Jefferson Airplane – Takes Off

Messa assieme una formazione di tutto rispetto, che non è ancora quella “classica” (chiariamolo subito), il genio di Balin e Kaukonen può finalmente approdare alla prima incisione, a prezzo di una dura gavetta pagata in tutto il circuito locale, all’insegna della psichedelia più pura ed in sapiente combinazione con la tecnica sopraffina della maggior parte dei componenti. Venendo all’esame del primo lenght, datato 1966 (!), si parte a spron battuto con Blues From An Airplane e la voce vellutata della Anderson, che con le sue melodie accennate si innesta bene con le alchimie strumentali che rendono la traccia molto “fumosa” in alcuni passaggi che alla fine si esplicano in un tocco vocale che illumina il tutto. Si prosegue con Let Me In,e già si può apprezzare la vena rockeggiante della band, che qui si destreggia bene con l’iniziale ritmo blando che viene presto sostituito da un intenso ritornello, unito anche a dei buoni passaggi solistici che il trio a sei corde offre ampiamente. Bringing Me Down e la sua vivacità si delineano bene attraverso una buona esecuzione, che comunque non lo rendono certo brano indimenticabile, pur dando atto dell’impegno che i Nostri profondono nel brano.

È It’s No Secret uno dei primi picchi dell’album: scritta da Balin assieme nientemeno che ad Otis Redding, la traccia consente una superba esecuzione vocale che fa da padrona assieme al variegato universo dei chitarristi qui a disposizione. E non a caso, il brano è in assoluto il primo singolo rilasciato dal gruppo, che in questa occasione si esibisce in una buona dimostrazione di potenza ed aggressione sonora. Tobacco Road è una grande cover dell’altrettanto grande John Loudermilk ed occorre dire che l’esecuzione qui resa dall’ “Aeroplano” non è assolutamente da meno di quella originaria grazie al fatto che la primigenia interpretazione era molto blueseggiante, il sestetto californiano ci mette ampiamente del suo nel renderlo molto più articolato ed intenso rispetto alla struttura calma e paziente del grande bluesman. Come Up The Years torna a solcare oceani meno tempestosi, con ancora una interpretazione vocale molto serena, trasognata e coinvolgente; non disgiunta dall’azione della band, la Anderson dimostra a tutto tondo di aver fatto anch’essa la storia del gruppo, pur in brevissimo tempo (e certo chi sta per arrivare al suo posto non sarà da meno…). Run Around fa risalire il ritmo verso picchi più elevati e movimentati, ma senza quel quid che possa renderlo allo stesso livello di quanto sinora ascoltato, pur potendo ancora ascoltare il sound tipico degli anni 80.

Ancora una cover, con l’esecuzione di Let’s Get Together che non sarà dispiaciuta al suo primo interprete, il folksinger per eccellenza Dino Valenti: cantato tra il pacato e l’aggressivo, il brano riesce a trasmettere buone sensazioni per il suo incedere relativamente incisivo, tenuto saggiamente a freno dalla pacatezza della singer. Don’t Slip Away ed il suo costante martellamento rock trascina la band verso lidi ad essa consoni, tra il sollecito ed il riflessivo, grazie anche al saggio evolversi della struttura del brano, anch’esso tra i momenti non memorabili dell’album. Chauffeur Blues si bea ancora di una notabile interpretazione della Anderson, qui ancora super ispirata a dominare tutto il brano: asce tecnicamente impeccabili e sezione ritmica mica da ridere lungo lo snodarsi di questo pezzo che vede il gruppo sugli scudi. Si chiude questa prima fatica con la sognante And I Like It ed è proprio alla fine che la band dimostra quanto sia già fortemente amalgamata, pur con i distinguo del caso tra la voce imperante della Anderson ed il resto della band che qui preferisce restare apparentemente in disparte per offrire il palcoscenico alla singer, ancora alle prese con una esecuzione al livello, tanto per chiudere degnamente e il primo parto del gruppo e la sua permanenza stessa nella band.

Il Segno Del Comando – Il Segno Del Comando

I genovesi, che danno lustro ad una scuola musicale e compositiva unica al mondo, aprono il disco con Tenebrose Presenze che è già tutto un proiettarsi nell’imminente futuro sonoro. Dobbiamo però essere sinceri, qui ci ritornano in mente alcuni momenti dei vecchi Goblin e del grande ed indimenticato Keith Emerson che diede vita alle musiche di un Inferno davvero apocalittico. E ciò lo diciamo a giusta ragione perché, l’avvio del secondo pezzo Il Segno del Comando lo sta a dimostrare, anche sepoi tutto il resto è capacità compositiva e comunicativa della nostrana band. Con Salmo XVII di Baldassarre Vitale o “Della Doppia Morte” ci ritorna alla mente una delle prime produzioni cinematografiche di Dracula – almeno dal punto di vista musicale – quelle produzioni che hanno contribuito, insieme alle altre, a rendere unica la storia di Bram Stoker. Ma è con Messaggero Di Pietra, probabilmente il brano che ci ha maggiormente colpito nell’ascolto, l’atmosfera diventa meno doom e tetra e si proietta verso un sognante momento dove, pur mantenendo il progressive nel dark, si può respirare un po’ di libertà sonora. Le voci poi che si accavallano riportano ad una musicalità rock anni settanta che pesca alacremente nel nostrano progressive trasformandosi poi in un jazz rock d’altri tempi. Grandissimi.

Ma non vogliamo star qui a tediarvi con le nostre opinioni sui singoli pezzi che compongono questo lavoro, quello a cui ci teniamo è sottolineare quanto sia stata lungimirante l’idea che la Black Widow Records ha avuto nel ripubblicare questo lavoro del 1996, un album divenuto ormai un cult della scena progressive italiana, dove tra l’altro è stato inserito un brano completamente inedito come Magia Postuma. Un disco capace di riportare indietro nel tempo ma di proiettarsi anche in un futuro diverso dove neo prog, rock prog stile anni settanta, con qualche pennellata di splendide colonne sonore cinematografiche, rendono questo disco una produzione dal respiro unico ed inimitabile. Davvero una band ed una discografia di spessore che vi consigliamo di andare ad ascoltare.

Atomic Rooster – In Hearing Of Atomic Rooster

A seguire, il buon duetto con la chitarra di Du Cann nella valida esecuzione di Break The Ice in cui è la chitarra a fornire il tappeto sonoro su cui innestare il brano, mentre il cantato di French, pur non memorabile, riesce a contribuire alla buona riuscita della traccia, mantenendo sino alla fine del brano una sua buona efficacia. Il quasi decadente intro di Decision/Indecision consente alla band di mettere in mostra il già in precedenza latente senso di autoriflessione unito alla incombente melodia ed è qui che il singer può avere campo libero per interpretare da par suo, ovvero quasi come un cantastorie, un brano che mette metta in evidenza il lato più intimista del gruppo. Lo strumentale A Spoonful Of Bromide Helps The Pulse Rate Go Down consegna la band ad uno dei suoi massimi toni compositivi: basato esclusivamente su giri di piano e chitarra, il brano diviene in fretta una sfida nella sfida, il rincorrersi di Crane e Du Cann sulle scale della sei corde e quelle dei tasti, anticipa non di molto duelli altrettanto leggendari tra chitarra e tastiere di un “Profondo Porpora” che tanto debbono a questi loro recenti predecessori, che qui anzi aggiungono un sapiente tocco maestro negli arrangiamenti e nelle armonie sonore davvero degni di nota.

Ed eccoci giunti all’apice dell’album: la classe che emana Black Snake rimanda dritti dritti a gemme che nella stessa epoca rifulgevano di luce propria, un azzardato paragone (ancora…) con la creatura di Mr Blackmore non è insensato, stanti echi evidentissimi tra i tasti di Maestro Lord e quelli di Allievo Crane, tra l’ascia di Du Cann e quella del Man in Black! Il tocco di classe del brano è evidente, con Crane che non ha paura di azzardare arditissimi e vellutati arpeggi, con l’axeman che fedelmente lo segue in queste evoluzioni superiori che colorano il miglior brano dell’album. Ma anche la successiva Head In The Sky è traccia non da poco: se il brano precedente riecheggiava giganti contemporanei, questo che ascoltiamo è gemma assoluta, per la completezza tecnica ed esecutiva di ogni singolo musicista; la distorsione della chitarra è sublime nella sua “sporcizia” interpretativa, così come il drumming è incessante e dinamico nell’accompagnare l’altrettanto sublime lavoro dell’Hammond, con le sue melodie incisive e ritmiche. The Rock è l’altro validissimo strumentale, ancora incentrato sulle alchimie ormai consolidate tra Leader Maximo e Du Cann, capaci di ricreare atmosfere complesse e semplici al tempo stesso, tali da attirare e concentrare l’attenzione di chi ascolta con non malcelata soddisfazione, anche per la presenza non invasiva di una delicata sezione di fiati che contribuisce a far lievitare groove e range del brano.

Si chiude con The Price ed in questo brano possiamo apprezzare ancora soprattutto la buona prestazione del singer che viene coadiuvato da un martellante drumming che accompagna la quasi ossessiva ripetitività del refrain, il quale riesce comunque a mantenere alto il livello della traccia, che chiude degnamente la terza fatica di una delle band più sottovalutate, ma al contempo seminali, della storia.

Montrose – Mean

Il risultato di tutto quanto sopra è un album che, diciamolo subito, si avvicina molto a sonorità glam, dovute evidentemente al taglio vocale del nuovo singer, che attacca subito con la “normalità” di Don’t Damage The Rock, bloccando sul nascere le pur buone intenzioni del chitarrista di produrre il solito sound sostenuto. Game Of Love è discreto nella sua totalità, ma è carente nell’aggressività dei primi album che coinvolge anche le prestazioni del resto della band, appiattita su di un groove ormai fine a se stesso, come anche la successiva Pass It On, dove la timbrica del nuovo singer tenta di emulare, lontanamente, quella carismatica del suo pregiatissimo predecessore che alla grande cavalcava l’onda hard degli anni 80, unendo la sua voce con i riffoni del chitarrista. Si prosegue con Hard Headed Woman e con una inattesa zampata della band, che qui presenta dinamiche acustiche interessanti che fanno da contorno ad un interessante solo del buon axeman, pur sempre capace di fornire il suo: il tutto naturalmente inserito nel contesto di cui in premessa.

Si giunge così a quello che avrebbe potuto essere il potenziale crack dell’album: M For Machine, per la sua venatura graffiante ed il sound dinamico ed aggressivo, era stata scelta quale colonna sonora dell’iconico Robocop purtuttavia, neanche questa eventualità si materializzò, contribuendo allo stato di prostrazione del Nostro, che comunque continua per la sua (accidentissima) strada. Ready, Willing And Able è un buon brano, anche ben eseguito e con i musicisti a riaffermare il loro singolo background tecnico ma è ormai assente il mood che il chitarrista in primis ha sempre profuso a piene mani nella stesura dei brani, che probabilmente avrebbero fatto maggior figura sui suoi album solisti. Man Of The Hour è di certo tra le migliori tracce del disco, con la band che qui riesce ancora a piazzare una zampata delle sue, memore di fasti non tanto trascorsi: il feeling antico qui pare ritornare miracolosamente, grazie ad una esecuzione collettiva valida e puntuale, tale da non far rimpiangere fasti non lontani nel tempo. Flesh And Blood ricalca stancamente il sin qui ascoltato: mentre Montrose propone ancora un buon riffing che si inserisce come desiderato dal chitarrista, il cantato è ancora scialbo, tale da far rimpiangere addirittura l’appena esautorato Bob James!

Si chiude (e meno male…) con l’andamento intrigante di Stand che almeno cerca di risollevare le sorti dell’esangue lenght, che davvero mai come ora si desideri arrivi in fretta alla fine: non degna conclusione, per uno dei gruppi sì sottovalutati, ma altrettanto disastrati dal punto di vista della coesione.

Kingdom Come – Kingdom Come

Capitanato dal rude ed abile Wolf, i Kingdom Come si mettono subito all’opera e con l’opening di Living Out Of Touch fa capire che non vi saranno prigionieri all’ascolto: chitarre solide, sezione ritmica notabile e ovviamente il vocione caratteristico del singer, che sin da subito si guadagna meritatamente l’appellativo di clone di Robert Plant, in verità qui saggiamente ottenuto. Il mid tempo di Pushin’ Hard è gradevolissimo da ascoltare, con il sound tipicamente settantiano e tanto caro al leader, già bene in carreggiata ed assistito alla grande dai suoi compari, che ben scandiscono singolarmente ogni nota della traccia. Ecco la ballatona con What Love Can Be: ottimamente strutturata, si delinea sin da subito come palco ideale per il cantato di Wolf, morbido ed aggressivo al tempo stesso, mentre le chitarrone in sottofondo sono tenui ma al tempo stesso aggressive al momento di sfornare un super assolo; brano insomma da chart assoluta e dai riscontri all’epoca clamorosi. La seguente 17 è uno strumentale da sballo, con le linee di basso rutilanti e che si stampano alla grande nel cranio, fornendo un esempio di come a volte gli occhi foderati di prosciutto siano una brutta cosa, anche nel nostro caro showbiz musicale.

L’esecuzione di The Shuffle è autentica e trasportata con Mr. Wolf a dettare mirabilmente tempi e modi di esecuzione ancora superba, evidenziando in tale frangente l’abilità alle pelli del futuro Scorpione Kottak. Ancora echi zeppeliniani con Get It On, magari ancor più intensi se possibile: Plant/Wolf a declamare da par suo, Bonham/Kottak a randellare con tutta la tecnica a sua disposizione e gli altri a dardeggiare colpi di randello piacevolissimi ed ancora una volta inattesi. Tra i migliori brani in assoluto ecco Now Forever After, con una prestazione collettiva mondiale: tirato, drammatizzato il giusto e dalle venature tecniche spettacolari, il brano lascia letteralmente basiti alla fine, con un sapiente mix di classe e tecnica che davvero non ci si attendeva all’inizio storcendo il naso di fronte all’ennesima eventuale riproposizione di quanto già sentito in passato. E non finisce ancora qui: Hideaway è un destro di Tyson dritto al bersaglio grosso, preannunciato da un chitarrone a tutto tondo che fa l’andatura, con una combinazione basso-batteria adatta alla circolazione di un tir senza limiti di velocità…insomma, ancora un brano rivelazione che contribuisce a rendere stellare il lenght d’esordio.

Ci si avvia alla conclusione con le note sdolcinate di Loving You, che consentono alla band di emergere anche con una traccia leggermente più debole, ma non tanto. Ed in ultimo, ma non ultimo, il ritmo ancora frenetico di Shout It Out e la band sino alla fine sulle spine per offrire una degna chiusura ad un disco che ancora oggi fa gridare al miracolo.