Pholas Dactylus – Concerto Delle Menti

Quello di cui vi parleremo oggi è uno dei dischi di musica progressive forse più sottovalutati dal pubblico ed in particolare da molti critici, un disco che però, unico per i Pholas Dactylus che lo realizzarono, non può mancare nelle nostre discografie. Ed è così che in quel lontano 1973, anno di uscita di Concerto Delle Menti, il panorama sociale in Italia era nel pieno di un fermento giovanile sia contestativo che creativo con da un lato il movimento giovanile che si confrontava su tematiche allora, come oggi, di piena attualità, dall’altro i gruppi musicali sempre più in aumento che sfondavano il muro dell’industria discografica come accadeva per il Banco, la PFM, gli Osanna e così via. E proprio questi ultimi, mentre siamo all’ascolto di Concerto Delle Menti, ci fanno pensare che questo è un lavoro non solo musicale, ma anche teatrale se si pensa al fatto che proprio nel 1973 gli Osanna pubblicarono la loro opera musical-teatrale Palepoli. Resta però il fatto che a differenza delle band precedentemente nominate, i Pholas Dactylus furono una vera e propria meteora nel panorama italiano del progressive rock. Infatti, la band esordì nel 1972 al Meeting Pop Festival di Genova e l’anno dopo pubblicò questo lavoro di cui poco se ne è parlato. Ma ci siamo noi a rispolverare i ricordi di un periodo d’oro per il rock italiano e lo facciamo proprio su questa produzione che se all’apparenza per molti può sembrare inutile, per coloro che sono abituati ad ascolti più corposi e complessi, sarà come fare un passo indietro non solo nel tempo ma a quelle che sono le proprie origini.

Concerto Delle Menti è un album che contiene una suite suddivisa in due parti, senza alcuna interruzione, e se si pensa che da questo lavoro fu estratto uno dei 45 giri oggi più rari c’è davvero da mordersi le dite pensando a quei fortunati possessori (noi non ci siamo purtroppo!). I Pholas Dactylus in Concerto Delle Menti si presentano con una voce narrante che si muove su una base musicale fatta di pura improvvisazione che sfocia, lentamente, in una forma di psichedelia d’avanguardia e che a noi richiama certi passaggi stile Area, ma mai raggiungibili come misura vocale, anche se non mancano momenti musicali di pura fibrillazione. Qui, in questo album, non c’è posto per il qualunquismo musicale, c’è solo la certezza di una musica altamente qualitativa piena di risvolti quasi futuristici come se i Pholas Dactylus sapessero già bene, ai tempi, dove il rock sarebbe arrivato. E già a cominciare dall’etichetta che allora diede alle stampe l’album, si scopre l’importanza di un simile lavoro che fu prodotto dalla Magna, dietro cui si celava il nome di Vittorio De Scalzi dei New Trolls. Ciò vuol dire tanto, considerato che De Scalzi non ha quasi mai fatto scelte inconsuete. Quello che è sicuro è che Concerto Delle Menti è un album a cui è difficile avvicinarsi, un lavoro complesso, teatrale, musicato tra sfumature di pura ricerca e rock progressivo che guarda anche ad uno sfuggente stile canterburyano.

Al di là della pura musicalità Concerto Delle Menti è composto da testi oscuri pieni di riferimenti alla religione, all’arte ma che è anche una critica alla società del periodo. Fatto sta che il percorso musicale e canoro che ci viene qui proposto è originale e folle, allucinante forse ma qualitativamente valido per quel messaggio che porta a riflettere sull’evoluzione di rock che era divenuto davvero teatrale. Pensate un po’ ad esempio alla pubblicazione di Foxtrot nel 1972 o The Lamb Down On Broadway del 1974 dei Genesis, un periodo fulgido come non mai per quel rock teatralizzato che è anche alla base di questo Concerto Delle Menti dei nostri Pholas Dactylus. Peccato che la loro sia stata un’ascesa ed una immediata scomparsa dalle scene; sarebbe bastato poco a far assurgere questa band nell’olimpo dei grandi, ma crediamo che sia bastato questo disco a far lasciare sul terreno un’indelebile impronta di rock non usuale e diverso. E poi se a ciò aggiungete la straordinarietà di un musicista come Carelli che Big Di Giacomo citava come tra i più grandi sulle scene beh, allora questo è un disco che non deve assolutamente lasciare indifferenti.

Autore: Pholas Dactylus	Titolo Album: Concerto Delle Menti
Anno: 1973	Casa Discografica: Magma
Genere musicale: Progressive Rock, Psichedelia, Rock Sperimentale	Voto: 8
Tipo: LP	Sito web: https://it.wikipedia.org/wiki/Pholas_Dactylus_(gruppo_musicale)
Membri band: Paolo Carelli – voce recitante, chitarra Valentino Galbusera – tastiere Maurizio Pancotti – pianoforte Eleino Colledet – chitarra Rinaldo Linati – basso Giampiero Nava – batteria	Tracklist: 1. Concerto delle menti (parte prima) 2. Concerto delle Menti (parte seconda)

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Le Orme – Felona E Sorona

Aldo Tagliapietra, storico leader delle Orme, a proposito di Felona E Sorona, album pubblicato nel lontano 1973, affermò in un’intervista: “Peter (Hammill n.d.r.) si entusiasmò di fronte alla musica che suonavamo in tour. Gli spiegammo che ci sarebbe piaciuto parlare di due pianeti e che uno lo avremmo chiamato Felona, mentre stavamo ancora pensando al nome dell’altro. E fu proprio lui a suggerire il nome Sorona”. Se nel 1971 le Orme avevano intrapreso le strade del progressive con la pubblicazione di Collage, questa volta con Felona E Sorona, grazie anche agli stimoli forniti da Hammill, si catapultano sulla scia di un concept realizzando musiche che hanno molti riferimenti al classicismo più puro mettendo così in evidenza quella che nel frattempo era divenuta l’evoluzione compositiva e musicale della band. E non va sottaciuto il fatto che la formazione ricalcava di molto uno dei maggiori esponenti di quel progressive tecnico che aveva portato, ad esempio, gli Emerson, Lake & Palmer ai successi clamorosi dove il virtuosismo si univa al classicismo di Emerson ed alla delicatezza della musica di Lake.

Felona E Sorona è un album nato da meditazioni dei tre musicisti e dal voluto isolamento della band nostrana che per realizzare questo capolavoro non vollero farsi contagiare da quello che, in quel periodo, girava intorno al mondo del rock. Ma come si può parlare di questo disco se non partendo dalla bellissima copertina, opera dell’artista Lanfranco Frigeri che raffigurò due pianeti contrapposti l’uno all’altro, una copertina che di per sé è già in grado, da sola, di simboleggiare l’importanza e l’innovazione di un album che è ormai storia. Riferendosi in particolare poi alla musicalità del lavoro, già il brano di apertura, Sospesi Nell’Incredibile, è un pezzo che prende e porta chi ascolta in quel mondo che Le Orme propongono con questo concept, un posto che è il luogo dove si svilupperanno tutte le successive scene e brani di cui questo disco è composto, come se ci si trovasse a leggere un libro fantascientifico. Felona E Sorona è un lavoro che non ha altri eguali nel prog rock italico, con esclusione, forse, di alcuni momenti che portarono poi, ad esempio, il Banco sotto l’etichetta Mantincore degli Emerson, Lake & Palmer. Di sicuro quanto affermato da altre testate a proposito di questo lavoro, non fa altro che supportare la nostra idea che ci siamo fatti su questo considerevole lavoro, ma noi vogliamo spingerci anche un po’ oltre infatti, Felona E Sorona, per noi è un lavoro meticoloso e grandioso allo stesso tempo, nulla qui è lasciato al caso dalle trame sonore ai testi, dai movimenti agli incroci strumentali, una vera e propria opera classica del rock oltre che un concept nostrano come se ne trovano pochi in giro.

Ed in più Felona E Sorona non ha temuto né teme ancora oggi eventuali contrapposizioni e concorrenze di altre band che hanno scritto pagine storiche del progressive sia italico che internazionale. E c’è ancora una cosa da aggiungere senza nessuna pretesa: un album come Felona E Sorona, della sola durata di 32:49, è anche la consapevolezza che il rock tricolore, ed il progressive in particolare, non hanno bisogno di lunghe suite per essere grandi e, Le Orme con Felona E Sorona lo sono stati. Chi ama il prog non può non avere questo capolavoro!

Autore: Le Orme	Titolo Album: Felona E Sorona
Anno: 1973	Casa Discografica: Philips
Genere musicale: Progressive Rock	Voto: 8
Tipo: cd	Sito web: http://www.leorme-officialfanclub.com/
Membri band: Aldo Tagliapietra – voce, basso, chitarra Tony Pagliuca – tastiere Michi Dei Rossi – batteria, percussioni	Brani: 1. Sospesi Nell’incredibile 2. Felona 3. La Solitudine Di Chi Protegge Il Mondo 4. L’equilibrio 5. Sorona 6. Attesa Inerte 7. Ritratto Di Un Mattino 8. All’infuori Del Tempo 9. Ritorno Al Nulla

Greenslade – Greenslade

Questo album dei Greenslade che ci accingiamo a recensire è probabilmente l’album che mette a fuoco, più degli altri, le abilità musicali e canore delle band inglese, una delle migliori del periodo, anche se non ebbe la fortuna raggiunta da altre. Le abilità vocali di Dave Lawson, pur non essendo quelle eccelse di altri artisti, si mantengono però all’interno di quel disegno sonoro che la band fu in grado di produrre. Nonostante ciò, il progressive che i Greenslade producono è quello tipico del periodo qui marcato da un sostanzioso uso del mellotron, probabilmente derivato dalla provenienza di Dave Greenslade dai più rinomati Colosseum. Certo, la scrittura dei brani non rispecchia quello di altre grandi band del periodo, ma l’album risulta comunque essere piacevole all’ascolto. In Greenslade c’è quasi un utilizzo spasmodico delle tastiere a volte piacevole, ma in altri passaggi, forse un po’ troppo accentuato. La musica qui si sente che è influenzata dal progressive del tempo e probabilmente quello che gli manca è la presenza di un pezzo che attiri immediatamente l’attenzione; ma ciò è verosimilmente dovuto alla formazione che non ha grosse militanze in band di grido eccezion fatta per Dave Greenslade.

Se si confrontano un po’ le varie tesi, per molti Greenslade è un album piatto perché pieno di quei suoni già sperimentati e quindi ascoltati, un lavoro che non lascia nessuna impronta, anzi sembra quasi cadere nel vuoto…musicale. Eppure ci sembra strano che una band così composta con Dave Greenslade e Tony Reeves, due dei membri fondatori dei Colosseum, Dave Lawson dei Samurai e il batterista Andrew McCulloch, che aveva suonato in Lizard dei King Crimson, possano produrre un disco così…. La piacevolezza di ascolto di Greenslade sta nell’eccellente musicalità che proietta in composizioni fluide e che virano verso un sinfonismo classico di matrice anglosassone, suoni questi perfettamente pilotati che è facile ritrovare anche in quelle produzioni di band come i Beggar’s Opera, non dimenticando poi quelle linee melodiche caratteriste del sound di gruppi come gli Yes. Tutto questo contribuisce comunque a rendere equilibrato un album per la maggior parte derivato dal prog rock di vecchia scuola. Dicevamo prima che la mancanza di una vera e propria novità rende l’album un po’ piatto, ci sono però delle cose che vanno analizzate, e magari approfondite, per dare davvero senso a quanto questo lavoro avrebbe potuto meritare; già dall’apertura con Feathered Friends quello che ci colpisce è il loro modo di suonare, con melodie che appaiono deboli ed il canto che non eccelle; ciò però non toglie al pezzo quella sostanzialità progressive che ci si aspetta da una band che mastica principalmente il genere progressive.

Appare interessante invece Temple Song che sembra lasciare al prosieguo del disco un’aurea di miglioramento che, di fatto, non c’è. Ma a parte le tracce in cui compare il canto, quelle prettamente strumentali si mantengono comunque molto vicine al periodo di concepimento dell’LP con ripescaggi di quel sound tipico dei grandi gruppi ai quali abbiamo fatto riferimento prima. Ad ogni modo, a rendere finalmente giustizia a questa produzione ci pensano oltre che il già citato Feathered Friends i due pezzi quali Melange e Sundance che rendono il disco non cestinabile del tutto. In Greenslade tutto si muove in un costante equilibrio grazie alla capacità strumentali della band che fonde la melodia con un virtuosismo unico amalgamato e reso tale dalla presenza di musicisti provenienti da altre esperienze, esperienza questa che si manifesta nella passione che i membri hanno per il jazz rock ed il blues. Certo, abituati come siamo a trattarci bene, Greenslade è un album che va comunque ascoltato per capire cosa, nel tempo, il progressive è stato in grado di esprimere.

Autore: Greenslade	Titolo Album: Greenslade
Anno: 1973	Casa Discografica: Warner
Genere musicale: Progressive Rock	Voto: 6,5
Tipo: LP	Sito web: https://en.wikipedia.org/wiki/Greenslade
Membri band: Dave Greenslade – tastiere Dave Lawson – tastiere, voce Tony Reeves – basso Andy McCulloch – batteria	Tracklist: Feathered Friends English Western Drowning Man Temple Song Melange What Are You Doin’ To Me Sundance

Khan – Space Shanty

Si può in un solo disco avere tutto il progressive di Canterbury? Ebbene, questo è proprio il caso dei Khan; infatti con un unico LP pubblicato nel 1972, Space Shanty, la band inglese fu capace di realizzare una di quelle opere che restano a tutt’oggi incontrastate nel campo della produzione canterburyana. Certo che qui, in sole sei tracce, vi è tutta la forza e le capacità espressiva di band quali sono stati i Gong, gli Egg, i National Healt, gli Hatfield & The North, e basta a ciò la sola presenza in formazione di Steve Hillage e di un certo Dave Stewart che mostra di che pasta è fatto quando imbraccia lo strumento e propone riff blues, space, contagiando il tutto con una forte contaminazione jazz. Fatto sta che come band, i Khan sono molto più vicini ad uno space rock fortemente influenzato da suoni che richiamano anche i Gong quando, in quest’ultima band, entrò lo stesso Hillage…insomma una sorta di precursori del tempo e del futuro prossimo. Ma al di là dei puri fatti storici che si possono trovare in rete, o attraverso la lettura di un buon libro, quello che qui va sottolineato in modo chiaro è che Space Shanty è uno dei dischi più importanti del prog rock, un disco rilevante anche per la scena di Canterbury tutta ed anche un disco fondamentale per gli sviluppi che offrirà a tante band che verranno dopo e sulla scia dei Khan.

Altre volte abbiamo detto che ci sono gruppi che con un solo disco sono stati capaci di forgiare con la loro firma, a fuoco, la musica, ma qui siamo, almeno come disco e composizioni, sulla punta del K2, qui si raggiungono vette uniche per gli stili musicali che viaggiano tra jazz e rock ma con forti tendenze al classico. Se si fa caso ad esempio alla maestria con cui Stewart manipola il suo organo c’è solo da dire che ci troviamo di fronte ad un vero e proprio genio della tastiera, così come geniale è lo stile di Hillage alla chitarra, ed è probabilmente qui che risiede tutto l’acume di quest’album. E tutta la produzione è fatta di semplici melodie bombardate da inserimenti rock che danno spesso il via per delle jam session uniche nel loro genere perché si amalgamano bene con lo space rock, insomma un coacervo di suoni che dimostrano quanto sia stato un peccato che i Khan si siano poi sciolti dopo questo album. Ma siamo anche consapevoli che se così non fosse stato, non sarebbero nate quelle altre band delle quali parlavamo all’inizio di questa nostra recensione, così come se non ci fosse stato quest’album, Hillage non avrebbe potuto perfezionare quello space che trascinerà poi nei Gong fino a farli esplodere del tutto.

L’apertura dell’album, affidata all’omonima Space Shanty viaggia su un rock progressivo fantastico dove la tastiera, che viaggia incredibilmente in maniera cromatica, funge da tappeto a volte per la chitarra di stile quasi medievale, a volte per quella elettrica. Questo pezzo si fonde con gli intrecci emotivi anche di stile classico grazie a quelle armonie che è in grado di trasmettere. E Space Shanty si fonde perfettamente con un altro passaggio dell’album, Mixed Up Man Of The Mountains, anche se qui è ben più espresso il lato rock della produzione, anzi con la bellezza della voce sembra di trovarsi di fronte ad un Gabriel che non canta con alle spalle i Genesis ma i V.D.G.G.. Infatti è proprio questo, secondo noi, il migliore passaggio dell’album per il modo in cui il brano è composto, una forma che richiama quanto nell’intero LP traspare. Space Shanty è un vero e proprio esempio di sintesi di generi, lo dicevamo prima, o almeno è un esempio di come diversi sottogeneri del prog possano essere strutturati per realizzare una grande musica, probabilmente di difficile assimilazione per chi non è abituato a tali ascolti, comunque fondamentale perché è da questi generi che si è poi sviluppato il futuro progressive. Infatti, qui si assiste alla sintesi di derivazioni sonore che si ampliano e si sviluppano quasi in forma matematica, e dico questo perché so che la musica sul pentagramma è pura matematica, niente di più.

Ma se siamo in tanti a conoscere un lavoro di tal genere è perché questa è stata la produzione che ha reso celebre il grande talento di Steve Hillage, Space Shanty, unico lavoro dei Khan, è l’esempio perfetto di come fondendo jazz, space rock e Canterbury rock, si possa fare oltre che dell’ottimo progressive anche una sorta di apripista a quanto avverrà sulla scena in quella zona chiamata per l’appunto Canterbury. Questo è un disco che ha tutte le giuste credenziali per essere considerato un grande lavoro al quale, molte altre band della scena, si ispireranno. Non è solo un’opinione questa, fate un po’ di ricerche, e ve ne accorgerete; ma non dimenticate la cosa fondamentale, ascoltatelo attentamente.

Autore: Khan	Titolo Album: Space Shanty
Anno: 1972	Casa Discografica: Deram
Genere musicale: Progressive Rock, Art Rock, Space Rock	Voto: 7
Tipo: LP	Sito web: http://www.calyx-canterbury.fr/bands/khan.html
Membri band: Steve Hillage – chitarra, voce Nick Greenwood – basso, voce Eric Peachy – batteria Dave Stewart – organo, pianoforte, celesta, marimba Dick Heninghem – organo	Tracklist: Space Shanty (Inc. The Cobalt Sequence e Murch of the Sine Squadrone) Stranded (Inc. Effervescent Psycho Novelty No. 5) Mixed Up Man Of The Mountains Driving To Amsterdam Stargazers Hollow Stone