così grandi! Quando abbiamo realizzato The Horror eravamo molto giovani, è stato il nostro primo album e al tempo eravamo molto più fissati con il death metal. Quando invece invecchi diciamo che maturano anche i tuoi gusti musicali e per esempio oggi noi ascoltiamo di tutto, dai The Beatles fino ai Morbid Angel. Forse il motivo principale per cui cambiamo il nostro sound è per sfidare noi stessi, provando a creare un nuovo stile ogni volta. Io personalmente mi ritrovo in pieno nel sound del nostro ultimo album, non credo che abbiamo fatto grandissimi cambiamenti da The Children Of The Night. Direi che il nuovo album sia più pesante nel sound rispetto al precedente e risente di una massiccia influenza “italiana” come l’utilizzo delle melodie di piano che ricordano molto i film horror di Dario Argento, quindi c’è sempre una componente horror nel sound ma in chiave diversa rispetto al passato.

R.G.: Mentre sul precedente avevate fatto un tributo ai primi film horror come Nosferatu e le sue melodie sinistre…Ma dato che hai citato l’orgoglio nostrano Dario Argento, sei fan dei film horror italiani?
T.: Sì, sono un fan dei film horror in generale, io e Adam guardiamo un sacco di film horror e uno dei primi film horror visti insieme è stato proprio uno italiano. Credo che nel cinema horror italiano ci siano più mostri rispetto a quello americano e tutto viene curato nei minimi dettagli, soprattutto l’ambiente affinché tu possa sentirti realmente all’interno dell’orrore. Queste sono sensazioni che non riesci ad avvertire attraverso la visione di titoli di Hollywood ma che invece riesci a sentire con un film italiano, spagnolo o per esempio polacco.

R.G.: Quindi come è nata l’idea di rendere omaggio a questo tipo di cinema attraverso il vostro ultimo disco?
J. A. : Sai, è molto difficile spiegare come sia andato il processo di composizione, ci facciamo semplicemente trasportare dalla musica senza avere alcun programma, non pensiamo a come dovrà essere un disco prima della sessione in studio. Quando arriviamo alla fine della sessione studio restiamo stupiti dal risultato ottenuto, il passo successivo è pensare a come confezionarlo, quindi tra le altre cose ci dedichiamo alla parte dell’artwork che in questo caso è stato di stile gotico: il Gargoyle di pietra, il colore rosso acceso, la città di Stoccolma sullo sfondo. Quindi Down Below è stato un lavoro musicalmente spontaneo, mentre per quanto riguarda la scelta dei titoli dei brani, ci lavoriamo pensandoli singolarmente ma è molto strano perché il grande feeling a livello artistico che c’è tra noi membri spesso ci fa ritrovare a pensare nomi molto simili, quindi non è difficile questo passo.

R.G.: Quindi sì il vostro sound nascerà anche spontaneo ma secondo voi quale è il marchio che contraddistingue la vostra musica? Il vostro è un sound unico come per esempio quello dei Katatonia o Opeth. Quale pensi sia la particolarità marchio di fabbrica dei Tribulation?
T.: Credo che esistano elementi comuni che collegano tutti i nostri dischi da The Horror fino a Down Below e penso che si possa riscontrare nelle atmosfere, gli elementi horror e se volessimo invece parlare dalle nostre produzioni più recenti credo che questo sia dato dal nostro sound vero e proprio. Penso che sia il mescolare il gotico con tutto quello che sentiamo e proviamo a sperimentare. È veramente difficile riuscire a catalogare la nostra formula, io credo che si tratti di un hard rock con influenze death metal, gothic e tutto il resto! (Ride, ndr)

R.G.: La prima volta che ho ascoltato il vostro ultimo “Down Below“ è stato il giorno dopo aver visto al cinema La Forma Dell’Acqua, ultimo film di Guillermo Del Toro, ascoltando la strumentale Purgatorio del vostro disco ho pensato che fosse proprio la colonna sonora del film, l’ho associata proprio a quell’atmosfera fiabesca e sinistra. Avete mai pensato di scrivere una colonna sonora per un film horror?
T.: A noi piacerebbe tantissimo poter fare una cosa del genere, credo che la nostra musica possa essere perfetta per accompagnare un film horror e registi come Guillermo Del Toro credo che siano capaci di realizzare la giusta atmosfera sinistra. Io sono l’unico della band ad aver visto il film, di noi io sono quello che vede più film, soprattutto gli ultimi usciti, penso che anche Il Labirinto Del Fauno contenga la stessa oscurità molto affine al nostro sound. Del Toro credo che abbia realizzato molti bei film, alcuni anche più divertenti come Hellboy, è un regista che riesce ad essere tanto serio quanto divertente. Ma ti ripeto, sarà per le sue atmosfere particolari, affascinanti, sinistre, non reali, per le sue creature e per il concetto di paura dell’ignoto credo che sia molto affine al nostro concetto di horror.

R.G.: E se tu dovessi scegliere un regista in attività con cui lavorare per un’ipotetica colonna sonora di un film, chi sceglieresti?
T.: Il mio regista preferito in assoluto è Ridley Scott, sarà anche una risposta noiosa, però i suoi primi lavori sono fantastici, prendi per esempio il primo Alien, uno dei miei film preferiti, che tra l’altro è anche un film horror. In Alien l’oscurità è spaventosa, il modo in cui è stato realizzato il film, affinché non si veda l’alieno fino alla fine rappresenta in modo perfetto la paura dell’ignoto ed è proprio ciò che mi affascina di più. Quindi lavorare con Ridley Scott sarebbe un sogno ma anche lavorare con Dario Argento se fosse ancora in attività o magari lavorare con sua figlia e ciò sarebbe anche fare qualcosa di nuovo. Sì, credo che lavorare per un film horror italiano sarebbe bellissimo.

R.G.: Cosa dovremmo aspettarci dal vostro futuro?
T.: A livello musicale non saprei dirtelo, può darsi che continueremo su questa nostra linea stilistica come potremmo sperimentare ulteriormente e lasciarci influenzare da altri stili, nessuno può saperlo. Per quanto riguarda il futuro più vicino posso dirti che avremo un gran da fare: visiteremo il Sud America per la prima volta come anche la Turchia, poi ritorneremo ancora negli States e poi vedremo, quando l’interesse del pubblico scenderà nei confronti di questo ultimo album allora ne registreremo un altro e daremo vita ad un nuovo capitolo nella storia dei Tribulation.

R.G.: Grazie di tutto Johannes!
T.: Grazie a voi!

Intervista a Ozzo

Siamo al Rock’n’Roll di Rho (MI) per il release-party di Ozzo, poliedrico artista con in passato esperienze con Mellowtoy e soprattuto Audrey, che presenta #Past Is Lost, suo EP d’esordio di questo nuovo progetto solista. Lo abbiamo incontrato per farci raccontare cosa lo ha spinto in questa nuova direzione musicale.

R.G.: Ciao Ozzo e bentornato su RockGarage!
O.: Ciao e bentrovati a voi!

R.G.: Eravamo rimasti agli Audrey, cosa è successo in questo periodo?
O.: Guarda, in questi anni ci sono state diverse sensazioni; inizialmente ho avuto un periodo di totale rifiuto della musica, nel senso che proprio non volevo più saperne. C’era il progetto Audrey, che stava andando molto bene nei parametri che riguardano l’underground, ma quella magia che si era creata tra di noi iniziava a mancare, e si faceva fatica ad andare avanti. Ho aspettato ma niente. Poi un anno e mezzo fa mi sono regalato per il mio compleanno l’uscita di Nothing But You, un mio pezzo che ho presentato facendo dj set qui al Rock’n’Roll di Rho, convinto da amici che lavorano qui che mi pregavano di non rimanere fuori dall’ambiente musicale. Il pezzo ebbe un pessimo riscontro su Youtube e simili, ma il caso ha voluto che è stato preso per una pubblicità. Questo mi ha fatto riflettere, fino a che parlando con Alessio (Corrado, voce del progetto ndr) che si è proposto per cantare i miei brani. Gli dissi che, al momento, avevo solo quel brano, ma è proprio lì che inizia la genesi di #Past Is Lost, il mio EP che presento stasera.

R.G.: Allora direi che è giunto il momento di parlarcene, no?
O.: Questo EP ha un filo conduttore, nel senso che arrivano quei momenti dove quando stai per esplodere devi sfogarti e devi in qualche modo “confessarti”. La musica per me è sempre stata una valvola di sfogo, sin dalla scomparsa di mio padre, e questo EP non è altro che uno sfogo, figlio di anni passati lontani dalla musica, e di alcuni errori che ho fatto. Il filo conduttore principale di questo lavoro è quello di capire se tutto ciò che ti trascini ti porta ad un’evoluzione, un cambiamento, ma correndo il rischio di tornare anche al passato.

R.G.: Ho notato che l’EP esce con diverse copertine, come mai questa scelta?
O.: Diciamo che questa scelta è dettata da un vezzo personale; io lavoro nel campo della grafica da diversi anni e questo mi ha consentito di “giocare” un po’ su questo aspetto, le copertine che vedi sono semplicemente dei fotogrammi tratti dal mio video As Fast As You Can, che rappresentano lo stato, la catarsi e la paura.

R.G.: La scelta di realizzare un EP piuttosto che un full-lenght è dovuta al numero dei pezzi che avevi a disposizione?
O.: Oltre ai sei brani presenti nel disco avevo altri pezzi a disposizione, ma ho preferito ragionare sul pubblicare poco alla volta. Sono dell’idea che è già un azzardo aver scelto questa strada, considerato il mondo da cui vengo. Vi confesso: mi piace l’elettronica, la dance, e mi piace far “muovere i culi”, cose che nelle precedenti band in cui ho suonato non potevo fare. Ci tengo poi a sottolineare che questo, nonostante porti il mio nome, non è un progetto solista. Alessio mi ha consigliato di tenere il nome Ozzo, che è quello che ho da anni in questo ambiente, ho anche una linea di abbigliamento con questo nome. Gli altri che suoneranno con me hanno diverse esperienze alle spalle: Riccardo, il batterista, ha fatto con me alcuni live con gli Audrey, Picci, il bassista, lo conosco dai tempi dei Mellowtoy.

R.G.: I riferimenti musicali, anche da quello che ci dici, sono tanti, ma come ti definiresti se vogliamo parlare di generi?
O.: Bella domanda! Io adoro la dubstep e tutto ciò che è trap. Il problema è che se oggi dici trap in Italia la gente pensa a Sfera Ebbasta, però io questi generi li ascolto da tantissimi anni, e sono generi e stili che mi hanno sempre affascinato.

R.G.: E a che genere di pubblico ti rivolgi con questo nuovo progetto?
O.: Guarda, solo un curioso può avvicinarsi a questo sound, probabilmente in Italia neanche c’è un pubblico per questo genere, e sicuramente non è neanche il pubblico che avevo con i miei precedenti progetti musicali. Lo scoprirò probabilmente dopo il live di stasera. I riscontri sono stati diversi, As Fast As You Can è stata comprata da una multinazionale straniera come colonna sonora di una pubblicità, cosa che non sarebbe potuta avvenire in Italia per via di queste sonorità. Nei primi approcci che ho avuto con alcune radio, le stesse mi hanno detto che non sono interessate perché non riuscirebbero a giustificare la “pesantezza” del mio sound. Io punto sulla curiosità, sperando di suscitarla a chi mi ascolta.

R.G.: E con questo nuovo genere secondo te avrai più o meno difficoltà nella ricerca di date e spazi dove esibirti?
O.: Secondo me lo scopro stasera. Inizialmente pensavo di portar sul palco una batteria elettronica, ma mancandomi da tanto il palco, mi manca anche una batteria che spinge da dietro, quindi abbiamo deciso, non di ri-arrangiare, ma di suonare i pezzi. E devo dire che i pezzi suonano come se fossero nu metal. Quindi vedremo!

R.G.: Musicista, dj, fotografo, video maker, grafico..c’è qualcosa che vorresti ancora sperimentare in questo ambito?
O.: Guarda, con questo progetto credo di, perdona il concetto, di “averla fatta fuori dal vaso”. Ti dirò, avrei voluto esasperare lo show di stasera, magari suonando alcuni pezzi da dj assieme al batterista togliendo live le tracce, ma forse mi è mancato il coraggio di arrivare fino in fondo. Avevo anche l’idea di fare degli intermezzi di dj set tra un brano e l’altro ma non ho voluto esagerare perché questo di stasera non credo sia il target adatto, però posso dirvi che ci sarà un intro di 3 minuti, dove ho remixato un pezzo dei Prodigy.

R.G.: E quindi cosa ti aspetti dallo show di stasera?
O.: Che la gente abbia voglia di ballare!

R.G.: Grazie dell’intervista e buon concerto!
O.: Grazie a voi!

Intervista ai Dimmu Borgir

Sono passati ben otto anni da quando i norvegesi Dimmu Borgir hanno rilasciato Abrahadabra, disco che ha mostrato un cambiamento drastico nel sound della band nordica, mantenendo il loro stile ma muovendosi su lidi più epici con una buona dose di elettronica, adottando un songwriting differente rispetto a quello a cui tutti noi eravamo stati abituati fino al precedente In Sorte Diaboli. Oggi siamo nel 2018 e la band ha deciso finalmente di rilasciare un nuovo capitolo discografico, il suo titolo è Eonian e vedrà la luce proprio in questi giorni, un disco complesso e molto ispirato che segue la scia del precedente ma con cui la band pare sia riuscita a mettere in risalto in maniera decorosa tutte le idee sviluppate nel corso degli ultimi anni. Dopo aver gustato per bene l’ascolto di Eonian, in occasione di un promo day in Italia, abbiamo avuto l’occasione di incontrare Shagrath, frontman della band, con cui si è chiacchierato su presente, passato e futuro della sua band.

R.G.: Il quattro maggio uscirà “Eonian“, riusciresti ad introdurre questo nuovo album ai nostri lettori?
S.: Si tratta di un disco basato sulla storia della band, per spiegarvi meglio, ha molti collegamenti a determinate aree della band sviluppate nel corso dei nostri venticinque anni di storia, come una sorta di celebrazione di questo lungo periodo di esistenza. Si tratta di un prodotto che contiene molti elementi di varia natura, frutto dei Dimmu Borgir dell’ultimo periodo, di sperimentazione combinato a qualche elemento del nostro passato confezionato con un songwriting di alta qualità secondo me. E’ ricco di elementi interessanti, probabilmente è un prodotto che non verrà apprezzato a primo ascolto ma che richiede cinque ascolti, magari per potervi aprire sempre più porte.

R.G.: Sì, sicuramente il disco non è facile da assimilare ma personalmente credo che si tratti del disco migliore che avete realizzato in questo ultimo vostro periodo di sperimentazione stilistica.
S.: Credo che questo disco, ciò che dirò può essere un cliché, ma questo disco si tratta di una pietra miliare nella nostra storia: è stato pensato e studiato nei minimi particolari e sviluppato in tutti i suoi dettagli. Se io volessi menzionare tre aree importanti della nostra carriera sarebbero Enthrone Darkness Triumphant, Death Cult Armageddon e Eonian. Credo che questi siano tre pilastri fondamentali nella nostra carriera.

R.G.: Ed è da questo che nasce il titolo “Eonian“, ovvero qualcosa realizzato per rimanere in eterno?
S.: Eterno, illusione del tempo, costante, indefinito. Insomma abbiamo pensato fosse una buona parola per poter rappresentare, questo non puramente concept album, penso che sia la parola chiave per molti contenuti nei testi dei suoi brani, che trattano di concetti metafisici. Scavando a fondo tra i testi del disco ci sono molti elementi interessanti da scoprire come per esempio il concetto di ‘tempo’ che di per sé non esiste perché in un’altra dimensione, pensando agli universi paralleli, il tempo non esiste, e questo è solo un esempio tra i vari soggetti dei testi del disco.

R.G.: Con questa nuova strada è come se il satanismo e l’oscurità dei vostri testi siano mutati in qualcosa di nuovo.
S.: Diciamo che non è che siano proprio mutati, si può dire che siano ancora tutt’ora presenti ma un po’ più camuffati, bisogna interpretarli per comprendere. Mentre in passato, in alcuni album, eravamo più diretti, impossibile non citare quel ‘hail Satan!’ del lontano novantasei (ride, ndr) oggi l’oscurità esiste, è ancora ben presente nella nostra musica.

R.G.: Ma facciamo un passo indietro e parliamo di “Abrahadabra“, il disco precedente con cui avete intrapreso questa nuova strada. Ormai sono passati otto anni dalla sua uscita, personalmente non l’ho ritrovato proprio brillante come disco, però oggi capisco quanto sia stato un tassello importante per voi, intraprendendo la strada della sperimentazione che vi ha portati a realizzare “Eonian“. Cosa ne pensi oggi del vostro precedente lavoro?
S.: Ognuno ha una diversa opinione a riguardo ma per me resta ancora un grande album e un buon successo nella storia dei Dimmu Borgir: le canzoni sono state ben scritte, il concept è fantastico e come pacchetto credo sia veramente unico se paragonato ad altre band del genere. Se oggi potessi tornare indietro e cambiare qualcosa forse lo farei nel processo di missaggio però sai, spesso non si ha disposizione tutto il tempo e il giusto budget per poterci ragionare su alla perfezione e quindi è stata una grande sfida per noi riuscire a sistemare un’orchestra di cento elementi su un album. Sai, hai sei persone in una band e un’orchestra e ti ritrovi a mixare tutto questo in uno studio. Il lavoro svolto insieme a Andy Sneap in Inghilterra non è stato affatto semplice, ha rappresentato una vera e propria sfida, certamente abbiamo fatto del nostro meglio e sperato che andasse tutto per il meglio. Non si è trattato del disco più venduto della nostra carriera ma rappresenta comunque un grande successo nel nostro libro e lo stesso vale per il presente Eonian, io e Silenoz, una volta completato, ci siamo guardati in faccia e abbiamo entrambi pensato di aver fatto un gran lavoro, il meglio che potessimo fare. Per noi è molto importante progredire, fare qualcosa di fresco e nuovo da rilasciare sul tavolo ogni qualvolta realizziamo un disco, non vogliamo essere ripetitivi né tanto meno tornare indietro nel tempo in un certo episodio solo perché è stato un successo. Prendiamo per esempio Enthrone Darkness Triumphant che è stato un ottimo successo per noi e anche per le vendite, non avrebbe alcun senso per noi tornare indietro a quelle sonorità e realizzare un “Enthrone parte seconda”, potrebbe essere molto facile per noi ma non lo facciamo perché non è una cosa che verrebbe dal cuore, noi vogliamo evolverci in nuovi territori.

R.G.: E quindi, come è nata l’idea di realizzare nuovamente “Stormblåst“ qualche anno fa?
S.: E’ stata una cosa molto importante per me e Silenoz ri-realizzare quel disco e adattarlo ad un sound migliore perché all’epoca avevamo troppo poca esperienza in studio e l’ingegnere del suono che ha lavorato con noi al tempo non aveva alcun interesse nella buona riuscita dell’album. Io credo che si trattasse di un grande disco, conteneva molti approcci chitarristici differenti rispetto a molte altre band all’epoca, quindi la musica era ottima ma la produzione era veramente pessima, quindi non rendeva giustizia all’opera. Per questo motivo per noi è stato molto importante rifare il disco successivamente con un suono migliore e migliorandolo in alcuni dettagli, per essere così un disco completo.

R.G.: Quindi eravate pienamente soddisfatti del risultato del vostro debut “For All Tid“?
S.: Se oggi rilasciassimo un disco come For All Tid a nessuno importerebbe (ride, ndr) ma per l’epoca ha rappresentato un gran bel disco, molto importante per la nostra storia, diverso dalle proposte delle band del genere e conteneva delle atmosfere interessanti seppur amatoriali ed eravamo più contenti del suo risultato rispetto al successore. Stormblåst venne realizzato in un altro studio, con un ingegnere del suono diverso e si sentiva troppo la mancanza delle giuste atmosfere nella versione originale e questa è una cosa che ci è sempre pesata molto nel corso degli anni. Quindi, quando abbiamo avuto il tempo per farlo, nel 2005, abbiamo lavorato insieme a Peter Tägtgren nei suoi Abyss Studio e siamo molto più contenti di quest’ultima versione. Molte persone ci hanno detto di preferire la versione originale, io rispetto la loro opinione ma noi preferiamo la nuova versione.

R.G.: Con “Abrahadabra“ avete dato inizio a questa vostra nuova era, poi, dopo circa otto anni di silenzio discografico siete ritornati con “Eonian“, cosa è successo nel corso di questo periodo?
S.: Questa forse è la vostra prospettiva! (ride, ndr) Sì, forse per voi esperti del settore e per i nostri fan questo è stato un lungo periodo di attesa per un nuovo disco ma non siamo stati pigri e abbiamo lavorato costantemente dal 2010, quando è uscito Abrahadabra. Abbiamo girato per tutto il mondo in tour per quattro anni per la promozione di quel disco, quindi diciamo che abbiamo avuto quattro anni di tempo perché non componiamo quando siamo on the road. La musica dei Dimmu Borgir è molto complicata e non viene scritta semplicemente sedendosi a tavolino, necessita di mesi per poter avere una canzone completa. Quindi abbiamo passato questi quattro anni tra festival e tour vari, poi ci siamo dovuti prendere del tempo per riflettere sulla direzione che avremmo voluto prendere con la band e cosa volessimo fare, abbiamo anche dovuto cambiare qualche partner lavorativo, prendere nuovi accordi discografici e necessita tempo per sbrigare tutto ciò. Sai, abbiamo passato un periodo molto intenso, siamo stati alle prese sempre con vari impegni legati ai Dimmu Borgir, tutto scorre molto velocemente con la nostra band: studio, live. Fare entrambe le cose costantemente può essere molto stressante e quindi avere sempre una deadline può essere evidente all’interno del disco, che questa scadenza sia incisiva sulla qualità di ciò a cui stai lavorando. Quindi questa volta è nato tutto dalla nostra scelta di voler fare un nuovo disco, decisione presa tre anni fa e credo che, ascoltando le canzoni del disco, si possa notare quanto ci siamo dedicati a curarle in tutti i dettagli, non esiste altro album così pieno come Eonian, si tratta di dieci fortissimi brani. Questo secondo me è stato frutto della nostra decisione di non avere delle scadenze, abbiamo avuto tutto il tempo a nostra disposizione per poter realizzare i brani dettagliatamente nella fase di pre-produzione, tutto era già pronto quando abbiamo deciso di prenotare lo studio e quindi iniziare a sentire la pressione di completare il lavoro. Questo è stato il modo giusto di lavorare secondo noi, perché le cose sono state molto più frettolose in passato.

R.G.: Una cosa che ho subito notato dal primo ascolto è che fondamentalmente siete tornati ad essere concettualmente una band black metal, in questo disco esiste la presenza dell’epicità di cui era ricca il precedente ma avete lavorato su basi differenti.
S.: Sì, possiamo dire che le sessioni per comporre Abrahadabra siano state basate principalmente su un lavoro di tastiere e quindi strutture realizzate su questo tipo di base che successivamente sono diventate parti sinfoniche, mentre per Eonian la struttura delle canzoni è stata realizzata principalmente da un lavoro di chitarre. Quindi si tratta di un prodotto nato tramite un lavoro chitarra ma ci sono lo stesso degli elementi orchestrali all’interno dei brani. Generalmente, ascoltando l’opera completa puoi renderti conto di quanto questa volta sia stata orientata dalle chitarre. Credo che, dopo l’uscita di Forces Of The Northern Night che è stato proprio il vero e proprio nostro capitolo orchestrale, abbiamo pensato fosse il momento giusto per ritornare alla band e realizzare brani in questo modo e a realizzare noi stessi le orchestrazioni di cui avevamo bisogno. Oggi i suoni campionati hanno una buona resa al punto di riuscire quasi ad emulare il suono di una vera e propria orchestra, quindi questo è quello che abbiamo fatto, cercando di accontentare tutti i nostri gusti e di mettere in pratica le nostre idee. Sai, mettere d’accordo sei persone con opinioni differenti non è semplice ma è importante fare qualcosa che soddisfi a pieno tutti noi. Abbiamo inoltre cercato di imparare dai nostri errori commessi in passato quando siamo stati in studio, quindi cercato di pianificare tutti i dettagli del suono: dagli amplificatori da utilizzare, corde di basso e chitarre, pelli della batteria. Tutte queste cose sono state ben pensate in base alla resa sonora desiderata, per questo credo che, essendo andati così a fondo nello studio dei particolari che siamo riusciti ad ottenere un buon risultato questa volta. Quindi per noi puoi capire quanto questo disco sia già un grande successo, siamo veramente felici del risultato ottenuto, i Dimmu Borgir non confezionano musica, noi facciamo musica perché ne siamo appassionati, se siamo in giro da venticinque anni è proprio per questo motivo, è la passione che ci spinge a farlo. Sì, è ovvio che speriamo che alla gente piaccia ciò che noi scriviamo ma non a tutti può piacere, nel caso non vi piacesse vi suggerirei quindi di ascoltare qualche altra cosa ma questo è ciò che noi facciamo! Per noi rappresenta qualcosa di autentico e cerchiamo sempre di realizzare qualcosa di nuovo e fatto con il cuore.

R.G.: Ma parliamo anche dei Chrome Division, il tuo side-project con cui sei anche stato concentrato negli ultimi anni.
S.: Sì, abbiamo già un nuovo album pronto, che sarà il quinto album della nostra carriera che verrà rilasciato da Nuclear Blast probabilmente alla fine di quest’anno. Il disco è pronto, già registrato e necessita soltanto di essere mixato. Abbiamo bisogno di tempo per ultimarlo dato i nostri attuali impegni: io con i Dimmu Borgir e gli altri membri con il loro lavoro e chi con le loro band. Si tratta di un progetto parallelo perché amiamo il rock’n’roll e per me ogni tanto è rinfrescante lavorare con altri musicisti e realizzare musica più semplice, è come se fosse quasi una terapia (ride, ndr) per fare qualcosa di diverso e trovare poi la carica per ritornare a lavorare con i Dimmu Borgir. Si tratta di musica più grezza, semplice, quasi primitiva, è divertente potersi ritrovare in sala prove e riuscire a scrivere una canzone tutti insieme nel corso di un giorno o anche solo quattro ore. Qualcosa di più spontaneo insomma, mentre il lavoro con i Dimmu Borgir è molto diverso ma mi piacciono entrambe le cose. Sono un grande appassionato di rock’n’roll e non voglio inserire questo stile di musica all’interno dei lavori con i Dimmu Borgir perché credo stonerebbe e lo stesso vale per Silenoz e il death metal che invece sfoga nel suo progetto Insidious Disease perché crediamo entrambi che sarebbe sbagliato inserire parti di questi generi nel nostro sound. Ecco perché abbiamo deciso di avere questi progetti separati.

R.G.: Ascoltando il vostro album però ho pensato che il riff portante di Ætheric fosse appunto stato partorito dalla parte più rock’n’roll di te.
S.: Non credo che quel riff sia propriamente rock’n’roll, lo definirei più catchy metal (ride, ndr) sì comunque credo che in questo caso ci siano dei riff che si avvicinano molto al rock ma è stata merito di Galder (ride, ndr).

R.G.: Quindi per il momento dietro il nome Dimmu Borgir restano ufficialmente tre componenti, giusto?
S.: E’ stato importante per noi far capire al pubblico che esistono tre membri principali della band che si occupano di scrivere la parte principale della musica perché è sempre stato così: Silenoz è al mio fianco da venticinque anni e Galder invece è arrivato qualche tempo dopo ma siamo i principali songwriters. Attualmente abbiamo la line-up più duratura nella storia dei Dimmu Borgir, Daray alla batteria suona con noi da otto o nove anni e anche Gerlioz alla tastiere e hanno anche dato un’impronta su questo disco inserendo dei loro elementi ma la struttura principale dei brani è stata realizzata da noi tre. Ora è giunto il momento di inserirli un po’ di più nella band, quindi nelle foto e nel concept del disco. Non so come spiegartelo ma bisogna iniziare da qualche parte, migliorarsi e crescere e questo vale per qualsiasi tipo di business al mondo: se tu iniziassi a lavorare per uno studio di avvocati partiresti servendo i caffè, facendo un buon lavoro acquisiresti mansioni migliori da svolgere. Con i Dimmu Borgir siamo stati molto attenti nella scelta di aggiungere nuovi membri alla band perché abbiamo avuto molti cambi di line-up nel corso degli anni ma abbiamo avuto modo di notare l’ottimo lavoro da loro svolto, tutta la passione che ci mettono e siamo diventati anche molto amici. Una cosa molto importante che la gente dovrebbe capire è quando si pensa ad una band: essere un musicista o suonare molto bene uno strumento è solo una piccolissima parte di quello che vuol dire suonare in una band. Questa è una cosa che molte persone dovrebbero capire, pensandola in quel modo è come se dimenticassero alcuni aspetti di una band. Alcune persone dovrebbero capire che questi cambiamenti in line-up sono stati fatti per determinate motivazioni che solo guardando dalla nostra prospettiva riuscirebbero ad essere chiare. Se non avessimo fatto dei cambiamenti forse la band non sarebbe più esistita, abbiamo dovuto fare in modo che la band potesse andare avanti.

R.G.: Con questa tua risposta mi hai voluto un po’ parlare del vostro passato, quindi la mia curiosità mi spinge a chiedere se avete sempre lavorato in questo modo oppure in passato lavoravate in maniera differente. Quanto contributo hanno dato alla vostra musica i vostri ex-membri come Mustis o ICS Vortex?
S.: Sì, la band esiste da molto più tempo prima che Mustis o Vortex abbiano iniziato a comparire nelle foto della nostra line-up (ride, ndr). Mustis ha fatto molto lavoro addizionale ma non è mai stato uno dei principali songwriter, come tutti i nostri ex-membri hanno dato molti input e quindi influenzato la nostra musica, d’altronde se fossimo stati sempre io e Silenoz a scrivere, i brani avrebbero avuto tutto un altro sound. Certamente noi diamo credito a questi personaggi per aver dato il contributo dato alla nostra musica ma siamo stati sempre noi il centro principale della band, mi viene difficile da spiegarlo ma spero che sia stato chiaro.

R.G.: Quindi, per concludere, dove potremmo ascoltare questo vostro nuovo album dal vivo prossimamente?
S.: Stiamo programmando tutto in questi giorni, inizieremo con una manciata di esibizioni presso alcuni festival selezionati, il primo sarà a Montréal, Canada, rappresenterà lo show di debutto in supporto a Eonian e successivamente qualche altro festival, poi partiremo alla volta di un tour europeo e cercheremo di essere ovunque vorremo essere!

R.G.: Ok grazie Shagrath.
S.: Grazie a voi!

Intervista ai Wolf Theory

Nati dalle ceneri di precedenti progetti, tra cui Mellowtoy ed Exilia, abbiamo incontrato i Wolf Theory, band nata pochi mesi fa, ma che ha già realizzato un EP, intitolato Hate & Love (recensito da noi a questa pagina). Seduti ad un tavolo del Rock’n’Roll di Rho (MI), Emi Camellini (cantante), Elio (chitarrista) e Random (bassista) ci hanno raccontato di questo nuovo progetto, dai primi passi, fino agli obiettivi futuri.

R.G.: Ciao e benvenuti, o bentornati, su RockGarage!
W.T.: Ciao e grazie!!

R.G.: Emi, partiamo da una data: 23 dicembre 2016, cosa ti viene in mente?
W.T.: 23 dicembre 2016…sì, l’ultima data con i Mellowtoy.

R.G.: Il mattino dopo che pensieri, sensazioni o sentimenti provavi?
W.T.: Una sensazione molto strana, ma allo stesso tempo ero sereno, perché la fine dei Mellowtoy è arrivata senza alcun conflitto tra di noi; con alcuni degli altri membri ci vediamo sempre: con Titta (ex-chitarrista dei Mellowtoy ndr) ci lavoro, Picci (ex-bassista dei Mellowtoy ndr) suonerà dopo di noi stasera. Tra di noi non ci sono stati grossi problemi, evidentemente il periodo dei Mellowtoy doveva finire lì.

R.G.: Ora però ci sono i Wolf Theory. Raccontaci un po’ la nascita di questo nuovo progetto.
W.T.: I Wolf Theory nascono quasi per caso; il progetto nasce da Elio e Random. Un giorno ci siamo incontrati per caso in una sala prove, io ero con Teo (fratello di Emi, nonché batterista dei Wolf Theory ndr) e Gabriel dei Destrage per un’altra idea musicale, ci siamo messi a parlare dei nostri progetti musicali davanti alla macchinetta del caffè ed il giorno dopo Elio mi ha chiamato per chiedermi di incontrarlo. Considerato che faccio anche l’agente booking ho pensato che il motivo fosse legato a questo lavoro, ed invece Elio mi ha parlato di questa nuova idea, proponendo dei pezzi sia a me che a mio fratello Teo, io ovviamente gli ho chiesto del tempo per ascoltare e valutare, anche perché si trattava del mio primo progetto come cantante solista dato che coi Mellowtoy ho sempre cantato assieme ad un altro vocalist. Nonostante avevo promesso a me stesso che per un bel po’ di tempo non avrei fatto niente di questo tipo, la cosa mi stimolò sin da subito.

R.G.: Ma nonostante l’entusiasmo iniziale, presumo che vi sarete confrontati sugli obiettivi di questo nuovo progetto.
W.T.: Ovviamente, non siamo degli sprovveduti, come dicevo prima il tutto nasce quasi casualmente ma non l’abbiamo preso totalmente come fosse un gioco. Allo stesso tempo ci abbiamo lavorato con serenità, senza alcuna ansia da prestazione. Ci siamo detti “proviamoci”, “lavoriamoci” e “proponiamo agli addetti ai lavori”; difatti in realtà su di noi in rete troverai solo un video del nostro pezzo Joker ma con l’immagine fisse della copertina del nostro EP. Per nostra scelta non troverai nulla su Spotify o su altri portali, anche perché stiamo valutando alcune proposte che ci sono arrivate, ma che per il momento preferisco non svelare.

R.G.: Ma queste proposte al momento condizionano il vostro percorso? O meglio: vi siete posti degli obiettivi, ad esempio, da qui a un anno?
W.T.: Ci condizionano ma in parte; ho sempre lavorato nella musica, è sempre stata la mia passione, e per me è un immenso piacere lavorare con Elio e Random. Se abbiamo fatto un determinato tipo di mosse è proprio perché vogliamo avere un certo tipo di riscontro, che magari arriverà tra un anno o due questo non so dirtelo. Se poi non succede nulla andremo avanti comunque, anche se devo dire che le date che abbiamo fatto finora sono andate davvero bene a livello di pubblico; mi fa davvero piacere ritrovare un pubblico che ha la curiosità di venire a vedere e ascoltare qualcosa di nuovo ed è una cosa che ci dà ancora più carica.

R.G.: Parliamo ora del vostro EP “Hate & Love”, se ho ben capito i pezzi erano già in fase di gestazione prima che nascessero i Wolf Theory giusto?
W.T.: (risponde Elio ndr) Sì più o meno, c’era una sorta di figura del brano, ma che poi ovviamente è stata modellata da tutti e quattro, perché sono dell’idea che in una band non può esistere un unico membro a fare tutto; il nostro è stato un lavoro condiviso al 25% per uno nonostante ci fosse già una base di partenza. (risponde Emi ndr) Elio ci ha regalato delle perle musicalmente parlando, il grosso del materiale l’ha fornito lui, poi ovviamente noi ci abbiamo lavorato tutti assieme.

R.G.: Immagino che con il genere di sound proposto stiate guardando anche oltre i confini italiani, parlo sia per il disco che per concerti.
W.T.: (risponde Random ndr) Per quanto riguarda il mercato discografico ci stiamo accorgendo, vuoi per l’esperienza che noi tutti abbiamo dai nostri precedenti progetti, che il mercato italiano non fa per noi, purtroppo in Italia gli spazi sono pochi e il grosso della visibilità viene surclassato dai talent show e roba simile. (risponde Emi ndr) Riguardo future date, stiamo lavorando sull’estero per la prossima stagione invernale. Gli U.S.A. sono un obiettivo che noi ci poniamo, non so quanto realizzabile, ma quello che proponiamo guarda verso quella direzione, guarda anche verso l’Europa ma fino a un certo punto, di sicuro non guarda verso il mercato italiano.

R.G.: E questo vi ha condizionato in fase di composizione?
W.T.: (risponde Random ndr) Io sono uno che vive 24 ore al giorno di musica, ascolto di tutto, io penso che oggi in ambito rock/metal i brani devono avere delle melodie molto dense, ritornelli che aprono, e non mi riferiscono solo al territorio italiano ma in generale. Se ascolti ad esempio band come i Bring Me The Horizon senti i ritornelli che sono molto melodici e ti rimangono in testa ed è questa la direzione che noi stiamo prendendo, o meglio, che abbiamo preso.

R.G.: Emi, prima hai accennato anche al tuo lavoro come agente booking, oltre ad essere responsabile di un’agenzia come la Jack Music Agency. In generale che idea ti sei fatto della situazione attuale su questo argomento?
W.T.: Purtroppo è una m…a! C’è poca attenzione, non ci sono canali di diffusione della musica. Con l’età che ho, posso dire di aver vissuto l’epoca di MTV, che era una possibilità. Quand’ero ragazzino adoravo guardare da mezzanotte Brand New che per 2-3 ore ti proponeva musica nuova e ti dava la possibilità di scoprire nuovi artisti. Pensa che noi come Mellowtoy andavamo in “heavy rotation” su MTV il pomeriggio. Una band metal oggi non ha più questa possibilità; le radio web fanno fatica ad affermarsi, le radio tradizionali, tolte alcune rare eccezioni, non proporranno mai questo genere. Il mercato purtroppo è gestito da grossi network che ti dettano quello che tu devi ascoltare. C’è anche da dire che è cambiato il pubblico, ma principalmente sono cambiati i modi per accedere alla musica; il giovane artista ha un pubblico molto giovane e la musica la ascolta da qui (indicando il suo smartphone ndr).

R.G.: E alla luce di questo, con la tua esperienza nel settore e con il tuo lavoro, che consigli daresti ad un ragazzo/a che vorrebbe diventar musicista?
W.T.: Divertirsi senza crearsi troppe aspettative, questo è il primo consiglio. Non avere mai ansie da prestazione, ed approcciarsi verso questa arte divertendosi, senza l’assillo di diventar famoso a tutti i costi, ma dando sfogo alla tua personalità.

R.G.: Grazie ragazzi e buon concerto!
W.T.: Grazie a voi e a RockGarage!