Greenslade – Greenslade

Questo album dei Greenslade che ci accingiamo a recensire è probabilmente l’album che mette a fuoco, più degli altri, le abilità musicali e canore delle band inglese, una delle migliori del periodo, anche se non ebbe la fortuna raggiunta da altre. Le abilità vocali di Dave Lawson, pur non essendo quelle eccelse di altri artisti, si mantengono però all’interno di quel disegno sonoro che la band fu in grado di produrre. Nonostante ciò, il progressive che i Greenslade producono è quello tipico del periodo qui marcato da un sostanzioso uso del mellotron, probabilmente derivato dalla provenienza di Dave Greenslade dai più rinomati Colosseum. Certo, la scrittura dei brani non rispecchia quello di altre grandi band del periodo, ma l’album risulta comunque essere piacevole all’ascolto. In Greenslade c’è quasi un utilizzo spasmodico delle tastiere a volte piacevole, ma in altri passaggi, forse un po’ troppo accentuato. La musica qui si sente che è influenzata dal progressive del tempo e probabilmente quello che gli manca è la presenza di un pezzo che attiri immediatamente l’attenzione; ma ciò è verosimilmente dovuto alla formazione che non ha grosse militanze in band di grido eccezion fatta per Dave Greenslade.

Se si confrontano un po’ le varie tesi, per molti Greenslade è un album piatto perché pieno di quei suoni già sperimentati e quindi ascoltati, un lavoro che non lascia nessuna impronta, anzi sembra quasi cadere nel vuoto…musicale. Eppure ci sembra strano che una band così composta con Dave Greenslade e Tony Reeves, due dei membri fondatori dei Colosseum, Dave Lawson dei Samurai e il batterista Andrew McCulloch, che aveva suonato in Lizard dei King Crimson, possano produrre un disco così…. La piacevolezza di ascolto di Greenslade sta nell’eccellente musicalità che proietta in composizioni fluide e che virano verso un sinfonismo classico di matrice anglosassone, suoni questi perfettamente pilotati che è facile ritrovare anche in quelle produzioni di band come i Beggar’s Opera, non dimenticando poi quelle linee melodiche caratteriste del sound di gruppi come gli Yes. Tutto questo contribuisce comunque a rendere equilibrato un album per la maggior parte derivato dal prog rock di vecchia scuola. Dicevamo prima che la mancanza di una vera e propria novità rende l’album un po’ piatto, ci sono però delle cose che vanno analizzate, e magari approfondite, per dare davvero senso a quanto questo lavoro avrebbe potuto meritare; già dall’apertura con Feathered Friends quello che ci colpisce è il loro modo di suonare, con melodie che appaiono deboli ed il canto che non eccelle; ciò però non toglie al pezzo quella sostanzialità progressive che ci si aspetta da una band che mastica principalmente il genere progressive.

Appare interessante invece Temple Song che sembra lasciare al prosieguo del disco un’aurea di miglioramento che, di fatto, non c’è. Ma a parte le tracce in cui compare il canto, quelle prettamente strumentali si mantengono comunque molto vicine al periodo di concepimento dell’LP con ripescaggi di quel sound tipico dei grandi gruppi ai quali abbiamo fatto riferimento prima. Ad ogni modo, a rendere finalmente giustizia a questa produzione ci pensano oltre che il già citato Feathered Friends i due pezzi quali Melange e Sundance che rendono il disco non cestinabile del tutto. In Greenslade tutto si muove in un costante equilibrio grazie alla capacità strumentali della band che fonde la melodia con un virtuosismo unico amalgamato e reso tale dalla presenza di musicisti provenienti da altre esperienze, esperienza questa che si manifesta nella passione che i membri hanno per il jazz rock ed il blues. Certo, abituati come siamo a trattarci bene, Greenslade è un album che va comunque ascoltato per capire cosa, nel tempo, il progressive è stato in grado di esprimere.

Khan – Space Shanty

Si può in un solo disco avere tutto il progressive di Canterbury? Ebbene, questo è proprio il caso dei Khan; infatti con un unico LP pubblicato nel 1972, Space Shanty, la band inglese fu capace di realizzare una di quelle opere che restano a tutt’oggi incontrastate nel campo della produzione canterburyana. Certo che qui, in sole sei tracce, vi è tutta la forza e le capacità espressiva di band quali sono stati i Gong, gli Egg, i National Healt, gli Hatfield & The North, e basta a ciò la sola presenza in formazione di Steve Hillage e di un certo Dave Stewart che mostra di che pasta è fatto quando imbraccia lo strumento e propone riff blues, space, contagiando il tutto con una forte contaminazione jazz. Fatto sta che come band, i Khan sono molto più vicini ad uno space rock fortemente influenzato da suoni che richiamano anche i Gong quando, in quest’ultima band, entrò lo stesso Hillage…insomma una sorta di precursori del tempo e del futuro prossimo. Ma al di là dei puri fatti storici che si possono trovare in rete, o attraverso la lettura di un buon libro, quello che qui va sottolineato in modo chiaro è che Space Shanty è uno dei dischi più importanti del prog rock, un disco rilevante anche per la scena di Canterbury tutta ed anche un disco fondamentale per gli sviluppi che offrirà a tante band che verranno dopo e sulla scia dei Khan.

Altre volte abbiamo detto che ci sono gruppi che con un solo disco sono stati capaci di forgiare con la loro firma, a fuoco, la musica, ma qui siamo, almeno come disco e composizioni, sulla punta del K2, qui si raggiungono vette uniche per gli stili musicali che viaggiano tra jazz e rock ma con forti tendenze al classico. Se si fa caso ad esempio alla maestria con cui Stewart manipola il suo organo c’è solo da dire che ci troviamo di fronte ad un vero e proprio genio della tastiera, così come geniale è lo stile di Hillage alla chitarra, ed è probabilmente qui che risiede tutto l’acume di quest’album. E tutta la produzione è fatta di semplici melodie bombardate da inserimenti rock che danno spesso il via per delle jam session uniche nel loro genere perché si amalgamano bene con lo space rock, insomma un coacervo di suoni che dimostrano quanto sia stato un peccato che i Khan si siano poi sciolti dopo questo album. Ma siamo anche consapevoli che se così non fosse stato, non sarebbero nate quelle altre band delle quali parlavamo all’inizio di questa nostra recensione, così come se non ci fosse stato quest’album, Hillage non avrebbe potuto perfezionare quello space che trascinerà poi nei Gong fino a farli esplodere del tutto.

L’apertura dell’album, affidata all’omonima Space Shanty viaggia su un rock progressivo fantastico dove la tastiera, che viaggia incredibilmente in maniera cromatica, funge da tappeto a volte per la chitarra di stile quasi medievale, a volte per quella elettrica. Questo pezzo si fonde con gli intrecci emotivi anche di stile classico grazie a quelle armonie che è in grado di trasmettere. E Space Shanty si fonde perfettamente con un altro passaggio dell’album, Mixed Up Man Of The Mountains, anche se qui è ben più espresso il lato rock della produzione, anzi con la bellezza della voce sembra di trovarsi di fronte ad un Gabriel che non canta con alle spalle i Genesis ma i V.D.G.G.. Infatti è proprio questo, secondo noi, il migliore passaggio dell’album per il modo in cui il brano è composto, una forma che richiama quanto nell’intero LP traspare. Space Shanty è un vero e proprio esempio di sintesi di generi, lo dicevamo prima, o almeno è un esempio di come diversi sottogeneri del prog possano essere strutturati per realizzare una grande musica, probabilmente di difficile assimilazione per chi non è abituato a tali ascolti, comunque fondamentale perché è da questi generi che si è poi sviluppato il futuro progressive. Infatti, qui si assiste alla sintesi di derivazioni sonore che si ampliano e si sviluppano quasi in forma matematica, e dico questo perché so che la musica sul pentagramma è pura matematica, niente di più.

Ma se siamo in tanti a conoscere un lavoro di tal genere è perché questa è stata la produzione che ha reso celebre il grande talento di Steve Hillage, Space Shanty, unico lavoro dei Khan, è l’esempio perfetto di come fondendo jazz, space rock e Canterbury rock, si possa fare oltre che dell’ottimo progressive anche una sorta di apripista a quanto avverrà sulla scena in quella zona chiamata per l’appunto Canterbury. Questo è un disco che ha tutte le giuste credenziali per essere considerato un grande lavoro al quale, molte altre band della scena, si ispireranno. Non è solo un’opinione questa, fate un po’ di ricerche, e ve ne accorgerete; ma non dimenticate la cosa fondamentale, ascoltatelo attentamente.

Hatfield And The North – The Rotters’ Club

Partiti con il mancato successo commerciale del primo disco, Hatfield And The North, prodotto dalla Virgin Records e pubblicato nel 1974, la band di Richard Sinclair & C. non si perde d’animo e si butta a capofitto in quello che resterà, comunque, uno dei migliori album di tutti i tempi della cosiddetta scena di Canterbury. E così, mentre il primo album risultava essere alla fine un omaggio a Robert Wyatt ed ai Matching Mole, The Rotters’ Club diventa l’album della definitiva maturazione del gruppo, un caso quanto mai strano in fatto di musica considerato che quasi tutte le band hanno bisogno di un po’ di tempo prima di maturare un proprio e definitivo sound. Ma qui ci troviamo di fronte a musicisti che non conoscono confini, musicisti che chiamare band sperimentali è dire poco. Già dalla copertina The Rotters’ Club si presenta come una novità anche stilistica, novità che non lascia scampo ad ulteriori interpretazioni di sorta per quello che è in grado di trasmettere. A ciò si aggiunga la presenza di ulteriori membri che collaborano in sala d’incisione quali Lindsay Cooper e Tim Hodgkinson provenienti dagli Henry Cow o ancora Mont Campbell degli Egg ed il risultato diventa unico per lo stile tipicamente canterburiano.

E veniamo a The Rotters’ Club, una produzione effettivamente piena di emozioni sonore che ruotano intorno ad un prog da contaminare con sfumature jazz, quasi recitando un copione, dove si sente la mano di ogni componente di questa band che ha lasciato un solco non solo nel temporale periodo di attività, ma anche su quelli che saranno poi i suoni progressive del futuro. Qui c’è la presenza di un Sinclair che riporta ai primi Caravan e lo si capisce da come usa il basso e la voce, a favore di un groove davvero insuperabile come solo le band in cui Sinclair ha militato hanno saputo fare. The Rotters’ Club è un disco che è al centro di tutta la scena Canterbury, un disco che ha dato diversi stimoli ai generi musicali che sono venuti dopo, una produzione dove la sensibilità pop, hard rock, jazz sono unite ad un pizzico di avanguardia con quel suono totale che è tipicamente english, un vero e proprio marchio di fabbrica Hatfield And The North. Le canzoni appaiono stravaganti, a volte eccentriche, probabilmente un convinto tentativo di uscire fuori dalle etichette stile progressive nonostante le tecniche strumentali usate da Stewart, Miller, Sinclair e Pyle. Infatti, se prendiamo ad esempio i due brevi passaggi jazz di Phil Miller, Lounging There Trying e Underdub che si presentano con il piano elettrico di Stewart, l’improvvisazione regna sovrana; accade diversamente invece per pezzi quali The Yes No Interlude dove, la fusion tra tastiere di Stewart ed il sax di Hastings, danno il meglio del meglio del caratteristico sound canterburiano perché i due oltre che allinearsi musicalmente dimostrano, se ce ne fosse bisogno, come e dove si possa giungere con la musica.
The Rotters’ Club è davvero eccellente sotto tutti i punti di vista, un vero e proprio coacervo di suoni con tutte le influenze della scena di Canterbury presente perché ci sono contaminazioni che provengono dai Soft Machine, Gong, Caravan, e tanti altri includendo anche un tocco di matrice zappiana, insomma la vera sintesi del suono Canterbury. The Rotters’ Club è probabilmente l’apice del genere, con testi gioviali che ricordano proprio quel periodo, quel posto del sud Inghilterra all’inizio dei gloriosi anni ’70, un disco che trasuda suoni per un sound di altissimo livello, una vera e propria pearl (per dirla alla Joplin). Non si può assolutamente rinunciare ad un lavoro del genere e stavolta non vi dico che non può mancare nelle vostre raccolte, ma se vi manca…peggio per voi!

Gnidrolog – Lady Lake

Capita spesso che le band capaci di lasciare il segno abbiano alle loro spalle la produzione di uno o due album. Ed è così che oggi, come ogni domenica, ci si ritrova sul nostro sito per analizzare una delle proposte di RockGarage in chiave prog. Ma il progressive questa volta, non è come quello che la maggior parte di noi ascolta, bensì è un prog rock più affine all’ecletticità ed a suoni più puliti allo stesso tempo. Anticipato da Harry’s Toenail pubblicato lo stesso anno, Lady Lake a differenza dell’esordio offre un sound ben più audace e congegnato basti per questo pensare agli strumenti a fiato che sono davvero in primo piano e che si avvicinano molto allo stile di alcune band canterburyane ben più rinomate. Ma l’influenza di quelle atmosfere che abbiamo già ascoltato in album dei Van Der Graaf Generator o dei King Crimson è presente come non mai anche se la musica dei Gnidrolog ha una struttura che non ha nulla da invidiare a nessuno. Lady Lake è un album potente, complesso ma ricco di sensibilità con arrangiamenti studiati che rendono giustizia al sinfonismo del prog; nonostante ciò però sono in pochi davvero ad aver considerato quest’album come uno dei passaggi fondamentali della complessa storia del progressive rock.

Composto da una bella copertina che diventerà preludio alle cover di gruppi che verranno (vedi quelle splendide degli Yes), il disco è raffinato e molto influenzato dai grandi del prog inglese. Già dal brano di apertura, I Could Never Be A Soldier nonché con il successivo Ship si può toccare con “orecchio” quelli che sono gli ottimi arrangiamenti ai quali la band dedica gran parte del lavoro in studio, rendono bene l’idea di che proposta musicale si stia parlando visto che proprio la title track risulta essere, alla fine, un capolavoro di cui andare fieri. Ship è invece uno dei passaggi più delicati e commoventi dell’album, un pezzo che parla di rifugiati navigando tra livelli differenziati di sonorità dove sassofono, chitarra acustica e voce si intersecano alla meraviglia per una partitura complessa ma efficace. A Dog With No Collar dura appena due minuti ed è la traccia più breve dell’intero lavoro, ma se dall’avvio sembra essere un pezzo debole in rapporto ai precedenti, in realtà strada facendo si rivela essere un bel brano grazie anche a quel rumore di dita prodotto sulle corde della chitarra acustica da Goldring, che probabilmente dà anche maggiore spessore a tutto l’insieme musicale. Passando a Lady Lake, che è poi il pezzo da cui prende il nome il titolo del disco, tutto il contrasto con gli altri pezzi dell’album viene fuori smisuratamente perché il progressive è davvero molto influenzato dal jazz e la struttura del brano rivela l’avvento di una nuova band all’orizzonte, i Gong di un certo Daevid Allen, genio incontrastato ed inarrivabile di un rock che dire spaziale ci sembra davvero poco e limitativo.

Anche Same Dream è un pezzo compatto ma la presenza del pianoforte, che è delicato quanto basta, rende questo brano quasi come un passaggio verso nuove e più complesse musicalità che ci proiettano verso i suoni di certi Procol Harum. La bizzarra Social Embarrassmen è molto vicina al sound del gigante gentile ma nel complesso il disco è davvero gradevole e ben congegnato. E’ un peccato che un album così sia troppo spesso trascurato, e sembra che non basti nemmeno la resistenza al tempo che dimostra come, invece di corrodere, lo stesso abbia continuato a resistere nonostante l’avvento di nuove e più articolate strutture musicali. Lady Lake è davvero una vetrina multiforme di suoni, un album che non è inopportuno definire come progressive underground in stato di avanzata maturità.

Beggars Opera – Waters Of Change

C’è da dire che su questa band ed in particolare su questo album, Waters Of Change, prodotto nel 1971 per l’etichetta Vertigine, le opinioni sono davvero contrastanti. E non c’è di meglio che iniziare una recensione andando a recuperare quel vinile ormai del tutto dimenticato ma che ha comunque qualcosa che ci riporta ai sogni fatti quando eravamo più giovani. Ed inizio proprio da lì, da quel Nimbus che si apre con un bell’arpeggio subito sostenuto da un mellotron adeguato a creare atmosfere ancestrali e da sogno, una vera e propria nenia che induce a riflettere e portare lontano da questo mondo la propria mente. Ok, ma torniamo alla realtà ed iniziamo con il riportare la puntina del giradischi sul brano di apertura, quel Time Machine che con il modo di presentarsi di Alan Park sembra imitare molto il Keith Emerson dei Nice che furono e guarda un po’ quanto sound degli Atomic Rooster ci si ritrova dentro questo pezzo. Waters Of Change è un lavoro che viaggia tra psichedelia intrisa di quel prog che a tratti ricorda i folletti Jethro, ma il sunto di tutto l’album lo troviamo in quel duettare tra la chitarra di Gardiner e l’organo di Park che sono i veri mattatori in tutto questo lavoro. Il disco è pieno di quel rock progressivo anni settanta che fa piacere riascoltare a distanza di tempo, anche se manca di quelle armonie e passaggi che hanno caratterizzato il prog per come realmente lo si intende.

Di sicuro dopo Act One, disco di debutto del 1970, che risulta essere a tratti anche magnifico (accade sempre con le nuove scoperte), Waters Of Change secondo lavoro della band dimostra di non essere all’altezza nonostante alcuni buoni momenti proprio come lo è il pezzo di apertura Time Machine. Resta il fatto che poi quando succedono queste cose c’è sempre un capro espiatorio o un colpevole, e qui Virginia Scott è il nome che salta fuori perché passa dall’essere compositore a servizio della band, a prendersi tutto quello spazio che ne fa il vero leader sonoro capace di trasformare i pezzi di questo disco con l’uso incontrastato del mellotron a discapito di quelle tastiere che avevano un ruolo primario all’avvio di carriera della band. E così dopo Time Machine, solenni intonazioni che spingono alla meditazione ci giungono con Lament che in appena due minuti mostra tutta la sua evoluzione, mentre con I’ve No Idea vengono proiettati tutti quei dettagli artistici che scaturiscano da un certo proto progressive inglese come i migliori Cressida hanno insegnato. E con Nimbus, che già dicevamo essere il nostro pezzo preferito, i Beggars Opera vivono probabilmente il loro momento migliore di questo lavoro.

Festival, interamente composto da Alan Martin è il pezzo che finalmente aggiunge un po’ di complessità a questo disco, riportandoci a quell’esempio di sound alla Jethro un po’ più sconvolgente, mentre è con Silver Peacock che al di là dell’introduzione, ci riporta ad un manierismo fatto di bravura tastieristica per un concentrato di suoni che viaggia tra Nice e Yes del futuro. Con Impromptu e The Fox è invece tutto un susseguirsi di art rock per un viaggio che termina nel modo meno aspettato. Waters Of Change è insomma un vero e proprio intreccio tra sound dei Cressida, Caravan, con toccate blues alla Moody, ma è anche una personalizzazione di un sound prog che porterà la band a produrre altri lavori sempre difficili da decifrare. Per fortuna tra un disco e l’altro ci sono anche vere proprie chicche per gli amanti del prog che non possono non prescindere anche dai Beggars Opera. E’ un peccato però che la band sia stata sempre un po’ sottovalutata, sarà perché sono scozzesi? Eppure hanno condiviso il loro tempo con Genesis, Jethro Tull, Gentle Giant, Yes, Pink Floyd, King Crimson. Ma si sa, non è tutto oro quel che luccica, eppure loro sono stati anche una stella del firmamento prog, sarà che è caduta troppo presto?

Spring – Spring

Ma è davvero sufficiente la produzione di un solo album per entrare nella storia? Quante sono le band e gli artisti che dopo la prima pubblicazione si sono volatilizzati nel nulla pur avendo comunque lasciato tracce indelebili nella musica rock? A queste domande ci siamo dati delle risposte, una in particolare: loro si chiamavano Spring ed erano una delle band più rappresentative del progressive rock inglese, una band che con all’attivo un solo album è stata in grado di dare a quello stesso movimento musicale una notevole dote di suoni, intrecci e risultati tali da far diventare il progressive inglese quello che è ormai per definizione, il rock più interessante che si possa ascoltare. Formatisi come band a Leicester, gli Spring con questo loro omonimo, primo ed unico LP, hanno dimostrato come l’uso del mellotron nella musica rock degli anni 70 potesse diventare fondamentale in tutti i sensi. Riascoltare questo disco dopo tanto tempo per farne una recensione è stato oltre che piacevole una vera e propria riscoperta, quasi un’ulteriore sorpresa di quante ce ne avesse regalato quando fu acquistato in un negozio di dischi dell’Emilia, appena pubblicato.

Spring è un disco senza se e senza ma, un vero e proprio manifesto di rock progressive melodico, vellutato, tutto costruito sulla presenza di ben tre mellotron capaci di dialogare tra loro come se nulla fosse, quasi recitando un sapiente copione di una importante commedia, la commedia del rock appunto. I suoni che il disco emana sono da una parte raffinati, dall’altra quasi militari anche se non mancano le ballate acustiche ed i brani tipicamente rock dove è facile immaginare che l’ispirazione sia venuta grazie all’ascolto di certi King Crimson dove prevale l’aspetto più romantico, o di band come i Moody Blues. Spring è un lavoro pieno di quel progressive rock influenzato dal folk, un po’ come avvenne poi per i Jethro Tull, un disco che al giorno d’oggi è davvero un tesoro infatti, chi ha la fortuna di possedere la stampa originale inglese di Spring sa bene di possedere un oggetto da collezione pura, diventato oramai talmente raro e prezioso da essere davvero unico (che fortuna che ho!). Ascoltare questo loro superbo lavoro vuol dire mettersi in un vero e proprio incrocio dove passano i primi sette grandi album dei Moody Blues, i Genesis del periodo ’70, i primi King Crimson ed anche gli stessi Uriah Heep. I veri punti nodali di questo album possono comunque essere raggruppati in soli quattro pezzi quali Grazing, Grail, Golden Flee e The Prisioner (Eight By Ten).

L’apertura affidata a The Prisoner (Eight By Ten) già prelude a quanto di bello Spring ci proporrà successivamente con le atmosfere di quello che consideriamo uno dei più interessanti lavori del progressive inglese; ed è proprio questo il pezzo in cui si possono sentire distintamente i tre mellotron che la band utilizza per comporre il proprio sound. E se l’apertura è così valida immaginatevi il proseguo del disco dove si presenta Grail che apre anch’egli con atmosfera vellutata dove la presenza di una bella chitarra dà magnificenza ad uno dei pezzi che ci piacciono maggiormente in questo unico lavoro degli Spring, un pezzo che davvero ci riportata agli esordi di certi Giles, Giles e Fripp, antesignani del Re Cremisi, con quei passaggi che improvvisi catapultano nell’immensità di land sognanti. Per Boats sono sufficienti appena due minuti per proporre una bella ballata folk quasi a spezzare quel sogno finora fatto per proiettarci su un’altra sponda. Ed infatti sull’altra sponda si apre la marcia a suon di rock che con Shipwrecked Soldier diventa un vero e proprio inno militare grazie a quel suo gioco composto per lo più da un bel rullare della batteria, dai mellotron che giocherellano e dalle voci che accompagnate da un bella chitarra di fondo, si interconnettono tra loro in un intreccio di suoni e parole che è difficile trovare in altri dischi dello stesso genere tranne in quelli dei Moody Blues. Golden Fleece è il ritorno alla base della band che con questo pezzo dimostra di essere solida non solo nell’unione ma anche nella composizione, con la voce di Pat Moran che è davvero unica soprattutto quando viaggia sulle note del solito mellotron incontrastato padrone di Spring. Inside Out giunge in tempo per smuovere i pensieri presentandosi con quel bel rock che vorresti ascoltare proprio in questo momento del disco; e come abbiano fatto a prevederlo questi Spring rimane davvero un mistero.

Song To Absent Friends (The Island) si presenta come se insieme agli Spring ci fossero anche un certo Pete Sinfield con i suoi Van Der Graaf Generator; infatti il bel piano di Brown ha in quel tocco un non so che di Sinfield così come la voce del solito Pat Moran è un sogno che è davvero diventato maniacale. A chiudere Spring è Grazing che si rivela con un rock progressivo stile Genesis ma che possiede la particolarità di una band che è davvero un peccato che si sia fermata ad un solo album in produzione. Senza dubbio la musica degli Spring riflette quel blues che è stato una scelta fondamentale per molte band inglesi del periodo e se a ciò si aggiunge che la band prima della registrazione di questo album era in giro nel Regno Unito per l’apertura dei concerti dei Velvet Underground, beh allora la cosa sembra essere davvero difficile da criptare considerato che gli Spring non si sottraevano neanche ai suoni acidi trasmessi dalle radio londinesi che comunque, per fortuna, non ritroviamo qui. La cosa più interessante di questo intero album è comunque la registrazione che è stata fatta senza phasing, flanging o ulteriori effetti da alterarla per cui tutto il lavoro risulta essere, per fortuna, non datato. E poi che dire sulla voce di Pat Moran che ci ricorda molto quella di un certo Wetton…chissà poi quanti la penserebbero come me se ascoltassero questo disco datato 1971. E’ una sfida!

Arthur Brown’s Kingdom Come – Galactic Zoo Dossier

Galactic Zoo Dossier è uno di quei concept album che ricalca il rock dell’epoca essendo stato prodotto negli anni 70, fulgido periodo in cui esplosero il progressive, l’acid, l’hard e così via, infarcito com’è di quei suoni a noi tanto cari. Per la sua struttura, Galactic Zoo Dossier lo si può definire un vero e proprio concept album considerata la sequenza dei brani capaci di navigare a tratti anche in un folk rock più artefatto, un rock concepito in maniera inusuale per le band di allora. Un vero e proprio esempio di creatività assoluta degli Arthur Brown’s Kingdom Come che sanno ciò che vogliono grazie in particolare al loro carismatico leader. Galactic Zoo Dossier è una delle avventure più belle della musica perché è un disco le cui escursioni musicali degli Arthur Brown’s Kingdom Come variano dal progressive allo space rock, al rock elettronico, al jazz marcato di fusion, tant’è che proprio grazie a questo connubio, probabilmente, pur non avendo ottenuto il successo commerciale meritato, viene considerato oggi come l’apice dell’eredità musicale di Brown. Come fare a non considerare il suo pioneristico cammino che anticipava di molto i tempi del rock teatrale che sarebbe poi divenuto il pane quotidiano di band come gli Alice Cooper, i Kiss, e solo per citarne alcuni, compreso anche il Peter Gabriel al quale va riconosciuta forse la maggiore vicinanza?

Ed è proprio in Galactic Zoo Dossier che il rock si fa avventuroso, complesso, energico ma anche occasionalmente fuori dai consueti canoni nei quali il rock del periodo viene inserito. Per chi vuole saperne di più questo lavoro si pone in una sorta di amalgama musicale e compositiva di quanto all’epoca avevano fatto gruppi quali i Nice, gli Hawkind, lo stesso Frank Zappa, gli Atomic Rooster, un disco dove la voce di Brown raggiunge quell’apice che fu la furia e la passione della tanto amata Janis Joplin. Non vogliamo essere di parte ma probabilmente, Galactic Zoo Dossier contiene una delle tracce strumentali migliori e più significative di tutto il progressive così come lo conosciamo e lo intendiamo noi: infatti Gypsy Escape è un brano da pelle d’oca, un pezzo capace di lasciare il segno dentro l’animo di ognuno. Leggendo vecchie riviste dell’epoca ci si stupisce come diversi critici si siano spinti oltre la pura denigrazione di un album che ha la potenzialità di un rock condito di strutture classiche, di improvvisazioni jazzistiche, di folk ed elettronica, un genere che darà vita poi a quella sorta di vera e propria new fusion. Galactic Zoo Dossier può essere a giusta ragione considerato il bing bang per tanti altri generi che verranno, come lo è stato ad esempio per Zappa maestro incontrastato e sovrano di capolavori unici per la musica tutta.

Galactic Zoo Dossier è una perla musicale vera, poco rivalutata, ma unica, un vero e proprio capolavoro ricco di genialità incontrastata ed unica, un album che non smette mai di lasciare di sasso chi l’ascolta anche per la prima volta. Provate a cercare pezzi che siano in grado di sovrastare a composizioni come Metal Monster o Space Pucks, provate voi a trovare pezzi che abbiano la stessa intensità e bellezza, pezzi che sono delle vere e proprie novità in un panorama musicale che già si avvia a forti cambiamenti. Se ci riuscite non lesinate a farcelo sapere.

Yes – Fragile

Fragile, album del 1972 fu il lavoro che portò all’avvento di una line up più potente della precedente grazie all’ingresso di Rick Wakeman e non solo dal punto di vista scenico (non dimenticate i suoi mantelli argentati o dorati), ma anche dal punto di vista strettamente compositivo in quanto fu proprio Wakeman ad operare nelle battaglie della band per i migliori arrangiamenti. Così, da una parte il gruppo inglese maturò quella nuova poliedricità musicale che l’ha sempre contraddistinto, mentre dall’altra lo spettacolo live ne uscì rafforzato grazie alla complessità delle composizioni ed ai vari virtuosismi musicali. E così, pezzi come Roundabout, Long Distance Runaround e Mood For A Day risultano essere delle vere e proprie perle di saggezza progressive che amo definire “progressive avanzato”. Ascoltando attentamente Fragile non è poi così semplice accorgersi che l’album è diviso in due parti, vale a dire una parte accomunata dai virtuosismi strumentali dei componenti la band e dall’altra il rock che rende all’altezza questo lavoro con quanto ottenuto con The Yes Album.

Se si fa caso, Roundabout, brano di apertura del disco, ha un no so che di radiofonico ma è comunque un pezzo che pian piano diventa poco accessibile perché pieno di armonie complesse che a leggere solo lo spartito ci si chiede da dove poter cominciare. Long Distance Runaround è invece un pezzo breve ma stravagante grazie ad una presenza vocale che sembra essere impacciata, pienamente riscattata dalla scorrevolezza strumentale. Alcuni critici si sono spinti, spesso, a dire che le melodie vocali sono il punto debole di Fragile ma li sfido a questo punto ad ascoltare Heart Of Sunrise che chiude il lavoro davvero in bellezza grazie a certi richiami all’uomo schizoide del ventunesimo secolo, in arte ‘21st Century Schizoid Man, dei King Crimson. Fragile è un concept album a sé, interamente dedicato al movimento sonoro e compositivo sia per i testi che per le stesse musiche. Ma c’è una peculiarità che non va sottaciuta: qui ci sono tutti i capolavori solistici degli Yes, ci sono arrangiamenti che dire azzeccati è davvero dire poco, ci sono passeggiate acustiche di inusuale bellezza e c’è, in modo particolare, quell’intelligenza compositiva che ha fatto grande questa band inglese che con l’avvento di Wakeman ha davvero fatto un salto qualitativo notevole.

E’ poi storicamente appurato che Fragile, nel contenere quattro brani del gruppo e cinque suddivisi per musicista, richiamino un po’ la scia di lavori quali Ummagumma anche se poi il metodo di congiunzione su acetato è ben diverso dall’opera pinkfloydiana. E ciò fu confermato da una affermazione di Chris Squire che motivò il tutto dai tanti soldi spesi per potenziare ed ampliare tutta la strumentazione di Wakeman che entrò in questo lavoro, e nella band, come una vera e propria meteora. Va aggiunto poi che Fragile è l’avvio di una stretta collaborazione tra la band e l’illustratore Roger Dean che diventa il costruttore dell’intera immagine degli Yes partendo dalle meravigliose copertine. Fragile nell’intero suo concetto affronta il tema della natura che si evolve, così come nel disco si evolvono le complesse partiture, ma completa anche il concetto di un progressive assolutamente diverso da come lo si era ascoltato fino ad allora; infatti il progressive qui è molto più articolato, molto più studiato e sperimentato come forse non accadeva da tempo nonostante un’esplosione di gruppi che con il prog ci lavoravano tutti i giorni. Fragile è infatti l’alter ego di quello che è da sempre stato considerato il fautore di questo genere, quel Sgt. Peppers beatlesiano che ancora oggi è immaginifico. Ma provate ad accostare negli ascolti questi due lavori, ebbene con Fragile è davvero facile accorgersi quanta strada abbia fatto il rock dal Sergente fino al ’72. Ha davvero macinato tanti chilometri di composizioni, intrecci e sperimentazioni che Fragile degli Yes, spesso sottovalutato, andrebbe di certo rivalutato per quel che realmente è, e non per quel che appare.

E poi non è tutto Wakeman ciò che brilla, ma è anche Anderson (splendida ed inimitabile voce), Howe (ottimo e poliedrico strumentista soprattutto nell’acustico), Squire (una tenuta bassistica unica nel suo genere), Bruford (inutile citarlo per quanto ha fatto nei King Crimson). Una grande band insomma che scriverà pagine di storia del rock.