Family – Family Entertainment

Family Entertainment succede degnamente al primo album dei Family, Music In A Doll’s House pubblicato nel 1968 e prodotto da Dave Mason dei Traffic per la Reprise Records. L’unica cosa che contraddistingue Family Entertainment è la mancanza di quella magia che era stata costruita intorno all’album di esordio fatta eccezione per alcuni pezzi come ad esempio Face In The Cloud. Con Family Entertainment resta comunque in piedi tutta quella inclinazione a composizioni art rock che grazie alla splendida voce di Roger Chapman rendono unica nel suo genere questa loro seconda fatica. Nella composizione strutturale di Family Entertainment l’album ha un approccio diretto e ciò grazie all’insieme ordinato dei pezzi anche se poi, alla fine, tutto il lavoro sembra essere più una raccolta di canzoni che, come si usava in quegli anni, una narrazione articolata. E così come avvenuto per l’album di debutto anche la caratteristica di Family Entertainment è l’intensa voce d Chapman che viene impostata su strutture che se all’apparenza sembrano complesse, in realtà sono semplici ed orecchiabili. La prima traccia, The Weaver’s Answer, si sviluppa attraverso testi di pura poesia che conducono ad un crescendo della voce, una differenza questa che si nota all’ascolto di Hung Up Down, spensierata e giocata su splendide armonie folleggianti. Con Emotions invece l’ingresso delle tastiere è davvero stucchevole ed in grado di rendere questo passaggio necessario per la completezza di un album che è, a dir poco, fantastico nelle variazioni delle musiche, almeno per noi.

Second Generation Woman è la canzone più sorprendente dell’intero lavoro anche se in alcuni momenti sembra acquisire un certo distacco. Ciò conferma quanto dicevano a proposito della mancanza di magia che ritroviamo in Music In A Doll’s House: qui infatti il rock non è più psichedelico, la propensione è più prog ma alla fine l’intero lavoro si presenta come un assestamento di diverse influenze, il che lo rende proprio per questo piacevole all’ascolto. Family Entertainment è più coerente forse, non certo un capolavoro ma in grado di contenere un piacevole e divertente sound “familiare”. Roger Chapman dimostra appieno le sue doti di cantante straordinario, ma anche gli altri componenti della band non sono da meno infatti, sono proprio loro ad inserire quelle influenze jazz e quegli archi che anticipavano di molto band che sarebbero arrivate di lì a breve come i King Crimson, la Mahavinshnu Orchestra o gli stessi Genesis che, come ebbe a dire lo stesso Peter Gabriel, furono molto influenzati dal sound dei Family. Proseguendo nell’analisi dei brani di Family Entertainment lo strumentale Summer ’67 è caratterizzato da un gradevole assolo di violino e sassofono mentre How-Hi-The-Li ci offre un Roger Chapman al meglio con la voce che ti scorre dentro come accade ad un attore che sta leggendo una poesia che qui si fa musica e basta.

From Past Archives si presenta come una bella e gradevole ballata sostenuta da un suono armonico e preciso mentre con le successive Dim e Procession sono incorporati il banjo ed il pop; ma ciò accade anche in Face In The Cloud dove ritroviamo un bel sitar che dà al brano quell’atmosfera quasi orientaleggiante. Ed infatti, il sound dei Family si contraddistingue per le influenze folk, country e pop, generi questi che la band di Chapman radica perfettamente in un blues vecchio stampo e che fa di Family Entertainment il lavoro che rende giustizia delle abilità e delle influenze musicali dei Family. Se lo si ascolta attentamente non ci si può non accorgere della fusione perfetta tra melodie di tipo madrigale e la linea più armonica di un blues rock da capogiro. Questo è l’album che porterà la musica dei Family verso una nuova direzione anche se resterà sempre il classico del quale non se ne può fare a meno; infatti Family Entertainment è considerata la migliore produzione realizzata dai Family dopo lo straordinario debutto. Dei Family resta, purtroppo, un solo rammarico e cioè quello di essere stata una band che troppo presto è finita nel dimenticatoio quando invece, proprio il sound da loro prodotto aveva tutti i crismi di un pure rock senza fronzoli, così raffinato tecnicamente che spingeva la creatività della band al di là di quella che sarebbe poi divenuta la “scuola” del rock operaio che i Family, nel ben e nel male, hanno sempre rappresentato.

Colosseum – Valentyne Suite

Il 1969, anno della pubblicazione di Valentyne Suite dei Colosseum, viene generalmente ricordato come l’anno dell’esordio dei King Crimson, l’anno in cui si verificò la svolta nella musica di genere, ed anche l’anno in cui i fiori del progressive avrebbero iniziato a sbocciare sull’intero pianeta. Nacquero così band come i Nice, i Moody Blues, i Procul Harum e tante altre che non ci basterebbe l’intera giornata ad elencarle tutte. Ma il ’69, che coincide anche con le contestazioni studentesche che presero piede prima in Francia e poi nel resto d’Europa, è anche l’anno in cui una band diversa per stile ed idee iniziò a “contaminare” quel genere progressive che, se pur possedeva precisi connotati, si prestava bene a cose diverse. Pur denso come lavoro però, questa nuova uscita nel marasma delle pubblicazioni discografiche di allora, fece poca breccia nei solchi e nei pensieri dei tanti anche se, è giusto qui dirlo, la produzione dei Colosseum, che era partita con Those Who Are About To Die Salute You, esplode per composizione, sempre nel 1969 con Valentyne Suite che pur essendo poco organico è l’anticipazione di quel rock progressivo dove le tastiere ed i fiati brillano in modo inconsueto. Valentyne Suite è un album che ancora oggi splende di luce propria, con un lato A dove il rock blues è forte mentre il b-side si presenta con una matrice molto più sinfonica piena anche di quel bel jazz rock d’altri tempi.

I riff di chitarra e la voce acuta fanno da subito capire che non stiamo parlando di un album mediocre, anzi qui l’energia è pura esplosione sonora, vitalità, potremmo anche dire genialità perché in Valentyne Suite, i Colosseum si muovono verso nuovi orizzonti, per loro inesplorati. Certo, le ispirazioni non mancano ad ascoltare il disco, ma le tracce sono tutte una combinazione di suoni diversi che variano tra progressive, rock, jazz, blues, psichedelia. Come ad esempio lo stesso brano di apertura The Kettle risulta essere un pezzo dove l’influenza hendrixiana si fa sentire, eccome. Andando oltre poi è facile accorgersi che tutto ruota intorno a quel groviglio di band che hanno influenzato in maniera forte tutta la musica di allora e qui vogliamo solo citarne alcune quali Savoy Brown, Gentle Giant, Atomic Rooster. The Machine Demands A Sacrifice invece è un pezzo ben diverso, meno forte e convincente ma ugualmente orientato su quella strada che i Colosseum hanno voluto imporre a questa produzione; ma il vero brano epico è la traccia che dà poi il titolo all’intero album The Valentine Suite e che è composta da ben tre temi, meglio ancora movimenti, quasi un’opera concettuale e musicale. Ed a proposito di Theme One: January’s Search, Theme Two: February’s Valentyne, Theme Three: The Grass Is Always Greener dobbiamo aggiungere che le tre tracce si intrecciano in modo piacevole, senza nessuna ripetitività, anzi sono una sorta di preludio a quello che da lì a poco farà da scuola per le composizioni di altri musicisti e band.

Valentyne Suite sembra in un certo modo seguire The Thoughts Of Emerlist Davjack dei Nice pubblicato solo due anni prima, nel 1967, ma in realtà comparando i due dischi, Valentyne Suite è un’evoluzione molto più chiara del processo di crescita e trasformazione del blues rock in progressive. La vera essenza di questo disco però sta tutta nella presenza di un certo Dave Greenslade alle tastiere che potremmo definire l’altra faccia sinfonica del Keith Emerson dei Nice. Valentyne Suite è comunque un album molto bello, le influenze sono tra le più svariate con un primo lato del disco che richiama a volte anche sonorità alla Cream (magari Cream avessero aggiunto anche l’organo), mentre il secondo lato è più fantastico ed arioso allo stesso tempo. Certo che se questo è stato l’esordio produttivo della Vertigo c’è da dire che la gloriosa casa discografica aveva, già allora, un buon fiuto. E come potrebbe essere diversamente visto che Valentyne Suite è una delle pietre miliari della scena progressive emergente di allora.

Osanna – Palepoli

Napoli è una città affascinante, contraddittoria ed allo stesso tempo complicata. Napoli è quanto di meglio l’italianità può offrire al mondo intero e da lì, in quello splendore dominato da un dormiente vulcano, quello che giunge a noi sono le note di un parlato unico, di una musica contaminata dal popolare, dalle storie della gente che “tira a campà” in mille modi. Napoli non è più la sola “tazzulella e cafè”, Napoli e mille culuri, mille paure, Napoli non è solo quella milionaria immaginata da De Filippo, la famiglia del teatro nostrano ormai estinta da poco, Napoli è amore, è colore, è vita. Ed a questi ultimi tre concetti gli Osanna, uno dei gruppi che ha lasciato un’impronta duratura nel pop tricolore, sia con la musica che con la partecipazione a quei festival che hanno fatto, per un certo periodo, di questa terra la California d’Italia, devono molto in termini “creativi”. Palepoli è uno dei classici del progressive italiano, ma anche uno dei dischi che hanno subito l’influenza di una mediterraneità unica della quale, ascoltando il disco, se ne può assaporare il sapore ed il profumo.

Pubblicato nel 1973, l’album fu l’apertura all’organizzazione di un festival voluto proprio dagli Osanna, il Napoli Be-In, che tra gli altri ospitava un certo Claudio Rocchi al quale oggi, alcuni amici hanno dedicato delle iniziative, ed un certo Peter Hammill universalmente riconosciuto come una delle menti più fulgide di quel international prog rock al quale siamo molto affezionati. Ma c’erano anche, in quel festival gruppi che hanno segnato il passo nella musica rock italiana come i Metamorfosi, i Garybaldi tant’è che un certo Dario Salvatori scrisse all’epoca su Ciao 2001 che il Napoli Be-In fu il festival di Wight a casa nostra. Ma, storia a parte, quando uscì Palepoli, la Napoli certamente non milionaria si era già conquistata uno spazio nella musica insieme ad altre band allora emergenti quali Balletto Di Bronzo, Alan e Jenny Sorrenti, Tony Esposito e così via. Sin dal titolo dell’album, Palepoli è un vero e proprio omaggio a Napoli, alla mitologia della città ed al suo passato, e gli Osanna, che in quel periodo sono al massimo del loro splendore creativo non possono limitarsi a contaminare, con i suoni del progressive, le partiture popolari dalle quali sono partiti; infatti, nelle note di copertina di Palepoli troviamo scritto “musica nata nell’esasperazione, musica di contraddizioni” proprio come Napoli. E gli Osanna non si fermano qui perché insieme al disco partoriscono uno spettacolo teatrale che si ispira anche a band d’oltre Manica come i Genesis, un teatro rock che il nostro amico Donato Zoppo ben descrive nel suo libro La Filosofia Dei Genesis, Voci e maschere del teatro rock (Mimesis Edizioni, 2015).

Palepoli contiene due lunghe tracce ed una molto più breve che funge da unione tra queste. Oro Caldo trasporta in un mercato dei tempi andati fondendo le voci con un ritmo dal sapore orientaleggiante dove, batteria e flauto, ne scandiscono il tempo prima del bell’innesto di chitarra elettrica che apre le porte ad una tarantella ed ad un testo che invita a fuggire. E’ qui che le atmosfere, alla Anderson del flauto di Elio D’Anna ed alla Hendrix della chitarra di Danilo Rustici, trovano il giusto spazio per plasmare il progressive tricolore e napoletano dell’etichetta Osanna. L’insieme dei suoni che la band propone qui spaziano dal jazz rock a quello hard senza però tralasciare gli innesti acustici di cui sono maestri, e questo loro modo di comporre diventa unico e davvero personale. Il disco continua poi con una perfetta fusione tra Oro Caldo e Stanza Città nella quale si rintracciano quei suoni tipicamente industrial che arrivano fino alla fine di questa prima facciata che per certi aspetti, fa da contraltare alle composizioni crimsoniane dell’uomo schizoide che ben conosciamo. La seconda facciata del disco è interamente occupata da Animale Senza Respiro che inizia con un vortice di spiritualità al quale si unisce poi quell’influenza jazz che ricorda molto i Napoli Centrale, con un Danilo Rustici che alla chitarra è davvero in piena forma. Ma qui lo sono tutti in piena forma, sia concettualmente che praticamente, e lo dimostra il prosieguo del brano capace di inglobare quella realtà del vivere quotidiano di una Palepoli sempre in piena contraddizione.

Come scrisse anche Caffarelli su Ciao 2001 “Il gruppo ha saputo conciliare la musica con l’immagine, senza però condizionare l’una forma d’arte in funzione dell’altra: questo non esclude comunque che si possa avere la comprensione autentica dell’opera solo dal vivo, a teatro. L’uso del mellotron e del sintetizzatore, le chitarre e specialmente quella elettrica di Danilo Rustici che, pur essendo un discepolo di John McLaughlin, è uno dei più originali strumentisti italiani, i fiati insuperabili di Elio distribuiti con precisione e parsimonia, i testi intelligenti e provocanti, beni inseriti negli spazi musicali senza rappresentare un momento staccato nello svolgimento della musica: tutti questi elementi fanno di “Palepoli” un’opera interessante ed importante”. Come non essere d’accordo ancora oggi su queste affermazioni? Palepoli è e resterà uno degli album più belli del nostro progressive, ma è e sarà sempre uno dei lavori più interessanti dal visto composito e musicale. Non averlo è come offrirsi ad un sacrificio pagano, non fate che ciò avvenga.

The Trip – Atlantide

“I cambi di formazione si fanno sentire in questo album che è più solido dei precedenti, grazie al nuovo arrivato Furio Chirico, ma anche meno originale e, soprattutto meno innovativo. Le tastiere di Joe Vescovi sono sempre protagoniste e anzi il lavoro del capelluto musicista genovese viene incorniciato da una sezione ritmica davvero micidiale. L’assenza della chitarra smussa quelle tendenze blues che avevano contraddistinto le prime opere del complesso. Manca però quell’irruenza, quella voglia di stupire (senza effetti speciali) che avevano reso The Trip e Caronte due album imprescindibili (o quasi) per la musica italiana. Affiora qua e là un po’ di mestiere o perlomeno la sensazione che Atlantide, pur senza grandi cadute di stile, sia un album di transizione”. Questo è quanto scrivono, a proposito di Atlantide, John N. Martin, Michele Neri e Sandro Neri nel loro interessante volume Il Libro Del Prog Italiano che in parte ripercorre la storia del progressive nostrano. Ma di questo lavoro, di questo bellissimo disco si può ancora dire tanto, anche a distanza ormai di decenni. E’ vero che non è stato un album che ha cambiato la storia, ma il fatto stesso che Atlantide rappresenti un pezzo dello stile avanguardistico italiano la dice lunga su quell’impronta lasciata da Joe Vescovi & C. nella musica nostrana. Va innanzitutto detto che Atlantide è un album concept, basato sulla storia del continente scomparso, cantato ed impermeato di questi testi in lingua inglese che si presta bene alle sonorità progressive, come si presta ottimamente la voce di Andersen che si ritrova in un suono che è completamente cambiato che non è più l’hard rock ed il blues al quale i The Trip avevano abituato il loro pubblico, ma sciorinano, invece, jazz rock d’avanguardia e pura sperimentazione.

E così i ricordi si fanno presenti sulla tastiera di questo computer che, attraverso la mia mente, torna indietro nel tempo a quando, proprio dopo l’uscita di Atlantide, assistetti ad uno dei loro concerti. Erano gli anni della contestazione e dei sogni, gli anni più fervidi che la nostra gioventù abbia mai conosciuto ed anche la musica era tale; ma erano anche gli anni della strategia della tensione, dell’uccisione di Luigi Calabresi e così via, e la musica, così come tutte le arti, aveva dalla sua l’influenza di quanto stava accadendo fuori; probabilmente anche tutto questo influì su quell’idea di Atlantide che rappresentava il concetto di rifugio sicuro, si perché il concept dei The Trip è proprio basato sull’aspetto mitologico dell’isola scomparsa, un aspetto che si ritrova nel sottotitolo dell’ultima traccia, Il Vuoto, che è preceduta da Distruzione. E così come avvenuto in nostre precedenti recensioni, anche qui il richiamo ai grandi del progressive è naturale; la composizione della band a tre richiama molto gli E.L.&.P. come li richiama anche in brani quali Energia e Ora X, ed anche se ciò può sembrare paradossale, in realtà non lo è perché quel periodo musicale è pieno di riferimenti soprattutto in Italia nonostante, poi, alla fine quel che contano sono i risultati finali. Ed Atlantide è un disco che non può non essere ascoltato anche da chi il progressive non lo ama; qui tutto si concentra in un’evoluzione musicale guidata dalla mente di Vescovi che con le tastiere non invade, come ci si può immaginare, l’intera produzione, ma lascia ampio spazio ad Andersen e Chirico che ricamano e sostengono qualitativamente l’intera produzione influenzandone tutto lo stile compositivo che è capace di riferirsi anche ai King Crimson ed ai Gentle Giant.

E così le otto tracce del disco, tra lato A e lato B raccontano non solo del continente scomparso ma anche di un sound che si evolve, pur ispirandosi a grandi gruppi. Atlantide diventa così l’album che lascia una traccia indelebile nella discografia italiana, ma è anche, probabilmente, il disco che prima o poi sarebbe giunto dalle menti di Vescovi, Andersen e Chirico. Questa produzione unica nel suo genere ha contributo, grazie alla comunanza tra Trip ed Atlantide a dare una svolta concreta alla musica ed alle produzioni italiane anche future. In molti, infatti, si sono ispirati proprio a quel lavoro concettuale per le proprie produzioni, facendo diventare i concept album una prassi nel nostro panorama prog rock. Ed è proprio questo disco, con la sua storia e la sua composizione, a restare l’unico vero successo di questa band ispirata dal sound inglese in particolare, e da quanto, intorno a loro, stava avvenendo in quegli anni perché, poi, alla fine, il vero risultato è l’inconfondibile identità musicale del suono Trip…made in Italy.

Quindi non dimenticatelo questo Atlantide, ma riascoltatelo di tanto in tanto non fosse altro per ricordarsi che uno dei simboli del progressive rock italiano era proprio un certo Joe Vescovi, recentemente scomparso, savonese e leader dei The Trip, una della band più celebri della grande stagione del rock italiano dei primi anni settanta.

Reale Accademia Di Musica – Reale Accademia Di Musica

La Reale Accademia Di Musica più che per i dischi sono passati alla storia per aver fatto da spalla alla tournée in Italia di Jimi Hendrix. La loro era una musica progressive che si ispirava in modo particolare al blues, alle atmosfere beatlesiane infarcita com’era di quelle ariosità neoclassiche che contenevano molto pianoforte e passeggiate acustiche dove la chitarra era spesso in primo piano. Di sicuro questo lavoro ha rappresentato e rappresenta tutt’ora uno dei lavori più significativi del prog tricolore che, ad onor del vero, ha dato molto alla musica internazionale in tutti i sensi. Romani de Roma, la Reale Accademia di Musica ha saputo con minimi passaggi influenzare il prog italiano dopo essere passati attraverso la trasformazione degli allora Fholks, attivi verso la fine degli anni ’60 prodotti da Maurizio Vandelli che sarebbe poi diventato l’ossatura degli Equipe 84, ma destinati a sciogliersi in poco tempo anche per il furto del furgone che conteneva tutta la strumentazione. Ma veniamo a questo capolavoro discografico, come lo intendono in molti, forgiato musicalmente da Cabanes, Trolani, Agrimi, Pavone e Stefani. Composto nelle zone romane il disco viene pubblicato nel 1972 grazie all’etichetta Ricordi; i suoni e le atmosfere sono piacevoli ma dilatate anche se con un inizio tastieristico che si trascina per ben otto minuti tra tocchi avoriati e la voce di Cabanes che forgia una sorta di introduction al prog che giunge al suo culmine a metà de Il Mattino dove, finalmente, il gruppo sfodera un progressive ben definito con un contorno anche in perfetto stile underground.

Con Ognuno Sa invece ci si tuffa in un pop solito, già sentito, ma comunque utile ad interrompere lo strapotere tastieristico finora presente nelle tracce. Poi con Padre, il sound si fa ancora una volta originale inglobando in sé bei passaggi di blues rock che richiamano alla mente fasti di altre grandi band d’oltreoceano. Lavoro In Città è invece molto più strutturata, meno leggera ma composta in maniera ineccepibile con cambi di ritmica che richiamano anche suoni jazzati e ben piazzati al momento giusto. Il brano di chiusura poi lo si può considerare il vero capolavoro di quest’album d’esordio: infatti, Vertigine rappresenta il sunto di un album che per composizione ed arrangiamenti è davvero il migliore di tutti. Comunque, al di là o meno dello stile Reale Accademia Di Musica è un disco che si può considerare unico per quanto lo stesso rappresenti sia musicalmente parlando sia per i bei testi che lo completano. Va comunque evidenziato che questo è un lavoro che si presenta ben strutturato, in particolare nella seconda parte del disco, con una libertà unica lasciata ai componenti della Reale Accademia Di Musica che producono musica ben strutturata ma anche coinvolgente nonostante la sua “troppa” elaborazione che passa dall’acustico all’elettrico con una semplicità davvero ragguardevole e che fa ben pensare di questa band romana.

E come spesso accade, alle band che devono essere considerate fondamentali, basta un solo disco per forgiare nel rock il proprio nome come questo che è un disco che non può mancare nelle collezioni di nessun amante del progressive e non solo italiano.

P.F.M. – Storia Di Un Minuto

Girovagando qua e là tra i molti materiali che sono sparsi nella nostra stanza destinata alla musica dove a dismisura incontrollata giacciono CD, LP, computer, mp3, chitarre e così via, ci siamo imbattuti in alcune riviste che narrano di un passato che tale non è perché, a volte, anche il passato ti rimanda al presente. E l’attuale nostro presente è l’ascolto di questo disco, unico, splendido, che racconta di un inizio storico e di una svolta musicale nel nostro paese, Storia Di Un Minuto. E se poi trovi, in quel tuo scartabellare quando un giornalista inglese, dopo aver visto una loro esibizione in Inghilterra, ebbe a dire sulla P.F.M.: “Sono bravi, ottimi musicisti…peccato però che siano italiani“, beh, allora, mi verrebbe quasi da rispondergli che la verità non è posseduta da tutti, né tanto meno da lui che pur potendosi vantare di una terra che il progressive lo ha visto nascere, probabilmente con il passare del tempo si sarà dovuto amaramente ricredere sulla nostra musica. Eppure anche band blasonate come i Led Zeppelin all’epoca si sprecarono in elogi nei confronti della nostra musica rock ed in particolare sulla P.F.M.. Ne è la riprova il fatto che proprio Robert Plant ha spesso citato la P.F.M. come uno dei gruppi italiani che gli Zeppelin ascoltavano negli anni settanta, ma è anche storia quella che sul finire degli anni ottanta, in concomitanza con la morte di John Enry Bonham, vide gli Zeppelin sondare la possibilità di far partecipare ad un casting Franz Di Cioccio per sostituire lo scomparso batterista. Purtroppo di tutto ciò non se ne fece niente perché di lì a poco la band si sciolse definitivamente.

Ma torniamo alla nostra proposta di rilettura di questo grande classico rock italiano, Storia Di Un Minuto. Sette brani che non si trovano lì per caso, sette brani come sette sono le note musicali, sette “perle” che sono ormai parte di una storia infinita che vede questo disco citato a dismisura per i suoi contenuti musicali, alla faccia del giornalismo anglosassone. Già dal primo pezzo, Introduzione, si capisce dove la P.F.M. vuole arrivare, una partenza lenta quasi un preludio ad un’opera destinata a restare negli annali, anche se sembra di sentire quelle atmosfere ovattate di stampo genesiano, ma ci si sbaglia perché è subito Premiata. Il secondo pezzo prelude già all’introduzione di tutto quel progressive che la P.F.M. ha maturato grazie anche allo zoccolo duro di alcuni componenti provenienti da una delle formazioni dedite al beat come lo erano stati I Quelli e che comprendeva Franz Di Cioccio, Franco Mussida, Flavio Premoli, Alberto Radius, addirittura Teo Teocoli (che si darà poi ad altre esperienze), Pino Favarolo, Tony Gesualdi e Giorgio Piazza. E per chi de I Quelli ne sente parlare forse per la prima volta cito il loro secondo 45 giri, Una Bambolina Che Fa No che è una cover di un brano di Polnareff, noto cantautore e produttore discografico francese di origine russo–ebraica che fa del buon pop rock e giunge all’apice della carriera a metà degli anni settanta fin all’inizio degli anni ottanta per poi eclissarsi. Il secondo brano di questo Storia Di Un Minuto è Impressioni Di Settembre, successo internazionale a tutt’oggi, probabilmente il pezzo simbolo della P.F.M., reinterpretato ultimamente da una certa Patti Smith insieme ai Marlene Kuntz nell’edizione del Sanremo 2012 in una versione che a detta di molti lascia senza fiato. Infatti la semplicità del pezzo e la ricchezza del suono con un moog ed una chitarra in primo piano rendono Impressioni Di Settembre un classico dei classici del rock nostrano.

Quando giunge È Festa, l’esplosione del rock tricolore e la sua consacrazione diventano realtà. Un progressive colorato che è quasi interamente strumentale, un saltellare di qua e di là sul pentagramma con gli strumenti che di continuo si intrecciano progressivamente ma che d’improvviso si calmano, quasi a disegnare piccole armonie, ma sono solo frammenti perché tutto ritorna ad essere stile, lo stile riconoscibilissimo di una band destinata a fare scuola nella musica internazionale e non solo in quella. Si perché questo è un pezzo che ha anche un notevole impatto nei live, anzi diventa presto il simbolo delle loro esibizioni dove il pubblico accorre sempre più numeroso. Ed è questo il modo di scrivere anche la storia della musica, e non durerà poco, perché Storia Di Un Minuto diventerà ben presto un classico, e che classico! Poi, la musica ed il classicismo che contamina il progressive si fanno magia e la magia dice che questo è anche un disco fiaba, si perché Dove…Quando… pur dividendosi in due parti, è una vera e propria fiaba in due atti dei quali il primo, cantato, è dolce e delicato e rende questo capolavoro “imitabile”, un disco che tutti devono avere ed ascoltare di tanto in tanto, mentre, la seconda parte di Dove…Quando… si lega indissolubilmente alla prima grazie all’organo di Flavio Premoli ed al violino di un intenso Mauro Pagani. Ma qui è il pianoforte a farla da padrone con quell’assolo che anche se lo riascolti milioni di volte non ti stancherà mai.

La Carrozza Di Hans proietta subito in quella che è un’atmosfera tipicamente genesiana ma con tanta personalità ed accuratezza. Si perché già dalla partenza capisci che questo è un pezzo studiato nei dettagli, nulla è lasciato al caso compreso quel bellissimo assolo di chitarra che Mussida impianta dapprima con tanti tocchi armonici per poi giungere a quel bel passaggio ritmato dove le corde della chitarra ricamano tanti brevi arpeggi che danno al brano un senso di ricercatezza unico nel suo genere. Chiude Grazie Davvero un brano influenzato molto dal progressive d’oltre Manica ricco di stili contrastanti tra loro e che rendono il pezzo degno della chiusura di questo splendido disco che, per fortuna, non dura un minuto, ma scrive a pieno titolo una parte della storia del progressive tricolore. Di altre perle prog tricolore ne verranno ancora, ma Storia Di Un Minuto merita davvero di essere sempre citato perché con i suoi appena 34:33 minuti di durata ha dato alla musica italiana una sterzata unica. Poteva non essere questa band a darla? Di certo hanno contributo e molto. Ne riparleremo ancora.

Balletto Di Bronzo – Ys

Arrangiamenti perfetti e mai banali, complesse parti strumentali, concept e non solo per un album che resta nella storia del progressive italiano ma che fu preso ad esempio anche da altri gruppi all’estero. Insomma Ys del Balletto Di Bronzo è una vera e propria perla per chi ama questo genere di musica. Inizia così nel 1970 la storia del Balletto, quando danno alle stampe Sirio 2222 e due anni dopo questo Ys con una formazione rimaneggiata che vede l’ingresso di un certo Gianni Leone, un musicista che sin da subito dimostra di che pasta è fatto con la voce e con l’uso delle tastiere, un uso che lo porterà ad essere definito uno dei più grandi tastieristi rock di tutti i tempi. L’album si presenta come un concept in cui si parla dell’ultimo uomo che è rimasto sulla terra, un essere che affronta un viaggio prima di scomparire così come avvenne per l’isola YS che sprofonda nelle acque, come quella leggenda celtica alla quale si ispira, direttamente tratta da un libro. L’ascolto si presenta tra rock progressivo ed infinita dolcezza che si trasforma in una sorta di isterismo anche tastieristico, un bel percorso che resta impresso anche a distanza di tempo. Ed è proprio quel tastierismo illuminante la vera base di tutto il lavoro, una sorta di rivoluzione sonora che nulla ha da invidiare ai mostri sacri del progressive che a quel tempo infestavano i piatti dei nostri giradischi.

Tra il chitarrismo di Lino Ajello, il basso di Vito Mannari e la batteria di Stinga, Gianni Leone si intrufola con la voce e le tastiere che sono in grado di aumentare notevolmente l’apprezzabilità di questo lavoro che resta negli annali della musica italiana, del rock tricolore in particolare. Di sicuro un album di grande impegno sonoro anche se la voce, a tratti, sembra perdersi nella complessità dei suoni. Ma ci sono anche i testi a rendere unico questo Ys che se lascia spazio ad immaginazioni sonore, apre alle liriche in maniera differente rendendo questo lavoro unico ed apprezzabilissimo. Ed è proprio su quelle immaginazioni sonore che ritroviamo poi una certa apertura verso quella che è la musica colta o almeno quella della quale abbiamo letto in questi giorni con l’ultimo lavoro di Paolo Tarsi. Ys si presenta al pubblico con la durata di soli trentasette minuti, senza nessuna caduta musicale e corale, un disco che partendo dall’Introduzione giunge a quell’Epilogo finale corposo ed intellettualistico, quasi un Villari della musica, dove mellotron ed organo sono le strutture su cui poggia l’intero pentagramma. Ed è proprio in quell’Epilogo nel quale tutta la vena compositiva e la forza musicale del Balletto di Bronzo si sfoga senza porsi alcun freno. Ed il bello di Ys sta tutto nella completa assenza di melodia sostenuta dalla chitarra di Lino Ajello che sembra aver preso lezioni da un certo Fripp, così come batteria e coro sembrano viaggiare per proprio conto confondendo e scomponendo gli spazi che sono lasciati loro a disposizione. A ciò si aggiungano quelle atmosfere tipiche di un jazz che si fa duro capace di frammentare a dismisura i vari passaggi che questo disco, musicalmente parlando, contiene.

Insomma un vero e proprio capolavoro dal quale è impossibile prescindere perché Ys è tutto quello che il progressive di quel periodo aveva concepito e non solo quello, perché Ys è un vero e proprio capolavoro e non c’è bisogno di suite che durano le due facciate di un LP per farlo apprezzare, bastano pochi minuti, pochi attimi per capire come la “buona musica” non ha etichette ma solo bravi e capaci maestri, anzi, strumentisti. Un disco sconvolgente nel vero senso della parola, un lavoro capace di viaggiare nelle composizioni bachiane così come in quelle allucinanti dei Crimson, ma un lavoro anche molto avanguardistico. Sarà una nostra impressione ma la breve durata della band ha tolto a tutto il progressive tricolore un’importante sviluppo futuro. Peccato che il Balletto di Bronzo abbia avuto questa breve durata; se fosse andata avanti l’avventura della band, probabilmente staremmo parlando in modo completamente diverso sia di questo disco che del progressive italiano, e non solo di quello. Comunque sia ogni tanto riascoltate questo Ys perché è un album storico, infatti, come ebbe a scrivere all’epoca la nota rivista Ciao 2001 “il Balletto di Bronzo è stato il primo gruppo italiano ad essere distribuito in Germania ed in tutto il mondo…e con i testi cantati in italiano”. Che sia di viatico a qualcosa di diverso in questa giornata?