Pink Floyd – Atom Heart Mother

Il progressive rock, o l’art rock, aveva l’abitudine di illustrare nei suoi brani concetti spaziali, astratti, ben lontani dalla realtà terrena. Esempi possono essere il  kosmic rock dei Tangerine Dream, che portavano con i loro lavori l’ascoltatore aldilà dei bastioni di Orione, o le atmosfere alla Lewis Carrol dei Genesis. I Pink Floyd, dopo essersi imbevuti di lsd e allucinazioni perverse del folle pifferaio Barrett, decisero di allontanarsi da questa forma di “astrattismo musicale” per tornare con i piedi in terra e portare il nuovo rock a una dimensione più vera. Ecco spiegato il perchè della copertina con la sua  bella immagine di una mucca. Lulubelle III, questo il nome della frisona, rappresentò per il progressive inglese un nuova icona: al posto dell’urlo kingcrimsoniano una pensosa mucca su un prato verde smeraldo. Autori di importanti manifesti psichedelici nei favolosi anni ’60, i Pink Floyd affrontarono i violenti anni ’70 con un’unica certezza: Syd Barrett, il vero genio, perso nei meandri della follia. Il vecchio folle diamante è stato definitivamente spento, soffiandoci su come si fa con un fiammifero. Senza di lui, direttore di orchestra, conduttore, manipolatore di idee, le cose necessariamente dovevano cambiare; non più fiabe, visioni, allucinazioni (così come era la natura del buon vecchio Syd) ma paranoie, visioni magniloquenti e tetre così come dettava il carattere lunatico del nuovo deus ex machina Roger Waters. Il disco a ben vedere è un’opera ambiziosa ma spesso confusa, dove due grosse suite vengono contrappuntate da tre piccoli brani di contorno.

La title track nasce in sala di registrazione come uno scarto della colonna sonora di Zabriskie point di Michelangelo Antonioni. È noto che per quella pellicola il regista emiliano contattò il gruppo e lo convinse a venire in Italia per “buttar giù” qualche brano, ma le cose andarono differentemente. Nonostante il quartetto si sforzasse in ogni modo, Antonioni finiva con l’addormentarsi in sala prove. Tra le tante idee proposte vi era anche una “cosa” di Waters composta di “pochi accordi, più adatta ad un film western”. Chiusa la parentesi cinematografica, il gruppo si ritrova in sala di registrazione per creare un nuovo lavoro e Waters decide di recuperare quei quattro accordi, anche grazie alla sapiente collaborazione di Ron Geesin, amico di Mason e compositore sperimentale. Il brano fu sottoposto ad una nuova vita: ampliato, diluito in ben sei parti, arricchito di un coro. Quasi un “concerto grosso” ante-litteram con evidenti spunti neoclassici. Inizialmente nota come Untitled Epic, la suite fu rinominata da Mason che, dietro suggerimento di Geesin, trasse spunto da articoli di giornale. Uno che attirò la sua attenzione era riferito all’applicazione di un pace maker atomico su una donna incinta ed il titolo era proprio “Atom Earth Mother”. Piccola curiosità: Stanley Kubrick richiese il brano per il film Arancia Meccanica ma il gruppo, forse per l’esperienza negativa con Antonioni, non diede il permesso. Però, se fate attenzione, nella sequenza in cui Alex si reca al negozio di dischi potrete notare una mucca seminascosta tra gli altri vinili.

La poetica If è il secondo brano. Piccolo brano dove svetta un delicato arpeggio di chitarra acustica e un vigoroso assolo di elettrica. Il testo esprime i sensi di colpa provati da Waters per la maniera in cui si era comportato con il vecchio leader e amico Syd Barrett. Una prova d’orchestra per ciò che sarà Wish You Were Here. Nel 2003 il brano sarà riproposto in italiano da Morgan nel suo “canzoni dell’appartamento”. Summer ’68 e Fat Old Sun scorrono veloci, senza lasciare nulla nella memoria. L’ultimo brano è un’altra suite, Alan’s Psychedelic Breakfast, questa volta in tre parti. Il brano nelle intenzioni degli autori doveva rappresentare il risveglio e la relativa colazione di un uomo di nome Alan (in realtà un roadies di nome Alan Stiles) e, sebbene con titolazione diversa, il brano era presente nel loro repertorio già da parecchi anni. Lo stesso Syd, negli ultimi concerti con la band, inscenava un siparietto dove si cucinava un uovo sul palco facendo ben attenzione a microfonare il tutto. Scenette simili proseguirono dopo Syd, anche se in maniera più discreta, con il gruppo impegnato a mimare risvegli e colazioni. Il disco fotografa il gruppo inglese in un momento cruciale per la sua storia, ad un bivio tra perdere tutto o conquistare il mondo. La storia darà ragione alla conduzione di Roger Waters, autore dei capolavori The Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here o The Wall, che deciderà di mettere la parola fine alla sua creatura nel momento di maggiore successo.

Per il momento accomodiamoci in poltrona, mettiamo su il vinile (noialtri siamo audiofili!) e ascoltiamo questo lavoro che fotografa una band che prosegue il suo cammino con la paura del domani non sapendo quale strada sia giusto prendere. E lo fa “inseguendo una vacca in un prato un giorno che aveva rotto col passato” (scusa Lucio!).

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon

Considerato umanamente come uno dei capolavori assoluti del gruppo inglese, The Dark Side Of The Moon compie questo mese 40 anni esatti. Quale migliore ricorrenza per riascoltare insieme questo lavoro, dove i temi principali sono l’alienazione, la follia, lo scorrere del tempo e la ricerca continua del denaro. Tutti temi, a ben vedere, ispirati dal deus ex machina per eccellenza: Syd Barrett. La leadership del gruppo ormai è saldamente nelle mani di Roger Waters che, grazie all’apporto fondamentale degli altri musicisti, ha spostato l’asse compositivo da canzonette (vedi il primo periodo psichedelico) a vere e proprie composizioni. Basti pensare a Atom Heart Mother, vera e propria “opera rock” o alle lunghe digressioni musicali di Meddle. Fondamentale per la riuscita dell’album è anche l’apporto del loro tecnico del suono Alan Parson che, innovativo in questo, concepì lo studio di registrazione come un ulteriore strumento musicale. Molti brani, già rodati in tournée, vennero arricchiti di nuova luce e di nuovi straordinari effetti. Il successo è reale e concreto tanto che in questi quaranta anni è risultato al terzo posto tra i dischi più venduti di sempre con le sue cinquanta milioni di copie vendute. Waters decise di creare una serie di brani che avessero un unico tema di riferimento, in questo caso il “far arrabbiare la gente” e gli altri tre musicisti si dissero d’accordo con l’idea di creare un concept album. Traendo spunto dalle loro esperienze personali e dalla vicenda del buon vecchio Syd, Waters creò una preziosa collana di perle che a tutt’oggi risuona in tante case.

L’apporto di Alan Parson fu fondamentale. Tra un brano e l’altro, sommersi da assoli o da strumenti, si odono delle voci, risultato di una serie di interviste rilasciate da chiunque si trovasse nei paraggi di Abbey Road, che “dicevano la loro” sul tema dell’album. Tra gli intervistati anche Paul e Linda McCartney, ma il loro intervento non fu inserito nel disco in quanto Waters lo trovò inutile. I brani, come detto, erano stati già suonati dal vivo con un diverso titolo o diverso arrangiamento, e in studio le cose cambiarono. Il gruppo passava ore intere solo per riprodurre un particolare effetto sonoro. In Money, ad esempio fu utilizzato un metro per misurare varie sezioni di nastro, ognuna delle quali riproduceva un effetto sonoro particolare, come una cassa o un sacchettino di monete fatto cadere per terra, o un foglio di carta strappato, e poi ogni pezzettino di nastro contenente uno di questi effetti sonori veniva collegato all’altro, in maniera da formare un loop della durata di 7/4. Un altro esempio è il lavoro introduttivo di Time. Per l’intro fu utilizzata una registrazione del suono di tante sveglie e di tanti cronometri sincronizzati con un registratore multitraccia. L’album si apre con Speak To Me, piccola introduzione ad opera di Nick Mason. Un battito cardiaco rappresenta un fase di pre-nascita ove tutto tace, per poi scoppiare nell’urlo primordiale che funge da raccordo per Breathe, primo vero brano dell’album. Il testo è un invito alla calma, a respirare dopo una grossa fatica. Strumentalmente abbiamo una bellissima chitarra slide, suonata da Gilmour, e un’atmosfera pacata e rilassata.

Atmosfera che cambia totalmente in On The Run. Possiamo definire questo lavoro come ambient, quasi alla Brian Eno di Music For Airports. Infatti lo strumento utilizzato è un sintetizzatore Vcs 3 che crea un ipnotico pattern ritmico sul quale si stagliano voci e rumori registrati in un aeroporto oltre la chitarra di Gilmour che mima un treno. Il brano simboleggia la paura di morire durante uno spostamento. Di Time abbiamo detto dell’intro. Tutto il resto è una selvaggia “cosa” rock, con l’aggressività vocale di David in primo piano mentre i ritornelli sono affidati alla voce più placida di Rick Wright accompagnato da cori femminili. Ovviamente il solo di chitarra è uno di quelli che restano impressi nella memoria. Il testo è diviso in due grandi parti: nella prima è un giovane che si fa scorrere il tempo addosso mentre nella seconda lo stesso protagonista, ormai invecchiato, si rende conto che “…il sole è sempre lo stesso, relativamente parlando, ma tu sei più vecchio, con il fiato più corto e con un giorno in meno da vivere”. Time è collegata a un reprise di Breathe. In questa versione è introdotto il tema della religione come panacea alla morte. Ed infatti una canzone di morte e religione è la successiva, The Great Gig in The Sky. Di questa traccia ne abbiam già parlato in un precedente articolo (lo trovate cliccando qui). Saltiam quindi a piè pari alla seguente canzone, Money. Difficile brano in 7/4 caratterizzato da gagliardo riff di basso. Il testo è una critica all’eccessivo attaccamento al denaro, uno dei “lati oscuri” della natura umana, cause di disagio e sofferenza. È opinione comune che il denaro sia “la radice di tutti i mali odierni”, osserva Waters, ma nessuno è mai davvero disposto a privarsene. Piccola curiosità: nel film The Wall il piccolo Pink è punito per aver perso tempo in classe a scrivere dei versi piuttosto che ascoltare la lezione. Il maestro lo deride innanzi a tutta la classe leggendo quei versi, ossia il testo di Money.

Us & Them, dalle atmosfere lounge e jazzy è un residuo delle vecchie session per il film Zabriskie Point. Il tema del brano è la paura e l’inutilità delle guerre, tema che ritornerà  nel loro successivo lavoro The Wall. Interessanti le voci registrate che trattano l’argomento:“quando sei stato violento l’ultima volta?”. Any Colour You Like è uno strumentale che riconduce alla copertina dell’album, raffigurante un fascio di luce che si scompone nei sette colori dell’arcobaleno attraversando un prisma. Brain Damage tratta della follia e il soggetto è proprio Syd: “…Il pazzoide è nella mia testa..”. Ultimo brano è Eclipse che è la prosecuzione, dal punto di vista melodico, della traccia precedente. Il testo è uno dei più pregni di significato di tutto il corpus pinkfloydiano. Lo si può riassumere come la presenza dell’uomo atta a rovinare la completa armonia della natura. “…Tutto ciò che fai, tutto ciò che ti circonda sotto il sole è in sintonia, ma il Sole è eclissato dalla Luna”. Dunque, Luna intesa come follia e non come elemento astronomico. Alla fine del brano ricompare il battito cardiaco di Speak To Me accompagnato dalla famosa frase del portiere degli Abbey Road Studios: “…In realtà non c’è nessun lato oscuro della Luna. Di fatto è tutta scura. L’unica cosa che la fa sembrare luminosa è il sole”.

Piccola curiosità: negli anni è montata la leggenda metropolitana che il disco fosse una sorta di colonna sonora del film Il Mago Di Oz. Effettivamente, sincronizzando al film il disco, vi sono delle curiose analogie. Il viaggio dal Kansas al mondo fatato è accompagnato dal “viaggio lisergico” di On The Run mentre la fuga di Dorothy è accompagnata dalla frase “…nessuno ti ha detto quando iniziare a correre”. Inutile dire che è solo una fortunata coincidenza, smentita da tutto il gruppo compreso Alan Parson. Roger Water, in ogni caso, l’ha sempre trovata molto divertente.