Beggars Opera – Waters Of Change

C’è da dire che su questa band ed in particolare su questo album, Waters Of Change, prodotto nel 1971 per l’etichetta Vertigine, le opinioni sono davvero contrastanti. E non c’è di meglio che iniziare una recensione andando a recuperare quel vinile ormai del tutto dimenticato ma che ha comunque qualcosa che ci riporta ai sogni fatti quando eravamo più giovani. Ed inizio proprio da lì, da quel Nimbus che si apre con un bell’arpeggio subito sostenuto da un mellotron adeguato a creare atmosfere ancestrali e da sogno, una vera e propria nenia che induce a riflettere e portare lontano da questo mondo la propria mente. Ok, ma torniamo alla realtà ed iniziamo con il riportare la puntina del giradischi sul brano di apertura, quel Time Machine che con il modo di presentarsi di Alan Park sembra imitare molto il Keith Emerson dei Nice che furono e guarda un po’ quanto sound degli Atomic Rooster ci si ritrova dentro questo pezzo. Waters Of Change è un lavoro che viaggia tra psichedelia intrisa di quel prog che a tratti ricorda i folletti Jethro, ma il sunto di tutto l’album lo troviamo in quel duettare tra la chitarra di Gardiner e l’organo di Park che sono i veri mattatori in tutto questo lavoro. Il disco è pieno di quel rock progressivo anni settanta che fa piacere riascoltare a distanza di tempo, anche se manca di quelle armonie e passaggi che hanno caratterizzato il prog per come realmente lo si intende.

Di sicuro dopo Act One, disco di debutto del 1970, che risulta essere a tratti anche magnifico (accade sempre con le nuove scoperte), Waters Of Change secondo lavoro della band dimostra di non essere all’altezza nonostante alcuni buoni momenti proprio come lo è il pezzo di apertura Time Machine. Resta il fatto che poi quando succedono queste cose c’è sempre un capro espiatorio o un colpevole, e qui Virginia Scott è il nome che salta fuori perché passa dall’essere compositore a servizio della band, a prendersi tutto quello spazio che ne fa il vero leader sonoro capace di trasformare i pezzi di questo disco con l’uso incontrastato del mellotron a discapito di quelle tastiere che avevano un ruolo primario all’avvio di carriera della band. E così dopo Time Machine, solenni intonazioni che spingono alla meditazione ci giungono con Lament che in appena due minuti mostra tutta la sua evoluzione, mentre con I’ve No Idea vengono proiettati tutti quei dettagli artistici che scaturiscano da un certo proto progressive inglese come i migliori Cressida hanno insegnato. E con Nimbus, che già dicevamo essere il nostro pezzo preferito, i Beggars Opera vivono probabilmente il loro momento migliore di questo lavoro.

Festival, interamente composto da Alan Martin è il pezzo che finalmente aggiunge un po’ di complessità a questo disco, riportandoci a quell’esempio di sound alla Jethro un po’ più sconvolgente, mentre è con Silver Peacock che al di là dell’introduzione, ci riporta ad un manierismo fatto di bravura tastieristica per un concentrato di suoni che viaggia tra Nice e Yes del futuro. Con Impromptu e The Fox è invece tutto un susseguirsi di art rock per un viaggio che termina nel modo meno aspettato. Waters Of Change è insomma un vero e proprio intreccio tra sound dei Cressida, Caravan, con toccate blues alla Moody, ma è anche una personalizzazione di un sound prog che porterà la band a produrre altri lavori sempre difficili da decifrare. Per fortuna tra un disco e l’altro ci sono anche vere proprie chicche per gli amanti del prog che non possono non prescindere anche dai Beggars Opera. E’ un peccato però che la band sia stata sempre un po’ sottovalutata, sarà perché sono scozzesi? Eppure hanno condiviso il loro tempo con Genesis, Jethro Tull, Gentle Giant, Yes, Pink Floyd, King Crimson. Ma si sa, non è tutto oro quel che luccica, eppure loro sono stati anche una stella del firmamento prog, sarà che è caduta troppo presto?

Spring – Spring

Ma è davvero sufficiente la produzione di un solo album per entrare nella storia? Quante sono le band e gli artisti che dopo la prima pubblicazione si sono volatilizzati nel nulla pur avendo comunque lasciato tracce indelebili nella musica rock? A queste domande ci siamo dati delle risposte, una in particolare: loro si chiamavano Spring ed erano una delle band più rappresentative del progressive rock inglese, una band che con all’attivo un solo album è stata in grado di dare a quello stesso movimento musicale una notevole dote di suoni, intrecci e risultati tali da far diventare il progressive inglese quello che è ormai per definizione, il rock più interessante che si possa ascoltare. Formatisi come band a Leicester, gli Spring con questo loro omonimo, primo ed unico LP, hanno dimostrato come l’uso del mellotron nella musica rock degli anni 70 potesse diventare fondamentale in tutti i sensi. Riascoltare questo disco dopo tanto tempo per farne una recensione è stato oltre che piacevole una vera e propria riscoperta, quasi un’ulteriore sorpresa di quante ce ne avesse regalato quando fu acquistato in un negozio di dischi dell’Emilia, appena pubblicato.

Spring è un disco senza se e senza ma, un vero e proprio manifesto di rock progressive melodico, vellutato, tutto costruito sulla presenza di ben tre mellotron capaci di dialogare tra loro come se nulla fosse, quasi recitando un sapiente copione di una importante commedia, la commedia del rock appunto. I suoni che il disco emana sono da una parte raffinati, dall’altra quasi militari anche se non mancano le ballate acustiche ed i brani tipicamente rock dove è facile immaginare che l’ispirazione sia venuta grazie all’ascolto di certi King Crimson dove prevale l’aspetto più romantico, o di band come i Moody Blues. Spring è un lavoro pieno di quel progressive rock influenzato dal folk, un po’ come avvenne poi per i Jethro Tull, un disco che al giorno d’oggi è davvero un tesoro infatti, chi ha la fortuna di possedere la stampa originale inglese di Spring sa bene di possedere un oggetto da collezione pura, diventato oramai talmente raro e prezioso da essere davvero unico (che fortuna che ho!). Ascoltare questo loro superbo lavoro vuol dire mettersi in un vero e proprio incrocio dove passano i primi sette grandi album dei Moody Blues, i Genesis del periodo ’70, i primi King Crimson ed anche gli stessi Uriah Heep. I veri punti nodali di questo album possono comunque essere raggruppati in soli quattro pezzi quali Grazing, Grail, Golden Flee e The Prisioner (Eight By Ten).

L’apertura affidata a The Prisoner (Eight By Ten) già prelude a quanto di bello Spring ci proporrà successivamente con le atmosfere di quello che consideriamo uno dei più interessanti lavori del progressive inglese; ed è proprio questo il pezzo in cui si possono sentire distintamente i tre mellotron che la band utilizza per comporre il proprio sound. E se l’apertura è così valida immaginatevi il proseguo del disco dove si presenta Grail che apre anch’egli con atmosfera vellutata dove la presenza di una bella chitarra dà magnificenza ad uno dei pezzi che ci piacciono maggiormente in questo unico lavoro degli Spring, un pezzo che davvero ci riportata agli esordi di certi Giles, Giles e Fripp, antesignani del Re Cremisi, con quei passaggi che improvvisi catapultano nell’immensità di land sognanti. Per Boats sono sufficienti appena due minuti per proporre una bella ballata folk quasi a spezzare quel sogno finora fatto per proiettarci su un’altra sponda. Ed infatti sull’altra sponda si apre la marcia a suon di rock che con Shipwrecked Soldier diventa un vero e proprio inno militare grazie a quel suo gioco composto per lo più da un bel rullare della batteria, dai mellotron che giocherellano e dalle voci che accompagnate da un bella chitarra di fondo, si interconnettono tra loro in un intreccio di suoni e parole che è difficile trovare in altri dischi dello stesso genere tranne in quelli dei Moody Blues. Golden Fleece è il ritorno alla base della band che con questo pezzo dimostra di essere solida non solo nell’unione ma anche nella composizione, con la voce di Pat Moran che è davvero unica soprattutto quando viaggia sulle note del solito mellotron incontrastato padrone di Spring. Inside Out giunge in tempo per smuovere i pensieri presentandosi con quel bel rock che vorresti ascoltare proprio in questo momento del disco; e come abbiano fatto a prevederlo questi Spring rimane davvero un mistero.

Song To Absent Friends (The Island) si presenta come se insieme agli Spring ci fossero anche un certo Pete Sinfield con i suoi Van Der Graaf Generator; infatti il bel piano di Brown ha in quel tocco un non so che di Sinfield così come la voce del solito Pat Moran è un sogno che è davvero diventato maniacale. A chiudere Spring è Grazing che si rivela con un rock progressivo stile Genesis ma che possiede la particolarità di una band che è davvero un peccato che si sia fermata ad un solo album in produzione. Senza dubbio la musica degli Spring riflette quel blues che è stato una scelta fondamentale per molte band inglesi del periodo e se a ciò si aggiunge che la band prima della registrazione di questo album era in giro nel Regno Unito per l’apertura dei concerti dei Velvet Underground, beh allora la cosa sembra essere davvero difficile da criptare considerato che gli Spring non si sottraevano neanche ai suoni acidi trasmessi dalle radio londinesi che comunque, per fortuna, non ritroviamo qui. La cosa più interessante di questo intero album è comunque la registrazione che è stata fatta senza phasing, flanging o ulteriori effetti da alterarla per cui tutto il lavoro risulta essere, per fortuna, non datato. E poi che dire sulla voce di Pat Moran che ci ricorda molto quella di un certo Wetton…chissà poi quanti la penserebbero come me se ascoltassero questo disco datato 1971. E’ una sfida!

Arthur Brown’s Kingdom Come – Galactic Zoo Dossier

Galactic Zoo Dossier è uno di quei concept album che ricalca il rock dell’epoca essendo stato prodotto negli anni 70, fulgido periodo in cui esplosero il progressive, l’acid, l’hard e così via, infarcito com’è di quei suoni a noi tanto cari. Per la sua struttura, Galactic Zoo Dossier lo si può definire un vero e proprio concept album considerata la sequenza dei brani capaci di navigare a tratti anche in un folk rock più artefatto, un rock concepito in maniera inusuale per le band di allora. Un vero e proprio esempio di creatività assoluta degli Arthur Brown’s Kingdom Come che sanno ciò che vogliono grazie in particolare al loro carismatico leader. Galactic Zoo Dossier è una delle avventure più belle della musica perché è un disco le cui escursioni musicali degli Arthur Brown’s Kingdom Come variano dal progressive allo space rock, al rock elettronico, al jazz marcato di fusion, tant’è che proprio grazie a questo connubio, probabilmente, pur non avendo ottenuto il successo commerciale meritato, viene considerato oggi come l’apice dell’eredità musicale di Brown. Come fare a non considerare il suo pioneristico cammino che anticipava di molto i tempi del rock teatrale che sarebbe poi divenuto il pane quotidiano di band come gli Alice Cooper, i Kiss, e solo per citarne alcuni, compreso anche il Peter Gabriel al quale va riconosciuta forse la maggiore vicinanza?

Ed è proprio in Galactic Zoo Dossier che il rock si fa avventuroso, complesso, energico ma anche occasionalmente fuori dai consueti canoni nei quali il rock del periodo viene inserito. Per chi vuole saperne di più questo lavoro si pone in una sorta di amalgama musicale e compositiva di quanto all’epoca avevano fatto gruppi quali i Nice, gli Hawkind, lo stesso Frank Zappa, gli Atomic Rooster, un disco dove la voce di Brown raggiunge quell’apice che fu la furia e la passione della tanto amata Janis Joplin. Non vogliamo essere di parte ma probabilmente, Galactic Zoo Dossier contiene una delle tracce strumentali migliori e più significative di tutto il progressive così come lo conosciamo e lo intendiamo noi: infatti Gypsy Escape è un brano da pelle d’oca, un pezzo capace di lasciare il segno dentro l’animo di ognuno. Leggendo vecchie riviste dell’epoca ci si stupisce come diversi critici si siano spinti oltre la pura denigrazione di un album che ha la potenzialità di un rock condito di strutture classiche, di improvvisazioni jazzistiche, di folk ed elettronica, un genere che darà vita poi a quella sorta di vera e propria new fusion. Galactic Zoo Dossier può essere a giusta ragione considerato il bing bang per tanti altri generi che verranno, come lo è stato ad esempio per Zappa maestro incontrastato e sovrano di capolavori unici per la musica tutta.

Galactic Zoo Dossier è una perla musicale vera, poco rivalutata, ma unica, un vero e proprio capolavoro ricco di genialità incontrastata ed unica, un album che non smette mai di lasciare di sasso chi l’ascolta anche per la prima volta. Provate a cercare pezzi che siano in grado di sovrastare a composizioni come Metal Monster o Space Pucks, provate voi a trovare pezzi che abbiano la stessa intensità e bellezza, pezzi che sono delle vere e proprie novità in un panorama musicale che già si avvia a forti cambiamenti. Se ci riuscite non lesinate a farcelo sapere.

Yes – Fragile

Fragile, album del 1972 fu il lavoro che portò all’avvento di una line up più potente della precedente grazie all’ingresso di Rick Wakeman e non solo dal punto di vista scenico (non dimenticate i suoi mantelli argentati o dorati), ma anche dal punto di vista strettamente compositivo in quanto fu proprio Wakeman ad operare nelle battaglie della band per i migliori arrangiamenti. Così, da una parte il gruppo inglese maturò quella nuova poliedricità musicale che l’ha sempre contraddistinto, mentre dall’altra lo spettacolo live ne uscì rafforzato grazie alla complessità delle composizioni ed ai vari virtuosismi musicali. E così, pezzi come Roundabout, Long Distance Runaround e Mood For A Day risultano essere delle vere e proprie perle di saggezza progressive che amo definire “progressive avanzato”. Ascoltando attentamente Fragile non è poi così semplice accorgersi che l’album è diviso in due parti, vale a dire una parte accomunata dai virtuosismi strumentali dei componenti la band e dall’altra il rock che rende all’altezza questo lavoro con quanto ottenuto con The Yes Album.

Se si fa caso, Roundabout, brano di apertura del disco, ha un no so che di radiofonico ma è comunque un pezzo che pian piano diventa poco accessibile perché pieno di armonie complesse che a leggere solo lo spartito ci si chiede da dove poter cominciare. Long Distance Runaround è invece un pezzo breve ma stravagante grazie ad una presenza vocale che sembra essere impacciata, pienamente riscattata dalla scorrevolezza strumentale. Alcuni critici si sono spinti, spesso, a dire che le melodie vocali sono il punto debole di Fragile ma li sfido a questo punto ad ascoltare Heart Of Sunrise che chiude il lavoro davvero in bellezza grazie a certi richiami all’uomo schizoide del ventunesimo secolo, in arte ‘21st Century Schizoid Man, dei King Crimson. Fragile è un concept album a sé, interamente dedicato al movimento sonoro e compositivo sia per i testi che per le stesse musiche. Ma c’è una peculiarità che non va sottaciuta: qui ci sono tutti i capolavori solistici degli Yes, ci sono arrangiamenti che dire azzeccati è davvero dire poco, ci sono passeggiate acustiche di inusuale bellezza e c’è, in modo particolare, quell’intelligenza compositiva che ha fatto grande questa band inglese che con l’avvento di Wakeman ha davvero fatto un salto qualitativo notevole.

E’ poi storicamente appurato che Fragile, nel contenere quattro brani del gruppo e cinque suddivisi per musicista, richiamino un po’ la scia di lavori quali Ummagumma anche se poi il metodo di congiunzione su acetato è ben diverso dall’opera pinkfloydiana. E ciò fu confermato da una affermazione di Chris Squire che motivò il tutto dai tanti soldi spesi per potenziare ed ampliare tutta la strumentazione di Wakeman che entrò in questo lavoro, e nella band, come una vera e propria meteora. Va aggiunto poi che Fragile è l’avvio di una stretta collaborazione tra la band e l’illustratore Roger Dean che diventa il costruttore dell’intera immagine degli Yes partendo dalle meravigliose copertine. Fragile nell’intero suo concetto affronta il tema della natura che si evolve, così come nel disco si evolvono le complesse partiture, ma completa anche il concetto di un progressive assolutamente diverso da come lo si era ascoltato fino ad allora; infatti il progressive qui è molto più articolato, molto più studiato e sperimentato come forse non accadeva da tempo nonostante un’esplosione di gruppi che con il prog ci lavoravano tutti i giorni. Fragile è infatti l’alter ego di quello che è da sempre stato considerato il fautore di questo genere, quel Sgt. Peppers beatlesiano che ancora oggi è immaginifico. Ma provate ad accostare negli ascolti questi due lavori, ebbene con Fragile è davvero facile accorgersi quanta strada abbia fatto il rock dal Sergente fino al ’72. Ha davvero macinato tanti chilometri di composizioni, intrecci e sperimentazioni che Fragile degli Yes, spesso sottovalutato, andrebbe di certo rivalutato per quel che realmente è, e non per quel che appare.

E poi non è tutto Wakeman ciò che brilla, ma è anche Anderson (splendida ed inimitabile voce), Howe (ottimo e poliedrico strumentista soprattutto nell’acustico), Squire (una tenuta bassistica unica nel suo genere), Bruford (inutile citarlo per quanto ha fatto nei King Crimson). Una grande band insomma che scriverà pagine di storia del rock.

Peter Hammill – In Camera

Dopo la pubblicazione di The Silent Corner And The Empty Stage, Peter Hammill, il poliedrico artista che ha dato ai Van Der Graaf Generator un’anima, realizza un altro capolavoro che non ci si stanca mai di ascoltare, In Camera, album di spessore unico, carico di quelle atmosfere care a questo artista che si è guadagnato un posto d’onore nell’olimpo della musica e della scrittura dei testi. Intimista da sempre nelle sue composizioni, anche in questo lavoro del ’74, Hammill butta dentro tutte le malinconie e l’oscurità dell’animo toccando apici musicali che chi lo ha sempre seguito sa quanto siano ricercati. Se mi volete lasciar passare un termine consono a questo In Camera, non basta dire che questo album è pura ortodossia perché va contro tutte le metriche musicali e compositive, ma è anche un sublime concentrato di pura follia musicale. E’ inutile dirlo qui c’è prog, proto-prog, proto-folk, folk allo stato puro e la follia sta proprio qui, nel saper miscelare attentamente tutte le derivazioni in questa nuova idea partorita per la maggior parte dei pezzi nella propria casa…ma anche all’inferno, in quella tetra oscurità che esalta l’animo.

In Camera è un album contemplativo in tutti i suoi pezzi, un piccolo capolavoro dove le canzoni oltre ad essere originali (e d’altronde Hammill lo è sempre stato), sono piccole sperimentazioni senza pietà per chi le ascolta, capaci di sprizzare freschezza ed originalità in ogni passaggio. Basti per questo ascoltare i due brani Gog e Magog (In Bromine Chambers) che in soli diciotto minuti proietta chi lo ascolta tra inferno e paradiso evocando immagini di religiosità e soprannaturale. L’apertura di In Camera, affidata a Ferret And Featherbird, conquista immediatamente grazie a chitarra e pianoforte che cuciono, in maniera unica, un suono che si avvicina molto allo sperimentalismo pinkfloydiano di Syd Barrett dove l’inserimento della voce di Hammill contribuisce a rendere impregnato di romanticismo un pezzo già di per se meraviglioso. No More è il volto più perfido dell’Hammill che con questo disco tenta di spingersi oltre i confini dell’oscurità dove a ritrovarsi sembrano i fantasmi del passato vandergraffiano. Infatti, proprio con la successiva Tapeworm ritornano i fasti di quel generatore di suoni che in tanti abbiamo apprezzato; qui a dettare legge sono i sincronismi perfetti degli strumenti ed un gioco vocale a dir poco sublime. Con Again la sensibilità di un’artista dai molteplici volti, la si capta direttamente sulla pelle (d’oca) perché tutto l’universo poetico e scuro di Hammill viaggia qui su quella sottile linea che segna il confine tra l’art e il puro rock senza fronzoli e schitarrate.

Anche la successiva Faint-Heart And The Sermon offre quello che di meglio Hammill sa fare, vale a dire sermonizzare un pezzo dove le parole assumono una guida unica per capire quanto precipizio ci attende prima di giungere all’inferno attraverso il passaggio nelle tenebre. Un vero e proprio anticipo di ciò che avverrà nei successivi Gog e Magog (In Bromine Chambers) che è una vera e propria mini opera rock che si rifà molto alla musicalità progressive e gotica, un segmento colmo di effetti sonori e rumori dove dominano le tastiere e le percussioni che proiettano il grande artista in altri sperimentalismi sonori. Fatto è che tutto In Camera è impressionante, un lavoro composto ed eseguito da un genio che nel 1974 era proiettato già al minimalismo, molto orientato allo sperimentalismo vocale ma che tenta anche di scrollarsi di dosso quello che i Van Der Graaf Generator avevano rappresentato proprio con Hammill. Di certo In Camera è l’album solista di Hammill più denso in termini di suono e lirismo, ma anche quello che emana più coerenza ed inimitabilità. Comunque sia l’unicità di In Camera la si trova in diverse ragioni: è la prima volta che Hammill registra un album da solista e senza il supporto dei Van Der Graaf Generator, anche se il batterista Guy Evans lo troviamo in due tracce (Tapeworm e Gog); è un lavoro dove lo stesso Hammill utilizza molti più sintetizzatori con le tecniche di programmazione di David Hentschel; ma la cosa interessante sui tutte è anche che In Camera, composto interamente tra le mura di casa, è stato poi completato presso i Trident Studio di Londra dove ha aggiunto la voce, synth e mellotron. Insomma, una grande mente al soldo del rock più avanzato e ricercato.

Cressida – Asylum

Dopo l’album di debutto che prometteva già grandi cose, i Cressida sfornano una seconda produzione che sembra possedere un mantra alquanto diverso grazie ad un contenimento più musicale ma che a tratti presenta un suono confuso e più rarefatto. Nonostante ciò le tracce contenute in Asylum sono comunque da apprezzare e su tutte spiccano le belle Survivor e Reprieved probabilmente inserite lì non a caso, ma anche con Lisa sembra che ci sia davvero tanta ispirazione da parte della band che prende a modello certi Savoy Brown da quasi pelle d’oca. Qui siamo di fronte ad un esempio di genesi del rock prog sinfonico di matrice britannica influenzato però da certe atmosfere beatlesiane arricchite dai colorati sviluppi musicali e ciò a conferma di una voce, quella di Angus Cullen che si avvicina davvero molto a quella di un certo Sir Paul McCartney. Asylum è per buona parte il tipico prog rock anni settanta, musica che è guidata, anche qui, da un onnipresente hammond supportato da pianoforte, basso, chitarra e batteria ai quali sono aggiunti una piccola sezione di orchestra. E se la prima parte di Asylum è più vicina all’album d’esordio, la seconda parte, al di là di un paio di tracce davvero lodevoli e di qualità, scade un po’ nell’ovvietà più scontata. Tutto ciò basta comunque a farci definire questo lavoro un classico del progressive, ma non un classico qualunque, bensì un classico che si mantiene tale anche a distanza di tanto tempo.

Questo lavoro a noi pare sia stato un po’ tralasciato nonostante il contenimento di una bella musica psichedelica ben combinata con gli strumenti a corda, e se Asylum apre in modo abbastanza pishcedelico, Munich si pone piacevolmente ad essere ascoltata grazie all’inserimento di quel classicismo che, qui, è del tutto naturale. Un grande organo si presenta sopra ogni cosa ed anzi, sembra che Asylum sia stato tutto concepito su quei tasti che la fanno da padrone insieme ad una voce che mantiene alta la qualità di questo prodotto. Qui non c’è un punto preciso su cui puntare le proprie riflessioni, ma il disco realizzato da questi cinque ragazzotti inglesi ha un suono comunque accattivante che contiene un bel mix di rock prog ma che in alcuni momenti sembra essere una sorta di jam session alla maniera dei Traffic, anche se qui siamo lontani da certi paradisi. Ma l’ascolto di questo album resta comunque un bell’ascolto: infatti è facile imbattersi qui in un album che sprizza tutte quelle eccellenze che verranno dopo per mano di altre band. Infatti i Cressida abbandoneranno le scene per lasciare spazio ad altre band, ma il loro resta comunque un lavoro sempre apprezzato dai tanti che, anche a loro si sono ispirati per produrre il proprio suono.

Come non dire poi che a volte basta davvero poco a realizzare un capolavoro che resta nel tempo? Con Asylum infatti ci troviamo di fronte ad un album che non ha tempo, che non scade nell’ovvietà, un album che resta comunque un caposaldo di certa discografia “psichedelica” che verrà dopo ma che comunque aveva già dato i primi segni di vita. Asylum pur nella sua limitata bellezza è comunque un album che viaggia, è un lavoro che sa ben miscelare anche quel sound di stile canterburyano che non può essere tralasciato da nessun prog rocker. Ma oltre al Canterbursy ci troviamo tanto bel prog sinfonico, sfumature jazz, momenti folleggianti, eppure nonostante ciò l’album sembra essere stato quasi dimenticato. Noi no perché i Cressida con Asylum hanno contribuito a mettere un ulteriore tassello nella scala cromatica del progressive.