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14th Ago2021

Angra – Holy Land

by Fabio Loffredo

Con Angels Cry di cui avevamo parlato qui gli Angra riescono a ricevere consensi un po’ ovunque, ma è con il successive Holy Land che raggiungono vette forse impensabili e irraggiungibili. Holy Land è un concept album sulla scoperta del Sud America e la band brasiliana ne crea una colonna sonora ineccepibile e i vari brani si arricchiscono sempre di più di contaminazioni sinfoniche e della cultura musicale brasiliana creando un caleidoscopio di suoni e di colori. Crossing è un intro sinfonico di Giovanni Pierluigi Da Palestrina, organista e compositore del Rinascimento, che apre le danze con ammalianti cori e tra onde del mare e un forte temporale arriva su un prorompente e tribale lavoro ritmico Nothing To Say, brano strepitoso tra ritmiche della cultura brasiliana e un potente power metal a cui si aggiungono meravigliose linee melodiche e sinfoniche e parti vocali da parte di Matos che hanno quasi dell’incredibile e non da meno sono gli interventi delle chitarre di Loureiro e Bittencourt tra riff virtuosi e solos e ampie parti orchestrali. Questo è solo l’inizio, l’apice per la band brasiliana e un pianoforte e le emozionanti linee vocali di Matos introducono Silence And Distance, affascinante gioiello progressive metal con tempi dispari e nel corso del brano i riff di chitarra e la voce di Matos che si inseguono con le parti orchestrali e il ritornello orecchiabile tra operetta e musical e le parti chitarristiche eccezionali.

Arriva poi Carolina IV, altra splendida song, piccola suite di quasi 11 minuti con forti influenze del folk brasiliano, musica classica e progressive e sfuriate speed/thrash metal ma sempre con marcate melodie armoniose e una parte da brividi con pianoforte, violoncello e orchestra. Holy Land è la title track, tra progressive e world music con percussioni brasiliane, un pianoforte che invita a ballare, qui la cultura brasiliana è fortemente accentuata così come lo è la vena sinfonica e progressiva e The Shaman, dove ancora una volta il sound volta la faccia verso il progressive metal e molto affascinanti sono gli intrecci vocali che accompagnano la voce di Matos. Ancora 4 brani, Make Believe, dalle influenze molto anni 70, una ballad sinfonica molto avvolgente e con interventi anche di chitarra acustica, Z.I.T.O., dove torna il power metal di matrice Helloween più energico e trascinante ma con intermezzo sinfonico con archi e clavicembalo e guitar solo in stile neoclassico, Deep Blue, song che fa rabbrividire per la performance vocale di Matos accompagnata da pianoforte, violini e viole ed entrano poi gli altri strumenti compreso un organo a canne, trombe, tromboni e canti gregoriani, per quello che è sicuramente il brano più progressive dell’intera storia degli Angra e infine Lullaby For Lucifer, delicata ballad acustica accompagnata dal suono delle onde del mare e canti di gabbiani.

Holy Land rimane il capolavoro degli Angra, un album a cui la band non è riuscita più ad eguagliare, anzi subito dopo inizia la fase discendente.

Autore: Angra	Titolo Album: Holy Land
Anno: 1996	Casa Discografica: LMP Records, Lucretia Records
Genere musicale: Power Metal, Progressive Metral	Voto: 10
Tipo: CD	Sito web: http://www.angra.net
Membri band: Andre Matos – voce, pianoforte, tastiere, arrangiamenti orchestrali Kiko Loureiro – chitarra Rafael Bittencourt – chitarra Luìs Marìutti – basso Ricardo Confessori – batteria	Tracklist: 1.Crossing 2. Nothing To Say 3. Silence And Distance 4. Carolina IV 5. Holy Land 6. The Shaman 7. Make Believe 8. Z.I.T.O. 9. Deep Blue 10. Lullaby For Lucifer

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06th Ago2021

Blackfoot – Flyin’ High

by Giancarlo Amitrano

Il più che valido disco di esordio segna per la band un “classico” punto di partenza: incoraggiata dal buon riscontro di vendite, pur non eccelso, il combo “indiano” si mette subito al lavoro per sfornare un degno successore del primo lenght. Con la formazione immutata, il gruppo si sente sicuro di poter offrire altra degna prova, mantenendo in linea di massima le sonorità tipiche del debutto ed occorre dire che con l’attacco di Feelin’Good si va subito a dama, con una traccia che scorre via davvero veloce grazie ad un bel drumming di Spires che fornisce la giusta direttiva al cantato di Medlocke, la cui chitarra si unisce all’ascia di Hargrett per costruire un buon tappeto sonoro pur nell’ambito della relativa brevità del brano. Si passa subito alla titletrack, al cui interno il sound si ispessisce con le sei corde che tengono bene i tempi ed al tempo stesso riescono a dettare la loro linea sonora molto intensa, sulla quale ovviamente il canto del “leader maximo” riesce ad ottenere la partecipazione di chi ascolta grazie alla timbrica molto aggressiva e alla caratteristica tendenza ad allungare le note, tra l’altro molto ben riuscendovi. Da sottolineare anche il buon lavoro delle coriste che forniscono alla traccia il giusto “destro” per incamminarsi verso una buona conclusione, tenendo sempre in evidenza il solido lavoro della sezione rimica che qui tratteggia bene ottime atmosfere sempre “virili” senza distaccarsi dal sano hard’n’roll con tipiche venature sudiste al suo interno.

Try A Little Harder consta di un buon arpeggio iniziale semiacustico, su cui presto si innestano i crash della batteria ed una solida linea sonora della sei corde del duo Medlocke/Hargrett, molto ben assortita ed assolutamente funzionale alle intenzioni del gruppo, ovvero di fornire una solida prova d’autore anche su tempi leggermente più rilassati che tuttavia non inficiano il prodotto finale, pur risultando di fondo una certa semplicità nell’esecuzione, pur di spessore e non tediosa. Con Stranger On The Road si torna a viaggiare veloci, con la linea sonora subito delineata verso un hard abbastanza ritmato e di sicuro spessore, che vede la band incamminarsi verso una cavalcata spensierata in cui fanno capolino anche delle intriganti tastiere: ma è il momento delle asce ad attrarre i maggiori consensi con un solo a doppia chitarra che lascia piacevolmente colpiti chi ascolta, mentre Medlocke si destreggia più che degnamente nella doppia veste di canto e chitarra, mantenendo sempre ben presenti le sue origini. Save Your Time ha un intro davvero intrigante, in cui Medlocke pare essersi reincarnato addirittura nell’alter ego di Alex Harvey e della sua Sensational Band: è infatti il suo tono a farcelo apparire come un intrattenitore perfetto, dal cantato pulito e da una chitarra in sottofondo che pare strappata con destrezza alle dita magiche di Zal Cleminson, ma sono i nostri “pellerossa” ad assicurarsi la scena in solitario senza dover ricorrere ad emulazioni di sorta, riuscendo a sfornare una traccia davvero notevole, con la sei corde che domina incontrastata in un lungo ed interminabile solo finale che pare non dover aver mai fine.

Dancin’Man inizia con un “complesso” arpeggio tra il drumming di Spires ed il cantato infuocato di Medlocke, su cui si inserisce una chitarra dai tempi molto dimezzati e degli acuti piazzati al momento giusto, sui quali sa ben come inserire il suo vocione intenso il buon singer: nel complesso del brano si nota la tendenza dei singoli membri di saper (giustamente) prevedere in anticipo come annunciare il proprio momento di celebrità personale, riuscendovi ampiamente senza soverchia fatica. Island Of Life è il brano più articolato del disco: non si notano momenti di stanca, con ogni singolo strumento inserito al momento giusto con una abilità ormai riconosciuta; siamo in compagnia di una solidissima prestazione vocale, una sezione ritmica davvero intrigante e con le chitarre ad essere sempre protagoniste, non solo al momento degli assoli, il tutto con la deliziosa voce di Medlocke a condire le atmosfere sudiste ma non per questo remissive. Junkie’s Dream è un “semi lento” che la voce di Medlocke riesce comunque ad addomesticare da par suo, con gli accorgimenti vocali di cui sopra abbiamo già discusso: la traccia è comunque più che valida, con le chitarre che ci accompagnano lungo l’esecuzione del brano, inframmezzato da assoli brevi ma possenti che fanno risaltare maggiormente il cantato stavolta colmo anche di gorgheggi sapientemente azzeccati.

Madness si dà da fare subito con il drumming stavolta complesso nel suo pattern, che funge anche da solido accompagnamento ai vocalizzi del singer, che torna a ruggire con la voce graffiante che gli si riconosce: il refrain è molto azzeccato, così come il preciso e ricorrente ritorno della batteria ad una sonorità ritmica che fa molto uso della grancassa quasi a far da eco ai controcampi vocali che sono anch’essi molto ben accetti, come del resto il solidissimo assolo a sei corde. Si chiude con una spagnoleggiante Mother, dove l’atmosfera totalmente rilassata del brano consente una conseguenziale esecuzione molto tranquilla, con Walker che stavolta smette il basso e sforna una prestazione maiuscola con la chitarra “tiple” per donare al brano quel tocco sognante e molto gitano che la stessa linea vocale mette in risalto, tanto per chiudere come si deve anche la seconda fatica dei “piedi neri”.

Autore: Blackfoot	Titolo Album: Flyin’ High
Anno: 1976	Casa Discografica: Epic
Genere musicale: Hard Rock	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: www.blackfootband.com
Membri Band: Rick Medlocke – voce, chitarra Charlie Hargrett – chitarra Greg Walker – basso Jakson Spires – batteria Suzy Storm – cori Laura Struzick – cori	Tracklist: 1. Feelin’ Good 2. Flyin’ High 3. Try A Little Harder 4. Stranger On The Road 5. Save Your Time 6. Dancin’ Man 7. Island Of Life 8. Junkie’s Dream 9. Madness 10. Mother

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30th Lug2021

Blackfoot – No Reservations

by Giancarlo Amitrano

Gradevolissimo, a volte, allontanarsi, di poco, dalle coordinate classiche dell’hard’n’heavy, pur restando nelle sue immediate vicinanze: sono , infatti, talmente tante le sfaccettature musicali che il genere ha prodotto da restare stupefatti di quanti “familiari” sia composta la stessa galassia. Uno di essi, sicuramente, è tutto quel movimento cosiddetto “southern” che ha fatto la fortuna di tante band e soprattutto dei cosiddetti Stati del Sud americano: gruppi di estrazione a volte anche non proprio a stelle e strisce, ma così contigui alla patria dello zio Sam da potersene a ragione dichiarare gloriosi discendenti. Una delle band sicuramente più in voga ed in prima fila nel portarne il vessillo è certamente quella capitanata da Rick Medlocke, il cui sangue indiano scorre orgogliosamente nelle sue vene, che già ben prima di giungere al debutto con il suo gruppo è attivo sulla scena statunitense con vari gruppi che però non giungono ancora alla ribalta. Finalmente si giunge al debutto a metà degli anni 70 con un album che mostra sin da subito quelle che saranno le caratteristiche della band, fieramente “sudista” e con un valido bagaglio tecnico che la voce speciale del leader renderanno unica nel suo settore.

Si parte allora con l’allegria di Railroad Man che Medlocke fa risaltare con un cantato aggressivo ma calmo al tempo stesso, con la band che lo segue pedissequamente con una prestazione già di spessore specialmente nel drumming intenso del fido Spires, preciso e tagliente in primis nei crash di cui fa largo e gradevole uso. Indian World è un midtempo molto accattivante, dominato dall’intensità del cantato di Medlocke, su cui ben si innestano buone tastiere di sottofondo ed una sezione ritmica già affiatata, mentre la coppia di asce appare ben amalgamata, riuscendo bene ad accompagnare le evoluzioni vocali del singer, aggressivo e dal cipiglio molto “pellerossa”, appunto. Si passa a Stars con la quale ci immergiamo a pieni padiglioni auricolari nei gloriosi anni 70, con Medlocke a tratteggiare una ballad che pare essere uscita dalle corde dei migliori cantastorie, con una produzione molto pompata che mette in risalto l’atmosfera calda ed attraente della traccia, in uno con il solidissimo lavoro delle asce che si prendono le luci della ribalta assieme al singer. Not Another Maker è un brano molto ben scritto, con una apprezzabile ed inattesa attenzione ai dettagli ed agli arrangiamenti che ben si dipanano lungo i 5 minuti della durata, all’interno dei quali le chitarre sono molto attraenti con il loro lavoro morbido ed intrigante, che prepara la strada al ritornello molto ben congegnato e rafforzato dai cori femminili che certo non guastano, per poi tornare il tutto a bomba con un solo ad effetto che riempie degnamente il brano.

Born To Rock & Roll è un brano che potremmo definire “catchy”, ossia coinvolgente e trascinante, sempre basandosi sulla relativa brevità della traccia: ancora Medlocke ad imperversare con la sua voce tipicamente “indiana” e da ideale capotribù che tenga unita la tribù pronta all’assalto musicale con un semplice ma avvincente refrain cui segue un assolo poderoso pur nella sua apparente elementarità. La stessa falsariga si propone con l’esecuzione di Take A Train, vero e proprio inno southern inframezzato da una combinazione di “smooth rock” ed hard classico, cui dona il proprio valente contributo il lavoro azzeccato di Spires con il suo drumming effervescente e sbarazzino, mentre le asce sono libere di esibirsi in un mix di ritmica e solismi non disprezzabili. Big Wheels vede un ottimo intro del basso di Walker, potente e profondo che ben si unisce al drumming veloce di Spires; subentra quindi il singer che evidenzia anche una buona capacità di tenere bene ed allo stesso modo toni alti e bassi, salvo poi elevarsi di range con un paio di screaming non indifferenti, che tacciono al momento di cedere il passo alle tonanti chitarre, che con il loro midtempo (anche qui) rendono intrigante la traccia.

I Stand Alone ha tutto il suo momento slow, con un giro molto rilassato che mette in evidenza la già alta abilità dei chitarristi, cui la lunghezza del brano non risulta indigesta per poter piazzare i loro soli al momento opportuno, rafforzati anche in questo caso da cori femminili assolutamente azzeccati ed alla bisogna. Si chiude con Railroad Man 2, composta nientemeno che dal nonno di Medlocke, il cui nipote ascolta il longevo antenato esibirsi al banjo in una esecuzione davvero calda ed emozionante quasi da vero apache, nel senso più bello del termine per chiudere nella maniera più simpatica possibile un album che promette avere più che degni successori.

Autore: Blackfoot	Titolo Album: No Reservations
Anno: 1975	Casa Discografica: Island Records
Genere musicale: Hard Rock	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: www.blackfootband.com
Membri Band: Rick Medlocke – voce, chitarra Jakson Spires – batteria Charlie Hargrett – chitarra Greg Walker – basso, tastiere Shorty Medlocke – banjo, voce su traccia 9 Suzy Storm – cori Barbara Wyrick – cori Laura Struzick – cori	Tracklist: 1. Railroad Man 2. Indian World 3. Stars 4. Not Another Maker 5. Born To Rock & Roll 6. Take A Train 7. Big Wheels 8. I Stand Alone 9. Railroad Man 2

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12th Feb2021

Saxon – Strong Arm Of The Law

by Giancarlo Amitrano

È al terzo album che i Saxon raggiungono la gloria assoluta: se con i primi due lavori la band aveva già lasciato intravvedere le enormi potenzialità in suo possesso, in attesa di esplodere completamente, con la sua terza fatica il quintetto valica le porte dell’olimpo e della leggenda. Rilasciato a pochi mesi di distanza dal già enorme Wheels Of Steel, l’odierno lenght tocca la perfezione sonora ed artistica, cogliendo vette certamente mapi più in futuro raggiunte: al massimo della sua forma fisica e tecnica, la band sforna 8 tracce al fulmicotone che non lasciano prigionieri sul campo e mettono a dura prova amplificatori di marca preclara che tutti ben conosciamo. La compattezza della band è granitica, ogni parte musicale è perfetta e suonata con precisione svizzera e potenza teutonica, mentre il cantato di Byff è fresso, metallico e squillante. Si parte con effetti che simulano una tempesta tropicale, un Heavy Metal Thunder con lampi e tuoni che appunto vengono ben presto “corroborati” da una micidiale coppia di asce, le quali delineano un drumming aggressivo e micidiale cui è difficile stare dietro. Il singer sa il fatto suo e non lesina acuti e note ampiamente trattenute ed allungate che consentono una chiara enunciazione del ritornello, risuonante come proprio il tuono metallico del titolo, per un inizio che già promette sfracelli.

Figurarsi, quindi, se possa “spaventare” il successivo attacco a sei corde di To Hell And Back Again che si incammina verso una potentissima cavalcata metal che mette a dura prova le corde vocali del Nostro, il quale, tuttavia, non se ne dà per inteso e sfoggia tutto il repertorio classico di uno screamer che si rispetti. Iil quartetto alle sue spalle non è da meno, offrendo un’ampia panoramica di potenti assoli ed altrettanto azzeccate melodie sempre a sei corde, con la sezione ritmica che sforna battute a centinaia facendo ritrovare l’ascoltatore in un uragano sonoro che il riffone centrale sublima alla perfezione con il conseguente “piacevole” sanguinamento uditivo. Al terzo solco troviamo la title track, su cui si erge un iniziale e superbo giro di basso che resta scolpito nei cuori e nella mente, mentre gli altri iniziano il loro solido “lavoro” con una traccia che riesce ad entusiasmare anche facendo largo uso di una tempistica stavolta molto rallentata, che tuttavia riesce a donare emozioni a iosa, sia per il testo che ovviamente per l’esecuzione: non compaiono tempi morti anche in momenti leggermente più “rilassati” all’interno del brano, che comunque si contraddistingue anche per un maestoso assolo centrale in cui le due chitarre si intersecano alla perfezione senza sovrapporsi e con una perfetta udibilità di ambo le asce, per un’ altra perla di questa mirabolante band.

Si abbatte su noi un’altra orda barbarica con l’ascolto di Taking Your Chances ed il suo ennesimo ritmico duo di chitarre che costruisce un vero muro del suono per introdurre il brano: le pareti paiono crollare da un momento all’altro, attendendo solo l’entrata in scena del singer che stavolta parte in quarta in una narrazione furiosa che ben si sposa con l’aggressività della traccia, muscolare e veloce quanto si vuole, ma al tempo stesso tecnica e superbamente incrociata in un vortice di note che sfociano in un maiuscolo assolo centrale che è la cornice del pezzo. Uno dei brani più violenti dell’intera discografia del gruppo è senz’altro 20,000 Feet: sin dal micidiale attacco del duo Oliver/Quinn sarà difficile tenere il passo della traccia. Impazzisce subito anche il drumming di Gill che sale pazzescamente di giri in un vorticoso ritmo di battute e crash tutti ravvicinatissimi, mentre le quattro corde di Dawson martellano in sottofondo: paradossalmente, il “meno impegnato” è proprio Byff (si fa per dire) che non deve fare altro che gridare a più non posso le potenti note del pezzo, giusto per accompagnare ancora una volta i due chitarristi in un rutilante asolo mozzafiato, che non chiude il pezzo come al solito, ma che lo proietta tra effetti vari ed aerei in sottofondo alla successiva Hungry Years. Con una partenza in surplace, il brano pare incamminarsi verso un inatteso mid tempo, che effettivamente pervade tutto il brano, ma che al tempo stesso si fonda sulla consueta linea aggressiva che non perde di intensità anche grazie al buonissimo cantato di Byff, che qui si industria a fare l’intrattenitore vocale di pregio, declamando chiaramente ogni singola nota che contribuisca alla riuscita del brano.

Sixth Form Girls inizia con una gagliarda giravolta delle chitarre che creano il consueto tappeto sonoro sul quale giostra da par suo l’indiavolato Gill che con un drumming tutt’altro che compassato tiene testa al “proprietario” del microfono che a sua volta si inerpica in un chiassoso arcobaleno di note tutte perfettamente scandite: è di certo il brano “relativamente” meno riuscito dell’album, ma non per questo non riesce a ritagliarsi il suo spazio grazie ai ripetuti brevi ma intensi assoli delle chitarre. È, dunque, con sommo piacere che introduciamo la traccia probabilmente più bella e più tecnica non solo dell’album, ma di tutta la produzione della band: Dallas 1 Pm è il tributo che il gruppo paga al ricordo di Jfk, probabilmente il più amato Presidente degli Stati Uniti d’America. Per fare questo, il quintetto mette in scena una vera e propria rappresentazione sonora di quanto accadde il famigerato 22 novembre 1963 che vide nella città texana l’assassinio di John Kennedy. La traccia è intensa e drammatica, con Byff che si “atteggia” a testimone oculare degli avvenimenti con il suo scandire intenso e partecipato degli ultimi istanti di vita del Presidente, mentre il restante quartetto impersona da par suo l’uditorio mondiale che attonito assiste: la fase centrale è memorabile, con gli spari inseriti magistralmente ad introdurre una coppia di chitarre che qui si fa visivamente partecipe con una slide ed una elettrica ad accompagnare la reale voce dello speaker che annuncia la tragedia in diretta. Ed è questo punto che le asce decidono di reagire a modo loro sfoderando un assolo memorabile, che pare non voler avere mai fine, come se le stesse sei corde stessero partecipando il loro dolore con un uragano di note che si placa solo quando Byff decide di riprendere le fila del discorso, accompagnando (purtroppo) il brano verso la fine ricordando con la sua voce quanto accaduto, sino a quando un crash finale di Gill pone fine ad un autentico capolavoro, ancora oggi vessillo e stendardo di tutta la NWOBHM!

Autore: Saxon	Titolo Album: Strong Arm Of The Law
Anno: 1980	Casa Discografica: Carrere
Genere musicale: Heavy Metal	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: www.saxon747.com
Membri Band: Byff – voce Graham Oliver – chitarra Paul Quinn – chitarra Steve Dawson – basso Pete Gill – batteria	Tracklist: 1. Heavy Metal Thunder 2. To Hell And Back Again 3. Strong Arm Of The Law 4. Taking Your Chances 5. 20, 000 Feet 6. Hungry Years 7. Sixth Form Girls 8. Dallas 1 PM

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05th Feb2021

Saxon – Wheels Of Steel

by Giancarlo Amitrano

L’album di debutto ha suscitato unanimi consensi per la band inglese che ha già lasciato intravvedere le sue enormi potenzialità: tutti si attendono la conferma ad una maggiore maturazione tecnica e compositiva, che viene non solo acclarata ma addirittura clamorosamente enfatizzata con il secondo album, che lascia tutti di stucco e resta ancora oggi uno dei capisaldi di tutta la NWOBHM albionica. Ed è proprio il secondo lenght a tratteggiare i primi aloni di celebrità metallica sul combo britannico, che sembra già maturo per sferrare il suo potente attacco alle vette di tutte le chart: i 9 brani che compongono l’album sono potenti, veloci e ritmicamente impeccabili, autentici cavalli di battaglia ancora oggi, a quattro decenni di distanza! Si parte , dunque, con il rombo potentissimo di una due ruote che scalda a ripetizione il motore: ecco che le asce sono subito mortifere, la sezione ritmica aggressiva e le battute della stessa batteria sono clave che mulinano palate in tutte le direzioni; nondimeno, il cantato di Byff e già superbamente metallico, stridulo il giusto tanto per dare la corretta e virile immagine al tarantolato Motorcycle Man del titolo, al cui interno troviamo uno dei (tanti) super assoli al fulmicotone.

Si prosegue con Stand Up And Be Counted con una già diversa intonazione vocale del singer, che qui usa a volte il falsetto ma solo per preparare la voce ai possenti gorgheggi che specialmente nel refrain sono particolarmente intensi: la coppia Quinn/Oliver gode di ottima salute e fa a gara nello sfoggiare ritmiche pesanti ed altrettanto intriganti brevi assoli che ben si sposano con la traccia, per renderla ancor più incandescente. Ecco giungere in fretta uno dei capolavori della band: Strangers In The Night ed il suo incedere maestoso la rendono traccia sempiterna, autentico manifesto di tutto il genere: le due chitarre avanzano come carri armati, mentre la ritmata voce di Byford intona alla perfezione ogni singola strofa, che non perde un’oncia di pulizia e precisione, con la ritmica che torna precisa e puntuale ad ogni fine strofa, per rendere il tutto maestoso soprattutto negli assoli ripetuti ed intervallati appunto dal cantato, solido ed accattivante. Altro giro, altra gemma: è la titletrack a prendersi il suo quarto d’ora di celebrità, preannunciata da un solidissimo giro di chitarre che si intersecano a creare la melodia su cui il cantato opera da par suo: brano molto incline ad essere “narrato” nella sua struttura, con la sua apparente semplicità porge invece il destro alla band per sfornare una prestazione super che viene immortalata dall’ossessivo e potente ritornello, ormai oggi nella leggenda anche grazie alle innumerevoli esibizioni dal vivo con cui la traccia è stata proposta.

Analizzandola con la nostalgia del glorioso LP, la seconda facciata si apre con l’ipertecnica e velocissima Freeway Mad, che in alcuni passaggi rievoca gloriosissimi screamer d’oltreoceano, di fronte ai quali il vocione di Byff non sfigura: supportato alla grande dalla band, il cantato è veloce, potente ed aggressivo, con un drumming feroce che Gill offre alla lacerazione dei timpani pur nella sua relativa breve durata, cosa che quindi non fa altro che accrescere il potenziale enorme del brano. Ancora, a piacimento di chi ascolta, arriviamo a See The Light Shining ed alla sua inattesa ma altrettanto piacevole drammatizzazione che il cantato porta ad evidenziare; dedicata all’altrettanto leggendario “Fast” Eddie Clark, la traccia onora il chitarrista dell’amico Lemmy con una prestazione altrettanto intensa ed altamente tecnica della coppia di asce Oliver/Quinn, che qui raggiungono vette artistiche elevatissime, oltre alla super prestazione al microfono di Byff. Street Fighting Gang prosegue alla grande ciò che sinora è stato proposto: le asce fanno a gara nell’introdurre una potentissima battuta di grancassa, su cui Byff si getta come un avvoltoio della savana. Il gruppo va subito al sodo, mettendo il singer nelle condizioni di enunciare subito il ritornello in una tempesta sonora di rara potenza: un basso martellante cui è difficile stare dietro tiene a bada la “incontinenza” sonora delle chitarre, che seguono pedissequamente il cantato con una precisione rara ad ascoltarsi, con un finale rovente in cui si intersecano asce, basso, voce e batteria, tutti scatenati.

Suzie Hold On ed il basso di Dawson rendono ancora onore a tutto il gruppo, stavolta grazie ad una metronoma batteria ed alla voce di Byford, che rivela anche una inaspettata vena semi melodica nell’enunciazione delle strofe. Ma l’anima metallica ha sempre la prevalenza, che stavolta si mette al servizio della traccia, che qui risulta precisa e puntuale nella sua esecuzione, pur essendo (solo un tantino) inferiore agli altri brani in scaletta. Si chiude con Machine Gun, altro brano di discreta lunghezza che consente ai Nostri di terminare degnamente l’album con una traccia molto ben articolata, tale da consentire al suo interno evoluzioni a ripetizione soprattutto delle dodici corde divise tra Graham Oliver e Paul Quinn: l’uragano sonoro, che al centro della traccia sfonderebbe anche i migliori impianti stereo, vale da solo l’ascolto del brano, che tuttavia è nel complesso cavallone di battaglia per il vocione da middle-class di Byff, che qui si agita come uno sciamano in attesa della pioggia e che puntualmente giunge nel finale sotto forma di riffoni e tornado autenticamente riprodotto con gli effetti sonori che chiudono superbamente uno dei “disconi” degli anni 80.

Autore: Saxon	Titolo Album: Wheels Of Steel
Anno: 1980	Casa Discografica: Carrere
Genere musicale: Heavy Metal	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: www.saxon747.com
Membri Band: Byff – voce Graham Oliver – chitarra Paul Quinn – chitarra Steve Dawson – basso Pete Gill – batteria	Tracklist: 1. Motorcycle Man 2. Stand Up And Be Counted 3. 747 (Strangers In The Night) 4. Wheels Of Steel 5. Freeway Mad 6. See The Light Shining 7. Street Fighting Man 8. Suzie Hold On 9. Machine Gun

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17th Gen2021

Voodoo Glow Skulls – Firme

by Marco Pisano

Tra gli esponenti più influenti e rappresentativi della scena ska punk californiana sorta tra la fine degli anni 80 e gli inizi dei 90, (o third wave of ska che dir si voglia) che lancerà sulla scena internazionale gruppi del calibro di Rancid, Mighty Mighty Bosstones, No Doubt, Goldfinger, Sublime, ecc., meritano un posto d’onore anche i Voodoo Glow Skulls. Nati nel 1988 grazie a Frank, Jorge e Eddie Casillas e al loro amico Jerry O’Neill, a cui in seguito si aggiungerà anche la sezione dei fiati, fonde magistralmente la furia, la velocità e l’aggressività dell’hardcore punk, con l’allegria e la leggerezza dello ska, sull’onda della lezione proveniente dai gruppi d’oltremanica appartenenti alla second wave of ska quali The Madness, The Specials, The Selecters e altri. I Voodoo Glow Skulls forniscono la loro personale interpretazione di questa unione creando un sound immediatamente riconoscibile e decisamente d’impatto, che difficilmente può passare inosservato e lasciare indifferenti; Firme, il primo album che incidono con la major Epitaph, è un perfetto esempio di quanto detto poco sopra; violente sfuriate e accelerazioni in puro stile HC si alternano, e più spesso, si fondono con la sezione fiati in perfetto stile ska, dando vita ad un sound piuttosto strambo, fino al punto di risultare a tratti quasi comico e paradossale, ma che funziona proprio per questo, per questa sua capacità di unire e far convivere alla perfezione due stili che di per sé, si prenderebbero più volentieri a pugni piuttosto che andare d’accordo.

Eppure la maestria della band ispano-californiana sta proprio nel dare vita ad un sound frenetico, dinamico, aggressivo e tosto, ma allo stesso tempo scanzonato, ironico, divertente e festaiolo, che di tutto ha voglia tranne che di prendersi sul serio. La furia, la rabbia e l’aggressività tipiche dell’HC vengono stemperate e alleggerite dal tocco scanzonato, giocoso e festaiolo dello ska e dei fiati. Come se al bullo della compagnia, metteste in testa il più buffo cappellino da festa che trovate e improvvisamente si trasformasse nel più feroce e incallito festaiolo. Lo spirito che contraddistingue quest’album è profondamente adolescenziale, festaiolo, allegro, goliardico, ironico e paradossale e, anche a giudicare da alcuni titoli quali Empty Bottles e Drunk Tank, molto alcolico. L’album, che fila via come un razzo, dato che le 16 tracce durano in totale appena 40 minuti, non risulta mai noioso, al contrario la sua velocità estrema non vi concederà mai un attimo di tregua e di riposo, vi terrà sempre sull’attenti e vi metterà addosso un’allegria e un’energia incredibili.

Da gustare tutto d’un fiato senza mai mettere in pausa e senza prendere fiato. Forse alla fine sarete un po’ stanchi, ma quasi sicuramente, molto più felici e allegri di prima. Altamente consigliato durante questo periodo di quarantena per tirarsi su il morale, per chi avesse voglia di fare un salto indietro nel tempo, tornando per un po’ alle sensazioni e alla libertà tipiche dell’adolescenza e sentirsi nuovamente adolescente e libero.

Autore: Voodoo Glow Skulls	Titolo Album: Firme
Anno: 1995	Casa Discografica: Epitaph
Genere musicale: Ska, Hardcore	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.voodooglowskullsofficial.com/
Membri band: Frank Casillas – voce Eddie Casillas – chitarra Jorge Casillas – basso Jarry O’Neill – batteria Joey Hernandez – sassofono Brodie Johnson – trombone John McNally – tromba	Tracklist: 1. Shoot The Moon 2. Closet Monster 3. Charlie Brown 4. Drunk Tank 5. Jocks From Hell 6. Trouble Walking 7. Give Me Someone I Can Trust 8. Empty Bottles 9. Fat Randy 10. Thrift Shop Junkie 11. El Coo Cooi 12. Method To This Madness 13. Construction 14. Malas Palabras 15. Nicotine Fit 16. Land Of Misfit Toys

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Tags : Album del passato, Ska

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13th Dic2020

Fu Manchu – California Crossing

by Marco Pisano

California Crossing, settimo album in studio della stoner band statunitense Fu Manchu, come facilmente prevedibile dal nome e dalla copertina, contiene fortissimi richiami musicali, visuali e culturali alla California. Ascoltandolo, è praticamente impossibile non pensare alle vastissime e aride aree desertiche del Mojave e della Death Valley, o alle spiagge super affollate di surfisti e alle passeggiate di Santa Monica e Malibù, o alla sfavillante e seducente Los Angeles, o al meraviglioso Golden Gate di San Francisco. Non a caso, la California è uno dei luoghi natii della controcultura americana degli anni 60, patria della Silicon Valley e della rivoluzione digitale degli anni 70-80, di moltissimi gruppi musicali rock e non solo, che grande hanno reso l’America e la sua cultura musicale per buona parte del Novecento. E molte correnti del rock qui sono nate o hanno trovato terreno fertile per potersi sviluppare, crescere e diventare mature, si pensi alla psichedelia negli anni 60. Tra queste, c’è ovviamente lo stoner rock, nato nel torrido e polveroso contesto di Palm Desert.

E i Fu Manchu non perdono l’occasione, anche in questo lavoro, di ricordare al mondo che le loro radici musicali e geografiche appartengono indiscutibilmente alla California, ai suoi deserti e alle sue spiagge. Un groviglio di elementi surf, psichedelici, metal e hard sono il dna sonoro di questo album; i riff di chitarra, iper aggressivi, distorti e super fuzzosi, non tradiscono le attese, lasciando trasparire qua e là per gli orecchi più allenati anche influenze surf rock, oltre ai cari e vecchi riff ipnotici, monolitici e lisergici tanto cari allo stoner classico anni 90. Dietro le pelli, per l’ultima volta con la formazione dei Fu Manchu un vero e proprio monumento del panorama stoner, Brant Bjork, che, conclusa l’esperienza con i Kyuss qualche anno prima, ha nel frattempo trovato agevolmente una nuova sistemazione nei Fu Manchu, e credeteci, la sua impronta su quest’album si sente e come. Un drumming mai banale e scontato, sempre in grado di dare la giusta dose di cattiveria e di grinta a tutti i brani, sapendo essere monolitico e granitico quando occorre e morbido e delicato quando necessario. Veramente un gigante e un maestro. Anche la sezione di basso è all’altezza della situazione, una garanzia, una base compatta e solida su cui poter costruire un edificio sonoro di qualità.

Quest’album è un ideale compagno di viaggio, che vi invita a inforcarvi il casco o a salire in macchina e mordere l’asfalto, trasformandovi in viaggiatori in men che non si dica e dandovi il giusto spirito per divorare chilometri dopo chilometri senza sforzo alcuno. California Crossing, rispetto ad altri album classici dello stoner, risulta meno “duro e puro”, presenta un sound a tratti più orecchiabile e ammiccante ai passaggi radiofonici, o a sfumature surf- rock e rock’n’roll, oltre che psichedeliche e hard’n’heavy. Il risultato però è di assoluta qualità, non si corre mai il rischio di annoiarsi e non si può certo accusare quest’album di essere troppo piatto o scontato. In definitiva, i Fu Manchu hanno fatto centro, unendo la loro anima polverosa, lisergica e torrida dello stoner ad altre influenze e sonorità più da spiaggia e stradaiole, come il surf, il rock’n’roll e l’hard rock. Un mix frizzante, divertente e vivace, che vi terrà compagnia sia in viaggio che a casa, e vi farà sentire il profumo e l’odore della California.

Autore: Fu Manchu	Titolo Album: California Crossing
Anno: 2002	Casa Discografica: Mammoth Records
Genere musicale: Stoner, Hard Rock	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/FuManchuBand
Membri band: Scott Hill – voce, chitarra Bob Balch – chitarra Brad Davis – basso Brant Bjork – batteria	Tracklist: 1. Separate Kingdom 2. Hang On 3. Mongoose 4. Thinkin’ Out Loud 5. California Crossing 6.Wiz Kid 7. Squash That Fly 8. Ampn’ 9. Bultaco 10. Downtown In Dogtown 11. The Wasteoid

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Stoner

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10th Ott2020

Pallas – The Cross & The Crucible

by Fabio Loffredo

Con il quinto album i Pallas raggiungono vette più alte sia nella fantasia musicale che in fase di composizione e nelle parti strumentali, più studiate e molto ben arrangiate. The Cross & The Crucible è album per palati fini e per veri prog maniacs, la title track ad esempio ha una parte presa e revisionata dal Requiem di Wolfgang Amadeus Mozart. Cori maestosi introducono The Big Bang, brano molto riflessivo e dark, arrivano poi tastiere avvolgenti, una colonna sonora breve e dal sound misterioso e un giro di basso apre la tite track, The Cross & The Crucible, arrivano poi il resto degli strumenti e il sound torna ad essere maestoso ed epico, tornano i cori e il rock progressivo esplode proprio come un Big Bang, creando quel progressive rock che tutti si aspettano. Arriva poi la voce di Alan Reed, sempre sorretta da un giro di basso molto d’effetto, chitarra e tastiere creano rifiniture perfette per la riuscita del brano; For The Greater Glory è un brano più aggressivo ed epico, si capiva già dal titolo, le tastiere creano inni gloriosi, ma le melodie progressive avvolgono l’ascoltatore in un mondo da scoprire ed esplorare e ritmiche battagliere e tribali danno pathos e rendono più avventuroso il tutto. Who’s To Blame? sa cullarci tra arpeggi di chitarra acustica, un basso scivoloso e tastiere armoniose, il brano inizia poi a vibrare di più facendo anche vibrare di più l’ascoltatore. Più aggressivo e ritmato è The Blinding Darkness, con riff di chitarra che si avvicinano ad un sound più hard rock, ma è sempre il progressive a regnare fortemente rimettendo tutto in riga; Towers Of Babble ha nuovamente ricchi momenti acustici che richiamano a gran voce gli Yes e anche nel corso del brano la musica degli Yes si alterna a parti più sinfoniche con cori, anzi veri canti gregoriani, ammalianti e arrivano anche tastiere che emulano maestosi organi a canne, un ricordo della Toccata E Fuga di Johann Sebastian Bach.

C’è ancora spazio per Generations, che ha nuovamente atmosfere molto acustiche e d’effetto e Midas Touch, più semplice e rock, anche se verso la fine c’è un attacco basso e batteria rubacchiato ai Rush e il finale è sempre molto Yes. Celebration! chiude il CD con fare ancora una volta maestoso ed epico e in lontananza si sentono anche dei tubular bells, che danno un suono più festoso ad un brano molto Genesis del “dopo Gabriel”, A Trick Of The Tail, Wind & Wuthering in primis. L’Inside Out crede in loro e lascerà loro spazio e libertà di espressione per il futuro che verrà.

Autore: Pallas	Titolo Album: The Cross & The Crucible
Anno: 2001	Casa Discografica: Inside Out Music
Genere musicale: Progressive Rock	Voto: 8,5
Tipo: CD	Sito web: www.pallasofficial.com
Membri band: Alan Reed – voce, chitarra Ronnie Brown – tastiere Colin Fraser – batteria, percussioni Niall Mathewson – chitarra, tambourine Graeme Murray – basso, fretless, cori Special Guest: Gill Main – cori Claire Bleadsdale – cori Laura Sinclair – cori Trevor Gray – cori Alastair Taylor – cori Laura Harrow – cori	Tracklist: 1. The Big Bang 2. The Cross & The Crucible 3. For The Greater Glory 4. Who’s To Blame? 5. The Blinding Darkness 6. Towers Of Babble 7. Generations 8. Midas Touch 9. Celebration!

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Pallas, Progressive

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19th Set2020

Pallas – The Sentinel

by Fabio Loffredo

The Sentinel è il vero primo album dei Pallas, Arrive Alive di cui abbiamo parlato qui era un live, un trampolino di lancio difficile per una band che vuole aprire le porte del rock progressivo. The Sentinel ha anche testi impegnativi, è un concept album che descrive una versione futurista del racconto di Atlantide, ma raggiunge un significato contro le guerre, la guerra fredda e di una tecnologia che porterà il mondo al collasso definitivo, molto affascinante è anche il disegno di copertina di Patrick Woodroffe. I brani che apparivano nel vinile erano solo una parte di quelli scritti dalla band inglese, la EMI, preferì tagliarne una parte per rendere la band più commerciale e quei brani scartati finirono nella ristampa in CD del 1992 arrivando ad un totale di 10 tracce. Shock Treatment ha quelle linee prog miste ad una new wave inglese e Out And Run ha le stesse sonorità ma con una vena new wave più marcata anche se le tastiere di Ronnie Brown cercano di riportare il brano in quei territori prog minati dai nascenti Marillion che ruberanno la scena della cosiddetta ondate del new progressive. Ancora, appare Eyes In The Night (Arrive Alive) che stavolta sterza su un sound anche pop ma energico e trascinante. Il progressive rock arriva con Rise And Fall, Part 1, dove tastiere e chitarra fanno la differenza e con Eastwest, lenta prog ballad intimista e romantica.

Si prosegue con March On Atlantis, altro ottimo brano progressivo, delicate e dolci note pianistiche si contrappongono a tastiere a fanfara e la voce di Euan Lowson sembra essere più adatta al genere musicale proposto. Il brano è vario e ha altre sfumature, tra cui ambientazioni epiche e favolistiche e Rise And Fall, Part 2, brano dalle venature anche dark. La parte finale cresce ancora con le lente e romantiche armonie prog di Heart Attack, tra Genesis e Marillion e le due mini suite, Atlantis e Ark Of Infinity, entrambe prog epico e maestoso che precede il sound futuro dei Pallas. L’album non convinse, ma i Pallas sono già pronti con nuove idee nuovi brani.

Autore: Pallas	Titolo Album: The Sentinel
Anno: 1984 (ristampa del 1992)	Casa Discografica: Harvest Records
Genere musicale: Progressive Rock	Voto: 7
Tipo: LP/CD	Sito web: www.pallasofficial.com
Membri band: Ronnie Brown – tastiere, synth, pianoforte, cori Derek Forman – batteria, percussioni Euan Lowson – voce, cori Nial Mathewson – chitarra, cori e synth Graeme Murray – basso, cori, chitarra	Tracklist: 1. Shock Treatment 2. Out And Run 3. Eyes In The Night (Arrive Alive) 4. Rise And Fall, Part 1 5. Eastwest 6. March On Atlantis 7. Rise And Fall, Part 2 8. Heart Attack 9. Atlantis 10. Ark Of Infinity

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Pallas, Progressive

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04th Set2020

Quiet Riot – Quiet Riot

by Giancarlo Amitrano

Non ci dispiace affatto interessarci ad una (ennesima) leggenda dell’hard’n’heavy losangelino e non solo: la storia della band che cercheremo analizzare attraverso i suoi album, nonché la sventura che ripetutamente e tragicamente si è accanita su di essa, deve necessariamente essere esaminata e (ri)conosciuta. Dal primo embrione della band, a nome Little Woman, scaturisce in fretta quella che sarà la line-up definitiva degli inizi della carriera: dopo aver penato non poco a trovare una major disposta a finanziare il loro esordio, nonché aver cambiato il moniker in quello storico, il ramo nipponico della Cbs si decide ad ingaggiarli pur a discapito della pubblicazione del disco d’esordio nella sola Terra del Sol Levante. Ma tant’è ed i Nostri si mettono davvero d’impegno nel non lesinare note e quant’altro in questo lenght di debutto che, proprio a causa del clamoroso successo riscontrato in Oriente, verrà in seguito a gran voce ristampato anche nel resto del mondo, U.S.A. in primis. Andiamo, allora, ad occuparci delle tracce del disco. Si comincia con It’s Not So Funny ed il suo intro ad opera del compiantissimo Rhoads, su cui si innesta in fretta una solida batteria con Forsyth sugli scudi, mentre la sei corde appare quasi “sdoppiata” tanto si nota la sua presenza; ovviamente, si intravvedono già le potenzialità vocali del solido Dubrow al microfono, che fa apparire la traccia quasi un brano pop glam per i suoi ritmi scanzonati e canzonatori, come ebbe a dire all’epoca il famoso critico Martin Popoff.

Si prosegue con il poderoso drumming iniziale di Mama’s Little Angels e le tempistiche molto rilassate, grazie ad un cantato molto tranquillo che Dubrow riesce a ben padroneggiare, facendo scivolare il chitarrismo preciso e “metronomico” in una affiatata cadenza: ancora sezione ritmica sugli scudi e refrain declamato a pieni polmoni dal singer che non lesina acuti e gridolini tuttavia ben assestati. Tin Soldier viene molto ben “coverizzata” nel senso che le melodie sono molto simili a quelle originarie degli indimenticati Steve Marriott e Ronnie Lane degli Small Faces: canto modulato, ascia in sottofondo ma non troppo, drumming molto “crashato” e basso potente e presente che conduce alla fine il brano senza fronzoli soverchi. Ravers è un brano tosto in cui la sei corde funge anche da ottima ritmica, che vede la band maestra già nel saper ben legare le varie anime del gruppo, quella metallara di singer ed axeman e quella più “ruffiana” di basso e batteria, che alla fine si amalgamano bene in un contesto forte e potente, come dimostra il signor assolo della traccia. Back To The Coast , scritta da Randy e dal fratello Kelle, è un simpatico hard’n’roll che vede in primo piano il background vocale che supporta e riempie bene la già corposa voce di Dubrow. È il refrain ad entrare prepotentemente nelle nostre orecchie, ripetitivo e non stancante nella sua continuità, a tutto vantaggio degli esordi della band.

La seconda cover del disco è Glad All Over, piacevole e monellesco remake di una hit dei Dc5: in questo caso, il gruppo non stravolge il brano, rendendolo tale quale all’originale, rock’n’roll scanzonato e scapestrato, arricchito dalla voce di Dubrow e dai ghirigori del gruppo che sa ben cimentarsi anche in tracce “facili” come quella in questione. Get Your Kicks inizia con un breve e marziale drumming che Forsyth esibisce, mentre l’ascia di Rhoads diviene in fretta molto infuocata: canta bene, eccome, Dubrow ed in questo viene facilitato certamente dal potente ritmo del brano, che gli consente le giuste pause con i numerosi crash imposti dal batterista ed i vari intermezzi potenti che la sei corde inframezza alle evoluzioni vocali, che possono quindi riposare grazie al solo importante del buon RR. Look In Any Window ha una linea molto pesante, imposta dagli screaming che Dubrow volutamente allunga su ogni nota, consentendo al resto della band di ben preparare la sua entrata: sono arpeggi a tinte forti, quelli e della chitarra e della sezione ritmica che fa sentire il suo peso specifico all’interno del brano che è tra i più articolati del disco. Just How You Want It è già “visionario”, pur nella sua breve durata: la voce è spezzettata, attenta a piazzarsi a dovere al momento giusto, ovvero quando non è Rhoads a riempire con i suoi arpeggi e bisogna dire che il connubio riesce bene, con passaggi azzeccati che non si intersecano o sovrappongono a vuoto fra di loro; l’intermezzo centrale a base di semiacustica lascia in fretta il campo ad una svisatona di quelle che tanto piaceranno a qualcuno che “trama” dall’altra parte dell’Oceano.

Riot Reunion è un altro brano molto breve e “rilassato”: relativamente rilassato, perché il piglio del canto è deciso mentre il (ci)piglio della sei corde giaà vira verso quelle evoluzioni che in seguito saranno delizia per centinaia di migliaia di ascoltatori nel mondo. Con Fit To Be Tied ascoltiamo un altro brano molto “elementare”, ma impreziosito dalle già rilevanti doti tecniche dei componenti: Dubrow riesce bene anche in alcuni passaggi in cui fa uso del “falsettone”, pur virilmente corroborato da una sei corde sempre torrida; le rullate di Forsyth sono ben dentro il pezzo, mentre Garni può a ragione rivendicare il ruolo di cofondatore del gruppo. Si chiude con Demolition Derby e la rullata pesantissima del drummer, per il brano appunto più tosto del disco: una cavalcata hardissima ed arditissima dove la band si spinge a velocità supersonica in un brano che pare ricalcare in anticipo la sorte di diverse band a stelle e strisce che di lì a poco si getteranno fameliche nella scia dura e pura dei Nostri (tra gli altri, Mike Batio e Co.). Si chiude così il primo step dei californiani che stanno già per andare incontro alla storia.

Autore: Quiet Riot	Titolo Album: Quiet Riot
Anno: 1977	Casa Discografica: Cbs
Genere musicale: Heavy Metal	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: www.quietriot.band
Membri Band: Randy Rhoads – chitarra Kevin Dubrow – voce Kelli Garni – basso Drew Forsyth – batteria	Tracklist: 1. It’s Not So Funny 2. Mama’s Little Angels 3. Tin Soldier 4. Ravers 5. Back To The Coast 6. Glad All Over 7. Get Your Kicks 8. Look In My Any Window 9. Just How You Want It 10. Riot Reunion 11. Fit To Be Tied 12. Demolition Derby

Category : Recensioni

Tags : Album del passato, Heavy Metal, Quiet Riot

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