Mountain – Climbing!

L’album d’esordio di cui oggi parliamo può a ragione competere con tutti i classici dell’epoca per la freschezza di tutte le tracce e la tecnica sopraffina di cui trasudano. Ad iniziare da Mississippi Queen veniamo trascinati di peso nell’hard classico settantiano, con l’ascia e la voce calda di West a trainare subito le danze, coadiuvato da una notevole sezione ritmica che riempie appieno le atmosfere apparentemente “semplici” della traccia, ancora oggi leggendaria. La seguente Theme From An Imaginary Western tocca vette altissime, con West ad ispirare trame appunto da film western, mentre le abilità del poliedrico Pappalardi vengono eccome a galla, con il lirismo strutturato appositamente per la voce sincopata ed emozionante del singer, ancora una volta accompagnato a dovere dai restanti compagni di merenda ancora ispirati e suadentemente coinvolgenti. Never In My Life con la sei corde di West fa sobbalzare dalla sedia: il vocione del medesimo contribuisce a rendere la traccia potente, aggressiva e seducente; grazie anche al drumming davvero percussivo, nonché ai vari momenti solistici al suo interno, il brano è graffiante, incisivo e per nulla scontato, avendo al suo interno diverse anime musicali cui attingere a piacimento; non per nulla, i vari assoli di West sono da enciclopedia “protometal” di classe.

Segue Silver Paper ed il sapiente mix tra un blues silente, che si intrufola tra le note, e l’hard classico che permea l’esibizione sia vocale che strumentale: pare di respirare, con questo brano, le atmosfere infuocate che la band, come detto in premessa, ha saputo rilasciare a suo tempo a Woodstock grazie alla sua “educazione” classica di rocker indomiti ed attrezzati…basta ascoltare ancora il corposo riffing di West per rendersene conto. For Yasgur’s Farm è un brano molto intenso, colmo di lirismo e quasi di compiaciuta tristezza ma il tutto viene ben presto accompagnato in un angolo dal sopraggiungere della vena più aggressiva della band, con il singer che ancora una volta detta atmosfere quasi “cinematografiche” nella sua esposizione sciolta e declamante tematiche su cui non par vero a Pappalardi innestare le sue graffianti tastiere di sottofondo per impreziosire ulteriormente la traccia. Segue la strumentale To My Friend, dove il chitarrista ancora una volta riesce a toccare picchi di assoluta eccellenza, con tocchi delicati e tecnicamente impeccabili sulla sua sei corde pur in un contesto di relativa brevità come quello della traccia. La successiva Laird sembra, stavolta, voler raggiungere i recessi più intimi del gruppo il quale si abbandona ad un lirismo quasi decadente che trova sbocco in fraseggi molto acustici ed arpeggi che fanno da ideale tappeto per i morbidi gorgheggi vocali di un West che qui appare in tutta la sua inattesa “piccolezza e gentilezza”.

Il penultimo brano, Sittin’ On A Rainbow, si basa su di un susseguirsi di riff marcati che rendono a lungo andare la traccia purtroppo ripetitiva, mentre invece la sua struttura pare da un momento all’altro poter sfociare in qualcosa di più articolato e complesso: il brano è tuttavia più che discreto, grazie all’aggressività che la band inserisce nei vari momenti di “legatura” delle cadenzate ritmiche. La prima fatica della band si chiude con la toccante Boys In The Band, che vede la band costruire un lavoro coralmente perfetto: dal commovente intro di piano, al drumming preciso e pulito, al riffing completo ed intrigante, per chiudere con la voce ancora sognante, si nota la compattezza di fondo nel voler offrire una traccia complessa, grazie ancora alla sei corde di West che accompagna sino alla fine questo brano originale ed impeccabile, che certo non resterà voce isolata nel panorama successivo.

Jefferson Airplane – Jefferson Airplane

Si procede con Solidarity e si ritorna ad una cilindrata rockeggiante a cui il gruppo ci riporta con piacevole sorpresa, non “bazzicando” da parecchio i sentieri polverosi del sempre amato rock a tutto tondo, senza infingimenti, ed in questi casi, ancora la band si rivela possedere (sia pur ultime) frecce al proprio arco. Madeleine Street ed il suo mood nostalgico ci riportano ad echi lisergici della band, che qui si rimette in discussione a mezzo della sua vena più intimista, che però in questo contesto di fine anni 80 non si inserisce appieno e fa a cazzotti con il sound generalmente indurito in tutto lo showbiz musicale. Meno male che subito giunge Ice Of Age, che con il suo tono jazzato risale ampiamente la china della setlist: tuttavia, stante l’esecuzione ancora leggermente sopra le righe, non c’è da meravigliarsi se qualche storcimento di naso si verifica. La composizione a firma Kaukonen è al tempo stesso intrigante nella prima fase, ma anche stancamente condotta nella seconda, per un salomonico “pareggio” finale. Il secondo singolo è Summer Of Love: promettentissimo brano nella sua sontuosa progressione iniziale, merita la gloria di singolo proprio per la sua poliedrica capacità di cambiare inaspettatamente ritmo e tono nei momenti più inattesi.

The Wheel è un’altra traccia colma di lirismo, con cui la band rimembra i decenni addietro che venivano incantati dal sound profondo e quasi catartico del gruppo: ma, come detto in precedenza, le sonorità odierne proposte appaiono gettate lì tanto per espletare il compitino che Kantner ha quasi “estorto” al gruppo in fase compositiva. Common Market Madrigal, nella sua brevità, paradossalmente consente al gruppo di gettare subito sul tavolo le sue credenziali, senza perdersi tra i giri contorti inneggianti alle tematiche sociali, ovviamente care al combo californiano. Terzo ed ultimo singolo, True Love …ed è un brano quasi FM! Senza che questo appaia delitto di lesa maestà, il brano è proprio da easy-listening: la presenza dei Toto (Paich e Porcaro a bordo su questo brano) riesce certamente a far contente le radio a stelle e strisce, le quali apprezzano senza meno la direzione quasi minimalista della band, ma i puristi della prima ora non poterono che “inorridire” di fronte a ciò che usciva dagli altoparlanti…ma tant’è, eravamo sulla fine degli anni 80. L’altro breve momento dell’album è il blueseggiante strumentale Upfront Blues, che pure non aggiunge nulla al curriculum della band, due minuti a firma Kaukonen che qui ritiene erroneamente trovarsi nel suo progetto parallelo degli Hot Tuna: melensa hit parade di svisate a sei corde che sarebbe “ok” un paio di decenni prima ma, come ampiamente stradetto, siamo venti anni dopo.

Now Is The Time, a firma Slick, consente alla singer di esibire ancora la sua potenza vocale ma nemmeno essa riesce a far decollare una traccia a tratti ruggente, ma senza quel feeling che toccava le corde degli uditori. Eppure per rispetto e riverenza, non ci possiamo esimere dal portare egualmente devozione a quanto la band ci offre in questo frangente. Too Many Years è una “ballatina” in stile country (ancora?!): rimandando ad echi nemmeno troppo velati di opere dylaniane o addirittura alla Neil Diamond come non stupirsi (non più, ormai) della deriva ineluttabile verso cui la band (fortunatamente, aggiungiamo…) è diretta; non bisogna dimenticare, tra l’altro, che nel frattempo dalle ceneri degli originari Airplane sono nati gli Starship, i quali con gran parte dei vecchi Airplane a bordo danno fondo a tutte le doti compositive degli artisti, depauperando così le residue energie dei “risorti” Airplane, che certo non potevano avere la medesima cura nel sovrintendere con eguale cura ad ambo le band. Si chiude, dunque, con Panda e le sue tematiche di vecchia data ed allora ecco che la band ritrova l’ultimissimo slancio per offrire il “vecchio” meglio di sé, con la vocalità profonda della Slick e la band coesa e dedita all’unisono a fornire buona prova di sé chiudendo così un’era, magari non al meglio di sé, ma certo suscitando ricordi indelebili e, magari chissà, qualche non infrequente lacrima per quello che fu, ma sempre resterà.

Hüsker Dü – Warehouse: Songs And Stories

E non possiamo fare a meno di citare un altro grande album della storia del rock che ha molte similitudini con questo ed un egual destino, Let It Be dei Beatles, malgrado le difficoltà personali ed interpersonali dei vari membri tutto sembra funzionare e scorrere come se potesse durare per sempre, ma non sarà così, ed è questo senso di amaro in bocca a renderne l’ascolto più intimo, percepire una fine, in tutta la sua malinconia e bellezza. Abbiamo sempre pensato che una recensione debba essere il più oggettiva possibile, questo per non esaltare ma nemmeno danneggiare una band, un’opera, un artista, mi rendo conto che spesso è difficile e lo è anche per me, devo ammetterlo ma le composizioni di Mould sono più nelle mie corde, sono tutte dei piccoli capolavori autorali tanto che ci è difficile porne una al di sopra di un altra, questo non vuol dire che i pezzi a firma di Hart siano peggiori o passino in secondo piano, anzi, suonano, diciamo così, diverse, più rock’n roll, più naif, ed è proprio Hart a lasciarci delle piccole gemme che continueranno a brillare nel tempo, pensiamo a Too Much Spice o Tell You Why Tomorrow o alla lisergica She Floated Away e al vero e proprio inno che chiude l’album You Cant Live At Home, ma sceglierete giustamente voi.

Vorremo spendere due parole sul suono di questo “gioco da tavolo svedese” (da cui il nome Husker du),è un alchimia unica, non riascolterete più in ambito rock-metal-alternative o tutto quello che volete un gruppo con questo “suono”, qualcosa che “tecnicamente” non saprei spiegare, ma unico, irreale, proprio come l’artwork dell’album; un insieme di colori che esplodono in tutta la loro bellezza, quasi innaturale. Cosa sarà dopo, dopo seguiranno carriere soliste e nuove formazioni in ambito alternative rock (i Nova Mob di Hart) mentre Norton a parte fugaci apparizioni si dedicherà con la moglie al ramo della ristorazione. Nel 2017 Hart lascierà questa terra ed è a lui che vogliamo dedicare questa recensione e ad ogni modo resteranno comunque “These important years”.

Jefferson Airplane – Takes Off

Messa assieme una formazione di tutto rispetto, che non è ancora quella “classica” (chiariamolo subito), il genio di Balin e Kaukonen può finalmente approdare alla prima incisione, a prezzo di una dura gavetta pagata in tutto il circuito locale, all’insegna della psichedelia più pura ed in sapiente combinazione con la tecnica sopraffina della maggior parte dei componenti. Venendo all’esame del primo lenght, datato 1966 (!), si parte a spron battuto con Blues From An Airplane e la voce vellutata della Anderson, che con le sue melodie accennate si innesta bene con le alchimie strumentali che rendono la traccia molto “fumosa” in alcuni passaggi che alla fine si esplicano in un tocco vocale che illumina il tutto. Si prosegue con Let Me In,e già si può apprezzare la vena rockeggiante della band, che qui si destreggia bene con l’iniziale ritmo blando che viene presto sostituito da un intenso ritornello, unito anche a dei buoni passaggi solistici che il trio a sei corde offre ampiamente. Bringing Me Down e la sua vivacità si delineano bene attraverso una buona esecuzione, che comunque non lo rendono certo brano indimenticabile, pur dando atto dell’impegno che i Nostri profondono nel brano.

È It’s No Secret uno dei primi picchi dell’album: scritta da Balin assieme nientemeno che ad Otis Redding, la traccia consente una superba esecuzione vocale che fa da padrona assieme al variegato universo dei chitarristi qui a disposizione. E non a caso, il brano è in assoluto il primo singolo rilasciato dal gruppo, che in questa occasione si esibisce in una buona dimostrazione di potenza ed aggressione sonora. Tobacco Road è una grande cover dell’altrettanto grande John Loudermilk ed occorre dire che l’esecuzione qui resa dall’ “Aeroplano” non è assolutamente da meno di quella originaria grazie al fatto che la primigenia interpretazione era molto blueseggiante, il sestetto californiano ci mette ampiamente del suo nel renderlo molto più articolato ed intenso rispetto alla struttura calma e paziente del grande bluesman. Come Up The Years torna a solcare oceani meno tempestosi, con ancora una interpretazione vocale molto serena, trasognata e coinvolgente; non disgiunta dall’azione della band, la Anderson dimostra a tutto tondo di aver fatto anch’essa la storia del gruppo, pur in brevissimo tempo (e certo chi sta per arrivare al suo posto non sarà da meno…). Run Around fa risalire il ritmo verso picchi più elevati e movimentati, ma senza quel quid che possa renderlo allo stesso livello di quanto sinora ascoltato, pur potendo ancora ascoltare il sound tipico degli anni 80.

Ancora una cover, con l’esecuzione di Let’s Get Together che non sarà dispiaciuta al suo primo interprete, il folksinger per eccellenza Dino Valenti: cantato tra il pacato e l’aggressivo, il brano riesce a trasmettere buone sensazioni per il suo incedere relativamente incisivo, tenuto saggiamente a freno dalla pacatezza della singer. Don’t Slip Away ed il suo costante martellamento rock trascina la band verso lidi ad essa consoni, tra il sollecito ed il riflessivo, grazie anche al saggio evolversi della struttura del brano, anch’esso tra i momenti non memorabili dell’album. Chauffeur Blues si bea ancora di una notabile interpretazione della Anderson, qui ancora super ispirata a dominare tutto il brano: asce tecnicamente impeccabili e sezione ritmica mica da ridere lungo lo snodarsi di questo pezzo che vede il gruppo sugli scudi. Si chiude questa prima fatica con la sognante And I Like It ed è proprio alla fine che la band dimostra quanto sia già fortemente amalgamata, pur con i distinguo del caso tra la voce imperante della Anderson ed il resto della band che qui preferisce restare apparentemente in disparte per offrire il palcoscenico alla singer, ancora alle prese con una esecuzione al livello, tanto per chiudere degnamente e il primo parto del gruppo e la sua permanenza stessa nella band.

Il Segno Del Comando – Il Segno Del Comando

I genovesi, che danno lustro ad una scuola musicale e compositiva unica al mondo, aprono il disco con Tenebrose Presenze che è già tutto un proiettarsi nell’imminente futuro sonoro. Dobbiamo però essere sinceri, qui ci ritornano in mente alcuni momenti dei vecchi Goblin e del grande ed indimenticato Keith Emerson che diede vita alle musiche di un Inferno davvero apocalittico. E ciò lo diciamo a giusta ragione perché, l’avvio del secondo pezzo Il Segno del Comando lo sta a dimostrare, anche sepoi tutto il resto è capacità compositiva e comunicativa della nostrana band. Con Salmo XVII di Baldassarre Vitale o “Della Doppia Morte” ci ritorna alla mente una delle prime produzioni cinematografiche di Dracula – almeno dal punto di vista musicale – quelle produzioni che hanno contribuito, insieme alle altre, a rendere unica la storia di Bram Stoker. Ma è con Messaggero Di Pietra, probabilmente il brano che ci ha maggiormente colpito nell’ascolto, l’atmosfera diventa meno doom e tetra e si proietta verso un sognante momento dove, pur mantenendo il progressive nel dark, si può respirare un po’ di libertà sonora. Le voci poi che si accavallano riportano ad una musicalità rock anni settanta che pesca alacremente nel nostrano progressive trasformandosi poi in un jazz rock d’altri tempi. Grandissimi.

Ma non vogliamo star qui a tediarvi con le nostre opinioni sui singoli pezzi che compongono questo lavoro, quello a cui ci teniamo è sottolineare quanto sia stata lungimirante l’idea che la Black Widow Records ha avuto nel ripubblicare questo lavoro del 1996, un album divenuto ormai un cult della scena progressive italiana, dove tra l’altro è stato inserito un brano completamente inedito come Magia Postuma. Un disco capace di riportare indietro nel tempo ma di proiettarsi anche in un futuro diverso dove neo prog, rock prog stile anni settanta, con qualche pennellata di splendide colonne sonore cinematografiche, rendono questo disco una produzione dal respiro unico ed inimitabile. Davvero una band ed una discografia di spessore che vi consigliamo di andare ad ascoltare.

Atomic Rooster – In Hearing Of Atomic Rooster

A seguire, il buon duetto con la chitarra di Du Cann nella valida esecuzione di Break The Ice in cui è la chitarra a fornire il tappeto sonoro su cui innestare il brano, mentre il cantato di French, pur non memorabile, riesce a contribuire alla buona riuscita della traccia, mantenendo sino alla fine del brano una sua buona efficacia. Il quasi decadente intro di Decision/Indecision consente alla band di mettere in mostra il già in precedenza latente senso di autoriflessione unito alla incombente melodia ed è qui che il singer può avere campo libero per interpretare da par suo, ovvero quasi come un cantastorie, un brano che mette metta in evidenza il lato più intimista del gruppo. Lo strumentale A Spoonful Of Bromide Helps The Pulse Rate Go Down consegna la band ad uno dei suoi massimi toni compositivi: basato esclusivamente su giri di piano e chitarra, il brano diviene in fretta una sfida nella sfida, il rincorrersi di Crane e Du Cann sulle scale della sei corde e quelle dei tasti, anticipa non di molto duelli altrettanto leggendari tra chitarra e tastiere di un “Profondo Porpora” che tanto debbono a questi loro recenti predecessori, che qui anzi aggiungono un sapiente tocco maestro negli arrangiamenti e nelle armonie sonore davvero degni di nota.

Ed eccoci giunti all’apice dell’album: la classe che emana Black Snake rimanda dritti dritti a gemme che nella stessa epoca rifulgevano di luce propria, un azzardato paragone (ancora…) con la creatura di Mr Blackmore non è insensato, stanti echi evidentissimi tra i tasti di Maestro Lord e quelli di Allievo Crane, tra l’ascia di Du Cann e quella del Man in Black! Il tocco di classe del brano è evidente, con Crane che non ha paura di azzardare arditissimi e vellutati arpeggi, con l’axeman che fedelmente lo segue in queste evoluzioni superiori che colorano il miglior brano dell’album. Ma anche la successiva Head In The Sky è traccia non da poco: se il brano precedente riecheggiava giganti contemporanei, questo che ascoltiamo è gemma assoluta, per la completezza tecnica ed esecutiva di ogni singolo musicista; la distorsione della chitarra è sublime nella sua “sporcizia” interpretativa, così come il drumming è incessante e dinamico nell’accompagnare l’altrettanto sublime lavoro dell’Hammond, con le sue melodie incisive e ritmiche. The Rock è l’altro validissimo strumentale, ancora incentrato sulle alchimie ormai consolidate tra Leader Maximo e Du Cann, capaci di ricreare atmosfere complesse e semplici al tempo stesso, tali da attirare e concentrare l’attenzione di chi ascolta con non malcelata soddisfazione, anche per la presenza non invasiva di una delicata sezione di fiati che contribuisce a far lievitare groove e range del brano.

Si chiude con The Price ed in questo brano possiamo apprezzare ancora soprattutto la buona prestazione del singer che viene coadiuvato da un martellante drumming che accompagna la quasi ossessiva ripetitività del refrain, il quale riesce comunque a mantenere alto il livello della traccia, che chiude degnamente la terza fatica di una delle band più sottovalutate, ma al contempo seminali, della storia.