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24th Set2019

Iggy And The Stooges – Raw Power

by Federico Fondrini

Raw Power è un album del 1973, registrato negli studi londinesi della CBS. Un album che non ha avuto vita facile, soprattutto nei primi anni dopo la pubblicazione, ma che con il tempo è stato largamente rivalutato e ad oggi considerato fondamentale nello sviluppo di quel movimento giovanile e di protesta, che prenderà solo in seguito il nome di “punk”. A seguito dello scioglimento degli Stooges, coadiuvato dall’abbondante uso di droghe di gran parte della formazione, Iggy venne lungamente corteggiato da David Bowie, che lo convinse a cercare nuova fortuna in terra inglese. Dopo un breve periodo di ricerche, Iggy richiamò a sé l’intera band degli Stooges e nel giro di pochi mesi presentarono al mondo la loro “potenza selvaggia”. Il titolo di questo album descrive in modo perfetto quella che è l’essenza di Iggy e della sua band. Una energia primordiale, nuda e cruda, priva di raffinatezze o fronzoli stilistici. Talvolta un po’ naif e minimale, soprattutto nei pezzi più blues, ma sempre grintosa e viscerale. L’apertura di questo album è affidata ad un brano che ha fatto la fortuna della carriera di Iggy. Search And Destroy è un piccolo gioiello. Riff di chitarra sporco e rude che fa da preludio al tema solista, una chitarra graffiante e serpeggiante che penetra nelle nostre orecchie senza chiedere permesso. Una miscela di ruvidezza e potenza, reso immortale dalla voce a tratti sensuale dell’Iguana del rock.

Your Pretty Face Is Going To Hell è con ogni probabilità uno dei nostri brani preferiti di questo album. Un pezzo rock’n’roll molto veloce e d’impatto, in cui la magnetica voce di Iggy gioca con la chitarra solista, creando grande dinamismo. Tutta la grinta e la cattiveria degli Stooges sono largamente in mostra in questo brano davvero ben riuscito. Anche la titletrack Raw Power riesce a impressionare già al primo ascolto, grazie anche a una struttura molto semplice e minimale, in cui solo quello che conta veramente risalta in primissimo piano, con un riff di chitarra roccioso ed estremamente essenziale. Merita una menzione anche Penetration. Un brano molto curioso, cantilenante e tormentato, con un sound suadente ed a tratti provocatorio, certo non una grande hit, ma qualcosa di diverso dal classico repertorio degli Stooges.

Raw Power è stato accolto tiepidamente alla sua presentazione. Probabilmente gli Stooges erano troppo in anticipo rispetto ai gusti del pubblico di allora. Iggy Pop è riuscito a creare un embrione di un nuovo genere musicale, quando ancora non esisteva neanche una parola per definirlo. Le origini del punk sono da ricercare in questo carismatico personaggio e gli otto brani di Raw Power ne sono le fondamenta. Un album che non può mancare nella vostra collezione.

Autore: Iggy And The Stooges	Titolo Album: Raw Power
Anno: 1973	Casa Discografica: Columbia Records
Genere musicale: Punk	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web: http://www.iggyandthestoogesmusic.com
Membri band: Iggy Pop – voce James Willamson – chitarra Ron Asheton – basso, voce Scott Asheton – batteria	Tracklist: 1. Search And Destroy 2. Gimme Danger 3. Your Pretty Face Is Going To Hell 4. Penetration 5. Raw Power 6. I Need Somebody 7. Shake Appeal 8. Death Trip

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18th Set2019

Godspeed You! Black Emperor – F#a#infinity

by Raffaele Astore

I Godspeed You Black Emperor! sono uno di quei grandi misteri che spesso incontriamo sulla strada della musica. Certamente non i misteri di vita che hanno affascinato milioni di ascoltatori di Jimi Hendrix, Janis Joplin e tanti altri come loro, bensì il mistero che in questi musicisti canadesi sta nell’apparire una band sperimentale fondendo post, space e rock in una pista unica. Sembra, da quanto sappiamo su di loro, che siano in tanti a conoscerli e probabilmente lo sono anche per alcune ispirazioni cinematografiche ma in realtà, conoscerli in maniera profonda e non superficiale rende spesso difficili gli ascolti delle loro produzioni. L’esordio è F#a#infinity, avvenuto nel 1998, che resta a tutt’oggi un vero e proprio enigma, si perché questo disco si presenta a noi come qualcosa di unico, fatto com’è di suoni mai sentiti ma uniti da un filo conduttore di puro concettualismo non solo musicale. F#a#infinity ha atmosfere uniche, spesso ipnotiche, un disco dove la creatività della band multidisciplinare dà libero sfogo a tutti i suoi componenti, un rock che è quasi musica classica talmente è fantastico, lineare, eccentrico allo stesso tempo. Con F#a#infinity i Godspeed You Black Emperor! ci propongono tantissime suggestioni musicali, quasi fosse una colonna sonora di un film che sta per partire ma che ti tiene incollato alle cuffie più che allo schermo. F#a#infinity è un vero e proprio collage di diversi pezzi strumentali ai quali si aggiungono monologhi, suoni estrapolati da registrazioni fatte sul campo, sperimentazioni e quanto di più le menti della band abbiano potuto e voluto inserire. Un disco che sembra fatto per strada, a volte sporco come il sound dei Velvet Underground ma anche pulito perché filtrato attraverso strumenti tecnologici di cui i GSBE sembrano esserne padroni assoluti.

!L’apertura, affidata a The Dead Flag Blues esprime sin da subito malinconia profonda, che diventa vuoto ma un vuoto che, stranamente, accoglie la mente di chi ascolta e di chi ascoltando il brano è indotto a visioni di un mondo diverso da quello in cui, quotidianamente, si vive. E’ quanto mai difficile poter descrivere un disco dei GSBE, le musiche che la band canadese ricerca e propone non si possono descrivere a parole, vanno semplicemente ascoltate perché esprimono in maniera diversa stati d’animo che colpiscono l’uomo ed è proprio qui il centro del micro cosmo dei Godspeed You! Black Emperor. Qui, ad esempio, l’atmosfera proposta da violino e chitarre è dolorosa ma bella, un po’ come lo fu per alcuni pezzi dei VU, un dolore che nella prosecuzione del pezzo diventa rumore, quel rumore composito che fu dei VU o degli stessi Sonic Youth. Ma, alla fine, è la spensieratezza ciò che si percepisce grazie anche ad un finale melodico e che, finalmente, porta conforto. Ecco, potremmo ben dire che qui è tutta l’essenza del sound che i GSBE stanno forgiando con questo esordio, essenza che lascia di stucco chi ascolta per la prima volta il disco, perché a volte anche precipitando negli abissi a volte è possibile risorgere. E così da un’introduzione oscura ed inquietante si passa ad un brano come The Cowboy che sembra essere il lavoro preparatorio all’innalzamento di un monumento funebre che diventa però pura estasi e che in F#a#infinity acquista il sapore di estasi. E l’estasi è la caratteristica di quest’album e di tutto il sound dei Godspeed! You Black Emperor, grazie alla presenza di un legame anche con la musica tradizionale forgiata da violoncelli e violini ma che con gli inserimenti puramente elettronici assumono un’altra dimensione.

Le idee del post-rock prendono forma in F#a#infinity, idee che non tramonteranno tanto facilmente intrise come sono di ipnosi e psichedelia ed il coniato post-rock potrà finalmente dire di aver avuto degli eccellenti padri ai quali, in forma quasi adottiva, potremmo aggiungerci anche i Tortoise. Un disco di ottimo valore, un disco che dall’oscurità emerge con un pensiero chiave, che è anche politico, perché F#a#infinity raccoglie appieno ciò che è l’essenza umana: “Siamo intrappolati nel ventre di questa macchina orribile, e la macchina sta sanguinando a morte. La macchina è in fiamme e non c’è nessuno al volante, dalle fogne emergono mille suicidi solitari, un vento nero soffia. Il governo è corrotto, e noi usiamo così tanti farmaci, con la radio accesa e le tende tirate.”

Autore: Godspeed You! Black Emperor	Titolo Album: F#a#infinity
Anno: 1998	Casa Discografica: Kranky
Genere musicale: Post-Rock, Space Rock, Rock Sperimentale	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.brainwashed.com/godspeed/
Membri band: Aidan Girt – percussioni Mike Moya – banjo Mauro Pezzente – basso Thierry Amar – basso Norsola Johnson – violoncello David Bryant – chitarra Efrim Menuck – chitarra Mike Moya – chitarra Thea Pratt – corno francese Bruce Cawdron – percussioni Christophe – violino	Brani: 1. Nervous, Sad, Poor… a. The Dead Flag Blues (Intro) b. Slow Moving Trains c. The Cowboy… d. Drugs In Tokyo e. The Dead Flag Blues (Outro) f. (untitled segment) 2. Bleak, Uncertain, Beautiful… a. ‘…Nothing’s Alrite In Our Life…’/Deadflagblues (Reprise) b. The Sad Mafioso… c. Kicking Horse On Brokenhill d. String Loop Manufactured During Downpour…

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16th Set2019

Trivium – Ascendancy

by Marcello Zinno

Se Ember To Inferno (di cui abbiamo parlato a questa pagina) fu il trampolino di lancio dei Trivium, Ascendancy fu la vera esplosione tanto che portò due grandissimi risultati alla band, due di quei traguardi che ogni band sul pianeta sogna di poter raggiungere prima o poi: la firma con un’etichetta discografica dalla visibilità internazionale, nel loro caso la Roadrunner Records, e una serie di live che li hanno portati in diversi contintenti e Paesi, dall’Europa al Giappone. Risultati assolutamente meritati visto che Ascendancy sarà un album amatissimo dai fan fino ai giorni nostri. L’album si apre con un intro curatissimo da brividi, che fa calare subito l’ascoltatore in uno stato di ansia predisposto a scontarsi contro il muro di Rain, prima vera traccia dell’album, un tir che trasporta metalcore oltre la portata massima prevista. La ricetta è quella collaudata dalla band: strofe e pattern in pieno stile metalcore, con tanto di growling e riffing death, per poi aprirsi a chorus clean che ti si stampano nella mente e creano dipendenza, spingendoti al riascolto perpetuo. Ma se Rain ha stupito, Pull Harder On The Strings Of Your Martyr (uno dei quattro singoli estratti dall’album) non può che lasciare a bocca aperta, sia per irruenza metal sia per melodia nel chorus; i sostantivi che compongono il titolo scanditi nel ritornello fanno di questa traccia una killer attack per le esibizioni live, passaggio che viene poi ammorbidito adeguatamentedal chorus ma sempre in un contesto metal e con chitarre ispiratissime. E siamo solo alla traccia numero 3.

Cattivissima la titletrack, compatta e che non rallenta minimamente dimostrando che la band non intende diluire il proprio stile a favore di impronte meno pungenti. Approccio diverso (le parti clean vengono solo sul finale con un’imprinting thrash) ma medesimo risultato in A Gunshot To The Head Of Trepidation, altro pezzo da 90, un brano che non può che far innamorare ogni fan del metalcore; lodevoli il doppio assolo e la parte strumentale. Su queste coordinate va assolutamente ascoltato un altro singolo estratto dall’album, ovvero Like Light To The Flies; da sottolineare anche la parte centrale di Suffocating Sight con delle chitarre che sembrano un mitra impazzito e delle linee vocali quasi rappate nel bridge. Accanto a queste ottime tracce compaiono dei buoni ed interessanti momenti, come Drowned And Torn Asunder, Departure o Dying In Your Arms (quest’ultima molto USA nello stile), che però non raggiungono gli apici (davvero molto alti) dell’album anche se va detto che in un altro full-lenght avrebbero stupito.

La seconda parte dell’album spinge su parti più estreme sempre garantendo la ricetta descritta prima, ma costruita talmente tanto bene che non si possono muovere critiche ai Trivium. Anche la copertina possiede un fascino particolare. Promossi a pieni titoli.

Autore: Trivium	Titolo Album: Ascendancy
Anno: 2005	Casa Discografica: Roadrunner Records
Genere musicale: Metalcore	Voto: 8,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.trivium.org/
Membri band: Matt Heafy – voce, chitarra Paolo Gregoletto – basso Travis Smith – batteria Corey Beaulieu – chitarra, voce	Tracklist: 1. The End Of Everything 2. Rain 3. Pull Harder On The Strings Of Your Martyr 4. Drowned And Torn Asunder 5. Ascendancy 6. A Gunshot To The Head Of Trepidation 7. Like Light To The Flies 8. Dying In Your Arms 9. The Deceived 10. Suffocating Sight 11. Departure 12. Declaration

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13th Set2019

Kingdom Come – Kingdom Come

by Giancarlo Amitrano

Uno dei pericoli più grandi, in qualsiasi ambito professionale, è certamente quello di incappare in una progressiva e sgradevole scopiazzatura dell’ingegno e dell’opera altrui. Molto difficile, venendo all’ambito musicale, restare fedeli al proprio stile senza “avvicinarsi” pericolosamente allo stile ed alla tecnica di altre band maggiormente in auge. Quando non vi si riesce, ecco puntuali accuse che possono andare dal plagio al copia ed incolla, con inevitabili ricorsi ai tribunali, come spesso ci è accaduto di assistere in questi decenni. Tuttavia, anche quando ciò accade, non sempre viene additato al pubblico ludibrio: ci sono, anzi, casi in cui i cosiddetti “imitatori” si sono rivelati più che all’altezza della situazione ed è questo il caso della band formatasi a Los Angeles oltre tre decadi addietro. Grazie alla caparbietà del suo fondatore, il gruppo trova sin da subito una sua discreta collocazione nel “sottobosco” musicale degli anni 80, dove si sgomitava per tentare di emergere dall’anonimato, spesso non riuscendovi, come spesso è avvenuto. Godendo anche di una solida line-up, ecco un album di esordio che raramente ha fatto così tanto discutere, nel bene e nel male…ma principalmente nel bene. D’accordo, tutte le accuse di imitare i grandi accompagnano ed accompagneranno tutta la carriera musicale dei Nostri ma, almeno per questo primo episodio, tutto passa in secondo piano grazie ad un disco davvero notevole, che trasuda tutte le più belle caratteristiche tecniche che un gruppo che si rispetti debba avere.

Capitanato dal rude ed abile Wolf, i Kingdom Come si mettono subito all’opera e con l’opening di Living Out Of Touch fa capire che non vi saranno prigionieri all’ascolto: chitarre solide, sezione ritmica notabile e ovviamente il vocione caratteristico del singer, che sin da subito si guadagna meritatamente l’appellativo di clone di Robert Plant, in verità qui saggiamente ottenuto. Il mid tempo di Pushin’ Hard è gradevolissimo da ascoltare, con il sound tipicamente settantiano e tanto caro al leader, già bene in carreggiata ed assistito alla grande dai suoi compari, che ben scandiscono singolarmente ogni nota della traccia. Ecco la ballatona con What Love Can Be: ottimamente strutturata, si delinea sin da subito come palco ideale per il cantato di Wolf, morbido ed aggressivo al tempo stesso, mentre le chitarrone in sottofondo sono tenui ma al tempo stesso aggressive al momento di sfornare un super assolo; brano insomma da chart assoluta e dai riscontri all’epoca clamorosi. La seguente 17 è uno strumentale da sballo, con le linee di basso rutilanti e che si stampano alla grande nel cranio, fornendo un esempio di come a volte gli occhi foderati di prosciutto siano una brutta cosa, anche nel nostro caro showbiz musicale.

L’esecuzione di The Shuffle è autentica e trasportata con Mr. Wolf a dettare mirabilmente tempi e modi di esecuzione ancora superba, evidenziando in tale frangente l’abilità alle pelli del futuro Scorpione Kottak. Ancora echi zeppeliniani con Get It On, magari ancor più intensi se possibile: Plant/Wolf a declamare da par suo, Bonham/Kottak a randellare con tutta la tecnica a sua disposizione e gli altri a dardeggiare colpi di randello piacevolissimi ed ancora una volta inattesi. Tra i migliori brani in assoluto ecco Now Forever After, con una prestazione collettiva mondiale: tirato, drammatizzato il giusto e dalle venature tecniche spettacolari, il brano lascia letteralmente basiti alla fine, con un sapiente mix di classe e tecnica che davvero non ci si attendeva all’inizio storcendo il naso di fronte all’ennesima eventuale riproposizione di quanto già sentito in passato. E non finisce ancora qui: Hideaway è un destro di Tyson dritto al bersaglio grosso, preannunciato da un chitarrone a tutto tondo che fa l’andatura, con una combinazione basso-batteria adatta alla circolazione di un tir senza limiti di velocità…insomma, ancora un brano rivelazione che contribuisce a rendere stellare il lenght d’esordio.

Ci si avvia alla conclusione con le note sdolcinate di Loving You, che consentono alla band di emergere anche con una traccia leggermente più debole, ma non tanto. Ed in ultimo, ma non ultimo, il ritmo ancora frenetico di Shout It Out e la band sino alla fine sulle spine per offrire una degna chiusura ad un disco che ancora oggi fa gridare al miracolo.

Autore: Kingdom Come	Titolo Album: Kingdom Come
Anno: 1988	Casa Discografica: Polydor
Genere musicale: Hard Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://kingdomcome.de/
Membri Band Lenny Wolf – voce, chitarra Danny Stag – chitarra Rick Steier – chitarra Johnny Frank – basso James Kottak – batteria	Tracklist: 1. Living Out Of Touch 2. Pushin’ Hard 3. What Love Can Be 4. 17 5. The Shuffle 6. Get It On 7. Now Forever After 8. Hideaway 9. Loving You 10. Shout It Out

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09th Set2019

Trivium – Ember To Inferno

by Marcello Zinno

Spostiamoci per un attimo ad inizio del nuovo millennio. La giovane scena metalcore stava nascendo, alcune formazioni stavano inasprendo quello che i loro avi avevano proposto in generi più facilmente catalogabili (hardcore, death metal…) e stava dando alla luce un nuovo genere visto come un mix di tante sfumature differenti ma sempre afferenti al mondo del metal. In Florida una giovane formazione stava compiendo i primi passi, e dopo le solite esperienze con cover e classici cambi di line-up, giunsero ad un demo omonimo e subito dopo (nello stesso anno) ad un primo vero full-lenght. Stiamo parlando dei Trivium e del loro Ember To Inferno, un album che segnò molto la formazione del combo di Orlando. Di sicuro i contributi del nuovo arrivato Corey Beaulieu alla sei corde e di Matt Heafy sia alla chitarra che alla voce hanno dato alla band la virata di cui avevano bisogno e inoltre la allora fiorente scena metalcore ha fatto da fermento ad uno stile, quello dei Trivium, che si stava formando proprio in quegli anni. Se consideriamo che iniziarono a partecipare a tour insieme a Machine Head e Killswitch Engage capiamo benissimo su quale trampolino di lancio i Nostri si stavano collocando.

In Ember To Inferno c’è un perfetto gioco tra le linee vocali in growl e quelle in clean che sanno offrire rabbia e ruvidità le prime e melodie le seconde, uno stile che farà da scuola per tantissime altre band metalcore; inoltre con le numerose variazioni e cambi di ritmica all’interno della stessa traccia si offre una musica che, pur se dura ed estrema, può appagare i palati più diversificati. Requiem ha un incedere dannatamente thrash; la titletrack Ember To Inferno e My Hatred sono un vero assalto metal, una dichiarazione di intenti che fa capire di che pasta è fatta la band; Falling To Grey ritorna sulla matrice thrash moderna e regala momenti di intensa emozione grazie ad un connubio perfetto tra voce e sei corde, uno dei pezzi più intensi e spietati dell’album. I chorus, con la voce di Matt sovraincisa, afferrano l’ascoltatore e imprimono il marchio Trivium sulla sua pelle, inoltre il livello tecnico molto alto è un altro punto di forza di questa uscita che sicuramente aggrada anche le orecchie più esigenti.

L’album ha anche dei pezzi che risultano ancora grezzi rispetto alle idee che la band svilupperà: la stessa (vera) opener, Pillars Of Serpents, è un brano decisamente heavy metal e con parti che lambiscono territori estremi ma non è vicina alle coordinate metalcore; Bella Fugue (A Revelation), un pezzo che alterna ritmiche compatte da headbanging a parti che si lasciano cantare alla grande e diventano momenti propedeutici ad un’esibizione live; nella stessa direzione procede To Burn The Eye con l’unica differenza della sua parte centrale, prima piena di pathos ma che successivamente esplode in maniera devastante riportandoci alla violenza targata Pantera. Un lavoro che promette grandi cose per il loro futuro, promesse che non saranno disattese.

Autore: Trivium	Titolo Album: Ember To Inferno
Anno: 2003	Casa Discografica: Lifeforce Records
Genere musicale: Metalcore	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.trivium.org/
Membri band: Matt Heafy – voce, chitarra Brent Young – basso Travis Smith – batteria Corey Beaulieu – chitarra, voce	Tracklist: 1. Inception: The Bleeding Skies 2. Pillars Of Serpents 3. If I Could Collapse The Masses 4. Fugue (A Revelation) 5. Requiem 6. Emper To Inferno 7. Ashes 8. To Burn The Eye 9. Falling To Grey 10. My Hatred 11. When All Light Dies 12. A View Of Burning Empires

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21st Ago2019

Madness – One Step Beyond

by Federico Fondrini

Era il lontano 1979 quando sette ragazzi provenienti dal Camden, un quartiere al nord di Londra, pubblicarono il loro primo album dal titolo One Step Beyond. Un lavoro che intendeva rendere omaggio al loro idolo e fonte di ispirazione musicale, Prince Buster. Uno dei padri della primissima ondata di ska, proveniente da Kingston, in Giamaica. I Madness affondarono le loro radici proprio nello ska giamaicano degli anni ‘60 e nel rocksteady, per rielaborarne poi i tratti somatici e creare una nuova versione di ska, più moderna, dove gli innesti provenienti dal soul vennero rimpiazzati da ritmi più “pop”, in linea con la tendenza musicale inglese di quegli anni. La titletrack di questo album è difatti una cover di un brano originale di Buster. Si tratta di un pezzo strumentale davvero efficace, che riesce a fare colpo sull’ascoltatore in modo immediato. Il contributo dato dai Madness a questa rielaborazione è tuttavia molto importante: accelerando di poco i bpm, levando alcuni fronzoli poco radiofonici e creando un tappeto di basso pieno di groove, essi sono riusciti a renderlo ancora più godibile, e maggiormente fruibile dal pubblico europeo di quel periodo.

La traccia numero 6 è un brano originale, anch’esso volto ad omaggiare il solito Price Buster. Anche questo pezzo è un ottimo esempio di ska britannico, con la classica chitarra ritmica sul 2 e sul 4. Il tema principale, sviluppato dalle tastiere e non dagli ottoni come consuetudine, risulta molto divertente e tutto il brano riesce a catturare la nostra attenzione. Merita una menzione anche Night Boat To Cairo, un altro capolavoro da manuale dello ska. Il ritmo andante e l’incredibile groove dato dal basso sono una gioia per le nostre orecchie. I Madness si sono permessi di scrivere per questo brano, un intro di un minuto, fatto alquanto insolito per una band ska. Forse è proprio per questo motivo che, inizialmente, gli stessi Madness non spinsero questo pezzo a dovere, con il conseguente disinteresse del grande pubblico. Solo l’anno seguente, dietro suggerimento dalla stessa Stiff Records, i Madness pubblicarono un EP contenente Night Boat To Cairo e altri tre inediti, dando così al brano il giusto successo.

I Madness con questo album, si sono tolti anche il capriccio di coverizzare Tchaikovsky. La traccia numero 11 difatti, è una loro personalissima interpretazione del lago dei cigni. Possiamo solo immaginare quanto si siano divertiti nello scriverla.

Autore: Madness	Titolo Album: One Step Beyond
Anno: 1979	Casa Discografica: Stiff Records
Genere musicale: Ska	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: http://www.madness.co.uk
Membri band: Graham “Suggs” McPherson – voce Mike “Monsieur Barso” Barson – tastiere Chris “Chrissie Boy” Foreman – chitarra Mark “Bedders” Bedford – basso Lee “Kix” Thompson – sax, cori Daniel Woodgate – batteria, percussioni Carl “Chas Smash” Smyth – cori	Tracklist: 1. One Step Beyond 2. My Girl 3. Night Boat To Cairo 4. Believe Me 5. Land Of Hope And Glory 6. The Prince 7. Tarzan’s Nuts 8. In The Middle Of The Night 9. Bed And Breakfast Man 10. Razor Blade Alley 11. Swan Lake 12. Rockin’ In A-flat 13. Mummy’s Boy 14. Madness 15. Chipmunks Are Go!

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18th Ago2019

Le Orme – Ad Gloriam

by Raffaele Astore

La leggenda dice che Le Orme, band di Marghera, hanno lasciato nel nostrano rock un’impronta indelebile che ancora oggi mantiene la sua influenza. E l’album d’esordio del gruppo che è giunto ad essere paragonato a mostri sacri come gli ELP, Ad Gloriam, fu il risultato di una perfetta fusione tra beat e psichedelia. Pubblicato nel 1969 in piena contestazione studentesca, il loro fu un esordio che fece discutere i molti addetti ai lavori sulla qualità del lavoro e sulla fusione di generi che per l’epoca erano considerati il massimo. Ad Gloriam è un disco fondamentale non solo per il rock di casa nostra ma anche per tutto il progressive europeo che iniziava a muovere i primi passi. Ed è proprio l’influenza di quell’anno, il 1968, che caratterizzerà anche il futuro delle nuove tendenze musicali che si coaguleranno nel giro di appena un anno in quello che fu il festival dei festival, Woodstock. Già dalla copertina Ad Gloriam si presenta in una veste psichedelica, probabilmente ispirata un po’ dalla pop art di Warhol perché, il collage che la compone, richiama un po’ certi lavori del re della factory. Ma anche nelle composizioni di questo disco ci sono richiami al mondo anglosassone come accade ad esempio con Fiori Di Giglio che riporta a certi passaggi alla Penny Lane anche se il cantato pur essendo in italiano, ci fa ripiombare, musicalmente, in territori stranieri.

Ad Gloriam è nel suo complesso fatto di psycho pop incrociato al rock tipicamente italiano, con molti effetti accompagnati da organo e chitarra che si uniscono nella composizione di melodie di tutto rispetto. L’equilibrio è infatti il vero risultato di Ad Gloriam, un risultato che non mancò di attirare l’attenzione di tanti, in particolare del pubblico che, all’epoca, scoprì quanto con questo gruppo il rock tricolore sarebbe diventato in futuro (nonostante gli assestamenti della formazione). Ed infatti, Le Orme, sarebbero diventate in futuro una delle band rock progressive più conosciute ed influenti anche nel panorama internazionale. Ma, nonostante il disco sia più vicino al beat, la strada che la band veneta traccia apre, ed aprirà in futuro, verso nuovi orizzonti che da una psichedelia quasi elementare porterà Le Orme a realizzare dischi capolavoro che hanno segnato il rock italiano e sono stati anche fonte di ispirazione per tante altre band, anche straniere. Già dal pezzo di apertura, Introduzione, si percepisce quanto l’influenza di formazioni più blasonate sia presente nella testa dei componenti infatti, proprio Introduzione richiama un po’ certi inserti di natura pinkfloydiana, mentre con il pezzo da cui il titolo dell’album, Ad Gloriam, l’influenza è molto più quella di un beat unito ad una psichedelia ancora in fase di perfezionamento.

Con Oggi Verrà, invece, assistiamo ad una specie di anticipazione di ciò che Le Orme saranno dopo quest’esordio ed in particolare quando la formazione si stabilizzerà sui tre componenti. Il passaggio successivo, quello di Milano 1968, è un’immersione nella psichedelia più pura e con un testo che si amalgama bene anticipando di gran lunga atmosfere ormeiane che verranno. Ad Gloriam resta comunque un album storico per capire dove e come il nostro rock tendeva a muoversi incorporando e sviluppando quanto accadeva soprattutto nel Regno Unito. Le Orme, possiamo dirlo con certezza, è il primo gruppo che intraprende una nuova strada che porterà la musica italiana ed il rock in particolare verso mete che hanno poi aperto le porte ad altri grandi come loro. E così Ad Gloriam è diventato un disco dal quale non si può prescindere se si vuol capire il percorso del nostro prog rock, e non solo di quello.

Autore: Le Orme	Titolo Album: Ad Gloriam
Anno: 1969	Casa Discografica: Car Juke Box
Genere musicale: Beat, Rock Psichedelico, Progressive	Voto: 7
Tipo: LP	Sito web: http://www.leorme-officialfanclub.com
Membri band: Aldo Tagliapietra – voce, chitarra, flauto, celeste Nino Smeraldi – chitarra, cori, sarenghi Tony Pagliuca – organo, cembalo, pianoforte, Fender Rhodes Claudio Galieti – basso, cori, chitarra, violoncello Michi Dei Rossi – batteria, timpani, bonghi, tamburello	Tracklit: 1. Introduzione 2. Ad Gloriam 3. Oggi Verrà 4. Milano 1968 5. I Miei Sogni 6. Mita Mita 7. Fumo 8. Senti L’estate Che Torna 9. Fiori Di Giglio 10. Non So Restare Solo Conclusione

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28th Lug2019

Quella Vecchia Locanda – Il Tempo Della Gioia

by Raffaele Astore

Ma Il Tempo Della Gioia può o no essere considerato un disco classico? Registrato nel 1974 con una formazione diversa da quella dell’esordio tranne Giorgi, Roselli, Cocco, il secondo disco di Quella Vecchia Locanda mantiene ancora la forza del classico pur orientandosi verso un progressive più concettuale con un sinfonismo da brividi già dall’avvio. Infatti, Villa Doria Pamphili, pezzo introduttivo, si avvia con un pianoforte, una chitarra acustica ed un violino che giocano nel tessere la piacevole armonia che coinvolge nell’ascolto. Certo qui l’atmosfera, con gli eleganti giri di tastiere, ha uno timbro quasi baroccheggiante con la voce di Giorgio Giorgi che si supera in interpretazione. Questo nuovo disco di Quella Vecchia Locanda rispetto al precedente è quasi una svolta, dal rock dell’esordio siamo in pieno periodo classic prog che ci consente di dire quanto la band sia effettivamente maturata. Il salto dal primo pezzo ad un barocco stile minimale ce lo dà A Forma Di… con violino e clavicembalo che ricordano appieno certe sinfonie tardo gotiche. Purtroppo, anche se il brano con l’inserimento di un coro sembra avviarsi verso una specie di suite, lo stesso raggiunge troppo presto per i nostri gusti i livelli di estasi e grandezza che ci aspettavamo. Un taglio di cui sinceramente la band avrebbe potuto farne a meno, anche se qui lo zampino della produzione sembra aver fatto la sua parte.

Il Tempo Della Gioia è sicuramente il pezzo che offre il maggiore apporto all’intero lavoro: avvio tipicamente sinfo-poetico seguito da un’elettricità ed un jazz rock contaminato che fanno da contraltare ai precedenti suoni che questo disco ci ha dato finora. Il grande lavoro al basso di Massimo Giorgi e quello di Roselli alle tastiere fanno di questo pezzo una piccola suite di teatralità musicale da cui affiora un eccellente gusto per la ricercatezza nei suoni ai quali la band ci mette molta attenzione. Anche con Un Giorno Un Amico sembra di essere introdotti nei sfavillanti suoni paganiniani e di tutto il disco questo è il momento di protagonismo assoluto dello strumento a quattro corde in quinta. Qui il tempo pentagrammatico non è mai lo stesso, come non lo erano quelli del Paganini nostrano, probabilmente primo incontrastato re del rock che verrà; tutti gli aspetti della loro musica sono proprio qui, in questo fantastico pezzo che non lesina addirittura nelle sperimentazioni di pure jazz. Con È Accaduto Una Nottel’equilibro tra rock ed un certo folk alla Jethro Tull sono evidenti così come lo sono le progressioni che questo disco offre.

C’è da dire che Il Tempo Della Gioia è la sublimazione di tutto un percorso che la band di Monteverde, in provincia di Roma, compì nei quattro anni di attività in cui fu una delle protagoniste assolute della scena progressive italiana. In sostanza, Quella Vecchia Locanda aveva un orientamento musicale incentrato su partiture complesse con tastiere e pianoforte in primo piano per un inconfondibile classicismo che contraddistinse quella che noi, oggi, non lesiniamo a definire genialità. Questo è un disco essenziale per capire come il prog italiano abbia affondato le sue radici nella musica classica ed in quella sinfonica. Ed anche se ci sono stati altri gruppi rock artefici anche del fulgido periodo anni settanta, è davvero una gioia, dopo tanto tempo, aver riascoltato Il Tempo Della Gioia per scrivere questa recensione. Ma resta ancora da dare la risposta alla domanda iniziale che non può che essere una sola: qui siamo davvero di fronte ad un classico che resterà tale nel tempo.

Autore: Quella Vecchia Locanda	Titolo Album: Il Tempo Della Gioia
Anno: 1974	Casa Discografica: RCA
Genere musicale: Progressive Rock, Rock Sinfonico	Voto: 7
Tipo: LP	Sito web: https://www.facebook.com/Quella-Vecchia-Locanda-111404205542540/
Membri band: Giorgio Giorgi – voce, flauto Raimondo Maria Cocco – chitarre, voce, clarinetto Massimo Roselli – tastiere, voce Claudio Filice – violino Patrick Traina – batteria, percussioni Massimo Giorgi – basso	Tracklist: 1. Villa Doria Pamphili 2. A Forma Di… 3. Il Tempo Della Gioia 4. Un Giorno, Un Amico 5. È Accaduto Una Notte

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Progressive

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19th Lug2019

Ozzy Osbourne – Black Rain

by Giancarlo Amitrano

L’unico ed il vero Highlander del carrozzone hard’n’metal è britannico: alla soglia della sessantesima decade, Ozzy “The Original” Osbourne torna per stupirci ancora. Reduce dalle sue sitcom, dall’ennesima disintossicazione (dichiarerà infatti che Black Rain è stato il primo album registrato da sobrio), mancava soltanto una clamorosa rentré artistica al microfono, dopo il periodo delle cover e delle ri-registrazioni. Ecco, quindi, che l’unico modo per tornare prepotentemente in sella è quello di richiamare all’ascia il fidato Zakk Wylde, solo ed esclusivo in grado di richiamare dalle viscere della terra le sonorità adatte alla voce del nostro Madman: reclutato ancora Bordin alle pelli ed il buon Nicholson alla quattro corde, il risultato è un lenght ancora in grado di stupire l’uditorio. Forte, infatti, di un eccellente insieme di tracce, l’album si dipana inaspettatamente fresco, ben eseguito e soprattutto roventemente cantato, dando la stura ad una ennesima rinascita del singer. Sono 10 brani di più che buon valore, laddove risalta stavolta alla grande tutta l’abilità di Wylde, vero artefice delle melodie e dei contrappunti disegnati per consentire ad Ozzy di eseguire con relativa poca difficoltà le tracce in scaletta, ad iniziare dal midtempo di Not Going Away con un già elevato trend qualitativo ad infarcire il tutto, proprio a lasciar presagire il prosieguo dell’ascolto delle tracce successive, come la trascinante ed incalzante I Don’t Wanna Stop ed il suo ritmo che scardina l’ascolto, molto “groove” nel ritornello, adatto ad esaltare le corde vocali di quel certo cantante a noi molto noto.

Si prosegue con la titletrack, qui stranamente non molto oscura nel suo incedere, con un passaggio (o un ritorno) al dark tanto caro all’amico dei “Grandi Mustacchi” di qualche decade addietro e che probabilmente lo avrebbero suonato molto volentieri. Lay Your World On Me spacca per la sua vena non sommessamente romantica, anzi smaccata nelle sue tonalità molto ammorbidite, dove si sente eccome la mano di contrasto ruvida del lungocrinito axeman, che con The Almighty Dollar prosegue nella sua missione di duro e puro del metal, pur con ampie e svariate venature non del tutto gradite ai paladini della primissima ora. 11 Silver è un’autentica scarica di pallettoni, potente, dai riff sopraffini ed una ottima sezione ritmica a dettare i tempi di una cavalcata metallica dalla quale il “Grande Vecchio” riesce a non essere disarcionato. Momento leggermente di stanca con Civilize The Universe con il titolo giò a prevenirci circa le tematiche in esso affrontate, non del tutto consone al ruggito classico del singer qui apparso sottotono, pronto tuttavia a rialzarsi con la successiva Here For You, che ad alcuni potrà apparire stucchevole per la sua vena smielata, ad altri invece sarà gradita per lo stile molto lento e rilassato in pieno Ozzy-style, che è quello certamente da noi richiesto.

Countdown’s Begun è un altro brano energico e deciso, dove ancora la sei corde tratteggia le sue alchimie troppo dedite, in precedenza, ai Black Label Society del suo “manovratore”, che insieme agli altri compagni di merende chiude degnamente con la trascinante Trap Door, un bran o che con la sua energia fa capire che questo non sarà il canto del cigno per questo artista dai mille aggettivi.

Autore: Ozzy Osbourne	Titolo Album: Black Rain
Anno: 2007	Casa Discografica: Sony
Genere musicale: Hard Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.ozzy.com
Membri Band: Ozzy – voce Zakk Wylde – chitarra Rob Nicholson – basso Mike Bordin – batteria	Tracklist: 1. Not Going Away 2. I Don’t Wanna Stop 3. Black Rain 4. Lay Your World On Me 5. The Almighty Dollar 6. 11 Silver 7. Civilize The Universe 8. Here For You 9. Countdown’s Begun 10. Trap Door

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Ozzy

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07th Lug2019

Camel – The Snow Goose

by Raffaele Astore

Sul sito ufficiale dei Camel, band rock inglese formatasi nel 1971 c’è scritto: “Nel 1975 i Camel pubblicarono Mirage il loro concept album (sul quale sono stati versati fiumi d’inchiostro ndr) ispirato a Lord Of The Rings di Tolkien, ma Ferguson, bassista della band, suggerì di creare un intero album basato tutto su un libro. I membri della band, che amavano tutti leggere, andavano ognuno alla ricerca di una buona storia e Peter Bardens suggerì Siddhartha e Steppenwolf, ma quando Fergusson invece propose The Snow Goose di Paul Gallico, l’attrazione emotiva fu forte per tutti”. E lo fu allo stesso modo per il pubblico che all’uscita di The Snow Goose si trovaò di fronte ad un album interamente strumentale tant’è che quando il 17 ottobre del 1975 la band, accompagnata dalla London Symphony Orchestra, eseguì The Snow Goose alla Royal Albert Hall fece il tutto esaurito. Fin qui un po’ di storia, ma veniamo all’album che è davvero un disco da ascoltare e riascoltare perché insieme fascinoso e “perfetto”. The Snow Goose è assolutamente unico sotto tutti i punti di vista, la musica è davvero totale, accurata, emotiva e non è un caso se nella Billboard inglese l’album si piazzò al ventiduesimo posto. Se band come Genesis, King Crimson, Pink Floyd rappresentano da sempre il massimo del rock progressivo degli anni settanta, i Camel appartengono invece a quelle band davvero ispirate, gruppi dove la conoscenza delle cose è fondamentale per la produzione dei propri lavori, e qui il caso è unico; infatti la conoscenza profonda della letteratura da parte di tutti i componenti porta i Camel ad essere anche degli ottimi musicisti riconoscendo proprio nella musica una delle arti principe della cultura.

In The Snow Goose la strumentalità delle composizioni lascia letteralmente senza fiato: infatti, molti degli assoli sono meravigliosi, la chitarra di Latimer è splendida e stupisce di continuo allo stesso modo di quando il musicista inforca il flauto, poi ci sono le tastiere di Bardens, immense, piene di quella peculiarità che appartengono a grandi musicisti; solo la ritmica resta un po’ dietro ma ciò ci è apparso naturale vista la composizione di The Snow Goose. Qui c’è ben poco da dire perché l’album è nella linearità dei sedici pezzi che lo compongono assolutamente perfetto, nessun brano necessità di commenti e sottolineature, tutti i pezzi, sono egualmente “perfetti” sia dal punto di vista compositivo che sonoro, nulla sembra essere lasciato al caso nella composizione di questa grande opera rock sinfonica che va solo ascoltata e basta, nulla più. Con questa produzione dei Camel siamo dentro uno dei pilastri del rock progressivo sinfonico; The Snow Goose è davvero stato uno degli album più rivoluzionari sia degli stessi Camel che del rock in genere, un album che definisce appieno quello che divenne lo stile della band inglese che venne con i lavori successivi quali ad esempio Nude, Dust And Dreams, Harbour Of Tears. Se poi ci fate caso c’è anche una certa affinità con sonorità alle quali si sono rifatte anche alcune nostrane band, come la P.F.M. per citarne una.

Questo album, se fosse un film meriterebbe l’Oscar, ma essendo musica merita di essere citato in tutte le discografie essenziali di rock progressivo. Non dimenticate di ascoltare questo lavoro dei Camel, sarebbe un vero peccato per voi.

Autore: Camel	Titolo Album: The Snow Goose
Anno: 1975	Casa Discografica: Decca
Genere musicale: Progressive Rock	Voto: 9
Tipo: LP	Sito web: http://www.camelproductions.com/
Membri band: Andy Ward – batteria, percussioni, vibes Doug Ferguson – basso Peter Bardens – organo, minimoog, tastiere, organo da chiesa, ARP Odyssey Andy Latimer – chitarra, flauto, voce	Tracklist: 1. The Great Marsh 2. Rhayader 3. Rhayader Goes To Town 4. Sanctuary 5. Fritha 6. The Snow Goose 7. Friendship 8. Migration 9. Rhayader Alone 10. Flight Of The Snow Goose 11. Preparation 12. Dunkirk 13. Epitaph 14. Fritha Alone 15. La Princesse Perdue 16. The Great Marsh

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Progressive

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