Brain Distillers Corporation – Medicine Show

Medicine Show è il nuovo full lenght dei Brain Distillers Corporation, formazione nostrana dedita a un alternative metal, contaminato da più generi. Dalle prime note di questo disco la sensazione è di trovarci di fronte a una formazione che, nonostante il rimando agli States sia più che evidente, non ha nulla da invidiare agli esimi colleghi d’oltreoceano. I brani sono tutti confezionati molto bene, grazie a una produzione cristallina, coadiuvata da arrangiamenti pensati e sensati. Il genere proposto si è detto che oscilla tra l’alternative e il groove metal, nonostante ci sono sfumature che padroneggiano sul resto, ad esempio si evidenziano rimandi al grunge, quello degli Alice in Chains, (la cover di Main In A Box conferma la stima) ma non è tutto, a tratti emerge lo stoner di ultima generazione, come nel caso della piacevole In The Land Of Colours, in possesso di un chorus che difficilmente riesce a non entrare nella testa dell’ascoltatore. I Brain Distillers Corporation sono una formazione da tenere sott’occhio, la caratura tecnica c’è tutta, i pezzi anche, l’atteggiamento pure, insomma non manca nulla per il prossimo e decisivo passo verso una conferma che la band certamente può reclamare.

Una parola in più la vorrei spendere per il singer Marco Pasquariello, autore di una prova di grande spessore, sotto ogni punto di vista. Siete fan di Black Label Society, Alice in Chains, Disturbed, Alter Bridge? Fate vostro Medicine Show e non ve ne pentirete!

Don Broco – Technology

Già i primi assaggi del nuovo album dei Don Broco avevano preannunciato un gran lavoro. Ma cerchiamo di capire bene il sound e il target dei quattro ragazzi di Bedford. Per apprezzare bene la loro musica bisogna aver vissuto a pieno la scena nu metal degli anni 90, quando il metal stava inglobando i pattern groove (genere che poi si è tramutato in alternative metal), i brani erano pieni di stop & go e l’esplosione arrivava come un calcio in culo che non ti aspettavi e iniziavi a saltare come un matto (chiedere lumi ai Limp Bizkit). Ma non bastano queste soluzioni per i Don Broco perché una ricetta come questa puzzerebbe di stantio da un miglio di distanza dal tasto play. E allora i ragazzi decidono di ingerire chili e chili di effetti, di elettronica e vestire così dei panni moderni che possano piacere ad un pubblico giovane, visto che chi ascoltava il nu metal oggi non porta più i calzoncini corti; linee vocali e alcune scelte compositive rendono giustizia ai gusti più “teen” senza però infrangere la preziosa fiducia del pubblico metal che troverà mordente nei riff dei Don Broco. Basta ascoltare il singolo T-Shirt Song (attualmente sulla soglia delle 300.000 view su youtube a 5 mesi dalla pubblicazione) per capire che queste due anime vivono molto bene all’interno di un unico sound, è questo non è solo un incastro eccezionale (incastro ad esempio non ugualmente riuscito nella troppo adolescenziale Come Out In LA) ma la dimostrazione che i ragazzi hanno una grandissima capacità di songwriting e tante idee.

Poi ci si accede ad una terza anima che è quella del mondo delle dance floor perché molte delle soluzioni, sonore e produttive, sono vicine proprio a quel pubblico e ipotizziamo tanti remix spendibili in discoteca qualora i Don Broco diventino un fenomeno ancora più grande rispetto al seguito che hanno costruito nei loro 3 full-lenght. Finito qui? No perché, seppur border-line, iniettano nelle loro trame alcune soluzioni di metalcore melodico che però sono sempre al servizio del concetto musicale trasversale della band. Ma un’analisi per comparti stagni (come forse ahimé stiamo facendo) non rende bene il potenziale di Technology, perché tutti i fattori di cui vi abbiamo parlato sono mescolati come tante vernici colorate che vengono inserite in un unico contenitore e il risultato finale è un elemento chimico difficile da scompattare ma dall’impatto multisensoriale indubbiamente significativo. Il nome dell’album sicuramente rende giustizia ad una delle band più avanti della scena metal e non solo, una band che guarda al futuro della musica mentre sfreccia su di un prototipo volante alla velocità della luce. Seguiteli, se riuscite.

Godsmack – When Legends Rise

Scordatevi per un momento di chi stiamo parlando. Cancellate gli ultimi sei dischi e le facce da sporchi e cattivi, ignorate l’influenza che i Godsmack hanno avuto sulla scena alternative mondiale negli ultimi 15/20 anni. Se ci riuscite, non vi sarà difficile dare un voto almeno positivo a When Legends Rise, settimo lavoro in studio del combo del Massachussetts. Se invece fate parte della schiera degli oramai non più giovanissimi sostenitori della scena nu metal/alternative metal, cresciuti sulle note di dischi come Awake, Faceless e compagnia bella il vostro giudizio su questo album potrebbe subire un drastico calo verticale. Il singolo Bulletproof che ha preceduto l’uscita dell’album aveva già lasciato qualche dubbio, dominato da un sound confezionato ad hoc per il passaggio radiofonico, e caratterizzato da una produzione molto più morbida e commerciale rispetto ai precedenti lavori. Anche l’assolo di chitarra letteralmente “rubato” ai Paramore la dice lunga sul target di ascoltatori a cui il pezzo è rivolto.

Il disco si apre con quattro potenziali singoli, che scorrono lisci come l’olio, di piacevole ascolto e senza lasciare a chi ascolta nulla di più di qualche ritornello davvero orecchiabile. Il cambio di sound è evidente, con una decisa virata all’hard rock da grande pubblico. La voce di Sully Erna si dimostra duttile e a proprio agio anche in questo contesto, esplodendo in numerosi chorus da stadio, ma mai pienamente convincenti. Il più penalizzato da questo cambio stilistico risulta sicuramente Shannon Larkin che mentre nei precedenti lavori aveva dimostrato di essere uno dei batteristi più talentuosi ed aggressivi del genere, viene invece relegato nel ruolo di ordinario musicista. Ogni tanto qualche sprazzo di veri Godsmack sembra resuscitare (Take It To The Edge, Unforgettable), con chitarroni maltrattati e uso smodato di wah-wah, ma viene subito smorzato dal solito ritornello in stile Nickelback, come a far rientrare tutti nei ranghi dell’obbiettivo preposto. Ed è proprio questo che si percepisce per tutto il disco. Un obiettivo a monte, deciso seduti intorno ad un tavolo, e non certo con in mano una Gibson.

L’intero disco sembra una fucina di singoli radiofonici, ma non decolla mai. Nessun brano spicca sugli altri, e la struttura “intro cazzuto/ritornello orecchiabile” inizia a stufare dopo i primi tre pezzi. Sicuramente volto ad innalzare i Godsmack a grande nome da cartellone nei maggiori festival, When Legends Rise è da considerare un disco ben fatto e di facile ascolto, ma di certo non una pietra miliare della loro discografia o del genere. Insomma, una volta finito di canticchiare viene voglia di rimetterlo nella custodia e sparare a tutto volume Crying Like a Bitch.

Wolf Theory – Hate & Love

Chiamarlo supergruppo sarebbe sicuramente impattante a livello promozionale e congeniale alla band di cui stiamo parlando, ma noi preferiamo chiamarlo un gruppo di amici che per passione ha voluto unire le forze e partire con una nuova avventura. Il fatto che siano tutti musicisti non di primo pelo (ex membri di Mellowtoy ed Exilia) è una duplice garanzia: la prima relativa al fatto che il progetto è preso con assoluta serietà, non con l’insana sprovvedutezza di chi è alla prima esperienza musicale, e la seconda è che si portano dietro un bagaglio di esperienza che non può non essere inserito nelle nuove composizioni. Così ogni singola traccia di questo EP è caratterizzata da una maturità stilistica difficile da trovare in altre autoproduzioni tricolore, lo spessore dei musicisti si nota: non siamo di fronte ad un EP di rabbia né spigoloso nei suoi pattern, piuttosto qualcosa di compatto, che conosce bene il percorso da imboccare e gli abiti che intende indossare. I Wolf Theory realizzano una manciata di tracce che abbracciano l’alternative metal di sponda americana e che potrebbe risultare la risposta al nu metal in via di estinzione fagocitata dai nuovi suoni (elettronica) ai quali sempre più band non riescono a resistere. Ascoltare brani come Overdose Control ci rimandano proprio a quel nu metal anni 90 che vedeva nel chorus l’esplosione della traccia e una carica adrenalinica autorevole.

I brani possiedono tutti un grande potenziale in sede live, ambiente in cui sicuramente rendono al meglio. L’incursione dell’elettronica è incisiva ma non invasiva: se nell’opener Snow viene utilizzata per potenziale alcuni riff/partiture in Joker funge da arrangiamento per lasciare invece più spazio alle parti elettriche. Questo è l’elemento caratterizzante dei Wolf Theory all’interno della scena alternative metal, scena nella quale il quartetto si piazza egregiamente con le capacità di fungerne da timone verso un’affermazione di queste sonorità anche nel nostro Paese.

Blood Inc. – Blood Inc.

La copertina di questo Blood Inc. sembra una locandina di un film horror, con tutti i suoi cliché: penombra, posto abbandonato, bambina con abitino bianco sporco di sangue, capelli davanti al volto, palloncino rosso, ombra differente che mostra la bambina brandire un coltellaccio. Insomma c’è tutta l’iconografia classica, e banale, del genere cinematografico al quale i Blood Inc. non nascondono di ispirarsi. A corredo, la tradizionale foto all’interno di un cimitero delle auto; goliardia o convinzione poco importa, questi Blood Inc. sono ciò che mettono in mostra. Alternative metal di ispirazione horror con qualche incursione di elettronica ed effetti speciali del cinema di genere. L’accostamento con Rob Zombie è naturale e quasi scontato; il brano di apertura, Lucky Number 13, toglie anche i pochissimi dubbi rimasti. Canzoni per film horror ispirati da film horror, that’s it. Per gli amanti dei generi, horror e metal, suonerebbe come una buona notizia; in realtà, come troppo spesso accade, i film horror di elevata qualità sono veramente pochissimi e gli altri sono tutti riempitivi per tenere buoni i cultori, in attesa del capolavoro. Questo Blood Inc. è un album di tutto rispetto e ambizioso, piacevole e di qualità, ma allo stesso tempo non troppo emozionante né sorprendente. In The House, come in gran parte di tutto il lavoro del gruppo milanese, il rimando vocale e ritmico è a Dave Mustaine e ai suoi Megadeth. Tra porte che scricchiolano e urla di ragazze impaurite si scatena l’elettro metal di Bleed Pray Die, uno dei brani più riusciti. Chiude la cavalcante Spit On Your Grave, dritta e ritmata, sempre filo-Megadeth, che sa proprio di main theme di un horror di mezza estate.

Se l’intento era quello di “far paura”, siamo lontani dai maestri delle soundtrack horror; se invece, e credo sia così, il fine è quello di fare un buon album metal, dedicato e ispirato dal mondo del cinema horror, più che d’accordo. Con un adeguato set live potrebbero essere un prodotto davvero interessante da vedere su un palco. L’augurio è che possa diventare una bella saga.

L’Ora X – Sottovoce

Sottovoce è l’opera prima de L’Ora X, il nuovo progetto dei fratelli Gabriele ed Ilario Mangano, (già membri degli Yattafunk) e si presenta, nelle intenzioni, come un condensato di sonorità metal e rap edulcorate da influenze pop, il tutto asservito a tematiche intimiste e di denuncia sociale che fanno da sfondo alla raccolta. Nella sostanza, sebbene l’album si poggi su di un sound aggressivo con qualche spunto interessante sia nei testi che nelle musiche, il risultato finale appare stilisticamente poco personale, permeato da ansie adolescenziali (Animae, Io Ci Sarò o Che Sarà Di Noi) e ben lontano da quella identificazione nell’alternative metal a cui il duo sembra dichiararsi nelle intenzioni. Spiace sempre essere lapidari, ma a questo album manca palesemente una direzione artistica forte ed identitaria che conferisca una personalità precisa al progetto. Troppi generi frullati insieme (Che Sarà Di Noi), troppe incertezze nel flow e nelle barre (Sweet Home Roma Est ed X), troppi elementi stilistici palesemente presi in prestito da sonorità diametralmente opposte (Daimyo sembra ispirata ai Deftones, Io Ci Sarò agli 883). La mediocre cover elettrificata della famosa hit di Battisti, Non È Francesca, e le atmosfere acustiche della melensa title track, altro non sono che il sigillo finale che serve per seppellire Sottovoce in un grigio crossover borderline, dove convivono, come in un limbo, tutte le confuse ed incerte anime sonore dei due ragazzi romani.

Da rivedere infine anche le forme interpretative utilizzate (rap, growl, scream, melodico), sempre contrastanti e stridenti tra loro, sia nel track by track che all’interno degli stessi brani (Che Sarà Di Noi ne è l’emblema topico); un risultato che non aiuta mai l’ascoltatore a delineare il peso specifico della vocalità di un volenteroso ma poco concludente Gabriele, soprattutto sull’aspetto emotivo. Quando si hanno troppe cose da dire e si utilizzano forme sempre diverse per farle uscire fuori, il rischio di scivolare nella confusione e scadere nel fuori traccia, è un azzardo con cui anche i musicisti più navigati fanno necessariamente i conti ogni volta ed ad ogni prova. Se ci si cimenta con troppo nell’intenzione di voler dimostrare di saper fare tutto, si finisce sul serio di sopravvivere in qualità a davvero molto poco.

Vital Breath – Angels Of Light

In Francia non esistono solo i Gojira a portare avanti il vessillo del metal, ma tante giovani formazioni valide come i Vital Breath, quartetto di heavy rock potente che arriva con questo Angels Of Light al secondo capitolo della propria carriera. Proprio sul confine tra rock e metal (ma più metal, a tratti alternative metal) si muovono i ragazzi che fanno del riffing e della buona scrittura le loro armi letali e riescono in diverse tracce di questo album a colpire l’attenzione. L’opener ci suggerisce qualche insegnamento di scuola Linkin Park, ma i generi scomodati dai Vital Breath sono di altra pasta: già l’accoppiata vincente successiva alla prima traccia, Welcome To My World / What About Love ci avvicina al mondo del metal e lo fa con un buon piglio. A noi piace più la cattiveria di Welcome To My World ma va detto che la costruzione di What About Love è da band con anni e anni di esperienza alle spalle: le cavalcate ritmiche sotto le strofe, il refrain del ritornello che resta impresso e gli intermezzi davvero accattivanti, tutto collocato al punto giusto, ricordando in parte gli ultimi Queensrÿche. Scelta coraggiosa in quanto a suoni, chitarre metal in prima linea che spesso sovrastano le parti vocali a cui non viene conferito il ruolo da protagonista per rimarcare la personalità dura dell’album, opzione assolutamente apprezzata.

Più si ascolta l’album e più ci si sofferma sulla parte chitarristica che sembra essere figlia dei Disturbed, di quel modo di suonare grezzo, metallico e rotondo ma senza voler a tutti i costi vendere l’anima alla velocità; vi sono alcune eccezioni come Brother un brano che non ci convince affatto durante le strofe dandoci l’impressione che voce e musica non parlino la stessa lingua. Interessanti anche gli inserti più curiosi come il rappato in Sorcerer o il ritornello ripetuto intensamente di Inside Devil, momenti che aggiungono del sale ad un piatto già di per sé saporito. Complimenti!

Alazka – Phoenix

Qualcuno li ricorderà come Burning Down Alaska, oggi si chiamano Alazka e pubblicano un esordio tramite il nuovo moniker che esce dritto per Arising Empire Records / SharpTone Records. Un album che tradisce le radici tedesche della band: fin dalle prime tracce Phoenix sembra un album d’oltreoceano, sia per le sonorità scelte, sia per le linee vocali spesso intrise di melodia (Legacy sfiora il pop), sia per gli effetti aggiunti in post-produzione, sia infine per quell’alone decisamente alternativo che l’album porta con sé. La nostra impressione è di aver messo a frutto i tanti ascolti di band come Bring Me The Horizon e My Chemical Romance e aver fuso l’animo metalcore più orientato alle classifiche e quello emo ma pur sempre con un graffio heavy; il risultato è questo album che suona sicuramente moderno e probabilmente anche indicato per i “nuovi ascolti” ma che non presenta segni di particolare interesse tra una traccia e l’altra e nel complesso risulta un po’ troppo “rotondo”. Ascoltarlo per intero infatti è come osservare un encefalogramma con pochissimi picchi, qualcosa che continua inesorabile secondo il suo personale ritmo e che non indica alcun azzardo, nessun elemento che dimostri originalità.

La proposta è collaudata e potente, pronta ad attecchire sul continente che conta a livello di numeri e noi siamo sicuri che uno spazio gli Alazka riusciranno a crearselo. Se però dovessimo presentarli come la new big thing allora avremo bisogno di un altro album composto e suonato con ben altro carisma rispetto a Phoenix. Assolutamente sconsigliato per chi è in cerca di heavy metal old school, potrebbe invece piacere a chi è legato al metalcore della seconda ondata (tipo All That Remains) o chi è aperto ai nuovi suoni.

Republica – Brutal & Beautiful

Esplosi già con il precedente Point Of No Return, terzo album per la band brasiliana, i Republica tornano con un nuovo album, il quarto della loro discografia, dopo una lunghissima attività dal vivo. Brutal & Beautiful il titolo, 11 tracce che confermano la loro vocazione internazionale (uno stile che non ha un’inclinazione particolare ma può essere esportato in tutto il mondo), in parte legata al trend dell’ultimo decennio (la scena alternative metal in discesa dopo la stanca del metalcore) e soprattutto il loro vero asso nella manica: il sound. Sì perché prima dei riff, prima delle partiture, degli arrangiamenti e delle variazioni di ogni singola traccia, la band intende presentare un suono creato stavolta insieme al produttore Matt Wallace, un suono in alcuni momenti potente e sporco, in altri pulito e pettinato ma molto spesso steso ai quattro venti insieme ad un appeal molto groove, tanto da ricordarci in più momenti gli Adrenaline Mob. Ascoltare brani come l’opener Black Wings, Broken o Endless Pain ci fa subito saltare dalla sedia, a differenza di altri momenti comunque interessanti ma più puliti e curati come Beautiful Lie o Everything.

In One Left In The Chamber i Republica provano anche ad inserire passaggi meno metal, che ci ricordano gli Iron Maiden periodo Blaze Bayley così come in Intimacy Of Your Soul tentano la ballad che poi esplode a metà percorso nemmeno fosse un brano in stile Metallica periodo Load / Reload. Compaiono poi anche brani più emozionanti come The Maze che presenta uno studio in fase di scrittura maggiore, un pezzo questo che colloca tutte le sfumature della band, da quelle più metal a quelle più ragionate. Brutal & Beautiful non è un album che ci sconvolge ma bisogna ammettere che presenta un variegato spettro di paesaggi diversi e che, in base ai brani promossi può piacere a pubblici diversi. Forse è questo il vero segreto che permette alla band, ad ogni nuovo album, di esibirsi dinanzi a platee sempre più ampie. Quindi non vi fermate ad un ascolto sommario perché qualcosa nei Republica che possa appagare i vostri gusti musicali ci sarà sicuramente.

He Is Legend – Few

Nuovo album per la band capitanata da Schuylar Croom (sempre in costante mutamento stilistico tra rock stoner e metalcore) che traina i suoi compagni verso un alternative metal che paga il debito a band come Pantera e Corrosion Of Conformity. L’ album si presenta bene con l’iniziale Air Raid che oltre a fare da apripista a conti fatti sarà il momento migliore dell’album e non a caso il primo singolo estratto dallo stesso, con relativo video che vede i Nostri impegnati on stage. Buone anche le successive Sand (datemi del pazzo ma c’è qualcosa nel refrain che ricorda I Kissed A Girl di Katy Perry) e Beaufort, melodiche quanto basta a non scoraggiare l’ascoltatore medio nonostante le stratificazioni delle chitarre distorte e i tempi sostenuti della sezione ritmica, buoni anche gli assoli mai autocelebrativi e di forte impatto emotivo. La successiva Silent Gold è una semi ballata alla Nickelback, dove Schuylar Croom dà sfoggio di una buona prestazione vocale che segue di pari passo tutte le influenze musicali che i suoi colleghi musicisti hanno finora sapientemente mescolato con un songwriting maturo e professionale.

A ulteriore conferma i Nostri sfoderano brani come Call-Ins e Fritz The Dog dalle inaspettate sfumature jazz, mostrando però un po’ il fianco in altri pezzi come Gold Dust e The Vampyre che sarebbero tranquillamente potute essere estromesse dall’album visto alcuni passaggi che le fanno apparire come dei riempitivi rispetto alle altre più ispirate composizioni. Di tutt’altro genere si parla nella conclusiva The Garden dal finale trascinante, dove finalmente i tempi si dilatano toccando i sei minuti di durata ovvero il doppio della media degli altri brani del disco, buono anche l’assolo conclusivo dalle sfumature psichedeliche. In generale tutte le tracce di Few godono di buone melodie (Alley Cat / Eastern Locust) e si lasciano ascoltare senza mai annoiare, forse manca una certa continuità qualitativa in una manciata di brani che avrebbe garantito alla band di sfornare un grande album piuttosto che delle grandi canzoni singole, ma a parte questo si parla comunque di un buon lavoro, promossi!