Sparzanza – Announcing The End

Nella scena alternative metal europea il nome Sparzanza non è nuovo, la band è attiva da circa venti anni e oltre a diversi capitoli discografici il nome è circolato anche in numerosi festival europei. Nel 2017, dopo circa 3 anni di silenzio in studio, tornano sulle scene con Announcing The End, un lavoro che li incastra senza timore nel pieno dell’alternative metal di scuola americana, con quel sound molto groovy irrobustito da riff rotondi che alimentano un headbanging cadenzato ma irruento. Non a caso ascoltare pezzi come Vindication o The Dark Appeal attira l’attenzione anche di chi è distratto, un heavy graffiante ma non estremo, confezionato molto bene in quanto a songwriting, bene (migliorabile) in quanto a produzione. Il profilo compositivo infatti è da band mainstream, i brani sono pensati e curati, compatti sia a livello chitarristico che ritmico; la produzione è appunto buona ma si è optato per dei suoni cupi per dare un alone dark al sound, cosa che secondo noi poteva essere evitata a vantaggio di un profilo molto più pulito ed affilato. L’esempio calzante è To The One, la cui strofa risulta assolutamente insipida e fa mettere in dubbio le quotazioni della band; il ritornello punta ad innalzare l’umore ma ci riesce parzialmente, ascoltare per credere.

In quanto ad originalità vi sono diversi rimandi al metal decisamente più noto come Damnation che ci ricorda qualcosa di sponda Volbeat o la prima parte di One Last Breath che sembra figlia degli Avenged Sevenfold. A noi piace The Trigger che è più scattante rispetto agli altri momenti, il quintetto qui spinge sull’acceleratore e guadagna in cattiveria, sensazione del tutto assente ad esempio nella pacata Breathe In The Fire. Altro momento da segnalare è We Are Forever che, pur facendoci tornare alla mente qualche chorus dei Bullet For My Valentine, è carico di energia e di sudore. Announcing The End è un album maturo, scritto per puntare ai grandi numeri e come ogni opera che si pone questo obiettivo manca di spigoli e gesti coraggiosi, cosa che ne indebolisce per noi il valore qualitativo. Dal vivo però non mancherà di regalare emozioni.

Egokills – Mellowhead

Bel connubio di idee quelle mostrate dal combo finlandese dal nome Egokills, un quintetto che giunge al secondo album con questo Mellowhead dal sapore molto heavy ma dalla colonna portante potremo dire alternative metal. I brani infatti sembrano tutti delle rock song a cui però sono state iniettate dosi letali di metal (probabilmente anche in fase produttiva) facendo assumere un carattere più cattivo. I brani si presentano in maniera molto catchy, i ritornelli aderiscono molto bene, ripetuti il giusto, e i riff arrivano al primo ascolto. Le linee vocali di Janne Selo ci ricordano molto l’ugola di Axl Rose portandosi dietro un sapore acuto, vintage e hard rock che pochi singer riescono a fondere. In generale sembra di assistere ad uno show di una grunge band (ascoltare Evolve) che è stata proiettata negli anni ’10 passando per il nu metal e dopo essere stata adeguatamente pulita (in termini sonori) da cima a fondo per attualizzarla ai nostri giorni. Le sembianze alternative a cui facevamo riferimento prima arrivano in alcuni passaggi, come nel groove di White Flags e proprio di Evolve, mentre qua e là compaiono parti più spigolose (potremo dire finlandesi conoscendo quella scena).

Il brano più rock del lotto, a tratti crossover, è Dysfunctional che nelle strofe ci ricorda alcune soluzioni ereditate dai Faith No More, per poi virare su un sound più pieno nel ritornello; al contrario i tempi si accelerano in P.D.M. (Perpetual Destruction Machine), un pezzo che contiene tanta grinta e nel quale un plauso va dato alle linee di basso nonché alle due chitarre che realizzano un ottimo lavoro. Una prova davvero interessante, un album alternative metal che è in grado di produrre massimo godimento per chi ha macinato tonnellate di rock di fine secolo scorso.

Hybridized – Mental Connections

Arrivano dalla capitale e dopo un po’ di peripezie realizzano questo EP che si avvicina maggiormente a una demo per presentare il sound del progetto. Tre tracce e due videoclip. Passato lo scoglio della produzione (che non è soddisfacente, sì confà molto al concetto di demo, sicuramente sarà migliorata sulle uscite future) l’approccio musicale del quintetto risulta molto compatto, fortemente debitore ai Pantera ma con un growling più cattivo, quasi death metal. I riff poggiano fortemente sui pilastri del groove metal, anche se il fantasta del death metal giunge più prepotentemente con l’ultima House Of Nightmares, chissà che i ragazzi non stiano sperimentando questi binari per adottare una forma più spigolosa in futuro. La tecnica comunque c’è, il riffing non richiede tonnellate di esercizi stilistici ma gli assoli confermano che dietro c’è una perizia non da tutti, su tutti l’assolo di Live In A Lie ci lascia a bocca aperta; per quanto riguarda i videoclip contenuti nell’EP, la versione Evil Dead di House Of Nightmares è truculenta a sufficienza per conquistare i fan di Carcass e F.K.U..

Ottimo l’artwork e in generale il progetto grafico. Sicuramente per un prossimo full-lenght gli Hybridized devono lavorare su un ambito produttivo di gran lunga superiore, ma le fondamenta sono gettate e sono solide.

Foredawn – Foredawn

Foredawn è l’omonimo debut album della band nostrana. Ci troviamo di fronte a una compagine che ama sperimentare nei canoni dell’alternative rock/metal. Attraverso chorus ben memorizzabili i nostri riescono a restare impressi nella mente dell’ascoltatore grazie anche ad arrangiamenti che spaziano dall’electro a basi più rocciose, dove i riff di chiara matrice metal riescono a incidere, senza mai risultare noiosi o inappropriati, come nel caso di Insidious Dark. Ancora una volta noto con piacere che la nostra penisola è in grado di buttare fuori buoni prodotti, come sempre credo che cercare altrove quello che abbiamo dietro l’angolo di casa sia davvero poco sensato. Un punto in più mi sento di attribuirlo alla female singer Irene Franco, la sua prestazione mi ha davvero convinto, nonostante si tratti di una voce melodica, anche nelle parti dove c’è da tirare fuori grinta e decisione trovo sia comunque a suo agio.

Il disco d’esordio dei Foredawn è da tenere in considerazione, se il buon giorno si vede dal mattino, possiamo dire che oggi il sole splende. Avanti così! In alto il nostro saluto!

Brain Distillers Corporation – Medicine Show

Medicine Show è il nuovo full lenght dei Brain Distillers Corporation, formazione nostrana dedita a un alternative metal, contaminato da più generi. Dalle prime note di questo disco la sensazione è di trovarci di fronte a una formazione che, nonostante il rimando agli States sia più che evidente, non ha nulla da invidiare agli esimi colleghi d’oltreoceano. I brani sono tutti confezionati molto bene, grazie a una produzione cristallina, coadiuvata da arrangiamenti pensati e sensati. Il genere proposto si è detto che oscilla tra l’alternative e il groove metal, nonostante ci sono sfumature che padroneggiano sul resto, ad esempio si evidenziano rimandi al grunge, quello degli Alice in Chains, (la cover di Main In A Box conferma la stima) ma non è tutto, a tratti emerge lo stoner di ultima generazione, come nel caso della piacevole In The Land Of Colours, in possesso di un chorus che difficilmente riesce a non entrare nella testa dell’ascoltatore. I Brain Distillers Corporation sono una formazione da tenere sott’occhio, la caratura tecnica c’è tutta, i pezzi anche, l’atteggiamento pure, insomma non manca nulla per il prossimo e decisivo passo verso una conferma che la band certamente può reclamare.

Una parola in più la vorrei spendere per il singer Marco Pasquariello, autore di una prova di grande spessore, sotto ogni punto di vista. Siete fan di Black Label Society, Alice in Chains, Disturbed, Alter Bridge? Fate vostro Medicine Show e non ve ne pentirete!

Don Broco – Technology

Già i primi assaggi del nuovo album dei Don Broco avevano preannunciato un gran lavoro. Ma cerchiamo di capire bene il sound e il target dei quattro ragazzi di Bedford. Per apprezzare bene la loro musica bisogna aver vissuto a pieno la scena nu metal degli anni 90, quando il metal stava inglobando i pattern groove (genere che poi si è tramutato in alternative metal), i brani erano pieni di stop & go e l’esplosione arrivava come un calcio in culo che non ti aspettavi e iniziavi a saltare come un matto (chiedere lumi ai Limp Bizkit). Ma non bastano queste soluzioni per i Don Broco perché una ricetta come questa puzzerebbe di stantio da un miglio di distanza dal tasto play. E allora i ragazzi decidono di ingerire chili e chili di effetti, di elettronica e vestire così dei panni moderni che possano piacere ad un pubblico giovane, visto che chi ascoltava il nu metal oggi non porta più i calzoncini corti; linee vocali e alcune scelte compositive rendono giustizia ai gusti più “teen” senza però infrangere la preziosa fiducia del pubblico metal che troverà mordente nei riff dei Don Broco. Basta ascoltare il singolo T-Shirt Song (attualmente sulla soglia delle 300.000 view su youtube a 5 mesi dalla pubblicazione) per capire che queste due anime vivono molto bene all’interno di un unico sound, è questo non è solo un incastro eccezionale (incastro ad esempio non ugualmente riuscito nella troppo adolescenziale Come Out In LA) ma la dimostrazione che i ragazzi hanno una grandissima capacità di songwriting e tante idee.

Poi ci si accede ad una terza anima che è quella del mondo delle dance floor perché molte delle soluzioni, sonore e produttive, sono vicine proprio a quel pubblico e ipotizziamo tanti remix spendibili in discoteca qualora i Don Broco diventino un fenomeno ancora più grande rispetto al seguito che hanno costruito nei loro 3 full-lenght. Finito qui? No perché, seppur border-line, iniettano nelle loro trame alcune soluzioni di metalcore melodico che però sono sempre al servizio del concetto musicale trasversale della band. Ma un’analisi per comparti stagni (come forse ahimé stiamo facendo) non rende bene il potenziale di Technology, perché tutti i fattori di cui vi abbiamo parlato sono mescolati come tante vernici colorate che vengono inserite in un unico contenitore e il risultato finale è un elemento chimico difficile da scompattare ma dall’impatto multisensoriale indubbiamente significativo. Il nome dell’album sicuramente rende giustizia ad una delle band più avanti della scena metal e non solo, una band che guarda al futuro della musica mentre sfreccia su di un prototipo volante alla velocità della luce. Seguiteli, se riuscite.

Godsmack – When Legends Rise

Scordatevi per un momento di chi stiamo parlando. Cancellate gli ultimi sei dischi e le facce da sporchi e cattivi, ignorate l’influenza che i Godsmack hanno avuto sulla scena alternative mondiale negli ultimi 15/20 anni. Se ci riuscite, non vi sarà difficile dare un voto almeno positivo a When Legends Rise, settimo lavoro in studio del combo del Massachussetts. Se invece fate parte della schiera degli oramai non più giovanissimi sostenitori della scena nu metal/alternative metal, cresciuti sulle note di dischi come Awake, Faceless e compagnia bella il vostro giudizio su questo album potrebbe subire un drastico calo verticale. Il singolo Bulletproof che ha preceduto l’uscita dell’album aveva già lasciato qualche dubbio, dominato da un sound confezionato ad hoc per il passaggio radiofonico, e caratterizzato da una produzione molto più morbida e commerciale rispetto ai precedenti lavori. Anche l’assolo di chitarra letteralmente “rubato” ai Paramore la dice lunga sul target di ascoltatori a cui il pezzo è rivolto.

Il disco si apre con quattro potenziali singoli, che scorrono lisci come l’olio, di piacevole ascolto e senza lasciare a chi ascolta nulla di più di qualche ritornello davvero orecchiabile. Il cambio di sound è evidente, con una decisa virata all’hard rock da grande pubblico. La voce di Sully Erna si dimostra duttile e a proprio agio anche in questo contesto, esplodendo in numerosi chorus da stadio, ma mai pienamente convincenti. Il più penalizzato da questo cambio stilistico risulta sicuramente Shannon Larkin che mentre nei precedenti lavori aveva dimostrato di essere uno dei batteristi più talentuosi ed aggressivi del genere, viene invece relegato nel ruolo di ordinario musicista. Ogni tanto qualche sprazzo di veri Godsmack sembra resuscitare (Take It To The Edge, Unforgettable), con chitarroni maltrattati e uso smodato di wah-wah, ma viene subito smorzato dal solito ritornello in stile Nickelback, come a far rientrare tutti nei ranghi dell’obbiettivo preposto. Ed è proprio questo che si percepisce per tutto il disco. Un obiettivo a monte, deciso seduti intorno ad un tavolo, e non certo con in mano una Gibson.

L’intero disco sembra una fucina di singoli radiofonici, ma non decolla mai. Nessun brano spicca sugli altri, e la struttura “intro cazzuto/ritornello orecchiabile” inizia a stufare dopo i primi tre pezzi. Sicuramente volto ad innalzare i Godsmack a grande nome da cartellone nei maggiori festival, When Legends Rise è da considerare un disco ben fatto e di facile ascolto, ma di certo non una pietra miliare della loro discografia o del genere. Insomma, una volta finito di canticchiare viene voglia di rimetterlo nella custodia e sparare a tutto volume Crying Like a Bitch.

Wolf Theory – Hate & Love

Chiamarlo supergruppo sarebbe sicuramente impattante a livello promozionale e congeniale alla band di cui stiamo parlando, ma noi preferiamo chiamarlo un gruppo di amici che per passione ha voluto unire le forze e partire con una nuova avventura. Il fatto che siano tutti musicisti non di primo pelo (ex membri di Mellowtoy ed Exilia) è una duplice garanzia: la prima relativa al fatto che il progetto è preso con assoluta serietà, non con l’insana sprovvedutezza di chi è alla prima esperienza musicale, e la seconda è che si portano dietro un bagaglio di esperienza che non può non essere inserito nelle nuove composizioni. Così ogni singola traccia di questo EP è caratterizzata da una maturità stilistica difficile da trovare in altre autoproduzioni tricolore, lo spessore dei musicisti si nota: non siamo di fronte ad un EP di rabbia né spigoloso nei suoi pattern, piuttosto qualcosa di compatto, che conosce bene il percorso da imboccare e gli abiti che intende indossare. I Wolf Theory realizzano una manciata di tracce che abbracciano l’alternative metal di sponda americana e che potrebbe risultare la risposta al nu metal in via di estinzione fagocitata dai nuovi suoni (elettronica) ai quali sempre più band non riescono a resistere. Ascoltare brani come Overdose Control ci rimandano proprio a quel nu metal anni 90 che vedeva nel chorus l’esplosione della traccia e una carica adrenalinica autorevole.

I brani possiedono tutti un grande potenziale in sede live, ambiente in cui sicuramente rendono al meglio. L’incursione dell’elettronica è incisiva ma non invasiva: se nell’opener Snow viene utilizzata per potenziale alcuni riff/partiture in Joker funge da arrangiamento per lasciare invece più spazio alle parti elettriche. Questo è l’elemento caratterizzante dei Wolf Theory all’interno della scena alternative metal, scena nella quale il quartetto si piazza egregiamente con le capacità di fungerne da timone verso un’affermazione di queste sonorità anche nel nostro Paese.

Blood Inc. – Blood Inc.

La copertina di questo Blood Inc. sembra una locandina di un film horror, con tutti i suoi cliché: penombra, posto abbandonato, bambina con abitino bianco sporco di sangue, capelli davanti al volto, palloncino rosso, ombra differente che mostra la bambina brandire un coltellaccio. Insomma c’è tutta l’iconografia classica, e banale, del genere cinematografico al quale i Blood Inc. non nascondono di ispirarsi. A corredo, la tradizionale foto all’interno di un cimitero delle auto; goliardia o convinzione poco importa, questi Blood Inc. sono ciò che mettono in mostra. Alternative metal di ispirazione horror con qualche incursione di elettronica ed effetti speciali del cinema di genere. L’accostamento con Rob Zombie è naturale e quasi scontato; il brano di apertura, Lucky Number 13, toglie anche i pochissimi dubbi rimasti. Canzoni per film horror ispirati da film horror, that’s it. Per gli amanti dei generi, horror e metal, suonerebbe come una buona notizia; in realtà, come troppo spesso accade, i film horror di elevata qualità sono veramente pochissimi e gli altri sono tutti riempitivi per tenere buoni i cultori, in attesa del capolavoro. Questo Blood Inc. è un album di tutto rispetto e ambizioso, piacevole e di qualità, ma allo stesso tempo non troppo emozionante né sorprendente. In The House, come in gran parte di tutto il lavoro del gruppo milanese, il rimando vocale e ritmico è a Dave Mustaine e ai suoi Megadeth. Tra porte che scricchiolano e urla di ragazze impaurite si scatena l’elettro metal di Bleed Pray Die, uno dei brani più riusciti. Chiude la cavalcante Spit On Your Grave, dritta e ritmata, sempre filo-Megadeth, che sa proprio di main theme di un horror di mezza estate.

Se l’intento era quello di “far paura”, siamo lontani dai maestri delle soundtrack horror; se invece, e credo sia così, il fine è quello di fare un buon album metal, dedicato e ispirato dal mondo del cinema horror, più che d’accordo. Con un adeguato set live potrebbero essere un prodotto davvero interessante da vedere su un palco. L’augurio è che possa diventare una bella saga.

L’Ora X – Sottovoce

Sottovoce è l’opera prima de L’Ora X, il nuovo progetto dei fratelli Gabriele ed Ilario Mangano, (già membri degli Yattafunk) e si presenta, nelle intenzioni, come un condensato di sonorità metal e rap edulcorate da influenze pop, il tutto asservito a tematiche intimiste e di denuncia sociale che fanno da sfondo alla raccolta. Nella sostanza, sebbene l’album si poggi su di un sound aggressivo con qualche spunto interessante sia nei testi che nelle musiche, il risultato finale appare stilisticamente poco personale, permeato da ansie adolescenziali (Animae, Io Ci Sarò o Che Sarà Di Noi) e ben lontano da quella identificazione nell’alternative metal a cui il duo sembra dichiararsi nelle intenzioni. Spiace sempre essere lapidari, ma a questo album manca palesemente una direzione artistica forte ed identitaria che conferisca una personalità precisa al progetto. Troppi generi frullati insieme (Che Sarà Di Noi), troppe incertezze nel flow e nelle barre (Sweet Home Roma Est ed X), troppi elementi stilistici palesemente presi in prestito da sonorità diametralmente opposte (Daimyo sembra ispirata ai Deftones, Io Ci Sarò agli 883). La mediocre cover elettrificata della famosa hit di Battisti, Non È Francesca, e le atmosfere acustiche della melensa title track, altro non sono che il sigillo finale che serve per seppellire Sottovoce in un grigio crossover borderline, dove convivono, come in un limbo, tutte le confuse ed incerte anime sonore dei due ragazzi romani.

Da rivedere infine anche le forme interpretative utilizzate (rap, growl, scream, melodico), sempre contrastanti e stridenti tra loro, sia nel track by track che all’interno degli stessi brani (Che Sarà Di Noi ne è l’emblema topico); un risultato che non aiuta mai l’ascoltatore a delineare il peso specifico della vocalità di un volenteroso ma poco concludente Gabriele, soprattutto sull’aspetto emotivo. Quando si hanno troppe cose da dire e si utilizzano forme sempre diverse per farle uscire fuori, il rischio di scivolare nella confusione e scadere nel fuori traccia, è un azzardo con cui anche i musicisti più navigati fanno necessariamente i conti ogni volta ed ad ogni prova. Se ci si cimenta con troppo nell’intenzione di voler dimostrare di saper fare tutto, si finisce sul serio di sopravvivere in qualità a davvero molto poco.